Σύνοψη

Akira Kurosawa (黒澤 明

Ο Ακίρα Κουροσάβα ξεκίνησε το 1936 ως βοηθός σκηνοθέτη και σεναριογράφος. Το 1943, κατά τη διάρκεια του Β' Παγκοσμίου Πολέμου, σκηνοθέτησε την πρώτη του ταινία, The Legend of Great Judo (姿三四郎, Sugata Sanshirō?). Η όγδοη μεγάλου μήκους ταινία του, Ο μεθυσμένος άγγελος (酔いどれ天使, Yoidore tenshi;), κυκλοφόρησε το 1948 και απέσπασε τις καλύτερες κριτικές, επιβεβαιώνοντας τη φήμη του Κουροσάβα. Αυτή η ταινία σηματοδότησε το ντεμπούτο του ηθοποιού Toshirō Mifune, ο οποίος θα γυρίσει συνολικά δεκαέξι ταινίες με τον Kurosawa.

Με το Rashōmon, το οποίο έκανε πρεμιέρα στο Τόκιο τον Αύγουστο του 1950, ο Ακίρα Κουροσάβα τιμήθηκε με το Χρυσό Λιοντάρι στο Φεστιβάλ Βενετίας το 1951, ενώ ακολούθησε διανομή στην Ευρώπη και τη Βόρεια Αμερική. Η επιτυχία αυτής της ταινίας στο κοινό και τον Τύπο άνοιξε τις πόρτες της Δύσης στον ιαπωνικό κινηματογράφο και βοήθησε στη διεθνή φήμη πολλών Ιαπώνων καλλιτεχνών. Από τη δεκαετία του 1950 έως τις αρχές της δεκαετίας του 1960, ο Κουροσάβα γύριζε περίπου μία ταινία το χρόνο, μεταξύ των οποίων τις ταινίες Ζώντας (生きる, Ikiru?, 1952), Οι επτά σαμουράι (七人の侍, Shichinin no samurai?, 1954) και Ο σωματοφύλακας (用心棒, Yōjinbō?, 1961). Στη συνέχεια, η καριέρα του ήταν λιγότερο παραγωγική, αλλά τα μεταγενέστερα έργα του -μεταξύ των οποίων τα Kagemusha, σκιά του πολεμιστή (影武者, Kagemusha?, 1980) και Ran (乱, Ran?, 1985)- του χάρισαν και άλλα βραβεία, μεταξύ των οποίων τον Χρυσό Φοίνικα για το Kagemusha, σκιά του πολεμιστή.

Το 1990, του απονεμήθηκε το τιμητικό Όσκαρ "για τα επιτεύγματά του στην έμπνευση, την απόλαυση, τον εμπλουτισμό και την ψυχαγωγία του παγκόσμιου κοινού και την επιρροή των κινηματογραφιστών σε όλο τον κόσμο". Το 1999, ανακηρύχθηκε μετά θάνατον "Ασιάτης του αιώνα" στην κατηγορία "Τέχνες, Λογοτεχνία και Πολιτισμός" από το περιοδικό AsianWeek και το CNN, χαρακτηριζόμενος ως "ένας από τους πέντε ανθρώπους που συνέβαλαν τα μέγιστα στην ανάπτυξη της Ασίας τα τελευταία 100 χρόνια".

Παιδική ηλικία και κινηματογραφική εκπαίδευση (1910-1935)

Ο Κουροσάβα γεννήθηκε το 1910 στην περιοχή Ōmori (Shinagawa Ward) του Τόκιο. Ο πατέρας του Isamu, απόγονος οικογένειας σαμουράι από το νομό Akita, ήταν διευθυντής του γυμνασίου του Ινστιτούτου Φυσικής Αγωγής του Στρατού, ενώ η μητέρα του καταγόταν από οικογένεια εμπόρων στην Osaka. Ήταν το μικρότερο από επτά παιδιά. Δύο από αυτές είχαν ήδη μεγαλώσει όταν γεννήθηκε, και μία από τις αδελφές του πέθανε λίγο αργότερα. Ο Κουροσάβα μεγάλωσε με τρία μόνο αδέλφια του.

Εκτός από την προώθηση της σωματικής άσκησης, ο πατέρας του, ο Isamu Kurosawa, θεωρούσε τον δυτικό πολιτισμό -και πιο συγκεκριμένα τον κινηματογράφο και το θέατρο- απαραίτητο μέρος της εκπαίδευσής του: ο νεαρός Akira ανακάλυψε τον κινηματογράφο σε ηλικία έξι ετών. Υπό την επίδραση ενός από τους δασκάλους του δημοτικού σχολείου, του κ. Tachikawa, ανέπτυξε επίσης ένα πάθος για τη ζωγραφική και το σχέδιο. Εκείνη την εποχή, σπούδασε επίσης καλλιγραφία και κέντο.

Η παιδική ηλικία του Ακίρα Κουροσάβα επηρεάστηκε επίσης σε μεγάλο βαθμό από τον κατά τέσσερα χρόνια μεγαλύτερό του αδελφό Χάιγκο. Ο Κουροσάβα αναφέρει ότι μετά τον σεισμό του Καντό το 1923, ο Χάιγκο τον πήγε στα πιο κατεστραμμένα μέρη της πρωτεύουσας και ότι όταν προσπάθησε να κοιτάξει μακριά από τα πτώματα στους δρόμους, ο αδελφός του τον εμπόδισε να το κάνει για να τον αναγκάσει να αντιμετωπίσει τους φόβους του. Για ορισμένους, το γεγονός αυτό επηρέασε έντονα την ευαισθησία του Κουροσάβα.

Ο Heigo είναι ένας λαμπρός μαθητής, αλλά αποτυγχάνει στις εισαγωγικές εξετάσεις του λυκείου. Μετά από αυτή την αποτυχία, αποστασιοποιήθηκε σταδιακά από την οικογένειά του και επικεντρώθηκε στην ξένη λογοτεχνία. Στα τέλη της δεκαετίας του 1920, ο Heigo έγινε benshi (σχολιαστής βωβού κινηματογράφου) και έγινε γνωστός ως Suda Teimei. Akira, ο οποίος ήθελε τότε να γίνει ζωγράφος δυτικού τύπου. Χάρη στον Χάιγκο, ο Ακίρα ανακαλύπτει όχι μόνο τον κινηματογράφο, αλλά και το θέατρο και το τσίρκο. Ταυτόχρονα, εξέθεσε πίνακες και έργα του στις εκθέσεις της Ένωσης Προλεταριακών Καλλιτεχνών. Ωστόσο, δεν μπόρεσε να ζήσει από τη ζωγραφική του και τελικά την βαρέθηκε. Απομακρύνθηκε επίσης από την πολιτική καθώς η αστυνομική καταστολή αυξανόταν.

Με την άφιξη του ομιλούντος κινηματογράφου στις αρχές της δεκαετίας του 1930, ο Heigo αντιμετώπισε οικονομικά προβλήματα και ο Akira επέστρεψε στους γονείς του. Τον Ιούνιο του 1933, ο Heigo αυτοκτόνησε μαζί με τον σύντροφό του. Ο Κουροσάβα περιγράφει αυτόν τον θάνατο ως μια διαρκή αίσθηση απώλειας και αναφέρεται σε αυτόν στο κεφάλαιο με τίτλο "Μια ιστορία που δεν θέλω να πω" της αυτοβιογραφίας του. Μόλις τέσσερις μήνες μετά το θάνατο του Heigo, πέθανε και ο μεγαλύτερος αδελφός του.

Μαθαίνοντας να σκηνοθετεί (1935-1941)

Το 1935, το νέο κινηματογραφικό στούντιο Photo Chemical Laboratories - συντομογραφία P.C.L. και αργότερα το στούντιο Tōhō - αναζητούσε βοηθούς σκηνοθέτη. Αν και δεν είχε σκεφτεί ποτέ να ασχοληθεί με τον κινηματογράφο και είχε ήδη μια δουλειά ως εικονογράφος βιβλίων, ο Κουροσάβα ανταποκρίθηκε στην αγγελία του στούντιο, η οποία ζητούσε από τους υποψήφιους να γράψουν μια έκθεση σχετικά με τα θεμελιώδη ελαττώματα των ιαπωνικών ταινιών και πώς θα μπορούσαν να διορθωθούν. Ο Κουροσάβα εξηγεί στην εργασία του ότι αν αυτά τα ελαττώματα είναι θεμελιώδη, τότε δεν υπάρχει τρόπος να διορθωθούν. Αυτή η κοροϊδευτική επιστολή του επιτρέπει να περάσει τις επόμενες εξετάσεις. Ο σκηνοθέτης Kajirō Yamamoto, ο οποίος ήταν ένας από τους στρατολογητές, επέμεινε να προσληφθεί ο Kurosawa. Τον Φεβρουάριο του 1936, σε ηλικία 25 ετών, ο Κουροσάβα εντάχθηκε στην P.C.L.

Κατά τη διάρκεια της πενταετούς του θητείας ως βοηθός, ο Κουροσάβα εργάστηκε για πολλούς διαφορετικούς σκηνοθέτες, αλλά αυτός που του έδωσε τα περισσότερα ήταν ο Kajirō Yamamoto. Από τις είκοσι τέσσερις ταινίες που σκηνοθέτησε ως βοηθός σκηνοθέτη, δεκαεπτά σκηνοθετήθηκαν από τον Yamamoto, οι περισσότερες από τις οποίες ήταν κωμωδίες με πρωταγωνιστή τον ηθοποιό Ken'ichi Enomoto, γνωστότερο ως Enoken. Ο Γιαμαμότο καλλιέργησε το ταλέντο του Κουροσάβα και μέσα σε ένα χρόνο τον προήγαγε απευθείας από τρίτο βοηθό σε πρώτο βοηθό σκηνοθέτη. Οι ευθύνες του Κουροσάβα αυξήθηκαν και η δουλειά του κυμαινόταν από τον σχεδιασμό σκηνών και την ανάπτυξη της ταινίας μέχρι την ανίχνευση τοποθεσιών, την ολοκλήρωση του σεναρίου, τις πρόβες, τον φωτισμό, τη μεταγλώττιση, το μοντάζ και τη διεύθυνση του δεύτερου συνεργείου. Στην τελευταία του ταινία ως βοηθός σκηνοθέτη, Uma (1941), ο Κουροσάβα έκανε το μεγαλύτερο μέρος της παραγωγής, καθώς ο Γιαμαμότο ήταν ήδη απασχολημένος με μια άλλη ταινία.

Ο Γιαμαμότο λέει στον Κουροσάβα ότι ένας καλός σκηνοθέτης πρέπει πρώτα απ' όλα να είναι εξαιρετικός σεναριογράφος. Ο Κουροσάβα συνειδητοποίησε ότι θα μπορούσε να κερδίσει περισσότερα γράφοντας σενάρια από το να είναι βοηθός σκηνοθέτη. Δημοσίευσε και πούλησε αρκετά σενάρια, αλλά δεν κατάφερε να τα σκηνοθετήσει το στούντιό του.

Πόλεμος, λογοκρισία και γάμος (1942-1945)

Στα δύο χρόνια που ακολούθησαν την κυκλοφορία του Uma το 1941, ο Κουροσάβα αναζητούσε μια ιστορία που θα μπορούσε να εκτοξεύσει τη σκηνοθετική του καριέρα. Προς το τέλος του 1942, περίπου ένα χρόνο μετά την έναρξη του πολέμου μεταξύ Ιαπωνίας και Ηνωμένων Πολιτειών, ο μυθιστοριογράφος Tsuneo Tomita δημοσίευσε το Sugata Sanshirō, ένα μυθιστόρημα για τη γέννηση του τζούντο, στο πνεύμα των ηρωικών και ηθικολογικών ιστοριών του Eiji Yoshikawa, όπως του Miyamoto Musashi. Διαβάζοντας το βιβλίο αυτό, ο Κουροσάβα ζήτησε αμέσως από το Tōhō να αποκτήσει τα δικαιώματα για τη διασκευή του και του παραχωρήθηκε το δικαίωμα να σκηνοθετήσει την ταινία.

Τα γυρίσματα της ταινίας Ο θρύλος του μεγάλου τζούντο (姿三四郎, Sugata Sanshirō?) ξεκίνησαν στη Γιοκοχάμα τον Δεκέμβριο του 1942. Η παραγωγή της ταινίας δεν αποτέλεσε πρόβλημα, αλλά η λογοκρισία, η οποία είχε δώσει την έγκρισή της σύμφωνα με τον νόμο περί ταινιών του 1938, θεώρησε το αποτέλεσμα των γυρισμάτων πολύ "αγγλοσαξονικό". Ο θρύλος του μεγάλου τζούντο κυκλοφόρησε τελικά στις 25 Μαρτίου 1943 χάρη στον σκηνοθέτη Yasujirō Ozu, ο οποίος υπερασπίστηκε την ταινία. Ωστόσο, 18 λεπτά της αρχικής έκδοσης λογοκρίθηκαν. Οι περισσότερες από αυτές τις περικοπές θεωρούνται πλέον οριστικά χαμένες. Ο θρύλος του μεγάλου τζούντο είναι μια ταινία χαρακτηριστική της ιδεολογίας της εποχής. Υψώνει τις ηθικές αρετές και την αυτοθυσία του απλού λαού, σε αντίθεση με τον εγωισμό και την κακία της δυτικοποιημένης αστικής τάξης που εκπροσωπείται από τον χαρακτήρα του Gennosuke.

Στη συνέχεια, ο Κουροσάβα έστρεψε την προσοχή του στο θέμα των εργατριών εν καιρώ πολέμου στην ταινία Η πιο όμορφη (一番美しく, Ichiban utsukushiku;), μια προπαγανδιστική ταινία γυρισμένη σε ημι-ντοκιμαντερίστικο στυλ στις αρχές του 1944. Το σενάριο, γραμμένο από τον Κουροσάβα, παρουσιάζει μια ομάδα νεαρών εργατριών σε ένα στρατιωτικό εργοστάσιο οπτικών φακών, οι οποίες κάνουν ό,τι μπορούν παρά τις δυσκολίες για να αυξήσουν την παραγωγικότητά τους.

Κατά τη διάρκεια της παραγωγής, η Γιόκο Γιαγκούτσι, η ηθοποιός που υποδύεται την αρχηγό της ομάδας των εργατριών, επιλέγεται από τις συναδέλφους της για να παρουσιάσει στον Κουροσάβα τα αιτήματά τους. Παραδόξως, ενώ βρίσκονταν συνεχώς σε αντιπαράθεση μεταξύ τους, ο Γιαγκούτσι και ο Κουροσάβα ήρθαν πιο κοντά. Παντρεύτηκαν στις 21 Μαΐου 1945, όταν η Γιόκο ήταν δύο μηνών έγκυος. Παρέμειναν παντρεμένοι μέχρι το θάνατο της Γιόκο το 1985. Απέκτησαν μαζί δύο παιδιά: έναν γιο, τον Hisao, γεννημένο στις 20 Δεκεμβρίου 1945, παραγωγό ορισμένων από τα τελευταία έργα του πατέρα του, και μια κόρη, την Kazuko, γεννημένη στις 29 Απριλίου 1954, σχεδιάστρια κοστουμιών.

Λίγο πριν από το γάμο του, το στούντιο πίεσε τον Κουροσάβα να γυρίσει μια συνέχεια του "Θρύλου του μεγάλου τζούντο". Ο νέος θρύλος του μεγάλου τζούντο (續姿三四郎, Zoku Sugata Sanshirō;) κυκλοφόρησε τον Μάιο του 1945. Αυτή η προπαγανδιστική ταινία θεωρείται πολύ συχνά ένα από τα λιγότερο καλά έργα του Κουροσάβα.

