Streszczenie

Jeffrey Lynn Koons (ur. 21 stycznia 1955) jest amerykańskim artystą rozpoznawalnym dzięki swoim pracom dotyczącym kultury popularnej oraz rzeźbom przedstawiającym przedmioty codziennego użytku, w tym balonowe zwierzęta wykonane ze stali nierdzewnej o lustrzanej powierzchni. Mieszka i pracuje zarówno w Nowym Jorku, jak i w swoim rodzinnym mieście York w Pensylwanii. Jego prace zostały sprzedane za znaczne sumy, w tym co najmniej dwie rekordowe ceny aukcyjne za dzieło żyjącego artysty: 58,4 mln USD za Balloon Dog (Orange) w 2013 roku i 91,1 mln USD za Rabbit w 2019 roku.

Krytycy są ostro podzieleni w swoich poglądach na temat Koonsa. Niektórzy uważają jego prace za pionierskie i o dużym znaczeniu dla historii sztuki. Inni odrzucają jego twórczość jako kiczowatą, tandetną i opartą na cynicznym samozachwycie. Koons stwierdził, że w jego pracach nie ma ukrytych znaczeń i krytyki.

Koons urodził się w York, w Pensylwanii, jako syn Henry'ego i Glorii Koons. Jego ojciec był sprzedawcą mebli i dekoratorem wnętrz. Jego matka była krawcową. Kiedy miał dziewięć lat, jego ojciec umieszczał w oknie swojego sklepu obrazy starych mistrzów, które Koons kopiował i podpisywał, próbując w ten sposób przyciągnąć gości. Jako dziecko chodził po szkole od drzwi do drzwi sprzedając papier do pakowania prezentów i cukierki, aby zarobić kieszonkowe. Jako nastolatek tak bardzo cenił Salvadora Daliego, że odwiedził go w hotelu St. Regis w Nowym Jorku.

Koons studiował malarstwo w Maryland Institute College of Art w Baltimore oraz w School of the Art Institute of Chicago. Podczas studiów w Art Institute Koons poznał artystę Eda Paschke, który wywarł na niego duży wpływ i dla którego Koons pracował jako asystent w studio pod koniec lat 70. Mieszkał w Lakeview, a następnie w dzielnicy Pilsen przy Halsted Street i 19th Street.

Po studiach, w 1977 roku Koons przeniósł się do Nowego Jorku i pracował w biurze członkowskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej, jednocześnie rozwijając swoją działalność artystyczną. W tym czasie przefarbował włosy na czerwono i często nosił ołówkowe wąsy, na wzór Salvadora Dalí. W 1980 roku uzyskał licencję na sprzedaż funduszy inwestycyjnych i akcji i rozpoczął pracę jako makler towarowy na Wall Street w First Investors Corporation. Po wakacjach spędzonych z rodzicami w Sarasocie na Florydzie, gdzie krótko pracował jako polityczny akwizytor, Koons powrócił do Nowego Jorku i rozpoczął nową karierę jako makler towarowy, najpierw w Clayton Brokerage Company, a następnie w Smith Barney.

Jeff Koons zyskał rozgłos w połowie lat 80. jako część pokolenia artystów, którzy badali znaczenie sztuki w erze nasyconej mediami. Zdobył uznanie w latach 80., a następnie założył przypominające fabrykę studio w lofcie SoHo na rogu Houston Street i Broadway w Nowym Jorku. Pracowało w nim ponad 30 asystentów, z których każdy zajmował się innym aspektem produkcji jego prac - w podobny sposób jak w Fabryce Andy'ego Warhola. Prace Koona powstają przy użyciu metody znanej jako art fabrication. Do 2019 roku Koons miał fabrykę studyjną o powierzchni 1 500 m2 (16 000 stóp kwadratowych) w pobliżu starych stoczni kolejowych Hudson w Chelsea i zatrudniał do 90 do 120 Ostatnio Koons zmniejszył zatrudnienie i przeniósł się do bardziej zautomatyzowanych form produkcji i przeniósł się do znacznie mniejszej przestrzeni studyjnej. Koons stosował system color-by-numbers, dzięki czemu każdy z jego asystentów mógł wykonać swoje płótna i rzeźby tak, jakby były wykonane "jedną ręką".

Wczesne prace i dmuchańce

W latach 1977-1979 Koons stworzył cztery odrębne dzieła sztuki, które później określił jako Early Works. Począwszy od 1978 roku pracował nad serią Inflatables, składającą się z nadmuchiwanych kwiatów i królika o różnej wysokości i kolorze, ustawionych wzdłuż luster.

Seria Pre-New, The New i Equilibrium

Od 1979 roku Koons tworzy prace w ramach serii. Jego wczesne prace miały formę rzeźby konceptualnej, czego przykładem jest The Pre-New, seria przedmiotów domowych przymocowanych do opraw oświetleniowych, co prowadziło do dziwnych nowych konfiguracji. Innym przykładem jest The New, seria odkurzaczy, często wybieranych ze względu na nazwy marek, które przemawiały do artysty, takich jak kultowy Hoover, które montował w podświetlanych pudełkach Perspex. Koons po raz pierwszy wystawił te prace w oknie New Museum w Nowym Jorku w 1980 roku. Wybrał ograniczoną kombinację odkurzaczy i odpowiednio ułożył je w szafkach, zestawiając pionowość pionowych odkurzaczy z przysadzistymi cylindrami "Shelton Wet".

Innym przykładem wczesnych prac Koonsa jest The Equilibrium Series (1983), składająca się z jednej do trzech piłek do koszykówki unoszących się w wodzie destylowanej, projekt, który artysta badał z pomocą fizyka nagrodzonego Nagrodą Nobla Richarda Feynmana. Zbiorniki Total Equilibrium są całkowicie wypełnione wodą destylowaną i niewielką ilością zwykłej soli, aby pomóc pustym kulom pozostać zawieszonymi w środku cieczy. W drugiej wersji, 50

Seria posągów

Koons zaczął tworzyć rzeźby z wykorzystaniem nadmuchiwanych zabawek w latach 70. Biorąc gotowego dmuchanego królika, Koons odlał obiekt z wysoko polerowanej stali nierdzewnej, czego efektem jest Rabbit (1986), jedno z jego najsłynniejszych dzieł sztuki. Pierwotnie należący do prywatnej kolekcji Ileany Sonnabend, Rabbit jest dziś własnością Museum of Contemporary Art, Chicago. Dowodem na to, że rzeźba jest własnością Eli Broad.

Królik od tego czasu powrócił do swojej oryginalnej miękkiej formy, a wielokrotnie większy na ponad 50 stóp wysokości, zabrany w powietrze. 15 października 2009 roku gigantyczny metaliczny monochromatyczny kolorowy królik użyty podczas parady z okazji Święta Dziękczynienia w Macy's w 2007 roku został wystawiony na Nuit Blanche w Eaton Centre w Toronto. Pozostałe obiekty z serii łączą przedmioty znalezione przez Koonsa w sklepach z pamiątkami i barokowe wyobrażenia, bawiąc się w ten sposób rozróżnieniem między sztuką niską i wysoką.

