Riassunto

Fred Astaire (10 maggio 1899 - 22 giugno 1987) è stato un ballerino, attore, cantante, coreografo e presentatore televisivo statunitense. È considerato il più grande ballerino della storia del cinema.

La sua carriera sul palcoscenico e poi al cinema e in televisione è durata complessivamente 76 anni. Ha recitato in più di 10 musical a Broadway e nel West End, ha girato 31 film musicali, quattro speciali televisivi e numerose registrazioni. Come ballerino, le sue caratteristiche principali erano un incredibile senso del ritmo, il perfezionismo e l'innovazione. Il suo sodalizio danzante più memorabile fu quello con Ginger Rogers, con la quale fu co-protagonista di una serie di dieci musical hollywoodiani durante l'era del cinema classico di Hollywood, tra cui Cappello a cilindro (1935), Swing Time (1936) e Shall We Dance (1937). Tra gli altri film di rilievo in cui Astaire guadagnò ulteriore popolarità e portò il genere del tip tap a un nuovo livello ci sono Holiday Inn (1942), Easter Parade (1948), The Band Wagon (1953), Funny Face (1957) e Silk Stockings (1957). L'American Film Institute ha definito Astaire la quinta più grande star maschile del cinema classico hollywoodiano in 100 Years... 100 Stelle.

1899-1916: Vita e carriera iniziali

Fred Astaire è nato Frederick Austerlitz il 10 maggio 1899 a Omaha, Nebraska, figlio di Johanna "Ann" (1878-1975) e Friedrich "Fritz" Emanuel Austerlitz, negli Stati Uniti: Frederic Austerlitz (1868-1923). La madre di Astaire era nata negli Stati Uniti da immigrati tedeschi luterani provenienti dalla Prussia orientale e dall'Alsazia. Il padre di Astaire era nato a Linz, in Austria, da genitori cattolici convertiti dall'ebraismo.

Il padre di Astaire, Fritz Austerlitz, arrivò a New York all'età di 25 anni il 26 ottobre 1893, a Ellis Island. Fritz cercava lavoro nel settore della birra e si trasferì a Omaha, Nebraska, dove fu assunto dalla Storz Brewing Company. La madre di Astaire sognava di fuggire da Omaha grazie al talento dei suoi figli. La sorella maggiore di Astaire, Adele, era una ballerina e una cantante istintiva fin dall'infanzia. Johanna progettò per i suoi due figli un numero "fratello e sorella", comune nel vaudeville dell'epoca. Sebbene all'inizio Fred rifiutasse le lezioni di danza, imitò facilmente i passi della sorella maggiore e si avvicinò al pianoforte, alla fisarmonica e al clarinetto.

Quando il padre perse il lavoro, la famiglia si trasferì a New York nel gennaio del 1905 per avviare la carriera dei figli nel mondo dello spettacolo. Iniziarono la loro formazione presso la Scuola Superiore di Teatro e l'Accademia delle Arti Culturali Alvieni. La madre di Fred e Adele suggerì di cambiare il loro nome in "Astaire", poiché riteneva che "Austerlitz" ricordasse la battaglia di Austerlitz. La leggenda di famiglia attribuisce il nome a uno zio di nome "L'Astaire".

Hanno imparato a ballare, a parlare e a cantare per prepararsi a sviluppare un numero. Il loro primo numero si chiamava Juvenile Artists Presenting an Electric Musical Toe-Dancing Novelty. Fred indossava un cappello a cilindro e un frac nel primo tempo e un costume da aragosta nel secondo. In un'intervista, la figlia di Astaire, Ava Astaire McKenzie, ha osservato che spesso Fred indossava un cappello a cilindro per farlo sembrare più alto. Nel novembre del 1905, il numero di goofy debuttò a Keyport, nel New Jersey, in un "teatro di prova". Il giornale locale scrisse: "Gli Astaire sono il più grande numero di bambini del vaudeville".

Grazie alla capacità di vendita del padre, Fred e Adele ottennero un contratto importante e si esibirono nel circuito Orpheum nel Midwest, nell'Ovest e in alcune città del Sud degli Stati Uniti. Ben presto Adele divenne più alta di Fred di almeno tre centimetri e la coppia cominciò a sembrare incongrua. La famiglia decise di prendersi una pausa di due anni dal mondo dello spettacolo per lasciare che il tempo facesse il suo corso e per evitare problemi con la Gerry Society e le leggi sul lavoro minorile dell'epoca. Nel 1912, Fred divenne episcopale. La carriera dei fratelli Astaire riprese con alterne fortune, anche se con sempre maggiore bravura e pulizia, quando iniziarono a incorporare la danza del tip tap nelle loro routine. Il ballo di Astaire fu ispirato da Bill "Bojangles" Robinson e John "Bubbles" Sublett. Dal ballerino di vaudeville Aurelio Coccia impararono il tango, il valzer e altri balli da sala resi popolari da Vernon e Irene Castle. Alcune fonti affermano che i fratelli Astaire sono apparsi in un film del 1915 intitolato Fanchon, il grillo, con Mary Pickford, ma gli Astaire hanno sempre negato questa notizia.

