Streszczenie

Andy Warhol (6 sierpnia 1928 - 22 lutego 1987) był amerykańskim artystą wizualnym, reżyserem filmowym i producentem, który był czołową postacią ruchu sztuki wizualnej znanego jako pop-art. Jego prace badają związek między ekspresją artystyczną, reklamą i kulturą celebrytów, która rozkwitła w latach 60. i obejmują różne media, w tym malarstwo, sitodruk, fotografię, film i rzeźbę. Niektóre z jego najbardziej znanych prac to sitodrukowe obrazy Campbell's Soup Cans (1962) i Marilyn Diptych (1962), eksperymentalne filmy Empire (1964) i Chelsea Girls (1966) oraz multimedialne wydarzenia znane jako Exploding Plastic Inevitable (1966-67).

Urodzony i wychowany w Pittsburghu, Warhol początkowo robił udaną karierę jako ilustrator reklamowy. Po wystawieniu swoich prac w kilku galeriach pod koniec lat 50. zaczął zdobywać uznanie jako wpływowy i kontrowersyjny artysta. Jego nowojorskie studio, The Factory, stało się znanym miejscem spotkań, w którym spotykali się wybitni intelektualiści, drag queens, dramatopisarze, ludzie ulicy z cyganerii, gwiazdy Hollywood i bogaci mecenasi. Wypromował kolekcję osobowości znanych jako supergwiazdy Warhola i przypisuje mu się zainspirowanie szeroko stosowanego wyrażenia "15 minut sławy". Pod koniec lat 60. kierował i produkował eksperymentalny zespół rockowy The Velvet Underground oraz założył magazyn Interview. Jest autorem wielu książek, w tym The Philosophy of Andy Warhol i Popism: The Warhol Sixties. Żył otwarcie jako gej przed ruchem wyzwolenia gejów. W czerwcu 1968 roku został prawie zabity przez radykalną feministkę Valerie Solanas, która zastrzeliła go w jego studiu. Po operacji pęcherzyka żółciowego Warhol zmarł na arytmię serca w lutym 1987 roku w wieku 58 lat w Nowym Jorku.

Warhol był tematem licznych wystaw retrospektywnych, książek oraz filmów fabularnych i dokumentalnych. Muzeum Andy'ego Warhola w jego rodzinnym mieście Pittsburghu, które posiada bogatą stałą kolekcję sztuki i archiwów, jest największym muzeum w Stanach Zjednoczonych poświęconym jednemu artyście. Warhol został określony jako "dzwonnik rynku sztuki". Wiele z jego dzieł jest bardzo kolekcjonerskich i bardzo cennych. Wśród jego prac znajdują się jedne z najdroższych obrazów, jakie kiedykolwiek sprzedano. W 2013 roku serigrafia z 1963 roku zatytułowana Silver Car Crash (Double Disaster) sprzedała się za 105 milionów dolarów. W 2022 roku Shot Sage Blue Marilyn (1964) sprzedano za 195 milionów dolarów, co jest najdroższym dziełem sztuki sprzedanym na aukcji przez amerykańskiego artystę.

Wczesne życie i początki (1928-1949)

Warhol urodził się 6 sierpnia 1928 roku w Pittsburghu w Pensylwanii. Był czwartym dzieckiem Ondreja Warhola (zamerykanizowanego jako Andrew Warhola Sr. 1889-1942) i Julii (z domu Zavacká, 1892-1972), których pierwsze dziecko urodziło się w ich ojczyźnie w Austro-Węgrzech i zmarło przed przeprowadzką do USA.

Jego rodzice byli robotniczymi łemkowskimi emigrantami z Mikó w Austro-Węgrzech (obecnie Miková, położona w dzisiejszej północno-wschodniej Słowacji). Ojciec Warhola wyemigrował do Stanów Zjednoczonych w 1914 roku, a jego matka dołączyła do niego w 1921 roku, po śmierci dziadków Warhola. Ojciec Warhola pracował w kopalni węgla. Rodzina mieszkała przy 55 Beelen Street, a później przy 3252 Dawson Street w dzielnicy Oakland w Pittsburghu. Rodzina była ruskimi katolikami i uczęszczała do bizantyjskiego kościoła katolickiego św. Jana Chryzostoma. Andy Warhol miał dwóch starszych braci-Pavol (Ján urodził się w Pittsburghu. Syn Pavola, James Warhola, został odnoszącym sukcesy ilustratorem książek dla dzieci.

W trzeciej klasie Warhol zachorował na pląsawicę Sydenhama (zwaną też tańcem św. Wita), chorobę układu nerwowego powodującą mimowolne ruchy kończyn, którą uważa się za powikłanie szkarlatyny powodującej plamy pigmentacyjne skóry. W okresach, kiedy był przykuty do łóżka, rysował, słuchał radia i zbierał wokół łóżka zdjęcia gwiazd filmowych. Warhol opisał później ten okres jako bardzo ważny dla rozwoju jego osobowości, zestawu umiejętności i preferencji. Kiedy Warhol miał 13 lat, jego ojciec zginął w wypadku.

Jako nastolatek Warhol ukończył Schenley High School w 1945 roku, zdobył też Scholastic Art and Writing Award. Po ukończeniu szkoły średniej zamierzał studiować edukację artystyczną na Uniwersytecie w Pittsburghu z nadzieją na zostanie nauczycielem sztuki, ale jego plany uległy zmianie i zapisał się do Carnegie Institute of Technology, obecnie Carnegie Mellon University w Pittsburghu, gdzie studiował sztukę komercyjną. W czasie pobytu tam Warhol dołączył do kampusowego klubu tańca nowoczesnego i Beaux Arts Society. Pełnił również funkcję dyrektora artystycznego studenckiego magazynu artystycznego Cano, ilustrując okładkę w 1948 roku i całostronicową ilustrację wewnętrzną w 1949 roku. Uważa się, że są to jego pierwsze dwa opublikowane dzieła sztuki. W 1949 roku Warhol uzyskał tytuł licencjata sztuk pięknych w dziedzinie projektowania obrazkowego. W tym samym roku przeprowadził się do Nowego Jorku i rozpoczął karierę w dziedzinie ilustracji i reklamy.

1950s

Wczesna kariera Warhola była poświęcona sztuce komercyjnej i reklamowej, gdzie jego pierwszym zleceniem było narysowanie butów dla magazynu Glamour pod koniec lat 40. W latach 50. Warhol pracował jako projektant dla producenta obuwia Israela Millera. Podczas pracy w przemyśle obuwniczym Warhol opracował technikę "blotted line", polegającą na nakładaniu tuszu na papier, a następnie plamieniu go, gdy był jeszcze mokry, co przypominało proces drukowania na najbardziej rudymentarną skalę. Użycie kalki i tuszu pozwoliło mu na powtórzenie podstawowego obrazu, a także na stworzenie nieskończonej ilości wariacji na temat. Amerykański fotograf John Coplans wspominał, że

Nikt nie rysował butów tak jak Andy. W jakiś sposób nadawał każdemu butowi własny temperament, rodzaj przebiegłości, wyrafinowania w stylu Toulouse-Lautreca, ale kształt i styl były dokładne, a klamra zawsze na właściwym miejscu. Dzieci w mieszkaniu [które Andy dzielił w Nowym Jorku - przyp. Coplans] zauważyły, że wampy na rysunkach butów Andy'ego stawały się coraz dłuższe, ale Millerowi to nie przeszkadzało. Miller je uwielbiał.

W 1952 roku Warhol miał swoją pierwszą indywidualną wystawę w Hugo Gallery w Nowym Jorku i choć nie została ona dobrze przyjęta, w 1956 roku został włączony do swojej pierwszej wystawy zbiorowej w Museum of Modern Art w Nowym Jorku. Kapryśne" rysunki tuszem Warhola na reklamach butów znalazły się na jednych z jego pierwszych wystaw w Bodley Gallery w Nowym Jorku w 1957 roku.

Warhol nawykowo stosował zabieg śledzenia fotografii wyświetlanych za pomocą epidiaskopu. Fotografie te, wykonane na odbitkach Edwarda Wallowitcha, jego "pierwszego chłopaka", ulegały subtelnym przemianom podczas często pobieżnego śledzenia konturów i kreskowania cieni przez Warhola. Warhol wykorzystał fotografię Wallowitcha Młody mężczyzna palący papierosa (ok. 1956) do projektu okładki książki, który złożył w 1958 roku do Simon and Schuster do powieści Waltera Rossa Nieśmiertelny, a później wykorzystał inne do serii obrazów.

Wraz z szybkim rozwojem przemysłu płytowego, RCA Records zatrudniło Warhola, wraz z innym niezależnym artystą, Sidem Maurerem, do projektowania okładek albumów i materiałów promocyjnych.

1960s

Warhol wcześnie przyjął proces sitodruku jako technikę tworzenia obrazów. W 1962 roku technik sitodruku uczył Warhola Max Arthur Cohn w swoim zakładzie graficznym na Manhattanie. W swojej książce Popism: The Warhol Sixties, Warhol pisze: "Kiedy robisz coś dokładnie nie tak, zawsze coś odkrywasz."

