Resumen

Henri Matisse , nombre completo: Henri Émile Benoît Matisse († 3 de noviembre de 1954 en Cimiez, actual distrito de Niza), fue un pintor, artista gráfico, dibujante y escultor francés.

Junto con Pablo Picasso, es uno de los artistas más importantes del Modernismo clásico. Junto a André Derain, se le considera pionero y principal representante del fauvismo, que propagó una ruptura con el impresionismo y representó el primer movimiento artístico del siglo XX.

La obra de Matisse se caracteriza por un amplio uso del color y unas líneas llenas de tensión. En sus cuadros, el colorido, la composición lúdica y la ligereza de sus temas pictóricos son el resultado de largos estudios.

Con sus siluetas (gouaches découpées) creadas en la década de 1940 -un ejemplo es el libro Jazz del artista-, Matisse, gravemente enfermo, creó una obra tardía que pone fin a sus esfuerzos de reducción y que, con su colorido y ornamentación, se considera el punto culminante de su carrera artística. El artista consideraba su obra maestra la Capilla del Rosario de Vence, que proyectó y decoró y que se inauguró en 1951.

Sus innovaciones estilísticas influyeron en el arte moderno. Los expresionistas abstractos de Estados Unidos, por ejemplo, se refirieron repetidamente a su obra.

Infancia y educación (1869-1898)

Henri Matisse, hijo de Émile Matisse y de su esposa Héloïse, de soltera Gérard, nació en la granja de sus abuelos en Le Cateau-Cambrésis. Sus padres regentaban una droguería y una tienda de semillas en Bohain-en-Vermandois; Matisse creció allí. En 1872 nace su hermano Émile Auguste. Su padre quería que su hijo mayor se hiciera cargo del negocio de sus padres. Sin embargo, Henri decide estudiar Derecho en París de 1882 a 1887, tras asistir durante dos años al instituto humanista Henri Martin de Saint-Quentin.

Durante una breve estancia como asistente jurídico en Saint-Quentin en 1889, Matisse recibió clases de dibujo en la École Quentin de la Cour en horario matinal. En 1890, comenzó a pintar tras una apendicectomía, cuyas consecuencias le confinaron en cama durante un año. Abandonó su carrera de abogado en 1891, regresó a París e ingresó en la Académie Julian, donde enseñaba, entre otros, el pintor de salón William Adolphe Bouguereau. Matisse quería prepararse para el examen de acceso a la École des Beaux-Arts. Sin embargo, no aprueba.

Matisse asistió también a la École des Arts décoratifs (Escuela de Artes Decorativas), donde conoció a Albert Marquet, con quien mantuvo una larga amistad. En 1895, tras aprobar el examen de ingreso en la École des Beaux-Arts, ambos se convirtieron en alumnos del pintor simbolista Gustave Moreau, en cuya clase ya habían sido aceptados como alumnos invitados en 1893. Matisse fue padre de una hija, Marguerite († 1982), en 1894; su madre era Camille (Caroline) Joblaud, una mujer a la que empleó como modelo y que fue su amante.

Durante una estancia en Bretaña en 1896, Matisse conoció la paleta de colores impresionistas a través de su compañero de viaje, el pintor Émile Auguste Wéry (1868-1935), que era su vecino parisino del muelle Saint-Michel 19. Durante este periodo comienza a copiar obras clásicas del Louvre y expone por primera vez cinco cuadros en el Salón de la Société nationale des beaux-arts. En 1897 y 1898 visitó al pintor John Peter Russell en Belle-Île, una isla frente a la costa de Bretaña. Russell le introdujo en el estilo de pintura impresionista y le dio a conocer la obra de Vincent van Gogh. El estilo pictórico de Matisse cambió radicalmente, y más tarde declaró: "Russell fue mi maestro, y Russell me explicó la teoría del color".

Matrimonio (1898)

El 10 de enero de 1898, Henri Matisse se casa con Amélie Noellie Parayre. Aconsejado por Camille Pissarro, viaja a Londres para estudiar la obra de Turner. Al mismo tiempo, pasó allí su luna de miel con Amélie, que la pareja, tras regresar brevemente a París, continuó a partir del 9 de febrero en Ajaccio, en Córcega. El matrimonio tuvo dos hijos, Jean Gérard (1899-1976) y Pierre (1900-1989).

Marguerite fue acogida en la familia; Matisse quería mucho a su hija y a menudo pintaba retratos de ella. Más tarde se casó con el crítico de arte y filósofo Georges Duthuit; poco antes de su muerte, ella y su hijo Claude Duthuit editaron el catálogo razonado de los grabados de su padre.

A la muerte de Gustave Moreau, su maestro, Matisse abandonó la École des Beaux-Arts en 1899 por discrepancias con Fernand Cormon, sucesor de Moreau. Tras estudiar de nuevo brevemente en la Académie Julian, siguió cursos con Eugène Carrière, que era amigo del escultor Auguste Rodin. Matisse conoció aquí a sus posteriores compañeros André Derain y su amigo Maurice de Vlaminck. Pintaba con Albert Marquet en el Jardin du Luxembourg y asistía a clases de escultura por las tardes. Ese mismo año compra a Vollard el cuadro Las tres bañistas de Paul Cézanne. A pesar de graves problemas económicos, conservó la obra, que influyó profundamente en su pensamiento y su obra creativa, hasta 1936, año en que regaló el cuadro al Museo de Bellas Artes del Petit Palais de París.

Años de crisis (1900-1905)

Matisse asistió a clases nocturnas en la Académie Rodin en 1900 y trabajó bajo la dirección del escultor Antoine Bourdelle, con escaso éxito inicial. Debido a la falta de ingresos -el negocio de modista de su mujer no generaba ingresos suficientes para mantenerse y a menudo había que dejar a los niños con sus abuelos- cayó en una grave crisis financiera y empezó a trabajar como pintor decorativo. Junto con Albert Marquet, Matisse pintó guirnaldas y marcos para la decoración de la Exposición Universal de 1900, que se celebró en el Grand Palais de París. El trabajo era agotador, así que regresó a Bohain exhausto para recuperarse. En aquellos días Matisse estaba tan desanimado que pensó en dejar de pintar.

