Streszczenie

Louise Joséphine Bourgeois (25 grudnia 1911 - 31 maja 2010) była francusko-amerykańską artystką. Chociaż jest najbardziej znana z rzeźby i instalacji na dużą skalę, Bourgeois była również płodną malarką i drukarką. W trakcie swojej długiej kariery eksplorowała wiele tematów, w tym domowość i rodzinę, seksualność i ciało, a także śmierć i nieświadomość. Tematy te łączą się z wydarzeniami z jej dzieciństwa, które uważała za proces terapeutyczny. Chociaż Bourgeois wystawiała z ekspresjonistami abstrakcyjnymi, a jej prace mają wiele wspólnego z surrealizmem i sztuką feministyczną, nie była formalnie związana z konkretnym ruchem artystycznym.

Wczesne życie

Bourgeois urodziła się 25 grudnia 1911 roku w Paryżu, we Francji. Była środkowym dzieckiem z trójki urodzonych rodziców Joséphine Fauriaux i Louisa Bourgeois. Jej rodzice posiadali galerię, która zajmowała się głównie antycznymi gobelinami. Kilka lat po jej narodzinach rodzina wyprowadziła się z Paryża i pod swoim mieszkaniem w Choisy-le-Roi założyła warsztat zajmujący się renowacją gobelinów, w którym Bourgeois uzupełniała wzory tam, gdzie uległy one zużyciu. Dolna część gobelinów była zawsze uszkodzona, co było zwykle wynikiem stóp postaci i łap zwierząt.

W 1930 roku Bourgeois wstąpiła na Sorbonę, aby studiować matematykę i geometrię, przedmioty, które ceniła za ich stabilność, mówiąc: "Uzyskałam spokój ducha, tylko dzięki studiowaniu zasad, których nikt nie mógł zmienić."

Jej matka zmarła w 1932 roku, podczas gdy Bourgeois studiowała matematykę. Śmierć matki zainspirowała ją do porzucenia matematyki i rozpoczęcia studiów artystycznych. Kontynuowała studia artystyczne, dołączając do zajęć, w których potrzebni byli tłumacze dla anglojęzycznych studentów, zwłaszcza że tłumacze nie byli obciążeni opłatą za naukę. W jednej z takich klas Fernand Léger zobaczył jej prace i powiedział jej, że jest rzeźbiarką, a nie malarką. Bourgeois podjęła pracę jako docent, prowadząc wycieczki w Musée du Louvre.

Bourgeois ukończyła studia na Sorbonie w 1935 roku. Studia artystyczne rozpoczęła w Paryżu, najpierw w École des Beaux-Arts i École du Louvre, a po 1932 roku w niezależnych akademiach Montparnasse i Montmartre, takich jak Académie Colarossi, Académie Ranson, Académie Julian, Académie de la Grande Chaumière oraz u André Lhote'a, Fernanda Légera, Paula Colina i Cassandre'a. Bourgeois miała pragnienie doświadczenia z pierwszej ręki i często odwiedzała pracownie w Paryżu, ucząc się technik od artystów i pomagając przy wystawach. Mówi się, że w latach 1934-1938 terminowała u niektórych tak zwanych "mistrzów" tamtych czasów, między innymi u Fernanda Légera, Paula Colina i André Lhote. Później jednak Bourgeois rozczarowała się koncepcją patriarchalnego geniuszu, który dominował w świecie sztuki, co było częściowo spowodowane odmową uznania kobiet przez tych mistrzów.

W 1938 roku otworzyła własną galerię w przestrzeni obok galerii gobelinów ojca, gdzie pokazała prace takich artystów jak Eugène Delacroix, Henri Matisse i Suzanne Valadon, i gdzie jako klient poznała odwiedzającego amerykańskiego profesora sztuki Roberta Goldwatera. Pobrali się i przenieśli do Stanów Zjednoczonych (jedno z nich zostało adoptowane. Małżeństwo trwało do śmierci Goldwatera w 1973 roku.

Bourgeois w 1938 roku wraz z mężem zamieszkała w Nowym Jorku. Kontynuowała naukę w Art Students League of New York, studiując malarstwo u Vaclava Vytlacila, a także tworząc rzeźby i grafiki. "Pierwszy obraz miał siatkę: siatka to bardzo spokojna rzecz, ponieważ nic nie może pójść źle (...) wszystko jest kompletne. Nie ma miejsca na niepokój ... wszystko ma swoje miejsce, wszystko jest mile widziane."