Στο πλαίσιο της στενότητας των τελευταίων μηνών του πολέμου, ο Κουροσάβα αποφάσισε να γράψει ένα σενάριο για μια ταινία που θα ήταν φθηνότερη στην παραγωγή από τις προηγούμενες. Η ταινία The Men Who Walked on the Tiger's Tail (虎の尾を踏む男達, Tora no o wo fumu otokotachi?), βασισμένη στο έργο Kabuki Kanjinchō, με πρωταγωνιστή τον Enoken, ολοκληρώθηκε τον Σεπτέμβριο του 1945. Μέχρι τότε, η Ιαπωνία είχε παραδοθεί και η κατοχή της χώρας είχε αρχίσει. Η εφαρμογή ενός συστήματος λογοκρισίας από τους Αμερικανούς εναντίον όλων των ιαπωνικών ταινιών που γυρίστηκαν κατά τη διάρκεια του πολέμου εμπόδισε την κυκλοφορία της ταινίας, η οποία δεν κυκλοφόρησε για πρώτη φορά μέχρι το 1952.

Μεταπολεμικά έργα (1946-1950)

Μετά τον πόλεμο, ο Κουροσάβα εμπνεύστηκε από τα δημοκρατικά ιδεώδη της κατοχής. Η πρώτη ταινία που προέκυψε από αυτή την έμπνευση ήταν το Δεν μετανιώνω για τίποτα από τα νιάτα μου (わが青春に悔なし, Waga seishun ni kunashi?), που κυκλοφόρησε το 1946, εμπνευσμένη από το περιστατικό Takigawa του 1933 και την υπόθεση κατασκοπείας του Hotsumi Ozaki, και στην οποία ο σκηνοθέτης ασκεί κριτική στο προπολεμικό ιαπωνικό καθεστώς. Ο κεντρικός χαρακτήρας της ταινίας είναι μια γυναίκα, η Yukie (την οποία υποδύεται η Setsuko Hara), η οποία αναζητά τη θέση της σε μια πολιτική κρίση. Το αρχικό σενάριο έπρεπε να αναθεωρηθεί σημαντικά. Η ταινία δίχασε τους κριτικούς, τόσο λόγω του αμφιλεγόμενου θέματος όσο και λόγω του φύλου του πρωταγωνιστή της. Ωστόσο, γνώρισε επιτυχία στο κοινό και ο τίτλος της ταινίας έγινε μεταπολεμική cult φράση.

Η επόμενη ταινία του, Μια υπέροχη Κυριακή (素晴らしき日曜日, Subarashiki nichiyōbi;) Πρόκειται για μια σχετικά απλή ερωτική ιστορία ενός φτωχού από τον πόλεμο ζευγαριού που επιθυμεί να απολαύσει το ρεπό του. Για την ταινία αυτή, ο Κουροσάβα επηρεάστηκε από το έργο των Frank Capra, D. W. Griffith και F. W. Murnau. Το 1947 κυκλοφόρησε η ταινία Το ασημένιο βουνό (銀嶺の果て, Ginrei no hate?) σε σκηνοθεσία Σενκίτσι Τανιγκούτσι και σενάριο Κουροσάβα. Αυτή η ταινία σηματοδότησε το ντεμπούτο του νεαρού ηθοποιού Toshirō Mifune. Ήταν ο Κουροσάβα, με τη βοήθεια του Γιαμαμότο, που επέμεινε να προσλάβει το στούντιο Tōhō τον Μίφουνε.

Την επόμενη χρονιά κυκλοφόρησε το The Drunken Angel (酔いどれ天使, Yoidore tenshi?). Αν και το σενάριο έπρεπε να ξαναγραφτεί λόγω της λογοκρισίας της κατοχής, ο Κουροσάβα ένιωσε ότι μπορούσε επιτέλους να εκφραστεί ελεύθερα. Η ταινία αφηγείται την ιστορία ενός γιατρού που προσπαθεί να σώσει έναν γιακούζα από τη φυματίωση. Αυτή ήταν η πρώτη συνεργασία μεταξύ του σκηνοθέτη και του Mifune. Η συνεργασία αυτή συνεχίστηκε και στις επόμενες 16 ταινίες του σκηνοθέτη (εκτός από το Ikiru), στις οποίες ο Mifune έπαιξε τους πρωταγωνιστικούς ρόλους. Ο Mifune δεν προοριζόταν αρχικά να παίξει τον πρωταγωνιστικό ρόλο στο The Drunken Angel, αλλά η ερμηνεία του ως γιακούζα ήταν τέτοια που κυριάρχησε στην ταινία και επισκίασε τον ρόλο του αλκοολικού γιατρού που υποδύθηκε ο Takashi Shimura. Ο Κουροσάβα αποφάσισε να μην εμποδίσει την άνοδο του νεαρού ηθοποιού στην εξουσία. Η επαναστατική ερμηνεία του Mifune κέρδισε αμέσως το κοινό. Η πρεμιέρα έγινε τον Απρίλιο του 1948 και η ταινία ψηφίστηκε ως η καλύτερη ταινία της χρονιάς από το έγκυρο περιοδικό Kinema Junpō. Συνολικά, τρεις ταινίες του Κουροσάβα τιμήθηκαν με αυτό το βραβείο.

Μαζί με τον παραγωγό Sōjirō Motoki και τους σκηνοθέτες Kajirō Yamamoto, Mikio Naruse και Senkichi Taniguchi, ο Kurosawa ιδρύει την Ένωση Κινηματογραφικής Τέχνης (映画芸術協会, Eiga Geijutsu Kyōkai;). Για το ντεμπούτο αυτού του οργανισμού και για την πρώτη του ταινία για την Daiei, ο Κουροσάβα διασκεύασε ένα σύγχρονο θεατρικό έργο του Καζούο Κικούτα με τον Τανιγκούτσι. Στη Σιωπηλή μονομαχία (静かなる決闘, Shizukanaru kettō?) πρωταγωνιστεί ο Τοσίρο Μιφούνε ως ένας ιδεαλιστής νεαρός γιατρός που πολεμά τη σύφιλη. Αυτό ήταν μια σκόπιμη προσπάθεια του Κουροσάβα να απομακρύνει τον Μιφούνε από γκανγκστερικούς ρόλους. Η ταινία κυκλοφόρησε τον Μάρτιο του 1949 και σημείωσε μεγάλη εισπρακτική επιτυχία, αλλά γενικά θεωρείται μια από τις λιγότερο επιτυχημένες ταινίες του σκηνοθέτη.

Η δεύτερη ταινία του 1949, επίσης παραγωγής της Ένωσης Κινηματογραφικής Τέχνης και διανομής της Shintōhō, ήταν το Λυσσασμένο σκυλί (野良犬, Nora inu?), μια από τις πιο διάσημες ταινίες του Κουροσάβα. Αυτή η αστυνομική ταινία αφηγείται την ιστορία ενός νεαρού ντετέκτιβ (τον υποδύεται ο Mifune) που έχει εμμονή με το πιστόλι του, το οποίο κλέβει ένας άπορος και το χρησιμοποιεί για να διαπράξει εγκλήματα. Του ανατίθεται να βοηθήσει τον επιθεωρητή Sato, του οποίου η διορατικότητα θυμίζει τον επιθεωρητή Maigret, να εντοπίσει τον ένοχο.

Διασκευασμένο από ένα μυθιστόρημα του ίδιου του Κουροσάβα και γραμμένο στο ύφος ενός από τους αγαπημένους του συγγραφείς -δηλαδή του Ζορζ Σιμενόν- είναι κυρίως η πρώτη του συνεργασία με τον σεναριογράφο Ryūzō Kikushima. Μια από τις πιο διάσημες σκηνές της ταινίας, διάρκειας 8 λεπτών και χωρίς διάλογο, απεικονίζει τον νεαρό ντετέκτιβ μεταμφιεσμένο σε φτωχό βετεράνο να περιπλανιέται στους δρόμους αναζητώντας το όπλο του.Αυτή η σκηνή χρησιμοποιεί πλάνα από ένα ντοκιμαντέρ για το κατεστραμμένο από τον πόλεμο Τόκιο που σκηνοθέτησε ο φίλος του Κουροσάβα και μελλοντικός σκηνοθέτης του Γκοτζίλα Ισίρο Χόντα (ゴジラ, Gojira;).

Το Σκάνδαλο (醜聞, Shūbun?), παραγωγής Shōchiku, που κυκλοφόρησε τον Απρίλιο του 1950, ήταν εμπνευσμένο από την προσωπική εμπειρία του σκηνοθέτη με τις φυλλάδες. Η ταινία συνδυάζει το δικαστικό δράμα και τα κοινωνικά προβλήματα με φόντο την ελευθερία της έκφρασης και την προσωπική ευθύνη. Όμως ο Κουροσάβα βρήκε το έργο ασαφές και μη ικανοποιητικό, συμφωνώντας με την πλειοψηφία των κριτικών.

Ωστόσο, με τη δεύτερη ταινία του του 1950, Rashōmon (羅生門, Rashōmon?), ο Κουροσάβα κέρδισε τελικά ένα εντελώς νέο κοινό.

Διεθνής αναγνώριση (1950-1958)

Μετά την κυκλοφορία του Σκάνδαλο, ο Κουροσάβα προσεγγίστηκε από τα Daiei Studios για να σκηνοθετήσει μια δεύτερη ταινία για λογαριασμό τους μετά τη Σιωπηλή μονομαχία. Ο σκηνοθέτης επέλεξε το σενάριο ενός νεαρού σεναριογράφου, του Shinobu Hashimoto, βασισμένο στο διήγημα του Ryūnosuke Akutagawa "In the Thicket" (藪の中, Yabu no naka?), το οποίο αφηγείται τη δολοφονία ενός σαμουράι και τον βιασμό της γυναίκας του. Ο Κουροσάβα βλέπει κινηματογραφικές δυνατότητες σε αυτό το διήγημα και αποφασίζει να το αναπτύξει με τη βοήθεια του Χασιμότο. Η Daiei υποδέχτηκε το έργο με ενθουσιασμό, καθώς ο απαιτούμενος προϋπολογισμός ήταν τόσο χαμηλός.

Το Rashōmon γυρίστηκε από τις 7 Ιουλίου έως τις 17 Αυγούστου 1950 στους ανοιχτούς χώρους του δάσους της Νάρα. Το post-production της ταινίας διήρκεσε μόνο μία εβδομάδα και παρεμποδίστηκε από μια πυρκαγιά στα στούντιο. Η πρεμιέρα πραγματοποιήθηκε στις 25 Αυγούστου στο Imperial Theatre του Τόκιο και η εθνική κυκλοφορία την επόμενη ημέρα. Οι κριτικοί διχάστηκαν, γοητευμένοι από το μοναδικό θέμα της ταινίας. Παρ' όλα αυτά ήταν μια μέτρια οικονομική επιτυχία για την εταιρεία Daiei.

Η επόμενη ταινία του Κουροσάβα για τη Shōchiku ήταν ο Ηλίθιος (白痴, Hakuchi?), μια διασκευή του μυθιστορήματος του αγαπημένου συγγραφέα του σκηνοθέτη, Φιοντόρ Ντοστογιέφσκι. Ο σκηνοθέτης μεταφέρει την ιστορία από τη Ρωσία στο Hokkaidō, αλλά παραμένει πολύ πιστός στο πρωτότυπο έργο, κάτι που πολλοί κριτικοί θα θεωρήσουν επιζήμιο για την ταινία. Η ταινία του Κουροσάβα θεωρήθηκε πολύ μεγάλη και από 265 λεπτά (σχεδόν 4,5 ώρες) μειώθηκε σε 166 λεπτά, καθιστώντας την ιστορία δυσνόητη. Κατά την κυκλοφορία της, οι κριτικές ήταν πολύ κακές, αλλά η ταινία σημείωσε μέτρια επιτυχία στο κοινό, κυρίως χάρη στην παρουσία της Setsuko Hara.

Εν τω μεταξύ, εν αγνοία του Κουροσάβα, το Rashōmon επιλέχθηκε για το Φεστιβάλ Κινηματογράφου της Βενετίας χάρη στις προσπάθειες της Giuliana Stramigioli, εκπροσώπου μιας ιταλικής εταιρείας παραγωγής με έδρα την Ιαπωνία. Στις 10 Σεπτεμβρίου 1951, ο Rashōmon έλαβε το υψηλότερο βραβείο του φεστιβάλ, το Χρυσό Λιοντάρι. Το βραβείο αυτό αποτέλεσε έκπληξη για ολόκληρο τον κινηματογραφικό κόσμο, ο οποίος εκείνη την εποχή δεν γνώριζε σχεδόν καθόλου την κινηματογραφική παράδοση της Ιαπωνίας.

Στη συνέχεια, η Daiei εκμεταλλεύτηκε για λίγο την ταινία στο Λος Άντζελες, μέχρι που η RKO αγόρασε τα δικαιώματα διανομής της στις Ηνωμένες Πολιτείες. Αυτό ήταν ένα μεγάλο ρίσκο για την RKO: εκείνη την εποχή, μόνο μία ταινία με υπότιτλους κυκλοφορούσε στην αμερικανική αγορά και η μόνη ιαπωνική ταινία που είχε διανεμηθεί στη Νέα Υόρκη, μια κωμωδία του Mikio Naruse το 1937, ήταν μια πλήρης αποτυχία. Ωστόσο, το Rashōmon σημείωσε επιτυχία, με τη βοήθεια πολλών κριτικών, συμπεριλαμβανομένου του Ed Sullivan: στις τρεις πρώτες εβδομάδες προβολής της, η ταινία συγκέντρωσε 35.000 δολάρια, και μάλιστα σε μία μόνο αίθουσα της Νέας Υόρκης. Το ενδιαφέρον του αμερικανικού κοινού για τον ιαπωνικό κινηματογράφο αυξήθηκε τη δεκαετία του 1950, επισκιάζοντας τον ιταλικό κινηματογράφο. Άλλες εταιρείες διανομής κυκλοφόρησαν την ταινία στη Γαλλία, τη Δυτική Γερμανία, τη Δανία, τη Σουηδία και τη Φινλανδία. Χάρη σε αυτή τη φήμη, άλλοι Ιάπωνες κινηματογραφιστές άρχισαν να λαμβάνουν βραβεία και να διανέμουν το έργο τους στη Δύση, όπως ο Kenji Mizoguchi και λίγο αργότερα ο Yasujirō Ozu, οι οποίοι ήταν αναγνωρισμένοι στην Ιαπωνία αλλά εντελώς άγνωστοι στη Δύση.

Ο Κουροσάβα, με την καριέρα του ανεβασμένη λόγω της διεθνούς αναγνώρισης, επέστρεψε στο Τόχο και δούλεψε πάνω στην επόμενη ταινία του, το Living (生きる, Ikiru;). Στην ταινία πρωταγωνιστεί ο Watanabe (Takashi Shimura), ένας δημόσιος υπάλληλος που πάσχει από καρκίνο και προσπαθεί να δώσει στη ζωή του ένα τελευταίο νόημα. Για το σενάριο, ο Κουροσάβα συνεργάστηκε με τον Hashimoto και τον συγγραφέα Hideo Oguni, με τον οποίο έγραψε μαζί 12 ταινίες. Παρά το σοβαρό θέμα, οι σεναριογράφοι προσέγγισαν την ιστορία με σατιρικό τρόπο, τον οποίο κάποιοι συγκρίνουν με το έργο του Μπέρτολτ Μπρεχτ. Αυτή η στρατηγική τους επέτρεψε να αποφύγουν τον συνήθη συναισθηματισμό που συνήθως περιβάλλει τους χαρακτήρες με ανίατες ασθένειες. Η ταινία "Living" κυκλοφόρησε τον Οκτώβριο του 1952, ο Κουροσάβα τιμήθηκε με το βραβείο της δεύτερης "καλύτερης ταινίας" του από το Kinema Junpō και η ταινία σημείωσε μεγάλη εισπρακτική επιτυχία.

Τον Δεκέμβριο του 1952, ο Κουροσάβα απομονώθηκε για 45 ημέρες με τους δύο σεναριογράφους του Ikiru, τον Shinobu Hashimoto και τον Hideo Oguni. Μαζί έγραψαν το σενάριο για την επόμενη ταινία του σκηνοθέτη, Οι επτά σαμουράι (七人の侍, Shichinin no samurai?). Πρόκειται για το πρώτο πραγματικό chanbara του Κουροσάβα, το είδος για το οποίο είναι περισσότερο γνωστός σήμερα. Πολλές πηγές αναφέρουν την επιρροή του γουέστερν, και ιδιαίτερα του Τζον Φορντ, στη δημιουργία των Επτά Σαμουράι. Για τον André Labarrère, η σύγκριση προέρχεται από την τεχνική μαεστρία του Κουροσάβα και τον ρυθμό της ιστορίας, που θυμίζουν αμερικανικά γουέστερν. Αυτή η δήλωση θεωρείται μερικές φορές υπερβολική, καθώς πρόκειται περισσότερο για γενικές αναφορές στο έργο του Κουροσάβα και όχι για τη συγκεκριμένη ταινία.