Una vez superada su crisis, Matisse busca coleccionistas de arte y oportunidades de exposición. En febrero de 1902, participó en una exposición conjunta de la recién fundada galería B. Weill. En abril y junio de ese año, Berthe Weill fue la primera galería en vender obras suyas. En 1904 se celebró una primera exposición individual de su obra en casa del marchante de arte francés Ambroise Vollard. En el verano de ese mismo año, Matisse viaja a Saint-Tropez a instancias de Paul Signac y comienza a pintar cuadros de estilo neoimpresionista.

El surgimiento del fauvismo (1905)

Matisse pasa el verano de 1905 con André Derain y a veces con Maurice de Vlaminck en Collioure, un pueblo pesquero del Mediterráneo. Esta estancia supuso un importante punto de inflexión en su obra. Así, durante este periodo, en colaboración con Derain, cristalizó un estilo que pasó a la historia del arte con el nombre de fauvismo. El movimiento recibió su nombre cuando el pequeño grupo de pintores afines, formado por Matisse, André Derain y Maurice de Vlaminck, mostró sus cuadros por primera vez en una exposición en el Salón de Otoño de París en otoño de 1905, lo que provocó la indignación del público y de los críticos de arte.

El crítico Louis Vauxcelles llamó a los artistas "Fauves" ("Las fieras"). Su comentario "Donatello chez les fauves" se publicó en la revista Gil Blas el 17 de octubre de 1905 y pasó a ser de uso común. La crítica se centra en el cuadro de Matisse Femme au chapeau (Mujer con sombrero), de colores muy vivos. Leo Stein, hermano de Gertrude Stein, compró el cuadro por 500 francos. Este "éxito escandaloso" hizo subir el valor de Matisse en el mercado. En el futuro, los Stein también figurarán entre sus mecenas. El grupo fauvista vuelve a disolverse en 1907.

Hoy en día, el Chemin du Fauvisme de Collioure conmemora la aparición del fauvismo en la localidad: reproducciones de los cuadros de Matisse y Derain creados allí se exponen en un recorrido circular en 19 puntos del pueblo.

Encuentro con Picasso (1906)

El 20 de marzo de 1906, Matisse expone su nueva obra, Lebensfreude (Alegría de vivir), en el Salón de los Independientes (Paul Signac, vicepresidente de los Independientes, se une a las críticas y le molesta el rechazo de Matisse al postimpresionismo que deja patente el cuadro. Leo Stein, sin embargo, lo consideró "el cuadro más importante de nuestro tiempo" y lo adquirió para el salón que dirigía junto con su hermana Gertrude.

Ese mismo año, Matisse conoce a Pablo Picasso; su primer encuentro tiene lugar en el salón de los Stein, donde Matisse es asiduo visitante desde hace un año. A partir de ese momento, Matisse y Picasso mantuvieron una amistad basada en la rivalidad creativa y el respeto mutuo. Clarabel y Etta Cone, amigas americanas de Gertrude Stein en Baltimore, también se convirtieron en mecenas y coleccionistas de Matisse y Picasso. La Colección Cone se expone actualmente en el Museo de Arte de Baltimore.

Viaje a Argelia (1906)

En mayo de 1906, Matisse viaja a Argelia y visita el oasis de Biskra. No pintó durante el viaje; sólo después de su regreso creó el cuadro Desnudo azul (Recuerdo de Biskra) y, tras completar el cuadro, una escultura Desnudo recostado I (Aurora), que tiene una postura similar. Del viaje de dos semanas se trajo objetos cotidianos como cerámicas y telas, que a menudo utilizó como motivos para sus cuadros. Matisse tomó de la cerámica oriental el color puro, aplicado de forma plana, la reducción del dibujo a una línea arabesca y la disposición bidimensional del espacio pictórico. Las alfombras orientales aparecen en sus cuadros como en ningún otro pintor modernista. Un ejemplo es el bodegón Alfombras orientales, que pintó tras su regreso.

La Academia Matisse (1908-1911)

A instancias y con el apoyo de sus admiradores, Michael, Sarah, Gertrude y Leo Stein, así como de Hans Purrmann, Marg y Oskar Moll y otros, fundó una escuela privada de pintura, a la que dio su nombre: "Académie Matisse". Allí impartió clases de enero de 1908 a 1911 y llegó a tener 100 alumnos alemanes y extranjeros. Purrmann se encargaba de la organización y la administración.

Al principio, las clases se impartían en las salas del Couvent des Oiseaux, en la rue de Sèvres. Matisse ya tenía alquilada otra habitación en este convento vacío desde 1905, además de su estudio original en Quai St.-Michel. Cuando se decidió fundar la academia privada, Stein alquiló otra habitación en el Couvent para impartir clases. Sin embargo, el complejo conventual tuvo que ser desalojado a las pocas semanas. Por ello, la escuela se trasladó al Couvent de Sacré-Cœur, en el Boulevard des Invalides, esquina con la Rue de Babylon.

Su carácter no comercial diferenciaba a la Académie Matisse de otros talleres similares. Matisse concedía gran importancia a una educación clásica básica para los jóvenes artistas. Una vez a la semana, la visita a un museo formaba parte del plan de estudios. El trabajo a partir de un modelo sólo se realizaba tras el esfuerzo de copiar. Para la época, la proporción de mujeres entre los alumnos era sorprendentemente alta. Entre los 18 alumnos alemanes, por ejemplo Friedrich Ahlers-Hestermann, Franz Nölken y Walter Alfred Rosam, había ocho mujeres artistas, entre ellas Mathilde Vollmoeller y Gretchen Wohlwill. La rusa Olga Markowa Meerson, antigua condiscípula de Wassily Kandinsky en Múnich, y la danesa Astrid Holm también fueron alumnas suyas.

Matisse realizó su primer viaje a Alemania con Hans Purrmann en 1908. Allí conoció al grupo de artistas Brücke. Fue invitado a unirse al grupo como "Übervater de su rebelión" - en vano. Ese mismo año tuvo lugar su primera exposición americana en la Galería 291 de Alfred Stieglitz. Su ensayo teórico-artístico Notes d'un Peintre (Notas de un pintor) apareció en la Grande Revue el 25 de diciembre de 1908.

Traslado a Issy-les-Moulineaux (1909)

El mecenas ruso Sergei Shchukin había conocido la obra de Matisse y le encargó dos grandes cuadros: La Danza y La Música. Los años de crisis habían sido superados y la posición financiera consolidada permitió a Matisse abandonar la residencia del Quai Saint-Michel de París en 1909 y trasladarse a Issy-les-Moulineaux, donde compró una casa e hizo construir su estudio en la propiedad. Durante mucho tiempo, los miembros de su familia posaron gratuitamente para él y se acomodaron a sus deseos con comprensión. Se guiaban por las necesidades del artista; por ejemplo, los niños debían guardar silencio durante las comidas para no perturbar la concentración de su padre.