Bourgeois włączyła te autobiograficzne odniesienia do swojej rzeźby Quarantania I, wystawionej w Cullen Sculpture Garden w Museum of Fine Arts w Houston.

Średnie lata

Dla Bourgeois wczesne lata 40. oznaczały trudności związane z przejściem do nowego kraju i walką o wejście do świata wystaw w Nowym Jorku. Jej prace w tym czasie były konstruowane ze skrawków złomu i drewna dryfującego, które wykorzystywała do rzeźbienia pionowych rzeźb z drewna. Nieczystości drewna były następnie maskowane farbą, po czym gwoździem wymyślano dziury i zadrapania, starając się w ten sposób oddać jakieś emocje. Jednym z takich przykładów jest "Śpiąca postać" przedstawiająca postać wojenną, która z powodu bezbronności nie jest w stanie stawić czoła realnemu światu. Przez całe życie prace Bourgeois powstawały w wyniku powrotu do jej własnej, trudnej przeszłości, kiedy to znajdowała inspirację i chwilowe katharsis w latach dzieciństwa i znęcania się nad nią przez ojca. Powoli nabierała artystycznej pewności siebie, choć jej środkowe lata są bardziej nieprzejrzyste, co może wynikać z faktu, że mimo pierwszej indywidualnej wystawy w 1945 r., świat sztuki poświęcił jej bardzo mało uwagi. W 1951 roku zmarł jej ojciec, a ona sama stała się obywatelką amerykańską.

W 1945 roku Bourgeois znalazła się na wystawie czternastu kobiet artystów w Peggy Guggenheim's Art of This Century, trafnie zatytułowanej "The Women". Podczas gdy ta wystawa stymulowała debatę na temat miejsca kobiet artystów w świecie sztuki, definiowała je również jako odrębne od ich kanonizowanych męskich odpowiedników i wzmacniała szkodliwe pojęcie uniwersalnie kobiecego doświadczenia. Komentując swój odbiór jako kobiety-artystki w latach czterdziestych, Bourgeois powiedziała, że "nie wie, czym jest sztuka tworzona przez kobietę.... Nie ma kobiecego doświadczenia w sztuce, przynajmniej nie w moim przypadku, ponieważ nie tylko będąc kobietą ma się inne doświadczenie."

W 1954 roku Bourgeois dołączyła do American Abstract Artists Group, z kilkoma współczesnymi, wśród których byli Barnett Newman i Ad Reinhardt. W tym czasie zaprzyjaźniła się również z artystami Willem de Kooningiem, Markiem Rothko i Jacksonem Pollockiem. W ramach grupy American Abstract Artists, Bourgeois przeszła od drewna i pionowych konstrukcji do marmuru, gipsu i brązu, badając takie kwestie jak strach, wrażliwość i utrata kontroli. To przejście było punktem zwrotnym. Określiła swoją sztukę jako serię lub sekwencję ściśle związaną z dniami i okolicznościami, opisując swoje wczesne prace jako strach przed upadkiem, który później przekształcił się w sztukę upadku, a ostateczną ewolucję jako sztukę wiszenia tam. Konflikty w prawdziwym życiu upoważniły ją do uwierzytelnienia swoich doświadczeń i zmagań poprzez unikalną formę sztuki. W 1958 roku Bourgeois wraz z mężem przeprowadziła się do szeregowego domu przy West 20th Street, w Chelsea na Manhattanie, gdzie mieszkała i pracowała do końca życia.

Mimo, że odrzucała myśl, że jej sztuka jest feministyczna, tematem Bourgeois była kobieta. Prace takie jak Femme Maison (1946-1947), Autoportret z torsem (1963-1964) i Łuk histerii (1993) przedstawiają kobiece ciało. Pod koniec lat 60. jej obrazy stały się bardziej jednoznacznie seksualne, ponieważ badała relacje między mężczyznami i kobietami oraz emocjonalny wpływ swojego trudnego dzieciństwa. Seksualne rzeźby takie jak Janus Fleuri (1968) pokazują, że nie bała się używać kobiecej formy w nowy sposób. Stwierdziła: "Moje prace zajmują się problemami, które są przed płcią" - pisała. "Na przykład zazdrość nie jest męska ani kobieca". Wraz z powstaniem feminizmu jej prace znalazły szerszą publiczność. Pomimo tego zapewnienia, w 1976 roku Femme Maison znalazła się na okładce książki Lucy Lippard From the Center: Feminist Essays on Women's Art i stała się ikoną ruchu sztuki feministycznej.