15 maja 2019 roku Koons ustanowił rekord najdroższego dzieła sprzedanego przez żyjącego artystę za sprzedaż "Rabbit". "Rabbit" został sprzedany w Domu Aukcyjnym Christie's za 80 milionów dolarów, co łącznie z opłatami aukcyjnymi dało ostateczną cenę sprzedaży w wysokości 91 075 000 dolarów.

Seria Luxury and Degradation oraz Kiepenkerl

Po raz pierwszy pokazana na tytułowych wystawach Koonsa w krótko działającej International With Monument Gallery w Nowym Jorku oraz w Daniel Weinberg Gallery w Los Angeles w 1986 roku, seria Luxury and Degradation to grupa prac tematycznie skupionych wokół alkoholu. W skład tej grupy wchodziła podróżna szafka na koktajle ze stali nierdzewnej, kryształowa karafka Baccarat i inne ręcznie wykonane renderingi akcesoriów związanych z alkoholem, a także przedrukowane i oprawione reklamy takich napojów jak Gordon's Gin ("I Could Go for Something Gordon's"), Hennessy ("Hennessy, The Civilized Way to Lay Down the Law"), Bacardi ("Aquí. ... el gran sabor del ron Bacardi"), Dewars ("The Empire State of Scotch"), Martell ("I Assume You Drink Martell") i Frangelico ("Stay in Tonight" i "Find a Quiet Table") w uwodzicielsko zintensyfikowanych kolorach na płótnie Koons przywłaszczył sobie te reklamy i przewartościował je poprzez rekontekstualizację w dzieła sztuki. "Dostarczają one krytyki tradycyjnej reklamy, która wspiera cenzorskie spojrzenie Baudrillarda na obsceniczną rozwiązłość znaków konsumenckich". Inna praca, Jim Beam - J.B. Turner Engine (1986), oparta jest na pamiątkowej, kolekcjonerskiej butelce w kształcie lokomotywy, która została stworzona przez Jim Beam; Koons przywłaszczył sobie jednak ten model i zlecił jego odlanie z błyszczącej stali nierdzewnej. Odlany ze stali model pociągu zatytułowany Jim Beam - Baggage Car (1986) zawiera nawet bourbon Jim Beam. W serii Luxury and Degradation Koons ingerował w sferę społeczną. Stworzył sztuczną, lśniącą powierzchnię, która reprezentowała proletariacki luksus. Zinterpretowano ją jako uwodzenie przez symulację, ponieważ był to luksus fałszywy. Bycie producentem tego oszustwa przyniosło mu rodzaj przywództwa, jak sam komentował.

Ten sam materiał stali nierdzewnej został użyty do wykonania posągu Kiepenkerla. Po przebudowie w latach 50. postać wędrownego handlarza została w 1987 roku zastąpiona przez Jeffa Koonsa na dziesięcioletnią wystawę Skulptur Projekte. Stojąc na centralnym placu Münster, posąg zachował pewną siłę kulturową jako nostalgiczny symbol przeszłości. W trakcie produkcji odlewnia, w której powstawało dzieło, chciała zbyt szybko wybić ceramiczną skorupę, co spowodowało wygięcie i zdeformowanie dzieła. Koons postanowił sprowadzić specjalistę i poddać dzieło "radykalnej operacji plastycznej". Po tym doświadczeniu poczuł się wyzwolony: "Byłem teraz wolny, aby pracować z obiektami, które niekoniecznie wcześniej istniały. Mogłem tworzyć modele."

Seria "Banalność

Koons przeszedł następnie do serii Banality. Do tego projektu zaangażował warsztaty w Niemczech i Włoszech, które miały długą tradycję pracy w ceramice, porcelanie i drewnie. Kulminacją serii był w 1988 roku Michael Jackson i Bubbles, seria trzech naturalnej wielkości pozłacanych porcelanowych posągów siedzącego piosenkarza przytulającego Bubblesa, swojego szympansa. Trzy lata później, jedna z nich została sprzedana w Sotheby's New York za 5.6 milionów dolarów. Dwie z tych rzeźb znajdują się obecnie w San Francisco Museum of Modern Art oraz w Broad Contemporary Art Museum (BCAM) w centrum Los Angeles. Rzeźba znalazła się w 2004 roku na retrospektywie w Muzeum Sztuki Nowoczesnej im. Astrupa Fearnleya w Oslo, która rok później powędrowała do Muzeum Sztuki Miejskiej w Helsinkach. Statua znalazła się również na drugiej retrospektywie artysty w Muzeum Sztuki Współczesnej w Chicago w 2008 roku. Obecnie posąg znajduje się w nowo otwartym Muzeum Sztuki Nowoczesnej Astrup Fearnley na Tjuvholmen w Oslo. Ostatnio jego praca Chrystus i baranek (1988) została przeanalizowana jako uznanie i krytyka duchowej i medytacyjnej mocy rokoka.

Przewidując niezbyt przychylną reakcję krytyków na wystawę z 1988 roku z cyklu Banality, na której wszystkie jego nowe obiekty zostały wykonane w nakładzie trzech sztuk, co pozwoliło na jednoczesne, identyczne pokazy w galeriach w Nowym Jorku, Kolonii i Chicago, Koons wymyślił serię Art Magazine Ads (1988-1989). Reklamy zamieszczane w Artforum, Art in America, Flash Art i Art News miały na celu promocję jego własnych wystaw w galeriach. Koons wydał także Signature Plate, edycję dla magazynu Parkett, z kalkomanią fotograficzną w kolorach na porcelanowym talerzu z pozłacanym brzegiem. Dziennikarka artystyczna Arifa Akbar donosiła dla The Independent, że w "erze, kiedy artyści nie byli uważani za 'gwiazdy', Koons zadał sobie wiele trudu, aby kultywować swoją publiczną personę, zatrudniając konsultanta ds. wizerunku". Korzystając z fotografii Matta Chedgeya, Koons umieścił "w międzynarodowych magazynach o sztuce swoje reklamy otoczone atrapami sukcesu" i udzielał wywiadów "odnosząc się do siebie w trzeciej osobie".

