Resumen

Pablo Ruiz Picasso († 8 de abril de 1973 en Mougins, Francia, nombre completo Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso) fue un pintor, artista gráfico y escultor español. Su extensa obra incluye pinturas, dibujos, grabados, collages, esculturas y cerámicas, cuyo número total se estima en 50.000. Se caracteriza por una gran variedad de formas de expresión y técnicas artísticas. Las obras de sus periodos azul y rosa y la fundación del cubismo junto a Georges Braque marcan el inicio de su extraordinaria carrera artística.

Una de las obras más famosas de Picasso es el cuadro Les Demoiselles d'Avignon (1907). Se convirtió en un cuadro clave del modernismo clásico. A excepción del monumental cuadro Guernica (1937), transposición artística de los horrores de la Guerra Civil española, ninguna otra obra de arte del siglo XX ha desafiado tanto a la investigación como Les Demoiselles. El motivo de la paloma del cartel que diseñó para el Congreso Mundial de la Paz de París en 1949 se convirtió en un símbolo de la paz en todo el mundo.

Amplias colecciones de Picasso se exponen en museos de París, Barcelona y Madrid. Tiene una destacada representación con obras en muchos de los principales museos de arte del mundo que exponen arte del siglo XX. Durante su vida se crearon el Museu Picasso de Barcelona y el Musée Picasso de Antibes.

Infancia y educación (1881-1900)

Pablo Ruiz Picasso nace el primer hijo de José Ruiz Blasco (1838-1913) y María Picasso y López (1855-1938), presumiblemente mortinato. Siguiendo el sistema tradicional de nomenclatura malagueña, recibió varios nombres de pila al nacer en 1881: Pablo, Diego, José, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, María de los Remedios, Crispiniano de la Santísima Trinidad, de los cuales sólo Pablo (una reverencia al hermano mayor de Blasco que murió poco antes de la fecha original de la boda) llegó a ser común.

Su padre era pintor independiente y profesor en la "Escuela de San Telmo", una escuela de artes y oficios en la tradición de la pintura académica del siglo XIX, además de conservador de un pequeño museo. Su hermana Dolores (Lola) nació en 1884 y su hermana Concepción (Conchita) en 1887.

Picasso describió las habilidades artísticas de su padre: "Mi padre pintaba cuadros para comedores; perdices o palomas, palomas y conejos: Llevaban pieles y plumas, y los pájaros y las flores eran su especialidad. Especialmente palomas y lilas". Comenzó a pintar a los siete años bajo la dirección de su padre. En 1890 terminó el óleo Picador, comenzado en 1889, que muestra a un torero en la plaza y se considera su primer óleo conocido.

En 1891, la familia se trasladó a A Coruña, en Galicia, donde el padre de Picasso había aceptado un puesto como profesor de arte en el "Instituto da Guarda". Picasso ingresa en la Escuela de Bellas Artes a los diez años. A partir de 1894 empezó a llevar diarios, que tituló La Coruña y Azul y Blanco e ilustró con retratos y caricaturas. Ese mismo año empezó a firmar sus obras "P. Ruiz".

Tras la muerte de su hermana Conchita, que falleció de difteria en enero de 1895, la familia se trasladó a Barcelona, donde Picasso aprobó fácilmente el examen de ingreso en la academia de arte "La Llotja" en un solo día a la edad de 14 años -a su padre le ofrecieron un trabajo como profesor allí-, por lo que se le permitió saltarse las dos primeras clases. Un año más tarde, su padre montó su primer estudio cerca del piso de sus padres, que Picasso utilizó junto con su amigo Manuel Pallarès, pintor catalán.

En 1897, Picasso estudió durante un breve periodo en la prestigiosa Real Academia de San Fernando, en Madrid capital, pero volvió a abandonarla porque no le gustaban los métodos de enseñanza que allí se impartían. En su autorretrato de 1897

Tras un ataque de escarlatina, que le obligó a convalecer en Horta de Sant Joan (Cataluña), regresó a Barcelona en 1898. Aquí frecuentó los círculos artísticos de vanguardia del modernismo catalán, como Ramon Casas, Carlos Casagemas, Isidre Nonell, Ramon Pichot i Gironès y Santiago Rusiñol, que se reunían en el café y centro de artistas Els Quatre Gats.

A partir de junio de 1898 pasó ocho meses con su amigo pintor Manuel Pallarès (1876-1974) en Horta de Sant Joan, pueblo natal de éste, y en 1899 conoció al poeta Jaime Sabartés, que se convertiría en su íntimo amigo y en 1935 en su secretario.

En febrero de 1900 se presenta en "Els Quatre Gats" la primera exposición individual de Picasso, pero, criticada por la crítica, sólo tuvo un moderado éxito de ventas. Ese mismo año, con motivo de la Exposición Universal, Picasso realizó su primer viaje a la metrópoli del arte de París junto con su amigo Casagemas, donde quedó impresionado por las obras impresionistas de Paul Cézanne, Edgar Degas y Pierre Bonnard. En octubre comparte temporalmente con Casagemas un estudio en Montmartre, en el número 49 de la rue Gabrielle, que Nonell había abandonado. Fue entonces cuando conoció las obras de Henri de Toulouse-Lautrec, que le inspiraron para pintar coloridas representaciones de la vida metropolitana.

París - Madrid - Barcelona - París (1901-1907)

En enero de 1901, Picasso regresa a Madrid. Recibió una noticia que le sacudió profundamente: su amigo Carlos Casagemas se había pegado un tiro en París el 17 de febrero por amor decepcionado hacia la bailarina Germaine Gargallo.

A partir de marzo de ese año aparece el primero de un total de cinco números de la revista Arte Joven, dirigida por el escritor catalán Francisco de Assis Soler, en la que Picasso colabora con ilustraciones en calidad de coeditor. Su firma volvió a cambiar, firmaba sólo "Picasso". Sin embargo, la revista tuvo que interrumpirse al poco tiempo por motivos económicos. Picasso abandonó Madrid tras la interrupción de Arte Joven y regresó a Barcelona. Dos años más tarde realizó un retrato del escritor.

En mayo, el aspirante a artista visitó de nuevo París. Su primer marchante, Pere Mañach, con quien se alojó, la galerista Berthe Weill y, sobre todo, el marchante y editor Ambroise Vollard se esforzaron por atraer al joven y prometedor artista. A partir del 24 de junio de 1901, Vollard muestra por primera vez obras de Picasso en una exposición en París, en su galería del número 6 de la rue Laffite, y se convierte en su mecenas durante los periodos Azul y Rosa de Picasso. La obra cubista posterior no le pareció tan positiva. El retrato cubista de Vollard fue pintado por Picasso en 1910.

Picasso dedicó el cuadro Evocación - El entierro de Casagemas a su amigo Casagemas en 1901. Se considera el primer cuadro del Periodo Azul. El retrato de Casagemas también aparece en la figura masculina del melancólico cuadro de 1903, La Vie (La Vida). Las obras de este periodo le granjearon más aprobación por parte de galeristas y críticos que sus pinturas anteriores. En una reseña, un amigo de Gauguin, el poeta Charles Morice, vio la "estéril tristeza", pero sin embargo atestiguó de Picasso un "verdadero talento".

En octubre de 1902, Picasso regresa a París por tercera vez, primero alojándose en hoteles y después con el poeta Max Jacob, que debe trabajar como ayudante en una tienda de modas. En invierno, los amigos calentaban la habitación con los dibujos de Picasso porque no había dinero para material de calefacción; por la misma razón, Picasso utilizaba petróleo iluminante en lugar de aceite para pintar y ahorraba en carpetas.

En 1903 Picasso trabajó muy productivamente en Barcelona, pero regresó a París, donde vivió en el Bateau-Lavoir desde abril de 1904 hasta octubre de 1909. Era una casa destartalada con numerosos estudios de artistas en Montmartre. El escultor español Paco Durrio, amigo de Picasso, y el pintor Kees van Dongen ya habían encontrado alojamiento allí. Más tarde se unieron a ellos Max Jacob y Juan Gris, entre otros.

Entabló amistad con el poeta Guillaume Apollinaire y en 1904 conoció a Fernande Olivier, que se convirtió en su compañera y musa de 1905 a 1912. Fernande era una mujer divorciada de clase media baja, entusiasta de la pintura de los impresionistas. Escribió sobre su encuentro con Picasso en sus memorias Picasso et ses amis, publicadas en 1933:

Representó a Fernande Olivier, entre otras, en el óleo La Toilette en 1906 o fundida en bronce como Tête de femme en 1909. El alojamiento en el Bateau-Lavoir era escaso. El marchante de arte de Picasso, Kahnweiler, recuerda el frío glacial y las corrientes de aire del estudio en invierno e informa de que en verano, "cuando hacía demasiado calor, Picasso trabajaba completamente desnudo en el pasillo con las puertas abiertas, con sólo un paño alrededor de los lomos".

Clovis Sagot, antiguo payaso de circo, había instalado una galería en una antigua farmacia de la rue Laffitte. Fue allí donde el coleccionista de arte estadounidense afincado en París Leo Stein, hermano de la poetisa y coleccionista de arte Gertrude Stein, descubrió el cuadro de Picasso en 1905. El primer cuadro del artista que compró Leo Stein, Muchacha con cesta de flores, no fue del agrado de su hermana. Cuando Picasso conoció a los hermanos en Sagot, los invitó a su estudio y pudo venderles cuadros por 800 francos, lo que también despertó el interés de Gertrude Stein.

Los Stein celebraban regularmente fiestas los sábados en su salón cercano al Jardin du Luxembourg, en el número 27 de la rue de Fleurus, donde se reunían los artistas de vanguardia, entre ellos Picasso, que conoció y entabló amistad con Henri Matisse en 1906. En el Salón de Otoño, los fauves, a los que pertenecía Matisse, habían llamado la atención con su primera exposición conjunta el año anterior.

