Riassunto

Eugène Henri Paul Gauguin (7 giugno 1848 - 8 maggio 1903) è stato un artista francese post-impressionista. Poco apprezzato fino alla sua morte, Gauguin è oggi riconosciuto per il suo uso sperimentale del colore e per il suo stile sintetico che si distingueva dall'Impressionismo. Verso la fine della sua vita, trascorse dieci anni nella Polinesia francese. I dipinti di questo periodo raffigurano persone o paesaggi di quella regione.

Il suo lavoro ha influenzato l'avanguardia francese e molti artisti moderni, come Pablo Picasso e Henri Matisse, ed è ben noto per il suo rapporto con Vincent e Theo van Gogh. L'arte di Gauguin divenne popolare dopo la sua morte, in parte grazie agli sforzi del mercante Ambroise Vollard, che organizzò mostre del suo lavoro alla fine della sua carriera e contribuì all'organizzazione di due importanti mostre postume a Parigi.

Gauguin fu una figura importante del movimento simbolista come pittore, scultore, stampatore, ceramista e scrittore. La sua espressione del significato intrinseco dei soggetti nei suoi dipinti, sotto l'influenza dello stile cloisonnista, ha aperto la strada al Primitivismo e al ritorno alla pastorale. Fu anche un influente praticante dell'incisione su legno e della xilografia come forme d'arte.

Storia familiare e primi anni di vita

Gauguin nasce a Parigi da Clovis Gauguin e Aline Chazal il 7 giugno 1848, nell'anno dei moti rivoluzionari in tutta Europa. Il padre, un giornalista liberale di 34 anni proveniente da una famiglia di imprenditori di Orléans, fu costretto a fuggire dalla Francia quando il giornale per cui scriveva fu soppresso dalle autorità francesi. La madre di Gauguin era la figlia ventiduenne di André Chazal, incisore, e Flora Tristan, scrittrice e attivista dei primi movimenti socialisti. La loro unione terminò quando André aggredì la moglie Flora e fu condannato alla prigione per tentato omicidio.

La nonna materna di Paul Gauguin, Flora Tristan, era la figlia illegittima di Thérèse Laisnay e Don Mariano de Tristan Moscoso. Non si conoscono i dettagli della famiglia di Thérèse; Don Mariano proveniva da una famiglia aristocratica spagnola della città peruviana di Arequipa. Era un ufficiale dei Dragoni. I membri della ricca famiglia Tristan Moscoso occupavano posizioni di potere in Perù. Tuttavia, la morte inaspettata di Don Mariano gettò nella povertà la sua amante e figlia Flora. Quando il matrimonio con André fallì, Flora chiese e ottenne un piccolo risarcimento in denaro dai parenti peruviani del padre. Salpò per il Perù nella speranza di accrescere la sua parte di patrimonio della famiglia Tristan Moscoso. Questo non si concretizzò mai, ma pubblicò con successo un popolare diario di viaggio delle sue esperienze in Perù che lanciò la sua carriera letteraria nel 1838. Sostenitrice attiva delle prime società socialiste, la nonna materna di Gauguin contribuì a gettare le basi dei movimenti rivoluzionari del 1848. Messa sotto sorveglianza dalla polizia francese e sofferente per il troppo lavoro, morì nel 1844. Suo nipote Paul "idolatrava la nonna e tenne con sé copie dei suoi libri fino alla fine della sua vita".

Nel 1850 Clovis Gauguin partì per il Perù con la moglie Aline e i figli piccoli, nella speranza di continuare la sua carriera giornalistica sotto gli auspici delle relazioni sudamericane della moglie. Morì per un attacco di cuore durante il viaggio e Aline arrivò in Perù da vedova con il piccolo Paul di 18 mesi e la sorella Marie di 21 anni. La madre di Gauguin fu accolta dal nonno paterno, il cui genero, José Rufino Echenique, avrebbe assunto di lì a poco la presidenza del Perù. Fino all'età di sei anni, Paul godette di un'educazione privilegiata, assistito da bambinaie e servitori. Di quel periodo dell'infanzia conserva un ricordo vivido, che gli ha trasmesso "impressioni indelebili sul Perù, che lo hanno perseguitato per il resto della sua vita".

L'infanzia idilliaca di Gauguin terminò bruscamente quando i suoi mentori di famiglia caddero dal potere politico durante i conflitti civili peruviani nel 1854. Aline torna in Francia con i figli, lasciando Paul con il nonno paterno, Guillaume Gauguin, a Orléans. Privata dal clan peruviano dei Tristan Moscoso di una generosa rendita disposta dal nonno, Aline si stabilisce a Parigi per lavorare come sarta.

Istruzione e primo lavoro

Dopo aver frequentato un paio di scuole locali, Gauguin fu mandato al prestigioso collegio cattolico Petit Séminaire de La Chapelle-Saint-Mesmin. Trascorre tre anni in questa scuola. All'età di quattordici anni entra all'Istituto Loriol di Parigi, una scuola di preparazione alla marina, prima di tornare a Orléans per frequentare l'ultimo anno al Lycée Jeanne D'Arc. Gauguin si arruola come assistente pilota nella marina mercantile. Tre anni dopo si arruolò nella marina francese, dove prestò servizio per due anni. La madre morì il 7 luglio 1867, ma lui lo seppe solo dopo alcuni mesi, quando una lettera della sorella Marie lo raggiunse in India.

Nel 1871, Gauguin torna a Parigi dove trova lavoro come agente di cambio. Un amico di famiglia, Gustave Arosa, gli procura un lavoro alla Borsa di Parigi; Gauguin ha 23 anni. Divenne un uomo d'affari parigino di successo e lo rimase per i successivi 11 anni. Nel 1879 guadagnava 30.000 franchi all'anno (circa 145.000 dollari del 2019) come agente di cambio e altrettanti ne guadagnava con il mercato dell'arte. Ma nel 1882 il mercato azionario di Parigi crollò e il mercato dell'arte si contrasse. I guadagni di Gauguin si deteriorarono notevolmente e alla fine decise di dedicarsi alla pittura a tempo pieno.

Il matrimonio

Nel 1873 sposò una donna danese, Mette-Sophie Gad (Clovis) e Paul Rollon (1883-1961). Nel 1884 Gauguin si trasferisce con la famiglia a Copenaghen, in Danimarca, dove intraprende una carriera commerciale come venditore di teloni. Non fu un successo: Non sapeva parlare il danese e i danesi non volevano i teloni francesi. Mette divenne la principale fonte di sostentamento, dando lezioni di francese a diplomatici in formazione.

La sua famiglia borghese e il suo matrimonio andarono in frantumi dopo 11 anni, quando Gauguin fu spinto a dipingere a tempo pieno. Tornò a Parigi nel 1885, dopo che la moglie e la sua famiglia gli chiesero di andarsene perché aveva rinunciato ai valori che condividevano. L'ultimo contatto fisico di Gauguin con loro risale al 1891, mentre Mette rompe definitivamente con lui nel 1894.

Primi dipinti

Nel 1873, nel periodo in cui diventa agente di cambio, Gauguin inizia a dipingere nel tempo libero. La sua vita parigina si concentra nel 9° arrondissement di Parigi. Gauguin abitava al 15 di rue la Bruyère. Nelle vicinanze si trovavano i caffè frequentati dagli impressionisti. Gauguin visitava spesso le gallerie e acquistava opere di artisti emergenti. Stringe amicizia con Camille Pissarro, al quale fa visita la domenica per dipingere nel suo giardino. Pissarro gli fa conoscere diversi altri artisti. Nel 1877 Gauguin "si trasferisce al di sotto del mercato e dall'altra parte del fiume, nei quartieri più poveri, nuovi e urbani" di Vaugirard. Qui, al terzo piano dell'8 di rue Carcel, ebbe la sua prima casa con uno studio.

Il suo caro amico Émile Schuffenecker, un ex agente di cambio che aspirava anch'egli a diventare un artista, viveva nelle vicinanze. Gauguin partecipa alle mostre impressioniste del 1881 e del 1882 (in precedenza, una scultura del figlio Émile era stata l'unica scultura della quarta mostra impressionista del 1879). I suoi dipinti ricevettero recensioni negative, anche se alcuni di essi, come I giardini del mercato di Vaugirard, sono oggi molto apprezzati.

Nel 1882, il mercato azionario crolla e il mercato dell'arte si contrae. Paul Durand-Ruel, il principale mercante d'arte degli impressionisti, fu particolarmente colpito dal crollo e per un certo periodo smise di acquistare quadri da pittori come Gauguin. I guadagni di Gauguin subirono una forte contrazione e nei due anni successivi egli formulò lentamente il progetto di diventare un artista a tempo pieno. Nelle due estati successive dipinge con Pissarro e occasionalmente con Paul Cézanne.

Nell'ottobre del 1883 scrive a Pissarro dicendo che ha deciso di vivere di pittura a tutti i costi e chiede il suo aiuto, che Pissarro in un primo momento fornisce prontamente. Nel gennaio successivo, Gauguin si trasferisce con la famiglia a Rouen, dove si può vivere in modo più economico e dove pensa di aver intravisto delle opportunità visitando Pissarro l'estate precedente. Tuttavia, l'impresa si rivelò infruttuosa e alla fine dell'anno Mette e i figli si trasferirono a Copenaghen, dove Gauguin li seguì poco dopo, nel novembre 1884, portando con sé la sua collezione d'arte, che in seguito rimase a Copenaghen.

La vita a Copenaghen si rivela altrettanto difficile e il loro matrimonio diventa sempre più difficile. Su sollecitazione di Mette, sostenuta dalla famiglia, Gauguin tornò a Parigi l'anno successivo.

Francia 1885-1886

Gauguin torna a Parigi nel giugno del 1885, accompagnato dal figlio Clovis di sei anni. Gli altri figli rimasero con Mette a Copenaghen, dove ebbero il sostegno di parenti e amici, mentre Mette stessa riuscì a trovare lavoro come traduttrice e insegnante di francese. Gauguin trovò inizialmente difficoltà a rientrare nel mondo dell'arte a Parigi e trascorse il suo primo inverno di ritorno in vera povertà, costretto ad accettare una serie di lavori umili. Alla fine Clovis si ammala e viene mandato in un collegio, finanziato dalla sorella di Gauguin, Marie. Durante questo primo anno, Gauguin produsse pochissima arte. Espone diciannove dipinti e un rilievo su legno all'ottava (e ultima) mostra degli impressionisti nel maggio 1886.