Η ιστορία, ενός φτωχού χωριού της εποχής Σενγκόκου που καλεί μια ομάδα σαμουράι για να υπερασπιστεί τον εαυτό της από ληστές, αντιμετωπίζεται από τον Κουροσάβα με έναν εντελώς επικό τρόπο και η δράση είναι λεπτομερώς λεπτομερής καθ' όλη τη διάρκεια των τρεισήμισι ωρών. Η ταινία διαθέτει ένα εντυπωσιακό σύνολο ηθοποιών, συμπεριλαμβανομένων ηθοποιών που έχουν συνεργαστεί στο παρελθόν με τον Κουροσάβα.

Χρειάστηκαν τρεις μήνες για την προπαρασκευή και ένας μήνας για τις πρόβες. Τα γυρίσματα διήρκεσαν 148 ημέρες σε διάστημα σχεδόν ενός έτους, με διακοπές λόγω των δυσκολιών στην παραγωγή και των οικονομικών δυσκολιών, καθώς και των προβλημάτων υγείας του Κουροσάβα. Η ταινία κυκλοφόρησε τελικά τον Απρίλιο του 1954, έξι μήνες μετά την προγραμματισμένη ημερομηνία. Η ταινία κόστισε τρεις φορές περισσότερο από ό,τι αναμενόταν και έγινε η πιο ακριβή ιαπωνική ταινία που γυρίστηκε ποτέ. Οι κριτικές ήταν θετικές, και η εισπρακτική επιτυχία απέδωσε γρήγορα τα έξοδά της. Μετά από πολλές αλλαγές, διανεμήθηκε στη διεθνή αγορά. Με την πάροδο του χρόνου, και χάρη στις αμετάβλητες εκδόσεις που κυκλοφόρησαν στη συνέχεια, η ταινία έγινε όλο και πιο δημοφιλής. Το 1979, μια ψηφοφορία μεταξύ Ιαπώνων κριτικών την κατέταξε ως την καλύτερη ιαπωνική ταινία όλων των εποχών. Ακόμη και σήμερα, θεωρείται ως τέτοιο από ορισμένους κριτικούς.

Το 1954, οι πυρηνικές δοκιμές στον Ειρηνικό προκαλούν ραδιενεργό νέφος στην Ιαπωνία και δημιουργούν περιστατικά με καταστροφικές συνέπειες, όπως το Daigo Fukuryū Maru. Σε αυτό το πλαίσιο άγχους ο Κουροσάβα σχεδιάζει την επόμενη ταινία του, Ζώντας με φόβο (Ικίμονο νο κιρόκου;). Πρόκειται για έναν πλούσιο βιομήχανο (Toshirō Mifune) που φοβάται μια πυρηνική επίθεση και αποφασίζει να μεταφέρει την οικογένειά του σε μια φάρμα στη Βραζιλία για να είναι ασφαλής. Η παραγωγή ήταν λιγότερο χαοτική από την προηγούμενη ταινία, αλλά λίγες ημέρες πριν από το τέλος των γυρισμάτων, ο Fumio Hayasaka, συνθέτης και φίλος του Κουροσάβα, πέθανε από φυματίωση. Το soundtrack ολοκληρώθηκε στη συνέχεια από τον βοηθό του Hayasaka, Masaru Satō, ο οποίος θα εργαζόταν στις επόμενες οκτώ ταινίες του Kurosawa. Το Living in Fear κυκλοφόρησε τον Νοέμβριο του 1955, αλλά η υποδοχή από τους κριτικούς και το κοινό ήταν διστακτική και επιφυλακτική. Η ταινία έγινε η πρώτη ταινία του Κουροσάβα που απέτυχε να βγάλει τα έξοδά της κατά τη διάρκεια της προβολής της. Σήμερα, θεωρείται η καλύτερη ταινία που πραγματεύεται τις ψυχολογικές επιπτώσεις της παγκόσμιας πυρηνικής παράλυσης.

Το επόμενο έργο του Κουροσάβα, Το κάστρο της αράχνης (蜘蛛巣城, Kumonosu-jō;), είναι μια διασκευή του Μάκβεθ του Ουίλιαμ Σαίξπηρ, με την ιστορία να μεταφέρεται στην Ασία της περιόδου Σενγκόκου. Ο Κουροσάβα δίνει εντολή στους ηθοποιούς, και ιδιαίτερα στην πρωταγωνίστρια Ισούζου Γιαμάντα, να παίξουν και να ερμηνεύσουν σαν να επρόκειτο για κλασικό έργο της ιαπωνικής και όχι της δυτικής λογοτεχνίας. Η ερμηνεία των ηθοποιών ήταν παρόμοια με τις τεχνικές και το στυλ του θεάτρου Νο. Η ταινία γυρίστηκε το 1956 και κυκλοφόρησε τον Ιανουάριο του 1957. Ήταν ελαφρώς λιγότερο επιτυχημένη στις αίθουσες από την ταινία Living in Fear. Στο εξωτερικό, η ταινία έγινε γρήγορα σημείο αναφοράς μεταξύ των κινηματογραφικών διασκευών του Σαίξπηρ.

Η παραγωγή μιας ακόμη διασκευής ενός ευρωπαϊκού κλασικού έργου ακολουθεί αμέσως μετά την παραγωγή του Κάστρου της Αράχνης. Η ταινία Οι αβαθείς (どん底, Donzoko?), διασκευασμένη από το ομώνυμο θεατρικό έργο του Μαξίμ Γκόρκι, γυρίστηκε τον Μάιο και τον Ιούνιο του 1957. Αν και η διασκευή είναι πολύ πιστή στο ρωσικό έργο, η μεταφορά του στην περίοδο Έντο θεωρείται καλλιτεχνική επιτυχία. Η ταινία έκανε πρεμιέρα τον Σεπτέμβριο του 1957 και έτυχε ανάμεικτης υποδοχής, παρόμοιας με εκείνη του Κάστρου της Αράχνης. Ορισμένοι κριτικοί την κατατάσσουν στα πιο υποτιμημένα έργα του Κουροσάβα.

Οι τρεις ταινίες που ακολούθησαν τους Επτά Σαμουράι δεν είχαν την ίδια επιτυχία στο ιαπωνικό κοινό. Το έργο του Κουροσάβα έγινε όλο και πιο σκοτεινό και απαισιόδοξο και ο σκηνοθέτης ασχολήθηκε με ζητήματα λύτρωσης. Ο Κουροσάβα, παρατηρώντας αυτές τις αλλαγές, αποφάσισε σκόπιμα να επιστρέψει σε πιο ελαφριές, πιο διασκεδαστικές ταινίες. Την ίδια στιγμή, το πανοραμικό φορμά γινόταν πολύ δημοφιλές στην Ιαπωνία. Το αποτέλεσμα ήταν Το κρυφό φρούριο (隠し砦の三悪人, Kakushi toride no san-akunin?), μια ταινία περιπέτειας δράσης για μια πριγκίπισσα, τον πιστό στρατηγό της και δύο χωρικούς που πρέπει να διασχίσουν τις εχθρικές γραμμές για να φτάσουν στα σπίτια τους. Η ταινία "Το κρυφό φρούριο" κυκλοφόρησε το 1958 και σημείωσε τεράστια εισπρακτική επιτυχία και θερμή υποδοχή από τους κριτικούς. Σήμερα, η ταινία θεωρείται μια από τις πιο ανάλαφρες και χαλαρές ταινίες του Κουροσάβα, αλλά παραμένει δημοφιλής για τις πολλές επιρροές της, όπως η διαστημική όπερα Star Wars του Τζορτζ Λούκας το 1977.

Γέννηση μιας εταιρείας και τέλος μιας εποχής (1959-1965)

Μετά το Rashōmon, οι ταινίες του Κουροσάβα έφτασαν σε ένα ευρύτερο κοινό και η τύχη του σκηνοθέτη αυξήθηκε. Ο Tōhō πρότεινε τότε στον σκηνοθέτη να χρηματοδοτήσει ο ίδιος κάποιες από τις ταινίες του, περιορίζοντας έτσι τους οικονομικούς κινδύνους για την εταιρεία παραγωγής, με αντάλλαγμα ο Κουροσάβα να έχει μεγαλύτερη καλλιτεχνική ελευθερία ως συμπαραγωγός. Ο Κουροσάβα δέχτηκε και η εταιρεία παραγωγής Κουροσάβα γεννήθηκε τον Απρίλιο του 1959, με κύριο μέτοχο τον Tōhō.

Ενώ τώρα βάζει τα δικά του χρήματα σε κίνδυνο, ο Κουροσάβα επιλέγει να γυρίσει μια ταινία που ασκεί ανοιχτή κριτική - και πολύ περισσότερο από τα προηγούμενα έργα του - στην ιαπωνική πολιτική και οικονομία. Η ταινία Οι μπάσταρδοι κοιμούνται εν ειρήνη (悪い奴ほどよく眠る, Warui yatsu hodo yoku nemuru?), βασισμένη σε σενάριο του ανιψιού του Κουροσάβα, Μάικ Ινόουε, αφηγείται την εκδίκηση ενός νεαρού άνδρα που αναρριχάται στην ιεραρχία μιας διεφθαρμένης εταιρείας προκειμένου να ξεσκεπάσει τους υπεύθυνους για τον θάνατο του πατέρα του. Μια σύγχρονη αναδιήγηση του Άμλετ, αυτή η ταινία αποτελεί μια νέα διασκευή του Σαίξπηρ από τον σκηνοθέτη, μετά το Κάστρο της αράχνης (1957), που μεταφέρει την πλοκή του Μάκβεθ στη φεουδαρχική Ιαπωνία. Η ταινία ήταν όσο το δυνατόν πιο σχετική με την τρέχουσα κατάσταση: κατά τη διάρκεια της παραγωγής, πραγματοποιήθηκαν μεγάλης κλίμακας διαδηλώσεις για την καταγγελία της Συνθήκης Αμοιβαίας Συνεργασίας και Ασφάλειας μεταξύ των Ηνωμένων Πολιτειών και της Ιαπωνίας. Η συνθήκη αυτή θεωρήθηκε -ιδίως από τους νέους- ως απειλή για τη δημοκρατία της χώρας, καθώς έδινε περισσότερη εξουσία σε εταιρείες και πολιτικούς. Η ταινία κυκλοφόρησε τον Σεπτέμβριο του 1960 με θετικές κριτικές, αλλά είχε μέτρια εισπρακτική επιτυχία. Η 25λεπτη εναρκτήρια σεκάνς, η οποία απεικονίζει μια εταιρική τελετή που διακόπτεται από δημοσιογράφους και αστυνομικούς, θεωρείται ευρέως ως μια από τις πιο επιδέξια ενορχηστρωμένες ταινίες του Κουροσάβα, αλλά συγκριτικά η υπόλοιπη ταινία θεωρείται απογοήτευση. Η ταινία έχει επίσης επικριθεί για τον συμβατικό της ήρωα που πολεμά ένα κοινωνικό κακό που δεν μπορεί να λυθεί από μεμονωμένα άτομα.

Ο σωματοφύλακας (用心棒, Yōjinbō?), η δεύτερη ταινία της Kurosawa Productions, επικεντρώνεται στον σαμουράι Sanjūrō που οδηγεί δύο φατρίες που μάχονται βίαια για τον έλεγχο μιας πόλης του 19ου αιώνα να αλληλοσκοτωθούν. Ο σκηνοθέτης παίζει με τις συμβάσεις του είδους, ιδίως του γουέστερν, και επιτρέπει στον εαυτό του μια καλλιτεχνική απεικόνιση της βίας που δεν έχει προηγούμενο στην Ιαπωνία. Ο Sanjurō θεωρείται μερικές φορές ως ένας φανταστικός χαρακτήρας που αντιστρέφει με μαγικό τρόπο τον ιστορικό θρίαμβο των διεφθαρμένων εμπόρων επί των σαμουράι. Η ταινία κυκλοφόρησε τον Απρίλιο του 1961 και σημείωσε τεράστια εισπρακτική επιτυχία, αποφέροντας περισσότερα χρήματα από οποιαδήποτε άλλη προηγούμενη ταινία του Κουροσάβα. Η ταινία καταδεικνύει μια σημαντική επιρροή του είδους στην Ιαπωνία και εγκαινιάζει μια νέα εποχή για τις ταινίες zankoku eiga, τις εξαιρετικά βίαιες ταινίες σαμουράι. Η ταινία και το σκοτεινό χιούμορ της έχουν μιμηθεί ευρέως στο εξωτερικό - η ταινία "Μια χούφτα δολάρια" του Σέρτζιο Λεόνε, για παράδειγμα, είναι ένα μη εγκεκριμένο remake σκηνή προς σκηνή - αλλά πολλοί συμφωνούν ότι το πρωτότυπο του Κουροσάβα είναι ανώτερο από τις μιμήσεις.

Μετά την επιτυχία του Yōjinbō, ο Κουροσάβα βρέθηκε υπό την πίεση των Tōhō, οι οποίοι ήθελαν μια συνέχεια. Στη συνέχεια στράφηκε σε ένα σενάριο που είχε γράψει πριν από το Yōjinbō και το επεξεργάστηκε για να συμπεριλάβει τον ήρωα. Ο Σαντζούρο (椿三十郎, Tsubaki Sanjūrō?) είναι η πρώτη από τις τρεις ταινίες του Κουροσάβα που διασκευάστηκε από το έργο του συγγραφέα Shūgorō Yamamoto (οι άλλες δύο είναι το Barbarossa και το Dodes'kaden). Η ταινία είναι πιο ελαφριά και πιο συμβατική από το Yōjinbō, αν και η ιστορία μιας μάχης για την εξουσία μέσα σε μια φατρία σαμουράι παρουσιάζεται με πολύ κωμική χροιά. Η ταινία κυκλοφόρησε την 1η Ιανουαρίου 1962 και ξεπέρασε γρήγορα το Yōjinbō στο box office.

Εν τω μεταξύ, το Tōhō απέκτησε τα δικαιώματα για τη μεταφορά του King's Ransom, ενός αστυνομικού μυθιστορήματος από τη σειρά 87th District του Ed McBain, κατόπιν αιτήματος του Kurosawa. Ο Κουροσάβα ήθελε μια ταινία που να καταγγέλλει τις απαγωγές, τις οποίες θεωρούσε ένα από τα χειρότερα εγκλήματα. Το θρίλερ Between Heaven and Hell (天国と地獄, Tengoku to jigoku?) γυρίστηκε στα τέλη του 1962 και κυκλοφόρησε τον Μάρτιο του 1963 με διθυραμβικές κριτικές. Η ταινία έσπασε και πάλι τα ρεκόρ θεαματικότητας του Κουροσάβα και έγινε η μεγαλύτερη επιτυχία της χρονιάς στην Ιαπωνία. Ωστόσο, η ταινία κατηγορήθηκε για ένα κύμα απαγωγών που έλαβε χώρα λίγο μετά την κυκλοφορία της ταινίας. Ο ίδιος ο Κουροσάβα δέχτηκε απειλές για απαγωγή της κόρης του Καζούκο. Λίγο γνωστό σήμερα, το Between Heaven and Hell θεωρείται ωστόσο από πολλούς κριτικούς ως ένα από τα σημαντικότερα έργα του σκηνοθέτη.