Seria "Made in Heaven

W 1989 roku Whitney Museum i jego gościnny kurator Marvin Heiferman poprosili Koonsa o wykonanie pracy plastycznej o mediach na billboardzie do pokazu "Image World: Art and Media Culture". Billboard miał być reklamą niezrealizowanego filmu pod tytułem Made in Heaven. Koons zatrudnił swoją ówczesną żonę Ilonę Staller ("Cicciolina") jako modelkę do sesji zdjęciowej, która stała się podstawą powstałej pracy dla Whitney, Made in Heaven (1990-1991). Zawierająca prace o takich tytułach jak Dirty Ejaculation i Ilonaʼs Asshole, seria ogromnych, ziarnistych fotografii wydrukowanych na płótnie, hutach szkła i rzeźbach, przedstawiających Koonsa i Staller w wysoce dosadnych pozycjach seksualnych, wywołała spore kontrowersje. Obrazy z tej serii nawiązują do sztuki z okresu baroku i rokoka - między innymi do Gian Lorenzo Berniniego, Jean-Honoré Fragonarda i François Bouchera - a także do przełomowych osiągnięć malarzy wczesnej nowoczesności, takich jak Gustave Courbet i Édouard Manet.

Seria została po raz pierwszy pokazana na Biennale w Wenecji w 1990 roku. Koons podobno zniszczył większość prac, gdy Staller zabrała ze sobą do Włoch ich syna Ludwiga. W ramach obchodów 20-lecia Made in Heaven, Luxembourg & Dayan zdecydowali się zaprezentować redux edition tej serii. Whitney Museum wystawiło również kilka fotografii na płótnie w swojej retrospektywie w 2014 roku.

Szczeniak

Koons nie znalazł się wśród 44 amerykańskich artystów wybranych do wystawienia swoich prac na Documenta 9 w 1992 roku, ale otrzymał zlecenie od trzech dealerów sztuki na stworzenie dzieła dla pobliskiego zamku Arolsen w Bad Arolsen w Niemczech. W rezultacie powstał Puppy, wysoka na 13 m rzeźba topiarowa przedstawiająca szczeniaka rasy West Highland White Terrier, wykonana z różnych kwiatów (m.in. nagietków, begonii, niecierpków, petunii i lobelii) na przezroczystej, chromowanej na kolorowo konstrukcji ze stali nierdzewnej. Samoczyszczące się kwiaty będą rosły przez określony czas ekspozycji. Rozmiar i lokalizacja Puppy - dziedziniec barokowego pałacu - świadczyły o masowej publiczności. Po wybuchu epidemii, który nastąpił po jego serii Made in Heaven, Koons postanowił stworzyć "obraz, który przekazywałby ludziom ciepło i miłość". W 1995 roku, w ramach współpracy między Museum of Contemporary Art, Kaldor Public Art Projects i Sydney Festival, rzeźba została zdemontowana i ponownie postawiona w Museum of Contemporary Art na Sydney Harbour na nowej, bardziej trwałej, armaturze ze stali nierdzewnej z wewnętrznym systemem nawadniania. Podczas gdy Arolsen Puppy miał 20 000 roślin, wersja z Sydney mieściła około 60 000.

Dzieło zostało zakupione w 1997 roku przez Fundację Solomona R. Guggenheima i zainstalowane na tarasie przed Muzeum Guggenheima w Bilbao. Przed poświęceniem w muzeum, trio Euskadi Ta Askatasuna (ETA) przebrane za ogrodników próbowało podłożyć w pobliżu rzeźby doniczki wypełnione materiałami wybuchowymi, ale przeszkodził im baskijski policjant Jose María Aguirre, który następnie został zastrzelony przez członków ETA. Obecnie plac, na którym znajduje się rzeźba, nosi imię Aguirre. Latem 2000 roku posąg zawędrował do Nowego Jorku na czasową wystawę w Rockefeller Center.

Potentat medialny Peter Brant i jego żona, modelka Stephanie Seymour, zlecili Koonsowi stworzenie duplikatu posągu Puppy z Bilbao (1993) dla ich posiadłości w Connecticut, Brant Foundation Art Study Center. W 1998 roku miniaturowa wersja Puppy została wydana w postaci białego, szkliwionego porcelanowego wazonu, w edycji 3000 sztuk.

Cykl obchodów

Celebracja Koonsa miała uczcić gorąco oczekiwany powrót Ludwika z Rzymu . Składająca się z serii wielkoformatowych rzeźb i obrazów przedstawiających balonowe pieski, walentynkowe serca, diamenty i pisanki, powstała w 1994 roku. Niektóre z nich są nadal wykonywane. Każda z 20 różnych rzeźb w serii występuje w pięciu różnokolorowych "unikalnych wersjach", w tym pęknięte jajko artysty (Blue) zdobyło w 2008 roku nagrodę Charlesa Wollastona za najbardziej wyróżniającą się pracę na Letniej Wystawie Akademii Królewskiej. Diamentowe dzieła powstały w latach 1994-2005, wykonane z błyszczącej stali nierdzewnej o szerokości siedmiu stóp. Późniejsza praca Tulipany (1995-2004), stworzona w edycji pięciu wersji, składa się z bukietu różnokolorowych balonowych kwiatów nadmuchanych do gargantuicznych rozmiarów (ponad 2 m wysokości i 5 m średnicy). Koons ostatecznie rozpoczął pracę nad Balonowym Kwiatem w 1995 roku.

Koons dążył do ukończenia serii na czas przed wystawą w Solomon R. Guggenheim Museum w Nowym Jorku w 1996 roku, ale pokaz został ostatecznie odwołany z powodu opóźnień w produkcji i przekroczenia kosztów. Kiedy skończyły się fundusze na "Celebration", zwolniono pracowników, zostawiając szkieletową załogę złożoną z dwóch osób: Gary McCraw, kierownik studia Koonsa, który był z nim od 1990 roku, oraz Justine Wheeler, artystka z RPA, która przybyła w 1995 roku i ostatecznie przejęła kierownictwo nad operacją rzeźbiarską. Artysta przekonał swoich głównych kolekcjonerów: Dakisa Joannou, Petera Branta i Eliego Broada, a także dealerów: Jeffreya Deitcha, Anthony'ego d'Offaya i Maxa Hetzlera, do zainwestowania w kosztowną produkcję serii Celebration w firmie Carlson & Company z Południowej Kalifornii (m.in. seria Balloon Dog i Moon), a później we frankfurckiej firmie Arnold. Dilerzy finansowali projekt częściowo poprzez sprzedaż prac kolekcjonerom przed ich wykonaniem. W 1999 roku jego rzeźba "Pink Panther" z 1988 roku sprzedała się na aukcji za 1,8 mln dolarów, a on sam powrócił do galerii Sonnabend. Ileana Sonnabend i Antonio Homem, dyrektor jej galerii i adoptowany syn, zdając sobie sprawę z bezgranicznych potrzeb i wymagań Koonsa, przyjęli go jednak z radością; najprawdopodobniej wyczuli (jak się okazało, słusznie), że jest on gotowy do wspaniałego drugiego aktu - czegoś, co tylko jemu, spośród jego pokolenia nagłośnionych artystów, udało się do tej pory. Koons nie ogranicza się już jednak do jednej galerii. Larry Gagosian, kolos wśród nowojorskich dealerów, zgodził się sfinansować dokończenie wszystkich niedokończonych prac z "Celebration" w zamian za wyłączne prawo do ich sprzedaży.