La maggior parte di questi dipinti erano opere precedenti di Rouen o Copenaghen e non c'era nulla di veramente nuovo nei pochi nuovi dipinti, anche se il suo Baigneuses à Dieppe ("Donne che fanno il bagno") introdusse quello che sarebbe diventato un motivo ricorrente, la donna tra le onde. Tuttavia, Félix Bracquemond acquistò uno dei suoi dipinti. Questa mostra consacrò anche Georges Seurat come leader del movimento d'avanguardia a Parigi. Gauguin rifiuta sprezzantemente la tecnica neoimpressionista puntinista di Seurat e più tardi, nel corso dell'anno, rompe decisamente con Pissarro, che da quel momento in poi sarà piuttosto antagonista di Gauguin.

Gauguin trascorse l'estate del 1886 nella colonia di artisti di Pont-Aven, in Bretagna. L'attrazione era dovuta in primo luogo al fatto che era economico vivere lì. Tuttavia, riscuote un successo inaspettato tra i giovani studenti d'arte che affollano la colonia durante l'estate. Il suo temperamento naturalmente pugilistico (era un pugile e uno schermidore provetto) non era un ostacolo nella località balneare socialmente rilassata. In quel periodo fu ricordato tanto per il suo aspetto stravagante quanto per la sua arte. Tra i nuovi soci c'è Charles Laval, che l'anno successivo accompagnerà Gauguin a Panama e in Martinica.

Quell'estate esegue alcuni disegni a pastello di figure nude alla maniera di Pissarro e di Degas esposti all'ottava mostra impressionista del 1886. Dipinge soprattutto paesaggi, come La Bergère Bretonne ("La pastorella bretone"), in cui la figura ha un ruolo subordinato. Il suo Jeunes Bretons au bain ("Giovani ragazzi bretoni che fanno il bagno"), che introduce un tema a cui ritorna ogni volta che visita Pont-Aven, è chiaramente debitore di Degas nel disegno e nell'uso audace del colore puro. I disegni naif dell'illustratore inglese Randolph Caldecott, utilizzati per illustrare una popolare guida sulla Bretagna, avevano catturato l'immaginazione degli studenti artisti d'avanguardia di Pont-Aven, ansiosi di liberarsi dal conservatorismo delle loro accademie, e Gauguin li imitò consapevolmente nei suoi schizzi di ragazze bretoni. Questi schizzi furono poi elaborati in dipinti nel suo studio parigino. Il più importante di questi è Quattro donne bretoni, che mostra un netto distacco dal suo precedente stile impressionista e incorpora qualcosa della qualità ingenua dell'illustrazione di Caldecott, esagerando i tratti fino alla caricatura.

Gauguin, insieme a Émile Bernard, Charles Laval, Émile Schuffenecker e molti altri, rivisitò Pont-Aven dopo i suoi viaggi a Panama e in Martinica. L'uso audace del colore puro e la scelta simbolista dei soggetti contraddistinguono quella che oggi viene chiamata Scuola di Pont-Aven. Deluso dall'Impressionismo, Gauguin riteneva che la pittura tradizionale europea fosse diventata troppo imitativa e priva di profondità simbolica. Al contrario, l'arte dell'Africa e dell'Asia gli sembrava piena di simbolismo e vigore mistico. All'epoca in Europa c'era una moda per l'arte di altre culture, soprattutto quella giapponese (giapponismo). Fu invitato a partecipare all'esposizione del 1889 organizzata da Les XX.

Cloisonnismo e sintetismo

Sotto l'influenza dell'arte popolare e delle stampe giapponesi, l'opera di Gauguin si evolse verso il cloisonnismo, uno stile a cui il critico Édouard Dujardin diede il nome per descrivere il metodo di Émile Bernard di dipingere con aree piatte di colore e contorni decisi, che ricordava a Dujardin la tecnica medievale della smaltatura cloisonné. Gauguin apprezzava molto l'arte di Bernard e la sua audacia nell'impiego di uno stile che si adattava a Gauguin nella sua ricerca di esprimere l'essenza degli oggetti nella sua arte.

Ne Il Cristo giallo (1889) di Gauguin, spesso citato come opera cloisonnista per eccellenza, l'immagine era ridotta ad aree di colore puro separate da pesanti contorni neri. In queste opere Gauguin presta poca attenzione alla prospettiva classica ed elimina audacemente le sottili gradazioni di colore, rinunciando così ai due principi più caratteristici della pittura post-rinascimentale. In seguito la sua pittura si evolse verso il sintetismo, in cui né la forma né il colore predominano, ma ciascuno ha un ruolo paritario.

Canale di Panama

Nel 1887, Gauguin lasciò la Francia insieme al suo amico, un altro giovane pittore, Charles Laval. Il suo sogno era quello di acquistare una terra tutta sua sulla piccola isola panamense di Taboga, dove dichiarò di voler vivere "di pesce e frutta e per niente... senza ansia per il giorno o per l'indomani". Quando raggiunse la città portuale di Colón, Gauguin non aveva più soldi e trovò lavoro come operaio nella costruzione francese del Canale di Panama. Durante questo periodo, Gauguin scrisse delle lettere alla moglie Mette, lamentando le dure condizioni di lavoro: "Devo scavare... dalle cinque e mezza del mattino alle sei di sera, sotto il sole tropicale e la pioggia", scrive. "Di notte sono divorato dalle zanzare". Nel frattempo, Laval si guadagnava da vivere disegnando ritratti di funzionari del canale, un lavoro che Gauguin detestava perché solo i ritratti fatti in modo osceno avrebbero venduto.

Gauguin nutriva un profondo disprezzo per Panama e a un certo punto fu arrestato a Panama City per aver urinato in pubblico. Portato in giro per la città sotto la minaccia di una pistola, Gauguin fu condannato a pagare una multa di quattro franchi. Dopo aver scoperto che la terra di Taboga aveva un prezzo decisamente fuori portata (e dopo essersi ammalato mortalmente sull'isola, dove fu poi internato in un sanatorio per la febbre gialla e la malaria),

Martinica

Più tardi, nello stesso anno, Gauguin e Laval trascorrono il periodo da giugno a novembre vicino a Saint-Pierre, sull'isola caraibica della Martinica, una colonia francese. I suoi pensieri e le sue esperienze durante questo periodo sono riportati nelle lettere alla moglie e all'amico artista Emile Schuffenecker. All'epoca, la Francia aveva una politica di rimpatrio in base alla quale se un cittadino si fosse trovato in difficoltà o fosse rimasto bloccato in una colonia francese, lo Stato avrebbe pagato il viaggio di ritorno in barca. Una volta lasciata Panama, protetti dalla politica di rimpatrio, Gauguin e Laval decisero di sbarcare nel porto martinicano di Saint-Pierre. Gli studiosi non sono d'accordo se Gauguin decise intenzionalmente o spontaneamente di rimanere sull'isola.

All'inizio, la "capanna negra" in cui vivevano gli andava bene e si divertiva a osservare le persone nelle loro attività quotidiane. Tuttavia, in estate il clima era caldo e la capanna perdeva sotto la pioggia. Gauguin soffrì anche di dissenteria e febbre palustre. Durante il soggiorno in Martinica realizzò tra le 10 e le 20 opere (12 sono le stime più comuni), viaggiò molto e pare che entrò in contatto con una piccola comunità di immigrati indiani; un contatto che in seguito avrebbe influenzato la sua arte attraverso l'incorporazione di simboli indiani. Durante il suo soggiorno, anche lo scrittore Lafcadio Hearn si trovava sull'isola. Il suo racconto fornisce un confronto storico per accompagnare le immagini di Gauguin.

Durante il suo soggiorno in Martinica, Gauguin realizzò 11 dipinti noti, molti dei quali sembrano provenire dalla sua capanna. Le sue lettere a Schuffenecker esprimono un'eccitazione per il luogo esotico e gli indigeni rappresentati nei suoi dipinti. Gauguin affermava che quattro dei suoi dipinti sull'isola erano migliori degli altri. L'insieme delle opere è costituito da scene figurative all'aperto dai colori vivaci e dalla pittura sciolta. Anche se il periodo trascorso sull'isola fu breve, fu sicuramente influente. Riciclò alcune delle sue figure e dei suoi schizzi in dipinti successivi, come il motivo di Among the Mangoes che viene replicato sui suoi ventagli. Le popolazioni rurali e indigene rimasero un soggetto popolare nelle opere di Gauguin anche dopo la sua partenza dall'isola.

Vincent e Theo van Gogh

I dipinti di Gauguin in Martinica furono esposti nella galleria del suo mercante di colori Arsène Poitier. Lì furono visti e ammirati da Vincent van Gogh e da suo fratello Theo, mercante d'arte, la cui ditta Goupil & Cie aveva rapporti con Portier. Theo acquistò tre quadri di Gauguin per 900 franchi e fece in modo che venissero appesi da Goupil, facendo così conoscere Gauguin a clienti facoltosi. Questo accordo con Goupil's continuò anche dopo la morte di Theo nel 1891. Allo stesso tempo, Vincent e Gauguin divennero amici intimi (da parte di Vincent si trattava di qualcosa di simile all'adulazione) e si scambiavano corrispondenza sull'arte, una corrispondenza che fu determinante per Gauguin nel formulare la sua filosofia dell'arte.

Nel 1888, su istigazione di Theo, Gauguin e Vincent trascorsero nove settimane a dipingere insieme nella Casa Gialla di Vincent ad Arles, nel sud della Francia. Il rapporto di Gauguin con Vincent si rivelò difficile. Il loro rapporto si deteriorò e alla fine Gauguin decise di andarsene. La sera del 23 dicembre 1888, secondo un racconto molto più recente di Gauguin, Vincent affrontò Gauguin con un rasoio. Più tardi, la sera stessa, si tagliò l'orecchio sinistro. Avvolse il tessuto reciso in un giornale e lo consegnò a una donna che lavorava in un bordello che Gauguin e Vincent avevano visitato, chiedendole di "conservare con cura questo oggetto, in ricordo di me". Vincent fu ricoverato in ospedale il giorno seguente e Gauguin lasciò Arles. I due non si rividero più, ma continuarono a corrispondere e nel 1890 Gauguin arrivò a proporre loro di formare uno studio d'artista ad Anversa. Un autoritratto scultoreo del 1889, Brocca in forma di testa, sembra fare riferimento alla relazione traumatica di Gauguin con Vincent.

