Riassunto

Salvador Dalí, nato a Figueras l'11 maggio 1904 e morto nella stessa città il 23 gennaio 1989, è stato un pittore, scultore, incisore, sceneggiatore e scrittore catalano di nazionalità spagnola. È considerato uno dei principali rappresentanti del surrealismo e uno dei pittori più famosi del XX secolo.

Influenzato dall'impressionismo fin da giovane, lascia Figueras per ricevere una formazione artistica accademica a Madrid, dove stringe amicizia con Federico García Lorca e Luis Buñuel e cerca il suo stile tra diversi movimenti artistici. Su consiglio di Joan Miró, dopo gli studi si trasferisce a Parigi e si unisce al gruppo surrealista, dove conosce la moglie Gala. Trovò il proprio stile a partire dal 1929, quando divenne un surrealista a tutti gli effetti e inventò il metodo paranoico-critico. Escluso dal gruppo qualche anno dopo, visse la guerra civile spagnola in esilio in Europa, prima di lasciare la Francia nel dopoguerra per New York, dove visse per otto anni e fece fortuna. Tornato in Catalogna nel 1949, si orienta verso il cattolicesimo, si avvicina alla pittura rinascimentale e si ispira agli sviluppi scientifici del suo tempo per sviluppare il suo stile verso quello che chiama "misticismo corpuscolare".

I suoi temi più frequenti erano i sogni, la sessualità, il cibo e sua moglie Gala e la religione. La persistenza della memoria è uno dei suoi dipinti surrealisti più famosi, il Cristo di San Giovanni della Croce è una delle sue opere principali con un motivo religioso. Artista di grande fantasia, mostrò una notevole tendenza al narcisismo e alla megalomania, che gli permise di attirare l'attenzione del pubblico, ma irritò alcuni nel mondo dell'arte, che videro in questo comportamento una forma di pubblicità che a volte andava oltre il suo lavoro. Durante la sua vita gli sono stati dedicati due musei, il Museo Salvador Dalí e il Teatro-Museo Dalí. Dalí stesso creò quest'ultima come opera surrealista a tutti gli effetti.

La simpatia di Dalí per Francisco Franco, la sua eccentricità e i suoi ultimi lavori rendono l'analisi della sua opera e della sua persona difficile e controversa.

L'infanzia

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech nasce al numero 20 di via Monturiol. Questa zona, l'Empordà, con il porto di Cadaqués, fungeva da "fondale, supporto e sipario" per il suo lavoro. Suo padre, Salvador Dalí y Cusi (1872-1952), era un notaio. Sua madre era Felipa Domènech Ferrés y Born (1874-1921). Nacque nove mesi dopo la morte del fratello, anch'egli di nome Salvador (1901-1903), morto di gastroenterite infettiva. Quando aveva cinque anni, i genitori lo portarono sulla tomba del fratello e gli dissero - secondo quanto riferito - che era la reincarnazione del fratello. Si dice che questa scena gli abbia dato la sensazione di essere una copia del fratello, così come la paura della sua tomba e il desiderio di dimostrare la sua unicità nel mondo.

"Sono nato doppio. Mio fratello, il primo tentativo di me stesso, un genio estremo e quindi non vitale, era vissuto ancora sette anni prima che i suoi circuiti cerebrali accelerati prendessero fuoco".

Il padre è descritto come autoritario o piuttosto liberale, a seconda delle fonti. In ogni caso, accettò senza troppe difficoltà che il figlio intraprendesse la carriera artistica, incoraggiato dalla rinascita artistica della Catalogna all'inizio del secolo. La madre compensa in qualche modo questo carattere autoritario, sostenendo l'interesse artistico del figlio, tollerando i suoi capricci, la sua pipì a letto, i suoi sogni e le sue bugie.

Dalí aveva anche una sorella, Ana Maria, di quattro anni più giovane. Nel 1949 pubblica un libro sul fratello, Dalí visto dalla sorella. Durante la sua infanzia, Dalí divenne amico di futuri giocatori del Barcellona F.C., come Emilio Sagi-Barba o Josep Samitier. Durante le vacanze, il trio gioca a calcio a Cadaqués. Nel 1916 scopre la pittura contemporanea durante una visita di famiglia a Cadaqués, dove conosce la famiglia del pittore impressionista Ramón Pichot, un artista locale che si reca regolarmente a Parigi, la capitale dell'arte dell'epoca.

Su consiglio di Pichot, il padre lo manda a prendere lezioni di pittura con Juan Núñez presso la scuola comunale di incisione. L'anno successivo il padre organizza una mostra dei suoi disegni a matita nella casa di famiglia. All'età di quattordici anni, nel 1919, Dalí partecipa a una mostra collettiva di artisti locali presso il teatro municipale di Figueras, dove alcuni dei suoi dipinti vengono notati da due famosi critici: Carlos Costa e Puig Pujades. Partecipa anche a una seconda mostra collettiva a Barcellona, patrocinata dall'Università, dove riceve il Premio del Rettore. L'influenza impressionista è chiaramente visibile nei dipinti di Dalí fino al 1919. La maggior parte di essi è stata realizzata a Cadaqués, ispirandosi al villaggio e alle sue scene di vita quotidiana.

Alla fine della prima guerra mondiale, si unisce a un gruppo di anarchici e punta sullo sviluppo della rivoluzione marxista. L'anno successivo, nel 1919, quando frequentava l'ultimo anno dell'Istituto Ramón Muntaner, insieme ad alcuni amici pubblicò una rivista mensile, Studium, che presentava illustrazioni, testi poetici e una serie di articoli su pittori come Goya, Velázquez e Leonardo da Vinci. Nel 1921, insieme ad alcuni amici, fonda il gruppo socialista Renovació Social.

Nel febbraio 1921 la madre morì di cancro all'utero. Dalí aveva allora 16 anni. In seguito ha dichiarato: (è stato) "il colpo più duro che ho ricevuto in vita mia". La adoravo. Non potevo rassegnarmi alla perdita di un essere con cui intendevo rendere invisibili le inevitabili macchie della mia anima". In seguito, il padre di Dalí si risposò con la sorella del defunto, cosa che Dalí non accettò mai. Ha conseguito il diploma di maturità nel 1922.

Giovani a Madrid

Nel 1922 Dalí si trasferisce nella famosa residenza studentesca di Madrid per iniziare gli studi all'Accademia Reale di Belle Arti di San Fernando. Attirò subito l'attenzione per il suo eccentrico carattere da dandy. Portava capelli lunghi e basette, un gabardine e spessi calzini in stile vittoriano. Tuttavia, sono i suoi dipinti, che Dalí tinge di cubismo, ad attirare maggiormente l'attenzione dei suoi concittadini, in particolare di quelli che diventeranno figure dell'arte spagnola: Federico García Lorca, Pepín Bello, Pedro Garfias, Eugenio Montes, Luis Buñuel (alla cui confraternita aderisce), l'Ordine di Toledo e, più in generale, la generazione del '27. All'epoca, tuttavia, è possibile che Dalí non comprendesse appieno i principi cubisti. In effetti, le sue uniche fonti erano gli articoli pubblicati sulla stampa - L'Esprit Nouveau - e un catalogo regalatogli da Pichot, dato che all'epoca non c'erano pittori cubisti a Madrid. Sebbene i suoi insegnanti fossero aperti al nuovo, erano indietro rispetto all'allievo: adattarono l'impressionismo francese a temi ispanici, un approccio che Dalí aveva superato l'anno precedente.

Dalí si dedicò, insieme a Lorca e Buñuel, allo studio dei testi psicoanalitici di Sigmund Freud. Considerava la psicoanalisi una delle scoperte più importanti della sua vita. Accusato ingiustamente di aver guidato un'agitazione in Catalogna, fu espulso dall'Accademia nel 1923 e imprigionato dal 21 maggio all'11 giugno. Il motivo dell'arresto sembra essere legato alla denuncia di frode elettorale presentata dal padre di Dalí in seguito al colpo di stato di Primo de Rivera. Dalí tornò all'Accademia l'anno successivo.

Nel 1924, ancora sconosciuto, Salvador Dalí illustrò per la prima volta un libro. Si tratta di una pubblicazione del poema catalano Les Bruixes de Llers (Le streghe di Llers) di uno dei suoi amici della residenza, il poeta Carles Fages de Climent. Dalí conosce presto il Dadaismo, un'influenza che lo segnerà per tutta la vita. Nella residenza rifiutò le avances amorose del giovane Lorca, che gli dedicò diverse poesie:

"Era omosessuale, lo sanno tutti, ed era follemente innamorato di me. A volte ha cercato di avvicinarmi... e io ero molto imbarazzato, perché non ero omosessuale e non ero disposto a cedere.

- Salvador Dalí; conversazioni con Alain Bosquet

I due artisti diventano amici. Insieme a Maruja Mallo e Margarita Manso, anch'esse studentesse della Scuola di Belle Arti, partecipano all'episodio di fondazione del movimento femminista Las Sinsombrero alla Puerta del Sol, che prende il nome dall'atto di togliersi il cappello in pubblico, un gesto allora riservato agli uomini nella Madrid degli anni Venti. È probabile che ciascuno dei due giovani abbia trovato nell'altro una passione per la scoperta estetica che corrispondeva ai propri desideri. Le richieste dello scrittore giunsero in un momento di svolta nell'opera di Dalí, che vi vedeva un'eco della sua ricerca sull'inconscio. Date le affabulazioni di Dalí, probabilmente non sapremo mai quale fosse il loro rapporto, anche se i due artisti si ritraevano "amorevolmente". I dipinti di questo periodo sono caratterizzati dall'onanismo del pittore, che affermava di essere rimasto vergine prima del suo incontro con Gala. Nel novembre 1925 Dalí riceve la visita di Federico García Lorca a Cadaqués e nello stesso anno tiene la sua prima mostra personale a Barcellona, alla Galleria Dalmau, dove presenta Ritratto del padre dell'artista e Giovane ragazza alla finestra.

Alla fine del 1926, la stessa galleria espone altre opere di Dalí, tra cui Il cesto di pane, dipinto durante l'anno. Questo è stato il primo dipinto dell'artista a essere esposto fuori dalla Spagna, nel 1928, alla mostra Carnegie di Pittsburgh. La sua padronanza dei mezzi pittorici si riflette in modo impeccabile in quest'opera realistica. Le prime recensioni di Barcellona sono state calorose. Per uno di loro, se questo "figlio di Figueras" ha rivolto il suo volto verso la Francia, "è perché può farlo, perché i suoi doni divini di pittore devono fermentare". Cosa importa se Dalí usa la matita di Ingres o il legno spesso delle opere cubiste di Picasso per alimentare le fiamme? Dalí fu poi espulso dall'Accademia nell'ottobre 1926, poco prima degli esami finali, per aver dichiarato che nessuno era in grado di esaminarlo.

Parigi, matrimonio con Gala

Nel 1927, probabilmente all'inizio dell'anno, Dalí si reca per la prima volta a Parigi, con due lettere di raccomandazione a Max Jacob e André Breton. Secondo lui, questo viaggio "fu segnato da tre visite importanti: Versailles, il Museo Grévin e Picasso", che il giovane Dalí ammirava profondamente. Picasso aveva già ricevuto commenti entusiastici su Dalí da Joan Miró.

Pablo Picasso aveva 23 anni più di lui. Dalí raccontò che durante questo incontro gli mostrò uno dei suoi piccoli dipinti, La ragazza di Figueres, che Picasso contemplò per un quarto d'ora, e poi Picasso fece lo stesso con molti dei suoi, senza dire una parola. Ha aggiunto che quando è stato il momento di andarsene, "sulla soglia di casa, ci siamo scambiati uno sguardo che diceva: 'Capito? - Capito!".

Picasso rimase un riferimento costante per Dalí, ammirato e rivaleggiato. Nella sua Analisi daliniana dei valori comparati dei grandi pittori, attribuisce al 20

Col tempo, Dalí sviluppò il proprio stile e divenne a sua volta un punto di riferimento e un fattore di influenza nella pittura di questi artisti. Alcune caratteristiche della pittura di Dalí in quel periodo divennero i segni distintivi del suo lavoro. Ha assorbito le influenze di varie correnti artistiche, dall'accademismo e dal classicismo all'avanguardia. Le sue influenze classiche includono Raffaello, Bronzino, Zurbarán, Vermeer e, naturalmente, Velázquez, di cui adottò i baffi storti che divennero emblematici. Ha alternato tecniche tradizionali e metodi contemporanei, a volte nella stessa opera. Le mostre di questo periodo attirarono grande attenzione, suscitarono dibattiti e divisero la critica. La sorella minore Anna-Maria fungeva spesso da modella in questo periodo, posando spesso di spalle davanti a una finestra. Nel 1927 Dalí, all'età di 23 anni, raggiunse la sua maturità artistica, come si evince dalle opere Il miele è più dolce del sangue e Carne d'oca, la prima ispirata dalla relazione con Lorca e la seconda dal primo incontro intimo con Gala.