W 2006 roku Koons zaprezentował Hanging Heart, stalowe serce o wysokości 9 stóp, polerowane na wysoki połysk, jedno z serii pięciu różnokolorowych egzemplarzy, będących częścią jego serii Celebration. Duże rzeźby z tej serii zostały wystawione w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku w 2008 roku. Późniejsze dodatki do serii to Balonowy łabędź (2004-2011), 11,5-stopowy (3,5-metrowy) ptak ze stali nierdzewnej, Balonowy królik (2005-2010) i Balonowa małpa, w których dziecięce upominki imprezowe zostały przekształcone w hipnotyzujące formy monumentalne.

W skład cyklu wchodzi również, oprócz rzeźb, szesnaście

Easyfun i Easyfun-Ethereal

Na zamówienie Deutsche Guggenheim w 1999 roku Koons stworzył pierwsze siedem obrazów z nowej serii Easyfun, składającej się z obrazów i rzeźb montowanych na ścianach. W 2001 roku Koons rozpoczął serię obrazów Easyfun-Ethereal, w której zastosował kolażowe podejście, łącząc bikini, jedzenie i pejzaże malowane pod jego nadzorem przez asystentów. Seria ta rozrosła się ostatecznie do dwudziestu czterech obrazów.

Split-Rocker

W 2000 roku Koons zaprojektował Split-Rocker, swoją drugą rzeźbę kwiatową wykonaną ze stali nierdzewnej, ziemi, tkaniny geotekstylnej i wewnętrznego systemu nawadniania, która została po raz pierwszy pokazana w Pałacu Papieskim w Awinionie we Francji. Podobnie jak Puppy, pokryta jest około 27 000 żywych kwiatów, w tym petunie, begonie, niecierpki, pelargonie i nagietki. Ważący 150 ton i wznoszący się na wysokość ponad 37 stóp Split-Rocker składa się z dwóch połówek: jedna oparta na zabawkowym kucyku jednego z synów Koonsa, druga na zabawkowym dinozaurze. Razem tworzą one głowę gigantycznego dziecięcego bujaka. Koons wyprodukował tylko dwie edycje rzeźby. Od 2014 roku jest właścicielem jednej z nich; druga jest wystawiona w Glenstone w Maryland. W Glenstone, Split-Rocker kwitnie od połowy maja do połowy października i wymaga w tym okresie codziennej opieki. Latem 2014 roku Split-Rocker został zainstalowany na Rockefeller Plaza w Nowym Jorku na kilka miesięcy w zbiegu z otwarciem retrospektywy Koonsa w Whitney Museum of American Art.

Seria Popeye i Hulk Elvis

Obrazy i rzeźby z serii Popeye, którą Koons rozpoczął w 2002 roku, przedstawiają kreskówkowe postacie Popeye'a i Olive Oyl. Jednym z takich obiektów jest wykonana ze stali nierdzewnej reprodukcja masowej figurki Popeye'a z PVC. Artysta ponownie wykorzysta też dmuchane zwierzęta, tym razem w połączeniu z drabinami, koszami na śmieci i ogrodzeniami. Aby stworzyć te rzeźby, zabawki po znalezieniu odpowiedniego kształtu otrzymują warstwę powłoki. Następnie wykonywana jest twarda kopia, która wysyłana jest do odlewni w celu odlania jej z aluminium. Po powrocie do studia rzeźby są malowane, aby uzyskać błyszczący wygląd oryginalnych dmuchanych zabawek. W przypadku tych surrealistycznych instalacji, w szczególności Acrobat, Koons czerpał inspirację od chicagowskiego imagisty H.C. Westermanna. Rzeźba Popeye została zakupiona przez miliardera Steve'a Wynna za 28 milionów dolarów i jest wystawiona przed wejściem do kasyna w hotelu Wynn's Encore Boston Harbor i nieruchomości kasyna.

Hulk Elvis to seria prac Jeffa Koonsa stworzona w latach 2004-2014. Prace obejmują precyzyjnie wykonane rzeźby z brązu - inspirowane nadmuchiwanym bohaterem popularnego komiksu i wytłaczane w trzech wymiarach - oraz wielkoformatowe obrazy olejne. Tytuł serii prac łączy popularnego bohatera komiksów Hulka z ikoną popu Elvisem. Potrójny wizerunek postaci Hulka przywołuje na myśl sitodruk Andy'ego Warhola Triple Elvis (1963), dotyczący zarówno zwielokrotnienia, jak i postawy postaci Hulka.

Według artysty, seria Hulk Elvis z jej silnym, heroicznym wizerunkiem Hulka reprezentuje "bardzo wysoki poziom testosteronu". Koons postrzega tę serię również jako "pomost pomiędzy Wschodem a Zachodem", ponieważ można w niej znaleźć paralelę pomiędzy komiksowym bohaterem Hulkiem a azjatyckimi bogami opiekuńczymi.

Trójwymiarowe prace Hulk (Friends) i Hulks (Bell) (obie 2004-2012) przedstawiają pozornie nadmuchane Incredible Hulks, które w rzeczywistości ważą prawie tonę każda i są wykonane z brązu i drewna. Rzeźba Hulk (Organy) (2004-2014) zawiera w pełni funkcjonalny instrument muzyczny, którego potencjalne głębokie dźwięki pasują do potężnego i męskiego wyglądu postaci.

Obrazy z tej serii to kolaże złożone z kilku warstw photoshopa. Obrazy obejmują zarówno abstrakcyjne pejzaże, jak i elementy amerykańskiej ikonografii (pociągi, konie, powozy) oraz postacie takie jak Hulk czy nadmuchiwana plastikowa małpa. Obrazy pejzażowe często zawierają jawne lub ukryte treści seksualne. Na przykład, powtarzający się surowy rysunek sromu nawiązuje do obrazu Courbetsa L'Origine du Monde (1866).

Seria Hulk Elvis była wystawiana w wielu międzynarodowych miejscach sztuki, takich jak Gagosian Gallery w Londynie (2007), Gagosian Gallery w Hong Kongu, Chiny (2014) i Österreichische Galerie Belvedere w Wiedniu, Austria (2015).

Seria "Antyk

Nawiązując do starożytnego rzymskiego marmurowego posągu Wenus Kallipygii, Metallic Venus (2010-2012) została wykonana z wysokochromowej stali nierdzewnej z przezroczystą kolorową powłoką i żywymi kwitnącymi roślinami.

W centrum każdej sceny na obrazach Antyk (2009-2013) znajduje się słynna antyczna lub klasyczna rzeźba, pieczołowicie oddana w farbie olejnej i przeskalowana do tych samych rozmiarów co rzeźby. Równie szczegółowe tła zawierają arkadyjską wizję.

W Ballerinas (2010-2014) Koons przedstawia figurki tancerek, pochodzące z dekoracyjnych porcelanowych dzieł zaprojektowanych przez ukraińską artystkę Oksanę Zhnikrup, w imponującej skali klasycznej rzeźby.