All'età di 14 anni, Fred aveva assunto la responsabilità musicale del loro spettacolo. Nel 1916 incontrò per la prima volta George Gershwin, che lavorava come compositore di canzoni per la casa editrice musicale di Jerome H. Remick. Fred era già a caccia di nuove idee musicali e di ballo. Il loro incontro casuale avrebbe influenzato profondamente la carriera di entrambi gli artisti. Astaire era sempre alla ricerca di nuovi passi sul circuito e cominciava a dimostrare la sua incessante ricerca di novità e perfezione.

1917-1933: Carriera teatrale a Broadway e a Londra

Gli Astaire fecero il loro ingresso a Broadway nel 1917 con Over the Top, uno spettacolo patriottico, e si esibirono anche per le truppe americane e alleate. Seguirono altri spettacoli. Del loro lavoro in The Passing Show del 1918, Heywood Broun scrisse: "In una serata in cui c'è stata abbondanza di buoni balli, Fred Astaire si è distinto... Lui e la sua partner, Adele Astaire, hanno fatto fermare lo spettacolo all'inizio della serata con un bellissimo ballo a gambe sciolte".

Lo scintillio e l'umorismo di Adele hanno attirato gran parte dell'attenzione, grazie anche all'accurata preparazione e all'acuta coreografia di supporto di Fred. È ancora lei a dare il tono al loro spettacolo. Ma ormai l'abilità di ballo di Astaire cominciava a superare quella della sorella.

Durante gli anni Venti, Fred e Adele apparvero a Broadway e sul palcoscenico di Londra. Ottennero il plauso del pubblico teatrale di entrambe le sponde dell'Atlantico in spettacoli come The Bunch and Judy (1922) di Jerome Kern, Lady, Be Good (1924) e Funny Face (1927) di George e Ira Gershwin e successivamente in The Band Wagon (1931). Il tip tap di Astaire era ormai riconosciuto come uno dei migliori. Ad esempio, Robert Benchley scrisse nel 1930: "Non credo che farò precipitare la nazione in una guerra affermando che Fred è il più grande ballerino di tip tap del mondo". Mentre si trovava a Londra, Fred studiò pianoforte alla Guildhall School of Music insieme all'amico e collega Noël Coward; e nel 1926 fu uno dei giudici del concorso "Charleston (dance) Championship of the World" alla Royal Albert Hall, dove Lew Grade fu dichiarato vincitore.

Dopo la chiusura di Funny Face, le Astaire si recarono a Hollywood per un provino (ora perduto) presso la Paramount Pictures, che però le ritenne inadatte al cinema.

Si separarono nel 1932, quando Adele sposò il suo primo marito, Lord Charles Cavendish, il secondo figlio del 9° Duca di Devonshire. Fred continuò a raggiungere il successo da solo a Broadway e a Londra con Gay Divorce (poi trasformato nel film The Gay Divorcee), mentre prendeva in considerazione le offerte di Hollywood. La fine del sodalizio fu traumatica per Astaire, ma lo stimolò ad ampliare il suo raggio d'azione.

Libero dai vincoli fratello-sorella della precedente coppia e lavorando con la nuova partner Claire Luce, Fred creò un romantico ballo in coppia su "Night and Day" di Cole Porter, che era stato scritto per Gay Divorce. Luce ha dichiarato di averlo dovuto incoraggiare ad adottare un approccio più romantico: "Dai, Fred, non sono tua sorella, lo sai":  6 Il successo dello spettacolo teatrale fu attribuito a questo numero, e quando fu ricreato in The Gay Divorcee (1934), la versione cinematografica della commedia, inaugurò una nuova era della danza filmata. 23, 26, 61 Recentemente, un filmato girato da Fred Stone di Astaire che si esibisce in Gay Divorce con il successore di Luce, Dorothy Stone, a New York nel 1933 è stato scoperto dalla ballerina e storica Betsy Baytos e ora rappresenta il primo filmato conosciuto di Astaire.

1933-1939: Astaire e Ginger Rogers alla RKO

Secondo il folklore hollywoodiano, un rapporto sul provino di Astaire per la RKO Radio Pictures, ora perduto insieme al provino, recitava: "Non sa cantare. Non sa recitare. Calvo. Sa ballare un po'". Il produttore dei film di Astaire-Rogers, Pandro S. Berman, affermò di non aver mai sentito questa storia negli anni Trenta e che era emersa solo anni dopo. 7 Astaire chiarì in seguito, insistendo sul fatto che il rapporto recitava: "Non sa recitare. Leggermente calvo. Balla anche". In ogni caso, il test fu chiaramente deludente e David O. Selznick, che aveva scritturato Astaire alla RKO e aveva commissionato il test, dichiarò in una nota: "Sono incerto su quest'uomo, ma ritengo che, nonostante le sue enormi orecchie e la sua pessima linea del mento, il suo fascino sia così tremendo da emergere anche in questo misero test":  7

Tuttavia, questo non influì sui piani della RKO per Astaire. La RKO lo prestò per qualche giorno alla MGM nel 1933 per il suo importante debutto a Hollywood nel film musicale di successo Dancing Lady. Nel film, apparve come se stesso ballando con Joan Crawford. Al suo ritorno alla RKO, ottenne la quinta parte dopo la quarta di Ginger Rogers nel film Flying Down to Rio (1933) di Dolores del Río. In una recensione, la rivista Variety attribuì il grande successo alla presenza di Astaire:

Il punto principale di Flying Down to Rio è la promessa sullo schermo di Fred Astaire... È sicuramente una scommessa dopo questo film, perché è decisamente simpatico sullo schermo, il microfono è gentile con la sua voce e come ballerino rimane in una classe a sé stante. Quest'ultima osservazione non sarà una novità per gli addetti ai lavori, che da tempo ammettono che Astaire inizia a ballare quando gli altri smettono di ballare:  7

Essendo già stato legato alla sorella Adele sul palcoscenico, Astaire era inizialmente molto riluttante a far parte di un'altra squadra di ballo. Scrisse al suo agente: "Non mi dispiace fare un altro film con lei, ma per quanto riguarda l'idea della "squadra", è "fuori"! Sono appena riuscito a vivere una collaborazione e non voglio essere disturbato da altre":  8 Tuttavia, si lasciò convincere dall'apparente fascino pubblico dell'accoppiata Astaire-Rogers. Il sodalizio, e le coreografie di Astaire e Hermes Pan, contribuirono a rendere la danza un elemento importante del musical cinematografico hollywoodiano.

Astaire e Rogers girarono nove film insieme alla RKO. Tra questi, Flying Down to Rio (1933), The Gay Divorcee (1934), Roberta (1935, in cui Astaire dimostra anche la sua abilità al pianoforte, spesso trascurata, con uno spiritoso assolo su "I Won't Dance"), Top Hat (1935), Follow the Fleet (1936), Swing Time (1936), Shall We Dance (1937), Carefree (1938), e The Story of Vernon and Irene Castle (tutti i film portarono un certo prestigio e una certa arte che tutti gli studios bramavano all'epoca. La loro collaborazione li elevò entrambi alla celebrità; come riferito da Katharine Hepburn, "Lui le dà classe e lei gli dà sex appeal":  134 Astaire ricevette una percentuale dei profitti dei film, cosa che all'epoca non era prevista nei contratti degli attori.

Astaire rivoluzionò la danza su pellicola grazie alla sua completa autonomia nella presentazione. A lui si devono due importanti innovazioni nei primi musical cinematografici: 23, 26 In primo luogo, insistette affinché una cinepresa dolly a stretto contatto riprendesse un balletto nel minor numero possibile di inquadrature, in genere con soli quattro-otto tagli, mantenendo i ballerini sempre in piena vista. Questo dava l'illusione di una cinepresa quasi ferma che riprendeva un intero ballo in un'unica inquadratura. Astaire disse notoriamente: "O la cinepresa balla, o lo faccio io":  420 Astaire mantenne questa politica da La divorziata gay del 1934 fino al suo ultimo film musicale Finian's Rainbow del 1968, quando il regista Francis Ford Coppola lo scavalcò.

Lo stile delle sequenze di danza di Astaire permetteva allo spettatore di seguire i ballerini e la coreografia nella loro interezza. Questo stile si differenziava nettamente da quello dei musical di Busby Berkeley. Le sequenze di quei musical erano piene di riprese aeree stravaganti, decine di tagli per riprese rapide e zoom su aree del corpo come una fila di braccia o gambe del coro.

La seconda innovazione di Astaire riguardava il contesto della danza; egli era irremovibile sul fatto che tutte le routine di canto e ballo fossero parte integrante della trama del film. Invece di usare la danza come spettacolo, come faceva Busby Berkeley, Astaire la usava per far procedere la trama. In genere, un film di Astaire comprendeva almeno tre balli standard. Uno era un assolo di Astaire, che egli definiva il suo "assolo del calzino". Un altro è un balletto comico in coppia. Infine, includeva un balletto romantico in coppia.

I commentatori di danza Arlene Croce: 146-147 e John Mueller: 8, 9 ritengono che Rogers sia stato il più grande partner di Astaire, un'opinione condivisa La critica cinematografica Pauline Kael adotta una posizione più neutrale, mentre il critico cinematografico di Time magazine Richard Schickel scrive: "La nostalgia che circonda Rogers-Astaire tende a sbiancare gli altri partner".

Mueller riassume così le capacità di Rogers:

La Rogers si distingueva tra le partner di Astaire non perché fosse superiore alle altre come ballerina, ma perché, come attrice abile e intuitiva, era abbastanza scaltra da capire che la recitazione non si fermava quando iniziava la danza... il motivo per cui così tante donne hanno fantasticato di ballare con Fred Astaire è che Ginger Rogers ha trasmesso l'impressione che ballare con lui sia l'esperienza più eccitante che si possa immaginare.

Secondo Astaire, "Ginger non aveva mai ballato con un partner prima di Flying Down to Rio. Fingeva moltissimo. Non sapeva ballare il tip tap e non sapeva fare questo e quello... ma Ginger aveva stile e talento e migliorava man mano che andava avanti. Era diventata tale che dopo un po' tutti gli altri che ballavano con me sembravano sbagliati". A pag. 162 del suo libro Ginger: Salute to a Star, l'autore Dick Richards cita le parole di Astaire a Raymond Rohauer, curatore della Galleria d'Arte Moderna di New York: "Ginger era brillantemente efficace. Faceva in modo che tutto funzionasse per lei. In realtà, ha fatto sì che le cose andassero molto bene per entrambi e a lei va la maggior parte del merito del nostro successo".