W maju 1962 roku Warhol pojawił się w artykule w magazynie Time ze swoim obrazem Big Campbell's Soup Can with Can Opener (Vegetable) (1962), który zapoczątkował jego najbardziej trwały motyw - puszkę zupy Campbell's. Obraz ten stał się pierwszym obrazem Warhola wystawionym w muzeum, kiedy to został wystawiony w Wadsworth Atheneum w Hartford w lipcu 1962 roku. 9 lipca 1962 roku w Ferus Gallery w Los Angeles otwarto wystawę Warhola Puszki zupy Campbell's, oznaczającą jego debiut pop-artu na Zachodnim Wybrzeżu.

W listopadzie 1962 roku Warhol miał wystawę w Eleanor Ward's Stable Gallery w Nowym Jorku. Na wystawie znalazły się prace Gold Marilyn, osiem z klasycznej serii "Marilyn" nazwanej również "Flavor Marilyns", Marilyn Diptych, 100 Soup Cans, 100 Coke Bottles i 100 Dollar Bills. Gold Marilyn, została zakupiona przez architekta Philipa Johnsona i przekazana do Muzeum Sztuki Nowoczesnej. Na wystawie Warhol poznał poetę Johna Giorno, który wystąpił w pierwszym filmie Warhola, Sleep (1964).

W grudniu 1962 roku w nowojorskim Museum of Modern Art odbyło się sympozjum na temat pop artu, podczas którego artyści tacy jak Warhol zostali zaatakowani za "kapitulację" wobec konsumpcjonizmu. Krytycy byli zbulwersowani otwartą akceptacją kultury rynkowej przez Warhola, co nadało ton jego recepcji.

Na początku 1963 roku Warhol wynajął swoje pierwsze studio, starą remizę strażacką przy 159 East 87th Street. W tym studiu stworzył swoją serię Elvis, która obejmowała Eight Elvises (1963) i Triple Elvis (1963). Te portrety wraz z serią portretów Elizabeth Taylor zostały pokazane na jego drugiej wystawie w Ferus Gallery w Los Angeles. Jeszcze w tym samym roku Warhol przeniósł swoje studio na East 47th Street, które przekształciło się w The Factory. Fabryka stała się popularnym miejscem spotkań wielu artystów, pisarzy, muzyków i undergroundowych celebrytów.

Wiosną 1964 roku Warhol zorganizował swoją drugą wystawę w Stable Gallery, na której zaprezentował rzeźby ze skrzynek handlowych ułożonych w stosy i rozrzuconych po całej przestrzeni, tak aby przypominały magazyn. Na potrzeby wystawy Warhol zamówił na zamówienie drewniane skrzynki i naniósł na nie sitodrukiem grafikę. Rzeźby - pudełko Brillo, pudełko Del Monte Peach, pudełko Heinz Tomato Ketchup, pudełko Kellogg's Cornflakes, pudełko Campbell's Tomato Juice i pudełko Mott's Apple Juice - sprzedano za 200-400 dolarów w zależności od wielkości pudełka.

Kluczowym wydarzeniem była wystawa The American Supermarket w galerii Paula Bianchiniego na Upper East Side jesienią 1964 roku. Wystawa została przedstawiona jako typowe środowisko małego supermarketu, z tą różnicą, że wszystko w nim - produkty, konserwy, mięso, plakaty na ścianach itp. - zostało stworzone przez wybitnych artystów pop tamtych czasów, wśród nich rzeźbiarza Claesa Oldenburga, Mary Inman i Boba Wattsa. Warhol zaprojektował papierową torbę na zakupy za 12 dolarów - gładką, białą z czerwoną puszką zupy Campbell's. Jego obraz przedstawiający puszkę zupy Campbell's kosztował 1500 dolarów, podczas gdy każda puszka z autografem sprzedawała się po 3 sztuki za 18 dolarów, czyli 6,50 dolara za sztukę. Wystawa była jednym z pierwszych masowych wydarzeń, które bezpośrednio skonfrontowały opinię publiczną zarówno z pop artem, jak i z odwiecznym pytaniem, czym jest sztuka.

Jako ilustrator reklamowy w latach 50. Warhol korzystał z pomocy asystentów, aby zwiększyć swoją wydajność. Współpraca pozostanie jego cechą charakterystyczną, co było szczególnie prawdziwe w latach 60. Jednym z najważniejszych współpracowników w tym okresie był Gerard Malanga. Malanga pomagał artyście w produkcji sitodruków, filmów, rzeźb i innych prac w "The Factory", studio Warhola wyłożonym folią aluminiową i srebrną farbą przy 47. ulicy (później przeniesione na Broadway). Inni członkowie grupy Warhola w Fabryce to Freddie Herko, Ondine, Ronald Tavel, Mary Woronov, Billy Name i Brigid Berlin (od której Warhol podobno dostał pomysł nagrywania swoich rozmów telefonicznych).

W latach 60. Warhol stworzył także grupę ekscentryków z cyganerii i kontrkultury, których nazwał "supergwiazdami", w tym Nico, Joe Dallesandro, Edie Sedgwick, Viva, Ultra Violet, Holly Woodlawn, Jackie Curtis i Candy Darling. Wszyscy oni uczestniczyli w filmach Factory, a niektórzy z nich, jak Berlin, pozostali przyjaciółmi Warhola aż do jego śmierci. Ważne postacie nowojorskiego underground artu

3 czerwca 1968 roku radykalna pisarka feministyczna Valerie Solanas zastrzeliła Warhola i Mario Amayę, krytyka sztuki i kuratora, w studiu Warhola, The Factory. Przed zastrzeleniem Solanas była marginalną postacią na scenie Fabryki. W 1967 roku była autorką Manifestu SCUM, separatystycznego traktatu feministycznego, który postulował eliminację mężczyzn; wystąpiła też w filmie Warhola z 1968 roku Ja, mężczyzna. Wcześniej, w dniu ataku, Solanas została wyproszona z Fabryki po tym, jak poprosiła o zwrot scenariusza, który dała Warholowi. Scenariusz został najwyraźniej źle umieszczony.

Amaya otrzymała tylko niewielkie obrażenia i została zwolniona ze szpitala jeszcze tego samego dnia. Warhol został poważnie ranny w wyniku ataku i ledwo przeżył. Do końca życia odczuwał skutki fizyczne, m.in. musiał nosić gorset chirurgiczny. Strzelanina miała głęboki wpływ na życie i sztukę Warhola.

Solanas została aresztowana dzień po napaści, po oddaniu się w ręce policji. W ramach wyjaśnienia powiedziała, że Warhol "miał zbyt dużą kontrolę nad moim życiem". Następnie zdiagnozowano u niej schizofrenię paranoidalną i ostatecznie skazano na trzy lata pod kontrolą Departamentu Korekt. Po strzelaninie scena Factory mocno zwiększyła swoją ochronę, a dla wielu skończyły się "Factory 60s" ("Super gwiazdy ze starych czasów Factory nie przychodziły zbyt często do nowej Factory").

Warhol miał to do powiedzenia na temat ataku:

Zanim zostałem nakręcony, zawsze myślałem, że jestem bardziej w połowie niż we wszystkich miejscach - zawsze podejrzewałem, że oglądam telewizję zamiast żyć życiem. Ludzie czasami mówią, że sposób, w jaki rzeczy dzieją się w filmach jest nierealny, ale tak naprawdę to sposób, w jaki rzeczy dzieją się w życiu jest nierealny. W filmach emocje wyglądają tak silnie i realnie, podczas gdy kiedy naprawdę coś się dzieje, to jest jak oglądanie telewizji - nic nie czujesz. Kiedy mnie postrzelono i od tamtej pory, wiedziałem, że oglądam telewizję. Kanały się zmieniają, ale to wszystko jest telewizja.

W 1969 roku Warhol i brytyjski dziennikarz John Wilcock założyli magazyn Interview.

1970s

Warhol miał retrospektywną wystawę w Whitney Museum of American Art w 1971 roku. Jego słynny portret chińskiego przywódcy komunistycznego Mao Zedonga powstał w 1973 roku. W 1975 roku opublikował książkę The Philosophy of Andy Warhol (1975). Idea wyrażona w książce: "Zarabianie pieniędzy to sztuka, a praca to sztuka, a dobry biznes to najlepsza sztuka".

W porównaniu z sukcesem i skandalem, jaki odniosły prace Warhola w latach 60-tych, lata 70-te były znacznie spokojniejszą dekadą, gdyż Warhol stał się bardziej przedsiębiorczy. Spotykał się w różnych nocnych lokalach w Nowym Jorku, w tym w Max's Kansas City, a później w latach 70. w Studio 54. Powszechnie uważany był za cichego, nieśmiałego i drobiazgowego obserwatora. Krytyk sztuki Robert Hughes nazwał go "białym kretem z Union Square". W 1977 roku Warhol otrzymał zlecenie od kolekcjonera sztuki Richarda Weismana na stworzenie Athletes, dziesięciu portretów składających się z czołowych sportowców tamtych czasów.