Późniejsze życie

W 1973 roku Bourgeois rozpoczęła nauczanie w Pratt Institute, Cooper Union, Brooklyn College i New York Studio School of Drawing, Painting and Sculpture. Od 1974 do 1977 roku Bourgeois pracowała w School of Visual Arts w Nowym Jorku, gdzie uczyła grafiki i rzeźby. Przez wiele lat uczyła również w szkołach publicznych w Great Neck na Long Island.

Na początku lat 70. Bourgeois organizowała w swoim domu w Chelsea spotkania pod nazwą "Sunday, bloody Sundays". Salony te wypełniały się młodymi artystami i studentami, których prace były krytykowane przez Bourgeois. Bezwzględność Bourgeois w krytyce i jej suche poczucie humoru doprowadziły do nazwania tych spotkań. Bourgeois zainspirowała wielu młodych studentów do tworzenia sztuki o charakterze feministycznym. Jednak wieloletni przyjaciel i asystent Louise, Jerry Gorovoy, stwierdził, że Louise uważała swoją własną twórczość za "pre-gender".

Bourgeois sprzymierzyła się z aktywistami i została członkiem Fight Censorship Group, feministycznego kolektywu antycenzuralnego założonego przez koleżankę artystkę Anitę Steckel. W latach 70. grupa broniła używania seksualnych obrazów w dziełach sztuki. Steckel argumentowała: "Jeśli wzniesiony penis nie jest wystarczająco zdrowy, by trafić do muzeów, nie powinien być uznany za wystarczająco zdrowy, by trafić do kobiet."

W 1978 roku Bourgeois otrzymała zlecenie od General Services Administration na stworzenie Facets of the Sun, jej pierwszej publicznej rzeźby. Praca została zainstalowana na zewnątrz budynku federalnego w Manchesterze, New Hampshire. Pierwsza retrospektywa Bourgeois miała miejsce w 1982 roku w Museum of Modern Art w Nowym Jorku. Do tego czasu była postacią marginalną w sztuce, której prace były bardziej podziwiane niż doceniane. W wywiadzie dla Artforum, który zbiegł się z otwarciem jej retrospektywy, ujawniła, że obrazy w jej rzeźbach są całkowicie autobiograficzne. Podzieliła się ze światem tym, że poprzez swoją sztukę obsesyjnie przeżywała traumę związaną z odkryciem w dzieciństwie, że jej angielska guwernantka była jednocześnie kochanką jej ojca.

W latach 1984-1986 Bourgeois stworzyła serię rzeźb pod tytułem Studium natury, która kontynuowała jej życiowe zaangażowanie w podważanie patriarchalnych standardów i tradycyjnych metod postrzegania kobiecości w sztuce.

W 1989 roku Bourgeois wykonała suchą akwafortę Mud Lane, przedstawiającą dom, który prowadziła w Stapleton na Staten Island, a który traktowała raczej jako środowisko rzeźbiarskie niż przestrzeń mieszkalną.

Kolejną retrospektywę Bourgeois miał w 1989 roku na Documenta 9 w Kassel w Niemczech. W 1993 roku, kiedy Królewska Akademia Sztuk Pięknych wystawiła obszerny przegląd sztuki amerykańskiej w XX wieku, organizatorzy nie uznali prac Bourgeois za istotne, by włączyć je do badania. Jednak badanie to zostało skrytykowane za wiele pominięć, jeden z krytyków napisał, że "całe sekcje najlepszej amerykańskiej sztuki zostały wymazane" i wskazał, że bardzo niewiele kobiet zostało uwzględnionych. W 2000 roku jej prace zostały wybrane do pokazania na otwarciu Tate Modern w Londynie. W 2001 roku pokazała w Muzeum Ermitażu.