Seria Gazing Ball

W tej serii, zaprezentowanej w Gagosian Gallery w 2015 roku, Koons wziął 35 arcydzieł, w tym "Déjeuner sur l'Herbe" Maneta, "Tratwę Meduzy" Géricaulta i "Autoportret w kapeluszu" Rembrandta, kazał je przemalować olejem na płótnie i dodać małą półkę, namalowaną tak, jakby wyrosła bezpośrednio z obrazu. Każda praca zawiera niebieską szklaną kulę, która znajduje się na malowanej aluminiowej półce przymocowanej do frontu obrazu. W kuli odbija się zarówno widz, jak i obraz.

Nazwa "Gazing Ball" pochodzi od lustrzanych kulistych ozdób, które często można znaleźć na trawnikach, w ogrodach i na patiach wokół domu Koonsa w Pensylwanii. Po stworzeniu obrazów Gazing Ball, Koons wykonał również kilka białych rzeźb z epoki grecko-rzymskiej oraz codziennych przedmiotów użytkowych spotykanych we współczesnym krajobrazie podmiejskim i wiejskim, takich jak skrzynki pocztowe czy karmnik dla ptaków.

Seria Apollo

W czerwcu 2022 roku Dakis Jouannou zlecił Koonsowi stworzenie dzieła sztuki dla jego przestrzeni w DESTE Foundation for Contemporary Art, na greckiej wyspie Hydra. Koons stworzył serię Apollo, w tym scuplture zatytułowaną Apollo Wind Spinner (2020-2022), szeroki na 9,1 metra (30 stóp) odblaskowy wiatrowskaz nad przestrzenią artystyczną Slaughterhouse. Ściany w Rzeźni zostały przekształcone poprzez wykorzystanie jako podstawy starożytnych fresków z Boscoreale, w pobliżu Pompei. Wystawa obejmuje kilka innych nowych prac, w tym parę brązowych trampek Nike, Gazing Ball Tripod (2020-2022) i Plato's Solid Forms Wind Spinners (2020-2022).

Ostatnia praca

Na sezon 2007-2008 w Wiedeńskiej Operze Państwowej Jeff Koons zaprojektował wielkoformatowy obraz (176 m2) Geisha w ramach serii wystaw "Safety Curtain", wymyślonej przez muzeum w toku. Koons współpracował z amerykańską wykonawczynią muzyki pop Lady Gagą przy jej studyjnym albumie Artpop z 2013 roku, w tym przy tworzeniu jego okładki, na której znalazła się wykonana przez niego rzeźba Lady Gagi. We wrześniu 2014 roku wydawany co dwa lata magazyn sztuki i kultury GARAGE Magazine opublikował pierwszą w historii cyfrową grafikę Jeffa Koonsa na front swojego wydania drukowanego. Praca, zatytułowana Lady Bug, jest rzeźbą w rzeczywistości rozszerzonej, którą można oglądać tylko na urządzeniach mobilnych za pośrednictwem aplikacji GARAGE Magazine, co pozwala widzom na poznanie dzieła pod różnymi kątami, tak jakby stali na jego szczycie.

W 2012 r. Koons kupił Advanced Stone Technologies, oddział Instytutu Technicznego Rzeźby Johnson Atelier o charakterze non-profit. Przeniósł zaawansowany technologicznie warsztat kamieniarski z New Jersey do większej przestrzeni o powierzchni 60 000 stóp kwadratowych (5 600 m2) w Morrisville w hrabstwie Bucks w Pensylwanii. Zakład istnieje wyłącznie po to, by produkować dzieła Koonsa wykonane z kamienia.

W 2013 roku Koons stworzył rzeźbę Gazing Ball (Farnese Hercules), która była inspirowana Herkulesem Farnesa. Rzeźba wykonana jest z białego gipsu i może być interpretowana jako utrwalenie koloryzmu w sposobie postrzegania świata starożytnego.

Inne projekty

W 1999 roku Koons zlecił wykonanie piosenki o sobie na albumie Momusa "Stars Forever".

Rysunek podobny do jego Tulipanowych balonów został umieszczony na pierwszej stronie wyszukiwarki internetowej Google. Rysunek witał wszystkich, którzy odwiedzili główną stronę Google 30 kwietnia 2008 roku i 1 maja 2008 roku.

W 2006 roku Koons wystąpił w Artstar, serialu telewizyjnym bez scenariusza, którego akcja toczy się w nowojorskim świecie sztuki. Miał niewielką rolę w filmie Milk z 2008 roku, grając stanowego asemblera Arta Agnosa.

We wrześniu 2012 roku gubernator Nowego Jorku Andrew Cuomo powierzył Koonsowi zadanie pomocy w weryfikacji projektów nowego mostu Tappan Zee.

Pod koniec 2016 roku Koons ujawnił plany Bouquet of Tulips, 11-metrowej pamiątkowej rzeźby w Paryżu wzorowanej na Statule Wolności, honorującej ofiary zamachów z listopada 2015 roku.

W 2022 roku Koons ogłosił, że wyśle dzieła sztuki na Księżyc.

Koons pełnił rolę kuratora wystawy Eda Paschke w Gagosian Gallery w Nowym Jorku w 2009 roku. Był również kuratorem wystawy w 2010 roku prac z prywatnej kolekcji greckiego miliardera Dakisa Joannou w New Museum w Nowym Jorku. Wystawa ta, Skin Fruit: Selections from the Dakis Joannou Collection, wywołała debatę na temat kolesiostwa w świecie sztuki, jako że Koons jest mocno kolekcjonowany przez Joannou, a wcześniej zaprojektował zewnętrzną część jachtu Joannou - Guilty.

Koons był artystą wybranym do zaprojektowania siedemnastego z serii "Art Cars" BMW. Jego prace zostały naniesione na wyścigowe BMW M3 E92 i zaprezentowane publicznie w Centrum Pompidou w Paryżu 2 czerwca 2010 roku. Samochód, wspierany przez BMW Motorsport, wziął udział w 24-godzinnym wyścigu Le Mans we Francji w 2010 r.

W 1989 roku Koons i Martin Kippenberger pracowali razem nad numerem czasopisma artystycznego Parkett; w następnym roku Koons zaprojektował plakat wystawowy dla Kippenbergera.

W 2013 roku Koons współpracował z amerykańską piosenkarką i artystką performance Lady Gagą przy tworzeniu jej trzeciego studyjnego albumu ARTPOP. Okładka albumu przedstawia nagą rzeźbę Gagi wykonaną przez Koonsa za rzeźbą z niebieską kulą, a także fragmenty innych dzieł sztuki w tle, takich jak Narodziny Wenus namalowane przez Sandro Botticellego, które zainspirowały wizerunek Gagi przez nową erę, w tym w jej teledysku do "Applause" i wykonaniu piosenki podczas 2013 MTV Video Music Awards. Obraz okładki został ujawniony kawałek po kawałku w kampanii marketingu społecznego, w której jej fani musieli tweetować na Twitterze hashtag "#iHeartARTPOP", aby go odblokować. Sama piosenka "Applause" zawiera tekst "One second I'm a Koons, then suddenly the Koons is me."