Tras participar en la exposición Manet and the Post-Impressionists en Londres, organizada por Roger Fry en 1910, las esculturas de Matisse se expusieron por primera vez en la Galería 291 de Alfred Stieglitz en Nueva York en 1912. Un año más tarde, en 1913, algunos de sus cuadros participaron en la importante exposición Armory Show de Nueva York, que, sin embargo, suscitó las críticas cáusticas del conservador público estadounidense. El tesorero del Armory Show, Walter Pach, representó la obra de Matisse en Estados Unidos de 1914 a 1926.

En torno a 1912, algunas de las composiciones de Matisse fueron consideradas paracubistas por muchos críticos. Matisse y Picasso intercambiaron ideas con frecuencia en aquellos años. Matisse comentó: "Nos aportamos mucho mutuamente en estos encuentros". En esas conversaciones, Picasso hacía de advocatus diaboli, queriendo cuestionar constantemente algo de la pintura de Matisse que en realidad le rondaba por la cabeza.

Además de sus estancias en Sevilla (1910

Años de guerra (1914-1918)

Al comienzo de la Primera Guerra Mundial, en agosto de 1914, Matisse se encuentra en París. Se inscribe en el servicio militar, pero su solicitud es rechazada. Después de que la casa familiar fuera destruida en un ataque alemán, Matisse no volvió a tener noticias de su madre ni de su hermano, que, como los demás hombres del pueblo, había sido hecho prisionero de guerra por las fuerzas militares alemanas. Poco antes de la batalla del Marne, abandona París y se marcha con Marquet a Collioure. Los horrores de aquella época acercaron de nuevo a fauvistas y cubistas, hasta entonces divididos por conflictos artísticos, por lo que Juan Gris se quedó con el maestro de los hijos de Matisse. La influencia cubista de este último reforzó la inclinación de Matisse por la simplificación geométrica. Los hijos Jean y Pierre tuvieron que hacer el servicio militar a partir del verano de 1917.

En Niza (1916-1954)

Matisse permaneció en Menton, en la Costa Azul, en 1916, por recomendación médica, ya que padecía bronquitis, y en 1916 alquiló

En 1918 tiene lugar en la Galerie Guillaume la exposición Matisse - Picasso, que demuestra en cierta medida el protagonismo de estos pintores en el arte contemporáneo. Matisse muestra algunos de sus cuadros a Renoir, a quien visita a menudo durante este periodo; también se relaciona con Bonnard en Antibes.

En 1920, se estrena en París el ballet Le Chant du Rossignol, de Djagilev, para el que Matisse había diseñado el vestuario y el decorado. Se dedica de nuevo a la escultura, que había descuidado en los años anteriores. En 1927, su hijo Pierre Matisse, que se había convertido en galerista, le organizó una exposición en su galería de Nueva York; ese mismo año recibió el premio de pintura de la Exposición Internacional Carnegie de Pittsburgh.

Matisse emprendió numerosos viajes para relajarse, por ejemplo a Étretat en 1921, a Italia en 1925 y a Tahití vía Nueva York y San Francisco en 1930.

A su regreso, en septiembre de 1930, visitó a su importante coleccionista Albert C. Barnes en Merion (Estados Unidos), quien le pidió un mural sobre el tema de la danza para su museo privado. Obras de Georges Seurat, Cézanne, Auguste Renoir llenaban ya las paredes de aquel lugar. Matisse aceptó el reto y pudo terminar la obra en 1932. En 1933 nace en Nueva York su nieto Paul Matisse.

Para la ingente tarea del mural de Barnes, Matisse había contratado como ayudante a la emigrante rusa de 22 años Lydia Delectorskaya (1910-1998), que también se sentó para él. Su esposa Amélie le planteó entonces la alternativa: "Yo o ella". Lydia Delectorskaya fue despedida, pero Amélie le exigió el divorcio y le abandonó tras 31 años de matrimonio. Matisse enfermó gravemente y volvió a contratar a Delectorskaya. Tras una estancia en París al estallar la Segunda Guerra Mundial, regresó a Niza.

En los años siguientes realizó proyectos para tapices e ilustraciones de libros. Grabó escenas de La Odisea como ilustraciones para el Ulises de James Joyce. En noviembre de 1931, el Museo de Arte Moderno dio a Matisse la oportunidad de realizar su primera gran exposición individual estadounidense en Nueva York. Precedida por una gran exposición en la Galería Thannhauser de Berlín a finales del verano de 1930, los años 1930 a 1931 hicieron madurar muchos de los planes personales de Matisse y consolidaron su ya creciente reputación internacional. En octubre se publica el primer libro ilustrado por Matisse, la edición Skira de la Poésie de Stéphane Mallarmé.

En 1937, Léonide Massine encarga a Matisse la decoración y el vestuario de Rouge et noir, un ballet con música de Shostakovich y coreografía de Massine. Un año más tarde, se traslada a Cimiez, al antiguo hotel Régina, con vistas a Niza.

En 1941, Matisse tuvo que someterse a una grave operación intestinal en Lyon. Permaneció casi tres meses en el hospital y luego dos meses en un hotel aquejado de gripe. Sufrió un cáncer de duodeno y dos embolias pulmonares posteriores.

Regresó a Cimiez en mayo. La operación y la enfermedad posterior le afectaron gravemente, de modo que sólo pudo mantenerse erguido durante un tiempo limitado. Durante su convalecencia, volvió a trabajar, pintando y dibujando en la cama, entre otras cosas para las ilustraciones de la edición Fabiani de Pasiphaé de Henry de Montherlant y de la edición Skira de Florilège des amours de Ronsard.

En su estudio a los pies de la Montaña del Baou, en la villa Le Rêve, a dos kilómetros de la plaza principal del pueblo provenzal de Vence, al que se trasladó tras un bombardeo aéreo sobre Cimiez en 1943, Matisse comenzó a trabajar en sus composiciones de corta y pega para su libro Jazz. En 1944, su mujer, divorciada, fue detenida y su hija Marguerite deportada por su implicación en la Résistance y condenada a seis meses de prisión. Le Rêve siguió siendo su residencia hasta 1948, cuando regresó a Niza al Hotel Régina.