Ο Κουροσάβα ακολουθεί γρήγορα με την επόμενη ταινία του Μπαρμπαρόσα (赤ひげ, Akahige?). Για το σκοπό αυτό, βασίζει την ταινία του σε διηγήματα του Shūgorō Yamamoto καθώς και στο Ταπεινωμένοι και προσβεβλημένοι του Ντοστογιέφσκι. Αυτή η ταινία εποχής, η οποία διαδραματίζεται σε έναν ξενώνα στα μέσα του 19ου αιώνα, επιτρέπει στον Κουροσάβα να αναδείξει τα ανθρωπιστικά θέματα που του είναι αγαπητά. Ο Γιασουμότο, ένας ματαιόδοξος και υλιστής νεαρός γιατρός με ξένη εκπαίδευση, αναγκάζεται να γίνει ειδικευόμενος στην κλινική για τους φτωχούς που διευθύνει ο δρ Νίντε, με το παρατσούκλι Ακαχίγκε (Μπαρμπαρόσα), τον οποίο υποδύεται ο Μιφούνε. Στην αρχή απρόθυμος, ο Γιασουμότο αρχίζει να θαυμάζει τον Μπαρμπαρόσα και να σέβεται τους ασθενείς που περιφρονούσε κατά την άφιξή του. Ο Yūzō Kayama, ο ερμηνευτής του χαρακτήρα του Yasumoto, ήταν δημοφιλής σταρ του κινηματογράφου και της μουσικής εκείνη την εποχή. Αυτή η διασημότητα επέτρεψε στον Κουροσάβα να εγγυηθεί μια ορισμένη επιτυχία για την ταινία του. Τα γυρίσματα, τα μεγαλύτερα σε διάρκεια που έκανε ποτέ ο σκηνοθέτης, διήρκεσαν σχεδόν ένα χρόνο μετά από 5 μήνες προπαραγωγής και ολοκληρώθηκαν την άνοιξη του 1965. Το Barbarossa κυκλοφόρησε τον Απρίλιο του 1965 και έγινε η μεγαλύτερη επιτυχία της χρονιάς στην Ιαπωνία, κερδίζοντας το βραβείο Kinema Junpō καλύτερης ταινίας, το τρίτο και τελευταίο βραβείο του Κουροσάβα. Η ταινία παραμένει μια από τις πιο γνωστές και αγαπημένες ταινίες του Κουροσάβα στην Ιαπωνία. Στο εξωτερικό, οι κριτικές είναι πιο διχασμένες. Οι περισσότεροι κριτικοί αναγνωρίζουν την τεχνική της μαεστρία (ορισμένοι μάλιστα την κατατάσσουν στα καλύτερα επιτεύγματα του Κουροσάβα), ενώ άλλοι επιμένουν στην έλλειψη πολυπλοκότητας και αφηγηματικής δύναμης. Άλλοι υποστηρίζουν ότι η ταινία αποτελεί υποχώρηση από τις πολιτικές και κοινωνικές δεσμεύσεις του Κουροσάβα.

Το Barbarossa σηματοδοτεί το τέλος μιας εποχής για τον Κουροσάβα. Ο ίδιος ο σκηνοθέτης το αναγνώρισε αυτό κατά την κυκλοφορία της ταινίας και δήλωσε στον κριτικό Ντόναλντ Ρίτσι ότι ένας κύκλος είχε κλείσει και ότι οι μελλοντικές του ταινίες και οι μέθοδοι παραγωγής θα ήταν διαφορετικές. Μέχρι το τέλος της δεκαετίας του 1950, η τηλεόραση αναπτυσσόταν και κυριαρχούσε στο κινηματογραφικό κοινό. Τα έσοδα των κινηματογραφικών στούντιο μειώνονταν και δεν επένδυαν πλέον σε ακριβές και ριψοκίνδυνες παραγωγές όπως αυτή του Κουροσάβα. Το Barbarossa σηματοδοτεί επίσης το μισό της καριέρας του σκηνοθέτη. Στα πρώτα 29 χρόνια της καριέρας του στην κινηματογραφική βιομηχανία γύρισε 23 ταινίες, ενώ στα επόμενα 28 χρόνια γύρισε μόνο 7 ταινίες, για διάφορους περίπλοκους λόγους. Επίσης, για λόγους που δεν αποκαλύφθηκαν ποτέ, το Barbarossa είναι η τελευταία ταινία του Κουροσάβα με τον Toshirō Mifune. Ο Yu Fujiki, ένας ηθοποιός που εργάστηκε στο The Shallows, λέει για τη σχέση του ζευγαριού ότι "η καρδιά του κ. Kurosawa ήταν στο σώμα του κ. Mifune". Ο Donald Richie περιγράφει τη σχέση τους ως μια μοναδική συμβίωση. Σχεδόν όλοι οι κριτικοί συμφωνούν ότι η καλύτερη περίοδος της καριέρας του Κουροσάβα ήταν μεταξύ 1950 και 1965 -που σηματοδοτήθηκε από το Rashōmon και το Barbarossa- και ότι δεν είναι τυχαίο ότι η φάση αυτή αντιστοιχεί στην περίοδο συνεργασίας του Μιφούνε με τον σκηνοθέτη.

Πέρασμα από το Χόλιγουντ (1966-1968)

Όταν το 1966 έληξε το αποκλειστικό συμβόλαιο του Κουροσάβα με την Tōhō, ο 56χρονος σκηνοθέτης ήταν έτοιμος να κάνει μια σημαντική στροφή στην καριέρα του. Τα προβλήματα που αντιμετώπιζε η ιαπωνική κινηματογραφική βιομηχανία και οι δεκάδες προτάσεις από το εξωτερικό τον ώθησαν να εργαστεί εκτός Ιαπωνίας για πρώτη φορά στην καριέρα του.

Για το πρώτο του ξένο έργο, ο Κουροσάβα εμπνεύστηκε από ένα άρθρο στο περιοδικό Life. Αυτό το θρίλερ παραγωγής της Embassy Pictures, το οποίο θα έπρεπε να είχε γυριστεί στα αγγλικά και να έχει τον τίτλο Runaway Train, θα ήταν η πρώτη έγχρωμη ταινία του Κουροσάβα. Όμως το γλωσσικό εμπόδιο ήταν ένα σημαντικό πρόβλημα για την παραγωγή αυτή, και η αγγλική μετάφραση του σεναρίου δεν είχε ολοκληρωθεί μέχρι το φθινόπωρο του 1966, όταν επρόκειτο να ξεκινήσουν τα γυρίσματα. Λόγω του χιονιού, τα γυρίσματα αναβλήθηκαν για το φθινόπωρο του 1967 και στη συνέχεια ακυρώθηκαν το 1968. Σχεδόν είκοσι χρόνια αργότερα, ο Andrei Konchalovsky, ένας άλλος αουτσάιντερ του Χόλιγουντ, σκηνοθέτησε τελικά το Runaway Train, μια ταινία με εντελώς διαφορετικό σενάριο από το έργο του Κουροσάβα.

Παρά την αποτυχία αυτή, ο Κουροσάβα αργότερα αναμείχθηκε σε πολύ πιο φιλόδοξα σχέδια του Χόλιγουντ. Tora! Tora! Η ταινία "Tora!", παραγωγή της 20th Century Fox και της Kurosawa Production, είναι μια απεικόνιση της επίθεσης στο Περλ Χάρμπορ από την αμερικανική και την ιαπωνική οπτική γωνία. Το ιαπωνικό μέρος της ταινίας δόθηκε αρχικά στον Κουροσάβα, ενώ το αμερικανικό σε έναν αγγλόφωνο σκηνοθέτη. Ο Κουροσάβα πέρασε αρκετούς μήνες δουλεύοντας πάνω στο σενάριο με τους Ryūzō Kikushima και Hideo Oguni, αλλά σύντομα το έργο άρχισε να καταρρέει. Ο σκηνοθέτης που επιλέχθηκε για τις αμερικανικές μερίδες δεν ήταν ο διάσημος Άγγλος David Lean, όπως αναμενόταν, κάτι που οι παραγωγοί είχαν κάνει τον Κουροσάβα να πιστέψει, αλλά ο Richard Fleischer, ένας πολύ λιγότερο γνωστός ειδικός στα ειδικά εφέ από τον Lean. Ο αρχικός προϋπολογισμός ήταν επίσης μειωμένος και η διάρκεια της ταινίας που αναλογούσε στις ιαπωνικές σκηνές δεν έπρεπε να ξεπεράσει τα 90 λεπτά, κάτι που αποδείχθηκε μεγάλο πρόβλημα για τον Κουροσάβα, του οποίου το σενάριο ήταν πάνω από 4 ώρες. Τον Μάιο του 1968, μετά από πολλές αλλαγές, συμφωνήθηκε ένα σχεδόν ολοκληρωμένο σενάριο. Τα γυρίσματα ξεκίνησαν τον Δεκέμβριο, αλλά ο Κουροσάβα παρέμεινε μόλις τρεις εβδομάδες ως σκηνοθέτης. Το συνεργείο και οι μέθοδοι εργασίας του δεν ήταν εξοικειωμένα με τις απαιτήσεις μιας χολιγουντιανής παραγωγής και προβλημάτισαν τους Αμερικανούς παραγωγούς, οι οποίοι συμπέραναν ότι ο Κουροσάβα ήταν ψυχικά άρρωστος. Τα Χριστούγεννα του 1968, οι παραγωγοί ανακοίνωσαν ότι ο Κουροσάβα αποχωρεί από την παραγωγή, επίσημα λόγω "κόπωσης". Ανεπίσημα, απολύθηκε. Τελικά, αντικαταστάθηκε από τους δύο σκηνοθέτες Kinji Fukasaku και Toshio Masuda.

Tora! Tora! Το Tora! κυκλοφόρησε τελικά τον Σεπτέμβριο του 1970 με μη ενθουσιώδεις κριτικές και παραμένει μια πραγματική τραγωδία στην καριέρα του σκηνοθέτη. Ο Κουροσάβα αφιέρωσε αρκετά χρόνια από τη ζωή του σε ένα έργο με εφιαλτική υλικοτεχνική υποδομή, για να μην καταφέρει να γυρίσει ούτε ένα μέτρο ταινίας. Στη συνέχεια, το όνομά του αφαιρέθηκε από τους τίτλους, ενώ το σενάριο για τις ιαπωνικές σκηνές παρέμεινε αυτό που είχε γράψει ο ίδιος. Στη συνέχεια, αποστασιοποιήθηκε από τον μακροχρόνιο συνεργάτη του, τον συγγραφέα Ryūzō Kikushima, και δεν συνεργάστηκε ποτέ ξανά μαζί του. Το έργο έφερε επίσης στο φως μια υπόθεση διαφθοράς εντός της ίδιας της εταιρείας παραγωγής του - μια κατάσταση κοντά σε μια από τις ταινίες του, το The Bastards Sleep in Peace. Η λογική του αμφισβητήθηκε. Τελικά, η ιαπωνική κινηματογραφική βιομηχανία άρχισε να υποψιάζεται ότι προσπαθούσε να τερματίσει την κινηματογραφική του καριέρα.

Μια δύσκολη δεκαετία (1969-1977)

Γνωρίζοντας ότι η φήμη του διακυβεύεται μετά την πανωλεθρία του πολυδιαφημισμένου Tora! Tora! Tora!, ο Κουροσάβα προχώρησε γρήγορα σε ένα νέο έργο. Οι Keisuke Kinoshita, Masaki Kobayashi και Kon Ichikawa, τρεις φίλοι του Kurosawa, ήρθαν για να υποστηρίξουν τον σκηνοθέτη. Τον Ιούλιο του 1969, οι τέσσερις τους δημιούργησαν μια εταιρεία παραγωγής που ονόμασαν Λέσχη Τεσσάρων Ιπποτών (Yonki no kai;). Αν και η βασική ιδέα αυτής της εταιρείας ήταν να επιτρέψει στους τέσσερις σκηνοθέτες να δημιουργήσουν από μια ταινία ο καθένας, μερικές φορές λέγεται ότι το πραγματικό κίνητρο των άλλων τριών σκηνοθετών ήταν να διευκολύνουν τον Κουροσάβα να ολοκληρώσει μια ταινία και έτσι να υπογράψει την επιστροφή του στην κινηματογραφική βιομηχανία.

Το πρώτο προτεινόμενο σχέδιο ήταν μια ιστορική ταινία με τίτλο Ντόρα-Χέιτα, αλλά κρίθηκε πολύ ακριβό και ο Κουροσάβα στράφηκε στο Ντοντεσκαντέν (どですかでん, Ντοντεσουκαντέν;), μια νέα διασκευή ενός έργου του Γιαμαμότο, πάλι για τους φτωχούς και τους άπορους. Ο Κουροσάβα ήθελε να αποδείξει ότι ήταν ακόμα σε θέση να δουλεύει γρήγορα και αποτελεσματικά με περιορισμένο προϋπολογισμό, έτσι η ταινία γυρίστηκε γρήγορα σε εννέα εβδομάδες. Για την πρώτη έγχρωμη δουλειά του, απέφυγε το δυναμικό μοντάζ και τις πολύπλοκες συνθέσεις και επικεντρώθηκε περισσότερο στη δημιουργία μιας τολμηρής, σχεδόν σουρεαλιστικής παλέτας βασικών χρωμάτων για να τονίσει την τοξικότητα του περιβάλλοντος των χαρακτήρων. Η ταινία κυκλοφόρησε στην Ιαπωνία τον Οκτώβριο του 1970, όπου γνώρισε περιορισμένη κριτική επιτυχία και πλήρη αδιαφορία από το κοινό. Η μεγάλη οικονομική αποτυχία οδήγησε στη διάλυση του Four Knights Club. Κατά την κυκλοφορία της στο εξωτερικό, η ταινία έτυχε σχετικά καλής υποδοχής από τους κριτικούς, αλλά έκτοτε θεωρείται ασύγκριτη με τις καλύτερες δουλειές του σκηνοθέτη.

Μη μπορώντας να εξασφαλίσει χρηματοδότηση για μελλοντικά έργα και υποφέροντας από προβλήματα υγείας, ο Κουροσάβα φάνηκε να φτάνει σε οριακό σημείο: στις 22 Δεκεμβρίου 1971, έκοψε το λαιμό και τους καρπούς του αρκετές φορές. Αυτή η απόπειρα αυτοκτονίας απέτυχε και ο Κουροσάβα συνήλθε σχετικά γρήγορα. Στη συνέχεια αποφάσισε να καταφύγει στην ιδιωτική του ζωή, χωρίς να γνωρίζει αν θα σκηνοθετήσει ξανά.

Στις αρχές του 1973, το σοβιετικό στούντιο Mosfilm θέλησε να συνεργαστεί με τον σκηνοθέτη. Ο Κουροσάβα προσφέρθηκε να διασκευάσει μια αυτοβιογραφία του Ρώσου εξερευνητή Βλαντιμίρ Αρσένιεφ, με τίτλο Dersu Uzala, την οποία ήθελε να γυρίσει από τη δεκαετία του 1930. Το μυθιστόρημα αναφέρεται σε έναν κυνηγό Χεζέν που ζει σε αρμονία με τη φύση πριν αυτή καταστραφεί από τον πολιτισμό. Τον Δεκέμβριο του 1973, ο Κουροσάβα, τότε 63 ετών, πήγε να ζήσει στη Σοβιετική Ένωση για ενάμιση χρόνο με τέσσερις από τους στενότερους συνεργάτες του. Τα γυρίσματα ξεκίνησαν τον Μάιο του 1974 στη Σιβηρία κάτω από εξαιρετικά δύσκολες φυσικές συνθήκες και ολοκληρώθηκαν τον Απρίλιο του 1975. Ο Κουροσάβα, εξαντλημένος και νοσταλγικός, επέστρεψε στην Ιαπωνία τον Ιούνιο. Η παγκόσμια πρεμιέρα του Dersou Ouzala (デルス・ウザーラ, Derusu Uzāra?) πραγματοποιήθηκε στις 2 Αυγούστου 1975. Ενώ οι Ιάπωνες κριτικοί παρέμειναν βουβοί, η ταινία έτυχε θερμής υποδοχής στο εξωτερικό, κερδίζοντας το Χρυσό Βραβείο στο Διεθνές Φεστιβάλ Κινηματογράφου της Μόσχας καθώς και το Όσκαρ Καλύτερης Ξενόγλωσσης Ταινίας. Ήταν επίσης μια εισπρακτική επιτυχία. Σήμερα, οι κριτικοί παραμένουν διχασμένοι: ορισμένοι τη θεωρούν παράδειγμα της παρακμής του Κουροσάβα, ενώ άλλοι συγκαταλέγουν την ταινία στα πιο ολοκληρωμένα έργα του.