Qualche mese dopo, Luis Buñuel si reca a Figueras dove i due amici scrivono la sceneggiatura del film surrealista Un chien andalou, prima che Dalí torni a Parigi nel 1928, accompagnato da un altro catalano, Joan Miró. Per Robert Descharnes e Gilles Néret, il film lanciò Dalí e Buñuel "come un razzo". Per il pittore si tratta di "un pugnale nel cuore della Parigi spirituale, elegante e colta", aggiungendo che il film è stato applaudito da un "pubblico ottuso che applaude tutto ciò che sembra nuovo e bizzarro".

Dopo la visita di René Magritte e Paul Éluard a Cadaqués nell'estate del 1929, e su consiglio di Joan Miró, Dalí aderisce al Surrealismo. Tornato a Parigi, inizia a frequentare il gruppo surrealista composto da Hans Arp, André Breton, Max Ernst, Yves Tanguy, René Magritte, Man Ray, Tristan Tzara e Paul Éluard e sua moglie Helena, conosciuta da tutti come Gala. Nata con il nome di Elena Ivanovna Diakonova, era una migrante russa di cui Dalí si innamorò e che fu sedotta da un uomo di dieci anni più giovane di lei. Sebbene Dalí affermasse di essere completamente impotente e vergine, le sue opere riflettono la sua ossessione sessuale. In particolare, ha rappresentato il desiderio sotto forma di teste di leone.

Gala era la sua musa. Si sostituì alla sua famiglia, organizzò le sue mostre e vendette i suoi quadri. A dicembre, a causa della sua relazione con Gala - una donna sposata - Salvador Dalí entrò in conflitto con il padre e la sorella Anna-Maria. La leggenda di un'incisione mal interpretata completa il quadro di un figlio in conflitto con la famiglia. Il critico d'arte Eugenio d'Ors riportò su un giornale di Barcellona che Dalí aveva mostrato al gruppo surrealista un cromo raffigurante il Sacro Cuore, su cui era scritto "a volte sputo per piacere sul ritratto di mia madre", suscitando le ire del padre e costringendo Dalí ad andarsene. Lui e Gala trascorrono gli anni 1930-1932 a Parigi. I primi mesi, tuttavia, furono difficili, poiché i suoi quadri si vendevano poco e la coppia viveva con poco. Ma il pittore si fa conoscere a Parigi, dove frequenta sia i cenacoli mondani sia i circoli surrealisti. Nel 1930, non potendo stabilirsi a Cadaqués a causa dell'ostilità del padre, Dalí e Gala acquistarono una minuscola casa di pescatori a poche centinaia di metri da Cadaqués, sul lungomare, nella piccola insenatura di Portlligat. Nel corso degli anni, con l'aiuto della fortuna, trasformò la sua proprietà in una sontuosa villa, oggi trasformata in museo. Il paesaggio della piccola insenatura divenne un riferimento pittorico permanente nell'opera del pittore che disse: "Solo qui sono a casa mia, altrove sono solo di passaggio". Gala e Dalí si sposarono civilmente nel 1934, prima di sposarsi religiosamente nel 1958.

Nel 1931 Dalí dipinse una delle sue tele più famose, La persistenza della memoria, nota anche come Gli orologi molli, che, secondo alcune teorie, illustra il suo rifiuto del tempo come entità rigida o deterministica. Dalí, "in un patetico desiderio di eternità, fa del tempo dell'orologio, cioè del tempo meccanico della civiltà, un materiale morbido e duttile che può anche essere mangiato come un camembert che cola". Questa idea è sviluppata da altre figure dell'opera, come il grande paesaggio o alcuni orologi da tasca che vengono mangiati dagli insetti. D'altra parte, gli insetti fanno parte dell'immaginario daliniano come entità distruttive naturali e, come spiega il pittore nelle sue memorie, ricordano la sua infanzia.

Dalí e il gruppo surrealista

Dalí continua a esporre regolarmente e si unisce ufficialmente al gruppo surrealista del quartiere parigino di Montparnasse. Nell'ottobre e novembre del 1933 partecipa al 6° Salon des Surindépendants con i membri del gruppo.

Nei due anni successivi, il suo lavoro influenzò fortemente il circolo surrealista, che lo acclamò come creatore del metodo paranoico-critico, che si diceva permettesse di accedere al subconscio, liberando le energie artistiche creative. Si tratta, secondo il pittore, di un "metodo spontaneo di conoscenza irrazionale basato sull'oggettivazione critica e sistematica di associazioni e interpretazioni deliranti". Breton ha reso omaggio a questa scoperta, che aveva appena dotato

"È il metodo critico paranoico che il Surrealismo ha dimostrato di saper applicare alla pittura, alla poesia, al cinema, alla costruzione di oggetti tipicamente surrealisti, alla moda, alla scultura, alla storia dell'arte e persino, se necessario, a qualsiasi tipo di esegesi".

- André Breton

In questo periodo Dalí abbandona temporaneamente le sue opere con immagini a doppio significato, come L'uomo invisibile, mentre le figure di Guglielmo Tell, Lenin, paesaggi e figure antropomorfe, l'Angelus di Millet, Vermeer e Hitler compaiono sistematicamente nei suoi dipinti. Un'attività significativa di questo periodo è la creazione di oggetti surrealisti con lo scultore Giacometti. Secondo Dalí, sono dotati di un "minimo di funzionamento meccanico, basato sulle fantasie e le rappresentazioni che possono essere provocate dall'esecuzione di atti inconsci". Rimase insensibile ai problemi dei surrealisti con la politica, un "aneddoto della storia" secondo lui. Ha infastidito il gruppo studiando sistematicamente Hitler e "la svastica antica come il sole cinese".

Se le differenze politiche allontanarono gradualmente André Breton e Louis Aragon, quelle causate da Dalí non ebbero paragoni. Per André Thirion, Dalí "non era marxista e non gliene importava nulla", ma tra le fantasticherie erotiche di Dalí sulle dodicenni, che provocarono una reazione persino nel Comitato Centrale del Partito Comunista, e la sua ossessione per la figura di Hitler per due anni, il pittore fu convocato a casa di Breton nel gennaio del 1934, dove si presentò vestito da malato, con un maglione e un termometro in bocca. Una volta terminata l'accusa, Breton lesse la sua arringa in striptease, sostenendo con un linguaggio fiorito che stava semplicemente trascrivendo i suoi sogni - particolari - e che, come risultato dei suoi sogni, lui e Breton sarebbero stati presto oggetto di una performance omosessuale. Dopo questo incontro è stato espulso. Tuttavia, Dalí continuò a lavorare con il gruppo, che aveva bisogno di lui soprattutto come agente pubblicitario, a Londra nel 1936 con uno scafandro e a Parigi nel febbraio 1938, dove espose il suo Taxi pluvieux, in cui due manichini da vetrina ricevevano la pioggia tra insalate e lumache di Borgogna.

Alla fine del 1933, il loro gallerista Julien Levy espone a New York 25 opere di Dalí. Quest'ultimo moriva dalla voglia di vedere gli Stati Uniti. Le opere di Picasso erano già esposte lì, a differenza dei musei francesi. Caresse Crosby, una ricca donna americana, lo convinse facilmente a intraprendere il viaggio. Dalí e Gala si recano per la prima volta a New York nel 1934; Picasso anticipa il denaro per i biglietti. Gli americani furono affascinati dall'eccentricità del personaggio e dall'audacia di un surrealismo che allora non conoscevano quasi per niente. Con grande disperazione di Breton, Dalí era considerato l'unico autentico surrealista, cosa che il pittore, trionfante e ubriaco di megalomania, si affrettò a confermare il 14 novembre a New York: "I critici stanno già distinguendo tra il surrealismo prima o dopo Dalí. La mostra alla Julien Levy Gallery fu un grande successo e Dalí capì che il suo successo era negli Stati Uniti. La sua pittura cominciava a essere apprezzata. Edward James - figlioccio del re Edoardo VII - divenne il suo mecenate e acquistò tutte le sue opere dal 1935 al 1936. Metamorfosi di Narciso e Cannibalismo d'autunno sono tra i dipinti più famosi di questo periodo.

Guerra civile spagnola

Tornati in Catalogna, Dalí e Gala lasciarono Portlligat nel 1936 per sfuggire alla guerra civile spagnola e viaggiarono in Europa. Vive per un periodo nell'Italia fascista, dove si ispira alle opere romane e fiorentine del Rinascimento, in particolare per creare immagini doppie come la Spagna. I suoi dipinti Construction molle aux haricots bouillis (noto anche come Premonition of the Civil War) e La Girafe en feu sono i più rappresentativi di questo periodo, che vide l'invenzione di questi mostri. Questi riflettono la sua visione della guerra, ma non il suo atteggiamento politico. Rappresenta la guerra civile come un fenomeno storico naturale, una catastrofe naturale, e non come un evento politico, come aveva fatto Picasso con Guernica. È a Londra che apprende dell'omicidio dell'amico Federico García Lorca, avvenuto il 19 agosto 1936 a Granada per mano di un franchista, che lo fa cadere in una profonda depressione.

Durante il suo secondo viaggio negli Stati Uniti, la stampa e il pubblico riservano al "signor Surrealismo" un'accoglienza trionfale. Il ritratto di Dalí realizzato dal fotografo Man Ray finì sulla prima pagina della rivista Time nel dicembre 1936. Nel febbraio 1937, Dalí incontra i fratelli Marx a Hollywood e dipinge un ritratto di Harpo Marx, completo di cucchiai, arpe e filo spinato. Il film che avevano progettato di realizzare non ha mai visto la luce. Nel 1938, con l'intermediazione di Edward James e del suo amico Stefan Zweig, Dalí incontrò a Londra Sigmund Freud, che ammirava da tempo e la cui opera aveva ispirato la sua ricerca pittorica sui sogni e sull'inconscio.

Secondo il racconto di Conroy Maddox, in questa occasione l'anziano Freud parlò a Zweig di Dalí:

"Non ho mai visto un esemplare più perfetto di spagnolo; che fanatico!

- Conroy Maddox.

Nel 1939 Dalí pubblicò una Dichiarazione dell'indipendenza dell'immaginazione e dei diritti dell'uomo alla propria follia. Le sue peregrinazioni europee lo portano in esilio per cinque mesi, dal settembre 1938, nella villa di Coco Chanel, La Pausa, dove prepara la mostra newyorkese alla Julien Levy Gallery. In questa occasione, nel 1939, distrusse un'opera da lui creata e modificata senza il suo consenso in un negozio della Fifth Avenue.

New York

Quando la Francia entra in guerra nel 1939, Dalí e Gala si trovano a Parigi, che lasciano per Arcachon. Poco prima dell'invasione tedesca, si recarono in Spagna e poi in Portogallo. Dalí, che aveva fatto una deviazione a Figueras per vedere la sua famiglia, raggiunse Gala a Lisbona, da dove si imbarcarono per New York, dove vivevano anche molti intellettuali francesi in esilio. Vivono lì per otto anni, Dalí si integra perfettamente nell'alta società newyorkese, dipinge numerosi ritratti di ricchi americani - Helena Rubinstein - partecipa attivamente alla vita teatrale con grandi murales, realizza i suoi primi gioielli e si interessa al cinema, in particolare ai fratelli Marx, a Walt Disney e ad Alfred Hitchcock. Dopo questo trasferimento, cercò anche la fede cattolica e di avvicinare la sua pittura al classicismo, cosa che fece solo nel 1945.

Nel 1941 Dalí invia a Jean Gabin la sceneggiatura di un film, Moontide (The Love Boat). Alla fine di quell'anno si tenne la prima retrospettiva di Dalí al Museum of Modern Art e queste sessanta opere - 43 oli e 17 disegni - fecero il giro degli Stati Uniti per i due anni successivi. Le otto città più grandi ospitarono la mostra, assicurando al pittore la notorietà, e ben presto le proposte commerciali si moltiplicarono, permettendogli di accumulare una solida fortuna, che ispirò a Breton il feroce anagramma "Salvador Dalí - Avida Dollars". Robert e Nicolas Descharnes spiegano che "in questo periodo Dalí non ha mai smesso di scrivere".