Nel 1976, il conduttore di un talk show britannico Sir Michael Parkinson chiese ad Astaire quale fosse il suo partner di ballo preferito. All'inizio Astaire si rifiutò di rispondere. Ma, alla fine, disse: "Mi scusi, devo dire che Ginger è stata certamente, uh, uh, l'unica. Sapete, il partner più efficace che ho avuto. Lo sanno tutti".

Rogers descrisse gli standard intransigenti di Astaire che si estendevano all'intera produzione: "A volte gli viene in mente una nuova linea di dialogo o una nuova angolazione della storia... non si sa mai a che ora della notte chiamerà e comincerà a sproloquiare entusiasta di una nuova idea... In un film di Astaire non si ozia sul lavoro e non si fanno tagli":  16

Nonostante il successo, Astaire non era disposto a legare la sua carriera esclusivamente a una partnership. Negoziò con la RKO per mettersi in proprio con A Damsel in Distress nel 1937 con una Joan Fontaine inesperta e non ballerina, ma senza successo. Tornò a girare altri due film con Rogers, Carefree (1938) e The Story of Vernon and Irene Castle (1939). Entrambi i film ottennero incassi rispettabili, ma persero denaro a causa dell'aumento dei costi di produzione: 410 e Astaire lasciò la RKO, dopo essere stato etichettato come "veleno al botteghino" dagli Independent Theatre Owners of America. Astaire si riunì con Rogers nel 1949 alla MGM per la loro ultima uscita, The Barkleys of Broadway, l'unico dei loro film insieme a essere girato in Technicolor.

1940-1947: Holiday Inn, pensionamento anticipato

Astaire lasciò la RKO nel 1939 per lavorare come freelance e perseguire nuove opportunità cinematografiche, con risultati contrastanti anche se generalmente di successo. Durante questo periodo, Astaire continuò ad apprezzare l'apporto di collaboratori coreografici. A differenza degli anni Trenta, quando lavorava quasi esclusivamente con Hermes Pan, egli si avvale del talento di altri coreografi per innovare continuamente. La sua prima compagna di ballo dopo Ginger fu la discutibile Eleanor Powell, considerata la più eccezionale ballerina di tip tap della sua generazione. I due recitarono in Broadway Melody del 1940, in cui eseguirono un celebre numero di danza esteso su "Begin the Beguine" di Cole Porter. Nella sua autobiografia Steps in Time, Astaire ha osservato: "Lei li metteva a terra come un uomo, senza fare la smorfiosa con Ellie. Ha davvero messo a segno un balletto di tip tap di una classe a sé stante".

Recitò accanto a Bing Crosby in Holiday Inn (1942) e successivamente in Blue Skies (1946). Ma, nonostante l'enorme successo finanziario di entrambi, si dice che fosse insoddisfatto dei ruoli in cui perdeva la ragazza a favore di Crosby. Il primo film è memorabile per il suo virtuoso assolo di danza su "Let's Say it with Firecrackers". Il secondo film contiene "Puttin' On the Ritz", un'innovativa routine di canto e ballo a lui indelebilmente associata. Tra gli altri partner di questo periodo, Paulette Goddard in Second Chorus (1940), in cui dirige l'orchestra di Artie Shaw.

Ha girato due film con Rita Hayworth. Il primo film, You'll Never Get Rich (1941), catapultò la Hayworth alla celebrità. In questo film, Astaire integrò per la terza volta nel suo stile i balli latino-americani (il primo era stato con Ginger Rogers nel numero "The Carioca" di Flying Down to Rio (1933) e il secondo, sempre con la Rogers, era stato il ballo "Dengozo" di The Story of Vernon and Irene Castle (1939)). Il suo secondo film con Hayworth, You Were Never Lovelier (1942), ebbe altrettanto successo. Il film contiene un duetto su "I'm Old Fashioned" di Kern, che divenne il fulcro del tributo del New York City Ballet del 1983 di Jerome Robbins ad Astaire. Successivamente apparve al fianco della diciassettenne Joan Leslie nel dramma bellico The Sky's the Limit (1943). In questo film, introdusse "One for My Baby" di Arlen e Mercer mentre ballava sul bancone di un bar in un numero oscuro e tormentato. Astaire curò la coreografia di questo film da solo e ottenne un modesto successo al botteghino. Rappresentò un notevole allontanamento di Astaire dal suo solito personaggio affascinante e allegro sullo schermo, e confuse la critica contemporanea.

La sua successiva partner, Lucille Bremer, fu protagonista di due sontuosi film, entrambi diretti da Vincente Minnelli. Il fantasy Yolanda e il ladro (1945) presentava un balletto surrealista d'avanguardia. Nella rivisitazione musicale Ziegfeld Follies (1945), Astaire ballò con Gene Kelly sulla canzone di Gershwin "The Babbit and the Bromide", una canzone che Astaire aveva introdotto con la sorella Adele nel 1927. Mentre Follies fu un successo, Yolanda fece fiasco al botteghino.