A principios del verano de 1945, Matisse viajó a París, donde expuso 37 obras en una retrospectiva en el Salon d'Automne. Ese mismo año expone con Picasso en el Victoria and Albert Museum de Londres. En 1946, Matisse recibe en Vence la primera visita de Picasso y su compañera Françoise Gilot; los dos artistas se reúnen varias veces más hasta 1954.

En 1947, Matisse es elevado al rango de Comendador de la Legión de Honor. Ese mismo año, comienza los bocetos para una capilla de las Hermanas Dominicas, la Capilla del Rosario de Vence, que le ocupará casi exclusivamente durante los años siguientes. El proyecto era fruto de una estrecha amistad entre Matisse y la hermana Jacques-Marie, alias Monique Bourgeois. Él la había contratado como enfermera y modelo en 1941; en 1946 ingresó en un convento dominico de Vence y recibió el nombre de Jacques-Marie. Cuando volvieron a encontrarse allí, ella le pidió consejo sobre la construcción de una capilla para el convento. En diciembre de 1949 se coloca la primera piedra y el 25 de junio de 1951 es consagrada por el obispo de Niza. Ese mismo año, Matisse recibe el primer premio de pintura de la Bienal de Venecia.

Con motivo de sus obras expuestas en Estados Unidos en 1951, el historiador del arte estadounidense Alfred H. Barr publicó Matisse: his Art and his Public (Matisse: su arte y su público), que sigue siendo un importante libro sobre el artista. En 1952, el Museo Henri Matisse abrió sus puertas en Le Cateau-Cambrésis, su ciudad natal. Un año más tarde, se celebraron exposiciones de Papiers découpés en París y de esculturas en Londres. En 1954, fue elegido miembro honorario de la Academia Americana de las Artes y las Letras.

Matisse trabajó en los últimos días de su vida en la Rosa Rockefeller, que iba a ser su última obra, una vidriera para la Union Church de Pocantico Hills, encargada por la familia Nelson Rockefeller en memoria de Abby Aldrich Rockefeller. Además de la obra de Matisse, en la iglesia también hay vidrieras de Marc Chagall.

Matisse murió de un ataque al corazón en Niza el 3 de noviembre de 1954. Su tumba -la lápida está dedicada a él y a su antigua esposa- se encuentra en el punto más alto del cementerio de Cimiez; es un regalo de la ciudad de Niza.

El 5 de enero de 1963 se fundó en Niza otro museo, el Musée Matisse. Incluso antes de su fundación, el 21 de octubre de 1953, el propio artista donó el cuadro Naturaleza muerta con granada (1947), cuatro dibujos de los años 1941

La concepción de la imagen en Matisse

En el mundo pictórico de Matisse, el color adquiere un carácter autónomo a través de su uso bidimensional, decorativo y ornamental, omitiendo sus aspectos de diseño espacial. Aquí, el color no se subordina ni al color local ni a la descripción de estructuras superficiales. Más bien, Matisse lo utiliza como medio para reproducir las sensaciones cromáticas desencadenadas en el pintor por la impresión del motivo. En su camino hacia el fauvismo, creó un mundo pictórico en el que no se concede más importancia al objeto que al espacio interior, es decir, al espacio entre los objetos. Ninguna de estas formas es superior o subordinada a otra en la realización de la "expresión" como elemento de diseño. Según este punto de vista, la "expresión" sólo puede realizarse a través de la disposición y conexión de las formas de color -color y forma son uno- entre sí. Desde este punto de vista, la observación de la naturaleza (objeto) no sólo se convierte en ocasión para las sensaciones cromáticas (sujeto), sino que también se eleva a correctivo dentro del proceso creativo en su interacción recíproca. En este sentido, Matisse se veía a sí mismo ligado a la tradición. Así, Matisse -al igual que Picasso- nunca dio el paso hacia la abstracción completa, ya que de este modo, como él mismo subrayaba, la abstracción sólo se imitaba.

Otra característica de la composición pictórica de Matisse es que linealiza los objetos. Las relaciones espaciales entre los objetos retroceden al fondo, se disuelven, pero sin negar completamente sus referencias espaciales. Así, subraya que tanto por la igualdad de las formas -objeto y espacio interior- como por la autonomía del color, es necesaria una linealización de los elementos pictóricos y viceversa.

La creciente necesidad de originalidad e individualidad de la época, por un lado, y la aversión a lo que sus oponentes consideraban las opiniones "degeneradas" de las academias aún establecidas, por otro, llevaron a muchos pintores a querer adoptar una postura propia. Así, aunque Matisse encontraba en Cézanne la figura del spiritus rector, no pretendía continuar la obra de Cézanne.

Los primeros trabajos hasta 1900

Matisse decidió tarde seguir una carrera artística. Comenzó a tomar clases de arte cuando tenía 20 años y trabajaba como asistente jurídico en St. Sus primeros cuadros respondían al naturalismo burgués que la escuela francesa había adoptado de la holandesa. Un cuadro muy conocido de esta época es La mujer que lee, de 1894, conservado en el Museo Nacional de Arte Moderno de París. En sus temas pictóricos, las mujeres dominarían su arte desde su obra temprana hasta su obra tardía en la década de 1950, representada en las diversas fases de Matisse. En 1895 le siguió Naturaleza muerta con autorretrato, de colores marrones verdosos similares, con un parecido estético a la Naturaleza muerta de Cézanne, veinte años mayor que él, pero sin su sofisticación. Cuadros muy conocidos de 1897 son Juego de mesa y la obra junto al mar, Belle Île; en esta última hay aproximaciones a Tormenta en Belle Île, de Claude Monet, de 1896, que refleja las influencias impresionistas de Monet y John Peter Russell en Bretaña.