Nel 1942 pubblica la sua autobiografia, La vita segreta di Salvador Dalí. Scrive regolarmente per i cataloghi delle sue mostre, come quella organizzata dalla Knoedler Gallery nel 1943. In essa affermava che "il Surrealismo sarà servito almeno a dare una prova sperimentale della totale sterilità dei tentativi di automatizzazione che si sono spinti troppo in là e hanno generato un sistema totalitario". La pigrizia e la mancanza di tecnica contemporanee hanno raggiunto il loro parossismo nel significato psicologico dell'uso attuale dell'istituzione accademica. Scrisse anche un romanzo, pubblicato nel 1944, su una sfilata di automobili, che ispirò una caricatura di Erdwin Cox per il Miami Herald, in cui Dalí indossa un'automobile come costume da festa. In questi anni, Dalí realizza illustrazioni per edizioni in lingua inglese di classici come il Don Chisciotte, l'autobiografia di Benvenuto Cellini e i Saggi di Michel de Montaigne. Ha anche disegnato le scenografie del film Spellbound di Alfred Hitchcock e, insieme a Walt Disney, ha intrapreso la produzione del cartone animato incompiuto Destin, che è stato montato nel 2003, molto tempo dopo la morte dei suoi autori.

Questo è stato uno dei periodi più prolifici della sua vita, ma contestato da alcuni critici, che ritengono che Dalí stesse confondendo il confine tra arte e beni di consumo abbandonando la pittura per dedicarsi al design e agli articoli commerciali. I dipinti di questo periodo si ispirano ai ricordi della Catalogna attraverso i loro colori e spazi, in cui il pittore rappresenta soggetti americani. In questo senso, la poesia pittorica dell'America era visionaria. Riunisce in un'unica opera la segregazione nera, la passione americana per il rugby e l'irruzione di un marchio in un'opera d'arte: la Coca-Cola. Alla fine della Seconda guerra mondiale, non tornò immediatamente in Europa. Nel 1945 compie la sua svolta verso il classicismo, senza tagliarsi fuori dal resto del mondo. I bombardamenti atomici di Hiroshima e Nagasaki lo hanno ispirato a creare l'Idillio atomico e uraniano e le Tre sfingi in bikini. L'abbandono del "Dalí della psicoanalisi" per il "Dalí della fisica nucleare" non gli consentì un immediato passaggio al cattolicesimo. La pittura di questo periodo prende in prestito dai classici i rapporti geometrici - il rapporto aureo o proporzione divina. Questo è stato in particolare il caso di Atomic Leda.

Ritorno in Catalogna

Dal 1949 in poi, i Dalis tornarono a vivere in Catalogna sotto la dittatura di Franco e trascorsero gli inverni a Parigi, in una suite dell'Hotel Meurice. Decuplicò il suo virtuosismo tecnico, intensificò il suo interesse per gli effetti ottici e, soprattutto, fece il suo ritorno alla fede cattolica. Il 23 novembre 1949 fu ricevuto in udienza privata da Papa Pio XII. La sua ricerca sulle proporzioni classiche lo porta a "sublimare tutte le esperienze rivoluzionarie dell'adolescenza nella grande tradizione mistica e realistica della Spagna". Questa conversione si concretizza in due dipinti, La Madonna di Port Lligat (1949) e Cristo di San Giovanni della Croce (1951), completati dalle illustrazioni per La Divina Commedia (1952, acquerelli). A quel punto aveva già pubblicato il Manifeste mystique, in cui spiegava i dettagli del suo misticismo nucleare, e firmato le sue prime tele corpuscolari, di cui il dipinto Galatea con sfere è un rappresentante. Ha collegato il cattolicesimo e la fisica delle particelle spiegando le Elevazioni - della Vergine, di Gesù - con la "forza angelica", di cui protoni e neutroni sarebbero vettori, elementi angelici. Egli collega il corno di rinoceronte alla castità, alla Vergine Maria, in un ragionamento che unisce la geometria "divina" della spirale logaritmica, il corno all'animale e la costruzione corpuscolare "del più violento rigore" della tela del maestro olandese. Ha dipinto molti soggetti con questa appendice.

Il 17 dicembre 1955 espone queste idee alla Sorbona nella conferenza "Aspetti fenomenologici del metodo critico-paranoico". Si è recato all'università con una Rolls-Royce gialla e nera, piena di cavolfiori, che ha distribuito come autografi. Nella sua presentazione, ha contrapposto Francia e Spagna, il primo è il Paese più razionale del mondo e il secondo il più irrazionale, e ha dimostrato l'unicità dei quarti posteriori del pachiderma con un girasole, il tutto collegato al famoso Dentelliere e ai corpuscoli della fisica atomica.

Nel 1959 André Breton organizzò una mostra intitolata "Omaggio al Surrealismo" per celebrare il quarantesimo anniversario di questo movimento. L'esposizione riunisce opere di Dalí, Joan Miró, Enrique Tábara ed Eugenio Granell. Breton si oppose fermamente all'inclusione della Madonna Sistina di Dalí all'Esposizione Internazionale Surrealista di New York dell'anno successivo. Secondo Robert Descharnes, il comportamento di Dalí in questo periodo fu una reazione alla sua fama per proteggere la sua creatività. Se Picasso, per le stesse ragioni, si era rifugiato nel castello di Vauvenargues, Dalí, incapace di tacere, commentava i fenomeni, le scoperte e gli eventi del suo tempo, e la miscela che ne risultava non era sempre di buon gusto. Confondendo i critici, lasciò ai media tradizionali il compito di analizzare i suoi baffi e di concentrarsi su alcuni dei suoi dipinti, come il Cristo di San Giovanni della Croce. Questo atteggiamento ha fatto dire all'esperto di surrealismo di Sotheby's Andrew Strauss:

"Dalí ha lavorato per costruire la sua popolarità su scala globale. Ha preceduto Andy Warhol in questa strategia del culto dell'artista star".

Dalí era interessato alle nuove scoperte scientifiche del suo tempo. Era affascinato dal DNA e dal tesseract, un ipercubo a quattro dimensioni. Il suo dipinto Corpus hypercubus (1954) raffigura Gesù Cristo crocifisso sul modello di una tale iperfigura, in cui ha cercato di creare una sintesi tra l'iconografia cristiana e le immagini di disintegrazione ispirate alla fisica nucleare. Artista esperto, Dalí non si limitò alla pittura. Rimane molto attento a tutti gli sviluppi della pittura post-surrealista, comprese le forme che se ne distaccano totalmente. Ha sperimentato molti mezzi e processi nuovi o innovativi, come la pittura di proiezione. Molte delle sue opere incorporano illusioni ottiche, giochi di parole e trompe-l'oeil. Sperimentò anche il puntinismo, la mezzatinta (una rete di punti simile a quella usata nella stampa) e le immagini stereoscopiche. È stato uno dei primi a utilizzare l'olografia nell'arte. Giovani artisti, come Andy Warhol, affermarono che Dalí aveva esercitato un'importante influenza sulla Pop Art. Scoperta alla stazione ferroviaria di Perpignan, la stereoscopia affascinò Dalí, che alla fine della sua carriera produsse immagini su due quadri (occhio destro e sinistro) difficilmente riproducibili. Molte di queste sono esposte al Museo Dalí di Figueras (Atene brucia!).

Dalí aveva un pavimento di vetro in una stanza vicino al suo studio. Ne ha fatto largo uso per studiare lo scorcio, sia dal basso che dall'alto, per inserire nei suoi dipinti figure e oggetti molto espressivi. Gli piaceva anche usarlo per intrattenere gli amici e gli ospiti.

Il reddito di Dalí e Gala permetteva loro di condurre una vita di lusso. Già nel 1960 assunsero il manager John Peter Moore. Il suo successore, Enrique Sabater, spiegò che "Dalí guadagnava più del Presidente degli Stati Uniti". In questo periodo Salvador Dalí e Gala iniziano a separarsi. A Parigi, Dalí incontra Amanda Lear, che allora si presentava come transessuale. Ha preso lezioni di pittura da Dalí. Un articolo di Julián Ruiz (es) su El Mundo è illustrato da una foto dei due del 1963. La donna gli servì soprattutto come modella e divenne la sua musa (ebbe una relazione con lui per circa quindici anni, come racconta l'autrice nel suo libro sul pittore). Dal 1965, la modella accompagna ufficialmente Dalí nelle sue uscite. Salvador Dalí la aiutò anche a trasferirsi nella stanza 9 dell'Hotel La Louisiane in rue de Seine. Nel 1969 Gala Dalí acquistò l'antico castello di Púbol, vicino a Figueras, che restaurò e che ospita la Fondazione Gala-Salvador Dalí.

Opere storiche e stereoscopiche

I dipinti di piccole dimensioni degli anni precedenti lasciano il posto, a partire dal 1958, a opere monumentali di soggetto storico, come La battaglia di Tetouan (1962, 308 × 406 cm). Il dipinto raffigura la conquista spagnola di Tetouan, in Marocco, nel 1860. Dalí dipinse ogni anno un quadro di grande formato, come La scoperta delle Americhe da parte di Cristoforo Colombo (1959). Gli ultimi capolavori di questo periodo sono Stazione di Perpignan (1965), Il torero allucinogeno (1968-1970) e Pesca al tonno (1966-1967). Dal 1966 al 1973 Dalí lavora a una commissione per un'edizione di lusso di Alice nel Paese delle Meraviglie.

Era interessato a migliorare la rappresentazione della terza dimensione al di là della prospettiva classica. Secondo il pittore, il momento più rassicurante nella storia della pittura si è verificato il 17 novembre 1964, quando ha scoperto, nel centro della stazione ferroviaria di Perpignan, la possibilità di dipingere ad olio la "vera" terza dimensione utilizzando la stereoscopia. La scoperta dell'olografia gli ha permesso di avvicinarsi alla quarta dimensione (il tempo), tecnica che ha utilizzato a partire dagli anni '70, per ottenere "l'immortalità delle immagini registrate olograficamente grazie alla luce del laser temporaneo". Nel 1969 dipinge i suoi primi soffitti e dall'anno successivo si concentra sulle immagini stereoscopiche. I suoi dipinti olografici più noti risalgono al 1972. I primi ologrammi sono stati esposti alla Knoedler Gallery di New York nell'aprile 1972.

Teatro-museo

Nel 1960 Dalí inizia a lavorare al suo teatro-museo nella città di Figueras. Questo era il suo progetto più grande. Vi ha dedicato la maggior parte delle sue energie fino al 1974. Ha continuato a svilupparlo fino alla metà degli anni Ottanta. Con l'accordo del sindaco, Ramon Guardiola, scelse le rovine del teatro Figueras, bruciato durante la guerra civile spagnola, dove aveva tenuto la sua prima mostra nel 1914. I fondi per la ristrutturazione sono stati anticipati dallo Stato spagnolo nel 1970. La cupola di vetro di forma bizantina fu progettata dall'architetto Emilio Pérez Piñero su richiesta di Dalí, che sognava una cupola di vetro nello stile dell'architetto americano Buckminster Fuller. Dalí stesso ha progettato gran parte del museo, dalle uova monumentali sulle pareti all'altezza dei bagni (???). L'architetto Joaquim Ros de Ramis ha lavorato alla ristrutturazione, sempre in accordo con le direttive del maestro. I lavori di costruzione sono iniziati il 13 ottobre 1970 e un anno dopo il pittore ha iniziato a lavorare sui dipinti del soffitto del teatro-museo. Nel 1971 è stato insignito della Medaglia d'oro al merito delle Belle Arti dal Ministero dell'Istruzione, della Cultura e dello Sport. Inaugurò anche la prima e più grande galleria d'arte della Spagna dell'epoca, la Sala Gaudí di Barcellona, insieme ad altre celebrità come Gabriel García Márquez.

Gli ultimi anni

Nel 1979, il Centre Georges Pompidou ha organizzato una grande retrospettiva dell'opera di Dalí, esponendo 169 dipinti e 219 disegni, stampe e oggetti dell'artista. Una delle particolarità della mostra si trovava nel seminterrato. Una Citroën è stata sospesa al soffitto con una botifarra (salsiccia catalana), un cucchiaio lungo 32 metri e acqua che scorreva nel radiatore dell'auto.

L'anno successivo la salute di Dalí si deteriora notevolmente. All'età di 76 anni, Dalí manifesta i sintomi del morbo di Parkinson e perde definitivamente le sue capacità artistiche. Nel 1982 è stato insignito del titolo di Marqués de Dalí de Púbol (Marchese di Dalí de Púbol) dal re di Spagna Juan Carlos. Dalí realizza il suo ultimo disegno per il Re, intitolato Testa d'Europa.