Według Boba Colacello, Warhol poświęcił większość swojego czasu na pozyskiwanie nowych, bogatych mecenasów dla zleceń portretowych - w tym szacha Iranu Mohammada Rezy Pahlawiego, jego żony cesarzowej Farah Pahlavi, jego siostry księżniczki Ashraf Pahlavi, Micka Jaggera, Lizy Minnelli, Johna Lennona, Diany Ross i Brigitte Bardot. W 1979 roku recenzentom nie podobały się jego wystawy portretów osobistości i celebrytów z lat 70-tych, nazywając je powierzchownymi, prostymi i komercyjnymi, bez głębi i wskazania na znaczenie tematów. W 1979 roku Warhol i jego długoletni przyjaciel Stuart Pivar założyli New York Academy of Art.

1980s

W latach 80. Warhol odniósł ponowny sukces krytyczny i finansowy, częściowo dzięki swoim powiązaniom i przyjaźniom z wieloma płodnymi młodszymi artystami, którzy zdominowali "rynek byka" sztuki nowojorskiej lat 80: Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, David Salle i inni tzw. neoekspresjoniści, a także członkowie ruchu Transavantgarde w Europie, w tym Francesco Clemente i Enzo Cucchi. Warhol zyskał również wiarygodność ulicy, a artysta graffiti Fab Five Freddy złożył hołd Warholowi malując cały pociąg puszkami zupy Campbell.

Warhol był również krytykowany za to, że stał się jedynie "artystą biznesu". Krytycy potępili jego wystawę z 1980 roku "Dziesięć portretów Żydów XX wieku" w Muzeum Żydowskim na Manhattanie, którą Warhol - niezainteresowany judaizmem i Żydami - opisał w swoim dzienniku słowami: "One się sprzedadzą". Jednak z perspektywy czasu niektórzy krytycy postrzegają powierzchowność i komercyjność Warhola jako "najbardziej błyskotliwe zwierciadło naszych czasów", twierdząc, że "Warhol uchwycił coś nieodpartego w zitgeist amerykańskiej kultury lat 70.".

Warhol miał również uznanie dla intensywnego hollywoodzkiego glamour. Powiedział kiedyś: "Kocham Los Angeles. Kocham Hollywood. Są takie piękne. Wszystko jest plastikowe, ale ja kocham plastik. Chcę być plastikowy". Warhol okazjonalnie chodził po wybiegach mody i robił endorsements produktów, reprezentowany przez Zoli Agency, a później Ford Models.

Przed Zimowymi Igrzyskami Olimpijskimi w Sarajewie w 1984 roku, wraz z 15 innymi artystami, w tym Davidem Hockneyem i Cy Twombly'm, stworzył odbitkę Speed Skater do kolekcji Art and Sport. Łyżwiarz szybki został wykorzystany w oficjalnym plakacie Zimowych Igrzysk Olimpijskich w Sarajewie.

W 1984 roku Vanity Fair zleciło Warholowi wykonanie portretu Prince'a, który miał towarzyszyć artykułowi celebrującemu sukces filmu Purple Rain. Nawiązując do wielu portretów celebrytów, które Warhol tworzył w swojej karierze, Orange Prince (1984) został stworzony w podobnej kompozycji jak seria Marilyn "Flavors" z 1962 roku, będąca jednym z pierwszych portretów celebrytów Warhola. Prince jest przedstawiony w popowej palecie barw, często używanej przez Warhola, w jaskrawym pomarańczowym kolorze z akcentami jaskrawej zieleni i błękitu. Rysy twarzy i włosy zostały nadrukowane sitodrukiem w kolorze czarnym na pomarańczowym tle.

We wrześniu 1985 roku wspólna wystawa Warhola i Basquiata, Paintings, została otwarta z negatywnymi recenzjami w Tony Shafrazi Gallery. W tym samym miesiącu, pomimo obaw Warhola, jego seria sitodruków Reigning Queens została pokazana w Leo Castelli Gallery. W Dziennikach Andy'ego Warhola, Warhol napisał: "Miały być tylko dla Europy - tutaj nikogo nie obchodzą królewskie obrazy i będzie to kolejna zła recenzja."

W styczniu 1987 roku Warhol pojechał do Mediolanu na otwarcie swojej ostatniej wystawy Ostatnia Wieczerza w Palazzo delle Stelline. W następnym miesiącu Warhol i muzyk jazzowy Miles Davis byli modelami na pokazie mody Koshin Satoh w Tunnel w Nowym Jorku 17 lutego 1987 roku.

Śmierć

Warhol zmarł na Manhattanie o 6:32 rano 22 lutego 1987 roku, w wieku 58 lat. Według doniesień prasowych, po operacji pęcherzyka żółciowego w New York Hospital, Warhol wracał do zdrowia, zanim zmarł we śnie z powodu nagłego, nieregularnego bicia serca po operacji. Przed diagnozą i operacją Warhol zwlekał ze sprawdzeniem swoich nawracających problemów z pęcherzykiem żółciowym, ponieważ bał się wchodzić do szpitali i spotykać z lekarzami. Jego rodzina pozwała szpital za niewłaściwą opiekę, twierdząc, że arytmia została spowodowana niewłaściwą opieką i zatruciem wodą. Sprawa o błąd w sztuce została szybko rozstrzygnięta poza sądem; rodzina Warhola otrzymała nieujawnioną sumę pieniędzy.

Na krótko przed śmiercią Warhola lekarze spodziewali się, że Warhol przeżyje operację, jednak ponowna ocena sprawy około trzydziestu lat po jego śmierci wykazała wiele przesłanek, że operacja Warhola była w rzeczywistości bardziej ryzykowna niż początkowo sądzono. W tamtym czasie szeroko komentowano, że Warhol zmarł w wyniku "rutynowej" operacji, jednak biorąc pod uwagę takie czynniki jak jego wiek, rodzinne występowanie problemów z pęcherzykiem żółciowym, wcześniejszą ranę postrzałową oraz stan zdrowia w tygodniach poprzedzających zabieg, potencjalne ryzyko śmierci po operacji wydawało się znaczne.

Bracia Warhola zabrali jego ciało do Pittsburgha, gdzie w domu pogrzebowym Thomasa P. Kunsaka odbyła się stypa z otwartą trumną. Trumna z litego brązu miała pozłacane szyny i białą tapicerkę. Warhol ubrany był w czarny kaszmirowy garnitur, krawat w paisley, platynową perukę i okulary przeciwsłoneczne. Położono go trzymając mały modlitewnik i czerwoną różę. Liturgia pogrzebowa odbyła się w Holy Ghost Byzantine Catholic Church na North Side w Pittsburghu 27 lutego 1987 roku. Eulogię wygłosił monsignor Peter Tay. Yoko Ono i John Richardson byli mówcami. Trumna była pokryta białymi różami i paprociami asparagusowymi. Po liturgii trumna została przewieziona na bizantyjski cmentarz katolicki św. Jana Chrzciciela w Bethel Park, południowym przedmieściu Pittsburgha, gdzie Warhol został pochowany obok swoich rodziców. Ksiądz odmówił przy grobie krótką modlitwę i pokropił trumnę wodą święconą. Zanim trumna została opuszczona, bliska przyjaciółka Warhola i współpracowniczka wydawcy Interview, Paige Powell, wrzuciła do grobu egzemplarz magazynu i butelkę Beautiful Eau de Parfum marki Estée Lauder. 1 kwietnia 1987 roku na Manhattanie w katedrze św. Patryka odbyło się nabożeństwo żałobne dla Warhola.

Obrazy

Na początku lat 60. pop art był eksperymentalną formą, którą niezależnie przyjmowało kilku artystów; niektórzy z tych pionierów, jak Roy Lichtenstein, staną się później synonimami tego ruchu. Warhol, który stał się sławny jako "papież popu", zwrócił się ku temu nowemu stylowi, w którym popularne tematy mogły być częścią palety artysty. Jego wczesne obrazy przedstawiają obrazy zaczerpnięte z komiksów i reklam, ręcznie malowane kroplami farby. Te krople naśladowały styl odnoszących sukcesy abstrakcyjnych ekspresjonistów, takich jak Willem de Kooning.

Z tych początków rozwinął swój późniejszy styl i tematy. Zamiast, jak na początku, pracować nad charakterystycznym tematem, coraz bardziej pracował nad charakterystycznym stylem, powoli eliminując z procesu artystycznego ręczne wykonanie. Warhol często stosował sitodruk, a jego późniejsze rysunki powstały na podstawie projekcji slajdów. U szczytu swojej sławy jako malarz, Warhol miał kilku asystentów, którzy produkowali jego sitodrukowe multiplikacje, podążając za jego wskazówkami, by tworzyć różne wersje i wariacje.