Sempre insicuro e convinto che la sua carriera stesse cominciando a vacillare, Astaire sorprese il pubblico annunciando il suo ritiro durante la produzione del suo successivo film Blue Skies (1946). Nominò "Puttin' on the Ritz" come ballo d'addio. Dopo aver annunciato il suo ritiro nel 1946, Astaire si concentrò sui suoi interessi ippici e nel 1947 fondò i Fred Astaire Dance Studios, che poi vendette nel 1966.

1948-1957: Film MGM e secondo ritiro

Il ritiro di Astaire non durò a lungo. Astaire tornò sul grande schermo per sostituire un infortunato Gene Kelly in Easter Parade (1948) con Judy Garland, Ann Miller e Peter Lawford. Seguì un'ultima riunione con Rogers (al posto di Judy Garland) in The Barkleys of Broadway (1949). Entrambi questi film rilanciano la popolarità di Astaire e nel 1950 recita in due musical. Three Little Words con Vera-Ellen e Red Skelton per la MGM. Let's Dance con Betty Hutton fu prestato alla Paramount. Mentre Three Little Words ebbe un discreto successo al botteghino, Let's Dance fu una delusione finanziaria. Royal Wedding (1951) con Jane Powell e Peter Lawford si rivelò un grande successo, ma The Belle of New York (1952) con Vera-Ellen fu un disastro di critica e di botteghino. The Band Wagon (1953) ricevette recensioni entusiastiche dalla critica e attirò grandi folle. Ma a causa del suo costo elevato, non riuscì a realizzare un profitto alla sua prima uscita.

Poco dopo, Astaire, come le altre star rimaste alla MGM, fu licenziato dal contratto a causa dell'avvento della televisione e del ridimensionamento della produzione cinematografica. Nel 1954, Astaire stava per iniziare a lavorare a un nuovo musical, Daddy Long Legs (1955) con Leslie Caron alla 20th Century Fox. Poi, la moglie Phyllis si ammalò e morì improvvisamente di cancro ai polmoni. Astaire era così addolorato che voleva chiudere il film e si offrì di pagare di tasca sua i costi di produzione. Tuttavia, Johnny Mercer, il compositore del film, e i dirigenti dello studio Fox lo convinsero che lavorare sarebbe stata la cosa migliore per lui. Daddy Long Legs ottenne solo un discreto successo al botteghino. Il suo film successivo per la Paramount, Funny Face (1957), lo vede in coppia con Audrey Hepburn e Kay Thompson. Nonostante la sontuosità della produzione e le buone recensioni della critica, il film non riuscì a recuperare i costi. Allo stesso modo, anche il progetto successivo di Astaire - il suo ultimo musical alla MGM, Silk Stockings (1957), in cui recitò con Cyd Charisse - perse al botteghino.

In seguito, Astaire annunciò il suo ritiro dalla danza cinematografica. La sua eredità a questo punto era di 30 film musicali in 25 anni.

1957-1981: Speciali televisivi, ruoli seri

Astaire non si ritirò completamente dalla danza. Realizzò una serie di quattro special musicali per la televisione, premiati con l'Emmy Award, nel 1958, 1959, 1960 e 1968. Ognuno di essi aveva come protagonista Barrie Chase, con il quale Astaire visse un rinnovato periodo di creatività nella danza. Il primo di questi programmi, An Evening with Fred Astaire del 1958, vinse nove Emmy Awards, tra cui "Best Single Performance by an Actor" e "Most Outstanding Single Program of the Year". È stata anche la prima trasmissione importante a essere preregistrata su videocassetta a colori. Astaire vinse l'Emmy per la migliore interpretazione singola di un attore. La scelta fu oggetto di polemiche perché molti ritenevano che la sua danza nello speciale non fosse il tipo di "recitazione" per cui il premio era stato concepito. A un certo punto, Astaire si offrì di restituire il premio, ma l'Accademia della Televisione rifiutò di prenderlo in considerazione. Il restauro del programma ha vinto un Emmy tecnico nel 1988 per Ed Reitan, Don Kent e Dan Einstein. Essi hanno restaurato la videocassetta originale, trasferendone il contenuto in un formato moderno e riempiendo i vuoti dove il nastro si era deteriorato con filmati in cinescopio.

Astaire interpretò Julian Osborne, un personaggio non ballerino, nel film drammatico sulla guerra nucleare On the Beach (1959). Per questa interpretazione ottenne una nomination ai Golden Globe come miglior attore non protagonista, perdendo contro Stephen Boyd in Ben-Hur. Astaire è apparso in ruoli non danzanti in altri tre film e in diverse serie televisive dal 1957 al 1969.

L'ultimo grande film musicale di Astaire fu Finian's Rainbow (1968), diretto da Francis Ford Coppola. Astaire si mise la cravatta bianca e il frac per interpretare un furfante irlandese che crede che se seppellisce una cassa d'oro all'ombra di Fort Knox l'oro si moltiplicherà. La compagna di ballo di Astaire era Petula Clark, che interpretava la figlia scettica del suo personaggio. Lui si descriveva come nervoso all'idea di cantare con lei, mentre lei diceva di essere preoccupata di ballare con lui. Il film ebbe un modesto successo sia al botteghino che tra i critici.