Gala morì il 10 giugno 1982, all'età di 87 anni. Dalí si trasferisce da Figueras al castello di Púbol, dove nel 1984 scoppia un incendio nella sua camera da letto, le cui cause non sono mai state chiarite. Dalí si salvò e tornò a vivere a Figueras, nel suo teatro-museo. Nel novembre 1988 Dalí viene ricoverato in ospedale per un attacco di cuore. Il 5 dicembre 1988 ha ricevuto l'ultima visita del Re di Spagna. Il pittore muore il 23 gennaio 1989 a Figueras all'età di 84 anni. È stato sepolto nella cripta del suo teatro-museo.

Il suo carattere turbolento ha fatto talvolta dimenticare l'impegno artistico del pittore. Dalí era tuttavia un pittore meticoloso e inflessibile, che concepiva a lungo le sue tele e le realizzava con una cura che voleva essere vicina a quella dei suoi maestri classici, Raffaello o Vermeer. Michel Déon ritiene che "Dalí è consapevole del suo genio fino alla vertigine. Sembra che sia una sensazione intima molto confortante". I primi dipinti conservati mostrano un vero talento precoce, a partire dall'età di 6 anni. I suoi primi ritratti della famiglia a Cadaqués hanno già una forza pittorica sorprendente, in particolare impressionista. Giocando con il materiale, per un certo periodo mescola la ghiaia con la pittura (Vieillard crépusculaire, 1918).

Si rammarica della mancanza di formazione teorica all'Accademia di Belle Arti di Madrid. Al termine di questi anni madrileni, inizia un periodo di influenze diverse. Il giovane Dalí si immerge in varie tecniche, dal divisionismo (Mannequin barcelonais, 1927) a Picasso (Venere e marinaio, 1925).

Lavoro pittorico

All'età di dieci anni, Dalí disse di non volere un insegnante di disegno perché era un pittore impressionista. Sebbene questa affermazione perentoria abbia suscitato risate, il pittore fu effettivamente influenzato dagli impressionisti fin da giovanissimo grazie alla vicinanza della famiglia Pichot e in particolare di Ramón Pichot. Quest'ultimo è stato uno dei primi impressionisti catalani a far parte dell'entourage di Picasso nel 1900 e il suo stile ricorda quello di Toulouse-Lautrec. Dalí ammirava Renoir e Meissonier ("un vero usignolo del pennello"), di cui derideva la mancanza di genio, ma la cui tecnica incredibilmente meticolosa lo impressionava. A queste influenze si aggiunge, intorno al 1918, l'interesse per i pittori "pompier", come Marià Fortuny, da cui trae ispirazione per La battaglia di Tetouan (1962). Picasso fu una sorta di fratello maggiore che lo accolse al suo arrivo a Parigi. Dalí cercò per tutta la vita di confrontarsi con lui, l'unico artista contemporaneo a cui riconosceva un genio almeno pari al suo.

Più di ogni altro, il Rinascimento italiano fu per Dalí un riferimento permanente e imprescindibile. Pur considerandosi il miglior disegnatore del suo tempo, riconosceva che i suoi disegni "non valevano quasi nulla" rispetto ai grandi maestri del Rinascimento. Ammiratore di Leonardo da Vinci - nel quale trovò le radici del suo metodo paranoico - ebbe a lungo grande stima di Raffaello, sostenendo che fosse l'unico contemporaneo in grado di capirlo. Verso la fine della sua vita, le figure di Michelangelo divennero una parte importante della sua produzione pittorica. Nutrì anche un'ammirazione per Diego Velázquez, e Vermeer fu un altro faro, di cui cercò a lungo di imitare la tecnica, talvolta riuscendoci.

Dalí rivendicò una tecnica molto classica, addirittura iperrealista in alcuni periodi, e nel corso della sua carriera cercò di mostrare un virtuosismo sempre più reale, rimanendo fedele alla pittura a olio per quasi tutta la sua opera pittorica. Il lavoro è quasi sempre molto meticoloso, il che gli conferisce un aspetto rassicurante di accademismo, con disegni preparatori molto accurati e un'esecuzione minuziosa, spesso con la lente d'ingrandimento. Alcune delle piccole opere mostrano un vero talento per il miniaturismo (Primo ritratto di Gala, Ritratto di Gala con due costolette d'agnello in equilibrio sulla spalla). Affermava che l'ultra-accademismo era, secondo lui, una formazione che ogni pittore doveva avere, "è solo da questo virtuosismo che è possibile qualcos'altro, cioè l'arte". Odiava Cézanne, che secondo lui era "il peggior pittore francese". Si oppone ai pittori moderni nel loro insieme: razionalizzazione, scetticismo e astrazione. Matisse era "uno degli ultimi pittori moderni", che rappresentava le ultime conseguenze della Rivoluzione e il trionfo della borghesia. In contrasto con la sua conversione al cattolicesimo, sostenne che i giovani pittori moderni non credevano in nulla e che quindi lui era un "modernista",

"È abbastanza normale che quando non si crede in nulla, si finisca per dipingere quasi nulla, come nel caso di tutta la pittura moderna.

- Salvador Dalí

Prima del suo incontro con il surrealismo, mentre si trovava ancora a Cadaqués, Dalí iniziò a produrre con "diabolica facilità tutte le tecniche", "fotografie trompe-l'oeil", come le chiamava lui stesso, anticipando di oltre 25 anni gli iperrealisti americani. Verso la fine degli anni Venti, rappresentò i suoi sogni. La sua prima immagine doppia fu L'uomo invisibile (1929) e mantenne questo approccio per la maggior parte della sua carriera.

La nozione di "doppio" era centrale per Dalí, sia nella sua pittura che nella sua vita. Nasce dalla morte del fratello maggiore Salvador, prosegue con Veermer e la spirale logaritmica, continua con il suo alter ego Gala e diventa un'opposizione tra Dentelière e Rhinoceros, in un personaggio contemporaneamente agnostico e cattolico. Affina e diversifica la sua tecnica di immagini nelle immagini e di immagini basate su cornici e reti di punti (La Madonna Sistina).

Le sue ricerche sulla terza e quarta dimensione lo portarono a lavorare successivamente sulla stereografia e sull'olografia. Nel 1973 dichiarò che stava realizzando "fotografie colorate a mano di immagini superfini extra-pittoriche di irrazionalità concreta". Fino alla fine ha giocato con l'occhio dello spettatore, in particolare nelle sue ultime opere, Cinquanta immagini astratte che, viste a due metri di distanza, si trasformano in tre Lenin travestiti da cinesi e a sei metri di distanza nella testa di una tigre reale del Bengala, Il torero allucinogeno o Gala nuda che guarda il mare che, a diciotto metri di distanza, rivela il presidente Lincoln.

Mentre era ancora studente presso lo studentato di Madrid, Dalí collaborò con Lorca e Buñuel allo studio dei testi psicoanalitici di Sigmund Freud, che ispirarono la sua ricerca pittorica sui sogni e sull'inconscio. I due uomini si incontrarono a Londra il 19 luglio 1938 a casa dello psicoanalista. In una lettera a Stefan Zweig, che gli aveva presentato il pittore, Freud confessò: "Fino ad allora ero stato incline a considerare i surrealisti, che sembravano avermi scelto come loro patrono, come dei pazzi assoluti (diciamo al 95%). Ma aveva cambiato idea di fronte allo "sguardo candido e fanatico" di Dalí, alla "sua innegabile maestria tecnica" e all'interesse analitico dell'opera che gli era stata presentata. Tuttavia, la conversione del pittore al Surrealismo risale al 1929. Per Robert Descharnes e Gilles Néret, questo fu l'anno "in cui si convenne che Dalí era diventato un surrealista a tutti gli effetti". L'incontro decisivo con il movimento surrealista parigino libera la sua straordinaria forza creativa.

Da quel momento in poi la sua opera è piena di allusioni personali, spesso criptiche e oniriche, che riutilizza a piacimento, come la figura inquietante del Grande Masturbatore, che utilizza più volte nel 1929 (Ritratto di Paul Éluard e Il Grande Masturbatore). Riconosce che la pittura di Miró è "fatta del suo stesso sangue" e subisce l'influenza di René Magritte, ma presto acquisisce uno stile proprio con i dipinti Il miele è più dolce del sangue (1927) e Cenicitas (1928) e poi con l'invenzione del metodo paranoico-critico.

Patrice Schmitt, parlando di un incontro tra Dalí e Lacan, ha notato che "la paranoia secondo Dalí è l'antitesi dell'allucinazione nel suo carattere attivo. È metodico e critico. Ha un significato preciso e una dimensione fenomenologica e si contrappone all'automatico, di cui l'esempio più noto è il cadavere squisito. Facendo un parallelo con le teorie di Lacan, conclude che il fenomeno paranoico è di tipo pseudo-allucinatorio. Ora, le tecniche di doppia immagine su cui Dalí lavorava fin da Cadaqués, L'uomo invisibile (una congiunzione che fece dire a Robert Descharnes e Gilles Néret che Dalí era "l'unico vero pittore totalmente surrealista, allo stesso modo in cui si può dire che Monet è l'unico vero pittore totalmente impressionista, dall'inizio della sua opera fino alle Nymphéas alla fine".

Le esplosioni delle bombe atomiche a Hiroshima e Nagasaki scuotono "sismicamente" il pittore e gli offrono una nuova fonte di ispirazione: la fisica nucleare. Si dichiarò un "ex-surrealista", anche se, secondo Robert Decharnes e Gilles Néret, lo rimase più che mai. La teoria atomica presuppone una discontinuità fondamentale della materia: la fisica nucleare dice, semplificando, che le particelle elementari separate dal vuoto si mantengono in equilibrio, pur formando un insieme coerente su scala macroscopica. Trovando in Heisenberg il suo nuovo padre, e con una logica sempre inconfutabile, affermò che ciò che i fisici producono, i pittori, già specialisti degli angeli, possono dipingere. In questo periodo, i corpi e gli oggetti rappresentati da Dalí erano in uno stato di levitazione, un nuovo approccio legato "sia al rapporto aureo che alle speculazioni della fisica moderna". Riflettono l'evoluzione spirituale del pittore, in una costante preoccupazione per una doppia appartenenza, agnostica e cattolica.

Nel 1946 torna a ispirarsi alla pittura rinascimentale, che gli permette di realizzare una sintesi di tre approcci improbabili: corpuscolare, cattolico-romano e rinascimentale.

Temi pittorici

L'insenatura di Portlligat, ma anche il porto dei pescatori o la facciata della casa del pittore, compaiono in molti dei suoi dipinti a partire dal momento in cui la coppia si trasferì nel villaggio nel 1930. L'area intorno a Cap de Creus era per Dalí "il paesaggio più concreto del mondo". Le sue rocce, con i loro angoli acuti e le loro forme strane, sono ben note agli escursionisti di Cadaqués. Dalí li ha utilizzati spesso nei suoi dipinti (Il naso di Napoleone trasformato in una donna incinta che cammina con la sua ombra tra le rovine originali, 1945). L'immagine composita e dall'aspetto enigmatico del Grande Masturbatore apparve nel 1929, nel Ritratto di Paul Éluard. È composto da diversi elementi, talvolta variabili: palpebre, ciglia, il tutto appoggiato su un naso di profilo. Una cavalletta è spesso rappresentata a testa in giù, vicino al posto della bocca. Questo elemento è stato molto presente dal 1929 al 1931 (La Persistance de la mémoire, 1931). A parte il simbolismo proprio dell'autore, l'aspetto generale è quello delle rocce che Dalí conosceva bene.

Diversi animali assumono per lui un carattere morboso. È il caso delle formiche, molto presenti sin da Ritratto di Paul Éluard (1929). Secondo lui, sono legate a una scena d'infanzia in cui, dopo aver accolto un piccolo pipistrello ferito, il giovane Salvador trovò l'animale in agonia il mattino seguente: "Il pipistrello, coperto di formiche frenetiche, geme, la bocca aperta, rivelando i denti di una vecchietta. Anche l'asino marcio fa parte di queste rappresentazioni. È presente nel film Un chien andalou (1929) e in diversi dipinti dello stesso periodo - Il miele è più dolce del sangue (1927), Cenicitas (1928), L'asino marcio (1928) - così come in diversi cadaveri di animali in decomposizione. Secondo il pittore, queste immagini gli ricordano la scena traumatica del cadavere del suo riccio addomesticato, invaso da un esercito di vermi: "Il suo dorso appuntito si agitava su uno sciame inaudito di vermi frenetici".