Pierwsze pop-artowe obrazy Warhola pojawiły się w kwietniu 1961 roku, stanowiąc tło dla ekspozycji okiennej nowojorskiego domu towarowego Bonwit Teller. Była to ta sama scena, na której pojawili się kiedyś jego pop-artowi rówieśnicy: Jasper Johns, James Rosenquist i Robert Rauschenberg. To galerzystka Muriel Latow wpadła na pomysł zarówno puszek po zupie, jak i obrazów dolarowych Warhola. 23 listopada 1961 roku Warhol wypisał Latow czek na 50 dolarów, który według biografii Warhola z 2009 roku, Pop, The Genius of Warhol, był zapłatą za wymyślenie tematu puszek po zupie. Na swoją pierwszą dużą wystawę Warhol namalował słynne puszki po zupie Campbell's, którą, jak twierdził, jadł na lunch przez większość swojego życia.

To właśnie w latach 60. Warhol zaczął tworzyć obrazy ikonicznych amerykańskich przedmiotów, takich jak banknoty dolarowe, chmury grzybowe, krzesła elektryczne, puszki zupy Campbell's, butelki Coca-Coli, gwiazdy takie jak Marilyn Monroe, Elvis Presley czy Elizabeth Taylor, a także nagłówki gazet czy zdjęcia psów policyjnych atakujących afroamerykańskich protestujących podczas kampanii w Birmingham w ramach ruchu na rzecz praw obywatelskich. Jego prace stały się popularne i kontrowersyjne. Warhol miał do powiedzenia o Coca-Coli tak:

To, co jest wspaniałe w tym kraju, to fakt, że Ameryka zapoczątkowała tradycję, w której najbogatsi konsumenci kupują zasadniczo te same rzeczy, co najbiedniejsi. Możesz oglądać telewizję i zobaczyć Coca-Colę, i wiesz, że prezydent pije Coca-Colę, Liz Taylor pije Coca-Colę, i pomyśl tylko, że ty też możesz pić Coca-Colę. Cola to cola i żadna ilość pieniędzy nie da ci lepszej coli niż ta, którą pije menel na rogu. Wszystkie coli są takie same i wszystkie są dobre. Liz Taylor to wie, prezydent to wie, menel to wie i ty to wiesz.

W 1962 roku Warhol stworzył swoją słynną serię Marilyn. Flavor Marilyns zostały wybrane z grupy czternastu płócien w podserii, każde o wymiarach 20" x 16". Niektóre z płócien zostały nazwane po różnych smakach cukierków Life Savers, w tym Cherry Marilyn, Lemon Marilyn i Licorice Marilyn. Pozostałe zostały zidentyfikowane przez kolor tła.

Warhol tworzył zarówno komiczne, jak i poważne prace; jego tematem mogła być puszka po zupie lub krzesło elektryczne. Warhol stosował te same techniki - sitodruki, reprodukowane seryjnie, często malowane jaskrawymi kolorami - niezależnie od tego, czy malował celebrytów, przedmioty codziennego użytku, czy obrazy samobójstw, wypadków samochodowych i katastrof, jak w serii Death and Disaster z lat 1962-63.

W 1979 roku Warhol otrzymał zlecenie namalowania BMW M1 Group 4 w wersji wyścigowej na czwartą odsłonę projektu BMW Art Car. Początkowo poproszono go o namalowanie BMW 320i w 1978 roku, ale model samochodu został zmieniony i nie zakwalifikował się on do wyścigu w tym roku. Warhol był pierwszym artystą, który sam malował bezpośrednio na samochodzie, zamiast pozwolić technikom przenieść na niego model w skali. Podobno pomalowanie całego samochodu zajęło mu tylko 23 minuty. Kierowcy wyścigowi Hervé Poulain, Manfred Winkelhock i Marcel Mignot prowadzili samochód podczas 24-godzinnego wyścigu Le Mans w 1979 roku.

Niektóre prace Warhola, jak również jego osobowość, zostały opisane jako Keatonesque. Warhol był opisywany jako osoba grająca głupka wobec mediów. Czasami odmawiał wyjaśnienia swojej pracy. Sugerował, że wszystko, co trzeba wiedzieć o jego pracach "jest już tam 'na powierzchni'".

Jego plamy atramentowe Rorschacha mają być popowym komentarzem do sztuki i tego, czym sztuka może być. W tym kontekście na uwagę zasługują również jego tapety w krowy (dosłownie tapety z motywem krowy) oraz obrazy oksydacyjne (płótna przygotowane farbą miedzianą, która następnie była utleniana moczem). Równie godny uwagi jest sposób, w jaki te prace - i ich sposób produkcji - naśladowały atmosferę panującą w nowojorskiej "fabryce" Andy'ego. Biograf Bob Colacello podaje kilka szczegółów dotyczących "piss paintings" Andy'ego:

Victor ... był duchowym sikaniem Andy'ego na Oxidations. Przychodził do Fabryki, żeby oddać mocz na płótna, które zostały wcześniej zagruntowane farbą na bazie miedzi przez Andy'ego lub Ronniego Cutrone, drugiego ghost pissera, bardzo cenionego przez Andy'ego, który twierdził, że witamina B, którą brał Ronnie, nadawała ładniejszy kolor, kiedy kwas w moczu zmieniał kolor miedzi na zielony. Czy Andy kiedykolwiek używał swojego własnego moczu? Z mojego dziennika wynika, że kiedy po raz pierwszy rozpoczął serię, w grudniu 1977 roku, użył, i było wielu innych: chłopcy, którzy przychodzili na lunch, pili za dużo wina i uważali za zabawne, a nawet pochlebne być poproszonymi o pomoc w "malowaniu" Andy'ego. Andy zawsze miał trochę więcej sprężystości w swoim chodzie, kiedy prowadził ich do swojego studia.

Portret Basquiata, Jean-Michel Basquiat, z 1982 roku, to sitodruk nad oksydowanym miedzianym "obrazem szczałowym". Po wielu latach sitodruku, oksydacji, fotografii etc., Warhol powrócił do malowania z pędzlem w ręku. W 1983 roku Warhol rozpoczął współpracę z Basquiatem i Clemente. W latach 1984-1985 Warhol i Basquiat stworzyli serię ponad 50 dużych wspólnych prac. Pomimo krytyki, gdy zostały one po raz pierwszy pokazane, Warhol nazwał niektóre z nich "arcydziełami" i miały one wpływ na jego późniejszą twórczość.

W 1984 roku kolekcjoner i galerzysta Alexander Iolas zlecił Warholowi wykonanie prac opartych na Ostatniej Wieczerzy Leonarda da Vinci na wystawę w starym refektarzu Palazzo delle Stelline w Mediolanie, naprzeciwko Santa Maria delle Grazie, gdzie znajduje się mural Leonarda da Vinci. Warhol przekroczył wymagania zlecenia i stworzył prawie 100 wariacji na temat, głównie sitodruków i obrazów, a wśród nich rzeźbę powstałą we współpracy z Basquiatem, Dziesięć worków do bicia (Ostatnia Wieczerza). Wystawa w Mediolanie, która została otwarta w styczniu 1987 roku wraz z zestawem 22 sitodruków, była ostatnią wystawą zarówno dla artysty, jak i galerzysty. Cykl Ostatniej Wieczerzy był przez jednych postrzegany jako "prawdopodobnie jego największy", ale przez innych jako "życzeniowy, religijny" i "pozbawiony ducha". Jest to największy cykl prac o tematyce religijnej jakiegokolwiek amerykańskiego artysty.

Artysta Maurizio Cattelan opisuje, że trudno jest oddzielić codzienne spotkania od sztuki Andy'ego Warhola: "To jest prawdopodobnie największa rzecz w Warholu: sposób, w jaki przeniknął i podsumował nasz świat, do tego stopnia, że rozróżnienie między nim a naszą codziennością jest w zasadzie niemożliwe, a w każdym razie bezużyteczne." Warhol był inspiracją wobec magazynowych i fotograficznych kompilacji Cattelana, takich jak Permanent Food, Charley czy Toilet Paper.

W okresie tuż przed śmiercią Warhol pracował nad Cars, serią obrazów dla Mercedes-Benz.

Rynek sztuki

Wartość prac Andy'ego Warhola od czasu jego śmierci w 1987 roku znajduje się na niekończącej się trajektorii wzrostowej. W 2014 roku jego prace zgromadziły na aukcjach 569 milionów dolarów, co stanowiło ponad jedną szóstą globalnego rynku sztuki. Zdarzały się jednak spadki. Według handlarza sztuką Dominique Lévy, "handel Warholem porusza się czymś w rodzaju huśtawki ciągniętej pod górę: wznosi się i opada, ale każdy nowy wyż i niż jest powyżej poprzedniego." Przypisuje to konsekwentnemu napływowi nowych kolekcjonerów zaintrygowanych Warholem. "W różnych momentach mieliście różne grupy kolekcjonerów wchodzących na rynek Warhola, a to skutkowało szczytami popytu, potem satysfakcją i spowolnieniem", zanim proces powtórzył kolejny demograficzny lub następne pokolenie.