W kwietniu 2017 roku Jeff Koons nawiązał współpracę z francuskim luksusowym domem mody Louis Vuitton w zakresie "Masters Collection" i zaprojektował serię torebek i plecaków, w których znalazły się reprodukcje jego ulubionych arcydzieł Starych Mistrzów, takich jak Leonardo da Vinci, Tycjan, Vincent van Gogh, Peter Paul Rubens i Jean-Honoré Fragonard. Jeszcze w tym samym roku zaprezentował kolejną garść toreb i akcesoriów zawierających reprodukcje dzieł Claude'a Moneta, J. M. W. Turnera, Édouarda Maneta, Paula Gauguina i François Bouchera. Ceny wahają się od 585 dolarów za brelok do kluczy do 4 000 dolarów za dużą torbę.

Koons ma na swoim koncie również kilka znakomitych zleceń związanych z winem. W grudniu 2012 roku Chateau Mouton Rothschild ogłosiło, że Koons jest twórcą etykiety ich rocznika 2010 - tradycja ta została zapoczątkowana w 1946 roku. Inni artyści, którzy zaprojektowali etykiety to między innymi Pablo Picasso, Francis Bacon, Salvador Dalí i Joan Miró. W sierpniu 2013 roku Dom Pérignon wydał swój rocznik 2004, ze specjalną edycją wykonaną przez Koonsa, a także z wykonaną na zamówienie walizką o nazwie "Balloon Venus". Jego rekomendowana cena detaliczna wynosi 15 000 euro.

Od 15 lutego do 6 marca 2008 roku Koons przekazał prywatną wycieczkę po swoim studiu Fundacji Chorób Dziedzicznych na aukcję w serwisie Charitybuzz. Część dochodów z jego limitowanej edycji Tulipanów 2010 dla Kiehl's Crème de Corps została przekazana na rzecz Koons Family Institute, inicjatywy International Centre for Missing & Exploited Children. Od początku współpracy z Międzynarodowym Centrum, Koons przekazał ponad 4,3 miliona dolarów na rzecz Instytutu, który nosi imię jego rodziny.

Od czasu instalacji okiennej w 1980 roku w New Museum of Contemporary Art w Nowym Jorku, prace Koonsa były szeroko eksponowane na całym świecie na wystawach indywidualnych i zbiorowych. W 1986 roku wystąpił w pokazie grupowym z Peterem Halleyem, Ashleyem Bickertonem, Rossem Minoru Langiem i Meyerem Vaismanem w Sonnabend Gallery w Nowym Jorku. W 1997 roku paryska Galerie Jerome de Noirmont zorganizowała jego pierwszą indywidualną wystawę w Europie. Jego seria Made in Heaven została po raz pierwszy pokazana na Biennale w Wenecji w 1990 roku.

Jako młody artysta, Koons brał udział w wielu wystawach kuratorowanych przez Richarda Milazzo, w tym The New Capital w White Columns w 1984 roku, Paravision w Postmasters Gallery w 1985 roku, Cult and Decorum w Tibor De Nagy Gallery w 1986 roku, Time After Time w Diane Brown Gallery w 1986 roku, Spiritual America w CEPA w 1986 roku oraz Art at the End of the Social w The Rooseum, Malmö, Szwecja w 1988 roku. Wystawy te odbyły się obok innych znaczących artystów, takich jak Ross Bleckner, Joel Otterson i Kevin Larmon.

Jego solowe pokazy muzealne miały miejsce m.in. w Museum of Contemporary Art w Chicago (1988), Walker Art Center w Minneapolis (1993), Deutsche Guggenheim w Berlinie (2000), Kunsthaus Bregenz (2001), Museo archeologico nazionale di Napoli (2003) oraz retrospektywny przegląd w Astrup Fearnley Museum of Modern Art w Oslo (2004), który odbył się w Muzeum Sztuki w Helsinkach (2005). W 2008 roku cykl Celebration został pokazany w Neue Nationalgalerie w Berlinie oraz na dachu Metropolitan Museum of Art.

Uznawana za jego pierwszą retrospektywę we Francji, wystawa 17 rzeźb Koonsa w Château de Versailles w 2008 roku była również pierwszą ambitną wystawą współczesnego amerykańskiego artysty zorganizowaną przez zamek. New York Times donosił, że "kilkadziesiąt osób demonstrowało przed bramami pałacu" w ramach protestu zorganizowanego przez mało znaną, prawicową grupę zajmującą się czystością artystyczną Francji. Krytykowano również fakt, że dziewięćdziesiąt procent z 2,8 mln dolarów finansowania wystawy pochodziło od prywatnych mecenasów, głównie François Pinaulta.

Retrospektywa Koonsa w dniach 31 maja - 21 września 2008 roku w Muzeum Sztuki Współczesnej w Chicago, która odbiła się szerokim echem w prasie, pobiła rekord frekwencji muzeum - 86,584 zwiedzających. Na wystawie znalazły się liczne prace z kolekcji MCA, a także najnowsze obrazy i rzeźby artysty. Retrospektywna wystawa odzwierciedla zaangażowanie MCA w twórczość Koonsa, ponieważ w 1988 roku MCA zaprezentowało pierwszy amerykański przegląd prac artysty. Na ostatnią wystawę w budynku Marcela Breuera, Whitney Museum planuje zaprezentować retrospektywę Koonsa we współpracy z Museum of Contemporary Art w Los Angeles i Centre Pompidou w Paryżu.

W lipcu 2009 roku Koons miał swoją pierwszą dużą indywidualną wystawę w Londynie, w Serpentine Gallery. Zatytułowana Jeff Koons: Popeye Series, zawierała odlane z aluminium modele dziecięcych zabawek do basenu oraz "gęste, realistyczne obrazy Popeye'a trzymającego puszkę szpinaku lub palącego fajkę, z czerwonym homarem górującym nad jego głową".

W maju 2012 roku w Muzeum Beyeler w Bazylei odbyła się pierwsza duża wystawa indywidualna Koonsa zatytułowana Jeff Koons. Pokazane zostały prace z trzech serii: The New,Banality i Celebration, a także kwiecista rzeźba Split-Rocker.

Również w 2012 roku wystawa Jeff Koons. The Painter w Schirn Kunsthalle Frankfurt skupiał się przede wszystkim na rozwoju artysty jako malarza, natomiast w pokazie Jeff Koons. The Sculptor w Liebieghaus we Frankfurcie rzeźby Jeffa Koonsa weszły w dialog z historycznym budynkiem i kolekcją rzeźb obejmującą pięć tysiącleci. Obie wystawy tworzą razem największy dotychczasowy pokaz prac Koonsa.