Le cavallette si riferiscono anche a scene della sua infanzia e al suo terrore per le cavallette, che i compagni di classe a volte gli inviavano in classe. Le cavallette sono molto presenti nelle sue opere degli anni Venti e Trenta e sono spesso associate al Grande Masturbatore.

Il rinoceronte - e in particolare il suo corno - era invece uno strumento divino in relazione al suo misticismo nucleare, oltre che un'evidente appendice fallica (Giovane Vergine autosodomizzata dai corni della propria castità). Dalí lo utilizza già nel 1951 (Testa di Raffaello scheggiata) e poi soprattutto intorno al 1955 (Studio paranoico della merlettaia di Vermeer). Ha spiegato che "la Lacemaker raggiunge il massimo del dinamismo biologico grazie alle curve logaritmiche dei corni di rinoceronte".

Le mosche, invece, sono associate a un sentimento positivo. Dalí disse che adorava questi insetti e che a Portlligat era solito lasciarli ricoprire il suo corpo. Li considerava "le fate del Mediterraneo". Michel Déon racconta che si dilettava a leggere L'Éloge de la mouche, di Lucien de Samosate.

Come suo padre, che si nascondeva per mangiarli, Dalí amava mangiare i ricci di mare che gli venivano portati dal mare vicino. Li ha utilizzati nei suoi dipinti (La Madonna di Port Lligat 1950), nella fotografia e anche come artista, infilando loro una cannuccia in bocca, i cui movimenti disegnavano forme su uno schermo. Si tratta probabilmente del primo utilizzo di un echinoderma come artista pittorico.

Nel 1954 firma sei ceramiche "L'étoile de mer rouge" (La stella rossa del mare) ispirandosi a Maurice Duchin, un ministro spagnolo.

Il cibo e l'atto del mangiare occupano un posto centrale nell'opera e nel pensiero di Dalí, per il quale "la bellezza sarà commestibile o non sarà", e il pane è molto presente a partire dal 1926 (Il cesto di pane). Il classicissimo Cestino di pane, Piuttosto morte che sporcizia (1945) è stato esposto in un posto d'onore da Dalí nel museo di Figueras, esprimendo l'importanza di questo dipinto. Fu con una baguette di 2 metri che arrivò per la prima volta negli Stati Uniti e con una baguette di 12 metri portata da alcuni panettieri che si presentò a una conferenza a Parigi nel 1959. Il suo simbolismo sembrava molto importante per Dalí: "Il pane è stato uno dei primi temi feticci e ossessioni del mio lavoro, il primo, quello a cui sono rimasto più fedele".

L'uovo fritto senza piatto ricorre regolarmente nella sua opera. Avrebbe ricordato al pittore i fosfeni che appaiono quando si strizzano i bulbi oculari e che egli associa a un ricordo intrauterino. Forse la creazione pittorica più nota di Dalí è quella delle Montres Molles. Scorrono come un camembert: "Gli orologi molli sono come il formaggio, e soprattutto come il camembert quando è completamente maturo, cioè quando ha la tendenza a gocciolare. Cosa c'entra il formaggio con il misticismo? Le schiene e i glutei femminili sono presenti nelle sue opere molto presto, soprattutto nei ritratti della sorella Anna-Maria a Cadaqués (Personaggio alla finestra, 1925, Giovane ragazza di spalle (Anna Maria), 1926). In seguito, un dipinto più esplicito, Giovane vergine autosodomizzata dalle corna della sua stessa castità (1954), chiarisce il significato erotico di queste pose. Sono rimasti presenti in tutta l'opera del pittore.

Gala è apparsa nel 1931 in un'opera minuscola (Primo ritratto di Gala), un vero tour de force del miniaturista, esposta al Teatre-Museu Gala Salvador Dalí; è disponibile una lente d'ingrandimento per apprezzare meglio i dettagli. I suoi ritratti sono stati in seguito molto numerosi e il suo volto e la sua caratteristica acconciatura la rendono facilmente riconoscibile. È apparsa di fronte (L'Angelus di Gala, 1935) o di spalle (Mia moglie, nuda, guarda il proprio corpo che diventa, tre vertebre di una colonna, cielo e architettura, 1945), nuda (Leda Atomica, 1949), come la Vergine Maria (La Madonna di Port Lligat, 1950), con un seno nudo (Galarina, 1945).

La scoperta di un paio di stampelle abbandonate nella soffitta della casa paterna fu una rivelazione. Lo definisce come "un supporto di legno derivato dalla filosofia cartesiana". Generalmente utilizzato per sostenere la tenerezza delle strutture molli". Diventa subito un oggetto feticcio che prolifera nelle sue opere, spesso per sostenere una morbida appendice. In esso possiamo percepire l'ansia di impotenza che dominava Dalí prima dell'incontro sessuale con Gala. Nel 1929, la presenza nel dipinto Jeu lugubre di un uomo che indossa pantaloni macchiati suscita uno scandalo nel circolo surrealista. Gala fu inviato in delegazione per assicurarsi che il giovane catalano non avesse tendenze coprofagiche, cosa che fece inorridire i surrealisti. Gala riuscì a rassicurarli, mettendo allo stesso tempo in guardia Dalí dallo stato d'animo "piccolo borghese" di un gruppo di artisti che si dichiaravano totalmente sinceri.

L'Angelus di Millet divenne una vera e propria ossessione per Dalí. Le sue figure sono state rappresentate in un gran numero di dipinti, dal Monument imperial à la femme-enfant, Gala - Fantaisie utopique (1929) a La Gare de Perpignan, del 1965. Dalí spiegò spesso l'erotismo del dipinto, così come la sua convinzione che la coppia stesse pregando intorno alla bara del figlio morto. Sorprendentemente, una radiografia al Louvre rivela un'area scura e rettangolare sotto il terreno tra le due figure.

La Venere di Milo era un riferimento occasionale. Appare prima in una scultura dirottata con l'amico Marcel Duchamp, poi come immagine che si trasforma in un torero in Le Torero hallucinogène.

La morte è presente in tutta l'opera, dalle prime tele surrealiste ai primi ritratti di uomini anziani. Appare per la prima volta nel suo aspetto fisico più ripugnante, quello dei cadaveri in decomposizione. In seguito è diventato più discreto, ma è sempre stato presente, anche nei dipinti cristiani, soprattutto nelle crocifissioni. Si nota in Ritratto del mio fratello morto (1963), Pesca al tonno (1967), Il torero allucinogeno (1970).

L'Alfabeto dell'Amore nasce dalla passione di Dalí per le arti grafiche e per la sua musa Gala. Partendo dalle loro iniziali, "S", "D" e "G", e da una corona, ha inventato otto caratteri astratti come simbolo del loro amore. L'alfabeto divenne pubblico negli anni Settanta, quando commissionò una borsa a Lancel come regalo a Gala.

Questa borsa è un modello piccolo a soffietto con manico a catena da bicicletta. La sua pelle è decorata con una stampa tipo Toile Dalígram, che utilizza i caratteri dell'alfabeto dell'amore.

Scultura

Per molto tempo la scultura è rimasta aneddotica nell'opera di Dalí, con rare eccezioni come l'Oggetto scatologico con funzione simbolica (1931) o il Busto rinocerontico della merlettaia di Vermeer (1955). Torna alla creazione tridimensionale negli anni Sessanta, e soprattutto nel 1970, con la creazione del Teatre-Museu Gala Salvador Dalí: Busto di Dante (1964), Sedia con ali di avvoltoio (1960), Lilith. Omaggio a Raymond Roussel (1966), Maschera funeraria di Napoleone che può essere usata come coperchio per un rinoceronte (1970).

Salvador Dalí ha raccontato che da bambino modellò la Venere di Milo perché si trovava sul suo portamine: fu il suo primo tentativo di scultura. A partire dagli anni Trenta, Dalí si cimenta nella terza dimensione con oggetti surrealisti. Insieme a Giacometti, crea oggetti con una funzione simbolica, Busto di donna retrospettivo. Busto: Pane e calamaio, assemblando una marotte da modista in porcellana dipinta con vari altri oggetti riciclati (1933). Nel 1936, Marcel Duchamp e Salvador Dalí collaborarono alla creazione della Venere di Milo con cassetti.

In questo periodo realizza sculture in bronzo basate sui suoi dipinti più famosi, come La Persistance de la mémoire, Le Profil du temps, La Noblesse du temps, Venus à la girafe, Le Toréador hallucinogène, La Vénus spatiale, Alice au pays des Merveilles e L'Éléphant spatial, che dimostrano con estremo vigore la forza espressiva delle sue immagini iconografiche surrealiste.

Dalí realizza i suoi primi gioielli dopo la seconda guerra mondiale a New York: L'occhio del tempo (1949), Labbra di rubino (1950), Il cuore reale (1953).

Tra il 1969 e il 1979, Salvador Dalí realizzò una collezione di 44 statue di bronzo, di cui solo 4 furono realizzate: Collection Clot de Dalí.

Architettura

Nel 1939 ha creato il padiglione Dream of Venus per la Fiera Internazionale di New York. Si trattava di un'attrazione da fiera surrealista con, tra l'altro, una Venere vinta dalla febbre d'amore su un letto di raso rosso, sirene e giraffe. Restano solo la memoria, una quarantina di fotografie di Eric Schaal, un film di otto minuti e il sontuoso trittico con orologi molli, conservato in Giappone. Il pittore aveva fatto del surrealismo un'arte di vivere.

A Portlligat ha decorato la sua casa a modo suo, "come un principe del kitsch, dell'ironia e della derisione". La sua biblioteca era volutamente inaccessibile, con file di libri appesi alle pareti in modo che nessuno potesse raggiungerli. Nell'asse della vasca fallica c'era un tempio con una grande tavola d'altare, dove si riparava dal sole e riceveva i suoi amici. Il fondo della sua vasca era rivestito di ricci di mare; si trattava di una commissione del maestro allo scultore César, che aveva realizzato una colata di poliestere per "camminare sui ricci di mare come Cristo ha camminato sulle acque". Il patio aveva la forma di una sagoma di donna dell'Angelus di Millet. Il divano è stato ricavato da un calco delle labbra di Mae West. La parete di fondo, chiamata "muro Pirelli", era decorata con grandi pubblicità di pneumatici.

All'inizio degli anni Settanta, il progetto del teatro-museo di Figueras prese finalmente forma. Dalí ha preso a cuore il progetto di questo museo costruito a sua gloria: "Voglio che il mio museo sia un blocco unico, un labirinto, un grande oggetto surrealista. Sarà un museo teatrale. I visitatori se ne andranno con la sensazione di aver vissuto un sogno teatrale.

Letteratura

Gli scritti di Dalí formano un corpus importante che viene pubblicato integralmente solo in spagnolo. Ha scritto, almeno dall'adolescenza (Studium), poesie, alcuni testi letterari e un diario che è stato pubblicato nel 2006. Pubblicò numerosi testi che esponevano le sue idee, la sua concezione della pittura e fornivano elementi biografici che ci permettono di comprendere la genesi di alcuni dei suoi dipinti. Oui espone le sue concezioni teoriche in due testi principali: "La rivoluzione critico-paranoica" e "L'arcangelo scientifico".

Scritti in uno stile molto personale, i due testi autobiografici più famosi di Dalí sono La vita segreta di Salvador Dalí, che fornisce dettagli biografici sulla sua infanzia, sul rapporto problematico con il padre e sulla convinzione acquisita fin da bambino di essere un genio, e Diario di un genio, che riguarda gli anni dal 1952 al 1963. Dalí scrisse un unico romanzo durante la guerra, Volti nascosti. In esso ritrasse l'aristocrazia francese durante la guerra, e in particolare la storia d'amore di due personaggi, il duca di Grandsailles e Solange de Cléda. Quest'ultimo è un'illustrazione di quello che lui stesso chiamava clédalisme, il cui scopo era completare "la trilogia delle passioni inaugurata dal marchese de Sade", i cui primi due elementi sono il sadismo e il masochismo.

Nel 1938 scrisse anche un'interpretazione critico-paranoica di una delle sue opere di riferimento, nel Mito tragico dell'Angelus di Millet, pubblicato nel 1963. Ha illustrato Fantastic memories (1945), La Maison sans fenêtre, Le Labyrinthe (1949) e La Limite (1951) di Maurice Sandoz, conosciuto a New York nei primi anni Quaranta.