La obra principal del artista puede dividirse en los cinco periodos siguientes:

Periodo fauve (1900-1908)

En 1900, Matisse comenzó a pintar en un estilo que retrospectivamente se denominó "proto-fauve". No quería ver sus formas disueltas en la luz, sino concebidas como un todo completo, por lo que se alejó del Impresionismo "ortodoxo". Fue a las obras divisionistas de Seurat, junto a las de Paul Cézanne, a las que dedicó su atención. Georges Seurat y los neoimpresionistas crearon sus obras según la doctrina teórica basada en la teoría del color de Eugène Chevreul. Además de Seurat, fueron Vincent van Gogh y Paul Gauguin quienes realzaron el sentido del color de Matisse, que quería superar la imitación de la naturaleza. La composición de figuras de Matisse Lujo, silencio y deseo (1904

El resultado de su trabajo durante su fase fauvista representó una solución en forma de esquema de color bidimensional que se oponía al "fundido" de los cuadros impresionistas. Ejemplos de ello son Ventana abierta en Collioure y Mujer con sombrero, ambos de 1905, que provocaron indignación en la exposición del Salón y dieron lugar al término "fauvismo". En su cuadro La raya verde. Retrato de Madame Matisse, también de 1905, el verde es una constante. La raya sobre el rostro, que a primera vista parece antinatural, no está colocada arbitrariamente, sino que sirve de frontera entre las zonas de luz y de sombra. Matisse demostró que la autonomía del color unida a su aplicación bidimensional obligaba a linealizar los objetos entre sí y, por tanto, a relegar a un segundo plano sus relaciones espaciales. Las obras de los años siguientes representan sobre todo variaciones de esta idea fundamental.

Según su propia declaración, la obra de su vida comenzó con el cuadro La alegría de vivir, que expuso en el Salon des Indépendants en 1906, donde provocó feroces críticas. Tras su viaje a Argelia en 1906, pintó Desnudo azul (Recuerdo de Biskra), en el que las palmeras del fondo reflejan el viaje. El desnudo femenino pesa sobre el suelo y proyecta una sombra. La figura dominante y el entorno plano reflejan la opinión de Matisse: "Es precisamente la figura y no la naturaleza muerta o el paisaje lo que más me interesa. Es en ella donde mejor puedo expresar, podría decirse, el sentimiento religioso hacia la vida que siempre me anima".

Periodo experimental (1908-1917)

El periodo experimental de Matisse, durante el cual fue muy productivo, se divide en dos fases: De 1908 a 1910, predominan las formas orgánico-fluidas y arabescas, mientras que en la segunda fase, de 1911 a 1917, marcada por la implicación de Matisse con el cubismo, predominan las formas geométricas. Matisse nunca supeditó su pintura a un estilo uniforme, sino que cambió frecuentemente de posición, pasando de periodos decorativos a otros más realistas.

En 1909, el mecenas ruso Sergei Ivanovich Shchukin encargó dos grandes obras, La Danse (La Danza) y La Musique (La Música), para decorar la escalera de su residencia moscovita. Se crearon dos versiones de La Danza en diferentes tonos de color. Matisse se inspiró en la danza circular provenzal Farandole. Los cuadros, formados cada uno por cinco cuerpos delante de un fondo fuertemente coloreado, transmiten alegría de vivir; el estilo decorativo se combina con la figura humana. Su monumentalidad se debe a la simplificación de los medios pictóricos: se aplican pocos colores en grandes superficies homogéneas, el dibujo se convierte en una línea pura que forma las formas. La Danza es una de las obras más famosas de Matisse. La simplificación de las formas determina también el cuadro Ramo de flores y plato de cerámica (1911). Henri Matisse resumió sus impresiones sobre los iconos rusos y los objetos de esmalte en una entrevista concedida al periódico Utro Rossii (Утро России) el 27 de octubre de 1911, durante su estancia en Moscú:

Durante la Primera Guerra Mundial, su escala de colores se oscureció; la reducción a formas geométricas al estilo del cubismo alcanzó su punto culminante en 1914 con el cuadro Vista de Notre Dame y continuó hasta 1918. El color negro desempeñó un papel importante durante los años de la guerra; un ejemplo es la ventana de la puerta de Collioure, 1914.

Periodo de Niza (1917-1929)

Matisse se dedicó, entre otras cosas, a pintar odaliscas en diversas posturas. Los retratos, los interiores inundados de luz, las naturalezas muertas y los paisajes fueron también el centro de su interés representativo. Sus obras tenían más rasgos naturalistas que nunca. Al hacer realidad su imaginación, Matisse demostró su creencia en la pintura como "fuente de alegría inagotable".

El amor por el color y el detalle es evidente en los a menudo inusuales "fondos ornamentales". El cuadro Figura decorativa sobre fondo ornamental (1925

Periodo de simplicidad renovada (1929-1940)

Al periodo de Niza siguió un periodo de renovada simplicidad. Las aspiraciones artísticas de Matisse se centran en la armonía entre el máximo desarrollo del color y una progresiva abstracción de la forma representativa.

En 1929 viajó a Estados Unidos y fue miembro del jurado del 29º Carnegie International. Un año más tarde viajó a Tahití, Nueva York y Baltimore (Maryland), así como a Merion (Pensilvania). Albert C. Barnes de Merion, un importante coleccionista de arte moderno que ya poseía la mayor colección de Matisse en América, encargó al artista un gran mural para la galería de arte de su casa. Matisse eligió el tema de la danza, que ya había calado en él desde su etapa fauvista. El mural La danza existe en dos versiones debido a un error en las medidas; se instaló en mayo de 1933 y actualmente se expone en la Fundación Barnes. En su simplicidad, la composición representa a mujeres bailando en movimientos extremadamente fuertes sobre un fondo abstracto, casi geométrico. Durante los trabajos preliminares del mural, Matisse utilizó un nuevo procedimiento, ensamblando la composición a partir de recortes de papel coloreado. A partir de 1940, las siluetas se convirtieron en el medio de expresión preferido de Matisse, técnica que conservó hasta el final de su vida.

Plazo de prescripción de lo esencial (1940-1954)

La reducción de la forma a la abstracción llevó a Matisse a hacer hincapié en el elemento dinámico. Hacia 1943, debido a su grave enfermedad, las siluetas se convirtieron en el principal medio de expresión de la obra del artista; hacia 1948, Matisse dejó de pintar por completo. Hacía que sus ayudantes pintaran hojas de papel con témpera monocroma, de las que recortaba sus figuras y formas libres (gouaches découpées). Matisse llamaba a esta técnica "dibujo con tijeras". Ofrecía la posibilidad de combinar línea y color y era, por tanto, la solución a su inquietud que buscaba desde hacía tiempo. En el dibujo, podía representar una impresión en unos pocos trazos, aunque sin color. En la pintura, faltaba esta espontaneidad. Cuando las tijeras sustituyen al pincel y dibujan directamente sobre la pintura, se supera la oposición entre color y línea. El resultado -el corte- es más nítido que la línea dibujada, por lo que tiene un carácter diferente. En 1947, una secuencia de siluetas de los años 1943 a 1944 se publicó como libro de artista bajo el título Jazz, reproducidas mediante impresión estarcida. El título alude a la espontaneidad e improvisación del estilo musical del jazz. Sobre el uso de las líneas, Matisse escribió en este libro:

Además, hay diseños para tapices como Polinesia - El cielo y Polinesia - El mar, de 1946. La decoración de una capilla, la Capilla del Rosario (también llamada Chapelle Matisse) en Vence, inaugurada en 1951, cuyas vidrieras también había preparado en siluetas, muestra las primeras vidrieras del artista. Otro ejemplo es la serie Desnudo azul, de 1952; es exclusivamente en azul y blanco y tiene un efecto escultórico en su abstracción.