In seguito Gauguin affermò di aver influenzato in modo determinante lo sviluppo di Vincent van Gogh come pittore ad Arles. Anche se Vincent sperimentò per breve tempo la teoria di Gauguin di "dipingere dall'immaginazione" in quadri come Ricordo del giardino di Etten, non gli piacque e tornò rapidamente a dipingere dalla natura.

Edgar Degas

Sebbene Gauguin abbia compiuto alcuni dei suoi primi passi nel mondo dell'arte sotto la guida di Pissarro, Edgar Degas è stato l'artista contemporaneo più ammirato da Gauguin e ha esercitato una grande influenza sul suo lavoro fin dall'inizio, con le sue figure e i suoi interni, nonché con un medaglione intagliato e dipinto della cantante Valérie Roumi. Aveva una profonda venerazione per la dignità artistica e il tatto di Degas. È stata l'amicizia più sana e duratura di Gauguin, che ha attraversato tutta la sua carriera artistica fino alla morte.

Oltre a essere stato uno dei suoi primi sostenitori, acquistando anche opere di Gauguin e convincendo il mercante Paul Durand-Ruel a fare lo stesso, non c'è mai stato un sostegno pubblico per Gauguin più incrollabile di quello di Degas. Gauguin acquistò anche opere di Degas all'inizio e alla metà degli anni Settanta del XIX secolo e la sua predilezione per la monotipia fu probabilmente influenzata dai progressi di Degas in questo campo.

La mostra Durand-Ruel di Gauguin del novembre 1893, organizzata principalmente da Degas, ricevette recensioni contrastanti. Tra gli schernitori c'erano Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir e l'ex amico Pissarro. Degas, tuttavia, lodò il suo lavoro, acquistando Te faaturuma e ammirando la sontuosità esotica del folklore evocato da Gauguin. Per riconoscenza, Gauguin regalò a Degas La luna e la terra, uno dei dipinti esposti che aveva suscitato le critiche più ostili. L'ultima tela di Gauguin, Cavalieri sulla spiaggia (in due versioni), ricorda i quadri di cavalli di Degas iniziati negli anni Sessanta dell'Ottocento, in particolare Ippodromo e Prima della corsa, a testimonianza dell'effetto duraturo su Gauguin. In seguito, Degas acquistò due dipinti all'asta di Gauguin del 1895 per raccogliere fondi per il suo ultimo viaggio a Tahiti. Si tratta di Vahine no te vi (Donna con mango) e della versione che Gauguin dipinse dell'Olympia di Manet.

Prima visita a Tahiti

Nel 1890, Gauguin aveva concepito il progetto di fare di Tahiti la sua prossima destinazione artistica. Un'asta di successo di dipinti a Parigi, all'Hôtel Drouot, nel febbraio 1891, insieme ad altri eventi come un banchetto e un concerto di beneficenza, fornì i fondi necessari. L'asta era stata notevolmente favorita da una lusinghiera recensione di Octave Mirbeau, corteggiato da Gauguin attraverso Camille Pissarro. Dopo aver visitato la moglie e i figli a Copenaghen, per quella che si rivelò essere l'ultima volta, Gauguin salpò per Tahiti il 1° aprile 1891, promettendo di tornare ricco e di ricominciare da capo. Il suo intento dichiarato era quello di sfuggire alla civiltà europea e a "tutto ciò che è artificiale e convenzionale". Tuttavia, si preoccupò di portare con sé una collezione di stimoli visivi sotto forma di fotografie, disegni e stampe.

Trascorse i primi tre mesi a Papeete, capitale della colonia e già molto influenzata dalla cultura francese ed europea. La sua biografa Belinda Thomson osserva che la sua visione di un idillio primitivo deve averlo deluso. A Papeete non poteva permettersi uno stile di vita all'insegna del piacere e un primo tentativo di ritratto, Suzanne Bambridge, non fu apprezzato. Decise quindi di aprire il suo studio a Mataiea, Papeari, a circa 45 chilometri da Papeete, installandosi in una capanna di bambù in stile nativo. Qui realizzò dipinti raffiguranti la vita tahitiana come Fatata te Miti (In riva al mare) e Ia Orana Maria (Ave Maria), quest'ultimo diventato il suo dipinto tahitiano più apprezzato.

Molti dei suoi dipinti più belli risalgono a questo periodo. Si pensa che il suo primo ritratto di una modella tahitiana sia Vahine no te tiare (Donna con fiore). Il dipinto è notevole per la cura con cui delinea i tratti polinesiani. Il pittore inviò il dipinto al suo mecenate George-Daniel de Monfreid, amico di Schuffenecker, che sarebbe diventato l'affezionato sostenitore di Gauguin a Tahiti. Alla fine dell'estate del 1892 il dipinto viene esposto nella galleria di Goupil a Parigi. La storica dell'arte Nancy Mowll Mathews ritiene che l'incontro di Gauguin con la sensualità esotica di Tahiti, così evidente nel dipinto, sia stato di gran lunga l'aspetto più importante del suo soggiorno.

A Gauguin furono prestate copie del Voyage aux îles du Grand Océan di Jacques-Antoine Moerenhout del 1837 e dell'État de la société tahitienne à l'arrivée des Européens di Edmond de Bovis del 1855, contenenti resoconti completi della cultura e della religione dimenticate di Tahiti. Gauguin rimase affascinato dai racconti sulla società Arioi e sul loro dio 'Oro. Poiché questi racconti non contenevano illustrazioni e i modelli tahitiani erano comunque scomparsi da tempo, Gauguin poté dare libero sfogo alla sua immaginazione. Nel corso dell'anno successivo realizzò una ventina di dipinti e una dozzina di sculture in legno. Il primo di questi è Te aa no areois (Il seme degli Areoi), che rappresenta la moglie terrestre di Oro, Vairaumati, ora conservato al Metropolitan Museum of Art. Il suo taccuino illustrato dell'epoca, Ancien Culte Mahorie , è conservato al Louvre ed è stato pubblicato in facsimile nel 1951.

In tutto, Gauguin inviò nove dei suoi dipinti a Monfreid a Parigi. Questi furono infine esposti a Copenaghen in una mostra congiunta con il defunto Vincent van Gogh. I resoconti di una buona accoglienza (anche se in realtà solo due dei dipinti di Tahiti furono venduti e i suoi primi quadri furono paragonati sfavorevolmente a quelli di van Gogh) furono sufficientemente incoraggianti da indurre Gauguin a pensare di tornare con una settantina di altri dipinti che aveva completato. In ogni caso, aveva ampiamente esaurito i fondi e dipendeva da una sovvenzione statale per un passaggio gratuito a casa. Inoltre, il medico locale gli aveva diagnosticato alcuni problemi di salute come problemi cardiaci, che secondo Mathews potevano essere i primi segni di sifilide cardiovascolare.

Gauguin scrisse in seguito un diario di viaggio (pubblicato per la prima volta nel 1901) intitolato Noa Noa , originariamente concepito come commento ai suoi dipinti e che descriveva le sue esperienze a Tahiti. I critici moderni hanno suggerito che il contenuto del libro fosse in parte fantasticato e plagiato. In esso rivela di aver preso in moglie una tredicenne nativa o vahine (la parola tahitiana per "donna"), un matrimonio contratto nel corso di un solo pomeriggio. Si tratta di Teha'amana, chiamata Tehura nel diario di viaggio, che rimase incinta di lui alla fine dell'estate del 1892. Teha'amana è il soggetto di diversi dipinti di Gauguin, tra cui Merahi metua no Tehamana e il celebre Spirito dei morti che vegliano, oltre a una notevole scultura in legno Tehura oggi conservata al Museo d'Orsay. Alla fine di luglio del 1893, Gauguin decise di lasciare Tahiti e non avrebbe più rivisto né Teha'amana né il figlio, anche dopo essere tornato sull'isola diversi anni dopo. Un catalogo ragionato digitale dei dipinti di questo periodo è stato pubblicato dall'Istituto Wildenstein Plattner nel 2021.

Ritorno in Francia

Nell'agosto del 1893, Gauguin torna in Francia, dove continua a eseguire quadri di soggetto tahitiano come Mahana no atua (Giorno del dio) e Nave nave moe (Primavera sacra, sogni d'oro). Una mostra alla galleria Durand-Ruel nel novembre 1894 riscuote un discreto successo, vendendo a prezzi piuttosto elevati undici dei quaranta dipinti esposti. Al 6 di rue Vercingétorix, ai margini del quartiere di Montparnasse, frequentato da artisti, allestisce un appartamento e inizia a tenere un salotto settimanale. Si presenta come un personaggio esotico, vestendo abiti polinesiani e intrattenendo una relazione pubblica con una giovane donna ancora adolescente, "mezza indiana e mezza malese", nota come Annah la giavanese.

Nonostante il moderato successo della mostra di novembre, l'artista perse successivamente il patrocinio di Durand-Ruel in circostanze non chiare. Mathews definisce questo fatto una tragedia per la carriera di Gauguin. Tra l'altro, perse la possibilità di introdursi nel mercato americano. All'inizio del 1894 Gauguin prepara le xilografie, utilizzando una tecnica sperimentale, per il suo progetto di diario di viaggio Noa Noa. Torna a Pont-Aven per l'estate. Nel febbraio 1895 tenta un'asta dei suoi dipinti all'Hôtel Drouot di Parigi, simile a quella del 1891, ma non ha successo. Il mercante Ambroise Vollard, tuttavia, espone i suoi dipinti nella sua galleria nel marzo del 1895, ma purtroppo in quella data i due non si accordano.

Alla Société Nationale des Beaux-Arts del 1895, che si apre in aprile, presenta una grande scultura in ceramica, chiamata Oviri, che aveva cotto l'inverno precedente. Ci sono versioni contrastanti su come fu accolta: il suo biografo e collaboratore di Noa Noa, il poeta simbolista Charles Morice , sostenne (1920) che l'opera fu "letteralmente espulsa" dalla mostra, mentre Vollard affermò (1937) che l'opera fu ammessa solo quando Chaplet minacciò di ritirare tutte le sue opere. In ogni caso, Gauguin colse l'occasione per aumentare la sua esposizione pubblica scrivendo a Le Soir una lettera indignata sullo stato della ceramica moderna.

A quel punto era ormai chiaro che lui e la moglie Mette erano irrevocabilmente separati. Sebbene ci fossero state speranze di una riconciliazione, i due avevano rapidamente litigato per questioni di denaro e nessuno dei due si recava in visita all'altro. Gauguin inizialmente rifiutò di condividere una parte dell'eredità di 13.000 franchi dello zio Isidore, di cui era entrato in possesso poco dopo il suo ritorno. Alla fine Mette ricevette 1.500 franchi, ma si indignò e da quel momento in poi si tenne in contatto con lui solo attraverso Schuffenecker: un'esperienza doppiamente dolorosa per Gauguin, poiché l'amico sapeva la vera portata del suo tradimento.