El galerista Vollard no tardó en comprar las obras de Picasso por 2.000 francos, lo que mejoró considerablemente su situación financiera. En 1906 pintó su retrato Gertrude Stein, para el que se dice que la escritora posó hasta noventa veces. En primavera, Picasso interrumpe las sesiones de retratos con Gertrude Stein. Conoció a Derain por mediación de Alice Princet. En el verano de ese mismo año, se aloja en Gósol con Fernande Olivier. Cuando regresó a París, Picasso completó de memoria el retrato de Gertrude Stein y redujo los rasgos faciales a la sencillez de las máscaras ibéricas.

A partir de 1905, los tonos rosados comienzan a predominar en las obras de Picasso. Así, el cuadro Muchacho con pipa, de 1905, marca la transición del periodo azul al rosa. En comparación con el Periodo Azul, hay poca melancolía en las obras de este periodo. El azul se desvanece en el fondo. Entre sus motivos pictóricos destacan los malabaristas, los equilibristas y los arlequines, tristes bufones de la commedia dell'arte.

Desde el invierno de 1906, Picasso prepara el gran cuadro Les Demoiselles d'Avignon en numerosos estudios y variaciones, que termina en julio de 1907. Con Les Demoiselles puso la primera piedra del pensamiento cubista e inició el periodo conocido como la "période nègre".

Las reacciones iniciales al ver Demoiselles en el estudio de Picasso fueron abrumadoramente negativas. El cuadro fue considerado inmoral y muy criticado por muchos, incluso por amigos íntimos de Picasso. Aparte de Wilhelm Uhde, sólo Leo Stein simpatizó inicialmente con las Demoiselles, pero dejó de comprar sus nuevas obras. Los artistas del fauvismo, Matisse y Derain, expresaron su desaprobación. Gertrude Stein siguió promocionando a Picasso y se acercó al cubismo en su expresión literaria. En 1938 escribió un panfleto sobre Picasso.

Wilhelm Uhde atrajo la atención del joven galerista alemán Daniel-Henry Kahnweiler, que había abierto su primera galería en el número 28 de la rue Vignon. Kahnweiler se convirtió en su mecenas más importante y expuso las obras de Picasso ese mismo año. Picasso había asistido en 1907 a la gran retrospectiva de Paul Cézanne en el Salón de Otoño de París, organizada un año después de la muerte del artista. A través de Apollinaire, Picasso conoció a finales de año al pintor fauvista Georges Braque, de su misma edad; su amistad con Braque tendría una gran repercusión en el curso de la historia del arte moderno.

Picasso funda el cubismo con Braque (1908-1914)

Picasso pasa el verano de 1908 con Fernande Olivier en La Rue-des-Bois, al norte de París. En otoño de ese mismo año, Braque y Picasso compararon los cuadros que habían creado en verano: Braque en L'Estaque y Picasso en La Rue-des-Bois. Eran extrañamente similares. Braque, a diferencia de Picasso, expuso su obra en la Galería Kahnweiler en noviembre de ese año. En la reseña de la exposición de los cuadros de Braque, el crítico de arte francés Louis Vauxcelles acuñó por primera vez el término "cubos" en la revista de arte Gil Blas. Vauxcelles se refería en particular al cuadro de Braque Casas en L'Estaque.

Entre septiembre de 1908 y mayo de 1909, Picasso y Braque se vieron casi a diario; Kahnweiler era el tercer miembro del grupo y mediaba entre los artistas tan diferentes, el sensato y sistemático Braque y el fogoso Picasso. Su relación de trabajo era tan intensa que los artistas se comparaban con los hermanos Wright, los pioneros del vuelo, y se vestían como mecánicos.

También en 1908, el pintor español Juan Gris se había instalado en el Bateau-Lavoir, donde se convirtió en vecino de estudio de Picasso. Tras haber comenzado a explorar el cubismo en 1911, Gris realizó el retrato cubista Hommage à Picasso en 1912.

En noviembre de 1908, Picasso dio una gran fiesta en su estudio del Bateau-Lavoir en honor de Henri Rousseau, de quien había adquirido el retrato de tamaño natural de un antiguo amigo de Rousseau, el llamado Yadwigha, que conservaría el resto de su vida. Raynal relató como testigo presencial el banquete de Rousseau, que se ha hecho famoso en la historia del arte y al que asistieron Apollinaire, Jacob, Salmon, Uhde y los hermanos Stein, así como la joven pintora Marie Laurencin: "Era un auténtico granero. En las paredes, que habían sido despojadas de sus ornamentos habituales, sólo colgaban unas hermosas máscaras negras, una mesa de monedas y, en el lugar de honor, el gran retrato de Yadwigha pintado por Rousseau". Poco después del banquete, Picasso abandonó el Bateau-Lavoir en 1909 y vivió en un estudio en el 130 del Boulevard de Clichy hasta 1912.

Fernand Léger y Robert Delaunay conocieron las obras de Picasso y Braque gracias a la mediación de Kahnweiler. A partir de entonces, las influencias de Picasso y Braque se dejaron notar en los cuadros de muchos pintores. En 1911 se formó un grupo de pintores que se denominó Cubistas de Salón. Además de Léger y Delaunay, entre ellos se encontraban los artistas Albert Gleizes, Jean Metzinger y Henri Le Fauconnier. Picasso y Braque se distanciaron de los cubistas del Salón.

En el verano de 1911, los amigos Apollinaire y Picasso son sospechosos de estar implicados en el robo del cuadro más famoso del Louvre, la Gioconda. Ella había desaparecido sin dejar rastro el 21 de agosto de 1911, y ambos fueron objeto de escrutinio policial por su posesión de máscaras de piedra ibérica adquiridas a través de Géry Pieret -un aventurero belga y empleado en alguna ocasión de Apollinaire-. Tras un registro domiciliario, Apollinaire es detenido el 8 de septiembre por encubrimiento de un delincuente y tenencia de objetos robados; al cabo de dos días revela la implicación de Picasso. Este último fue interrogado pero no detenido. Apollinaire sale de la cárcel unos días más tarde y en enero de 1912 se archiva la causa por falta de pruebas. La Gioconda no reapareció hasta el 13 de diciembre de 1913 en Florencia y regresó al Louvre el 1 de enero de 1914. El ladrón era Vincenzo Peruggia, enmarcador de cuadros en el Louvre.

La primera fase del cubismo, hasta 1912 aproximadamente, se denomina "cubismo analítico". Un ejemplo de ello es el retrato Ambroise Vollard (1910). A partir de 1912 se crearon los Papiers collés, una forma temprana de collage. La transición al "cubismo sintético" había comenzado.

Poco a poco, las obras de Picasso se dieron a conocer en el extranjero. En Alemania, Picasso estuvo representado en la exposición de la Neue Künstlervereinigung de Múnich en 1910, así como en la exposición Sonderbund de Colonia, inaugurada en mayo de 1912, y en la galería Der Sturm de Herwarth Walden en Berlín. Ese mismo año, cuatro obras de Picasso se incluyeron en la segunda exposición del Blaue Reiter en la Galería Goltz de Múnich: Cabeza de mujer (1902), Abrazo (1903), Cabeza (1909) y Naturaleza muerta (1910). En 1913 tuvo lugar la primera gran retrospectiva en la Moderne Galerie de Heinrich Thannhauser, en Múnich.

A partir de noviembre de 1910, la exposición Manet and the Post-Impressionists, organizada por Roger Fry en Londres, mostró, entre otras cosas, pinturas, dibujos y grabados de Picasso, al igual que una exposición posterior en 1912.

En el extranjero, tras la primera exposición de Picasso en 1911 en la Galería 291 de Alfred Stieglitz, el nuevo movimiento artístico también estuvo representado en el Armory Show de Nueva York en 1913, donde se expusieron obras de Braque, Picasso y Matisse, por ejemplo. Se expusieron ocho obras de Pablo Picasso, entre ellas dos naturalezas muertas, el dibujo Mujer desnuda de 1910, Mujer con tarro de mostaza de 1910, cedido por Kahnweiler, y el bronce Cabeza de mujer de 1909, cedido por Stieglitz. Sin embargo, las críticas a todas las exposiciones fueron considerables; el arte moderno aún no era aceptado.

Cuando Picasso rompe su relación con Fernande Olivier en 1912, Eva Gouel, de soltera Marcelle Humbert, a la que llamaba Eva, se convierte en su segunda pareja hasta su temprana muerte en 1915. Picasso pasa el verano de 1913 con Braque y Juan Gris en Céret. Su padre murió ese mismo año. Se traslada al número 5 de la calle Schoelcher, en Montparnasse, tras haber vivido brevemente en el número 242 del bulevar Raspail en 1912.

Periodo de la Primera Guerra Mundial (1914-1918)

Picasso pasa el periodo comprendido entre finales de junio y mediados de noviembre de 1914 con Eva Gouel en Aviñón. Con el estallido de la Primera Guerra Mundial, la situación de muchos artistas cambió bruscamente. El 2 de agosto de 1914, Picasso acompaña a Braque y Derain, que han recibido la orden de presentarse en la estación de Avignon. Braque sufrió una grave lesión en la cabeza en 1915 y, tras sobrevivir a una operación, tardó más de un año en recuperarse. Su marchante Kahnweiler, que era alemán, tuvo que abandonar Francia; Picasso, que como español no tuvo que hacer el servicio de guerra, se quedó en París sin sus amigos.

En julio de 1916, André Salmon organizó una exposición, L'Art moderne en France (el llamado "Salón de Antin"), en la Galería Barbazanges de París. Fue allí donde se presentó al público por primera vez la obra de Picasso Les Demoiselles d'Avignon; el cuadro sólo recibió este nombre de Salmon en ese momento.

Tras la muerte de Eva Gouel, que falleció de tuberculosis en 1915, Picasso mantuvo un romance con Gabrielle Lespinasse, a la que llamaba Gaby. Vivía en el Boulevard Raspail, cerca de su estudio. Durante una estancia en Saint-Tropez en 1916, le declaró su amor, pero ella le rechazó y se casó al año siguiente con el artista estadounidense Herbert Lespinasse. En octubre de 1916, se traslada a Montrouge, cerca de París.