Matisse creó dibujos, estudios para sus obras, en gran número. Su interés por la obra gráfica comenzó hacia 1900, cuando empezó a grabar al aguafuerte a modo de prueba. El catálogo razonado de grabados publicado por su hija Marguerite Duthuit y su nieto Claude Duthuit describe unas 800 obras, centrándose en los aproximadamente 300 aguafuertes y 300 litografías realizados entre 1908 y 1948 y fechados entre 1906 y 1952. Además, creó 62 obras en aguatinta, 68 monotipos, 70 linograbados y, desde el primer periodo de 1906

Tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial, la obra gráfica de Matisse ocupó un espacio más amplio, con ilustraciones para Pasiphaé (1944) de Henry de Montherlant, Visages (1946) de Pierre Reverdy, Lettres portugaises (1946) de Mariana Alcaforado, Les Fleurs du Mal (1947) de Charles Baudelaire, Florilège des Amours de Pierre de Ronsard (1948) y Poèmes de Charles d'Orléans (en cambio, añadió ilustraciones en color a su famoso libro de artista Jazz, de 1947, en el que escribió sus reflexiones sobre el arte y la vida.

Más de la mitad de las esculturas de Matisse fueron creadas entre 1900 y 1910, y a menudo trabajó en series, simplificando la forma con el paso de los años. La primera obra tridimensional de 82, Jaguar devorando una liebre, fue creada durante sus estudios de escultura a partir de 1899 y apunta no sólo a la influencia de Auguste Rodin, sino también a la de Antoine-Louis Barye, conocido escultor francés conocido por sus esculturas de animales. Matisse modeló la escultura del Jaguar a partir de la escultura en bronce de Barye Jaguar dévorant un lièvre, en la que trabajó de 1899 a 1901. Al igual que el cuadro del mismo nombre, la escultura La sirvienta fue creada en 1900 y terminada en 1903. El italiano Bevilaqua, que ya había modelado para Rodin en sus obras Juan Bautista (1878) y Caminante (1900), le sirvió de modelo. Matisse a menudo transponía motivos de sus esculturas a pinturas o viceversa. El tamaño de sus esculturas no se correspondía con el tamaño natural, como ocurría con los escultores tradicionales, sino que se creaban en un formato más pequeño.

En 1907 comenzó a trabajar en el Desnudo recostado, que había desarrollado a partir del cuadro Lujo, silencio y deseo (1904-1905). Este tema le ocupará durante treinta años. La escultura Dos Negras de 1908 se encuentra de nuevo en su Bodegón de 1910, Bronce con fruta. El cuadro de Cézanne Las tres bañistas, adquirido en 1899, sirvió a Matisse de modelo en obras que representan el cuerpo de forma monumental, como la serie de relieves de desnudos en decúbito supino que Matisse creó entre 1909 y 1929. La inspiración de la serie Jeannette I - V, de 1910 a 1913, fue un cuadro impresionista anterior; la cabeza de Jeanette se fue distanciando en las versiones. Jeanette V es precursora de la abstracción física que se extendió posteriormente en el arte a partir de la década de 1930. La inspiración en el arte primitivo no se reflejó en sus pinturas, como ocurrió con Picasso, sino que sus transformaciones se limitaron en este sentido a la obra escultórica.

Casi todas sus esculturas constan de una edición de diez ejemplares, con una excepción: el Pequeño torso delgado de 1929 sólo existe en tres ejemplares. Matisse utilizó la técnica de fundición en arena y a la cera perdida. La mayoría de sus obras escultóricas fueron fundidas en años posteriores, cuando un mayor número de coleccionistas se interesó por ellas. Los Desnudos de espaldas I - IV, que figuran entre las esculturas más importantes de Matisse, no se fundieron hasta después de su muerte, a instancias de sus herederos. En la década de 1990, los herederos mandaron destruir la mayoría de los moldes originales para evitar nuevas ediciones.

De los cuatro grandes pintores franceses de la primera mitad del siglo XX -Matisse, Picasso, Derain y Braque-, Matisse fue el primer teórico. Su escrito de 1908, Notes d'un peintre (Notas de un pintor), precedió en bastante tiempo a las declaraciones publicadas de Braque y Picasso. Aunque la primera entrevista de Braque (1908) se publicó en 1910, sus textos no vieron la luz hasta 1917. La primera declaración teórica de Picasso, Picasso habla, apareció en mayo de 1923.

En Notas de un pintor, Matisse aclara las principales preocupaciones de su arte: la "expresión" ("Ausdruck und Aussage"), el tratamiento mental de las formas naturales, la claridad y el color. Además, en este artículo confiesa su creencia en el arte como expresión de la personalidad. Para él, no es ni la representación de una "imaginación" ni un mediador de ideas literarias, sino que lo basa en la síntesis intuitiva de impresiones de la naturaleza. En este escrito, un pasaje central, citado a menudo, reza:

El segundo texto teórico Notes d'un peintre sur son dessin (Notas de un pintor sobre su dibujo) apareció en Le Point en 1939. En los años posteriores a 1930, realizó numerosos dibujos lineales, ejecutados a lápiz o pluma; los dibujos a pluma y tinta, según definió Matisse, "sólo surgieron tras cientos de dibujos, tras ensayos, percepciones y definiciones de la forma; luego los dibujé con los ojos cerrados".