A metà del 1895 i tentativi di raccogliere fondi per il ritorno di Gauguin a Tahiti erano falliti ed egli iniziò ad accettare la carità dagli amici. Nel giugno del 1895 Eugène Carrière organizzò un passaggio economico per tornare a Tahiti e Gauguin non vide più l'Europa.

Residenza a Tahiti

Gauguin riparte per Tahiti il 28 giugno 1895. Il suo ritorno è caratterizzato da Thomson come essenzialmente negativo, la sua disillusione nei confronti della scena artistica parigina è aggravata da due attacchi a lui rivolti nello stesso numero del Mercure de France: uno da Emile Bernard, l'altro da Camille Mauclair. Mathews osserva che il suo isolamento a Parigi era diventato così amaro che non aveva altra scelta che cercare di recuperare il suo posto nella società di Tahiti.

Arrivò nel settembre del 1895 e trascorse i sei anni successivi vivendo, per la maggior parte, una vita apparentemente confortevole come artista-colono vicino a Papeete, o talvolta a Papeete. Durante questo periodo riuscì a mantenersi grazie a un flusso sempre più costante di vendite e al sostegno di amici e benefattori, anche se ci fu un periodo, tra il 1898 e il 1899, in cui si sentì costretto ad accettare un lavoro d'ufficio a Papeete, di cui non ci sono molte testimonianze. Costruì una spaziosa casa di canne e paglia a Puna'auia, in una zona benestante a dieci miglia a est di Papeete, abitata da famiglie ricche, nella quale installò un grande studio, senza badare a spese. Jules Agostini, conoscente di Gauguin e abile fotografo dilettante, fotografò la casa nel 1896. In seguito, una vendita di terreni lo costrinse a costruirne una nuova nello stesso quartiere.

Mantenendo un cavallo e una trappola, era in grado di recarsi quotidianamente a Papeete per partecipare alla vita sociale della colonia, se lo desiderava. Si abbonò al Mercure de France (ne era infatti azionista), all'epoca la più importante rivista critica francese, e mantenne un'attiva corrispondenza con colleghi artisti, mercanti, critici e mecenati a Parigi. Durante il suo anno di permanenza a Papeete e in seguito, svolse un ruolo sempre più importante nella politica locale, contribuendo in modo incisivo a un giornale locale di opposizione al governo coloniale, Les Guêpes (Le Vespe), che era stato recentemente fondato, e infine curando la propria pubblicazione mensile Le Sourire: Journal sérieux (Il sorriso: giornale serio), in seguito intitolato semplicemente Journal méchant (giornale malvagio). Del suo giornale sopravvive una certa quantità di opere d'arte e di xilografie. Nel febbraio 1900 divenne redattore di Les Guêpes, per il quale percepiva uno stipendio, e continuò ad esserlo fino a quando lasciò Tahiti nel settembre 1901. Il giornale sotto la sua direzione era noto per i suoi attacchi scurrili al governatore e all'amministrazione in generale, ma non era in realtà un campione delle cause indigene, anche se veniva comunque percepito come tale.

Almeno per il primo anno non realizzò alcun dipinto, informando Monfreid che intendeva concentrarsi d'ora in poi sulla scultura. Di questo periodo sopravvivono poche sculture in legno, la maggior parte delle quali raccolte da Monfreid. Thomson cita Oyez Hui Iesu (Cristo in croce), un cilindro di legno alto mezzo metro (20") che presenta un curioso ibrido di motivi religiosi. Il cilindro potrebbe essere stato ispirato da sculture simboliche simili in Bretagna, come a Pleumeur-Bodou, dove antichi menhir sono stati cristianizzati da artigiani locali. Quando riprese a dipingere, fu per continuare la sua lunga serie di nudi a sfondo sessuale in quadri come Te tamari no atua (Figlio di Dio) e O Taiti (Mai più). Thomson osserva una progressione nella complessità. Mathews nota un ritorno al simbolismo cristiano che lo avrebbe avvicinato ai coloni dell'epoca, ora ansiosi di preservare ciò che restava della cultura nativa sottolineando l'universalità dei principi religiosi. In questi dipinti, Gauguin si rivolgeva a un pubblico di coloni a Papeete, non al suo vecchio pubblico d'avanguardia a Parigi.

La sua salute peggiora decisamente e viene ricoverato più volte per diversi disturbi. Mentre si trovava in Francia, si ruppe la caviglia in una rissa tra ubriachi durante una visita al mare a Concarneau. La ferita, una frattura aperta, non è mai guarita correttamente. A quel punto cominciarono a spuntare su e giù per le gambe piaghe dolorose e debilitanti che gli limitavano i movimenti. Furono curate con l'arsenico. Gauguin diede la colpa al clima tropicale e descrisse le piaghe come "eczema", ma i suoi biografi concordano sul fatto che doveva trattarsi del progredire della sifilide.

Nell'aprile del 1897, ricevette la notizia che la sua figlia prediletta Aline era morta di polmonite. Questo è anche il mese in cui viene a sapere che deve lasciare la sua casa perché il terreno è stato venduto. Accese un prestito bancario per costruire una casa in legno molto più stravagante, con una splendida vista sulle montagne e sul mare. Ma si è spinto troppo oltre e alla fine dell'anno si è trovato di fronte alla concreta prospettiva che la banca lo pignorasse. La salute cagionevole e i debiti pressanti lo portarono sull'orlo della disperazione. Alla fine dell'anno completò il suo monumentale Where Do We Come From? Cosa siamo? Dove andiamo?, che considera il suo capolavoro e il suo ultimo testamento artistico (in una lettera a Monfreid spiega di aver tentato il suicidio dopo averlo terminato). Il dipinto fu esposto alla galleria Vollard nel novembre dell'anno successivo, insieme a otto quadri tematici che aveva completato nel mese di luglio. Questa è la sua prima grande mostra a Parigi dopo quella di Durand-Ruel del 1893 e riscuote un deciso successo, con la critica che elogia la sua nuova serenità. Da dove veniamo, tuttavia, ricevette recensioni contrastanti e Vollard ebbe difficoltà a venderlo. Alla fine la vendette nel 1901 per 2.500 franchi (circa 10.000 dollari americani del 2000) a Gabriel Frizeau, la cui commissione per Vollard fu forse di 500 franchi.

Georges Chaudet, il mercante parigino di Gauguin, muore nell'autunno del 1899. Vollard aveva acquistato i dipinti di Gauguin tramite Chaudet e ora stipulò un accordo con Gauguin direttamente. L'accordo prevedeva per Gauguin un regolare anticipo mensile di 300 franchi a fronte di un acquisto garantito di almeno 25 dipinti inediti all'anno a 200 franchi l'uno, e inoltre Vollard si impegnava a fornirgli il materiale artistico. Ci furono alcuni problemi iniziali da entrambe le parti, ma Gauguin fu finalmente in grado di realizzare il suo progetto a lungo coltivato di stabilirsi nelle Isole Marchesi alla ricerca di una società ancora più primitiva. Trascorse i suoi ultimi mesi a Tahiti vivendo in un notevole benessere, come testimonia la liberalità con cui intratteneva i suoi amici in quel periodo.

Gauguin non poté continuare a lavorare sulla ceramica nelle isole per il semplice motivo che non era disponibile l'argilla adatta. Allo stesso modo, non avendo accesso a una macchina da stampa (Le Sourire era ettografato), fu costretto a ricorrere al processo di monotipia nella sua opera grafica. Gli esemplari sopravvissuti di queste stampe sono piuttosto rari e hanno prezzi molto alti in sala d'asta.

Durante questo periodo Gauguin mantenne una relazione con Pahura (Pau'ura) una Tai, figlia di vicini di casa a Puna'auia. Gauguin iniziò questa relazione quando Pau'ura aveva quattordici anni e mezzo. Con lei ebbe due figli, di cui una figlia morì in tenera età. L'altro, un maschio, lo allevò lei stessa. I suoi discendenti abitavano ancora a Tahiti all'epoca della biografia di Mathews. Pahura si rifiutò di accompagnare Gauguin nelle Marchesi lontano dalla sua famiglia a Puna'auia (in precedenza lo aveva lasciato quando lui aveva accettato di lavorare a Papeete, a sole 10 miglia di distanza). Quando lo scrittore inglese Willam Somerset Maugham le fece visita nel 1917, non poté offrirgli alcun ricordo utile di Gauguin e lo rimproverò per averla visitata senza aver portato del denaro dalla famiglia di Gauguin.

Isole Marchesi

Gauguin aveva coltivato il progetto di stabilirsi nelle Marchesi fin da quando, durante i suoi primi mesi di permanenza a Tahiti, aveva visto a Papeete una collezione di ciotole e armi marchesi intricatamente intagliate. Tuttavia, trovò una società che, come a Tahiti, aveva perso la propria identità culturale. Di tutti i gruppi insulari del Pacifico, le Marchesi furono le più colpite dall'importazione di malattie occidentali (soprattutto la tubercolosi). Una popolazione del XVIII secolo di circa 80.000 abitanti era scesa a soli 4.000. I missionari cattolici mantenevano il potere e, nel tentativo di controllare l'ubriachezza e la promiscuità, obbligavano tutti i bambini nativi a frequentare le scuole missionarie fino all'adolescenza. Il dominio coloniale francese era applicato da una gendarmeria nota per la sua cattiveria e stupidità, mentre i commercianti, sia occidentali che cinesi, sfruttavano i nativi in modo spaventoso.

Gauguin si stabilì ad Atuona, sull'isola di Hiva-Oa, dove arrivò il 16 settembre 1901. Questa era la capitale amministrativa del gruppo di isole, ma notevolmente meno sviluppata di Papeete, sebbene vi fosse un efficiente e regolare servizio di vaporetti tra le due. C'era un medico militare ma non un ospedale. Il medico fu trasferito a Papeete nel febbraio successivo e da allora Gauguin dovette affidarsi ai due operatori sanitari dell'isola, l'esule vietnamita Nguyen Van Cam (Ky Dong), che si era stabilito sull'isola ma non aveva una formazione medica formale, e il pastore protestante Paul Vernier, che aveva studiato medicina oltre che teologia. Entrambi sarebbero diventati amici intimi.