En la primavera de 1917, Picasso asistió en Roma a los ensayos del conjunto de los Ballets Rusos bajo la dirección de Sergei Djagilew para el ballet Parade con libreto de Jean Cocteau y música de Erik Satie. Diseñó el vestuario, los decorados y el telón romántico clásico del escenario. El escritor soviético Ilya Ehrenburg, que vivió exiliado en París, describió el espectacular estreno en mayo de 1917 en el Théâtre du Châtelet de París y el alboroto del público, que exigió que se detuviera la representación: "La música pretendía ser moderna, la escenografía era medio cubista Y cuando un caballo con un hocico cubista realizó un número circense, finalmente perdieron la paciencia: '¡Muerte a los rusos! ¡Picasso es un Boche! Los rusos son boches'". Los amigos de Picasso, sin embargo, estaban encantados. Apollinaire, por ejemplo, consideraba la primera alianza artística entre pintura y danza, escultura y artes escénicas como el comienzo de un arte integral, una especie de "sur-réalisme".

Mientras trabajaba en Parade, Picasso conoció a la bailarina Olga Stepanovna Khokhlova, primera bailarina de los "Ballets Rusos", con la que se casó en París el 12 de julio de 1918. Cocteau, Max Jacob y Apollinaire fueron sus testigos. La pareja se instaló en diciembre en un piso del número 23 de la rue La Boétie. Tras el matrimonio, abandonó su vida bohemia y se convirtió en un "príncipe pintor" con chófer y personal doméstico propios. De su matrimonio nació su hijo Paulo.

Después de Kahnweiler, Picasso fue representado mundialmente por los marchantes Paul Rosenberg y Georges Wildenstein a partir de 1918. Cada año compraban un número considerable de sus cuadros. La asociación de Picasso con Rosenberg duró hasta 1939, la de Wildenstein hasta 1932.

El alejamiento de los cubistas (1916-1924)

Picasso comenzó a distanciarse del círculo de los cubistas ya en 1914. Recordó esta salida y dijo: "El cubismo se ha convertido en una especie de cultura física. De ahí ha surgido un arte artificial, sin relación real con el trabajo lógico que aspiro a hacer".

De 1916 a 1924, su obra muestra una yuxtaposición estilística. Junto a cuadros clasicistas como Tres mujeres en la fuente, de 1921, pintado en Fontainebleau, y Flautas de Pan, de 1923, pintado en su lugar de vacaciones Antibes, había obras en el estilo del cubismo sintético, como Tres músicos, de 1921.

Picasso pudo dedicar más tiempo a desarrollar su lenguaje formal gracias a su creciente fama. Experimentó mucho y puso un nuevo énfasis en su obra escultórica, que había inaugurado en 1902 con Mujer sentada. Al mismo tiempo, se distanció de su esposa Olga.

Examen del surrealismo (1924-1936)

En 1923, Picasso conoce al surrealista André Breton. Ya en el primer número de la revista surrealista La Révolution surréaliste de diciembre de 1924, se reproducía una construcción escultórica de Picasso. En el segundo número de enero de 1925, dos páginas del cuaderno de dibujos de estrellas conservado en Juan-les-Pins en el verano de 1924. En el cuarto número aparece una ilustración del cuadro de Picasso Les Trois Danseuses (Las tres bailarinas) y -por primera vez en Francia- de las Demoiselles d'Avignon.

Sin embargo, el prolongado contacto con los surrealistas no estuvo exento de conflictos. Cuando en 1924 se representó el ballet Les Aventures de Mercure, de Eric Satie, con decorado y vestuario de Picasso, varios surrealistas protestaron por la participación de Picasso, calificando el evento de acto benéfico para la aristocracia internacional. André Breton, Louis Aragon y otros surrealistas, impresionados por el ingenio de Picasso, publicaron entonces una apología en el Paris-Journal declarada Hommage à Picasso. Por otra parte, en 1926, Picasso acusa a los surrealistas de no haberle comprendido en una detallada declaración sobre las intenciones y objetivos de su arte. La revista surrealista anti-Bretton Documents, de Georges Bataille, dedicó su número especial nº 3 de abril de 1930 íntegramente a Picasso.

En 1927 conoció a Marie-Thérèse Walter, a la que retrató de forma minimalista con toques surrealistas en Mujer con flor en 1932. Mantuvo en secreto durante mucho tiempo su relación con Marie-Thérèse, que al principio aún era menor de edad.

El motivo del Minotauro apareció por primera vez en sus obras en 1928; como español, a Picasso siempre le habían fascinado las corridas de toros. El primer número de la revista de artistas surrealistas Minotaure apareció el 25 de mayo de 1933 con una portada de Picasso representando a un minotauro, en consonancia con el título. En 1935 realizó la serie de grabados Minotauromachie, inspirada en la Tauromaquia de Francisco de Goya (c. 1815). En ella, la conexión entre sexualidad, violencia y muerte se explora en variaciones siempre nuevas.

En el verano de 1936, Picasso conoció al artista y crítico de arte Roland Penrose a través del poeta surrealista Paul Éluard, con quien entabló amistad y que publicó la primera biografía de Picasso en 1958, a la que contribuyó el artista. En 1937, realizó seis retratos de la futura esposa de Penrose, la fotógrafa Lee Miller. El fotógrafo tomó alrededor de 1.000 fotografías durante las visitas mutuas, mostrando a Picasso en su trabajo y en su tiempo libre. Ecos más claros de su estilo tardío pueden verse en otro retrato de Marie-Thérèse Walter, el Interior con dibujo de niña de 1935. La conexión entre sexualidad y creatividad artística se convirtió en un tema que ocuparía a Picasso hasta el final de su vida.

El año 1935 marca una crisis en su vida y en su obra. De su relación con Marie-Thérèse, que duró hasta 1937, nació ese año su hija Maya. Esto fue puesto en conocimiento de su esposa, que le exigió el divorcio. Según la legislación francesa, Picasso habría tenido que compartir sus bienes con ella. A él no le interesó, por lo que siguieron casados hasta la muerte de ella, en febrero de 1955.

En 1936, Picasso tuvo una aventura con Alice Rahon, esposa de Wolfgang Paalen, y conoció a la fotógrafa francesa Dora Maar, que se convirtió en su compañera inseparable en la década de 1940 y que a menudo posaba para él. En noviembre de 1937, visitó a Paul Klee en Berna para darle apoyo moral, ya que sus obras acababan de ser difamadas por los nacionalsocialistas en la infame exposición de Múnich sobre Arte Degenerado. En 1941, Dora Maar realizó un retrato con vistas frontal y lateral simultáneas, Dora Maar con gato (Dora Maar au chat). Compitió con Marie-Thérèse Walter por el favor de Pablo Picasso. "No tenía ningún interés en tomar una decisión. Les dije que lo arreglaran entre ellas", dijo el pintor sobre la rivalidad entre las dos mujeres.

Declaraciones sobre la Guerra Civil española - Guernica (1936-1939)

Los acontecimientos de la Guerra Civil española sacudieron a Picasso hasta la médula, y creó cuadros que recuerdan por su contundencia a los horrores bélicos de Goya, sobre todo Guernica, que toma como tema el horror con motivo del bombardeo de la localidad vasca de Gernika por la Legión Cóndor alemana el 26 de abril de 1937. Bajo esta impresión, Picasso comenzó ya el 1 de mayo los estudios para el cuadro monumental del mismo nombre, que se expuso como mural en el pabellón español de la Exposición Universal de París a partir del 12 de julio de 1937.

A partir de 1936, Picasso apoyó desde París al gobierno republicano español, que se defendía del golpista y futuro dictador Franco. Intentó, aunque en vano, persuadir al gobierno francés para que interviniera y, por sus esfuerzos, fue nombrado en ausencia por el gobierno republicano español en 1937 director del importante museo de arte del Prado de Madrid.

Periodo de la Segunda Guerra Mundial (1940-1945)

El artista trabajó en París desde 1936 en un estudio situado en el número 7 de la Rue des Grands-Augustins, donde creó el Guernica y que también utilizó como apartamento a partir de la primavera de 1939. Desde el comienzo de la ocupación alemana en 1940, durante la Segunda Guerra Mundial, hasta la liberación de París el 25 de agosto de 1944, vivió aquí sin hacer ningún viaje. Los nacionalsocialistas le habían prohibido exponer por su oposición a Franco. La solicitud de ciudadanía francesa de Picasso en 1940 había sido rechazada porque las autoridades tenían expedientes de 1905 en los que se le clasificaba como anarquista.

Durante la ocupación, el arte moderno no fue tolerado por los colaboracionistas. El pintor André Lhote recordaba los gritos de guerra "¡Matisse al cubo de la basura!" y "¡Picasso al manicomio!". Tras la liberación, la izquierda política le consideró inicialmente como el artista que "simbolizaba más eficazmente el espíritu de resistencia".

El Museo de Arte Moderno de Nueva York, bajo la dirección de Alfred Barr, dedicó a Picasso una exitosa retrospectiva en 1939-1940, que le dio a conocer ampliamente en Estados Unidos y entre los críticos de arte contemporáneo y otros artistas.

En 1944, Picasso se afilia al Partido Comunista Francés y permanece así el resto de su vida. Se dudó de su sinceridad y se le acusó de que los colores y las formas de sus obras tenían un cierto significado simbólico, a lo que él respondió: "Sólo por el placer de ser comprendido, no trabajaré en un estilo ordinario". Una declaración, entre otras, que dio lugar a la acusación de que su comunismo era superficial y de que no creía en la inseparabilidad del arte y la política. En su defensa, escribió: "¿Qué cree que es un artista? ¿Un imbécil que sólo tiene ojos si es pintor, sólo oídos si es músico, incluso sólo una lira para todas las posiciones del corazón si es poeta, o incluso músculos si es boxeador? Todo lo contrario. Es, al mismo tiempo, un ser político que vive constantemente en la conciencia de los acontecimientos mundiales destructivos, abrasadores o estimulantes y se moldea enteramente a su imagen. No, la pintura no se inventó para decorar pisos. Es un arma de ataque y defensa contra el enemigo".