Testimonios de contemporáneos

El impresionista Auguste Renoir, muchos años mayor que él, hizo un comentario a Henri Matisse hacia el final de la Primera Guerra Mundial, cuando Matisse le visitó en el sur de Francia:

En 1905, el también pintor Paul Signac, seis años mayor que él, compró el cuadro de Matisse Lujo, silencio y voluptuosidad, expuesto en el Salón de los Independientes. Un año más tarde, el neoimpresionista se burló de la obra de Matisse La alegría de vivir expuesta en el Salón:

Gertrude Stein, mecenas de Matisse, describió su cuadro de 1907 Desnudo azul (Recuerdo de Biskra) y su intención de la siguiente manera:

El pintor alemán Hans Purrmann, alumno y amigo de Matisse, organizó en 1908 una exposición en Berlín, en la galería de Paul Cassirer. La exposición fue muy criticada. En una reunión conjunta con Max Liebermann en la galería, este último temió "la ruina de la juventud" a la vista de los cuadros y prefirió ocuparse de su perro salchicha. "Pintura de pan de jengibre" y "papel pintado" eran los tópicos de la época sobre la pintura de Matisse. Unos años antes de la muerte de Matisse, Purrmann comentó las circunstancias de su vida tardía:

Picasso expresó muy a menudo su aprecio por Matisse. Entre las numerosas expresiones de Picasso, sin embargo, la que figura a continuación es la que más claramente indica hasta qué punto Picasso reconocía la obra de Matisse:

Relación con Picasso

Matisse era el único artista contemporáneo al que Picasso consideraba su igual. Ningún otro artista contemporáneo había significado tanto para él como Matisse, a pesar de sus orientaciones artísticas opuestas. Durante sus encuentros se producía un animado intercambio. "Tenemos que hablar entre nosotros todo lo que podamos", le dijo Matisse a Picasso a finales de la década de 1940, y añadió: "Cuando uno de los dos muera, habrá cosas de las que el otro no podrá hablar con nadie más".

Picasso, que a veces también lanzaba crueles insultos, nunca permitió que nadie criticara a Matisse. Hay muchas pruebas de ello, y uno de los mejores testimonios es el de Christian Zervos. Matisse y Picasso pasaron una tarde en la Coupole con otras personas. Matisse abandonó el grupo por un momento. Cuando alguien le preguntó adónde había ido, Picasso respondió que estaba sentado a salvo en su corona de laurel. La mayoría de los presentes, buscando la aprobación de Picasso, empezaron a atacar a Matisse. Picasso se enfadó y gritó: "No toleraré que digáis nada en contra de Matisse, es nuestro pintor más grande.

De este modo, ambos se rindieron homenaje mutuamente. Picasso dijo: "Básicamente, no hay nada más que Matisse. "Sólo Picasso puede salirse con la suya. Puede confundirlo todo. Desfigura, mutila, desmembra. Siempre tiene razón", dijo Matisse. "Sólo por eso, por ejemplo, Matisse es Matisse: porque tiene el sol en el cuerpo", dijo Picasso.

La respetuosa relación artística entre estos dos artistas estandartes del siglo XX, marcada por una rivalidad creativa, es destacada con detalle por Françoise Gilot en su libro Matisse y Picasso - Una amistad de artistas.

Su oposición era evidente en las cuestiones fundamentales sobre el carácter del cuadro y el significado del arte. Picasso quería el cuadro disonante, Matisse el cuadro armonioso. Sus opuestos emergen nítidamente en las siguientes citas: "La pintura no está para decorar pisos. Es un arma de ataque y de defensa", dijo Picasso en una entrevista publicada en 1945 en Lettres Françaises. "Un cuadro en la pared debe ser como un ramo de flores en la habitación", comentaba Matisse unos meses más tarde en la misma revista.

Por otra parte, la obra de Cézanne es el elemento que conecta a ambos. Picasso, al igual que Matisse, había estudiado sus cuadros y más tarde le dijo al fotógrafo Brassaï: "¡Cézanne! Fue el padre de todos nosotros". Matisse estudió, entre otras cosas, las cartas de Cézanne, y tenía en común con él el instinto exploratorio que se esfuerza por producir una imagen plenamente "realizada" (sobre esto, véase → réalisation en Cézanne). Esta búsqueda e investigación, que recorre los escritos de Matisse como un hilo rojo, es muy pronunciada en la obra de Cézanne.

La resistencia de Matisse a la pintura abstracta

Con inquebrantable vehemencia, Matisse condenó la pintura abstracta en una conversación con Marie Raymond en 1953. "Términos como no representativo o abstracto no son más que un escudo para ocultar una deficiencia". Y añade: "Escríbalo exactamente como yo se lo digo: Matisse está en contra del arte abstracto. Picasso piensa exactamente como yo: todos los que han creado una obra piensan como yo".

Cuando Marie Raymond le preguntó si su obra tardía no mostraba cierto acercamiento a los experimentos de los abstractos, Matisse respondió que el arte siempre había sido abstracto y que si fuera más joven iniciaría una campaña contra el arte abstracto.

En otro lugar, al justificar su rechazo de la pintura abstracta, subrayó que ésta sólo imitaba la abstracción.

Influencia del expresionismo abstracto en EE.UU.

Después de que Mark Rothko, representante del Expresionismo Abstracto, viera el Estudio Rojo (Das rote Atelier, 1911) de Matisse en el Museo de Arte Moderno de Nueva York a finales de la década de 1940, quedó muy impresionado por la obra del artista francés, que ejerció una gran influencia en la suya. Como Rothko contó en una ocasión, pasó "horas y horas" sentado frente al cuadro. En 1954, el año de la muerte de Matisse, Rothko pintó Homenaje a Matisse; esta obra alcanzó un precio de más de 22 millones de dólares en una subasta celebrada en noviembre de 2005.

Los pintores expresionistas abstractos estadounidenses como Robert Motherwell, Sam Francis, Frank Stella y el pintor de campos de color Ellsworth Kelly también se vieron influidos por la obra de Matisse.

Matisse y sus modelos

Existen muchos prejuicios sobre la vida y la obra de Matisse; por ejemplo, que tuvo aventuras con sus modelos femeninas. Hilary Spurling, biógrafa británica de Matisse, ha relegado esta suposición al terreno de la leyenda. Escribe que las cartas, los diarios y los informes de sus compañeros ofrecen una imagen diferente: "Todos describían un sistema de austeridad y disciplina monacal, y todos habían sido llevados al límite de lo soportable por la inhumana norma de automortificación de Matisse". Spurling ha mantenido extensas conversaciones con todos los modelos que aún viven.