Astaire continuò a recitare negli anni Settanta. Apparve in televisione come padre del personaggio di Robert Wagner, Alexander Mundy, in Ci vuole un ladro. Nel film The Towering Inferno (1974), ha ballato con Jennifer Jones e ha ricevuto la sua unica nomination all'Oscar, nella categoria Miglior attore non protagonista. Ha doppiato il postino narratore S.D Kluger nel film di Rankin degli anni '70

Nel 1978 è stato co-protagonista, insieme a Helen Hayes, del film televisivo Una famiglia sottosopra, in cui i due interpretavano una coppia di anziani alle prese con una salute cagionevole. Astaire ha vinto un Emmy Award per la sua interpretazione. Nel 1979 fece un'apparizione molto pubblicizzata nella serie televisiva di fantascienza Battlestar Galactica, nel ruolo di Chameleon, il possibile padre di Starbuck, in "The Man with Nine Lives", un ruolo scritto per lui da Donald P. Bellisario. Astaire chiese al suo agente di ottenere un ruolo per lui sul Galactica a causa dell'interesse dei suoi nipoti per la serie e i produttori furono felici dell'opportunità di creare un intero episodio con lui. Questo episodio segnò l'ultima volta che ballò sullo schermo, in questo caso con Anne Jeffreys. Ha recitato in nove ruoli diversi in L'uomo con il vestito di Babbo Natale del 1979. Il suo ultimo film fu l'adattamento del romanzo Ghost Story di Peter Straub nel 1981. Questo film dell'orrore fu anche l'ultimo per due dei suoi compagni più importanti, Melvyn Douglas e Douglas Fairbanks Jr.

Astaire era un ballerino virtuoso, in grado, quando richiesto, di trasmettere spensieratezza o emozioni profonde. Il suo controllo tecnico e il suo senso del ritmo erano sorprendenti. Molto tempo dopo aver completato le riprese del numero di danza solista "I Want to Be a Dancin' Man" per il film The Belle of New York del 1952, si decise che l'umile costume di Astaire e la scenografia filiforme erano inadeguati e l'intera sequenza fu girata nuovamente. Il documentario That's Entertainment! III mostra i due spettacoli fianco a fianco in split-screen. Fotogramma per fotogramma, le due performance sono identiche, fino al più sottile gesto.

L'esecuzione di un numero di danza da parte di Astaire era apprezzata per la sua eleganza, grazia, originalità e precisione. Egli attinse da una varietà di influenze, tra cui il tip tap e altri ritmi neri, la danza classica e lo stile elevato di Vernon e Irene Castle. Il suo era uno stile di danza unico e riconoscibile che influenzò notevolmente lo stile americano Smooth del ballo da sala e stabilì gli standard rispetto ai quali sarebbero stati giudicati i successivi musical cinematografici. Ha definito il suo approccio eclettico "stile fuorilegge", una miscela imprevedibile e istintiva di arte personale. I suoi balletti sono economici ma con infinite sfumature. Come ha affermato Jerome Robbins, "il ballo di Astaire sembra così semplice, così disarmante, così facile, eppure la struttura di fondo, il modo in cui imposta i passi su, sopra o contro la musica, è così sorprendente e inventiva":  18 Astaire osservò inoltre:

Elaborare i passi è un processo molto complicato, un po' come scrivere musica. Bisogna pensare a un passo che confluisca in quello successivo, e l'intera danza deve avere uno schema integrato. Se la danza è corretta, non dovrebbe esserci un solo movimento superfluo. Deve arrivare a un punto culminante e fermarsi! 15

Sebbene Astaire fosse il coreografo principale di tutti i suoi balletti, accoglieva volentieri il contributo dei collaboratori, in particolare del suo principale collaboratore Hermes Pan. Ma lo storico della danza John Mueller ritiene che Astaire abbia agito come coreografo principale nei suoi assoli e nei balli in coppia per tutta la sua carriera. Egli osserva che lo stile di danza di Astaire è stato coerente nei film successivi realizzati con o senza l'assistenza di Pan. Inoltre, Astaire ha coreografato tutte le routine durante la sua carriera a Broadway con la sorella Adele. Più tardi nella sua carriera, divenne un po' più disponibile ad accettare la direzione dei suoi collaboratori. Tuttavia, questo era quasi sempre limitato all'area delle sequenze di fantasia estese, o "balletti da sogno".

Occasionalmente Astaire si prendeva i crediti per la coreografia o la direzione della danza, ma di solito lasciava i crediti per lo schermo al suo collaboratore. Questo può portare all'impressione del tutto fuorviante che Astaire si sia limitato a eseguire le coreografie di altri. Più tardi, in vita, ammise: "Ho dovuto fare quasi tutto da solo".