Los últimos años (1945-1973)

Tras seis años de emigración interior y aislamiento en París durante la Segunda Guerra Mundial, Picasso visitó con más frecuencia lugares del sur de Francia como Antibes y Niza a partir de 1945. Allí visitó a Henri Matisse, cuyo estilo pictórico dejó claras influencias en la obra tardía de Picasso. Matisse fue el único artista vivo al que Picasso consideraba su igual. Ambos reconocieron la importancia del otro, se respetaron durante toda su vida y se influyeron mutuamente a pesar de sus diferencias.

Su compañera durante estos años fue la pintora Françoise Gilot, a quien había conocido en París en 1943. Su relación duró hasta 1953; su hijo Claude nació en 1947 y su hija Paloma en 1949.

Picasso se siente atraído de nuevo por el ambiente mediterráneo de su juventud. A partir de la primavera de 1948, tras estancias en Golfe-Juan, vive con Françoise Gilot en la villa "La Galloise" de Vallauris, un lugar con alfarerías tradicionales donde ya se había alojado el año anterior. Allí, bajo la dirección de alfareros locales, experimentó con la arcilla y los esmaltes en la fábrica de Madoura, rompiendo el marco tradicional del producto y ayudando al lugar a alcanzar fama nacional y más tarde internacional.

A pesar de afiliarse al Partido Comunista, Picasso mantuvo una actitud independiente. El cuadro Masacre en Corea, creado en 1951, enfureció a los estadounidenses, y su retrato de Stalin de 1953 enfureció a los comunistas, porque en la Unión Soviética su estilo pictórico se consideraba oficialmente decadente. Picasso, sin embargo, se comprometió con la paz siempre que se lo pidieron. En 1949 diseñó un cartel con una paloma para el Congreso Mundial de la Paz de París. Posteriormente, la paloma se convirtió en símbolo de la paz en todo el mundo. En 1952, creó dos grandes murales: La Guerra y La Paz, para el "Templo de la Paz" de Vallauris.

Jacqueline Roque, vendedora de cerámica en Madoura, en Vallauris, fue la nueva pareja de Picasso a partir de 1953, después de que Françoise Gilot le abandonara y Geneviève Laporte, con la que mantenía una relación, también se negara a irse a vivir con él. Realizó numerosos retratos de Roque, como Retrato de Madame Z. (Jacqueline Roque) en 1954 y Jacqueline en el estudio en 1956.

En 1954, en Vallauris, conoce a Sylvette David, una joven de 19 años con coleta rubia, que se sienta para él y a la que retrata en cerca de 60 retratos a lo largo de varios meses.

En 1955, Picasso compra la villa "La Californie" en Cannes. Su giro hacia las interpretaciones clásicas de obras maestras se manifestó en obras como Mujeres de Argel, de Eugène Delacroix, en 1955, Las Meninas, de Diego Velázquez, en 1957, o Desayuno al aire libre, de Édouard Manet, en 1961. Ya en 1946, una exposición en el Louvre había yuxtapuesto sus cuadros a los de los maestros clásicos.

En 1956, durante el periodo de "deshielo" de la Unión Soviética, Ilya Ehrenburg consiguió sacar adelante una gran exposición de Picasso en el Museo Pushkin de Moscú.

En 1958, el jefe del gabinete francés y más tarde presidente Georges Pompidou le ofreció la nacionalidad francesa, pero Picasso no respondió.

Picasso sufría cada vez más el acoso de turistas y admiradores. En las inmediaciones de "La Californie" se construyeron rascacielos que le impedían ver el paisaje y permitían a los forasteros asomarse a su propiedad. Intentó sin éxito convencer al coleccionista de arte Douglas Cooper para que le cediera su Château de Castille, cerca de Aviñón. En 1958, Cooper recomendó en su lugar el castillo de Vauvenargues, cerca de Aix-en-Provence, con vistas al motivo favorito de Paul Cézanne, la Montagne Sainte-Victoire. Picasso la compró e instaló allí su estudio, pero siempre volvía a "La Californie".

El estilo de Picasso se reducía cada vez más a la línea acentuada, abocetada. Con gran productividad, no sólo exploró la pintura y el arte gráfico, como la litografía y el linograbado, sino que a partir de 1947 también la escultura y la cerámica. Varió y citó sus temas repetidamente.

Picasso nunca se divorció de su esposa Olga por motivos económicos. Varios años después de su muerte, se casó con Jacqueline Roque en 1961 y se trasladó con ella a Mougins, a la mansión Mas Notre-Dame de Vie, al norte, sobre las laderas de Cannes. El matrimonio no tuvo hijos. Utilizó el castillo de Vauvenargues como almacén de innumerables cuadros.

En 1962, Picasso recibió el Premio Internacional Lenin de la Paz.

En 1963 se inauguró en Barcelona el Museu Picasso, que más tarde recibió gran parte de su patrimonio. La fundación se constituyó gracias a la donación de 574 obras por parte de Sabartés, amigo y secretario de Picasso. Con motivo de la publicación de las memorias de Françoise Gilot, Vida con Picasso, en 1964, se produjeron desavenencias con sus hijos Claude y Paloma Picasso, fruto de esta relación.

En 1971 se celebró en París una retrospectiva en el Louvre con motivo del 90 cumpleaños de Picasso. Fue el primer artista que recibió este galardón en vida.

El 8 de abril de 1973, Picasso fallece en su casa de Mougins a consecuencia de una embolia pulmonar; otras fuentes citan como causa un infarto de miocardio con edema pulmonar. Fue enterrado el 10 de abril en el jardín de su castillo de Vauvenargues. Picasso no había dejado testamento. Sus herederos pagaron el impuesto de sucesiones en forma de obras de arte de Picasso y otros cuadros de su colección, como obras de Matisse y el Yadwigha de Rousseau. Constituyeron la base de la colección del Museo Picasso de París. En 2003, sus familiares inauguraron el museo dedicado a Picasso en su ciudad natal, Málaga, el Museo Picasso, y le legaron numerosas exposiciones.

Su viuda Jacqueline se quitó la vida en la casa de Mougins en 1986, 13 años después de la muerte de Picasso.

Propiedad

Además de bienes inmuebles, Picasso dejó unas 1900 pinturas, 12 000 dibujos, 1300 esculturas, 3000 cerámicas y ocho alfombras. El catálogo razonado publicado por Christian Zervos consta de 33 volúmenes, pero no incluye todas las obras de Picasso. Una y otra vez aparecen obras desconocidas.

El célebre subastador parisino Maurice Rheims recibió el encargo de registrar sistemáticamente todas las obras de arte. El Estado francés encargó la obra, que comenzó en 1974 y duró hasta 1981.

El Estado francés seleccionó 3.800 obras de arte de la herencia y recaudó así el impuesto de sucesiones en forma de obras de arte. Se convirtieron en la base del Musée Picasso, el mayor museo Picasso del mundo.

Descendientes

Como Picasso no había dejado testamento, la herencia se caracterizó por las disputas legales. En otoño de 1977 se distribuyó la herencia. Las partes implicadas acordaron cuotas de la herencia total. Jacqueline Roque, la segunda esposa, recibió el 30% de la herencia, la mayoría de los hijos y nietos el 10% cada uno.

La siguiente contribución difiere un poco: los cinco herederos supervivientes (tras la muerte de Jacqueline Roque) son los hijos de Françoise Gilot, Claude y Paloma, Maya Widmayer-Picasso († 20 de diciembre de 2022), hija de Picasso y Marie-Thérèse Walter, y los nietos Bernard y Marina Picasso.

Al principio, oficialmente sólo había un heredero legítimo entre los hijos de Picasso:

Hubo que esperar hasta 1975 para que los tres hijos ilegítimos fueran reconocidos herederos legítimos de Picasso.

Según el On-Line Picasso Project, creado en 1997 por Enrique Mallen (Sam Houston State University), el número total de obras de Picasso se estima en unas 50.000, de las cuales 1885 son pinturas, 7089 dibujos, 30.000 grabados (aguafuertes, litografías, etc.), 150 cuadernos de bocetos, 1228 esculturas, 3222 cerámicas, así como tapices. El proyecto On-Line utiliza como logotipo una pequeña P inspirada en el símbolo @.

Pintura

El primer cuadro de Picasso, creado hacia 1889, es El Picador, pintado ya al óleo. Escenas taurinas, palomas y la representación de una estatua de Hércules fueron los temas de sus primeros dibujos. Siguiendo el ejemplo de su padre, pintó al óleo siguiendo el estilo de la pintura de género de los Viejos Maestros. A los once años recibió instrucción en la tradición de la pintura académica bajo la dirección de su padre. Tras hacer moldes de escayola, realizó dibujos como Etude pour un torse.

En los cuadros creados hacia 1895, los pintores españoles del siglo XVII fueron su modelo. Por aquel entonces era alumno de la clase de dibujo de "La Llotja" de Barcelona. Algunos de sus cuadros muestran ecos y estudios de las obras de Francisco de Zurbarán y del primer Diego Velázquez, como el retrato de Felipe IV según Velázquez. A partir de 1897, Picasso estudió durante un breve periodo en la Real Academia de San Fernando de Madrid. Un dibujo de esta época muestra al matador Luis Miguel Dominguín.

En 1896, su cuadro La primera comunión se expuso en la Exposición de Artes y Oficios de Barcelona y fue elogiado en un importante periódico. En 1897 pintó la gran composición Ciencia y caridad. Correspondía al estilo popular de pintura de historia de la época y recibió una mención honorífica oficial en la Exposición General de Arte de Madrid. Más tarde recibió una medalla de oro en su ciudad natal, Málaga.

Cuando Picasso abandonó la Royal Academy en 1897, a la edad de 16 años, comenzó su carrera independiente como artista. Los años comprendidos entre 1898 y 1901 caracterizan el periodo de orientación: el consiguiente examen de los principios creativos de casi todas las direcciones progresistas y vanguardistas de la época. Superó su formación puramente académica de un modo que le era característico, igual que había aprendido a absorber cosas nuevas: como apropiación por imitación.