Películas sobre Matisse

El escritor Louis Aragon conoció a Henri Matisse en el invierno de 1941, cuando huyó con Elsa Triolet de la parte ocupada de Francia a Niza para continuar su trabajo juntos en la Résistance. Surgió una profunda amistad, de la que nació el libro de Aragon sobre Matisse, Henri Matisse, roman, aunque no pudo completarse hasta poco después de la muerte de Elsa en 1971. La obra de Aragon, con su mezcla de autobiografía y crítica de arte, además de ensayos y poemas, sirvió de modelo al cineasta Richard Dindo, que ya había realizado documentales sobre Max Frisch y Arthur Rimbaud, entre otros. En la película en color de 52 minutos Aragon, le roman de Matisse, Dindo describe el regreso a los lugares donde Matisse había vivido. Un acertado montaje condensa imágenes y sonidos en una lectura cinematográfica de cuadros, libros y lugares auténticos. Producción: Lea Produktion, Zúrich 2003, dirigida por Richard Dindo.

También se realizaron películas que están disponibles en vídeo y fueron emitidas por varias cadenas de televisión: Gero von Boehm filmó Henri Matisse - los años en Niza, grabación de televisión: ARD, 4 de octubre de 1988. Matisse - Picasso, una amistad improbable de Philippe Kohly de 2002 es un reportaje cinematográfico francés, grabación de televisión: 3sat, 20 de julio de 2003. Henri Matisse - un viaje cinematográfico (OT: Henri Matisse - un voyage en peinture), un retrato cinematográfico, fue editado por Heinz Peter Schwerfel, Alemania.

El telefilme de media hora Matisse & Picasso: A Gentle Rivalry se realizó en 2001; trata de los retratos de los dos "gigantes" del arte del siglo XX. Muestra, entre otras cosas, fotografías raramente publicadas de sus pinturas y esculturas, así como fotos y películas de los dos artistas procedentes de archivos que les muestran trabajando. Geneviève Bujold es la voz de Françoise Gilot, Robert Clary es Matisse y Miguel Ferrer es Picasso. La producción, ganadora de un Emmy nacional, es de KERA-Dallas

Matisse en el mercado del arte

Las obras de Matisse suelen alcanzar los precios más altos en las subastas. Ejemplos de los últimos años son el cuadro L'Espagnole (1922), subastado por 10,121 millones de dólares en Sotheby's de Nueva York en 2007, y el cuadro de 1911 Les coucous, tapis bleu et rose, que alcanzó el precio récord para un cuadro de Matisse en la subasta de Christie's de la colección de arte del diseñador de moda Yves Saint Laurent en París en febrero de 2009. El martillo cayó en 35.905.000 euros. Sin embargo, a diferencia de Picasso, sus obras no figuran entre los doce cuadros más caros del mundo en la actualidad. Su relieve en bronce, Nu de dos 4 état, subastado en Christie's el 3 de noviembre de 2010, estableció el récord para una obra de Matisse (en dólares): La Gagosian Gallery de Nueva York la adquirió por más de 48 millones de dólares (equivalentes a algo más de 43 millones de euros).

Retrato de mujer descubierto en el hallazgo de arte de Schwabing

En una rueda de prensa sobre el hallazgo de arte de Schwabing celebrada el 5 de noviembre de 2013, se mostró un retrato de una mujer sentada atribuido a Matisse, realizado hacia 1924, que había sido confiscado en 1942 por el Einsatzstab Reichsleiter Rosenberg de la cámara acorazada del banco del marchante de arte Paul Rosenberg en Libourne. El hallazgo de arte de Schwabing es el descubrimiento de 1280 obras de arte en el piso muniqués de Cornelius Gurlitt el 28 de febrero de 2012. Además del retrato de Matisse, entre las obras allí encontradas, algunas desconocidas, figuran obras de Marc Chagall, Otto Dix, Max Liebermann, Franz Marc y Pablo Picasso.

Matisse en la vida cotidiana y la ciencia, matrícula de honor

Las obras del artista son tan populares en la actualidad que se ofrecen muchos pósters con imágenes de sus obras, así como rompecabezas, por ejemplo el de 1000 piezas con la obra La Danza. El fabricante de automóviles Citroën no sólo produce un coche con el nombre de su amigo y antípoda Picasso, sino desde 2006 también el C Matisse. El nombre de Matisse también está presente en la escena musical: En 1999, un grupo de rock griego alternativo de Atenas se hizo llamar Matisse, y hay un pub musical del mismo nombre en Troisdorf. En 1993 se cultivó una rosa que lleva su nombre. En Francia, calles y plazas llevan el nombre de Matisse.

En el planeta Mercurio, los cráteres llevan el nombre de personalidades conocidas fallecidas, por ejemplo artistas, pintores, escritores y músicos. El cráter Matisse fue bautizado en 1976 con el nombre de Henri Matisse; tiene un diámetro medio de unos 190 kilómetros y está situado en el hemisferio sur de Mercurio. El 2 de abril de 1999, un asteroide del cinturón principal interior descubierto en 1973 recibió el nombre de Matisse: (8240) Matisse.

Pinturas y siluetas, obra gráfica

Recopilaciones biográficas

Etapas de la vida

Informes de testigos oculares

Aspectos individuales del trabajo

Impacto y acogida

Catálogo razonado

Ficción

Libros para niños

Museos

Biografías

Imágenes

Fuentes

1. Henri Matisse
2. Henri Matisse
3. Lawrence Gowing: Matisse, Umschlagrückseite, 1997, ISBN 3-7852-8406-3.
4. « https://archives.yvelines.fr/rechercher/archives-en-ligne/correspondances-du-musee-departemental-maurice-denis/correspondances-du-musee-maurice-denis », sous le nom MATISSE Henri (consulté le 12 février 2022)
5. Le Journal des Arts, Lina Mistretta : "Et Matisse fut", 17 décembre 2019 [1]
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7. ^ Wattenmaker, Richard J.; Distel, Anne, et al. (1993). Great French Paintings from the Barnes Foundation. New York: Alfred A. Knopf. ISBN 0-679-40963-7. p. 272
8. ^ Spurling, Hilary (2000). The Unknown Matisse: A Life of Henri Matisse: The Early Years, 1869–1908. University of California Press, 2001. ISBN 0-520-22203-2. pp. 4–6
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11. Spurling, Hilary (2001). The Unknown Matisse: A Life of Henri Matisse: The Early Years, 1869—1908. University of California Press, 2001. ISBN 0-520-22203-2, с. 4—6.
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13. Bärbel Küster. «Arbeiten und auf niemanden hören.» Süddeutsche Zeitung, 6 July 2007.