W 2010 roku, w ostatnim roku życia, Bourgeois wykorzystała swoją sztukę, aby opowiedzieć się za równością lesbijek, gejów, osób biseksualnych i transseksualnych (LGBT). Stworzyła pracę I Do, przedstawiającą dwa kwiaty wyrastające z jednej łodygi, na rzecz organizacji non-profit Freedom to Marry. Bourgeois powiedziała: "Każdy powinien mieć prawo do małżeństwa. Podjęcie zobowiązania do kochania kogoś na zawsze jest piękną rzeczą." Bourgeois miał historię aktywizmu na rzecz równości LGBT, stworzył prace plastyczne dla organizacji ACT UP działającej na rzecz AIDS w 1993 roku.

Śmierć

Bourgeois zmarła na niewydolność serca 31 maja 2010 roku w Beth Israel Medical Center na Manhattanie. O jej śmierci poinformowała Wendy Williams, dyrektor zarządzająca Louise Bourgeois Studio. Do śmierci kontynuowała tworzenie dzieł sztuki, jej ostatnie prace zostały ukończone tydzień wcześniej.

The New York Times powiedział, że jej prace "dzieliły zestaw powtarzających się tematów, skupionych na ludzkim ciele i jego potrzebie pielęgnowania i ochrony w przerażającym świecie."

Jej mąż, Robert Goldwater, zmarł w 1973 roku. Przeżyło ją dwóch synów, Alain Bourgeois i Jean-Louis Bourgeois. Jej pierwszy syn, Michel, zmarł w 1990 roku.

Femme Maison

Femme Maison (1946-47) to seria obrazów, w których Bourgeois bada związek kobiety z domem. W pracach tych głowy kobiet zostały zastąpione domami, izolując ich ciała od świata zewnętrznego i utrzymując ich umysły w domowym zaciszu. Motyw ten idzie w parze z dehumanizacją sztuki nowoczesnej.

Zniszczenie Ojca

Destruction of the Father (1974) to biograficzna i psychologiczna eksploracja dominacji władzy ojca i jego potomstwa. Praca jest utrzymaną w cielistych barwach instalacją w miękkim i przypominającym łono matki pomieszczeniu. Wykonana z gipsu, lateksu, drewna, tkaniny i czerwonego światła Destruction of the Father była pierwszą pracą, w której artystka użyła miękkich materiałów na dużą skalę. Po wejściu do instalacji widz staje w miejscu, w którym dokonano zbrodni. Ustawione w stylizowanej jadalni (z podwójnym oddziaływaniem sypialni), abstrakcyjne, przypominające kleksy dzieci nadmiernie surowego ojca zbuntowały się, zamordowały i zjadły go.

...opowiadając zniewolonej publiczności o tym, jaki jest wspaniały, o wszystkich wspaniałych rzeczach, które zrobił, o wszystkich złych ludziach, których dziś odstawił. Ale to trwa dzień po dniu. W powietrzu czuć tragedię. Raz za często powiedział już swoje. Jest nieznośnie dominujący, choć pewnie sam nie zdaje sobie z tego sprawy. Rośnie w nim jakaś niechęć i pewnego dnia z bratem uznaliśmy, że "nadszedł czas!". Złapaliśmy go, położyliśmy na stole i przy pomocy naszych noży dokonaliśmy sekcji. Rozebraliśmy go na części, odcięliśmy mu penisa. I stał się jedzeniem. Zjedliśmy go... został zlikwidowany tak samo jak dzieci.

Egzorcyzm w sztuce

W 1982 roku w The Museum of Modern Art w Nowym Jorku wystawiono prace nieznanej artystki, Louise Bourgeois. Miała 70 lat i była artystką mieszanych mediów, która pracowała na papierze oraz z metalem, marmurem i kośćmi szkieletów zwierząt. Traumy rodzinne z dzieciństwa "wyhodowały egzorcyzm w sztuce", a ona sama desperacko próbowała oczyścić swój niepokój poprzez twórczość. Czuła, że może dotknąć kwestii kobiecej tożsamości, ciała i rozbitej rodziny na długo przed tym, jak świat sztuki i społeczeństwo uznały je za tematy do wyrażenia w sztuce. To był sposób Bourgeois na odnalezienie swojego centrum i ustabilizowanie emocjonalnych niepokojów. The New York Times powiedział wtedy, że "jej prace są naładowane czułością i przemocą, akceptacją i buntem, ambiwalencją i przekonaniem."