Influido por las obras de los pintores modernistas catalanes Isidre Nonell y Santiago Rusiñol, se inspiró, entre otros, en el simbolismo, los prerrafaelitas ingleses, el modernismo vienés, las pinturas murales catalanas del siglo XIV, las obras de El Greco, Henri de Toulouse-Lautrec y Théophile Steinlen, ilustrador del Art Nouveau. Picasso ya intentaba transformar sus modelos. En 1900, Picasso se enfrentó a Toulouse-Lautrec en el cuadro Le Moulin de la Galette Su primera exposición individual en "Els Quatre Gats" ese mismo año, sin embargo, obtuvo críticas negativas.

El término Periodo Azul en la obra de Picasso pone de relieve el predominio del color monocromo. Las bases del Periodo Azul se desarrollaron en París. El cuadro Evocación - El entierro de Casagema es el primer cuadro de esta fase creativa. Se supone que representa el final de una amistad y el comienzo de algo nuevo. Entre sus obras posteriores figuran La habitación azul y el famoso Autorretrato de 1901.

Tras trasladarse a Barcelona en 1902, los cuadros de figuras melancólicas constituyeron sus temas principales. Se representaba a los marginados de la sociedad, como mendigos, vagabundos, pero también a personas solitarias y a una madre con su hijo. Con la ayuda de estos temas, procesa tanto su soledad en un país extranjero como la muerte de su amigo. La elección de temas en las obras de Picasso puede compararse con las obras de Nonell. Sin embargo, si Nonell revela una parte de la realidad y permite sacar conclusiones sobre contextos más amplios, Picasso concibe el destino como algo individual, aislado.

En 1902 pintó Melancholie, el retrato de una joven melancólica. La representación excesivamente alargada de los temas, como en el Büglerin (1904), por ejemplo, se remonta a su relación con El Greco: "El hecho de que mis figuras del Periodo Azul estén todas alargadas se debe probablemente a su influencia". Por otra parte, el tema del Büglerin está perfectamente relacionado con las representaciones de Daumier y los grandes estudios de Degas.

La principal obra del Periodo Azul es La Vie (Vida), de mayo de 1903, en la que el hombre representado tiene los rasgos de su amigo Carlos Casagema.

La historia del arte divide los años 1901-1906 de la obra de Picasso en dos periodos, el Periodo Azul y el Periodo Rosa. Para sus contemporáneos, sin embargo, los años mencionados formaban una unidad. Para ellos, el uso predominante del color rosa no justificaba en modo alguno una separación de lo anterior, y hablaban sistemáticamente del Periodo Azul. El artista también lo vio así en retrospectiva.

Con los cuadros de los periodos azul y rosa, Picasso se desmarca claramente desde el punto de vista temático del arte oficial celebrado en la época. A partir de 1904, Picasso sustituye progresivamente el azul predominante por tonos rosas y naranjas. Los motivos del Periodo Rosa proceden a menudo del mundo de los actores y artistas, entendidos en la época como símbolos del arte. Así, el Periodo Rosa también se denomina Periodo Arlequín. Por otra parte, sin embargo, la figura del arlequín aparece en ambos periodos. Picasso se había retratado a sí mismo en 1905 en el cabaret parisino Le Lapin Agile en el cuadro Au Lapin Agile como arlequín con su amante de entonces, Germaine Gargallo. Debido al amor de Picasso por Fernande Olivier, modelo de escultores y pintores a la que había conocido en París en 1904 y que se convertiría en el tema de muchos de sus cuadros, y debido también a sus primeros éxitos financieros, la obra parece más optimista. Se considera que la principal obra del periodo Rosa es el cuadro Los malabaristas (Les Saltimbanques) de 1905.

El cuadro Les Demoiselles d'Avignon, de 1907, se considera hoy indiscutiblemente el punto culminante del periodo Sturm und Drang de Picasso. Cuando la obra llegó al dominio público en 1939, se convirtió en la imagen clave del modernismo por excelencia. Las Demoiselles se inspiraron en los cuadros de Paul Cézanne y en las obras de los fauves, como Le bonheur de vivre (La alegría de vivir, 1905).

El punto de partida de Picasso fue su examen de la tradición artística europea y su recurso al arte prehistórico, que se manifiesta en su preocupación por el arte ibérico, iniciada en el verano de 1906. Desde el invierno de 1905

El punto de partida central para Picasso fue el arte pictórico de Cézanne de los últimos años de su vida. Picasso había estudiado su obra y más tarde le dijo al fotógrafo Brassaï: "¡Cézanne! Era el padre de todos nosotros". Sus motivos preferidos eran las naturalezas muertas, en particular los instrumentos musicales, los paisajes y las personas.

El periodo cubista de Picasso puede dividirse en dos fases: el cubismo analítico y el sintético.

Cubismo analítico (1908-1912). El método de Picasso -la "apertura" de la forma cerrada de los cuerpos representados en favor de un ritmo de formas- permite representar la fisicidad de las cosas y su posición en el espacio en lugar de fingirla por medios ilusionistas. La iluminación desempeñó un papel secundario. En los cuadros no se especificaba de qué lado procedía la luz. Las diferentes vistas resultantes de los objetos crean la apariencia de una perspectiva simultánea, como si pudieran verse desde todos los lados al mismo tiempo. De este modo, se crea el efecto de una estructura "cristalina". Un ejemplo es el retrato de Ambroise Vollard, pintado en 1910.

Cubismo sintético (1912-1916). El cubismo sintético surgió de la técnica del collage practicada por Picasso y Braque, el papier collé. Se inspiraron para crear el papier collés en sus construcciones tridimensionales creadas anteriormente, las esculturas de papel, que hicieron con papel y cartón, Picasso más tarde con chapa metálica. Constituyen la base de todas las técnicas de collage posteriores hasta el ready-made.

Papel, periódico, papel pintado, imitación de vetas de madera, serrín, arena y materiales similares aparecían ahora en las obras. Los límites entre objeto pintado y objeto real e incluso objeto se funden con fluidez. De este modo, Braque y Picasso crearon una síntesis de elementos diferentes, que dio origen al nombre de este periodo creativo. Las fotografías así procesadas adquieren un carácter material que crea una nueva realidad de la imagen. La primera obra de este tipo de Picasso fue Naturaleza muerta con silla de caña (Nature morte à la chaise cannée), creada en 1912, que representa el primer collage. Otra obra de esta fase es Violín y copa de vino sobre una mesa.

Durante la Primera Guerra Mundial surgió en Europa un anhelo de "pureza y orden" (Retour à l'ordre). Hubo un retorno a la tradición clásica y un rechazo a menudo flagrante de todos los modernismos. Francia se veía a sí misma en sucesión directa de la ejemplar antigüedad como baluarte de la humanidad y oponente de los "bárbaros alemanes". El retorno al pasado también se produjo en otros países romanos: en Barcelona, por ejemplo, en el Novecentismo, que Picasso conoció durante su viaje a España en 1917. En Francia surgieron dos campos artísticos opuestos. Una, con Fernand Léger como principal representante, intentó combinar los logros formales del cubismo con las formas del clasicismo para poner el arte al servicio de objetivos políticos. La otra, con Picasso como principal representante, siguió la confrontación directa con los valores clásicos. El resultado fue el renacimiento del clasicismo en la obra de Picasso.

Así, las obras de Picasso muestran ya a partir de 1914

La composición Tres mujeres en la fuente, de 1921, muestra a tres mujeres de aspecto poderoso vestidas como diosas antiguas que se miran melancólicamente. Otro tema antiguo está representado en el cuadro La zampoña, de 1924.

De 1925 a 1936, Picasso volvió a dedicarse intensamente al diseño escultórico. Todas las formas de expresión bidimensionales y tridimensionales se colocaron una al lado de la otra y una tras otra en una abundancia casi "explosiva" de correspondencias mutuas. Por sus malabarismos con la forma, Picasso recibió en aquellos años el apoyo de un nuevo movimiento artístico que había cristalizado a partir de las corrientes del dadaísmo: el surrealismo. Para los surrealistas, Picasso era una figura simbólica de la modernidad. Sin embargo, Picasso no puede considerarse parte del Surrealismo en sentido estricto.

Picasso participa en la primera exposición de pintores surrealistas en la Galería Pierre de París en 1925. Sus obras se expusieron allí junto a las de Hans Arp, Giorgio de Chirico, Max Ernst, Man Ray y Joan Miró. En retrospectiva, en los años cincuenta afirmó que había trabajado libre de influencias surrealistas antes de 1933. Sin embargo, esta afirmación de Picasso contrasta con el hecho de que había observado de cerca las obras de Giorgio de Chirico hasta Joan Miró y las había utilizado como modelos. Se inspiró especialmente en la escultura surrealista, sobre todo en las obras de Alberto Giacometti. Sin embargo, estas adopciones nunca se mantuvieron aisladas, sino que Picasso las funcionalizó para sus propios fines y las combinó con préstamos de movimientos artísticos completamente diferentes. Picasso dijo: "Algunos llaman surrealistas a las obras que creé en cierto periodo. No soy surrealista. Nunca me he apartado de la verdad: Siempre he permanecido en la realidad".

Entre las obras de inspiración surrealista figuran Mujer dormida en un sillón, de 1927, Bañistas sentadas a la orilla del mar y La crucifixión, de 1930.

La primera obra que Picasso creó sobre el tema de la Guerra Civil española fue Sueño y mentira de Franco, una serie de 18 aguafuertes que Picasso había comenzado el 8 de enero de 1937. Tras el bombardeo de Gernika en abril de 1937, realizó bajo esta impresión el mural de gran formato Guernica, de unos tres metros y medio de alto y casi ocho de ancho, que, junto con el poema de Paul Éluard La victoria de Guernica, se expuso en el Pabellón Español de la Exposición Universal de París en junio.

Tras las críticas iniciales, basadas precisamente en su falta de ambigüedad política, en la recepción fue declarada la pintura antibelicista más famosa del siglo XX, seguida de lejos por los cuadros de George Grosz y Otto Dix sobre la Primera Guerra Mundial. Algunas figuras clave del cuadro, como la Llorona y el Caballo moribundo, se encuentran en sus obras posteriores.