W 1998 roku Orange Marilyn (1964), przedstawienie Marilyn Monroe, sprzedano za 17,3 mln dolarów, co w tamtym czasie ustanowiło nowy rekord jako najwyższą cenę zapłaconą za dzieło sztuki Warhola. W 2007 roku jeden z obrazów Warhola z 1963 roku przedstawiający Elizabeth Taylor, Liz (Colored Liz), który należał do aktora Hugh Granta, został sprzedany za 23,7 mln dolarów w Christie's.

W 2007 roku Stefan Edlis i Gael Neeson sprzedali Turkusową Marilyn (1964) Warhola finansiście Stevenowi A. Cohenowi za 80 milionów dolarów. W maju 2007 roku Green Car Crash (1963) sprzedał się za 71,1 mln dolarów, a Lemon Marilyn (1962) za 28 mln dolarów na aukcji sztuki powojennej i współczesnej Christie's. W 2007 roku Large Campbell's Soup Can (1964) został sprzedany na aukcji Sotheby's kolekcjonerowi z Ameryki Południowej za 7,4 mln. W listopadzie 2009 roku 200 One Dollar Bills (1962) w Sotheby's za 43,8 mln dolarów.

W 2008 roku Eight Elvises (1963) został sprzedany przez Annibale Berlingieri za 100 milionów dolarów prywatnemu nabywcy. Praca przedstawia Elvisa Presleya w pozie rewolwerowca. Po raz pierwszy została wystawiona w 1963 roku w Ferus Gallery w Los Angeles. Warhol wykonał 22 wersje portretów Elvisa, z których 11 znajduje się w muzeach. W maju 2012 roku Double Elvis (Ferus Type) sprzedał się na aukcji w Sotheby's za 37 milionów dolarów. W listopadzie 2014 roku Triple Elvis (Ferus Type) sprzedał się za 81,9 mln dolarów w Christie's.

W maju 2010 roku fioletowy autoportret Warhola z 1986 roku, który należał do projektanta mody Toma Forda, został sprzedany za 32,6 mln dolarów w Sotheby's. W listopadzie 2010 roku Men in Her Life (1962), na podstawie Elizabeth Taylor, sprzedano za 63,4 mln dolarów w Phillips de Pury, a Coca-Cola (4) (1962) sprzedano za 35,3 mln dolarów w Sotheby's. W maju 2011 roku pierwszy autoportret Warhola z lat 1963-1964 sprzedano za 38,4 mln dolarów, a czerwony autoportret z 1986 roku sprzedano za 27,5 mln dolarów w Christie's. W maju 2011 roku Liz #5 (Early Colored Liz) sprzedano za 26,9 mln dolarów w Phillips.

W listopadzie 2013 roku rzadko oglądany dyptyk Warhola z 1963 roku, Silver Car Crash (Double Disaster), sprzedał się w Sotheby's za 105,4 mln dolarów, co stanowi nowy rekord artysty. W listopadzie 2013 roku Coca-Cola (3) (1962) sprzedana za 57,3 mln dolarów w Christie's. W maju 2014 roku, White Marilyn (1962) sprzedany za 41 milionów dolarów w Christie's. W listopadzie 2014 roku Four Marlons (1964), przedstawiający Marlona Brando, sprzedał się za 69,6 mln dolarów w Christie's. W maju 2015 roku Srebrna Liz (dyptyk), namalowana w 1963 roku, sprzedana za 28 milionów dolarów i Kolorowa Mona Lisa (1963) sprzedana za 56,2 milionów dolarów w Christie's. W maju 2017 roku obraz Warhola z 1962 roku Big Campbell's Soup Can With Can Opener (Vegetable) sprzedał się za 27,5 miliona dolarów w Christie's. W 2017 roku miliarder zarządzający funduszami hedgingowymi Ken Griffin kupił prywatnie Orange Marilyn za około 200 milionów dolarów. W marcu 2022 roku Silver Liz (Ferus Type) sprzedała się za 2,3 miliarda jenów (18,9 miliona dolarów) na aukcji Shinwa Auction, co ustanowiło nowy rekord najwyższej oferty w historii aukcji w Japonii. W maju 2022 roku Shot Sage Blue Marilyn (1964) sprzedał się za 195 milionów dolarów w Christie's, stając się najdroższym amerykańskim dziełem sztuki sprzedanym na aukcji.

Kolekcjonerzy

Wśród pierwszych kolekcjonerów i wpływowych zwolenników Warhola byli Emily i Burton Tremaine. Wśród ponad 15 zakupionych dzieł sztuki, Marilyn Diptych (obecnie w Tate Modern, Londyn) i A boy for Meg (obecnie w National Gallery of Art w Waszyngtonie), zostały zakupione bezpośrednio z pracowni Warhola w 1962 roku. Pewnego Bożego Narodzenia Warhol zostawił małą głowę Marilyn Monroe przy drzwiach Tremaine'ów w ich nowojorskim mieszkaniu w podziękowaniu za ich wsparcie i zachętę.

Filmografia

Warhol uczestniczył w 1962 roku w premierze statycznej kompozycji La Monte Younga o nazwie Trio for Strings, a następnie stworzył swoją słynną serię statycznych filmów. Filmowiec Jonas Mekas, który towarzyszył Warholowi na premierze Trio, twierdzi, że statyczne filmy Warhola były bezpośrednio inspirowane tym występem. W latach 1963-1968 Warhol wykonał ponad 60 filmów oraz około 500 krótkich czarno-białych portretów gości Fabryki. Jeden z jego najsłynniejszych filmów, Sleep, monitoruje poetę Johna Giorno śpiącego przez sześć godzin. 35-minutowy film Blow Job to jedno ciągłe ujęcie twarzy DeVerena Bookwaltera, który rzekomo otrzymuje seks oralny od filmowca Willarda Maasa, choć kamera nigdy nie przechyla się w dół, by to zobaczyć. Inny, Empire (1964), składa się z ośmiu godzin materiału filmowego przedstawiającego Empire State Building w Nowym Jorku o zmierzchu. Film Eat składa się z mężczyzny jedzącego grzyby przez 45 minut.

Batman Dracula to film z 1964 roku, który został wyprodukowany i wyreżyserowany przez Warhola, bez zgody DC Comics. Był on wyświetlany tylko na jego wystawach sztuki. Fan serii Batman, film Warhola był "hołdem" dla serii i jest uważany za pierwsze pojawienie się rażąco campowego Batmana. Do niedawna uważano, że film zaginął, dopóki sceny z obrazu nie zostały pokazane w pewnej długości w filmie dokumentalnym Jack Smith and the Destruction of Atlantis z 2006 roku.

Film Warhola Vinyl z 1965 roku jest adaptacją popularnej dystopijnej powieści Anthony'ego Burgessa A Clockwork Orange. Inne rejestrują improwizowane spotkania bywalców Factory, takich jak Brigid Berlin, Viva, Edie Sedgwick, Candy Darling, Holly Woodlawn, Ondine, Nico i Jackie Curtis. W filmie Camp pojawia się undergroundowy artysta Jack Smith.

Jego najpopularniejszym i najbardziej udanym dla krytyków filmem był "Chelsea Girls" (1966). Film był bardzo innowacyjny, ponieważ składał się z dwóch 16-milimetrowych filmów wyświetlanych jednocześnie, z dwoma różnymi historiami pokazywanymi w tym samym czasie. Z kabiny projekcyjnej dźwięk był podnoszony dla jednego filmu, aby wyjaśnić tę "historię", podczas gdy dla drugiego był obniżany. Multiplikacja obrazów przywołuje na myśl przełomowe prace Warhola z początku lat 60.

Warhol był fanem twórczości filmowej Radleya Metzgera i skomentował film Metzgera, The Lickerish Quartet, jako "skandalicznie dziwaczne arcydzieło". Blue Movie - film, w którym supergwiazda Warhola Viva kocha się w łóżku z Louisem Waldonem, inną supergwiazdą Warhola - był ostatnim filmem Warhola jako reżysera. Film ten, będący jednym z najważniejszych w Złotej Erze Porno, był w owym czasie kontrowersyjny ze względu na swoje szczere podejście do seksualnego spotkania. Blue Movie został publicznie pokazany w Nowym Jorku w 2005 roku, po raz pierwszy od ponad 30 lat.

W następstwie strzelaniny w 1968 roku, odosobniony Warhol zrezygnował z osobistego zaangażowania w produkcję filmową. Jego akolita i asystent reżysera, Paul Morrissey, przejął obowiązki filmowe kolektywu Factory, kierując kino sygnowane marką Warhola w stronę bardziej głównego nurtu, opartego na narracji, kina klasy B z Flesh, Trash i Heat. Wszystkie te filmy, w tym późniejsze Andy Warhol's Dracula i Andy Warhol's Frankenstein, były o wiele bardziej mainstreamowe niż cokolwiek, czego Warhol próbował jako reżyser. W tych ostatnich "warholowskich" filmach wystąpił Joe Dallesandro - bardziej gwiazda Morrisseya niż prawdziwa supergwiazda Warhola.