Acquistò dalla missione cattolica un appezzamento di terreno nel centro della città, dopo essersi prima ingraziato il vescovo locale frequentando regolarmente la messa. Questo vescovo era Monseigneur Joseph Martin, inizialmente ben disposto nei confronti di Gauguin perché era a conoscenza del fatto che Gauguin si era schierato con il partito cattolico a Tahiti nel suo giornalismo.

Gauguin costruì sul suo terreno una casa a due piani, abbastanza robusta da sopravvivere a un successivo ciclone che spazzò via la maggior parte delle altre abitazioni della città. Fu aiutato dai due migliori falegnami marchesi dell'isola, uno dei quali si chiamava Tioka, tatuato dalla testa ai piedi secondo la tradizione marchesiana (una tradizione soppressa dai missionari). Tioka era diacono nella congregazione di Vernier e divenne vicino di casa di Gauguin dopo il ciclone, quando Gauguin gli donò un angolo del suo terreno. Il piano terra era all'aperto e veniva utilizzato per pranzare e vivere, mentre il piano superiore era utilizzato per dormire e come studio. La porta dell'ultimo piano era decorata con un architrave e stipiti intagliati in legno policromo che si conservano ancora nei musei. L'architrave indicava la casa come Maison du Jouir (cioè Casa del piacere), mentre gli stipiti riprendevano la sua precedente incisione su legno del 1889 Soyez amoureuses vous serez heureuses (cioè Siate innamorati, sarete felici). Le pareti erano decorate, tra l'altro, con la sua preziosa collezione di quarantacinque fotografie pornografiche acquistate a Port Said durante il viaggio di ritorno dalla Francia.

Almeno nei primi tempi, fino a quando Gauguin non trovò una vahine, la sera la casa attirava folle di apprezzatori tra gli indigeni, che venivano a guardare i quadri e a festeggiare per mezza notte. Inutile dire che tutto ciò non fece piacere a Gauguin, tanto meno quando Gauguin eresse due sculture ai piedi dei suoi gradini che prendevano in giro il vescovo e una serva che si riteneva fosse l'amante del vescovo, e ancora meno quando Gauguin attaccò in seguito l'impopolare sistema scolastico missionario. La scultura del vescovo, Père Paillard, si trova alla National Gallery of Art di Washington, mentre il suo pendant Thérèse ha realizzato la cifra record di 30.965.000 dollari per una scultura di Gauguin all'asta di Christie's a New York nel 2015. Queste erano tra le almeno otto sculture che adornavano la casa secondo un inventario postumo, la maggior parte delle quali è oggi perduta. Insieme rappresentavano un attacco molto pubblico all'ipocrisia della Chiesa in materia sessuale.

I finanziamenti statali alle scuole missionarie erano cessati in seguito alla legge sulle associazioni del 1901 promulgata in tutto l'impero francese. Le scuole continuarono con difficoltà ad essere istituti privati, ma le difficoltà si aggravarono quando Gauguin stabilì che la frequenza di una determinata scuola era obbligatoria solo all'interno di un bacino di utenza di circa due miglia e mezzo di raggio. Questo portò al ritiro di numerose figlie adolescenti dalle scuole (Gauguin chiamò questo processo "salvataggio"). Egli prese come vahine una di queste ragazze, Vaeoho (chiamata anche Marie-Rose), la figlia quattordicenne di una coppia di nativi che viveva in una valle adiacente a sei miglia di distanza. Per lei non fu certo un compito piacevole, dato che le piaghe di Gauguin erano ormai estremamente nocive e richiedevano medicazioni quotidiane. Tuttavia, visse volentieri con lui e l'anno successivo diede alla luce una figlia sana i cui discendenti continuano a vivere sull'isola.

A novembre si era stabilito nella sua nuova casa con Vaeoho, un cuoco (Kahui), altri due domestici (nipoti di Tioka), il suo cane, Pegau (un gioco di parole con le sue iniziali PG), e un gatto. La casa, pur essendo nel centro della città, era immersa tra gli alberi e isolata dalla vista. Le feste cessarono ed egli iniziò un periodo di lavoro produttivo, inviando venti tele a Vollard nell'aprile successivo. Pensando di trovare nuovi motivi nelle Marchesi, scrive a Monfreid:

Penso che nelle Marchesi, dove è facile trovare modelli (cosa sempre più difficile a Tahiti), e con un nuovo paese da esplorare - con nuovi e più selvaggi soggetti in breve - farò cose bellissime. Qui la mia immaginazione ha cominciato a raffreddarsi, e poi anche il pubblico si è abituato a Tahiti. Il mondo è così stupido che se gli si mostrano tele con elementi nuovi e terribili, Tahiti diventa comprensibile e affascinante. I miei quadri della Bretagna sono ora all'acqua di rose grazie a Tahiti; Tahiti diventerà acqua di Colonia grazie alle Marchesi.

In effetti, la maggior parte delle sue opere nelle Marchesi possono essere distinte da quelle di Tahiti solo da esperti o dalla loro datazione, mentre dipinti come Due donne rimangono incerti nella loro collocazione. Per Anna Szech, ciò che li distingue è il loro riposo e la loro malinconia, anche se contengono elementi di inquietudine. Così, nella seconda delle due versioni di Cavaliers sur la Plage (Cavalieri sulla spiaggia), le nuvole che si addensano e i frangenti spumeggianti suggeriscono un'imminente tempesta, mentre le due figure lontane su cavalli grigi riecheggiano figure simili in altri dipinti, che sono considerate un simbolo di morte.

In questo periodo Gauguin sceglie di dipingere paesaggi, nature morte e studi di figure, con un occhio di riguardo alla clientela di Vollard, evitando i temi primitivi e di paradiso perduto dei suoi dipinti di Tahiti. Ma c'è un trio significativo di quadri di quest'ultimo periodo che suggeriscono preoccupazioni più profonde. I primi due sono Jeune fille à l'éventail (Giovane ragazza con ventaglio) e Le Sorcier d'Hiva Oa (Uomo marchesiano con mantello rosso). La modella di Jeune fille era la rossa Tohotaua, figlia di un capo tribù di un'isola vicina. Il ritratto sembra essere stato tratto da una fotografia che Vernier inviò successivamente a Vollard. La modella per Le sorcier potrebbe essere stata Haapuani, un'abile danzatrice nonché temuta maga, amica intima di Gauguin e, secondo Danielsson, sposata con Tohotau. Szech osserva che il colore bianco dell'abito di Tohotau è un simbolo di potere e di morte nella cultura polinesiana, in quanto il personaggio che siede compie il suo dovere per una cultura Maohi minacciata di estinzione. Le Sorcier sembra essere stato eseguito nello stesso periodo e raffigura un giovane dai capelli lunghi che indossa un esotico mantello rosso. La natura androgina dell'immagine ha attirato l'attenzione della critica, facendo ipotizzare che Gauguin intendesse raffigurare un māhū (cioè una persona di terzo sesso) piuttosto che un taua o un sacerdote. Il terzo quadro del trio è il misterioso e bellissimo Contes barbares (Racconti primitivi) con Tohotau di nuovo a destra. La figura di sinistra è Jacob Meyer de Haan, un pittore amico di Gauguin dai tempi di Pont-Aven, morto pochi anni prima, mentre la figura centrale è di nuovo androgina, identificata da alcuni come Haapuani. La posa da Buddha e i fiori di loto suggeriscono a Elizabeth Childs che il quadro è una meditazione sul ciclo perpetuo della vita e sulla possibilità di rinascita. Poiché questi dipinti giunsero a Vollard dopo la morte improvvisa di Gauguin, non si sa nulla delle intenzioni di Gauguin nella loro esecuzione.

Nel marzo 1902, il governatore della Polinesia francese, Édouard Petit, giunse nelle Marchesi per effettuare un'ispezione. Era accompagnato da Édouard Charlier, capo del sistema giudiziario. Charlier era un pittore dilettante che aveva stretto amicizia con Gauguin al suo arrivo come magistrato a Papeete nel 1895. Tuttavia, il loro rapporto si era trasformato in inimicizia quando Charlier si era rifiutato di perseguire l'allora vahine di Gauguin, Pau'ura, per una serie di reati banali, presumibilmente violazione di domicilio e furto, che aveva commesso a Puna'auia mentre Gauguin era lontano per lavoro a Papeete. Gauguin si era spinto fino a pubblicare su Les Guêpes una lettera aperta che attaccava Charlier sulla vicenda. Petit, presumibilmente adeguatamente avvisato, si rifiutò di vedere Gauguin per consegnargli le proteste dei coloni (Gauguin era il loro portavoce) contro l'iniquo sistema di tassazione, che vedeva la maggior parte dei proventi delle Marchesi spesi a Papeete. Gauguin rispose in aprile rifiutandosi di pagare le tasse e incoraggiando i coloni, commercianti e piantatori, a fare altrettanto.

Più o meno nello stesso periodo, la salute di Gauguin cominciò a peggiorare di nuovo, rivisitata dalla stessa familiare costellazione di sintomi che comportavano dolori alle gambe, palpitazioni cardiache e debilitazione generale. Il dolore alla caviglia ferita divenne insopportabile e a luglio fu costretto a ordinare una trappola da Papeete per potersi muovere in città. A settembre il dolore era così forte che ricorse a iniezioni di morfina. Tuttavia, era sufficientemente preoccupato dall'abitudine che stava sviluppando da cedere il suo set di siringhe a un vicino, affidandosi invece al laudano. Anche la vista cominciava a non funzionare più, come testimoniano gli occhiali che indossa nel suo ultimo autoritratto conosciuto. Si tratta in realtà di un ritratto iniziato dall'amico Ky Dong e completato da lui stesso, il che spiega il suo stile poco caratteristico. Mostra un uomo stanco e invecchiato, ma non del tutto sconfitto. Per un certo periodo pensò di tornare in Europa, in Spagna, per farsi curare. Monfreid lo consigliò:

Ritornando indietro rischierebbe di danneggiare quel processo di incubazione che sta avvenendo nell'apprezzamento del pubblico nei suoi confronti. Attualmente lei è un artista unico e leggendario, che ci invia dai remoti mari del Sud opere sconcertanti e inimitabili, creazioni definitive di un grande uomo che, in un certo senso, è già uscito da questo mondo. I tuoi nemici - e come tutti coloro che turbano la mediocrità hai molti nemici - sono silenziosi; ma non osano attaccarti, non ci pensano nemmeno. Sei così lontano. Non dovreste tornare... Lei è già inattaccabile come tutti i grandi morti; lei appartiene già alla storia dell'arte.