Cinema

La giovinezza di Dalí coincide con l'epoca d'oro del cinema muto. Incontra Luis Buñuel nella residenza studentesca di Madrid e ne fa il soggetto di uno dei suoi primi dipinti. Questa amicizia ha portato a una collaborazione che si è sviluppata nel contesto del surrealismo. In complicità con lui, ha partecipato alla stesura di due film emblematici del cinema surrealista. Il primo, Un chien andalou (1929), è un cortometraggio di sedici minuti. È stata finanziata dal visconte e dalla viscontessa di Noailles, in seguito a una mostra a Parigi. Dopo una brutale immagine introduttiva volta a marcare meglio la divisione tra mondo reale e mondo surrealista, si susseguono varie scene oniriche, dotate solo della logica dei sogni. Il film ha suscitato uno scandalo nei circoli intellettuali parigini. Tuttavia, secondo Robert Descharnes, Dalí e Buñuel volevano realizzare qualcosa di "diverso da tutto ciò che era stato fatto prima". È in quest'ottica che nel 1930 viene realizzato il secondo film, L'Âge d'or (L'età dell'oro). Nonostante un programma comune, i due autori erano in contrasto tra loro: Dalí voleva rappresentare l'amore, la creazione e i miti cattolici nell'ambientazione di Cap de Creus. Quello che per Dalí avrebbe dovuto essere un sottile, raffinato e profondo sacrilegio, fu trasformato da Buñuel in un primario anticlericalismo. Il film, della durata di un'ora, ha provocato disordini pubblici tra realisti e surrealisti. Considerato insolente all'epoca, fu vietato fino al 1981.

Modello: Ridondante.

Dalí partecipò alla realizzazione di diversi film che non furono portati a termine. Nel 1941 scrisse la prima scena del sogno per il film Moontide di Fritz Lang, che non fu girato a causa dell'entrata in guerra degli Stati Uniti. Nel 1945 Dalí iniziò a dirigere il cartone animato Destino con Walt Disney, che fu interrotto dopo pochi mesi a causa di problemi finanziari legati alla guerra. Dalí e Disney si amavano molto e Dalí considerava il regista un "grande surrealista americano" al pari dei Fratelli Marx e di Cecil B. DeMille.

Scrisse una sceneggiatura per i fratelli Marx intitolata Giraffes on Horseback Salad, rimasta in bozza. Nel 1945 ha progettato il set per la scena dell'incantesimo nel film di Alfred Hitchcock La casa del dottor Edwardes. In questa scena, Gregory Peck, psicanalizzato da Ingrid Bergman, vede una tenda di occhi spalancati - idea ripresa dal film Un chien andalou - ed enormi forbici che tagliano palpebre e retine.

Lo stesso Dalí produsse una serie di cortometraggi sperimentali surrealisti in cui metteva in scena se stesso. Negli anni Cinquanta realizza L'Aventure prodigieuse de la Dentellière et du rhinocéros, per la regia di Robert Descharnes, in cui immagini e oggetti vengono associati attraverso la curva logaritmica e il rapporto aureo. Nel 1975 è stato Impressions de la Haute Mongolie (Omaggio a Raymond Roussel). In questo film, che ha l'aspetto di un falso documentario, Salvador Dalí racconta la storia di un popolo scomparso di cui ha trovato le tracce durante un viaggio nell'"Alta Mongolia". La storia è completamente inventata. Dalí ha urinato sull'anello di una penna e ha atteso che la corrosione facesse effetto, filmando gli effetti a distanze macro e microscopiche, con un commento "storico".

Con Jean-Christophe Averty e Robert Descharnes, dirige L'Autoportrait mou de Salvador Dalí (1967), una pubblicità per il cioccolato Lanvin nel 1968. Alejandro Jodorowsky, nel suo progetto cinematografico abortito per il romanzo Dune, aveva chiesto a Dalí di interpretare il ruolo dell'imperatore Shaddam IV. Dalí chiese, tra l'altro, di essere pagato alla cifra astronomica di 100.000 dollari l'ora e propose un trono di ispirazione scatologica. David Pujol ha realizzato nel 2018 un documentario intitolato Salvador Dalí: In Search of Immortality.

Teatro

Dalí partecipò a diversi progetti legati al teatro. Nel 1927 collaborò con Federico García Lorca per la commedia Marina Pineda e scrisse il libretto del Baccanale, ispirato al Tannhäuser di Richard Wagner. Durante il suo soggiorno a New York, Dalí creò diversi fondali, scenografie e costumi per i balletti Labyrinth (1941), Helena (1942), Romeo e Giulietta (1942), Café de Cinitas (1943) e Tristan Fou (1944).

Mondo della moda

Nel corso della sua vita e del suo lavoro, Dalí rimase in un rapporto simbiotico con il mondo polimorfico della moda. Nel suo insaziabile desiderio di concretizzare la creatività senza limiti che lo contraddistingue, ha esplorato i registri creativi più eterogenei del settore della moda. I suoi modelli erano preferibilmente donne con fianchi prominenti - donne coccige - e ascelle cerate, come Greta Garbo. Tra le sue realizzazioni più importanti, ha prodotto molti modelli di tessuto e disegni decorativi per l'abbigliamento. Collaborò con Coco Chanel per disegnare i costumi e le scenografie dell'opera teatrale Baccanale, "paranoico-cinetico", partecipò alla creazione di alcuni cappelli tra cui uno famoso a forma di scarpa e, con la couturier Elsa Schiaparelli, creò l'abito "aragosta" (anni '30), commissionato da Edward James per l'amica attrice Ruth Ford. Nel 1950, insieme a Christian Dior, disegna il "tailleur 1945" con cassetti. Salvador Dalí creò il Dalígram Canvas alla fine degli anni Sessanta, basandosi su una custodia di Louis Vuitton. Nel 1970, una borsa Lancel è stata decorata con il suo alfabeto amoroso, mentre il manico era formato da una catena di bicicletta. Ha creato costumi da bagno da donna che comprimevano il seno e davano così un aspetto angelico; una giacca da pranzo afrodisiaca ricoperta di bicchieri da shot riempiti di menta piperita; cravatte; il disegno dei capelli dei suoi baffi-antenne metamorfici; bottiglie di profumo.

Molti dei suoi progetti sono rimasti come modelli senza mai essere realizzati. Tra questi, abiti con finti divisori e imbottiti di finta anatomia; trucco per le guance cave per eliminare le ombre sotto gli occhi; occhiali caleidoscopici per i viaggi in auto; unghie finte fatte di piccoli specchi in cui contemplarsi.

Fotografia

Dalí mostrò un vero interesse per la fotografia, alla quale diede un posto importante nella sua opera. Ha armonizzato le ambientazioni e le fotografie come un pittore lavora la sua tela con i suoi pennelli. La fotografia è stata la rivelazione di una parte importante e poco conosciuta della creazione di Dalí. Ha lavorato con fotografi come Man Ray, Brassaï, Cecil Beaton e Philippe Halsman. Con quest'ultimo ha creato la famosa serie Dalí Atomicus. È stato senza dubbio Robert Descharnes, suo amico e collaboratore-fotografo per 40 anni, a scattare il maggior numero di fotografie di Dalí, dell'uomo e della sua opera.

Il fotografo e giornalista Enrique Sabater incontrò Dalí nell'estate del 1968, quando fu incaricato dall'agenzia americana Radical Press di intervistare il pittore nella sua casa di Portlligat. Tra i due nasce un'amicizia e il fotografo trascorre dodici anni con Dalí come suo segretario, braccio destro e confidente. Enrique scattò migliaia di foto di Dalí e Gala. Nel 1972, quando Elvis Presley gli fece visita, Dalí rimase così colpito dalla sua camicia country con motivi ricamati e bottoni in madreperla che il cantante gliela regalò. L'ha poi indossata per fare Dalí con la camicia di Elvis. Il maestro ha raccontato a Marc Lacroix, che ha scattato la fotografia: "Quando Elvis Presley venne a incontrarmi nel mio studio, notò subito che ero affascinato dalla sua camicia country. Mentre se ne andava mi disse: "Ti piace la mia camicia? Sì. Molto. Senza dire una parola, si slacciò i bottoni e se ne andò senza camicia. Da allora non lo lascio mai per dipingere.

Con Marc Lacroix, fotografo di moda, Dalí posò nel 1970 per una serie di ritratti in cui si mise in scena, in foto deliranti: Dalí con una corona di ragno marina, Dalí con un orecchio fiorito, Avida Dollars. Quest'ultima fotografia è stata scattata sopra un'insegna della Banque de France, circondata dalle banconote della sua effigie. Sempre con Marc Lacroix, ha tentato un esperimento a cui pensava da tempo. Ha realizzato un dipinto tridimensionale, Otto pupille, utilizzando un prototipo di macchina fotografica stereoscopica che consentiva la profondità.

Dalí ebbe un rapporto di amicizia con il cantante del gruppo hard rock Alice Cooper, Vincent Furnier. I due artisti si ammiravano a vicenda: Alice Cooper utilizzò un dipinto di Dalí per illustrare il suo album DaDa nel 1983, dopo che quest'ultimo gli aveva dedicato un ologramma dieci anni prima intitolato First Cylinder. Ritratto del cervello di Alice Cooper. Una delle fotografie più suggestive è quella che ritrae il pittore con un cappello a cilindro, ai lati del quale ha collocato le maschere della Gioconda. Secondo Thérèse Lacroix, lo creò per partecipare a un ballo della baronessa Rothschild. Solo metà del volto di Dalí appare tra sorrisi enigmatici e congelati.

Il cestino del pane

Il cesto di pane (31,5 × 31,5 cm), (Museo Salvador Dalì), è un olio su tavola dipinto nel 1926. È stata la prima opera di Dalí a essere esposta al di fuori della Spagna, alla Mostra Internazionale del Carnegie Institute di Pittsburgh nel 1928. Questo primo lavoro è stato realizzato poco dopo aver terminato gli studi artistici a Madrid, quando studiava i maestri olandesi. In esso, all'età di ventidue anni, Dalí dimostrò il pieno possesso delle sue capacità pittoriche.

Raffigurato in modo molto realistico in un chiaroscuro molto classico, un cestino di vimini per il pane è presentato con quattro fette di pane, di cui una imburrata. Il tutto viene posto su una tovaglia bianca con molte pieghe. Al centro, viene mostrato il rovescio della tovaglia, che rivela molto chiaramente i dettagli del tessuto. Lo sfondo è scuro, addirittura nero. La luce bianca e severa sembra smorzare la scena.

Metamorfosi di Narciso

La Metamorfosi di Narciso (Tate Gallery, 50,8 × 78,3 cm) è stata dipinta nel 1936-37, quando il pittore era nel pieno del suo periodo surrealista. È una scena mitologica la cui storia più dettagliata è raccontata nelle Metamorfosi di Ovidio: dopo un incontro con la ninfa Eco, che non riuscì a sedurlo, Narciso, figlio della ninfa Liriope e del fiume Cefiso, fu costretto da Nemesi, la dea della vendetta, a bere acqua limpida. Tuttavia, "infatuato della sua immagine, che vede nell'acqua, presta un corpo alla vana ombra che lo ammalia: in estasi davanti a se stesso, rimane, con il volto immobile come una statua di marmo di Paros". Narciso si innamorò del suo riflesso ma, incapace di separarsi dal suo corpo, iniziò a piangere. Le sue lacrime hanno disturbato l'immagine, che è scomparsa. Narciso si disperò e, una volta che l'acqua fu di nuovo calma, contemplò il suo riflesso malconcio. Si lascia morire, lamentandosi con un "ahimè", che Eco ripete instancabilmente fino a un ultimo "addio" a cui risponde anche la ninfa. Alla sua sepoltura, "al suo posto si trova solo un fiore giallo, coronato da foglie bianche al centro dello stelo".

Dalí presentò con il suo dipinto un "poema paranoico" con lo stesso nome e lo stesso soggetto, preceduto da un meta-testo, un manuale di istruzioni. Secondo il pittore, si tratta della prima opera, pittorica e poetica, concepita interamente secondo il metodo critico paranoico. Mentre la poesia afferma che il dio della neve è presente sulle montagne sullo sfondo, la scena si svolge in primavera, la stagione dei narcisi. Il pittore sfrutta una doppia immagine, derivata dal suo metodo critico paranoico, raffigurando lo stato precedente alla trasformazione di Narciso a sinistra e la sua trasformazione a destra, utilizzando la direzione di lettura latina. A sinistra, la figura dai contorni imprecisi si riflette nell'acqua. È piegato e la sua testa è appoggiata sulle ginocchia, in attesa della morte. A destra, il doppio dell'immagine dopo la trasformazione. La figura diventa una mano sottile e pietrosa che emerge dalla terra. Sulle tre dita unite porta un enorme uovo da cui sta uscendo un narciso. Sia il chiodo che l'uovo sono spezzati e il gruppo è raffigurato in un grigio pietroso e cadaverico, su cui si ergono le formiche, simbolo di putrefazione.