Komórki

Po osiemdziesiątce Bourgeois stworzyła dwie serie zamkniętych instalacji, które nazwała Komórkami. Wiele z nich to małe obudowy, w których widz jest zachęcany do zaglądania do środka, gdzie znajdują się symboliczne obiekty; inne to małe pokoje, do których widz jest zapraszany. W pracach typu cell Bourgeois wykorzystuje wcześniejsze formy rzeźbiarskie, obiekty znalezione, a także przedmioty osobiste, które niosły ze sobą silny ładunek emocjonalny dla artystki.

Komórki zamykają w sobie stany psychiczne i intelektualne, przede wszystkim uczucia strachu i bólu. Bourgeois stwierdził, że Komórki reprezentują "różne rodzaje bólu; fizyczny, emocjonalny i psychiczny, umysłowy i intelektualny ... Każda Komórka zajmuje się strachem. Strach jest bólem ... Każda Komórka zajmuje się przyjemnością podglądacza, dreszczykiem emocji związanym z patrzeniem i byciem podglądanym."

Maman

Pod koniec lat 90. Bourgeois zaczęła używać pająka jako centralnego obrazu w swojej sztuce. Maman, która ma ponad dziewięć metrów wysokości, jest rzeźbą ze stali i marmuru, z której następnie odlano sześć brązów. Po raz pierwszy pojawiła się jako część zamówienia Bourgeois na The Unilever Series dla Tate Modern's Turbine Hall w 2000 roku, a ostatnio rzeźba została zainstalowana w Qatar National Convention Centre w Doha, Katar. Jej największa rzeźba pająka zatytułowana Maman stoi na wysokości ponad 30 stóp (9,1 m) i została zainstalowana w wielu miejscach na całym świecie. Jest to największa rzeźba pająka wykonana kiedykolwiek przez Bourgeois. Ponadto Maman nawiązuje do siły matki, z metaforami przędzenia, tkania, pielęgnowania i ochrony. Powszechność motywu pająka w jej pracach dała początek jej przydomkowi jako Spiderwoman.

Pająk jest odą do mojej matki. Była moją najlepszą przyjaciółką. Podobnie jak pająk, moja matka była tkaczką. Moja rodzina zajmowała się renowacją gobelinów, a moja matka kierowała warsztatem. Podobnie jak pająki, moja matka była bardzo sprytna. Pająki to przyjazne istoty, które zjadają komary. Wiemy, że komary roznoszą choroby i dlatego są niepożądane. Tak więc pająki są pomocne i ochronne, tak jak moja mama.

Maisons fragiles

Maisons fragiles Bourgeois

Drukarnia

Rozkwit grafiki Bourgeois przypada na wczesną i późną fazę jej kariery: w latach 30. i 40. XX wieku, kiedy po raz pierwszy przyjechała z Paryża do Nowego Jorku, a następnie od lat 80. XX wieku, kiedy jej twórczość zaczęła zdobywać szerokie uznanie. Na początku wykonywała odbitki w domu na małej prasie lub w renomowanej pracowni Atelier 17. Po tym okresie nastąpiła długa przerwa, gdyż Bourgeois w pełni poświęciła się rzeźbie. Dopiero po siedemdziesiątce, zachęcona najpierw przez wydawców, zaczęła ponownie wykonywać odbitki. Uruchomiła swoją starą prasę i dodała drugą, jednocześnie ściśle współpracując z drukarzami, którzy przychodzili do niej do domu. W ten sposób nastąpiła bardzo aktywna faza twórczości graficznej, która trwała aż do śmierci artystki. W ciągu swojego życia Bourgeois stworzyła około 1500 drukowanych kompozycji.

W 1990 roku Bourgeois zdecydowała się przekazać kompletne archiwum swoich drukowanych prac do The Museum of Modern Art. W 2013 roku Muzeum uruchomiło internetowy katalog raisonné, "Louise Bourgeois: The Complete Prints & Books". Strona koncentruje się na procesie twórczym artystki i umieszcza grafiki i książki ilustrowane Bourgeois w kontekście jej ogólnej produkcji poprzez włączenie powiązanych prac w innych mediach, które dotyczą tych samych tematów i obrazów.