Spesso, una sequenza di danza era costruita intorno a due o tre idee chiave, a volte ispirate dai suoi passi o dalla musica stessa, che suggerivano un particolare stato d'animo o un'azione:  20 Caron ha detto che mentre Kelly ballava vicino al suolo, le sembrava di fluttuare con Astaire. Molte routine di ballo erano costruite intorno a un "espediente", come ballare sui muri in Royal Wedding o ballare con le sue ombre in Swing Time. Lui o il suo collaboratore pensavano a queste routine prima e le conservavano per la situazione giusta. Trascorrevano settimane a creare tutte le sequenze di danza in una sala prove isolata prima dell'inizio delle riprese. Lavoravano con un pianista di prova (spesso il compositore Hal Borne) che a sua volta comunicava le modifiche agli orchestratori musicali.

Il suo perfezionismo era leggendario, ma la sua incessante insistenza sulle prove e sulle ripetizioni era un peso per alcuni. Quando si avvicinava il momento di girare un numero, Astaire provava per altre due settimane e registrava il canto e la musica. Una volta completata la preparazione, le riprese vere e proprie si svolgevano rapidamente, risparmiando sui costi. Astaire agonizzava durante il processo, chiedendo spesso ai colleghi di accettare il suo lavoro. Vincente Minnelli ha dichiarato: "Manca di fiducia nella misura più grande di tutte le persone al mondo. Non va nemmeno a vedere i suoi lavori... Pensa sempre di non essere bravo":  16 Come ha osservato lo stesso Astaire, "non ho mai azzeccato nulla al 100%. Tuttavia, non è mai così male come penso":  16

Michael Kidd, co-coreografo di Astaire nel film The Band Wagon del 1953, scoprì che la sua preoccupazione per la motivazione emotiva del ballo non era condivisa da Astaire. Kidd raccontò in seguito: "La tecnica era importante per lui. Diceva: 'Facciamo i passi. L'aspetto lo aggiungiamo dopo'".

Sebbene si considerasse principalmente un intrattenitore, la sua abilità artistica gli valse l'ammirazione di ballerini del XX secolo come Gene Kelly, George Balanchine, i fratelli Nicholas, Mikhail Baryshnikov, Margot Fonteyn, Bob Fosse, Gregory Hines, Rudolf Nureyev, Michael Jackson e Bill Robinson. Balanchine lo ha paragonato a Bach, descrivendolo come "il più interessante, il più inventivo, il più elegante ballerino dei nostri tempi", mentre per Baryshnikov era "un genio... un ballerino classico come non ne ho mai visti in vita mia". "Nessun ballerino può guardare Fred Astaire e non sapere che tutti noi avremmo dovuto fare un altro mestiere", ha concluso.

Estremamente modesto sulle sue capacità canore (affermava spesso di non saper cantare, ma i critici lo consideravano tra i migliori), Astaire introdusse alcune delle più celebri canzoni del Great American Songbook, in particolare quelle di Cole Porter: "Night and Day" in Gay Divorce ("Isn't This a Lovely Day?", "Cheek to Cheek" e "Top Hat, White Tie and Tails" in Top Hat) e "Change Partners" in Carefree (1938) di Irving Berlin. Presentò per la prima volta "The Way You Look Tonight" di Jerome Kern in Swing Time (1936), "They Can't Take That Away from Me" dei Gershwin in Shall We Dance (1937), "A Foggy Day" e "Nice Work if You Can Get it" in A Damsel in Distress (1937), "One for My Baby" di Johnny Mercer da The Sky's the Limit (e "This Heart of Mine" di Harry Warren e Arthur Freed da Ziegfeld Follies (1946).

Astaire ha anche cointrodotto una serie di classici della canzone attraverso duetti con le sue partner. Ad esempio, con la sorella Adele, cointrodusse "I'll Build a Stairway to Paradise" dei Gershwin in Stop Flirting (1923), "Fascinating Rhythm" in Lady, Be Good (1924), "Funny Face" in Funny Face (1927) e, in duetto con Ginger Rogers, presentò "I'm Putting All My Eggs in One Basket" di Irving Berlin in Follow the Fleet (1936), "Pick Yourself Up" e "A Fine Romance" di Jerome Kern in Swing Time (1936), insieme a "Let's Call the Whole Thing Off" dei Gershwin da Shall We Dance (e, con Jack Buchanan, Oscar Levant e Nanette Fabray, ha interpretato "That's Entertainment!" di Arthur Schwartz e Howard Dietz). " da The Band Wagon (1953).

Pur possedendo una voce leggera, era ammirato per il suo lirismo, la dizione e il fraseggio: la grazia e l'eleganza tanto apprezzate nella danza sembravano riflettersi nel canto, una capacità di sintesi che portò Burton Lane a descriverlo come "il più grande interprete musicale del mondo":  21 Irving Berlin considerava Astaire alla pari di qualsiasi interprete maschile delle sue canzoni: "bravo quanto Jolson, Crosby o Sinatra, non necessariamente per la sua voce, ma per la sua concezione di proiettare una canzone". Jerome Kern lo considerava il supremo interprete maschile delle sue canzoni: anche Cole Porter e Johnny Mercer ammiravano il suo trattamento unico delle loro opere. E sebbene George Gershwin fosse piuttosto critico nei confronti delle capacità canore di Astaire, scrisse per lui molte delle sue canzoni più memorabili: 123, 128 Nel suo periodo di massimo splendore, Astaire era citato nei testi dei cantautori Cole Porter, Lorenz Hart ed Eric Maschwitz e continua a ispirare i cantautori moderni.