Na początku lat 70. większość filmów wyreżyserowanych przez Warhola została wycofana z obiegu przez Warhola i ludzi z jego otoczenia, którzy prowadzili jego działalność. Po śmierci Warhola filmy zostały powoli odrestaurowane przez Whitney Museum i są okazjonalnie wyświetlane w muzeach i na festiwalach filmowych. Niewiele z wyreżyserowanych przez Warhola filmów jest dostępnych na video lub DVD.

Muzyka

W połowie lat 60. Warhol zaadoptował zespół The Velvet Underground, czyniąc go kluczowym elementem multimedialnego pokazu sztuki performance Exploding Plastic Inevitable. Warhol, wraz z Paulem Morrisseyem, pełnił rolę menadżera zespołu, przedstawiając go Nico (który występował z zespołem na życzenie Warhola). Zarządzając The Velvet Underground, Andy kazał im ubierać się na czarno, by występowali przed filmami, które on również prezentował. W 1966 roku "wyprodukował" ich pierwszy album The Velvet Underground & Nico, a także zapewnił jego oprawę graficzną. Jego rzeczywisty udział w produkcji płyty sprowadzał się do opłacenia czasu pracy w studio. Po wydaniu pierwszego albumu Warhol i lider zespołu Lou Reed zaczęli się coraz bardziej nie zgadzać co do kierunku, w jakim powinien podążać zespół, a ich artystyczna przyjaźń zakończyła się. W 1989 roku, po śmierci Warhola, Reed i John Cale ponownie połączyli się po raz pierwszy od 1972 roku, aby napisać, wykonać, nagrać i wydać album koncepcyjny Songs for Drella, hołd dla Warhola. W październiku 2019 roku poinformowano, że w archiwum w Muzeum Andy'ego Warhola w Pittsburghu odkryto taśmę audio z nieznaną publicznie muzyką Reeda, opartą na książce Warholsa z 1975 roku, "The Philosophy of Andy Warhol: From A to B and Back Again".

Warhol zaprojektował wiele okładek albumów dla różnych artystów, zaczynając od fotograficznej okładki debiutanckiego albumu Johna Wallowitcha, This Is John Wallowitch!!! (1964). Zaprojektował okładki albumów The Rolling Stones Sticky Fingers (1971) i Love You Live (1977) oraz albumów Johna Cale'a The Academy in Peril (1972) i Honi Soit w 1981 roku. Jedną z ostatnich prac Warhola był portret Arethy Franklin na okładkę jej złotego albumu Aretha z 1986 roku.

W 1984 roku Warhol współreżyserował teledysk "Hello Again" zespołu The Cars i pojawił się w nim jako barman. W 1986 roku Warhol był współreżyserem teledysku "Misfit" zespołu Curiosity Killed the Cat i wystąpił w nim jako cameo.

Książki i druk

Począwszy od wczesnych lat 50. Warhol wyprodukował kilka niezwiązanych ze sobą teczek swoich prac.

Pierwszą z kilku oprawionych, samodzielnie wydanych książek Warhola było 25 kotów o imieniu Sam i jedna niebieska cipka, wydrukowanych w 1954 roku przez Seymoura Berlina na papierze ze znakiem wodnym marki Arches przy użyciu jego techniki plamistej linii do litografii. Oryginalne wydanie było ograniczone do 190 numerowanych, ręcznie kolorowanych kopii, z użyciem tuszu Dr Martin's wash. Większość z nich została podarowana przez Warhola jako prezenty dla klientów i przyjaciół. Egzemplarz nr 4, z napisem "Jerry" na przedniej okładce i podarowany Geraldine Stutz, został wykorzystany do druku faksymile w 1987 roku, a oryginał został sprzedany na aukcji w maju 2006 roku za 35 000 dolarów przez Doyle New York.

Do innych samodzielnie wydanych książek Warhola należą:

Książka Warhola A La Recherche du Shoe Perdu (1955) wyznaczyła jego "przejście od artysty komercyjnego do galeryjnego". (Tytuł jest grą słów Warhola z tytułem książki francuskiego autora Marcela Prousta À la recherche du temps perdu).

Po zdobyciu sławy Warhol "napisał" kilka książek, które zostały wydane komercyjnie:

Warhol stworzył magazyn mody Interview, który nadal jest wydawany. Uważa się, że zagmatwane pismo tytułowe na okładce jest albo jego własnym pismem, albo pismem jego matki, Julii Warhola, która często pisała teksty do jego wczesnych prac reklamowych.

Inne media

Chociaż Andy Warhol jest najbardziej znany ze swoich obrazów i filmów, był autorem prac w wielu różnych mediach.

Seksualność

Warhol był homoseksualistą. W 1980 roku powiedział w wywiadzie, że wciąż jest prawiczkiem. Biograf Bob Colacello, który był obecny przy tym wywiadzie, uznał, że to prawdopodobnie prawda, a to, co uprawiał, było prawdopodobnie "mieszanką voyeuryzmu i masturbacji". Twierdzeniu Warhola o dziewictwie zaprzecza jego leczenie szpitalne w 1960 roku z powodu kłykcin kończystych, choroby przenoszonej drogą płciową. Zaprzeczają temu również jego kochanki, w tym muza Warhola, BillyBoy, która twierdzi, że uprawiali seks do orgazmu: "Kiedy nie był Andy'm Warholem i kiedy byłeś z nim sam na sam, był niesamowicie hojną i bardzo miłą osobą. To, co mnie uwiodło, to Andy Warhol, którego widziałem w samotności. W rzeczywistości, kiedy byłem z nim publicznie, on jakby działał mi na nerwy.... Powiedziałbym: 'Jesteś po prostu obrzydliwy, nie mogę cię znieść'". Billy Name zaprzeczył również, że Warhol był tylko podglądaczem, mówiąc: "Był esencją seksualności. Przenikała ona wszystko. Andy emanował nią, wraz ze swoją wielką kreatywnością artystyczną.... Przyniósł radość całemu światu sztuki w Nowym Jorku." "Ale jego osobowość była tak wrażliwa, że obroną stało się wystawienie pustego frontu". Do kochanków Warhola należeli John Giorno, Charles Lisanby i Jon Gould. Jego chłopakiem przez 12 lat był Jed Johnson, którego poznał w 1968 roku, a który później osiągnął sławę jako projektant wnętrz.

Fakt, że homoseksualizm Warhola wpłynął na jego twórczość i ukształtował jego relacje ze światem sztuki, jest głównym tematem badań nad artystą i kwestią, którą sam Warhol poruszał w wywiadach, w rozmowach ze swoimi współczesnymi i w swoich publikacjach (np. Popism: The Warhol 1960s). Przez cały okres swojej kariery Warhol tworzył erotyczne fotografie i rysunki męskich aktów. Wiele z jego najsłynniejszych prac (portrety Lizy Minnelli, Judy Garland i Elizabeth Taylor oraz filmy takie jak Blow Job, My Hustler i Lonesome Cowboys) czerpie z gejowskiej kultury undergroundowej lub otwarcie bada złożoność seksualności i pożądania. Wiele z jego filmów miało swoją premierę w gejowskich kinach porno, w tym w New Andy Warhol Garrick Theatre i 55th Street Playhouse, pod koniec lat 60.

Pierwsze prace, które Warhol złożył w galerii sztuki, homoerotyczne rysunki męskich aktów, zostały odrzucone jako zbyt otwarcie gejowskie. Ponadto w Popizmie artysta wspomina rozmowę z filmowcem Emilem de Antonio na temat trudności Warhola z akceptacją społeczną przez bardziej znanych wówczas (ale zamkniętych w sobie) artystów gejów Jaspera Johnsa i Roberta Rauschenberga. De Antonio tłumaczył, że Warhol był "zbyt swish i to ich denerwuje". W odpowiedzi na to Warhol pisze: "Nie mogłem nic na to powiedzieć. To wszystko było zbyt prawdziwe. Postanowiłem więc, że po prostu nie będę się tym przejmował, bo to wszystko były rzeczy, których i tak nie chciałem zmieniać, których nie uważałem, że 'powinienem' chcieć zmieniać ... Inni ludzie mogli zmienić swoje nastawienie, ale nie ja". Badając biografię Warhola, wielu zwraca uwagę na ten okres - koniec lat 50. i początek 60. Niektórzy sugerują, że jego częsta odmowa komentowania swoich prac, mówienia o sobie (ograniczanie się w wywiadach do odpowiedzi typu "Um, nie" i "Um, tak", a często pozwalanie innym, by mówili za niego) - a nawet ewolucja jego stylu pop - może być przypisana latom, kiedy Warhol został po raz pierwszy odrzucony przez wewnętrzne kręgi nowojorskiego świata sztuki.