Sullo sfondo e al centro è rappresentato quello che Dalí definisce nella poesia un "gruppo eterosessuale in stato di attesa". Si tratta di un gruppo di otto uomini e donne nudi respinti da Narciso che, secondo Dalí, comprende un indù, un catalano, un tedesco, un russo, un americano, una donna svedese e una donna inglese. Un'altra interpretazione è quella di Shnyder, che considera la trasformazione opposta. La mano a destra è lo stato iniziale; a sinistra, spostata per traslazione, è il pittore Dalí, in un doppio di questa immagine. Questo gruppo si metamorfizza in una figura seduta e piegata che si riflette nell'acqua ghiacciata, una figura simile al Narciso del mito di Ovidio. I colori sono caldi, dorati e morbidi. Della figura di Narciso nel suo stato iniziale, Dalí dice che "quando lo si guarda con insistenza, anche lui si scioglie nelle rocce rosse e dorate".

Presagio di guerra civile

Come molti dipinti di Dalí, questo ha un doppio titolo: Costruzioni morbide con fagioli bolliti. Premonizione della guerra civile. Si tratta di un olio su tela, che misura 100 × 99 cm, ed è conservato al Philadelphia Museum of Art. Fu iniziato a Parigi nel 1936, quando l'aumento dei disordini armati in Spagna lasciava pochi dubbi sul futuro immediato del Paese, sull'"avvicinarsi del grande cannibalismo armato della nostra storia, quello della nostra prossima guerra civile". In Vita segreta di Salvador Dalí, il pittore racconta come, nel 1934, quando fu proclamata la repubblica catalana, lui e Gala fuggirono da Barcellona per Parigi, tra i blocchi anarchici e la dichiarazione di indipendenza della Catalogna. Il loro autista è stato assassinato sulla via del ritorno.

Sullo sfondo, la maggior parte della tela è occupata dal cielo. Sul terreno terroso e soleggiato si trova un enorme essere dal volto smorfioso e dall'anatomia assurda. L'intera immagine è vista da un'angolazione bassa. In questo dipinto Dalí realizza una forma di decomposizione, dissezione e ricomposizione di un gigante in un mostro. Secondo Jean-Louis Ferrier, si tratta di una tela in cui "un gigantesco corpo umano si lacera, si spacca, si strangola, fa smorfie di dolore e di follia". Una mano è a terra nella polvere, mentre l'altra, alzata verso il cielo, stringe un seno. Sono entrambi contratti e di colore grigio cadaverico. Le braccia formano un angolo e si estendono in una sorta di gamba collegata a un bacino. Sul bacino, un piede in decomposizione e la sua gamba eretta formano, insieme alle parti sopra citate, un enorme trapezio, il cui lato lungo è sormontato da una testa smorfiosa sollevata verso il cielo. Il tutto è sostenuto da un piede morbosamente tagliato e da un minuscolo comodino, entrambi adagiati tra fagioli bolliti sparsi sul pavimento. Sul bacino, a destra del piede, c'è uno stronzo.

Lo stesso Dalí commentò la presenza di questi fagioli, che giustificano il primo titolo dell'opera: "La struttura morbida di questa enorme massa di carne della Guerra Civile, l'ho guarnita con fagioli bolliti, perché non si può immaginare di inghiottire tutta questa carne insensibile senza l'accompagnamento, anche banale, di qualche malinconico e pastoso ortaggio".

L'associazione di guerra, cibo e amore è il tema centrale di un altro suo dipinto sullo stesso tema: Cannibalismo in autunno.

La tentazione di Sant'Antonio

La Tentazione di Sant'Antonio è stata dipinta nel 1946. Si tratta di un olio surrealista su tela di 90 × 119,5 cm, conservato a Bruxelles presso il Museo Reale di Belle Arti. Il dipinto è stato realizzato nel 1946 a New York ed è rappresentativo del periodo in cui il surrealismo cede gradualmente il passo alla religione. Dalí si era ormai avvicinato al cinema e realizzò quest'opera in occasione di un concorso organizzato per un adattamento cinematografico del romanzo Bel-Ami di Guy de Maupassant. Il concorso fu vinto da Max Ernst e il dipinto di Dalí non fu accettato. Per Gilles Néret, il dipinto gioca sull'opposizione religione-erotismo.

"Alchimia di paure e desideri, La tentazione di Sant'Antonio è una sottile sintesi tra la pittura classica e l'acuto senso di spiritualità del suo autore".

- Gilles Néret

Il dipinto mostra Sant'Antonio nel deserto, inginocchiato e con una croce per proteggersi dalle tentazioni che lo assalgono in un gesto di esorcismo. Queste tentazioni prendono la forma di un cavallo gigante e di una fila di elefanti con enormi e grottesche "zampe di ragno". Sant'Antonio è raffigurato come un mendicante, mentre ogni animale ha sulla schiena una tentazione, tra le più comuni tra gli uomini. Il trionfo è rappresentato dal cavallo con gli zoccoli sporchi e consumati; alla sua destra, una donna nuda che si copre i seni offre il suo corpo voluttuoso. Rappresenta la sessualità. Poi vengono le ricchezze. Si tratta di un obelisco dorato sul prossimo elefante, ispirato all'obelisco del Bernini a Roma. Segue una donna nuda intrappolata in una casa dorata. Il tutto è sormontato dalle trombe della fama. Sullo sfondo, un ultimo elefante porta un enorme monolite fallico e sporge da una nuvola su cui è raffigurato un castello. Nel mezzo del paesaggio deserto, sotto gli elefanti, due uomini stanno discutendo. Uno è vestito con un mantello rosso e porta una croce. L'altro è grigio e piegato in due. Un angelo bianco vola sul deserto.

Cristo di San Giovanni della Croce

Il Cristo di San Giovanni della Croce è uno dei dipinti più famosi del pittore. Si tratta di un olio su tela, realizzato nel 1951, che misura 205 × 116 cm ed è conservato al Kelvingrove Museum di Glasgow. L'originalità della prospettiva e l'abilità tecnica resero il dipinto molto famoso, tanto che nel 1961 un fanatico tentò di vandalizzarlo con scarso successo. Negli anni Cinquanta l'artista rappresenta più volte la scena della crocifissione, come nel Corpus hypercubus, dipinto nel 1945. Per questo dipinto, Dalí si è basato sulle teorie del Discorso sulla forma cubica di Juan de Herrera, responsabile del monastero di San Lorenzo de El Escorial nel XVI secolo.

Dalí si ispirò a un disegno mistico di San Giovanni della Croce conservato nel Monastero dell'Incarnazione di Ávila e a un'immagine, che disse di aver sognato, di un cerchio in un triangolo. Questa figura, che secondo lui era come il nucleo di un atomo, era simile al disegno del monastero e decise di utilizzarla per il suo dipinto. Il dipinto raffigura Gesù crocifisso, ripreso da una prospettiva a volo d'uccello e visto dall'alto della testa. La testa guarda verso il basso ed è il punto focale del dipinto. La parte inferiore del dipinto raffigura un paesaggio impassibile, formato dalla baia di Port Lligat. Nell'angolo in basso a destra, due pescatori sono impegnati con una barca. Si ispirano a un disegno di Velázquez per La resa di Breda e a un dipinto di Le Nain. Tra il Crocifisso e la baia ci sono nuvole mistiche e misteriose, illuminate dalla luce che emana dal corpo di Gesù. Il potente chiaroscuro utilizzato per valorizzare la figura di Gesù crea un effetto drammatico.

Cristo è rappresentato in modo umano e semplice. Ha i capelli corti - in contrasto con le rappresentazioni classiche - ed è in posizione rilassata. Il segno in cima alla croce è un foglio di carta con le iniziali INRI. A differenza delle rappresentazioni classiche, Cristo non è ferito, non è inchiodato alla croce, non ha tagli, ha pochissimo sangue e non ha nessuno degli attributi classici della crocifissione - chiodi, corona di spine, ecc. Sembra galleggiare accanto alla croce. Dalí si giustificò spiegando che in sogno cambiò il suo progetto iniziale di mettere fiori, garofani e gelsomini, nelle ferite di Cristo, "forse a causa di un proverbio spagnolo che dice A mal Cristo, demasiada sangre". Alcuni commentatori sostengono che si tratta dell'opera più umana e umile sul tema della Crocifissione.

Principali opere pittoriche

Salvador Dalí ha dipinto 1.640 quadri, principalmente oli su tela. I titoli e le date sono tratti dal libro di Gilles Néret e Robert Descharnes.

Un gran numero di opere di Salvador Dalí sono esposte alla Fondacion Gala-Salvador Dalí di Figueras, nel Teatro-Museo Dalí, che lui stesso definì "il più grande degli oggetti surrealisti al mondo".

Musei principali

Insieme a Pablo Picasso, Salvador Dalí è stato uno dei due artisti per i quali, durante la sua vita, sono stati creati due musei dedicati esclusivamente alle sue opere. Il primo ad aprire è stato fondato dai collezionisti A. Reynolds Morse e Eleanor Morse, che nel corso degli anni avevano messo insieme una vasta collezione. Nel 1971, il primo museo, situato a Beachwood (Cleveland), fu inaugurato da Salvador Dalí stesso. Negli anni Ottanta, la coppia lasciò le opere in eredità alla città di St. Petersburg, in Florida, che nel 1982 aprì un nuovo Museo Salvador Dalí. Vi sono conservati novantasei dipinti di Dalí, oltre a più di 100 acquerelli e disegni, più di 1.300 fotografie, sculture, gioielli e numerosi archivi. Nel 2011 è stato inaugurato un nuovo edificio a prova di uragano. Il secondo museo aperto è stato il Teatro-Museo Dalí. Situato nella sua città natale, Figueras, in Catalogna, è stato costruito sulle rovine di un vecchio teatro devastato da un incendio durante la guerra civile spagnola. Negli anni Settanta è stato trasformato in museo dal pittore e ha dato alla città una nuova attrazione turistica. È stato aperto nel 1974.

A metà degli anni Novanta sono stati aperti altri due musei in Spagna. Il primo è il Castello di Púbol, che fu la residenza della moglie Gala. Dopo la sua morte, avvenuta nel 1982, il castello divenne la residenza di Salvador Dalí per due anni, fino a quando, nel 1984, un incendio divampò nella stanza. Allo stesso modo, la sua casa di Portlligat, nel porto di Cadaqués, è stata trasformata in un museo pubblico. In Francia, Dalí Paris presenta la collezione di oltre quindici sculture originali, che conferiscono a questa mostra lo status di collezione più importante in Francia. In Germania, il Museo Dalí di Piazza Lipsia a Berlino riunisce più di 400 opere dell'artista catalano.

Il cinema su Dalí

Il rapporto di Dalí con il cinema è stato oggetto di un documentario intitolato Cinema Dalí nel 2004 e di una mostra retrospettiva della Tate Modern di Londra nel 2007. Nel 2005, Elaney Bishop ha diretto il film La morte di Salvador Dalí, in cui la trama si svolge tra Dalí e Sigmund Freud su come rappresentare la follia nelle sue opere.

Nel 2009, Little Ashes, un film diretto da Paul Morrison, segue la giovinezza di Dalí a Madrid, con Robert Pattinson che interpreta il ruolo di Salvador Dalí. Nel 2011, Ben Addis ha interpretato Salvador Dalí nel film Hugo Cabret e una commedia diretta da Woody Allen, Midnight in Paris, racconta la storia di due giovani americani nell'ambiente degli artisti nella Parigi degli anni Venti. Incontrano Salvador Dalí, interpretato da Adrien Brody. Il film ha vinto l'Oscar per la migliore sceneggiatura originale nel 2012.

Lavori

Il 24 maggio 1978, Salvador Dalì viene eletto membro dell'Accademia di Belle Arti in sostituzione di Mariano Andreu.

Il personaggio

La figura rimane controversa tra i critici e gli storici dell'arte. In occasione del centenario della nascita di Dalí, il critico letterario Peter Bürger ha sottolineato su Die Zeit che le classificazioni degli artisti moderni stabilite a partire dal 1955 non includono generalmente Dalí, a differenza di altri pittori surrealisti come André Masson, Joan Miró e Max Ernst. A partire dagli anni Quaranta, negli Stati Uniti, Dalí fu bersaglio di critiche a causa del suo lavoro per l'alta moda, la gioielleria e, più in generale, il design. È stato accusato di confondere il confine tra arte e consumo. Questo atteggiamento della critica è terminato solo con l'avvento della pop art, che ha assunto completamente questa confusione. Anche la sua ossessione per Hitler è stata controversa.