Παρόλο που δέχτηκε προτάσεις για τηλεοπτικά έργα, ο Κουροσάβα δεν έδειξε κανένα ενδιαφέρον να εγκαταλείψει τον κόσμο του κινηματογράφου. Παρ' όλα αυτά, το 1976, συμφώνησε να εμφανιστεί σε μια σειρά τηλεοπτικών διαφημίσεων για το ουίσκι Suntory. Φοβούμενος ότι δεν θα μπορούσε να γυρίσει άλλη ταινία, ο σκηνοθέτης συνέχισε να εργάζεται πάνω σε διάφορα σχέδια, να γράφει νέα σενάρια και να δημιουργεί λεπτομερείς εικονογραφήσεις της δουλειάς του με σκοπό να αφήσει πίσω του μια οπτική καταγραφή των λήψεών του, σε περίπτωση που δεν θα μπορούσε να τις γυρίσει.

Δύο μεγάλα έπη (1978-1986)

Το 1977, ο Αμερικανός σκηνοθέτης Τζορτζ Λούκας κυκλοφόρησε το πρώτο επεισόδιο του έπους Star Wars, μια παγκοσμίως επιτυχημένη ταινία επιστημονικής φαντασίας επηρεασμένη από το Κρυφό Φρούριο του Κουροσάβα. Ο Λούκας, ο οποίος εκτιμούσε τον Κουροσάβα ως πρότυπο, σοκαρίστηκε όταν έμαθε ότι ο Ιάπωνας σκηνοθέτης δεν ήταν σε θέση να συγκεντρώσει τα χρήματα για μια νέα ταινία. Τον Ιούλιο του 1978, ο Λούκας και ο Κουροσάβα συναντήθηκαν στο Λος Άντζελες για να συζητήσουν το λιγότερο ριψοκίνδυνο έργο του Ιάπωνα σκηνοθέτη: το "Kagemusha, Shadow of the Warrior" (影武者, Kagemusha?), ένα έπος για έναν κλέφτη που γίνεται ο σωσίας ενός Ιάπωνα άρχοντα. Ο Λούκας γοητεύτηκε από το σενάριο και τις εικόνες του Κουροσάβα και χρησιμοποίησε την επιρροή του για να πείσει την 20th Century Fox να παράγει την ταινία, δέκα χρόνια μετά την αποτυχία του Tora! Tora! Tora! Ο Λούκας κατάφερε επίσης να πείσει τον Φράνσις Φορντ Κόπολα - άλλον έναν θαυμαστή του Κουροσάβα - να συμμετάσχει ως συμπαραγωγός.

Η παραγωγή του Kagemusha ξεκίνησε τον Απρίλιο του 1979 με τον Κουροσάβα σε καλή διάθεση. Τα γυρίσματα διήρκεσαν από τον Ιούνιο του 1979 έως τον Μάρτιο του 1980 και δεν ήταν χωρίς προβλήματα, όπως η απόλυση του πρωταγωνιστή Shintarō Katsu. Ο Katsu αντικαταστάθηκε από τον Tatsuya Nakadai, ο οποίος έπαιξε τον πρώτο από τους δύο πρωταγωνιστικούς του ρόλους με τον Kurosawa. Η ταινία ολοκληρώθηκε με μερικές εβδομάδες καθυστέρηση και κυκλοφόρησε στο Τόκιο τον Απρίλιο του 1980. Το Kagemusha έγινε γρήγορα επιτυχία στην Ιαπωνία. Είχε επίσης επιτυχία στο εξωτερικό, τόσο από κριτικής άποψης όσο και από πλευράς εισιτηρίων. Η ταινία κέρδισε τον Χρυσό Φοίνικα στο Φεστιβάλ των Καννών τον Μάιο του 1980. Παρά ταύτα, ορισμένοι κριτικοί της εποχής και ακόμη και σήμερα καταγγέλλουν μια κάποια ψυχρότητα στην ταινία. Ο Κουροσάβα πέρασε το υπόλοιπο του 1980 προωθώντας την ταινία του, λαμβάνοντας βραβεία και εκθέτοντας τους πίνακές του, οι οποίοι χρησιμοποιήθηκαν ως σενάρια.

Η διεθνής επιτυχία του Kagemusha επέτρεψε στον Κουροσάβα να ξεκινήσει το επόμενο έργο του, το Ran (乱, Ran?), ένα άλλο έπος. Το σενάριο, εν μέρει βασισμένο στην τραγωδία του Ουίλιαμ Σαίξπηρ "Βασιλιάς Ληρ", περιγράφει έναν αιμοδιψή δαίμονα (τον υποδύεται ο Tatsuya Nakadai), ο οποίος, αφού εξορίζει τον μοναδικό πιστό γιο του, κληροδοτεί το βασίλειό του στους άλλους δύο γιους του, οι οποίοι σύντομα τον προδίδουν, βυθίζοντας ολόκληρο το βασίλειο σε έναν αδελφοκτόνο πόλεμο. Τα ιαπωνικά στούντιο είναι απρόθυμα να παράγουν μια από τις πιο ακριβές ταινίες στην ιστορία της χώρας και απαιτείται για άλλη μια φορά χρηματοδότηση από το εξωτερικό. Αυτή τη φορά ήταν ο Γάλλος παραγωγός Serge Silberman που ήρθε να βοηθήσει τον Kurosawa. Τα γυρίσματα ξεκίνησαν τον Δεκέμβριο του 1983 και διήρκεσαν πάνω από ένα χρόνο.

Τον Ιανουάριο του 1985, η σύζυγος του Κουροσάβα, Γιόκο, αρρώστησε και η παραγωγή του Ran σταμάτησε. Η Γιόκο πέθανε την 1η Φεβρουαρίου σε ηλικία 64 ετών. Η ταινία έκανε πρεμιέρα στις 31 Μαΐου 1985 στο Διεθνές Φεστιβάλ Κινηματογράφου του Τόκιο. Η ταινία είχε μέτρια οικονομική επιτυχία στην Ιαπωνία, αλλά ήταν πολύ πιο σημαντική στο εξωτερικό. Όπως και πριν με το Kagemusha, ο Κουροσάβα ξεκίνησε περιοδεία στην Ευρώπη για την προώθηση της ταινίας του μέχρι το τέλος του έτους.

Το Ran κέρδισε αρκετά βραβεία στην Ιαπωνία, αλλά δεν είχε την ίδια αναγνώριση με άλλα έργα του Κουροσάβα των δεκαετιών 1950 και 1960. Ο κόσμος του κινηματογράφου εξεπλάγη πολύ όταν η Ιαπωνία αποφάσισε να μην επιλέξει την ταινία για το Όσκαρ Καλύτερης Ξένης Ταινίας το 1986. Όμως ο Κουροσάβα και οι παραγωγοί απέδωσαν την επιλογή αυτή στην έλλειψη κατανόησης: λόγω της πολυπλοκότητας των κανόνων της Ακαδημίας, κανείς δεν γνώριζε αν η ταινία μπορούσε να διαγωνιστεί για την Ιαπωνία, για τη Γαλλία (μέσω της χρηματοδότησής της) ή και για τα δύο. Ως απάντηση σε αυτό το μικρό σκάνδαλο, ο σκηνοθέτης Sidney Lumet πίεσε ώστε ο Kurosawa να είναι υποψήφιος για Όσκαρ Καλύτερης Σκηνοθεσίας (το οποίο κέρδισε εκείνη τη χρονιά ο Sydney Pollack για το Out of Africa). Η σχεδιάστρια κοστουμιών του Ran, Emi Wada, έλαβε τελικά το μοναδικό Όσκαρ της ταινίας.

Το Kagemusha και το Ran αναφέρονται συχνά ως οι πιο ολοκληρωμένες ταινίες του Akira Kurosawa. Μετά την κυκλοφορία του, ο Κουροσάβα αναφέρεται στο Ran ως την καλύτερη ταινία του, σε αντίθεση με τη συνήθη στάση του να απαντά "το επόμενο" όταν του ζητείται να ονομάσει την καλύτερη ταινία του.

Τελευταία έργα (1987-1998)

Για την επόμενη ταινία του, ο Κουροσάβα επέλεξε ένα πολύ διαφορετικό θέμα από αυτό που είχε ασχοληθεί σε όλη του την καριέρα. Το Όνειρα (夢, Yume?), μια βαθιά προσωπική ταινία, βασίζεται εξ ολοκλήρου στα όνειρα του ίδιου του σκηνοθέτη. Για πρώτη φορά μετά από σχεδόν σαράντα χρόνια, ο Κουροσάβα ανέλαβε μόνος του το σενάριο. Παρόλο που ο προβλεπόμενος προϋπολογισμός ήταν χαμηλότερος από το Ran, τα ιαπωνικά στούντιο παρέμειναν απρόθυμα να παράγουν μια νέα ταινία του Κουροσάβα. Στη συνέχεια ο σκηνοθέτης απευθύνθηκε σε έναν άλλο διάσημο θαυμαστή του, τον Αμερικανό σκηνοθέτη Steven Spielberg, ο οποίος έπεισε την Warner Bros. να αγοράσει τα δικαιώματα της ταινίας. Αυτή η αγορά διευκόλυνε τον Hisao Kurosawa, γιο του Akira, συμπαραγωγό και μελλοντικό επικεφαλής της Kurosawa Productions, να διαπραγματευτεί ένα δάνειο στην Ιαπωνία για την κάλυψη του κόστους παραγωγής. Τα γυρίσματα διήρκεσαν περισσότερο από οκτώ μήνες και τα "Όνειρα" προβλήθηκαν για πρώτη φορά τον Μάιο του 1990 στο Φεστιβάλ των Καννών. Η υποδοχή στο Φεστιβάλ ήταν ευγενική αλλά διακριτική, και το ίδιο συνέβη και με τη διεθνή κυκλοφορία του.

Στη συνέχεια ο Κουροσάβα στράφηκε σε μια πιο συμβατική ιστορία, τη Ραψωδία τον Αύγουστο (八月の狂詩曲, Hachi-gatsu no kyōshikyoku;), η οποία επικεντρώνεται στα σημάδια του πυρηνικού βομβαρδισμού του Ναγκασάκι στο τέλος του Β' Παγκοσμίου Πολέμου. Το σενάριο αποτελεί διασκευή του μυθιστορήματος της Kiyoko Murata, αλλά οι αναφορές στη βομβιστική επίθεση προέρχονται από τον σκηνοθέτη και όχι από το βιβλίο. Η ταινία, η πρώτη ταινία που παρήχθη εξ ολοκλήρου στην Ιαπωνία μετά το Dodes'kaden, είναι επίσης η πρώτη ταινία του Κουροσάβα στην οποία εμφανίζεται ένας Αμερικανός σταρ, ο Richard Gere στον μικρό ρόλο του ανιψιού της ηρωίδας. Η ταινία γυρίστηκε στις αρχές του 1991 και κυκλοφόρησε στις 25 Μαΐου του ίδιου έτους. Η ταινία έλαβε πολύ κακές κριτικές, ιδίως στις Ηνωμένες Πολιτείες, όπου ο Κουροσάβα κατηγορήθηκε για αντιαμερικανισμό.

Ο Κουροσάβα δεν χάνει χρόνο και προχωρά πολύ γρήγορα στο επόμενο έργο του, το Μανταντάγιο (まあだだよ, Mādadayo?). Βασισμένη στα αυτοβιογραφικά δοκίμια του Hyakken Uchida, η ταινία παρακολουθεί τη ζωή ενός Ιάπωνα Γερμανού δασκάλου κατά τη διάρκεια του Β' Παγκοσμίου Πολέμου και τη μεταπολεμική περίοδο. Η ιστορία επικεντρώνεται στους εορτασμούς γενεθλίων με τους μαθητές του, κατά τη διάρκεια των οποίων ο πρωταγωνιστής επαναλαμβάνει την άρνησή του να πεθάνει αμέσως - ένα θέμα που επαναλαμβάνεται όλο και περισσότερο στο έργο του 81χρονου σκηνοθέτη. Τα γυρίσματα ξεκίνησαν τον Φεβρουάριο του 1992 και ολοκληρώθηκαν τον Σεπτέμβριο. Η ταινία κυκλοφόρησε στις 17 Απριλίου 1993, αλλά έλαβε ακόμη χειρότερες και πιο απογοητευτικές κριτικές από τις δύο προηγούμενες ταινίες του.

Ωστόσο, αυτή η αποτυχία δεν εμπόδισε τον Κουροσάβα να συνεχίσει να εργάζεται. Το 1993 έγραψε το πρωτότυπο σενάριο για την ταινία Η θάλασσα βλέπει (海は見ていた, Umi wa miteita?), ενώ το 1995 ακολούθησε το σενάριο για την ταινία Μετά τη βροχή (雨あがる, Ame agaru?). Ενώ ολοκλήρωνε την τελευταία ταινία το 1995, ο Κουροσάβα έπεσε και έσπασε τη βάση της σπονδυλικής του στήλης. Ως αποτέλεσμα αυτού του ατυχήματος, χρειάστηκε να χρησιμοποιεί αναπηρικό καροτσάκι για το υπόλοιπο της ζωής του, τερματίζοντας τις ελπίδες ότι θα γύριζε ποτέ άλλη ταινία. Η δια βίου επιθυμία του - να πεθάνει στα γυρίσματα μιας ταινίας - δεν θα πραγματοποιηθεί ποτέ.

Θάνατος και μεταθανάτια έργα

Μετά από αυτό το ατύχημα το 1995, η υγεία του Ακίρα Κουροσάβα άρχισε να επιδεινώνεται. Ενώ το μυαλό του ήταν ακόμα κοφτερό και δυνατό, το σώμα του τον εγκατέλειψε και τους τελευταίους έξι μήνες της ζωής του, ο σκηνοθέτης έμεινε στο σπίτι στο κρεβάτι, ακούγοντας μουσική και βλέποντας τηλεόραση. Στις 6 Σεπτεμβρίου 1998, ο Ακίρα Κουροσάβα πέθανε από εγκεφαλικό επεισόδιο στη Σεταγκάγια (Τόκιο) σε ηλικία 88 ετών.

Μετά το θάνατο του Κουροσάβα, δημιουργήθηκαν αρκετά μεταθανάτια έργα βασισμένα στα σενάριά του. Η ταινία Μετά τη βροχή (雨あがる, Ame agaru?) σε σκηνοθεσία Τακάσι Κοϊζούμι κυκλοφόρησε το 1999, ενώ η ταινία Η θάλασσα παρακολουθεί (海は見ていた, Umi wa miteita?) σε σκηνοθεσία Κέι Κουμάι κυκλοφόρησε το 2002. Το σενάριο της Dora-heita που είχε γράψει η Λέσχη των Τεσσάρων Ιπποτών την εποχή της παραγωγής του Dodes'kaden σκηνοθετήθηκε τελικά από τον Kon Ichikawa, το μοναδικό επιζών μέλος της Λέσχης. Το Dora-heita κυκλοφόρησε το 2000.

Όλες οι βιογραφικές πηγές συμφωνούν ότι ο Κουροσάβα ήταν ένας σκηνοθέτης που συμμετείχε με πάθος σε κάθε πτυχή της παραγωγής των ταινιών του. Όπως συνόψισε ένας δημοσιογράφος, "έγραψε τα σενάριά του, επέβλεψε τον σχεδιασμό, έκανε πρόβες με τους ηθοποιούς, έστησε όλα τα πλάνα και έκανε το μοντάζ της ταινίας". Η ενεργός συμμετοχή του επεκτάθηκε από την αρχική ιδέα της ταινίας μέχρι την ολοκλήρωσή της.