Religia

Warhol był praktykującym ruskim katolikiem. Regularnie udzielał się jako wolontariusz w schroniskach dla bezdomnych w Nowym Jorku, zwłaszcza w bardziej ruchliwych okresach roku, i określał siebie jako osobę religijną. Wiele późniejszych prac Warhola przedstawiało tematykę religijną, w tym dwie serie: Detale obrazów renesansowych (1984) i Ostatnia wieczerza (1986). Ponadto, zbiór prac o tematyce religijnej został odnaleziony pośmiertnie w jego posiadłości.

Wincentego Ferrera, powiedział, że artysta chodził tam prawie codziennie, choć nie widziano go przyjmującego komunię ani przystępującego do spowiedzi i siedział lub klęczał w ławkach z tyłu. Ksiądz sądził, że obawia się rozpoznania; Warhol powiedział, że czuje się niepewnie, widząc, jak w kościele obrządku rzymskiego krzyżuje się "w prawosławny sposób" (od prawej do lewej, a nie odwrotnie). Jego sztuka pozostaje pod wyraźnym wpływem tradycji wschodniego chrześcijaństwa, która była tak widoczna w jego miejscach kultu. Brat Warhola opisał artystę jako "naprawdę religijnego, ale nie chciał, żeby ludzie o tym wiedzieli, bo prywatnie". Pomimo prywatnego charakteru jego wiary, w eulogii Warhola John Richardson przedstawił ją jako pobożną: "Według mojej pewnej wiedzy, był odpowiedzialny za co najmniej jedno nawrócenie. Był bardzo dumny z tego, że finansował studia swojego siostrzeńca w kierunku kapłaństwa".

Kolekcje

Warhol był zapalonym kolekcjonerem. Jego przyjaciele nazywali jego liczne kolekcje, które wypełniały nie tylko jego czteropiętrową kamienicę, ale także pobliski magazyn, "rzeczami Andy'ego". Prawdziwy rozmiar jego kolekcji został odkryty dopiero po jego śmierci, kiedy Muzeum Andy'ego Warhola w Pittsburghu przyjęło 641 pudeł jego "Rzeczy".

Kolekcja Warhola zawierała znak pamiątkowy Coca-Coli oraz XIX-wieczne obrazy, a także menu samolotowe, niezapłacone faktury, ciasto na pizzę, pornograficzne powieści, gazety, znaczki, ulotki z supermarketów i słoiki z ciastkami, wśród innych dziwactw. Zawierała również znaczące dzieła sztuki, takie jak Miss Bentham George'a Bellowsa. Jedną z jego głównych kolekcji były peruki. Warhol posiadał ich ponad 40 i czuł się bardzo chroniony przez swoje treski, które były szyte przez nowojorskiego perukarza z włosów sprowadzanych z Włoch. W 1985 roku pewna dziewczynka zerwała Warholowi z głowy perukę. Później odkryto, że we wpisie do dziennika Warhola z tego dnia napisał on: "Nie wiem, co mnie powstrzymało przed wypchnięciem jej przez balkon".

W 1960 roku kupił rysunek żarówki autorstwa Jaspera Johnsa. Innym przedmiotem znalezionym w pudłach Warhola w muzeum w Pittsburghu była zmumifikowana ludzka stopa ze starożytnego Egiptu. Kurator antropologii w Carnegie Museum of Natural History uznał, że Warhol najprawdopodobniej znalazł ją na pchlim targu.

Warhol zebrał wiele książek, w jego kolekcji znajduje się ponad 1200 tytułów. Spośród nich 139 tytułów zostało publicznie zidentyfikowanych w katalogu aukcyjnym Sotheby's z 1988 roku, The Andy Warhol Collection i można je obejrzeć w Internecie. Jego kolekcja książek odzwierciedla jego eklektyczny gust i zainteresowania, a także zawiera książki napisane przez i o niektórych jego znajomych i przyjaciół. Niektóre z tytułów w jego kolekcji to The Two Mrs. Grenvilles: A Novel by Dominick Dunne, Artists in Uniform by Max Eastman, Andrews' Diseases of the Skin: Clinical Dermatology by George Clinton Andrews, D.V. by Diana Vreeland, Blood of a Poet by Jean Cocteau, Watercolours by Francesco Clemente, Little World, Hello! by Jimmy Savo, Hidden Faces by Salvador Dalí, and The Dinah Shore Cookbook.

W 2002 roku U.S. Postal Service wydała 18-centowy znaczek upamiętniający Warhola. Zaprojektowany przez Richarda Sheaffa ze Scottsdale w Arizonie, znaczek został odsłonięty podczas ceremonii w Muzeum Andy'ego Warhola i przedstawia obraz Warhola "Autoportret, 1964". W marcu 2011 roku na Union Square w Nowym Jorku odsłonięto chromowany posąg Andy'ego Warhola i jego aparatu Polaroid.

Krater na Merkurym został nazwany imieniem Warhola w 2012 roku.

W 2013 roku, dla uczczenia 85. rocznicy urodzin Warhola, Muzeum Andy'ego Warhola i EarthCam uruchomiły wspólny projekt zatytułowany Figment, będący transmisją na żywo z grobu Warhola.

Fundacja Warhola

Testament Warhola przewidywał, że cały jego majątek - z wyjątkiem kilku skromnych zapisów dla członków rodziny - zostanie przeznaczony na stworzenie fundacji poświęconej "rozwojowi sztuk wizualnych". Warhol posiadał tak wiele rzeczy, że aukcja jego majątku po śmierci zajęła Sotheby's dziewięć dni; aukcja przyniosła ponad 20 milionów dolarów.

W 1987 roku, zgodnie z wolą Warhola, rozpoczęła działalność Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. Fundacja pełni funkcję majątku Andy'ego Warhola, ale ma też misję "wspierania innowacyjnej ekspresji artystycznej i procesu twórczego" i jest "skoncentrowana przede wszystkim na wspieraniu prac o ambitnym i często eksperymentalnym charakterze".

Artists Rights Society jest przedstawicielem praw autorskich w USA dla Andy Warhol Foundation for the Visual Arts w odniesieniu do wszystkich dzieł Warhola z wyjątkiem zdjęć filmowych Warhola. Amerykańskim przedstawicielem praw autorskich do zdjęć filmowych Warhola jest Muzeum Warhola w Pittsburghu. Ponadto Andy Warhol Foundation for the Visual Arts posiada umowy dotyczące swojego archiwum obrazów. Wszystkie cyfrowe obrazy Warhola są zarządzane wyłącznie przez Corbis, natomiast wszystkie obrazy przezroczyste Warhola są zarządzane przez Art Resource.

Fundacja Andy'ego Warhola wydała w 2007 roku Raport Roczny z okazji 20-lecia istnienia Fundacji w formie trzytomowego zestawu: Tom I, 1987-2007; Tom II, Granty i wystawy; oraz Tom III, Program Dziedzictwa.

Fundacja jest w trakcie opracowywania swojego katalogu raisonné obrazów i rzeźb w tomach obejmujących bloki lat twórczości artysty. Tomy IV i V ukazały się w 2019 roku. Kolejne tomy są jeszcze w trakcie opracowywania.

Fundacja pozostaje jedną z największych organizacji grantodawczych dla sztuk wizualnych w USA.

Wiele prac i rzeczy Warhola jest wystawionych w Muzeum Andy'ego Warhola w Pittsburghu. Fundacja przekazała do muzeum ponad 3000 dzieł sztuki.

Objawienie w Brooklynie

Od 19 listopada 2021 roku do 19 czerwca 2022 roku w Brooklyn Museum będzie można oglądać wystawę Andy Warhol: Revelation. Revelation bada takie tematy jak życie i śmierć, władza i pożądanie, rola i reprezentacja kobiet, renesansowe wyobrażenia, rodzinne i imigranckie tradycje i rytuały, przedstawienia i duplikaty Chrystusa oraz katolickie ciało i queerowe pożądanie. Wśród ponad stu obiektów na wystawie znajdują się rzadkie materiały źródłowe i nowo odkryte przedmioty, które zapewniają świeże i intymne spojrzenie na proces twórczy Warhola, jak również główne obrazy z jego epickiego cyklu Ostatnia Wieczerza (1986), eksperymentalny film The Chelsea Girls (1966), niedokończony film przedstawiający zachodzące słońce, zamówiony przez rodzinę de Menil i ufundowany przez Kościół rzymskokatolicki, oraz rysunki stworzone przez matkę Warhola, Julię Warhol, kiedy mieszkała z synem w Nowym Jorku.

Warhol założył magazyn Interview, scenę dla celebrytów, których "wspierał", oraz firmę zatrudniającą jego przyjaciół. Współpracował z innymi przy wszystkich swoich książkach (niektóre z nich napisał z Patem Hackettem). Można nawet powiedzieć, że produkował ludzi (jak w warholowskim "Superstar" i warholowskim portrecie). Warhol reklamował produkty, występował w reklamach i często pojawiał się gościnnie w programach telewizyjnych i filmach (wystąpił m.in. w Love Boat i filmie Richarda Pryora Dynamite Chicken).