Tras la Segunda Guerra Mundial, el estilo de Picasso volvió a cambiar, reinterpretando y compitiendo con el arte de los antiguos maestros. Ejemplos de ello son Retrato de un pintor según El Greco, 1950, las 15 versiones según Las mujeres de Argel de Delacroix, pintadas a partir de 1954, y Las Meninas según Velázquez en 1957. En Las Meninas, Picasso sustituyó al gran danés del rey español por su basset hound Lump. Las recreaciones se caracterizan por el ingenio formal y la ironía del contenido. Se anticipaba así al "arte de la cita", que se generalizaría mucho en los años sesenta.

Picasso utilizó la forma especial de pintura sobre vidrio inventada por Jean Crotti, "gemmail" (plural "gemmaux"), por ejemplo, en su obra Ma jolie guitar de 1955. A partir de 1954 creó unas 60 obras con esta técnica, en las que repetía temas anteriores.

Los autorretratos de Picasso son raros: "No me ocupaba mucho de mi cara". En su lugar, Picasso se mostró en autorretratos codificados, ocultos en arlequines, jóvenes y ancianos, así como en los retratos de Rembrandt y Balzac (1952). Sin embargo, hacia el final de su carrera realizó una serie de autorretratos. En abril de 1972, Picasso crea El joven pintor. Con unos trazos sencillos que contrastan con las obras expresivas y empastadas de años anteriores, se retrata con un sombrero de ala ancha, sosteniendo el pincel suelto en la mano, quizá un intento ante la muerte de volver a ser el pequeño Pablo Ruiz. En junio le siguió otro autorretrato en el que aparecía como un anciano, mirando fijamente al espectador con los ojos abiertos de terror.

La obra pictórica de Picasso finalizó con el cuadro El abrazo, pintado el 1 de junio de 1972; hasta su muerte, el 8 de abril de 1973, Picasso sólo dibujó: fueron nada menos que doscientos cuadros. Dos colores dominan la escena amorosa: el azul y el rosa. Aquí, Picasso vuelve a recurrir a los fundamentos de su arte: los cuadros de la muerte, la fiebre del amor, el melancólico periodo azul y el juguetón periodo rosa. En este último cuadro, una ola azul corre hacia una pareja apenas reconocible; sólo puede deducirse del título. Una maraña extática de partes corporales y sexuales domina el cuadro.

Escultura

Como escultor sin formación, Picasso creó entre 1909 y 1930 esculturas que tendrían una gran influencia en la escultura del siglo XX. Las obras tridimensionales acompañaron toda su obra y sirvieron de campo de experimentación para su trabajo pictórico. No continuó con sus innovaciones, pero sirvieron de inspiración a escultores contemporáneos como los futuristas, los dadaístas y los constructivistas.

La primera escultura de Picasso es la pequeña Mujer sentada de bronce de 1902, que modeló cuando tenía poco más de 20 años. Su primera escultura significativa fue la Cabeza de mujer (Fernande), de tamaño casi natural, del verano de 1909, creada en relación con las pinturas de Fernande, que, tras su compromiso con la obra tardía de Cézanne, ya presentaban una nueva estructura pictórica sin perspectiva, una placa de color reducida y la descomposición de la forma. No se crearon más esculturas hasta 1912, cuando se realizó el primer collage, Naturaleza muerta con tejido de silla de caña. Ese mismo año creó la Guitarra Montage, una "construcción" hecha con trozos de cartón pegados entre sí y provistos de cuerdas.

De 1914 es una serie de seis copas de absenta, consistentes en vasos de bronce de formas cubistas a los que se ha añadido una cuchara de absenta real y un falso trozo de azúcar, y que han sido pintados de forma diferente, un tratamiento poco convencional del bronce como material. Esto es un montaje. La cuchara real recuerda a un ready-made de Marcel Duchamp. A partir de 1923, Picasso trabajó con su amigo, el escultor Julio González, quien le familiarizó aún más con las diversas posibilidades del diseño escultórico.

En 1928 y 1929 creó las esculturas de hierro y alambre, siendo una de sus obras clave la Construcción de alambre (creada en París a finales de 1928). En su fase de trabajo de principios de los años treinta, Picasso creó esculturas de forma realista como la Cabeza de mujer (Marie Thérèse), 1931, que hace referencia a su relación amorosa con su nueva compañera Marie-Thérèse Walter. Otras obras escultóricas son, por ejemplo, el ensamblaje The Bull's Skull de 1942, Man with Lamb, 1942

Grabado

Entre 1930 y 1937, Picasso creó una serie de cien grabados llamada la Suite Vollard en honor al editor y marchante de arte Vollard, que se los había encargado al artista. En ella, Picasso varió temas como el artista y la modelo y el motivo del Minotauro. El Graphikmuseum Pablo Picasso Münster adquirió la serie completa de grabados en 2001.

Un tema central fueron las corridas de toros, que Picasso representó en una serie de grabados en 1935. Los motivos del toro y la tauromaquia como tema tradicional español recorren toda la obra de Picasso. Minotauromachie vincula el antiguo mito del Minotauro con escenas taurinas modernas, que pueden encontrarse, por ejemplo, en la serie de grabados de Franco Sueño y mentira, de 1937, y en su monumental cuadro Guernica. Minotauromachia es una cita de su compatriota Francisco de Goya, que creó su secuencia de grabados Tauromaquia hacia 1815. La serie La Tauromaquia, creada en 1957, con 26 aguafuertes, fue creada como ilustración para el primer libro de texto sobre el arte de torear, La Tauromaquia, o arte de torear, un libro de 1796 cuyo autor fue uno de los toreros más famosos de su época, el torero José Delgado y Galvez, llamado Pepe Illo.

A partir de noviembre de 1945, tras sus primeras litografías de los años 1919 a 1930, vuelve a recurrir a la técnica de la litografía en el taller de Fernand Mourlot en París; realiza, por ejemplo, Tête de femme, Les deux femmes nues y Le Taureau.

En 1968 realizó dos grandes series de grabados: Pintor y modelo y Los reclinatorios, que retoman los temas centrales de su obra: Motivos circenses, taurinos y eróticos.

Picasso también se dedica al arte comercial: realiza dibujos para prensa, carteles e ilustraciones de libros, así como diseños para calendarios, tarjetas y libros de música. Al principio, sus obras gráficas sirvieron de sustento al joven artista, pero más tarde se produjeron como favores para amigos escritores, compositores, editores y galeristas. En Vallauris, en 1948, además de la cerámica, se dedica a la técnica del linograbado, que ejecuta junto con el impresor Hidalgo Arnera. Carteles para corridas de toros y exposiciones de cerámica en el municipio fueron sus primeros trabajos. Su cartel más famoso es la Paloma de la Paz para el Congreso Mundial de la Paz celebrado en París en 1949. Picasso creó un centenar de dibujos para la Paloma de la Paz, que se convirtió en un símbolo conocido en todo el mundo; su diseño se basa en recursos estilísticos impresionistas. En abril de 1949, la Paloma de la Paz se expuso por primera vez en el Congreso de París, el "Congrès mondial des partisans de la paix". Siguieron otras palomas para los congresos de Varsovia y Viena.

Ilustraciones de libros Picasso ilustró obras desde la antigüedad griega hasta la literatura contemporánea en ediciones de bibliófilo. Clair de terre de André Breton, de 1923, contiene sus primeras ilustraciones de libros, seguidas de ilustraciones para obras de Luis de Góngora, Francesco Petrarca, Tristan Tzara, Antonin Artaud y Pierre Reverdy. La obra más famosa es Le Chef d'Œuvre Inconnu (La obra maestra desconocida) de Honoré de Balzac, publicada por Vollard en 1931, con ilustraciones del artista. Tenía relación con el protagonista Frenhofer, pintor, a través de su profesión y de la calle donde había vivido, la rue des Grands-Augustins.

Otros géneros de trabajo

Escenografías y telones, vestuario Picasso ya había descubierto el teatro como fuente de inspiración para su arte en sus primeros años. A partir de 1905, eligió al arlequín melancólico y a los artistas tristes como motivos de sus cuadros. La preocupación por el teatro atraviesa toda su obra. En 1917, Picasso creó seis decorados, el telón de boca y el vestuario para el Ballet Ruso de Sergei Dyagilev, que representó el ballet Parade, basado en un tema de Jean Cocteau y la música de Erik Satie. Le siguieron, en 1919, las escenografías de la ópera Der Dreispitz, de Manuel de Falla; en 1920, la de Pulcinella, de Igor Stravinsky; y, en 1924, la del ballet Les Aventures de Mercure, de Satie. La Schirn de Fráncfort expuso más de 140 obras desde finales de 2006 hasta principios de 2007: diseños para decorados, fotografías, vestuario, telones, dibujos y pinturas. Sin embargo, muchos decorados y trajes originales se han destruido o perdido. A menudo sólo se conservan algunas fotografías en blanco y negro de las coreografías originales.

Cerámica En la primavera de 1947, Picasso se instala en un estudio de la ciudad francesa de Vallauris, tras haber conocido por casualidad en la exposición anual de cerámica del año anterior a Suzanne y Georges Ramie, propietarios del taller de Madoura, una fábrica de cerámica. Picasso hace sus primeros experimentos con la cerámica y decide dedicarse a este arte. Su enfoque era poco ortodoxo. Creó faunos y ninfas a partir de la arcilla, fundió la tierra como si fuera bronce, decoró platos y fuentes con sus motivos favoritos, como las corridas de toros, las mujeres, los búhos, las cabras, utilizó bases insólitas (fragmentos de pignates, cápsulas de cocción o ladrillos rotos) e inventó una masa de arcilla blanca de cerámica sin esmaltar con relieves. En veinte años, Picasso creó un gran número de obras originales en cerámica.