Nel luglio del 1902, Vaeoho, ormai incinta di sette mesi, lasciò Gauguin per tornare a casa, nella vicina valle di Hekeani, per partorire tra parenti e amici. Partorì a settembre, ma non fece ritorno. In seguito Gauguin non prese un'altra vahine. È in questo periodo che la sua disputa con il vescovo Martin sulle scuole missionarie raggiunge l'apice. Il gendarme locale, Désiré Charpillet, inizialmente amichevole con Gauguin, scrisse un rapporto all'amministratore del gruppo insulare, che risiedeva nella vicina isola di Nuku Hiva, criticando Gauguin per aver incoraggiato gli indigeni a ritirare i loro figli dalla scuola e per aver incoraggiato i coloni a non pagare le tasse. La fortuna volle che il posto di amministratore fosse stato da poco occupato da François Picquenot, un vecchio amico di Gauguin di Tahiti e sostanzialmente solidale con lui. Picquenot consigliò a Charpillet di non intraprendere alcuna azione per la questione delle scuole, dal momento che Gauguin aveva la legge dalla sua parte, ma autorizzò Charpillet a sequestrare i beni di Gauguin in luogo del pagamento delle tasse se tutto il resto fosse fallito. Forse spinto dalla solitudine e a volte incapace di dipingere, Gauguin si dedica alla scrittura.

Nel 1901, il manoscritto di Noa Noa che Gauguin aveva preparato con le xilografie durante la sua permanenza in Francia fu finalmente pubblicato con le poesie di Morice in forma di libro nell'edizione La Plume (il manoscritto stesso è ora conservato al Museo del Louvre). Alcune parti del testo (tra cui il racconto di Teha'amana) erano già state pubblicate senza xilografie nel 1897 su La Revue Blanche, mentre lui stesso ne aveva pubblicato degli estratti su Les Guêpes quando era redattore. L'edizione de La Plume era stata progettata per includere le sue xilografie, ma egli rifiutò il permesso di stamparle su carta liscia come volevano gli editori. In realtà si era disinteressato dell'impresa con Morice e non ne vide mai una copia, rifiutando l'offerta di cento copie in omaggio. Tuttavia, la sua pubblicazione lo ispirò a prendere in considerazione la possibilità di scrivere altri libri. All'inizio dell'anno (1902), aveva rivisto un vecchio manoscritto del 1896-97, L'Esprit Moderne et le Catholicisme (Lo spirito moderno e il cattolicesimo), sulla Chiesa cattolica romana, aggiungendo una ventina di pagine contenenti spunti di riflessione raccolti nei suoi rapporti con il vescovo Martin. Inviò questo testo al vescovo Martin, che rispose inviandogli una storia illustrata della Chiesa. Gauguin restituì il libro con osservazioni critiche che pubblicò in seguito nelle sue memorie autobiografiche. Preparò poi un saggio arguto e ben documentato, Racontars de Rapin (Racconti di un dilettante) sulla critica e sulla critica d'arte, che inviò per la pubblicazione ad André Fontainas, critico d'arte del Mercure de France, la cui recensione favorevole di Da dove veniamo? Cosa siamo? Where Are We Going? aveva contribuito a ristabilire la sua reputazione. Fontainas, tuttavia, rispose che non aveva osato pubblicarla. Il libro fu pubblicato solo nel 1951.

Il 27 maggio di quell'anno, il piroscafo di servizio Croix du Sud naufragò al largo dell'atollo di Apataki e per tre mesi l'isola rimase senza posta né rifornimenti. Quando il servizio postale riprese, Gauguin scrisse in una lettera aperta un rabbioso attacco al governatore Petit, lamentandosi tra l'altro del modo in cui erano stati abbandonati dopo il naufragio. La lettera fu pubblicata da L'Indepéndant, il giornale che succedette a Les Guêpes, nel novembre dello stesso anno a Papeete. Petit aveva infatti seguito una politica indipendente e favorevole ai nativi, con disappunto del partito cattolico romano, e il giornale stava preparando un attacco contro di lui. Gauguin inviò la lettera anche al Mercure de France, che ne pubblicò una versione rimaneggiata dopo la sua morte. Seguì una lettera privata al capo della gendarmeria di Papeete, in cui si lamentava degli eccessi del suo gendarme locale Charpillet nel far lavorare i prigionieri per lui. Danielsson osserva che, sebbene queste e altre lamentele fossero fondate, la motivazione di tutte era la vanità ferita e la semplice animosità. Il gendarme Charpillet, relativamente favorevole, fu sostituito nel dicembre dello stesso anno da un altro gendarme, Jean-Paul Claverie, proveniente da Tahiti, molto meno ben disposto nei confronti di Gauguin e che infatti lo aveva multato nei primi giorni di Mataiea per atti osceni in luogo pubblico, avendolo sorpreso a fare il bagno nudo in un ruscello locale in seguito alle lamentele dei missionari del luogo.

A dicembre la sua salute si deteriora ulteriormente, tanto da non riuscire più a dipingere. Inizia un libro di memorie autobiografiche intitolato Avant et après (Prima e dopo) (pubblicato in traduzione negli Stati Uniti come Intimate Journals), che completa nei due mesi successivi. Il titolo doveva rispecchiare le sue esperienze prima e dopo l'arrivo a Tahiti e rendere omaggio al libro di memorie inedito di sua nonna, Past and Future. Il suo libro di memorie si rivelò una raccolta frammentaria di osservazioni sulla vita in Polinesia, sulla propria vita e di commenti sulla letteratura e sui dipinti. Include attacchi a soggetti diversi come la gendarmeria locale, il vescovo Martin, sua moglie Mette e i danesi in generale, e conclude con una descrizione della sua filosofia personale che concepisce la vita come una lotta esistenziale per riconciliare binari opposti. Mathews annota due osservazioni conclusive come un distillato della sua filosofia:

Nessuno è buono, nessuno è cattivo; tutti sono entrambi, allo stesso modo e in modi diversi. ... È una cosa così piccola, la vita di un uomo, eppure c'è tempo per fare grandi cose, frammenti del compito comune.

Inviò il manoscritto a Fontainas per la revisione, ma i diritti tornarono a Mette dopo la morte di Gauguin e il libro fu pubblicato solo nel 1918 (la traduzione americana apparve nel 1921).

La morte

All'inizio del 1903, Gauguin si impegna in una campagna volta a denunciare l'incompetenza dei gendarmi dell'isola, in particolare di Jean-Paul Claverie, per aver preso direttamente le parti degli indigeni in un caso di presunta ubriachezza di un gruppo di loro. Claverie, tuttavia, sfuggì alla censura. All'inizio di febbraio, Gauguin scrisse all'amministratore, François Picquenot, denunciando la corruzione di uno dei subordinati di Claverie. Picquenot indagò sulle accuse, ma non riuscì a confermarle. Claverie rispose presentando una denuncia contro Gauguin per diffamazione di un gendarme. Il 27 marzo 1903 il magistrato locale gli infligge una multa di 500 franchi e lo condanna a tre mesi di reclusione. Gauguin presentò immediatamente un ricorso a Papeete e si mise a raccogliere i fondi per recarsi a Papeete per l'udienza.

In questo periodo Gauguin è molto debole e soffre molto e ricorre ancora una volta alla morfina. Muore improvvisamente la mattina dell'8 maggio 1903.

Prima aveva mandato a chiamare il suo pastore, Paul Vernier, lamentando uno svenimento. Avevano chiacchierato insieme e Vernier se n'era andato, ritenendolo in condizioni stabili. Tuttavia, il vicino di casa di Gauguin, Tioka, lo trovò morto alle 11 e lo confermò nel modo tradizionale marchesiano, masticandogli la testa nel tentativo di rianimarlo. Al suo capezzale c'era una bottiglia vuota di laudano, il che ha fatto ipotizzare che sia stato vittima di un'overdose. Vernier credeva che fosse morto per un attacco di cuore.

Gauguin fu sepolto nel cimitero cattolico del Calvario (Cimetière Calvaire), ad Atuona, Hiva 'Oa, alle 14.00 del giorno successivo. Nel 1973, sulla sua tomba è stato posto un calco in bronzo della sua figura di Oviri, come lui stesso aveva indicato come suo desiderio. Ironicamente, il suo vicino più prossimo nel cimitero è il vescovo Martin, la cui tomba è sormontata da una grande croce bianca. Vernier scrisse un resoconto degli ultimi giorni di Gauguin e della sua sepoltura, riprodotto nell'edizione di O'Brien delle lettere di Gauguin a Monfreid.

La notizia della morte di Gauguin giunse in Francia (a Monfreid) solo il 23 agosto 1903. In assenza di un testamento, i suoi effetti meno preziosi furono messi all'asta ad Atuona, mentre le lettere, i manoscritti e i dipinti furono venduti all'asta a Papeete il 5 settembre 1903. Mathews osserva che questa rapida dispersione dei suoi effetti portò alla perdita di molte informazioni preziose sui suoi ultimi anni di vita. Thomson osserva che l'inventario all'asta dei suoi effetti (alcuni dei quali furono bruciati come pornografia) rivelò una vita che non era così impoverita o primitiva come egli aveva voluto far credere. Mette Gauguin ricevette a tempo debito il ricavato dell'asta, circa 4.000 franchi. Uno dei dipinti messi all'asta a Papeete era Maternité II, una versione più piccola di Maternité I conservata al Museo dell'Ermitage. L'originale fu dipinto nel momento in cui la sua vahine di allora, Pau'ura, a Puna'auia, diede alla luce il loro figlio Emile. Non si sa perché abbia dipinto la copia più piccola. L'opera fu venduta per 150 franchi a un ufficiale della marina francese, il comandante Cochin, che disse che lo stesso governatore Petit aveva fatto un'offerta fino a 135 franchi per il dipinto. Nel 2004 è stato venduto da Sotheby's per 39.208.000 dollari.

Il Centro Culturale Paul Gauguin di Atuona ha una ricostruzione della Maison du Jouir. La casa originale rimase vuota per alcuni anni, con la porta che recava ancora l'architrave intagliato di Gauguin. Questo è stato infine recuperato, quattro dei cinque pezzi sono conservati al Museo d'Orsay e il quinto al Museo Paul Gauguin di Tahiti.