Γράφοντας το σενάριο

Στον Κουροσάβα άρεσε να επαναλαμβάνει ότι το σενάριο είναι το απόλυτο θεμέλιο μιας καλής ταινίας και ότι, ενώ ένας κακός σκηνοθέτης μπορεί μερικές φορές να κάνει μια καλή ταινία από ένα καλό σενάριο, ένας μεγάλος σκηνοθέτης δεν μπορεί ποτέ να κάνει μια καλή ταινία από ένα κακό σενάριο. Στη μεταπολεμική περίοδο άρχισε να συνεργάζεται με μια ομάδα πέντε σεναριογράφων: Eijirō Hisaita, Ryūzō Kikushima, Shinobu Hashimoto, Hideo Oguni και Masato Ide. Όποτε τα μέλη αυτής της ομάδας δούλευαν πάνω σε μια ταινία, συγκεντρώνονταν γύρω από ένα τραπέζι, συχνά σε ένα σπα, όπου δεν μπορούσαν να αποσπαστούν από τον έξω κόσμο. Για παράδειγμα, οι Επτά Σαμουράι γράφτηκαν με αυτόν τον τρόπο. Συνήθως, εκτός από τον Oguni που ενεργούσε ως διαιτητής, όλοι δούλευαν στις ίδιες σελίδες και ο Κουροσάβα επέλεγε στη συνέχεια την καλύτερη εκδοχή κάθε μιας από τις σχετικές σκηνές. Η μέθοδος αυτή επιλέχθηκε "έτσι ώστε ο κάθε συνεισφέρων να μπορεί να δώσει το δικό του στίγμα, ελέγχοντας την κυριαρχία της άποψης του άλλου".

Συχνά, εκτός από το πραγματικό σενάριο, ο Κουροσάβα έγραφε πολλές πολύ λεπτομερείς σημειώσεις σε αυτό το στάδιο, προκειμένου να επεξεργαστεί και να διευκρινίσει τις σκέψεις του. Για τους Επτά Σαμουράι, για παράδειγμα, έγραψε έξι σημειωματάρια στα οποία δημιούργησε, μεταξύ άλλων, λεπτομερείς βιογραφίες των σαμουράι, περιλαμβάνοντας, για παράδειγμα, τι φορούσαν και έτρωγαν, πώς περπατούσαν, μιλούσαν, συμπεριφέρονταν, ακόμη και πώς έδεναν τα παπούτσια τους. Για τους 101 αγροτικούς χαρακτήρες της ταινίας, δημιούργησε ένα μητρώο 23 οικογενειών και ζήτησε από τους ηθοποιούς να ζήσουν και να εργαστούν σε αυτές τις "οικογένειες" κατά τη διάρκεια των γυρισμάτων.

Storyboards

Ο Ακίρα Κουροσάβα έφτιαξε πολλά storyboards για τις ταινίες του. Αυτά τα προπαρασκευαστικά σχέδια, περισσότερα από δύο χιλιάδες σε αριθμό, είναι εντυπωσιακά για την αίσθηση της έκφρασης, των συναισθημάτων, του φωτισμού, των κοστουμιών και της διαμόρφωσης. Τα σχέδια αυτά θεωρούνται αυτοτελή έργα τέχνης, προσιτά ακόμη και σε όσους δεν είναι εξοικειωμένοι με τις ταινίες του, και εκτίθενται τακτικά. Η τελευταία έκθεση στη Γαλλία πραγματοποιήθηκε στο Παρίσι στο Petit Palais το 2009.

Σκοποβολή

Ο Κουροσάβα ήταν τελειομανής στα γυρίσματα και αφιέρωσε τεράστια ποσότητα ενέργειας και χρόνου για να επιτύχει το οπτικό αποτέλεσμα που επιδίωκε. Ο δικτατορικός του τρόπος διεύθυνσης του χάρισε το παρατσούκλι Tennō, κυριολεκτικά Αυτοκράτορας.

Για τις πρώτες του ταινίες, ο Κουροσάβα χρησιμοποίησε τυπικούς φακούς και μεγάλο βάθος πεδίου. Αλλά από την ταινία Οι επτά σαμουράι (1954) και μετά, οι τεχνικές λήψης άλλαξαν ριζικά, με τη χρήση φακών μεγάλης εστιακής απόστασης και πολλαπλών καμερών. Ο Κουροσάβα ισχυρίστηκε ότι η χρήση αυτών των φακών και πολλαπλών καμερών ταυτόχρονα προσέφερε τη δυνατότητα κινηματογράφησης από μεγαλύτερη απόσταση χωρίς οι ηθοποιοί να γνωρίζουν ποια κάμερα θα χρησιμοποιηθεί στο τελικό μοντάζ, επιτρέποντάς τους να ενεργούν πολύ πιο φυσικά. Ο Tatsuya Nakadai παραδέχεται ότι οι πολλαπλές κάμερες τον βοήθησαν στις ερμηνείες του με τον σκηνοθέτη. Οι αλλαγές έχουν επίσης σημαντικό αντίκτυπο στην εμφάνιση των σκηνών δράσης της ταινίας, ιδίως στην τελική μάχη στη βροχή. Σύμφωνα με τον Stephen Prince, "μπορεί να χρησιμοποιήσει τους τηλεφακούς για να μπει κάτω από τα άλογα, ανάμεσα στις οπλές τους, και έτσι να μας βυθίσει στο χάος αυτής της μάχης με έναν τρόπο που είναι οπτικά πρωτοφανής, είτε στη δική του δουλειά είτε στον κινηματογράφο σαμουράι γενικότερα.

Στο "Κρυφό Φρούριο", ο Κουροσάβα χρησιμοποίησε το αναμορφικό ευρύ φορμά για πρώτη φορά στην καριέρα του. Αυτές οι τρεις τεχνικές (φακοί μεγάλης εστιακής απόστασης, πολλαπλές κάμερες και ευρύ φορμά) αξιοποιήθηκαν αργότερα πλήρως από τον Κουροσάβα, ακόμη και σε σκηνές με λίγη ή καθόλου δράση. Για παράδειγμα, η χρήση αυτών των τεχνικών στις πρώτες σκηνές του Between Heaven and Hell εντείνει και δραματοποιεί τις εντάσεις και τις σχέσεις εξουσίας μεταξύ των διαφόρων χαρακτήρων, όλοι μέσα σε έναν πολύ περιορισμένο χώρο.

Σε όλες τις ταινίες του, και ιδιαίτερα στα jidai-geki, ο Κουροσάβα επιμένει στην απόλυτη αυθεντικότητα των σκηνικών, των κοστουμιών και των σκηνικών. Για παράδειγμα, στο Spider Castle, στη σκηνή όπου ο Washizu (Mifune) δέχεται επίθεση από τα βέλη των δικών του ανδρών, ο σκηνοθέτης ρίχνει πραγματικά βέλη (κούφια και καθοδηγούμενα από καλώδια) στον Mifune από απόσταση περίπου 3 μέτρων. Οι σημάνσεις στο έδαφος διασφαλίζουν ότι ο ηθοποιός δεν θα χτυπηθεί. Μερικά από τα βέλη, ωστόσο, προσγειώνονται μόνο μερικά εκατοστά μακριά από τον Mifune, ο οποίος στη συνέχεια υποφέρει από εφιάλτες. Ο Mifune παραδέχτηκε αργότερα ότι δεν χρειαζόταν να καταπονήσει το ταλέντο του για να δείχνει τρομαγμένος στην οθόνη.

Στο Barbarossa, προκειμένου να κατασκευάσει την πύλη της κλινικής, ο Κουροσάβα δίνει εντολή στους βοηθούς του να αποσυναρμολογήσουν παλιά σάπια ξύλινα σκηνικά και να χρησιμοποιήσουν το ξύλο για να δημιουργήσουν μια πύλη που μοιάζει ρημαγμένη από τον χρόνο. Στην ίδια ταινία, για τα φλιτζάνια που χρησιμοποιούν οι χαρακτήρες, ο Κουροσάβα δίνει εντολή στο συνεργείο του να ρίξει τσάι πενήντα ετών στα φλιτζάνια, ώστε να χρωματιστούν επαρκώς.

Στο Ran, ο καλλιτεχνικός διευθυντής Yoshirō Muraki, ο οποίος κατασκευάζει το τρίτο κάστρο υπό την επίβλεψη του σκηνοθέτη, δημιουργεί τις πέτρες της κατασκευής από φωτογραφίες ενός διάσημου κάστρου: ζωγραφίζει μπλοκ από πολυστυρένιο ακολουθώντας σχολαστικά τις φωτογραφίες και στη συνέχεια τα κολλάει μεταξύ τους με μια ιδιαίτερη τεχνική στοίβαξης που ονομάζεται moellonage και διαρκεί αρκετούς μήνες. Αργότερα, πριν από τα γυρίσματα της σκηνής του φλεγόμενου κάστρου, ήταν απαραίτητο να αποτραπεί το λιώσιμο των "λίθων". Για να γίνει αυτό, καλύπτονται με τέσσερις στρώσεις τσιμέντου και στη συνέχεια πρέπει να βαφτούν ξανά.

Συναρμολόγηση

Κατά τη διάρκεια της καριέρας του, ο Κουροσάβα συχνά σημείωνε ότι γύριζε μια ταινία με μοναδικό σκοπό να έχει υλικό για το μοντάζ, καθώς θεωρούσε ότι αυτό ήταν το πιο σημαντικό και καλλιτεχνικά ενδιαφέρον μέρος της κινηματογραφικής παραγωγής. Η δημιουργική ομάδα του Κουροσάβα θεωρούσε το μοντάζ ως το μεγαλύτερο ταλέντο του σκηνοθέτη. Ο Hiroshi Nezu, υπεύθυνος παραγωγής, λέει: "Μεταξύ μας, πιστεύουμε ότι είναι ο καλύτερος σκηνοθέτης στο Tōhō, ο καλύτερος σεναριογράφος στην Ιαπωνία και ο καλύτερος μοντέρ στον κόσμο. Αυτό που τον απασχολεί περισσότερο είναι η ποιότητα της ροής, ο ρυθμός που πρέπει να έχει μια ταινία. Η ταινία του Κουροσάβα κυλάει κατά κάποιο τρόπο κατά μήκος των εξαρτημάτων".

Ο Teruyo Nogami, επαναλαμβανόμενο μέλος της ομάδας του σκηνοθέτη, επιβεβαιώνει την άποψη αυτή: "Το μοντάζ του Akira Kurosawa ήταν εξαιρετικό, έργο ιδιοφυΐας. Λέει ότι ο Κουροσάβα μπορούσε να θυμάται κάθε λήψη με ακρίβεια και ότι αν του έδινε τη λάθος λήψη μιας σκηνής στο μοντάζ, το αντιλαμβανόταν αμέσως, παρόλο που εκείνη κρατούσε λεπτομερείς σημειώσεις, ενώ εκείνος όχι. Συγκρίνει τον εγκέφαλό της με έναν υπολογιστή, ο οποίος έκανε με τα κομμάτια της ταινίας ό,τι κάνει ένας υπολογιστής σήμερα.

Σε αντίθεση με το πρότυπο του Χόλιγουντ, όπου το μοντάζ γίνεται μετά τα γυρίσματα, ο Κουροσάβα συνήθιζε να μοντάρει τις ταινίες του σε καθημερινή βάση, καθώς προχωρούσε. Αυτή η μέθοδος τον βοήθησε πολύ στη δουλειά του όταν άρχισε να χρησιμοποιεί πολλές κάμερες ταυτόχρονα και βρέθηκε να έχει να συναρμολογήσει μια μεγάλη ποσότητα βιασμών. "Πάντα έκανα μοντάζ τη νύχτα, αν είχαμε αρκετό υλικό στο κουτί. Αφού ελέγξω τις λήψεις, συνήθως πηγαίνω στην αίθουσα μοντάζ και δουλεύω. Λόγω αυτής της μεθόδου εργασίας, η μεταπαραγωγή μπορεί να είναι εκπληκτικά σύντομη. Για παράδειγμα, η προεπισκόπηση του Yojimbo πραγματοποιήθηκε στις 20 Απριλίου 1961, μόλις τέσσερις ημέρες μετά το τέλος των γυρισμάτων στις 16 Απριλίου.

Το "Kurosawa-gumi

Εκτός αν αναφέρεται ή συμπληρώνεται διαφορετικά, οι πληροφορίες σε αυτό το τμήμα μπορούν να επιβεβαιωθούν από τη βάση δεδομένων IMDb.

Ο Κουροσάβα συνεργαζόταν συνεχώς με έναν κλειστό κύκλο (το "Κουροσάβα-γκούμι") ανθρώπων που είχε διαμορφώσει ο ίδιος καθ' όλη τη διάρκεια της καριέρας του. Ανάμεσα στους διάφορους τεχνικούς και καλλιτέχνες αυτού του κύκλου ήταν:

Η συντριπτική πλειονότητα των παρατηρητών περιγράφει το στυλ του Κουροσάβα ως τολμηρό και δυναμικό και πολλοί το συγκρίνουν με το παραδοσιακό αφηγηματικό στυλ του Χόλιγουντ που δίνει έμφαση στη γραμμική, χρονολογική, αιτιώδη και ιστορική σκέψη. Αλλά έχει επίσης γραφτεί ότι, από την πρώτη κιόλας ταινία του, ο Κουροσάβα αποπνέει ένα στυλ που διαφέρει πολύ από το κλασικό, απρόσκοπτο στυλ του Χόλιγουντ: ο Κουροσάβα δεν διστάζει να διαταράξει τη σκηνή που απεικονίζεται στην οθόνη χρησιμοποιώντας πολλά διαφορετικά πλάνα, και έτσι αντιτίθεται στην παραδοσιακή συνδεσμολογία 180° που ανέπτυξε το Χόλιγουντ. Ο Κουροσάβα, χρησιμοποιώντας ρευστές κινήσεις της κάμερας αντί για συμβατικό μοντάζ, τείνει επίσης να ενσωματώνει μια χωρική διάσταση στη χρονική αφήγηση.

Η σύνδεση στον άξονα

Στις ταινίες του της δεκαετίας του 1940 και του 1950, ο Κουροσάβα έκανε συχνή χρήση του axis cut. Η κάμερα κινείται προς ή μακριά από το θέμα, όχι με dolly ή fade, αλλά με μια σειρά κοντινών λήψεων. Για παράδειγμα, στο Ο νέος θρύλος του μεγάλου τζούντο, ο ήρωας αποχαιρετά τη γυναίκα που αγαπά, αλλά αφού απομακρυνθεί λίγο, γυρίζει και υποκλίνεται μπροστά της, και στη συνέχεια, αφού απομακρυνθεί ξανά, γυρίζει και υποκλίνεται ξανά. Τα τρία πλάνα δεν συνδέονται στην ταινία με κινήσεις της κάμερας ή σβησίματα, αλλά με μια σειρά από δύο γρήγορα κοψίματα. Το αποτέλεσμα είναι να υπογραμμίζεται η διάρκεια της αναχώρησης του Sanshiro.

Στην εναρκτήρια σεκάνς της ταινίας Οι Επτά Σαμουράι στο χωριάτικο χωριό, το on-axis cut χρησιμοποιείται δύο φορές. Όταν οι χωρικοί είναι έξω, συγκεντρωμένοι σε κύκλο, κλαίνε και θρηνούν για την επικείμενη άφιξη των ληστών, τους βλέπουμε από ψηλά σε ένα εξαιρετικά μακρινό πλάνο- στη συνέχεια, μετά από μια περικοπή, τους κινηματογραφούμε σε ένα πολύ πιο κοντινό πλάνο, και στη συνέχεια σε ένα ακόμα πιο κοντινό πλάνο στο επίπεδο του εδάφους. Μόνο τότε αρχίζει ο διάλογος. Λίγα λεπτά αργότερα, όταν οι χωρικοί πηγαίνουν στον μύλο για να ζητήσουν συμβουλές από τον γέροντα του χωριού, υπάρχει ένα μακρινό πλάνο του μύλου, με έναν τροχό να γυρίζει αργά στο ποτάμι. Τα πλάνα διαδέχονται το ένα το άλλο ως εξής: ένα μακρινό πλάνο του μύλου, με έναν τροχό που γυρίζει αργά στο ποτάμι, ένα πιο κοντινό πλάνο αυτού του τροχού και ένα ακόμα πιο κοντινό πλάνο του. Καθώς ο μύλος είναι το μέρος όπου ζει ο γέρος, τα πλάνα αυτά επιτρέπουν στον θεατή να συνδέσει αυτόν τον χαρακτήρα με τον μύλο.