Astaire era un autore di canzoni: "I'm Building Up to an Awful Letdown" (scritta con il paroliere Johnny Mercer) raggiunse il quarto posto nella Hit parade del 1936. Registrò la sua "It's Just Like Taking Candy from a Baby" con Benny Goodman nel 1940 e coltivò per tutta la vita l'ambizione di diventare un compositore di canzoni popolari di successo.

Nel 1952, Astaire registrò The Astaire Story, un album in quattro volumi con un quintetto guidato da Oscar Peterson. L'album, prodotto da Norman Granz, offriva una panoramica musicale della carriera di Astaire. The Astaire Story ha poi vinto il Grammy Hall of Fame Award nel 1999, uno speciale premio Grammy per onorare le registrazioni che hanno almeno venticinque anni e che hanno "un significato qualitativo o storico".

Sempre vestito in modo impeccabile, insieme a Cary Grant è stato definito "l'attore meglio vestito". Astaire è rimasto un'icona della moda maschile anche in età avanzata, rinunciando al suo caratteristico cappello a cilindro, alla cravatta bianca e al frac, che odiava. Al contrario, prediligeva uno stile casual e disinvolto fatto di giacche sportive su misura, camicie colorate e pantaloni, quest'ultimi solitamente sostenuti dall'uso caratteristico di una vecchia cravatta o di un foulard di seta al posto della cintura.

Astaire sposò nel 1933 la venticinquenne Phyllis Potter (già Phyllis Livingston Baker), una socialite newyorkese nata a Boston ed ex moglie di Eliphalet Nott Potter III (1906-1981), nonostante le obiezioni della madre e della sorella. La morte di Phyllis per cancro ai polmoni, all'età di 46 anni, pose fine a ventuno anni di matrimonio felice e lasciò Astaire sconvolto. Astaire tentò di abbandonare il film Daddy Long Legs (1955), che stava girando, offrendosi di pagare i costi di produzione fino a quel momento, ma fu convinto a rimanere.

Oltre al figlio di Phyllis Potter, Eliphalet IV (noto come Peter), gli Astaire ebbero due figli. Il figlio degli Astaire, Fred Jr. (nato nel 1936), è apparso con il padre nel film La corsa di Mida e in seguito è diventato un pilota di charter e un allevatore. La figlia degli Astaire, Ava Astaire (nata nel 1942), è tuttora impegnata nella promozione dell'eredità paterna.

Intensamente riservato, Fred Astaire era raramente presente sulla scena sociale di Hollywood. Dedicava invece il suo tempo libero alla famiglia e ai suoi hobby, tra cui le corse di cavalli, suonare la batteria, scrivere canzoni e giocare a golf. Era molto amico di David Niven, Randolph Scott, Clark Gable e Gregory Peck. Niven lo descrisse come "un folletto-timido, sempre cordiale, con un'inclinazione per le battute da scolaretto". Nel 1946, il suo cavallo Triplicate vinse la Hollywood Gold Cup e il San Juan Capistrano Handicap. Rimase fisicamente attivo fino agli ottant'anni. Alla fine degli anni Settanta si dedicò allo skateboard e fu premiato con l'iscrizione a vita alla National Skateboard Society. A settantotto anni si ruppe il polso sinistro mentre faceva skateboard nel vialetto di casa. Si interessava anche di boxe e di true crime.

Il 24 giugno 1980, all'età di 81 anni, si sposò una seconda volta. Robyn Smith, di 45 anni più giovane, era un fantino che cavalcava per Alfred Gwynne Vanderbilt Jr. (negli anni '70 frequentò anche Vanderbilt) e apparve sulla copertina di Sports Illustrated il 31 luglio 1972.

La vita di Astaire non è mai stata rappresentata al cinema. Ha sempre rifiutato l'autorizzazione a tali rappresentazioni, dicendo: "Per quanto mi offrano - e le offerte arrivano in continuazione - non venderò". Il testamento di Astaire includeva una clausola che richiedeva che non venisse mai fatta una simile rappresentazione; egli commentò: "È lì perché non ho alcun desiderio particolare che la mia vita venga interpretata in modo errato, cosa che avverrebbe". Il 5 dicembre 2021, Tom Holland ha annunciato che avrebbe interpretato Astaire in un film biografico di prossima uscita, che ha suscitato critiche a causa della clausola.

Astaire morì di polmonite il 22 giugno 1987, all'età di 88 anni. Il suo corpo fu sepolto all'Oakwood Memorial Park Cemetery di Chatsworth, in California. Una delle sue ultime richieste fu quella di ringraziare i suoi fan per gli anni di sostegno.

Film, musical

Spettacoli con *Ginger Rogers (10), **Rita Hayworth (2), ***Bing Crosby (2), ****Vera-Ellen (2), *****Cyd Charisse (2).Tutti gli spettacoli con { }, indicano l'unica apparizione dell'interprete come partner di Astaire.

Film, non musicali

*Esibizioni con il partner di ballo Barrie Chase (7)

Fonti

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