Nel 2014, l'esame forense di quattro denti trovati in un barattolo di vetro in un pozzo vicino alla casa di Gauguin ha messo in discussione la convinzione convenzionale che Gauguin avesse sofferto di sifilide. L'esame del DNA ha stabilito che i denti erano quasi certamente di Gauguin, ma non sono state trovate tracce del mercurio che all'epoca veniva usato per curare la sifilide, il che suggerisce che Gauguin non soffrisse di sifilide o che non fosse in cura per essa. Nel 2007, quattro molari marci, che potrebbero essere di Gauguin, sono stati ritrovati dagli archeologi sul fondo di un pozzo da lui costruito sull'isola di Hiva Oa, nelle Isole Marchesi.

I bambini

Gauguin sopravvisse a tre dei suoi figli: la figlia prediletta Aline morì di polmonite, il figlio Clovis morì per un'infezione del sangue in seguito a un'operazione all'anca e una figlia, la cui nascita fu ritratta nel dipinto di Gauguin del 1896 Te tamari no atua, figlia della giovane amante tahitiana di Gauguin, Pau'ura, morì solo pochi giorni dopo la sua nascita, il giorno di Natale del 1896. Suo figlio, Émile Gauguin, lavorò come ingegnere edile negli Stati Uniti ed è sepolto nel Lemon Bay Historical Cemetery, in Florida. Un altro figlio, Jean René, divenne un noto scultore e un convinto socialista. Morì il 21 aprile 1961 a Copenaghen. Pola (Paul Rollon) divenne artista e critico d'arte e scrisse un libro di memorie, Mio padre, Paul Gauguin (1937). Gauguin ebbe diversi altri figli dalle sue amanti: Germaine (e una figlia (nata nel 1902) con Vaeoho (Marie-Rose). Si ipotizza che l'artista belga Germaine Chardon fosse la figlia di Gauguin. Emile Marae, un Tai, analfabeta e cresciuto a Tahiti dai Pau'ura, fu portato a Chicago nel 1963 dalla giornalista francese Josette Giraud e fu un artista a tutti gli effetti; i suoi discendenti vivono ancora a Tahiti nel 2001.

Il primitivismo è stato un movimento artistico della pittura e della scultura della fine del XIX secolo, caratterizzato da proporzioni corporee esagerate, totem animali, disegni geometrici e contrasti netti. Il primo artista a utilizzare sistematicamente questi effetti e a ottenere un ampio successo di pubblico fu Paul Gauguin. L'élite culturale europea, che scopriva per la prima volta l'arte dell'Africa, della Micronesia e dei nativi americani, era affascinata, incuriosita e istruita dalla novità, dalla selvaticità e dalla forza spietata incarnate nell'arte di quei luoghi lontani. Come Pablo Picasso agli inizi del XX secolo, Gauguin fu ispirato e motivato dalla cruda potenza e dalla semplicità della cosiddetta Arte Primitiva di quelle culture straniere.

Gauguin è anche considerato un pittore post-impressionista. I suoi dipinti audaci, colorati e orientati al design hanno influenzato in modo significativo l'arte moderna. Tra gli artisti e i movimenti che si ispirarono a lui all'inizio del XX secolo figurano Vincent van Gogh, Henri Matisse, Pablo Picasso, Georges Braque, André Derain, il Fauvismo, il Cubismo e l'Orfismo. Più tardi, influenzò Arthur Frank Mathews e il movimento americano Arts and Crafts.

John Rewald, riconosciuto come una delle massime autorità in materia di arte del tardo XIX secolo, ha scritto una serie di libri sul periodo post-impressionista, tra cui Post-Impressionismo: From Van Gogh to Gauguin (1956) e un saggio, Paul Gauguin: Letters to Ambroise Vollard and André Fontainas (incluso in Studies in Post-Impressionism di Rewald, 1986), discute gli anni di Gauguin a Tahiti e le lotte per la sua sopravvivenza, viste attraverso la corrispondenza con il mercante d'arte Vollard e altri.

Le mostre retrospettive postume di Gauguin al Salon d'Automne di Parigi nel 1903 e una ancora più grande nel 1906 ebbero un'influenza straordinaria e potente sull'avanguardia francese e in particolare sulla pittura di Pablo Picasso. Nell'autunno del 1906, Picasso realizzò dipinti di donne nude di dimensioni eccessive e figure scultoree monumentali che ricordavano il lavoro di Paul Gauguin e mostravano il suo interesse per l'arte primitiva. I dipinti di Picasso con figure massicce del 1906 sono direttamente influenzati dalla scultura, dalla pittura e dalla scrittura di Gauguin. La forza evocata dall'opera di Gauguin portò direttamente a Les Demoiselles d'Avignon del 1907.

Secondo il biografo di Gauguin, David Sweetman, Picasso, già nel 1902, divenne un ammiratore dell'opera di Gauguin quando incontrò e fece amicizia con lo scultore e ceramista spagnolo espatriato Paco Durrio, a Parigi. Durrio aveva a disposizione diverse opere di Gauguin perché era un amico di Gauguin e un agente non retribuito del suo lavoro. Durrio cercò di aiutare l'amico povero di Tahiti promuovendo la sua opera a Parigi. Dopo il loro incontro, Durrio presentò a Picasso il gres di Gauguin, aiutò Picasso a realizzare alcuni pezzi di ceramica e gli regalò una prima edizione de La Plume di Noa Noa: The Tahiti Journal of Paul Gauguin. Oltre a vedere le opere di Gauguin da Durrio, Picasso le vide anche alla galleria di Ambroise Vollard, dove erano rappresentati sia lui che Gauguin.

Riguardo all'impatto di Gauguin su Picasso, John Richardson ha scritto:

La mostra di Gauguin del 1906 lasciò Picasso più che mai affascinato da questo artista. Gauguin dimostrò che i più disparati tipi di arte - per non parlare degli elementi della metafisica, dell'etnologia, del simbolismo, della Bibbia, dei miti classici e di molto altro - potevano essere combinati in una sintesi che era del suo tempo ma senza tempo. Un artista poteva anche confondere le nozioni convenzionali di bellezza, dimostrò, imbrigliando i suoi demoni negli dei oscuri (non necessariamente tahitiani) e attingendo a una nuova fonte di energia divina. Se negli anni successivi Picasso ha minimizzato il suo debito nei confronti di Gauguin, non c'è dubbio che tra il 1905 e il 1907 abbia sentito una parentela molto stretta con quest'altro Paul, che si vantava dei geni spagnoli ereditati dalla nonna peruviana. Picasso non si era forse firmato "Paul" in onore di Gauguin.

Sia David Sweetman che John Richardson fanno riferimento alla scultura di Gauguin chiamata Oviri (che letteralmente significa "selvaggio"), la macabra figura fallica della dea tahitiana della vita e della morte che era destinata alla tomba di Gauguin, esposta nella mostra retrospettiva del 1906 che portò ancora più direttamente a Les Demoiselles. Scrive Sweetman: "La statua Oviri di Gauguin, esposta in grande evidenza nel 1906, stimolerà l'interesse di Picasso per la scultura e la ceramica, mentre le xilografie rafforzeranno il suo interesse per la stampa, anche se è l'elemento del primitivo presente in tutte a condizionare maggiormente la direzione che prenderà l'arte di Picasso. Questo interesse culminerà nel fondamentale Les Demoiselles d'Avignon".

Secondo Richardson,

L'interesse di Picasso per il gres fu ulteriormente stimolato dagli esempi che vide alla retrospettiva di Gauguin del 1906 al Salon d'Automne. La più inquietante di queste ceramiche (che forse Picasso aveva già visto da Vollard) era il macabro Oviri. Fino al 1987, quando il Musée d'Orsay acquistò quest'opera poco conosciuta (esposta una sola volta dal 1906), non era mai stata riconosciuta come il capolavoro che è, né tantomeno per la sua rilevanza rispetto alle opere che precedono le Demoiselles. Sebbene sia alto poco meno di 30 centimetri, Oviri ha una presenza imponente, come si addice a un monumento destinato alla tomba di Gauguin. Picasso fu molto colpito da Oviri. 50 anni dopo, fu felice quando Cooper e io gli dicemmo che avevamo trovato questa scultura in una collezione che comprendeva anche il gesso originale della sua testa cubista. È stata una rivelazione, come la scultura iberica? Picasso fece un'alzata di spalle e affermò a malincuore. Era sempre stato restio ad ammettere il ruolo di Gauguin nell'avviarlo verso il Primitivismo.

La prima guida artistica di Gauguin fu Pissarro, ma il rapporto lasciò un segno più personale che stilistico. I maestri di Gauguin furono Giotto, Raffaello, Ingres, Eugène Delacroix, Manet, Degas e Cézanne. Le sue convinzioni, e in alcuni casi la psicologia del suo lavoro, furono influenzate anche dal filosofo Arthur Schopenhauer e dal poeta Stéphane Mallarmé.

Gauguin, come alcuni suoi contemporanei quali Degas e Toulouse-Lautrec, utilizzava una tecnica di pittura su tela nota come peinture à l'essence. A tale scopo, l'olio (legante) viene drenato dalla pittura e la morchia di pigmento rimanente viene mescolata con trementina. È possibile che abbia utilizzato una tecnica simile per preparare i suoi monotipi, usando la carta invece del metallo, che avrebbe assorbito l'olio dando alle immagini finali l'aspetto opaco che desiderava. Inoltre, ha provato alcuni dei suoi disegni esistenti con l'aiuto del vetro, copiando un'immagine sottostante sulla superficie del vetro con acquerello o gouache per la stampa. Le xilografie di Gauguin non erano meno innovative, anche per gli artisti d'avanguardia responsabili della rinascita della xilografia in quel periodo. Invece di incidere i suoi blocchi con l'intento di realizzare un'illustrazione dettagliata, Gauguin inizialmente scalpellava i suoi blocchi in modo simile alla scultura in legno, seguito da strumenti più fini per creare dettagli e tonalità all'interno dei suoi contorni audaci. Molti dei suoi strumenti e delle sue tecniche erano considerati sperimentali. Questa metodologia e l'uso dello spazio erano paralleli alla sua pittura di rilievi piatti e decorativi.