Η σύνδεση σε κίνηση

Αρκετοί μελετητές έχουν επισημάνει την τάση του Κουροσάβα να χρησιμοποιεί τη σύνδεση στην κίνηση. Για παράδειγμα, σε μια σεκάνς από τους Επτά Σαμουράι, ο σαμουράι Σιτσιρότζι, όρθιος, προσπαθεί να παρηγορήσει τον χωρικό Μάνζο, καθισμένο στο έδαφος. Ο Shichirôji γονατίζει για να του μιλήσει. Ο Κουροσάβα επιλέγει να κινηματογραφήσει αυτή την απλή ενέργεια σε δύο λήψεις αντί για μία, ενώνοντας τις δύο μόλις ο Σιτσιρότζι έχει αρχίσει να γονατίζει, προκειμένου να τονίσει την ταπεινότητα του σαμουράι. Υπάρχουν πολλά τέτοια παραδείγματα στην ίδια ταινία. Το κόψιμο της δράσης, ο κατακερματισμός της, είναι ένας τρόπος που ο Κουροσάβα χρησιμοποιεί συχνά για να δημιουργήσει συναισθήματα.

Το πτερύγιο

Το στυλ του Κουροσάβα χαρακτηρίζεται επίσης από τη χρήση του σκουπίσματος. Πρόκειται για ένα εφέ που δημιουργείται από έναν οπτικό εκτυπωτή, το οποίο αποτελείται, στο τέλος μιας σκηνής, από μια γραμμή ή μια μπάρα που κινείται κατά μήκος της οθόνης, σβήνοντας την εικόνα και αποκαλύπτοντας ταυτόχρονα την πρώτη εικόνα της επόμενης σκηνής. Ως μεταβατικό μέσο, χρησιμοποιείται ως υποκατάστατο του άμεσου κοψίματος ή του fade-out (αν και ο Κουροσάβα, φυσικά, χρησιμοποιούσε συχνά και αυτές τις δύο μεθόδους). Στα πιο επιτυχημένα έργα του, ο Κουροσάβα χρησιμοποιεί το σκουπίδι τόσο συχνά που γίνεται ένα είδος υπογραφής. Ο μεθυσμένος άγγελος, για παράδειγμα, έχει τουλάχιστον δώδεκα πίνακες.

Υπάρχουν διάφορες θεωρίες σχετικά με τον σκοπό αυτής της συσκευής, η οποία ήταν συνηθισμένη στον βωβό κινηματογράφο, αλλά έγινε πιο σπάνια στον ηχητικό και ρεαλιστικό κινηματογράφο. Ο Goodwin υποστηρίζει ότι τα παραθυρόφυλλα στο Rashōmon, για παράδειγμα, εξυπηρετούν έναν από τρεις σκοπούς: για να τονίσουν την κίνηση στις κούκλες, για να επισημάνουν τις αφηγηματικές αλλαγές στις σκηνές του δικαστηρίου και για να επισημάνουν χρονικές ελλείψεις μεταξύ των ενεργειών (π.χ. μεταξύ του τέλους της κατάθεσης ενός χαρακτήρα και της αρχής της κατάθεσης ενός άλλου). Επισημαίνει επίσης ότι στο The Shallows, στο οποίο ο Κουροσάβα δεν χρησιμοποιεί καθόλου το κλείστρο, χειρίστηκε επιδέξια τους ανθρώπους και τα σκηνικά στο κάδρο για να κάνει νέες εικόνες να εμφανίζονται και να εξαφανίζονται, όπως κάνει ένα κλείστρο.

Ο Κουροσάβα χρησιμοποιεί επίσης το κλείστρο ως σατιρικό μέσο στο Living. Μια ομάδα γυναικών πηγαίνει στο γραφείο της τοπικής κυβέρνησης για να ζητήσει από τους γραφειοκράτες να μετατρέψουν ένα άδειο οικόπεδο σε παιδική χαρά για τα παιδιά. Στη συνέχεια, ο θεατής έρχεται αντιμέτωπος με μια σειρά υποκειμενικών λήψεων διαφορετικών γραφειοκρατών, που συνδέονται με γρήγορες μεταβάσεις, κάθε μία από τις οποίες παραπέμπει την ομάδα σε άλλο τμήμα. Η χρήση του κλείστρου κάνει την ακολουθία πιο αστεία, οι εικόνες των γραφειοκρατών στοιβάζονται σαν τραπουλόχαρτα, η μία πιο σκληρή από την άλλη.

Η χρήση του κλείστρου στις ταινίες του Κουροσάβα επηρέασε βαθιά τον Τζορτζ Λούκας για τη διαστημική του όπερα Star Wars (1977).

Το soundtrack

Σύμφωνα με όλες τις μαρτυρίες, ο Κουροσάβα έδινε πάντα μεγάλη προσοχή στο soundtrack των ταινιών του (τα απομνημονεύματα του Teruyo Nogami δίνουν πολλά παραδείγματα). Στα τέλη της δεκαετίας του 1940, άρχισε να χρησιμοποιεί τη μουσική ως αντίστιξη στο συναισθηματικό περιεχόμενο μιας σκηνής, αντί να ενισχύει απλώς το συναίσθημα, όπως παραδοσιακά έκανε (και εξακολουθεί να κάνει) το Χόλιγουντ. Αυτή η προσέγγιση της μουσικής στις ταινίες του εμπνεύστηκε από μια οικογενειακή τραγωδία. Όταν ο Κουροσάβα έμαθε για το θάνατο του πατέρα του το 1948, άρχισε να περιπλανιέται άσκοπα στους δρόμους του Τόκιο. Η θλίψη του ενισχύθηκε όταν άκουσε ξαφνικά το χαρούμενο τραγούδι Gökvalsen (Βαλς του κούκου, 1918) που συνέθεσε ο Johan Emanuel Jonasson. Στη συνέχεια έσπευσε να ξεφύγει από αυτή την "απαίσια μουσική". Στη συνέχεια ζήτησε από τον συνθέτη του, Fumio Hayasaka, με τον οποίο συνεργαζόταν για το The Drunken Angel, να χρησιμοποιήσει αυτό το τραγούδι ως ένα είδος ειρωνικής συνοδείας στη σκηνή όπου ο ετοιμοθάνατος γκάνγκστερ Matsunaga πέφτει στο χαμηλότερο σημείο του.

Αυτή η προσέγγιση στη μουσική συναντάται επίσης στο Angry Dog, που κυκλοφόρησε ένα χρόνο μετά το The Drunken Angel. Στην τελευταία σκηνή, ο ντετέκτιβ Μουρακάμι παλεύει με μανία εναντίον του δολοφόνου Γιούσα σε ένα λασπωμένο χωράφι. Ξαφνικά ακούγεται ένα κομμάτι Μότσαρτ, που παίζεται στο πιάνο από μια γυναίκα σε ένα κοντινό σπίτι. Η γαλήνη της μουσικής του Μότσαρτ μοιάζει απόκοσμη και έρχεται σε αντίθεση με την πρωτόγονη βία της σκηνής και ενισχύει τη δύναμη της σκηνής. Παρομοίως, στους Επτά Σαμουράι, τα πουλιά κελαηδούν στο παρασκήνιο κατά τη διάρκεια των επεισοδίων δολοφονίας και ακρωτηριασμού, όπως στην πρώτη σκηνή όπου οι αγρότες θρηνούν τη μοίρα τους.

Στα έργα του, ο Ακίρα Κουροσάβα είχε ως στόχο να περιγράψει ή να κάνει μια παραβολή της ανθρώπινης κοινωνίας. Στις ταινίες του απεικόνισε τη φτώχεια (The Shallows, Dodes'kaden), τη βία στις πόλεις (Rabid Dog), την ασθένεια και την ακινησία των δημοσίων υπαλλήλων (Living), την καταστροφή του περιβάλλοντος (Dreams) και τα γηρατειά (Madadayo).

Η σχέση δασκάλου-μαθητή

Πολλοί σχολιαστές σημειώνουν στο έργο του Κουροσάβα τον πλεονασμό της πολύπλοκης σχέσης μεταξύ ενός μεγαλύτερου άνδρα και ενός νεότερου σε μια σχέση δασκάλου-μαθητή. Αυτό το θέμα είναι σαφώς αντλημένο από την προσωπική εμπειρία του σκηνοθέτη. Σύμφωνα με την Joan Mellen, "ο Κουροσάβα σεβόταν τους δασκάλους του, ειδικά τον Kajirō Yamamoto, τον μέντορά του στο Tōhō. Η σωτήρια εικόνα ενός ηλικιωμένου ατόμου που διδάσκει ένα νεότερο άτομο προκαλεί πάντα μεγάλες συναισθηματικές στιγμές στις ταινίες του Κουροσάβα". Ο κριτικός Tadao Satō βλέπει τον επαναλαμβανόμενο χαρακτήρα του δασκάλου ως υποκατάστατο πατέρα, ο ρόλος του οποίου είναι να καθοδηγεί τον νεαρό πρωταγωνιστή και να τον βοηθά να ωριμάσει, να μεγαλώσει.

Στην πρώτη του ταινία, Ο θρύλος του μεγάλου τζούντο, αφού ο δάσκαλος του τζούντο, ο Γιάνο, γίνεται δάσκαλος και πνευματικός οδηγός του πρωταγωνιστή, η ιστορία γίνεται ένα χρονικό της αυξανόμενης μαεστρίας και ωριμότητας του ήρωα Σανσίρο Σουγκάτα, βήμα προς βήμα. Οι σχέσεις δασκάλου-μαθητή που εμφανίζονται στις μεταπολεμικές ταινίες - όπως ο Μεθυσμένος Άγγελος, ο Τρελός Σκύλος, οι Επτά Σαμουράι, το Μπαρμπαρόσα και το Dersou Uzala - χρησιμοποιούν πολύ λίγο την άμεση, θεωρητική διδασκαλία, αλλά πολύ τη μάθηση μέσω της εμπειρίας και του παραδείγματος. Κάποιοι το αποδίδουν αυτό στη σιωπηλή και ιδιωτική φύση της φώτισης του Ζεν.

Στο Kagemusha, Shadow of the Warrior, αυτή η σχέση εξελίσσεται. Ένας κλέφτης που επιλέγεται για να υποδυθεί τον σωσία ενός μεγάλου άρχοντα συνεχίζει τη μίμησή του μετά τον θάνατο του αφέντη του. Η παρουσία του δασκάλου είναι τότε φανταστική και η σχέση μεταξύ των δύο χαρακτήρων διατηρείται από το υπερπέραν. Σε αντίθεση με τις προηγούμενες ταινίες, το τέλος αυτής της σχέσης δεν οδηγεί στην ανανέωση της ζωής και των δεσμεύσεών της, αλλά στο θάνατο. Ωστόσο, στην πιο πρόσφατη ταινία του Madadayo - για τη σχέση μεταξύ ενός δασκάλου και των πρώην μαθητών του - επανεμφανίζεται ένα πιο χαρούμενο όραμα. Η γιορτή του Κουροσάβα αναδεικνύει τις απλές χαρές των σχέσεων δασκάλου-μαθητή, της συγγένειας και του απλού γεγονότος της ζωής.

Ο ήρωας

Ο κινηματογράφος του Κουροσάβα είναι ένας επικός, ηρωικός κινηματογράφος, του οποίου οι ταινίες έχουν ως κινητήρια δύναμη έναν και μοναδικό ήρωα, του οποίου οι πράξεις και το πεπρωμένο μετράνε περισσότερο από την ίδια του τη ζωή. Η ανάδειξη αυτού του μοναδικού ήρωα από τον Κουροσάβα συμπίπτει με τη μεταπολεμική περίοδο και τον στόχο της αμερικανικής κατοχής της Ιαπωνίας να αντικαταστήσει την ιαπωνική φεουδαρχία με τον ατομικισμό. Η πολιτική εξέλιξη της χώρας δεν πέρασε απαρατήρητη από τον σκηνοθέτη, ο οποίος προσπάθησε να αναπτύξει το δικό του κινηματογραφικό στυλ. Σύμφωνα με τον κριτικό Tadao Sato, ο ιαπωνικός λαός υπέφερε πολύ από τη στρατιωτική ήττα της χώρας και συνειδητοποίησε ότι η κυβέρνηση δεν ήταν ούτε δίκαιη ούτε αξιόπιστη. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου της αμφιβολίας και της αβεβαιότητας, ο Κουροσάβα γύρισε μια σειρά ταινιών που υποστήριζαν την άποψη του λαού ότι το νόημα της ζωής δεν υπαγορεύεται από τη χώρα ή το έθνος, αλλά είναι κάτι που ο καθένας πρέπει να ανακαλύψει μέσα στον πόνο. Ο ίδιος ο σκηνοθέτης αντιλαμβάνεται αυτή τη σύνδεση μεταξύ της δικής του ψυχικής κατάστασης και της ψυχικής κατάστασης του λαού: "Ένιωσα ότι χωρίς την καθιέρωση του εαυτού ως θετικής αξίας, δεν θα μπορούσε να υπάρξει ελευθερία ή δημοκρατία".

Ο πρώτος από αυτούς τους μεταπολεμικούς ήρωες ήταν μια ηρωίδα, η Yukie Yagihara, την οποία υποδύθηκε η Setsuko Hara στο I Regret Nothing of My Youth. Αυτή η ηρωίδα δεν διστάζει να ξεφύγει από την οικογένειά της και το κοινωνικό της περιβάλλον, επιμένει μπροστά στα εμπόδια, παίρνει τον έλεγχο της ζωής της και της ζωής των άλλων και αντιμετωπίζει την υπαρξιακή μοναξιά. Όλα αυτά τα στοιχεία αποτελούν το πρώτο συνεκτικό παράδειγμα ηρωισμού σύμφωνα με τον Κουροσάβα. Αυτή η υπαρξιακή μοναξιά απεικονίζεται επίσης από τον Δρ Sanada (τον οποίο υποδύεται ο Takashi Shimura) στο The Drunken Angel: ο Sanada αντιτίθεται στην παράδοση και αγωνίζεται, μόνος του, για έναν καλύτερο κόσμο.

Οι Επτά Σαμουράι παρουσιάζονται ως η απόλυτη αναπαράσταση του ιδανικού ήρωα του Κουροσάβα. Σύμφωνα με την Joan Mellen, η ταινία είναι πρωτίστως ένας φόρος τιμής στην τάξη των σαμουράι, η οποία για τον σκηνοθέτη αντιπροσωπεύει το καλύτερο της ιαπωνικής παράδοσης και ακεραιότητας. Ο εμφύλιος πόλεμος και το χάος που προκαλεί ωθεί τους σαμουράι να διοχετεύσουν την ανιδιοτέλειά τους και να παραμείνουν πιστοί στους αγρότες. Όμως αυτός ο ηρωισμός είναι μάταιος και μάταιος: το θάρρος και η επιδεξιότητα των σαμουράι δεν μπορούν να αποτρέψουν την τελική καταστροφή τους.

Φύση

Η φύση είναι ένα κρίσιμο στοιχείο στις ταινίες του Ακίρα Κουροσάβα. Όπως πολλοί Ιάπωνες καλλιτέχνες, ο σκηνοθέτης είναι πολύ ευαίσθητος στις λεπτές αποχρώσεις και την ομορφιά των εποχών και των τοπίων. Δεν διστάζει να χρησιμοποιήσει το κλίμα και τον καιρό ως ενεργά στοιχεία της πλοκής.

Η καταπιεστική ζέστη στο Rabid Dog και στο Living in Fear είναι πανταχού παρούσα: αντιπροσωπεύει, μεταξύ άλλων, τον κόσμο που καταπιέζεται από την οικονομική κατάρρευση και την πυρηνική απειλή. Ο ίδιος ο Κουροσάβα λέει: "Μου αρέσουν τα ζεστά καλοκαίρια, οι κρύοι χειμώνες, η δυνατή βροχή, το δυνατό χιόνι, και νομίζω ότι οι περισσότερες ταινίες μου το δείχνουν αυτό. Μου αρέσουν τα άκρα, γιατί τα βρίσκω πιο ζωντανά.