Tematy

Jednym z tematów prac Bourgeois jest trauma z dzieciństwa i ukryte emocje. Po tym, jak matka Louise zachorowała na grypę, ojciec Louise zaczął mieć romanse z innymi kobietami, przede wszystkim z Sadie, nauczycielką angielskiego Louise. Przyprowadzał do domu kochanki i był niewierny na oczach całej rodziny. Louise była niezwykle czujna i świadoma tej sytuacji. Był to początek zaangażowania artystki w problem podwójnych standardów związanych z płcią i seksualnością, który znalazł wyraz w wielu jej pracach. Wspomina, jak jej ojciec wielokrotnie mówił "kocham cię" do jej matki, pomimo niewierności. "On był wilkiem, a ona racjonalnym zającem, wybaczającym i akceptującym go takim, jakim był". Jej praca Cell: You Better Grow Up z 1993 roku, należąca do serii Cell, mówi bezpośrednio o traumie z dzieciństwa Louise i niepewności, która ją otaczała. Give or Take z 2002 roku jest zdefiniowane przez ukryte emocje, reprezentując intensywny dylemat, przed którym ludzie stają przez całe życie, próbując zrównoważyć działania polegające na dawaniu i braniu. Ten dylemat jest reprezentowany nie tylko przez kształt rzeźby, ale także przez ciężar materiału, z którego została wykonana.

Macierzyństwo to kolejny powracający motyw w twórczości Bourgeois. To jej matka zachęciła Bourgeois do rysowania i zaangażowała ją w biznes gobelinowy. Bourgeois uważała swoją matkę za intelektualistkę i metodyczną; powtarzający się w jej pracach motyw pająka często reprezentuje jej matkę. Koncepcja pająka, który przędzie i tka swoją sieć, jest bezpośrednim odniesieniem do biznesu gobelinowego jej rodziców i może być również postrzegana jako metafora jej matki, która naprawia rzeczy.

Bourgeois badała koncepcję kobiecości poprzez kwestionowanie patriarchalnych standardów i tworzenie dzieł o macierzyństwie, a nie pokazywanie kobiet jako muz czy ideałów. Została opisana jako "niechętny bohater sztuki feministycznej". Louise Bourgeois miała feministyczne podejście do swojej twórczości, podobne do takich artystek jak Agnes Martin i Eva Hesse, mniej kierowała się polityką, ale raczej tworzyła prace, które czerpały z ich doświadczeń związanych z płcią i seksualnością, naturalnie angażując się w kwestie kobiece.

Architektura i pamięć to ważne elementy twórczości Bourgeois. Prace Bourgeois mają bardzo organiczny, biologiczny, reprodukcyjny charakter; zwracają uwagę na samą pracę. Louise opisuje architekturę jako wizualną ekspresję pamięci lub pamięć jako rodzaj architektury. Pamięć, która pojawia się w wielu jej pracach, to pamięć wymyślona - o śmierci lub egzorcyzmach jej ojca. Wyobrażone wspomnienie przeplata się z rzeczywistymi wspomnieniami, takimi jak mieszkanie naprzeciwko rzeźni i romans ojca. Dla Louise jej ojciec był symbolem krzywdy i wojny, wywyższania siebie i umniejszania innych, a przede wszystkim mężczyzną, który reprezentował zdradę. Jej praca z 1993 roku Cell (Three White Marble Spheres) mówi o strachu i niewoli. Znajdujące się w niej lustra przedstawiają zmienioną i zniekształconą rzeczywistość.

Seksualność jest niewątpliwie jednym z najważniejszych tematów w twórczości Louise Bourgeois. Silny jest również związek między seksualnością a kruchością czy niepewnością. Twierdzi się, że wynika to ze wspomnień z dzieciństwa i romansów jej ojca. Spiral Woman z 1952 roku łączy w sobie skupienie Louise na kobiecej seksualności i torturach. Napinające się mięśnie nóg i ramion wskazują, że Kobieta Spiralna jest wciąż ponad, choć jest duszona i wieszana. In and Out z 1995 roku wykorzystuje zimne metalowe materiały, aby połączyć seksualność z gniewem, a może nawet z niewolą.

Spirala w jej pracach pokazuje niebezpieczne poszukiwanie niepewnej równowagi, bezwypadkowej trwałej zmiany, nieładu, zawrotu głowy, wiru. Tam leży to, co jednocześnie pozytywne i negatywne, przyszłość i przeszłość, rozpad i powrót, nadzieja i próżność, plan i pamięć.

Twórczość Louise Bourgeois zasilana jest wyznaniami, autoportretami, wspomnieniami, fantazjami niespokojnej istoty, która poprzez swoją rzeźbę szuka spokoju i porządku, którego brakowało jej w dzieciństwie.