Lo storico dell'arte Michael Peppiatt ha scritto, a questo proposito, che "Dalí passò dalla brillantezza sovversiva della sua giovinezza a una crescente vacuità e a un esibizionismo remunerativo", opponendosi a Jean Dutourd, dell'Accademia di Francia:

"Salvador Dalí, che era molto intelligente, aveva capito diverse cose che gli artisti in genere non colgono, la prima delle quali è che il talento (o il genio) è una bancarella da fiera. Per attirare i clienti, bisogna parlare bene, avere una lingua tagliente, esibirsi in buffonate e buffonate su un palcoscenico. Questo è ciò in cui Dalí eccelleva fin dall'inizio. Si considerava il più grande pittore del XX secolo, cioè un artista classico che ha avuto la sfortuna di cadere in un periodo basso della sua arte. I trissotini dell'intellighenzia occidentale e la borghesia che li ha seguiti hanno fatto la legge, cioè l'opinione.

"Ci sono due modi per conciliare queste persone, da cui dipende la reputazione; il primo è essere seri come loro, pieni di dignità. Riconoscono immediatamente un membro della tribù e sanno come dimostrarlo. L'unica via d'uscita era la provocazione, cioè la stravaganza e l'imprevisto nel pensiero e nella parola, la brutale sincerità, il gusto del faceto, l'iconoclastia nei confronti di tutto ciò che è alla moda e quindi intoccabile.

Tuttavia, Dalí ha utilizzato l'accademismo e la pittura da salotto del XIX secolo in un modo del tutto inaspettato, che ha costretto alcuni critici a riconsiderare il loro giudizio sulla sua arte in tempi più recenti. Ciò è avvenuto soprattutto dopo le retrospettive sul surrealismo daliniano a Parigi e a Düsseldorf. Secondo Peter Bürger, "Dalí, morto nel 1989, non ha ancora trovato il suo posto nell'arte del XX secolo".

Nella prefazione a Diario di un genio, Michel Déon riassume l'originalità del pittore: "Ciò che è più amabile di Dalí sono le sue radici e le sue antenne. Radici affondate in profondità nella terra, dove vanno alla ricerca di tutto ciò che l'uomo ha saputo produrre di succulento (secondo una delle sue tre parole preferite) in quaranta secoli di pittura, architettura e scultura. Antenne dirette verso il futuro, che annusano, prevedono e comprendono con velocità fulminea. Non si dirà mai abbastanza che Dalí è uno spirito di insaziabile curiosità". Thérèse Lacroix, moglie e collaboratrice di Marc Lacroix, che visitò Salvador e Gala in numerose occasioni nell'arco di dieci anni, osserva che Dalí "era impressionante nel suo aspetto e nel modo in cui portava la testa". Era altezzoso ma divertente, non si prendeva sul serio".

Opinioni politiche

Il rapporto di Dalí con la politica fu spesso equivoco e incompreso. Tuttavia, hanno avuto un ruolo significativo nella sua carriera artistica. Da adolescente, Dalí "propendeva per l'anarco-sindacalismo radicale", seguiva con passione la rivoluzione russa e i progressi dell'Armata Rossa di Trotsky, e si definiva all'epoca un socialista. Fu arrestato e imprigionato per diverse settimane a Girona per agitazione rivoluzionaria. Ma la sua visione politica si è gradualmente evoluta in un "anarchismo violentemente antisociale" e poi in un apolitismo provocatorio. Il suo individualismo viscerale non potrebbe probabilmente far fronte a un movimento popolare nel lungo periodo. Nel 1934 provocò le ire dei surrealisti raffigurando Guglielmo Tell nelle vesti di Lenin, che André Breton considerò un "atto antirivoluzionario". La rottura fu completa quando Dalí concentrò il suo lavoro su Hitler, verso il quale fece commenti ambigui alla fine degli anni Trenta, finché Breton non escluse definitivamente il pittore. Dalí fuggì dalla Spagna appena in tempo per lo scoppio della guerra civile.

Per Robert Descharnes e Gilles Néret, Dalí visse questa guerra spagnola con incomprensione. Si ricordano le parole del pittore: "Non avevo né l'anima né la fibra storica. Più gli eventi si susseguivano, più mi sentivo apolitico e nemico della storia". È rimasto sbalordito dall'"ignominia" dell'assassinio del suo amico Lorca, "il pittore più apolitico della terra". Spinto a scegliere tra Hitler e Stalin "dalla iena dell'opinione pubblica", scelse di rimanere se stesso. Lo stesso atteggiamento lo ebbe durante la Seconda guerra mondiale, fuggendo dalla Francia in guerra, e per questo fu molto criticato, ad esempio da George Orwell: "Con l'avvicinarsi della guerra in Europa, aveva una sola preoccupazione: trovare un posto che avesse del buon cibo e dal quale potesse fuggire rapidamente in caso di pericolo", aggiungendo nella sua biografia che Dalí era un disegnatore eccezionale e un tipo disgustoso.

Dopo il suo ritorno a Cadaqués nel 1948, Dalí manifesta un monarchismo quasi mistico. Jean-Louis Gaillemin annota le parole del pittore:

"Monarchia assoluta, perfetta cupola estetica dell'anima, omogeneità, unità, suprema continuità biologica ereditaria, tutto questo in alto, innalzato vicino alla cupola del cielo. In basso, anarchia brulicante e supergelatinosa, eterogeneità viscosa, diversità ornamentale di ignominiose strutture molli, compresse e che cedono l'ultimo succo delle loro forme ultime di reazione".

Questo atteggiamento è stato interpretato sia come un avvicinamento al franchismo - in particolare da André Breton - sia come un modo per non appoggiare direttamente quel regime, che tuttavia si è avvalso di alcune dichiarazioni del pittore e lo ha insignito della Gran Croce dell'Ordine di Isabella la Cattolica nel 1964. Il suo atteggiamento è rimasto ambiguo. Al di là delle considerazioni surrealiste, se da un lato Dalí non perdonò la morte di Lorca per mano delle milizie di Franco e denunciò fino alla fine la censura dell'opera dell'amico poeta, dall'altro incontrò personalmente Franco nel 1953 e dipinse un ritratto della nipote nel 1974.

Per Robert Descharnes, Dalí era soprattutto vicino alla tradizione monarchica spagnola, che completava altri aspetti della sua svolta tradizionalista verso il cattolicesimo romano e la pittura rinascimentale. Dalí rivendicava il suo sostegno alla monarchia, che promuoveva come un tradimento della borghesia, la sua classe sociale di origine. Partito dall'estrema sinistra, la sua carriera politica si è spostata a destra. In Francia, negli anni Cinquanta e Sessanta Dalí fu sostenuto soprattutto da intellettuali di destra come Louis Pauwels, ma quando nel 1970 si dichiarò "anarco-monarchico", aprì la porta a speculazioni su questo orientamento politico, certamente minoritario.

Secondo Vicente Navarro, nel 1975, poco prima di morire, Dalí si congratulò con il vecchio generale Franco per le sue azioni volte a "liberare la Spagna dalle forze distruttive", dopo aver firmato l'ordine di giustiziare quattro prigionieri dell'ETA. Se molti hanno visto Dalí nel ruolo di "buffone di corte" di Franco, altri, come l'architetto Óscar Tusquets nel suo libro Dalí y otros amigos, hanno sottolineato che l'estrema esagerazione di queste congratulazioni a un dittatore in punto di morte dovrebbe essere interpretata in modo ironico, in quanto le continue provocazioni del pittore miravano a costruire una figura pubblica surrealista.

I dipinti di Salvador Dalí sono opere molto ricercate dai collezionisti d'arte. L'olio su tavola My Naked Woman Looking at Her Own Body Becoming Steps, Three Vertebrae of a Column, 1945, è stato venduto da Sotheby's a Londra il 4 dicembre 2000 per 2.600.000 sterline o 4.274.140 euro. L'olio su tela Nostalgic Echo, che misura 96,5 × 96,5 cm, è stato venduto da Sotheby's a Londra il 2 novembre 2005 per 2.368.000 dollari (2.028.665 euro).

Si dice che Dalí sia stato costretto dal suo entourage a firmare le tele vuote affinché potessero essere dipinte da altri e vendute dopo la sua morte come originali, alimentando i sospetti e svalutando di conseguenza le ultime opere del maestro. Nel caso delle sue litografie di farfalle, Salvador Dalí ritagliava le fotografie di questi insetti dalle riviste, le incollava su un foglio di carta e le faceva copiare dal litografo Jean Vuillermoz. Queste litografie sono state stampate su fogli già pre-firmati da Dalì.

Nel 2017, una cartomante, Pilar Abel, ha affermato di essere sua figlia. Per stabilire se il pittore fosse effettivamente il padre biologico, il tribunale di Madrid ha ordinato l'esumazione del suo corpo il 26 giugno "al fine di ottenere campioni dei suoi resti". L'esumazione è avvenuta il 20 luglio nel Museo Dalí di Figueras, dove il pittore era sepolto in una cripta. Il 6 settembre 2017, la Fondazione Dalí ha rivelato che i risultati del DNA dimostrano che l'artista spagnolo non è il padre di Pilar Abel.

Nel 2014, Sergio G. Mondelo ha diretto Dalì, l'uomo che amava le muse.

Nel 1951, Giovanni Papini scrisse il seguito di Gog, intitolato Il libro nero, in cui incluse il capitolo "Visita a Salvador Dalì (o: del genio)", in cui il protagonista incontra Dalì, che gli presenta l'intera visione della sua opera.

Nel romanzo del 2000 di Michael Chabon Le incredibili avventure di Kavalier e Clat, Salvador Dalì è uno dei personaggi storici minori.

Salvador Dalí è un personaggio secondario nel film d'animazione Buñuel dopo l'età dell'oro (2018): viene citato più volte e la sua voce (interpretata da Salvador Simó, il regista) si sente in una scena in cui Luis Buñuel gli telefona.

È il protagonista del volume 46 della serie a fumetti D-Day, "Le nozze di sangue", uscito nel 2022.

È interpretato da Ben Kingsley e Ezra Miller nel lungometraggio Dalíland di Mary Harron (2022).

Fonti

1. Salvador Dalí
2. Salvador Dalí
3. Dalí Salvador, Oui, Gonthier (ISBN 978-2-282-30197-6 et 2-282-30197-8)
4. Dalí Salvador (trad. de l'espagnol), La Vie secrète de Salvador Dalí, Paris, Gallimard, 2002, 437 p. (ISBN 2-07-076374-9), p. 448
5. Dalí Salvador, Journal d'un génie, Paris, Gallimard, 1963, 301 p. (ISBN 2-07-073811-6), p. 308
6. Dalí Salvador, Visages cachés : roman, Paris, éditions Stock, 1973, 597 p. (ISBN 2-84805-018-7)
7. Descharnes/Néret: Salvador Dalí, S. 12.
8. Linde Salber: Salvador Dalí, S. 10–17.
9. Salvador Dalí: Das geheime Leben des Salvador Dalí. Schirmer Mosel, München 1990, S. 11 (In der Ausgabe von 1984 stand noch „Koch“.).
10. ^ Dalí's name varied over his life. His birth name was officially registered as Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí Doménech. His first names were in Spanish and his surnames castilianized despite being born in Catalonia, as at the time the Catalan language was banned from official acts. His complete name in Catalan is Salvador Domènec Felip Jacint Dalí i Domènech. In 1977 Catalan names were legalized, and he adopted the hybrid form (first names in Spanish, surnames in Catalan). This form and the purely Spanish and Catalan forms can all be seen in print today.
11. ^ In isolation, Dalí is pronounced [dəˈli] in Catalan and [daˈli] in Spanish.
12. a b Gibson, Ian (2004). La vida desaforada de Salvador Dalí. Barcelona: Anagrama. p. 55. ISBN 84-339-6754-1.
13. a b Dalí, Salvador (2000). Dalí: 16 Art Stickers, Courier Dover Publications. ISBN 0-486-41074-9.
14. Saladyga, Stephen Francis. «The Mindset of Salvador Dalí.» lamplighter (Niagara University). Vol. 1 No. 3, Summer 2006. Consultado el 22 de julio de 2006.
15. Certificado de nacimiento y «Dali Biography». Dali Museum. Dali Museum. Archivado desde el original el 27 de agosto de 2008. Consultado el 24 de agosto de 2008.