Luminografía Aunque el propio Picasso se dedicó poco a la fotografía, lo cierto es que supo aprovechar las posibilidades del medio para sus experimentos artísticos. En 1949, por ejemplo, creó en Vallauris una serie de pinturas de luz, las llamadas luminografías, en colaboración con el fotógrafo Gjon Mili. Picasso cambió su tiralíneas por una linterna y pintó figuras en el aire ante la cámara de Mili en una habitación a oscuras. Gracias a una exposición prolongada, sus trayectorias luminosas quedaron claras en la foto en forma de "luminogramas".

Medallista Como diseñador, Picasso creó las medallas del Concurso Internacional de Piano Arthur Rubinstein, que se celebra cada tres años desde 1974 en Tel Aviv (Israel).

Obra literaria

Además de su obra pictórica, Pablo Picasso dejó decenas de poemas. Sus textos pueden encontrarse en la lista de literatura bajo Peter Schifferli: Pablo Picasso. Palabra y confesión. La recopilación de poemas y testimonios.

Picasso también actuó como dramaturgo. En 1941, bajo la impresión de la ocupación alemana de París y un crudo invierno, escribe en pocos días la obra Le Désir attrapé par la queue, que aparece por primera vez en la revista Message. Fue objeto de una lectura escenificada en marzo de 1944, dirigida por Albert Camus en el piso de Michel Leiris, con la participación de Simone de Beauvoir, Jean-Paul Sartre, Raymond Queneau, Dora Maar y Valentine Hugo. Se estrenó en el Watergate Theatre de Londres en 1950.

Paul Celan tradujo este drama al alemán con el título Wie man Wünsche beim Schwanz packt. Su estreno en alemán tuvo lugar en 1956 en el Kleintheater de Berna, bajo la dirección de Daniel Spoerri y con la participación de Meret Oppenheim (escenografía y vestuario), entre otros. Veit Relin adaptó la obra para la ZDF en 1971. Con motivo de la versión radiofónica de esta "comedia dadaísta y erótica" producida por la SDR en 1980, Deutschlandfunk escribió: "Inspirada en el espíritu del psicoanálisis, la obra es un (pero) divertido collage de escenas absurdas y encuentros surrealistas de un poeta, en el que imágenes oníricas y elementos del mundo real se funden en una síntesis alienante".

En 1948, Picasso escribió otra obra, Les quatre petites, que se tradujo al alemán con el título Vier kleine Mädchen y se estrenó en Londres en 1981.

Testimonios de contemporáneos

Salvador Dalí, compatriota de Picasso, viajó a París por primera vez en 1926 para visitar a Picasso. "Cuando llegué a casa de Picasso, me sentí tan profundamente conmovido y lleno de respeto como si tuviera una audiencia con el Papa". En 1934, Picasso presta a Dalí el dinero para un viaje a Estados Unidos, que Dalí nunca devolverá. Su estima cambiaría más tarde; se convirtieron en rivales y Dalí, a diferencia de Picasso, era partidario de Francisco Franco. El dicho de Dalí se hizo famoso:

El escritor surrealista André Breton elogió al artista en su ensayo de 1928 Surrealismo y pintura: "Hay que estar desprovisto de toda concepción de la extraordinaria predestinación de Picasso para atreverse siquiera a temer cualquier merma en él. Oh Picasso, que has llevado el espíritu a su más alto grado, no de contradicción, sino de liberación".

Valentine Hugo realizó un retrato surrealista de Picasso, que está en posesión del Centro Pompidou desde 1951 como regalo del artista, y cuya fecha de creación se da entre 1934 y 1948.

En su libro de 1936 Memorias de un marchante de arte, el galerista Ambroise Vollard relataba la reacción del público ante las exposiciones de sus obras: "Cada nueva obra de Picasso horroriza al público hasta que el asombro se convierte en admiración".

Maurice de Vlaminck fue crítico en 1942: "No traza ninguna línea, no aplica ningún color, sin recordar un original. Giorgione, El Greco, Steinlen, Lautrec, máscaras y figurillas griegas: lo utiliza todo Lo único que Picasso no consigue: un 'Picasso' que venga de Picasso" (reimpreso en "Mi testamento", 1959).

Max Ernst, por su parte, admiraba a Picasso en una entrevista concedida a Der Spiegel en 1970: "Picasso, nadie puede competir con él, es el genio.

Relación con Matisse

La relación con Henri Matisse se muestra en la siguiente sección: → La relación de Matisse con Picasso

El mito de Picasso - "Picasso y los mitos"

Ningún otro artista del siglo XX fue tan controvertido y ninguno se hizo tan famoso como Picasso. Nadie fue interpretado tan pronto, durante tanto tiempo y finalmente de forma tan unánime como el artista decisivo de su época. Nadie ha sido tan a menudo objeto de poesía o cine. Se dice que el padre de Picasso ya rindió homenaje a su hijo, como demuestra la cita de Picasso reproducida por Sabartés: "Entonces me dio sus pinturas y sus pinceles y nunca más volvió a pintar". Se dice que el padre lo hizo en un momento en que el joven Pablo ya no podía aprender nada de él.

Las opiniones sobre Picasso muestran todos los extremos de las visiones actuales del modernismo y aumentaron hasta el punto de ser incalculables. Incluso la considerable cantidad de tradición biográfica representa "sólo una gota" en comparación con el torrente de opiniones, críticas, estudios y libros sobre la obra de Picasso que fluye desde hace décadas. Para Klaus Herding, la obra de Picasso es el desafío de la vanguardia por excelencia, y a ojos de Werner Spies, Picasso es a su vez "indiscutiblemente el mayor dibujante" del siglo XX. Según William Rubin, la obra de Picasso representa el arte del siglo XX en su conjunto por la "diversidad de sus estilos, la riqueza de su variedad y su poder creativo".

En 2002, el Bucerius Kunst Forum de Hamburgo presentó la exposición "Picasso y los mitos". Petra Kipphoff lo reseñó en Die Zeit: "Picasso y las mujeres, Picasso y los niños, Picasso y la muerte, Picasso y la guerra, Picasso el pintor, el escultor, el dibujante, el artista gráfico: ningún otro artista del siglo XX ha sido expuesto tanto, publicado tan extensamente y comentado tanto. Para el español y macho confeso Pablo Picasso, sin embargo, el toro era el punto fijo de los mitos y la otra identidad preferida. El Minotauro, resultado de una aventura cuidadosamente preparada entre la reina cretense Pasífae y un toro, es el principio de todas las leyendas de masculinidad. Picasso no sólo lo cita una y otra vez, sino que juega con el doble papel del hombre y del propio toro, a veces alegremente, a veces agresivamente. Y que el mito de la prehistoria también puede tener su confirmación en la calle en el siglo XX lo demuestra la famosa Calavera de toro de 1942, en la que Picasso montó el sillín y el manillar de una bicicleta de tal forma que, efectivamente, se ve la silueta de la cabeza de un toro".

"Homenaje a Picasso

69 obras de artistas contemporáneos que citan a Picasso y su obra se presentaron en una exposición titulada "Hommage à Picasso" con motivo del 1000 aniversario de la ciudad de Kronach, en 2003. Los artistas habían querido rendirle sus respetos artísticos en su 90 cumpleaños, en 1971. Los linograbados, aguafuertes y litografías presentados datan de los años 1971 a 1974, y se publicaron por primera vez en 1973 y 1974 en una carpeta editada por Propyläen Verlag, Berlín, y Pantheon Presse, Roma. La carpeta incluye obras de artistas como Henry Moore, Max Bill, Allen Jones, Robert Motherwell, Jacques Lipchitz, Giacomo Manzù, Pierre Alechinsky, Joseph Beuys, Roy Lichtenstein, Michelangelo Pistoletto, Richard Hamilton, Walter De Maria y Hans Hartung, entre otros, que honraron a Picasso con su lenguaje formal artístico específico.

La obra de Joan Miró de 1973 titulada Hommage à Picasso fue precedida por las pinturas homónimas de Juan Gris en 1912 y de Paul Klee en 1914.

En 2006, el Deutsche Guggenheim expuso una versión de su obra de 1995 Hommage à Picasso, actualizada y ampliada por la artista conceptual Hanne Darboven como obra de encargo.

Reevaluación de la obra tardía de Picasso

Después de que ya en 1992

El catálogo de la exposición fue editado por Werner Spies, que conoció personalmente a Picasso y está considerado un excelente conocedor de su obra. "Pablo Picasso dejó una huella perdurable en el arte del siglo XX como ningún otro. Entre las numerosas fases y periodos estilísticos de su obra, su obra tardía ocupa un lugar especial. Sus últimos cuadros, que se aferran a la sensualidad y abrazan con todas sus fibras, mostrando besos y cópulas en primeros planos, se caracterizan por una gran inquietud que pretende exorcizar a la muerte. Las pinturas, magistralmente rápidas y "salvajes", se yuxtaponen a dibujos técnicamente meticulosos en los que predomina una singular alegría narrativa. Sobre la base de casi 200 obras -pinturas, dibujos, grabados y esculturas-, el especial método de trabajo y la dialéctica del arte posterior de Picasso. Sobre todo, el tenso diálogo entre pintura y dibujo, desarrollado durante los años en Mougins, muestra al mayor artista del siglo XX corriendo contra el tiempo que le quedaba".

Cine y teatro

El director de cine francés Henri-Georges Clouzot estrenó en 1956 un documental de estilo reportaje sobre Pablo Picasso y sus métodos de trabajo bajo el título Picasso (Le Mystere Picasso). Picasso hizo un cameo en la película de Jean Cocteau de 1960, Le Testament d'Orphée (El Testamento de Orfeo). En 1978 se rodó la comedia cinematográfica sueca Las aventuras del Sr. Picasso (Picassos äventyr), dirigida por Tage Danielsson. En 1996 se rodó la biografía cinematográfica Mi hombre Picasso (Surviving Picasso), con Sir Anthony Hopkins en el papel del pintor. La película está ambientada en los diez años que van de 1943 a 1953, cuando Gilot era pareja de Picasso.