Współpraca

Współpraca ta trwała dwa lata z brytyjską artystką Tracey Emin. Praca została wystawiona w Londynie kilka miesięcy po śmierci Bourgeois w 2010 roku. Tematyka składa się z obrazów męskich i kobiecych. Choć wydają się one seksualne, przedstawiają maleńką postać kobiecą oddającą hołd olbrzymiej postaci męskiej, niczym Bogu. Louise Bourgeois wykonała akwarele, a Tracey Emin rysunek na górze. Emin potrzebowała dwóch lat, aby zdecydować, co wniesie do współpracy. Kiedy już wiedziała co robić, skończyła wszystkie rysunki w jeden dzień i uważa, że każdy z nich wyszedł idealnie. I Lost You jest o utracie dzieci, utracie życia. Bourgeois musiała pochować swojego syna jako rodzic. Porzucenie dla niej to nie tylko utrata matki, ale i syna. Mimo różnicy wieku między obiema artystkami i różnic w ich twórczości, współpraca układała się delikatnie i łatwo.

Bibliografia

Do ważniejszych zbiorów jej prac należą.

Przez cały okres swojej kariery Bourgeois znała wielu swoich głównych kolekcjonerów, takich jak Ginny Williams, Agnes Gund, Ydessa Hendeles i Ursula Hauser. Inne prywatne kolekcje z godnymi uwagi dziełami Bourgeois to kolekcja Goetz w Monachium.

Bourgeois rozpoczęła współpracę z galerzystką Paule Anglim w San Francisco w 1987 roku, Karstenem Greve w Paryżu w 1990 roku i Hauser & Wirth w 1997 roku. Hauser & Wirth jest główną galerią dla jej majątku. Inne, takie jak Kukje Gallery w Seulu i Xavier Hufkens w Brukseli, nadal zajmują się jej pracami.

W 2011 roku jedna z prac Bourgeois, zatytułowana Pająk, sprzedała się za 10,7 mln dolarów, co było nową rekordową ceną dla artystki na aukcji i najwyższą ceną zapłaconą wówczas za dzieło kobiety. Pod koniec 2015 roku dzieło to sprzedało się na innej aukcji Christie's za 28,2 mln dolarów.

Louise Bourgeois w The Museum of Fine Arts, Houston: https:

Źródła

1. Louise Bourgeois
2. Louise Bourgeois
3. ^ Christiane., Weidemann (2008). 50 women artists you should know. Larass, Petra., Klier, Melanie, 1970–. Munich: Prestel. ISBN 978-3-7913-3956-6. OCLC 195744889.
4. ^ "The Spider's Web". The New Yorker. 28 January 2002. Retrieved 4 February 2002.
5. ^ a b c d McNay, Michael (31 May 2010). "Louise Bourgeois obituary". The Guardian. London. Retrieved 12 June 2010.
6. ^ Greenberg, J (2003) Runaway Girl: The Artist Louise Bourgeois. Harry N. Abrams, Inc p. 30. ISBN 978-0-8109-4237-0
7. ^ (fr) Xavier Girard, Louise Bourgeois face à face, Seuil, 2016, p 27
8. Elle a acquis la nationalité américaine en 1955[3]
9. https://www.findagrave.com/cgi-bin/fg.cgi?page=gr&GRid=53102684
10. «Louise Bourgeois, 1911-2010». theartnewspaper. 4 de junio de 2010. Archivado desde el original el 14 de julio de 2014. Consultado el 8 de julio de 2014.
11. «Maman». Collections. The National Gallery of Canada. Archivado desde el original el 4 de marzo de 2017. Consultado el 21 de enero de 2014.
12. a b c http://fiches.lexpress.fr/personnalite/louise-bourgeois_268971/biographie
13. Louise Bourgeois – Video bei Youtube (französisch)
14. Andrea Schweers: Louise Bourgeois. In: FemBio – Frauen Biografieforschung. Abgerufen am 18. Juni 2018.
15. Rachel Cooke: She'll put a spell on you. In: The Guardian. 14. Oktober 2007. (englisch)
16. a b Elke von Radziewsky: Die alte Dame als Folterknecht. In: Die Zeit. Nr. 38, 1994. „Die Kestnergesellschaft in Hannover zeigt das Werk der amerikanischen Bildhauerin Louise Bourgeois.“