Artysta cieszył się w 2014 roku retrospektywą w Whitney Museum of American Art w Nowym Jorku. Scott Indrisek, pisząc dla ARTINFO.com, określił ją jako "zuchwałą, dość zabawną i strawną jak paczka M&Msów".

W 2019 roku w Ashmolean Museum w Oxfordzie w Wielkiej Brytanii odbyła się wystawa Jeff Koons at the Ashmolean.

Koons otrzymał nagrodę kulturalną BZ od miasta Berlin w 2000 roku oraz Skowhegan Medal for Sculpture w 2001 roku. W 2002 roku został mianowany Kawalerem Francuskiej Legii Honorowej, a następnie w 2007 roku awansował na Officiera. W 2008 roku otrzymał doktorat honoris causa School of the Art Institute of Chicago. W 2008 roku otrzymał nagrodę Wollaston Award przyznawaną przez Royal Academy of Arts w Londynie. W 2013 roku otrzymał Medal Sztuki Departamentu Stanu USA. W 2014 roku Koons otrzymał nagrodę Golden Plate Award Amerykańskiej Akademii Osiągnięć wręczoną przez członka Rady Nagród Wayne'a Thiebauda podczas International Achievement Summit w San Francisco. W 2017 roku przyjął doroczną nagrodę Honorowego Członkostwa za wybitny wkład w kulturę wizualną od Edgar Wind Society, University of Oxford.

Koons jest szeroko kolekcjonowany w Ameryce i Europie, gdzie niektórzy kolekcjonerzy nabywają jego prace w całości. Eli Broad posiada 24 sztuki, a Dakis Joannou jest właścicielem około 38 prac ze wszystkich etapów kariery artysty.

Koons był reprezentowany przez takich dealerów jak Mary Boone (1979-1980), Sonnabend Gallery (1986-2021), Galerie Max Hetzler, Jérôme de Noirmont i Gagosian Gallery. Wyłączne prawo do pierwotnej sprzedaży serii "Celebration" przez wiele lat posiadała Gagosian Gallery, jego dominujący dealer. Od 2021 roku Pace Gallery reprezentuje Koonsa na wyłączność na całym świecie.

Wiele prac Koonsa zostało sprzedanych prywatnie na aukcjach. Rekordy aukcyjne osiągają przede wszystkim jego rzeźby (zwłaszcza te z serii Celebration), natomiast obrazy cieszą się mniejszym zainteresowaniem. W 2001 roku jedna z jego trzech porcelanowych rzeźb Michael Jackson and Bubbles sprzedała się za 5,6 mln dolarów. 14 listopada 2007 roku, Hanging Heart (Magenta

Jednak w czasie recesji pod koniec lat 2000 ceny sztuki gwałtownie spadły, a sprzedaż aukcyjna wartościowych prac Koonsa w 2009 roku spadła o 50 procent. Fioletowe Wiszące Serce sprzedano za 11 milionów dolarów w prywatnej sprzedaży. Jednak ceny wcześniejszych prac artysty z serii Luxury and Degradation wydają się utrzymywać. The Economist donosi, że Thomas H. Lee, inwestor private-equity, sprzedał Jim Beam J.B. Turner Train (1986) w transakcji pakietowej, w której pośredniczył Giraud Pissarro Segalot, za ponad 15 mln USD. W 2012 roku Tulipany (1995-2004) przyniosły rekordową cenę aukcyjną dla Koonsa w Christie's, sprzedając się telefonicznemu oferentowi za 33,6 mln USD, znacznie powyżej jego wysokiego szacunku 25 mln USD. W Christie's w 2015 roku olej na płótnie Triple Elvis (2009) ustanowił światowy rekord aukcyjny dla obrazu artysty, realizując 8 565 000 USD, ponad 5 milionów dolarów więcej niż poprzednia wysoka kwota. Wykonany ze stali nierdzewnej Rabbit (1986) Koonsa sprzedał się za 91,1 miliona dolarów na aukcji w 2019 roku, co czyni go najdroższym dziełem sprzedanym przez żyjącego artystę na aukcji.

W 2018 roku kolekcjoner sztuki i miliarder Steven Tananbaum wniósł pozew przeciwko Koonsowi i Gagosian Gallery za niedostarczenie trzech rzeźb, Balloon Venus, Eros i Diana, za które zapłacił 13 milionów dolarów. Wkrótce potem hollywoodzki producent Joel Silver złożył podobny pozew przeciwko Gagosionowi i Koonsowi za niedostarczenie rzeźby o wartości 8 milionów dolarów w 2014 roku. Oba pozwy zostały rozliczone w 2019 i 2020 roku.

W lutym 2023 roku rzeźba Koonsa, "Balloon Dog (Blue)", została zniszczona, gdy mecenas Bel-Air Fine Art przypadkowo kopnął podium, na którym była wystawiona. Zdarzenie to było częścią imprezy otwierającej Art Wynwood w Wynwood Arts District w Miami. Wyceniony na 42 000 dolarów obraz został pokryty z polisy ubezpieczeniowej.

Wśród kuratorów, kolekcjonerów sztuki i innych osób ze świata sztuki, prace Koonsa określa się jako neo-popowe lub post-popowe, jako część ruchu z lat 80. będącego reakcją na zredukowaną sztukę minimalizmu i konceptualizmu z poprzedniej dekady. Koons odpiera takie komentarze: "Widz może na początku dostrzec ironię w mojej pracy (...), ale ja nie widzę jej wcale. Ironia wywołuje zbyt wiele krytycznej kontemplacji". Koons odrzuca wszelkie ukryte znaczenia w swoich pracach.

Wywołał kontrowersje wyniesieniem bezwstydnego kiczu na arenę sztuki wysokiej, wykorzystując bardziej wyrzucone przedmioty niż np. puszki po zupie Campbell's Warhola. Jego praca Piesek z balonu (1994-2000) opiera się na balonach skręconych w taki sposób, by stworzyć pieska-zabawkę.

Teoretyk Samito Jalbuena napisał: "Od początku swojej kontrowersyjnej kariery Koons obalił tradycyjne pojęcie sztuki wewnątrz i na zewnątrz. Koncentrując się na banalnych przedmiotach jako modelach, zakwestionował standardy wartości normatywnych w sztuce, a zamiast tego ogarnął słabości estetycznych hierarchii i systemów smaku."

Koons spotkał się z polaryzacją reakcji na swoje prace. Krytyczka Amy Dempsey opisała jego Balloon Dog jako "niesamowitą obecność... masywny, trwały pomnik". Jerry Saltz z artnet.com skomentował, że jest "oszołomiony techniczną wirtuozerią i oszałamiającą wizualną eksplozją" sztuki Koonsa. Koons znalazł się wśród nazwisk na liście Blake'a Gopnika z 2011 roku "The 10 Most Important Artists of Today", gdzie Gopnik argumentował: "Nawet po 30 latach, mashupy Koonsa wysokich i niskich - pies sklecony z balonów, a następnie powiększony w publiczny pomnik; naturalnej wielkości popiersie Michaela Jacksona i jego szympansa w biało-złotej porcelanie - nadal czują się znaczące."