Στο Κάστρο της αράχνης, η ομίχλη ενισχύει την ατμόσφαιρα της ταινίας. Προκαλεί στον θεατή ένα αποτέλεσμα αβεβαιότητας, δισταγμού, απειλής και φόβου, συναισθήματα που βιώνουν και οι ίδιοι οι χαρακτήρες. Ο Κουροσάβα λέει για τα σκηνικά: "Χτίσαμε το κάστρο στους πρόποδες του όρους Φούτζι. Ήθελα ομίχλη. Σε αντίθεση με το συνηθισμένο κάστρο, το έκανα επίπεδο έτσι ώστε να ελίσσεται κατά μήκος του εδάφους, για να δώσω μια τρομακτική εντύπωση ώστε να αισθάνεται κανείς ένα δυσοίωνο γεγονός.

Ο άνεμος είναι επίσης ένα ισχυρό σύμβολο στη φιλμογραφία του Κουροσάβα, μια επίμονη μεταφορά για την αλλαγή, τη μοίρα και τις αντιξοότητες. Στο The Bodyguard, κατά τη διάρκεια της τελικής μάχης, οι άνεμοι φυσούν, δημιουργώντας σύννεφα σκόνης, εμποδίζοντας τη μάχη.

Τέλος, η βροχή δεν είναι ποτέ ουδέτερη στο έργο του σκηνοθέτη: δεν πρόκειται ποτέ για ελαφριά βροχή, για ένα σταγονόμετρο, για ένα ψιλόβροχο, αλλά πάντα για μανιώδεις, βίαιες βροχές, καταιγίδες. Στην ταινία Οι επτά σαμουράι, η τελική μάχη λαμβάνει χώρα κάτω από μια εκτυφλωτική νεροποντή, επιτρέποντας στον Κουροσάβα να συγχωνεύσει τις διαφορετικές κοινωνικές τάξεις. Αλλά αυτή η συγχώνευση της κοινωνικής ταυτότητας είναι χαοτική, συμβολίζεται από μια μάχη που μετατρέπεται σταδιακά σε δίνη βροχής και λάσπης.

Βία

Με το Κάστρο της αράχνης το 1957, αναδύθηκε μια εμμονή με τους ιστορικούς κύκλους άγριας και αδυσώπητης βίας. Σε αυτή την ταινία, η ελευθερία δεν υπάρχει, ο μόνος νόμος που υπάρχει είναι αυτός της αιτίας και του αποτελέσματος, και τα γεγονότα που προκύπτουν εγγράφονται σε έναν κύκλο που επαναλαμβάνεται επ' άπειρον: ο άρχοντας του Washizu, ο οποίος δολοφόνησε τον δικό του άρχοντα χρόνια πριν για να καταλάβει την εξουσία, δολοφονείται ο ίδιος από τον Washizu για τους ίδιους λόγους.

Τα δύο έπη Kagemusha και Ran σηματοδοτούν μια σημαντική καμπή στο όραμα του Κουροσάβα για τον κόσμο. Στην Kagemusha, εκεί που πριν ο ήρωας μπορούσε να πάρει τον έλεγχο των γεγονότων και να τα διαμορφώσει σύμφωνα με τις παρορμήσεις του, τώρα είναι μόνο ένα επιφαινόμενο μιας αδίστακτης, αιματηρής διαδικασίας που μπορεί μόνο να υπομείνει. Το Ran είναι ένα χρονικό της δίψας για εξουσία, της προδοσίας ενός πατέρα από τους γιους του, των πολέμων και των δολοφονιών.

Επιρροή

Το έπος του Πολέμου των Άστρων έχει επηρεαστεί σε μεγάλο βαθμό από το έργο του Κουροσάβα. Η πλοκή της πρώτης ταινίας της σειράς, Star Wars Episode IV: A New Hope (1977), βασίζεται εν μέρει στο Κρυφό Φρούριο, με τον ίδιο τον Τζορτζ Λούκας να παραδέχεται ότι οι χαρακτήρες των C-3PO και R2-D2 βασίζονται στους χωρικούς χαρακτήρες Tahei και Matashichi. Οπτικά, η ταινία διαθέτει τις χαρακτηριστικές για τις ταινίες του Κουροσάβα μεταβάσεις. Για την έβδομη ταινία της σειράς, το Star Wars Episode VII: The Force Awakens (2015), ο σκηνοθέτης J. J. Abrams λέγεται ότι χρησιμοποίησε το Between Heaven and Hell ως σημείο αναφοράς για τη σύνθεση σκηνών και την τοποθέτηση χαρακτήρων. Τέλος, το σενάριο του Star Wars, Episode VIII: The Last Jedi (2017) επηρεάστηκε από το Rashōmon καθώς και από άλλες ταινίες, σύμφωνα με τον σκηνοθέτη Rian Johnson.

Αναγνώριση

Πολλοί κινηματογραφιστές έχουν επαινέσει το έργο του Κουροσάβα, ιδιαίτερα το Rashōmon. Ο σκηνοθέτης Satyajit Ray, ο οποίος τιμήθηκε μετά θάνατον με το βραβείο Akira Kurosawa Lifetime Achievement Award στο Διεθνές Φεστιβάλ Κινηματογράφου του Σαν Φρανσίσκο το 1992, αναφέρθηκε σε αυτό με τα εξής λόγια:

"Η επίδραση της ταινίας σε μένα [όταν την είδα για πρώτη φορά στην Καλκούτα το 1952] ήταν ηλεκτρική. Την είδα τρεις φορές στη σειρά και κάθε φορά αναρωτιόμουν αν υπάρχει άλλη ταινία που να αποδεικνύει τόσο μόνιμα και εκθαμβωτικά τη μαεστρία ενός σκηνοθέτη σε όλες τις πτυχές της κινηματογραφικής δημιουργίας".

Ο Ίνγκμαρ Μπέργκμαν αποκάλεσε τη δική του ταινία Η πηγή "άθλια απομίμηση του Κουροσάβα". Είπε ότι το 1960 ο θαυμασμός του για τον ιαπωνικό κινηματογράφο βρισκόταν στο απόγειό του. Ο Ρομάν Πολάνσκι θεωρεί τον Κουροσάβα έναν από τους τρεις αγαπημένους του σκηνοθέτες, μαζί με τον Όρσον Γουέλς και τον Φεντερίκο Φελίνι. Οι Επτά Σαμουράι, Το κάστρο της αράχνης και Το κρυφό φρούριο είναι από τις αγαπημένες του ταινίες. Ο Μπερνάρντο Μπερτολούτσι θεωρεί θεμελιώδη την επιρροή του Κουροσάβα: "Οι ταινίες του Κουροσάβα και η La dolce vita του Φελίνι είναι οι ταινίες που με ώθησαν να γίνω σκηνοθέτης". Ο σκηνοθέτης της ταινίας La dolce vita θαύμαζε επίσης τον Κουροσάβα, θεωρώντας τον "το μεγαλύτερο ζωντανό παράδειγμα όλων όσων πρέπει να είναι ένας κινηματογραφικός δημιουργός". Το Rashōmon συγκαταλέγεται έτσι στις δέκα αγαπημένες του ταινίες. Ο Αντρέι Ταρκόφσκι ανέφερε τον Κουροσάβα ως έναν από τους αγαπημένους του σκηνοθέτες και τοποθέτησε τους Επτά Σαμουράι ανάμεσα στις δέκα αγαπημένες του ταινίες. Ο Sidney Lumet αποκάλεσε τον Κουροσάβα "τον Μπετόβεν των σκηνοθετών". Ο Werner Herzog, όταν ρωτήθηκε για τους αγαπημένους του σκηνοθέτες, αναφέρθηκε στον Rashōmon με τα εξής λόγια:

"Πάντα αναρωτιόμουν πώς θα μπορούσε ο Κουροσάβα να κάνει μια ταινία τόσο καλή όσο το Rashōmon- η ισορροπία και ο ρυθμός είναι τέλειοι και χρησιμοποιεί το χώρο τόσο αρμονικά. Είναι μια από τις καλύτερες ταινίες που έχουν γυριστεί ποτέ".

Ο Ρόμπερτ Άλτμαν, όταν είδε για πρώτη φορά το Rashōmon, εντυπωσιάστηκε τόσο πολύ από την αλληλουχία των εικόνων του ήλιου που ενσωμάτωσε τα ίδια πλάνα στο έργο του την επόμενη μέρα.

Σύμφωνα με τον Anthony Frewin, βοηθό του Stanley Kubrick, ο Kubrick θεωρούσε τον Kurosawa έναν από τους μεγαλύτερους σκηνοθέτες και τον εκτιμούσε ιδιαίτερα. Ο Κουροσάβα θαύμαζε επίσης τον Κιούμπρικ και του έστειλε μια επιστολή θαυμαστή στα τέλη της δεκαετίας του 1990. Ο Κιούμπρικ συγκινήθηκε τόσο πολύ από αυτή την επιστολή που ξόδεψε αρκετούς μήνες για να ξαναγράψει την απάντησή του. Στο μεταξύ, όμως, ο Κουροσάβα είχε πεθάνει και ήταν τρομερά αναστατωμένος.

Νέες προσωπικότητες του Χόλιγουντ, όπως ο Φράνσις Φορντ Κόπολα, ο Τζορτζ Λούκας, ο Στίβεν Σπίλμπεργκ, ο Μάρτιν Σκορτσέζε και ο Τζον Μίλιους, θεωρούν τον Κουροσάβα μέντορα που επηρέασε έντονα τα αντίστοιχα έργα τους. Η σκηνή του γάμου στην αρχή της ταινίας Ο Νονός (1972) του Κόπολα, για παράδειγμα, εμπνεύστηκε από την ταινία Οι μπάσταρδοι κοιμούνται εν ειρήνη (1960), η οποία ανοίγει με μια μεγάλη εναρκτήρια σεκάνς - διάρκειας περίπου 25 λεπτών - με δημοσιογράφους και αστυνομικούς να διακόπτουν μια εταιρική τελετή. Ο Σπίλμπεργκ, ο οποίος συμμετείχε στην παραγωγή του Dreams (1990), είναι επίσης θαυμαστής του Κουροσάβα, τον οποίο αποκάλεσε τη δεκαετία του 1980 "σύγχρονο Σαίξπηρ". Σύμφωνα με τον Σπίλμπεργκ, ο Κουροσάβα επηρέασε το έργο του ως σκηνοθέτη και τις αισθητικές του προτιμήσεις, τόσο στον κινηματογράφο όσο και στην τέχνη γενικότερα.

Διασκευές του έργου του

Στην Ιαπωνία, το έργο του Κουροσάβα έχει εμπνεύσει πολλά ριμέικ. Αυτή είναι η περίπτωση του Θρύλου του μεγάλου τζούντο, στον οποίο βασίζονται τέσσερις ταινίες: Sugata Sanshiro, σε σκηνοθεσία του Shigeo Tanaka το 1955, Sugata Sanshiro, σε παραγωγή του Kurosawa και σκηνοθεσία του Seiichiro Uchikawa το 1965, A Brave Generous Era, σε σκηνοθεσία του Sadao Nakajima το 1966, Dawn of Judo, σε σκηνοθεσία του Kunio Watanabe το 1970, καθώς και Sugata Sanshiro, σε σκηνοθεσία του Kihachi Okamoto το 1977. Όσον αφορά την ταινία Rabid Dog, έχει ξαναγίνει δύο φορές: μια ταινία σε σκηνοθεσία Azuma Morisaki το 1973 για το Shōchiku και μια τηλεοπτική ταινία σε σκηνοθεσία Yasuo Tsuruhashi το 2013 για το TV Asahi. Το 1964, ο σκηνοθέτης Hideo Gosha έκανε ένα ριμέικ των Επτά Σαμουράι με τίτλο Οι τρεις παράνομοι σαμουράι. Τέλος, το The Hidden Fortress ενέπνευσε την ταινία Kakushi toride no san-akunin: The Last Princess, σε σκηνοθεσία του Shinji Higuchi το 2008.

Πνευματικά δικαιώματα

Στις 2 Απριλίου 2007, το Tōhō κατέθεσε αγωγή κατά της Cosmo Contents σχετικά με τη διανομή των έργων του Κουροσάβα. Η απόφαση θα καθορίσει αν οι ταινίες του Ακίρα Κουροσάβα πριν από το 1953 ανήκουν στο δημόσιο τομέα ή όχι. Το περιφερειακό δικαστήριο του Τόκιο εξέδωσε την απόφασή του στις 14 Σεπτεμβρίου 2007, δηλώνοντας ότι τα έργα του Ακίρα Κουροσάβα δεν θα είναι κοινό κτήμα μέχρι το τέλος του 38ου έτους μετά το θάνατο του συγγραφέα, δηλαδή μέχρι τις 31 Δεκεμβρίου 2036.

Η φιλμογραφία του Akira Kurosawa συντάχθηκε χρησιμοποιώντας τη βάση δεδομένων JMDb.

Διευθυντής

Ο πρώτος τίτλος είναι ο πιο γνωστός τίτλος, συνήθως ο γαλλικός, αλλά μπορεί να είναι και ο ιαπωνικός τίτλος (π.χ. Dersu Uzala και Kagemusha).

Συγγραφέας

Ο Ακίρα Κουροσάβα έγραψε ή συνέγραψε όλα τα σενάρια των ταινιών του εκτός από τρία: Αυτοί που χτίζουν το μέλλον και Δεν μετανιώνω για τίποτα από τα νιάτα μου το 1946 και Μια υπέροχη Κυριακή το 1947. Έγραψε επίσης σενάρια για άλλους κινηματογραφιστές:

Ο Κουροσάβα έλαβε πολυάριθμα βραβεία και διακρίσεις καθ' όλη τη διάρκεια της ζωής του.

Οι ταινίες του έχουν κερδίσει βραβεία στα βραβεία Όσκαρ και στα τρία μεγαλύτερα κινηματογραφικά φεστιβάλ του κόσμου: το Φεστιβάλ Καννών, το Φεστιβάλ Βενετίας και το Φεστιβάλ Βερολίνου. Το 1976, έγινε ο πρώτος σκηνοθέτης που τιμήθηκε με το βραβείο Πολιτιστικής Αξίας. Στην 62η απονομή των βραβείων Όσκαρ (1990), έλαβε τιμητικό Όσκαρ από δύο από τους μεγαλύτερους θαυμαστές του: τον Στίβεν Σπίλμπεργκ και τον Τζορτζ Λούκας. Του απονεμήθηκε επίσης το Βραβείο Ασιατικού Πολιτισμού της Φουκουόκα το 1990 και το Βραβείο του Κιότο το 1994.

Τον Οκτώβριο του 1998, μετά το θάνατό του, ο Κουροσάβα τιμήθηκε με το Βραβείο Τιμής του Έθνους, το πρώτο μετάλλιο που δόθηκε ποτέ σε σκηνοθέτη, επειδή "συγκίνησε βαθιά το έθνος με τα πολλά διαχρονικά αριστουργήματά του και άφησε λαμπρό σημάδι στην ιστορία του παγκόσμιου κινηματογράφου".

Στην κατάταξη των σπουδαιότερων σκηνοθετών όλων των εποχών του Sight and Sound το 2002, ο Κουροσάβα κατέλαβε την 3η θέση στην ψηφοφορία των σκηνοθετών και την 5η θέση στην ψηφοφορία των κριτικών.

Ήταν επίσης 6ος στη λίστα του Entertainment Weekly με τους 50 σπουδαιότερους σκηνοθέτες του 1996, 12ος στη λίστα του MovieMaker με τους 25 πιο επιδραστικούς σκηνοθέτες όλων των εποχών το 2002 και 11ος στη λίστα του Total Film με τους 100 σπουδαιότερους σκηνοθέτες του 2007.

Βραβεία

Εκτός αν αναφέρεται διαφορετικά, οι ακόλουθες πληροφορίες βασίζονται στη σελίδα του Akira Kurosawa στο IMDb και στη φιλμογραφία που συνέταξε ο βιογράφος του Akira Kurosawa, Stuart Galbraith IV.

Ο Κουροσάβα κέρδισε επίσης το Βραβείο Ασιατικού Πολιτισμού της Φουκουόκα το 1990 και το Βραβείο του Κιότο το 1994.

Πηγές

1. Ακίρα Κουροσάβα
2. Akira Kurosawa