A partire dalla Martinica, Gauguin inizia a utilizzare colori analoghi in stretta vicinanza per ottenere un effetto di attenuazione. Poco tempo dopo, si fa strada anche il colore non rappresentativo, creando tele che hanno un'esistenza indipendente e una vitalità tutta loro. Questo divario tra la realtà di superficie e lui stesso scontentò Pissarro e portò rapidamente alla fine della loro relazione. Le sue figure umane di questo periodo ricordano anche il suo rapporto d'amore con le stampe giapponesi, di cui influenzano il suo manifesto primitivo soprattutto per l'ingenuità delle figure e l'austerità compositiva. Proprio per questo motivo, Gauguin si ispirava anche all'arte popolare. Cercò una purezza emotiva dei suoi soggetti trasmessa in modo diretto, enfatizzando le forme principali e le linee rette per definire chiaramente forma e contorno. Gauguin utilizzò anche elaborate decorazioni formali e colori in modelli di astrazione, cercando di armonizzare l'uomo e la natura. Le sue rappresentazioni degli indigeni nel loro ambiente naturale sono spesso caratterizzate da serenità e sostenibilità. Ciò si sposa con uno dei temi preferiti di Gauguin, ovvero l'intrusione del soprannaturale nella vita quotidiana, arrivando in un caso a ricordare gli antichi rilievi tombali egizi con Il suo nome è Vairaumati e Ta Matete.

In un'intervista a L'Écho de Paris pubblicata il 15 marzo 1895, Gauguin spiega che il suo approccio tattico in via di sviluppo sta raggiungendo la sinestesia. Egli afferma:

In una lettera del 1888 a Schuffenecker, Gauguin spiega l'enorme passo che ha fatto per allontanarsi dall'impressionismo e che ora è intenzionato a catturare l'anima della natura, le verità antiche e il carattere dei suoi paesaggi e dei suoi abitanti. Gauguin scrive:

Gauguin iniziò a produrre stampe nel 1889, evidenziando una serie di zincografie commissionate da Theo van Gogh note come Suite Volpini, che apparvero anche nella mostra del Cafe des Arts del 1889. Gauguin non si lascia ostacolare dalla sua inesperienza di stampatore e compie una serie di scelte provocatorie e poco ortodosse, come la lastra di zinco al posto della pietra calcarea (litografia), i margini ampi e i grandi fogli di carta gialla per manifesti. Il risultato è vivido fino al limite dello sgargiante, ma prefigura i suoi esperimenti più elaborati con la stampa a colori e l'intento di elevare le immagini monocromatiche. I suoi primi capolavori di stampa risalgono alla Noa Noa Suite del 1893-94, in cui fu uno dei tanti artisti a reinventare la tecnica della xilografia, portandola nell'era moderna. L'artista iniziò la serie poco dopo il ritorno da Tahiti, desideroso di reclamare una posizione di leadership all'interno dell'avanguardia e di condividere immagini basate sulla sua escursione nella Polinesia francese. Queste xilografie vennero presentate alla mostra di Paul Durand-Ruel del 1893, che non ebbe successo, e la maggior parte di esse erano direttamente collegate a suoi dipinti di cui l'artista aveva rivisto la composizione originale. Le xilografie vengono riproposte in una piccola mostra nel suo studio nel 1894, dove l'artista ottiene rari apprezzamenti dalla critica per i suoi eccezionali effetti pittorici e scultorei. L'emergente preferenza di Gauguin per la xilografia non è solo un'estensione naturale dei suoi rilievi e sculture in legno, ma potrebbe anche essere stata provocata dal suo significato storico per gli artigiani medievali e per i giapponesi.

Gauguin iniziò a realizzare monotipi ad acquerello nel 1894, probabilmente sovrapponendosi alle sue xilografie Noa Noa, forse anche come fonte di ispirazione per queste ultime. Le sue tecniche rimasero innovative e si trattava di una tecnica adatta a lui in quanto non richiedeva attrezzature elaborate, come una macchina da stampa. Nonostante sia spesso fonte di pratica per dipinti, sculture o xilografie correlate, l'innovazione del monotipo offre un'estetica decisamente eterea; immagini fantasma che potrebbero esprimere il suo desiderio di trasmettere le verità immemorabili della natura. Il suo successivo grande progetto di xilografia e monotipia risale al 1898-99, noto come Suite Vollard. Completò questa intraprendente serie di 475 stampe da una ventina di composizioni diverse e le inviò al mercante Ambroise Vollard, pur non scendendo a compromessi con la sua richiesta di un lavoro vendibile e conforme. Vollard non fu soddisfatto e non fece alcuno sforzo per venderle. La serie di Gauguin è fortemente unificata dall'estetica in bianco e nero e potrebbe aver inteso le stampe come una serie di carte myriorama, in cui possono essere disposte in qualsiasi ordine per creare molteplici paesaggi panoramici. Questa attività di disposizione e riorganizzazione era simile al suo processo di riproposizione delle immagini e dei motivi, nonché a una tendenza al simbolismo. L'artista stampò l'opera su carta giapponese sottilissima e le prove multiple di grigio e nero potevano essere disposte l'una sull'altra, lasciando trasparire ogni trasparenza di colore per produrre un ricco effetto chiaroscurale.

Nel 1899 inizia il suo esperimento radicale: i disegni a olio trasferiti. Come la tecnica del monotipo ad acquerello, si trattava di un ibrido tra disegno e stampa. I trasferimenti rappresentano il culmine della sua ricerca di un'estetica della suggestione primordiale, che sembra essere trasmessa nei suoi risultati che riecheggiano antiche incisioni, affreschi consumati e pitture rupestri. Il progresso tecnico di Gauguin dalla monotipia ai trasferimenti a olio è piuttosto evidente, passando da piccoli schizzi a fogli ambiziosamente grandi e altamente rifiniti. Con questi trasferimenti, Gauguin crea profondità e consistenza stampando più strati sullo stesso foglio, iniziando con matita di grafite e inchiostro nero per delineare i contorni, prima di passare al pastello blu per rafforzare le linee e aggiungere ombreggiature. Spesso completava l'immagine con un lavaggio di inchiostro olivastro o marrone. Questa pratica ha consumato Gauguin fino alla sua morte, alimentando la sua immaginazione e la concezione di nuovi soggetti e temi per i suoi dipinti. Questa collezione fu inviata anche a Vollard, che non ne rimase colpito. Gauguin apprezzava i trasferimenti di olio per il modo in cui trasformavano la qualità della linea disegnata. Il suo processo, di natura quasi alchemica, presentava elementi di casualità, grazie ai quali si creavano regolarmente segni e trame inaspettati, cosa che lo affascinava. Nel metamorfosare un disegno in una stampa, Gauguin prese la decisione calcolata di rinunciare alla leggibilità per ottenere mistero e astrazione.

Ha lavorato nel legno per tutta la sua carriera, in particolare durante i suoi periodi più prolifici, ed è noto per aver raggiunto risultati radicali nell'intaglio prima di farlo con la pittura. Già nelle sue prime mostre, Gauguin includeva spesso sculture in legno, grazie alle quali si costruì la reputazione di conoscitore del cosiddetto primitivo. Alcune delle sue prime sculture sembrano essere influenzate dall'arte gotica ed egizia. Nella corrispondenza, Gauguin afferma anche la sua passione per l'arte cambogiana e per la sapiente colorazione dei tappeti persiani e orientali.

La moda delle opere di Gauguin iniziò subito dopo la sua morte. Molti dei suoi dipinti successivi furono acquistati dal collezionista russo Sergei Shchukin. Una parte consistente della sua collezione è esposta al Museo Pushkin e all'Hermitage. I dipinti di Gauguin sono raramente messi in vendita e i loro prezzi raggiungono decine di milioni di dollari nelle sale di vendita. Il suo Nafea Faa Ipoipo (Quando ti sposerai?) del 1892 è diventato la terza opera d'arte più costosa al mondo quando il suo proprietario, la famiglia di Rudolf Staechelin, lo ha venduto privatamente per 210 milioni di dollari nel settembre 2014. Si ritiene che l'acquirente sia il Qatar Museums.

Il Museo Gauguin in stile giapponese, di fronte al Giardino Botanico di Papeari a Papeari, Tahiti, contiene alcuni reperti, documenti, fotografie, riproduzioni e schizzi originali e stampe a blocchi di Gauguin e dei tahitiani. Nel 2003 è stato inaugurato il Centro culturale Paul Gauguin ad Atuona, nelle Isole Marchesi.

Nel 2014 è stato ritrovato in Italia il dipinto Frutti su un tavolo (1889), con un valore stimato tra i 10 e i 30 milioni di euro (tra 8,3 e 24,8 milioni di sterline), che era stato rubato a Londra nel 1970. Il dipinto, insieme a un'opera di Pierre Bonnard, era stato acquistato da un dipendente della Fiat nel 1975, in occasione di una vendita di oggetti smarriti delle ferrovie, per 45.000 lire (circa 32 sterline).

Per un elenco completo dei dipinti di Gauguin, vedere Elenco dei dipinti di Paul Gauguin.

Autoritratti:

Fonti

1. Paul Gauguin
2. Paul Gauguin
3. ^ He described his collection in a letter to Odilon Redon as "a whole little world of friends". They included Redon's lithograph La Mort as well as photographs of subjects such as a temple frieze at Borobudur and an Egyptian fresco from an XVIIIth dynasty tomb at Thebes.[85]
4. «Shchukin Gauguin». Morozov-shchukin.com. Archivado desde el original el 9 de septiembre de 2013. Consultado el 12 de julio de 2013.
5. Los cuatro hijos de Bolivar, El Tiempo.
6. Waldemar Januszczak, Gauguin: The Full Story, BBC TV documentary.
7. ^ Salon d'Automne, Catalogue de peinture, dessin, sculpture, gravure, architecture et arts décoratifs: exposés au Grand Palais des Champs-Élysées, Evreux, Ch. Hérissey, 1903, p. 69, LCCN 2011228502.
8. ^ Salon d'Automne, Catalogue des ouvrages de peinture, sculpture, dessin gravure, architecture et art décoratif, Paris, Société du Salon d'automne, 1906, p. 191, LCCN 43031163.
9. ^ a b Damigella, p. 8.
10. ^ a b c Ragusa, p. 17.
11. ^ Ragusa, p. 18.
12. Das Gemälde Sous-bois à Viroflay befindet sich heute in der Kopenhagener Ny Carlsberg Glyptotek, siehe: Landskab fra Viroflay. In: Kunstindeks Danmark & Weilbachs kunstnerleksikon, (englisch, dänisch).
13. Zitiert nach Költzsch, Paul Gauguin, S. 102.
14. Zitiert nach Költzsch, Paul Gauguin, S. 94.
15. Claire Frèches-Thory und Ursula Perucchi-Petri (Hrsg.), Die Nabis – Propheten der Moderne, ISBN 978-3-7913-1283-5, S. 21.