El cuadro de Picasso Muchacha con paloma desempeña un papel central en la historia de Disney Atraco en Barcelona (1985), un cómic imaginado por Adolf Kabatek, en el que Scrooge McDuck y sus parientes viven todo tipo de aventuras en Barcelona y sus alrededores. En el documental de 184 minutos 13 días en la vida de Pablo Picasso (Francia 1999, ARTE-Edition

En 1993, el actor estadounidense Steve Martin escribió la obra de teatro Picasso at the Lapin Agile. Describe un encuentro imaginario en 1904 entre Pablo Picasso y Albert Einstein en el cabaret Lapin Agile de París.

El telefilme Matisse & Picasso: A Gentle Rivalry (Matisse y Picasso: una suave rivalidad), de una hora y media de duración, se rodó en 2000; en él se analizan los retratos de los dos "gigantes" del arte del siglo XX. Muestra fotografías de sus pinturas y esculturas, raramente publicadas, así como fotos y películas de archivos que los muestran trabajando. Geneviève Bujold es la voz de Françoise Gilot, Robert Clary es Matisse y Miguel Ferrer es Picasso. La producción ganadora de un Emmy nacional es de KERA-Dallas

En la obra del autor irlandés Brian McAvera Las mujeres de Picasso, ocho mujeres hablan de su vida con el artista en el orden en que conocieron a Picasso en el marco de una rueda de prensa ficticia: Fernande Olivier habla primero, seguida de Eva Gouel, Gabrielle Lespinasse, Olga Chochlowa, Marie-Thérèse Walter, luego Dora Maar, Françoise Gilot y, por último, Jacqueline Roque. La edición en libro se publicó en 1998. A partir de 2003, las representaciones tuvieron lugar en forma de giras.

El dramaturgo y pintor italiano Dario Fo escribió la obra de teatro Picasso desnudo, estrenada en 2012. Él mismo consideraba que los cuadros creados para ella eran "Falso Picasso", ya que los derechos de imagen le parecían demasiado caros. Se expusieron en una galería de Stuttgart en noviembre de 2014.

También en 2012 se rodó la película La banda Picasso, bajo la dirección del español Fernando Colomo. Trata del espectacular robo del cuadro de la Mona Lisa, que inicialmente puso bajo sospecha a Guillaume Apollinaire y a Picasso.

El documental de 2013 de Hugues Nancy, Picasso, l'inventaire d'une vie (en la versión alemana Looking for Picasso), muestra cronológicamente muchas de sus obras como en un diario, en particular obras de su patrimonio personal que no se habían mostrado antes. Su tesis central, citando tanto a Françoise Gilot como a John Richardson, es que a un cambio en la relación de Picasso con las mujeres siguió un cambio de estilo. Incluye entrevistas con familiares, amigos, abogados y biógrafos.

Una serie de televisión de National Geographic Channel mostró la vida del artista en la versión en alemán de la serie Genius a partir de abril de 2018 bajo el título Genius: Picasso. El actor principal del Picasso mayor es Antonio Banderas.

La película Blow up - Picasso se emitió en Arte televisión el 12 de abril de 2021. Podrá verse hasta el 14 de abril de 2024.

Mercado del arte

Entre los cuadros más caros del mundo se encuentran obras de Picasso: Les femmes d'Alger (versión "O"), Desnudo con hojas verdes y busto, Niño con pipa y Dora Maar con gato. El 13 de mayo de 2021, la obra Mujer sentada ante una ventana (Marie-Thérèse), realizada en 1932, se subastó en Christie's de Nueva York. A los 19 minutos de la subasta, el cuadro alcanzó un precio de venta de 90 millones de dólares. Incluyendo comisiones y honorarios, se superó la marca simbólicamente importante de los 100 millones de dólares de valor de subasta, de modo que la obra cambió de manos por un total de 103,4 millones de dólares (equivalentes a unos 85,4 millones de euros).

Las obras de Picasso tampoco se libraron de las falsificaciones. Ya en 1974, Orson Welles realizó el documental F for fake, en el que retrataba a falsificadores de arte; entre ellos se encontraba el pintor húngaro Elmyr de Hory, que realizaba en serie copias engañosamente similares de "Picassos".

"Fondo Picasso" 2010

En 2010, se descubrieron 271 obras de Picasso hasta entonces desconocidas en casa del antiguo electricista de Picasso, Pierre Le Guennec, y su esposa, supuestamente almacenadas en el garaje de Guennec durante 40 años y declaradas como salarios por trabajos manuales. Un juicio posterior por receptación concluyó en marzo de 2015 con una condena condicional de dos años. Para más detalles, véase el artículo sobre el administrador de la herencia de Claude Picasso.

Robos

El valor del cuadro Buste de Femme de 1938 se estimó en 25 millones de euros en 2019. Unos desconocidos lo habían robado en 1999 de un yate fondeado frente a Antibes (Francia). La compañía de seguros había ofrecido entonces una recompensa de 400.000 euros. Un detective de arte había recibido un chivatazo de los bajos fondos y encontró el cuadro en 2019 en casa de un empresario de Ámsterdam. El robo ha prescrito y el cuadro se ha entregado a la compañía de seguros.

Del 19 al 20 de mayo de 2010, entre otros, la Paloma con guisantes, pintada en 1911 o primavera de 1912 en estilo cubista, fue robada del Musée d'art moderne de la Ville de Paris y cortada de su marco. En 2017, se informa del juicio de tres sospechosos; el cuadro sigue desaparecido.

En junio de 2021 se encontraron en un almacén a 50 km de Atenas los cuadros Cabeza de mujer, de Picasso, de 1939, y una obra dañada de Piet Mondrian, robados de la Galería Nacional (Atenas) en 2012. Se ha identificado a un sospechoso. La obra de Picasso está valorada en 16,5 millones de euros. Había regalado personalmente el cuadro a Grecia por resistirse a los nazis.

Turismo

La "Ruta Picasso" en la ciudad catalana de Barcelona conduce a su escuela de formación "La Llotja", al café de artistas Els Quatre Gats, sede de su primera exposición, al Museu Picasso, y muestra los tres frisos de la fachada del Col-legi d'Arquitectes, creados a partir de los dibujos de Picasso por el artista noruego Carl Nesjar (1920-2015), así como la casa familiar, el edificio Porxos d'en Xifré.

Desde 2009, la "Ruta Picasso" recorre el sur de Francia de Aviñón a Antibes. Guía a los turistas interesados en el arte a los lugares donde el artista vivió y trabajó.

Astronomía

El asteroide (4221) Picasso recibió su nombre en 1990.

Trabajo visual

Obra escultórica

En Alemania se exponen amplios conjuntos de obras de Picasso en el Museo Berggruen de Berlín, el Museo Sprengel de Hannover, la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen de Düsseldorf, el Museo Ludwig de Colonia y la Staatsgalerie Stuttgart. Su obra gráfica puede verse casi íntegra en el Museo de Arte Pablo Picasso de Münster. En la Suiza alemana se exponen importantes colecciones de cuadros de Picasso en el Kunstmuseum de Basilea, la Fundación Beyeler de Riehen, la Colección Rosengart de Lucerna y el Kunstmuseum de Berna.

En Francia, existen colecciones en el Musée Picasso de París, el Musée national Picasso La Guerre et la Paix de Vallauris, el Museo de Arte Moderno, Arte Contemporáneo y Art Brut de Lille Métropole en Villeneuve-d'Ascq, y el Musée Picasso Antibes en el Chateâu Grimaldi. En Rusia, en el Museo Pushkin de Moscú y en el Hermitage de San Petersburgo. En España, en el Museu Picasso de Barcelona, el Museo Reina Sofía de Madrid y el Museo Picasso de Málaga, y en Estados Unidos, en el Museum of Modern Art de Nueva York y el Art Institute of Chicago.

Catálogos de obras y recursos Enciclopedias

Resúmenes de trabajo

Dibujo gráfico y a mano

Gráficos aplicados

Cerámica y escultura

Autotestimonios

Biografías

Representaciones de amigos y familiares

Picasso y las mujeres

Sobre la obra de Picasso

Documentación fotográfica

Otros

Fuentes

1. Pablo Picasso
2. Pablo Picasso
3. Oficialmente el museo no fue inaugurado hasta 1916, pero lo cierto es que desde 1866 se fue promoviendo su creación, y desde entonces hasta el primer cuarto del siglo XX tuvo una vida muy inestable, careciendo además de sede fija.
4. Durante este tiempo, el imperio colonial francés fue expandiéndose por África, y los museos de París se llenaron de los artefactos que los franceses traían de vuelta de África.La prensa se hacía eco con exageradas historias de canibalismo y exóticos cuentos sobre el reino africano de Dahomey. También se hablaba del maltrato de los africanos en el Congo belga con el popular libro El corazón de las tinieblas (1899) de Joseph Conrad.Es natural, por lo tanto, que este clima de interés por África sirviese de inspiración para algunos de sus trabajos, interés quizás también provocado por Henri Matisse, quien le mostró una máscara de la región africana de Dan. Los estudiosos sostienen que Matisse compró esta pieza en la tienda de artefactos no-occidentales de Emile Heymenn en París.
5. Pablo Picasso: Ambroise Vollard (1910), pablopicasso.org
6. ^ a b Picasso's full name includes various saints and relatives. According to his birth certificate, issued on 28 October 1881, he was born Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso.[2] According to the record of his baptism, he was named Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Crispín Cipriano (other sources: Crispiniano) de la Santísima Trinidad María de los Remedios Alarcón y Herrera Ruiz Picasso.[3][2][4] He was named Juan Nepomuceno after his godfather, a lawyer, friend of the family, called Juan Nepomuceno Blasco y Barroso.[2] He was named Crispín Cipriano after the twin saints celebrated on 25 October, his birth date.[3] Nepomuceno's wife and Picasso's godmother, María de los Remedios Alarcón y Herrera, was also honored in Picasso's baptismal name.[2]
7. (en) Francesca Aton, « Thousands of Picasso’s Rare Works are Now Available in New Online Archive », 17 juin 2024 (consulté le 17 juin 2024)
8. « https://cep.museepicassoparis.fr/515ap-fonds-pablo-picasso » (consulté le 6 mai 2024)
9. Cité dans le Projet en ligne Picasso, qui se réfère à Robinson, 1999, p. 10, et Habarta, 2000, p. 77.