W tym względzie Warhol był fanem "Art Business" i "Business Art" - o swoim zainteresowaniu myśleniem o sztuce jako o biznesie pisał zresztą w The Philosophy of Andy Warhol from A to B and Back Again.

Filmy

Warhol wystąpił jako on sam w filmie Cocaine Cowboys (1979) oraz w filmie Tootsie (1982).

Po jego śmierci Warhol został sportretowany przez Crispina Glovera w filmie Olivera Stone'a The Doors (1991), przez Jareda Harrisa w filmie Mary Harron I Shot Andy Warhol (1996) oraz przez Davida Bowiego w filmie Juliana Schnabela Basquiat (1996). Bowie wspominał, jak spotkanie Warhola w prawdziwym życiu pomogło mu w roli i wspominał swoje wczesne spotkania z nim:

Spotkałam go kilka razy, ale rzadko dzieliliśmy się czymś więcej niż frazesami. Gdy widzieliśmy się po raz pierwszy, zapadła niezręczna cisza, dopóki nie zauważył moich jaskrawożółtych butów i nie zaczął mówić z entuzjazmem. Chciał być bardzo powierzchowny. I pozornie bez emocji, obojętny, jak martwa ryba. Najgłębiej opisał go Lou Reed, kiedy powiedział mi kiedyś, że powinni wprowadzić na rynek lalkę Andy'ego: lalkę, którą się nakręca i która nic nie robi. Ale udało mi się go dobrze zaobserwować i to była pomocna dłoń dla filmu Pożyczyliśmy jego ubrania z muzeum w Pittsburghu, a one były nienaruszone, niepoprzecierane. Nawet kieszenie nie były opróżnione: znajdował się w nich naleśnik, biały, śmiertelnie blady fond de teint, który Andy zawsze rozsmarowywał na twarzy, czek podarty na kawałki, czyjś adres, mnóstwo tabletek homeopatycznych i peruka. Andy zawsze nosił te srebrne peruki, ale nigdy nie przyznawał, że to peruki. Jeden z jego fryzjerów powiedział mi ostatnio, że miał swoje peruki regularnie przycinane, tak jakby to były prawdziwe włosy. Kiedy peruka była przycinana, w następnym miesiącu zakładał kolejną, jakby włosy mu urosły.

Warhol pojawia się jako postać w operze Michaela Daugherty'ego Jackie O (1997). Aktor Mark Bringleson robi krótkie cameo jako Warhol w Austin Powers: International Man of Mystery (1997). Wiele filmów awangardowego mistrza kina Jonasa Mekasa uchwyciło momenty z życia Warhola. Sean Gregory Sullivan przedstawił Warhola w filmie 54 (1998). Guy Pearce zagrał Warhola w filmie Factory Girl (2007) o życiu Edie Sedgwick. Aktor Greg Travis sportretował Warhola w krótkiej scenie z filmu Watchmen (2009).

W filmie Autostrada do piekła grupa Andy Warhols jest częścią Good Intentions Paving Company, gdzie dusze o dobrych intencjach są mielone na bruk. W filmie Faceci w czerni 3 (2012) Andy Warhol okazuje się być tak naprawdę tajnym agentem MIB W (w tej roli Bill Hader). Warhol wydaje przyjęcie w The Factory w 1969 roku, gdzie wypatrują go agenci MIB K i J (J z przyszłości). Agent W jest zdesperowany, by zakończyć swoją tajną pracę ("Jestem tak pozbawiony pomysłów, że maluję puszki po zupie i banany, na miłość boską!", "Musisz sfingować moją śmierć, ok? Nie mogę już słuchać muzyki sitaru" i "Nie potrafię odróżnić kobiet od mężczyzn").

Andy Warhol (portretowany przez Toma Meetena) jest jednym z głównych bohaterów brytyjskiego programu telewizyjnego z 2012 roku Noel Fielding's Luxury Comedy. Postać jest przedstawiona jako mająca maniery podobne do robotów. W filmie fabularnym z 2017 roku The Billionaire Boys Club Cary Elwes portretuje Warhola w filmie opartym na prawdziwej historii o Ronie Levinie (portretowanym przez Kevina Spacey) przyjacielu Warhola, który został zamordowany w 1986 roku. We wrześniu 2016 roku ogłoszono, że Jared Leto sportretuje tytułową postać w Warholu, nadchodzącym amerykańskim dramacie biograficznym wyprodukowanym przez Michaela De Lucę i napisanym przez Terence'a Wintera, opartym na książce Warhol: The Biography autorstwa Victora Bockrisa.

Filmy dokumentalne

Warhol pojawił się jako powracająca postać w serialu TV Vinyl, grany przez Johna Camerona Mitchella. Warhol został sportretowany przez Evana Petersa w American Horror Story: Cult odcinek "Valerie Solanas Died for Your Sins: Scumbag". Odcinek przedstawia próbę zamachu na Warhola przez Valerie Solanas (Lena Dunham).

Na początku 1969 roku Andy Warhol otrzymał od Braniff International zlecenie wystąpienia w dwóch reklamach telewizyjnych promujących kampanię luksusowych linii lotniczych "When You Got It - Flaunt It". Kampania została stworzona przez agencję reklamową Lois Holland Calloway, którą kierował George Lois, twórca słynnej serii okładek magazynu Esquire. Pierwsza seria reklam polegała na połączeniu w pary nieprawdopodobnych ludzi, których łączył fakt, że obaj latali Braniff Airways. Warhol został połączony z legendą boksu Sonny Listonem. Ta dziwna reklama zadziałała, tak samo jak inne, w których pojawili się nieprawdopodobni współpasażerowie, tacy jak malarz Salvador Dalí i legenda baseballu Whitey Ford.

Powstały dwie dodatkowe reklamy dla Braniff, w których znane osoby wchodziły do odrzutowca Braniff i były witane przez hostessę Braniff, a jednocześnie podkreślały, że lubią latać Braniffem. Warhol wystąpił również w pierwszej z tych reklam, która również została wyprodukowana przez Loisa i została wypuszczona latem 1969 roku. Lois błędnie stwierdził, że otrzymał zlecenie od Braniffa w 1967 roku na reprezentowanie go w tym roku, ale w tym czasie doyenne reklamowa Madison Avenue Mary Wells Lawrence, która była żoną prezesa i przewodniczącego Braniffa Hardinga Lawrence'a, reprezentowała przewoźnika z siedzibą w Dallas. Lois zastąpiła agencję Wells Rich Greene 1 grudnia 1968 roku. Prawa do filmów Warhola dla Braniff oraz podpisane przez niego umowy są własnością prywatnego trustu i są administrowane przez Braniff Airways Foundation w Dallas w Teksasie.

Muzyka

Warhol silnie wpłynął na nową falę

Książki

Biografia Andy'ego Warhola napisana przez krytyka sztuki Blake'a Gopnika została wydana w 2020 roku pod tytułem Warhol.

Źródła

1. Andy Warhol
2. Andy Warhol
3. ^ Metcalf, Stephen (December 6, 2018). "Andy Warhol, Cold and Mute, Is the Perfect Artist for Our Times". The Atlantic. ISSN 2151-9463. Retrieved April 1, 2024. He's now widely regarded as the most important artist of the second half of the 20th century.
4. ^ Acocella, Joan (June 1, 2020). "Untangling Andy Warhol". The New Yorker. ISSN 0028-792X. Retrieved April 1, 2024. There was no huger reputation than Warhol's in the art of the sixties, and in late-twentieth-century art there was no more important decade than the sixties. Much of the art that has followed, in the United States, is unthinkable without him (...)
5. ^ Trebay, Guy; La Ferla, Ruth (November 12, 2018). "Tales From the Warhol Factory – In each of three successive spaces called the Factory, Andy Warhol created movies, paintings, time capsules and psychosexual dramas with a half-life of many decades. Here his collaborators recall the places, the times and the man". The New York Times. Archived from the original on January 1, 2022. Retrieved November 13, 2018.
6. ^ Rosen, Miss (November 13, 2018). "Juicy Stories About What Andy Warhol Was Really Like – "Andy seemed to be floating through space. He had this magical energy and looked like nobody else."". Vice. Archived from the original on November 14, 2018. Retrieved November 13, 2018.
7. ^ a b Schaffner, Ingrid (1999). The Essential Andy Warhol. New York City: Harry N. Abrams. p. 79. ISBN 978-0-8109-5806-7.
8. In Warhol's Memory, Soup Cans And Coke Bottles : NPR. 6. August 2012, abgerufen am 22. September 2023.
9. Guiles, Fred Lawrence (1989). Loner at the ball: the life of Andy Warhol. Londres: Bantam Books. ISBN 0-593-01540-1. OCLC 19455278.
10. Bockris 1990, s. 14–17.