Mark Stevens z The New Republic określił go jako "dekadenckiego artystę, któremu brakuje wyobraźni, by zrobić coś więcej niż trywializowanie i kursywowanie swoich tematów i tradycji, w której pracuje... Jest kolejnym, który służy tandetnym bogaczom". Jest kolejnym z tych, którzy służą tandetnym bogaczom". Michael Kimmelman z "The New York Times" dostrzegł "jeden ostatni, żałosny oddech tego rodzaju autopromocji i sensacji, które charakteryzowały najgorsze lata 80." i nazwał prace Koonsa "sztucznymi", "tanimi" i "bezczelnie cynicznymi".

W artykule porównującym scenę sztuki współczesnej z show-biznesem, znany krytyk Robert Hughes napisał, że Koons jest

skrajny i zadowolony z siebie przejaw świętości, która wiąże się z wielkimi pieniędzmi. Koons naprawdę myśli, że jest Michałem Aniołem i nie wstydzi się tego powiedzieć. Znamienne jest to, że są kolekcjonerzy, zwłaszcza w Ameryce, którzy w to wierzą. Ma oślizgłą pewność siebie, grubiańskie gadki o transcendencji poprzez sztukę, jak wysuszony baptysta sprzedający akry bagien na Florydzie. W rezultacie nie można sobie wyobrazić wyjątkowo zdeprawowanej kultury amerykańskiej bez niego.

Hughes umieścił prace Koonsa tuż nad pracami Sewarda Johnsona i został zacytowany w artykule New York Timesa jako ten, który stwierdził, że porównywanie ich karier jest "jak debatowanie o zaletach psich odchodów kontra kocie odchody".

Wywarł wpływ na młodszych artystów, takich jak Damien Hirst (np. w Hymnie Hirsta, 18-stopowej (5,5 m) wersji 14-calowej (0,36 m) zabawki anatomicznej), Jack Daws czy Mona Hatoum. Z kolei jego ekstremalne powiększenia prozaicznych przedmiotów to dług wobec Claesa Oldenburga i Coosje van Bruggen. Duży wpływ na jego twórczość mieli także artyści pracujący w Chicago podczas studiów w Art Institute, m.in. Jim Nutt, Ed Paschke i H. C. Westermann.

W 2005 roku został wybrany jako Fellow do American Academy of Arts and Sciences.

Koons był kilkakrotnie pozywany za naruszenie praw autorskich w związku z wykorzystaniem w swoich pracach istniejących wcześniej obrazów, będących oryginalnymi dziełami innych osób. W sprawie Rogers przeciwko Koonsowi, 960 F.2d 301 (2d Cir. 1992), Sąd Apelacyjny USA dla Drugiego Okręgu podtrzymał wyrok przeciwko Koonsowi za wykorzystanie przez niego fotografii szczeniąt jako podstawy rzeźby String of Puppies.

Koons przegrał również procesy w United Features Syndicate, Inc. v. Koons, 817 F. Supp. 370 (S.D.N.Y. 1993), oraz Campbell v. Koons, No. 91 Civ. 6055, 1993 WL 97381 (S.D.N.Y. 1 kwietnia 1993).

Wygrał jeden proces, Blanch v. Koons, nr 03 Civ. 8026 (LLS), S.D.N.Y., 1 listopada 2005 (slip op.), potwierdzony przez Second Circuit w październiku 2006, wniesiony w związku z wykorzystaniem przez niego reklamy fotograficznej jako materiału źródłowego dla nóg i stóp w obrazie Niagara (2000). Sąd orzekł, że Koons w wystarczającym stopniu przekształcił oryginalną reklamę, aby zakwalifikować ją jako uczciwe wykorzystanie oryginalnego obrazu.

W 2015 roku Koons zmierzył się z zarzutami, że wykorzystał zdjęcie fotografa Mitchela Graya z 1986 roku dla Gordon's Gin w jednym ze swoich obrazów Luxury and Degradation bez zgody i rekompensaty.

W 2018 roku francuski sąd orzekł, że jego praca z 1988 roku Fait d'Hiver, przedstawiająca świnię stojącą nad leżącą na plecach kobietą, skopiowała reklamę sieci odzieżowej i uznał Koonsa oraz Centre Pompidou za winnych naruszenia praw autorskich fotografa Francka Davidovici. Decyzja ta została podtrzymana w 2021 roku w apelacji. W rezultacie dzieło, będące własnością Foundazione Prada, nie może być wystawione we Francji, a muzeum i artysta nie mogą wyświetlać reprodukcji fotograficznych w sieci (bez kary 600 euro za dzień). Ponadto muzeum i artysta zostali zobowiązani do wspólnej zapłaty 190 000 euro, a firma książkowa 14 000 euro.

W 2019 roku francuski sąd orzekł, że jego praca 1988 Naked, przedstawiająca małego chłopca oferującego kwiaty małej dziewczynce, z których oboje są nadzy, naruszyła prawa autorskie fotografii pocztówkowej z 1975 roku autorstwa francuskiego artysty Jean-Francois Baureta.

Koons oskarżył również innych o naruszenie praw autorskich, twierdząc, że księgarnia w San Francisco naruszyła jego prawa autorskie do Balloon Dogs, sprzedając podpórki do książek w kształcie balonowych psów. Koons zrezygnował z pozwu po tym, jak prawnik księgarni złożył wniosek o deklaratywne zadośćuczynienie, stwierdzając: "Jak może zaświadczyć praktycznie każdy klaun, nikt nie jest właścicielem pomysłu zrobienia balonowego psa, a kształt powstały w wyniku skręcenia balonu w formę przypominającą psa jest częścią domeny publicznej".

Rzeźba Koonsa przedstawiająca balerinę przypomina dzieło Ballerina Lenochka stworzone przez ukraińską artystkę Oksanę Zhnykrup w 1974 roku.

W skardze z 2021 roku złożonej w United States District Court for Southern District of New York artysta Michael Hayden, który w 1988 roku wykonał dla Ilony Staller rzeźbę węża owiniętego wokół skały, twierdził, że Koons bezprawnie wykorzystał rzeźbę w swoich pracach.

Koons jest członkiem zarządu International Centre for Missing & Exploited Children (ICMEC), globalnej organizacji non-profit, która zwalcza wykorzystywanie seksualne dzieci, pornografię dziecięcą i uprowadzanie dzieci. W 2007 roku Koons, wraz z żoną Justine, założył ICMEC Koons Family Institute on International Law and Policy.

Po zakończeniu swojego pierwszego małżeństwa w 1994 roku z urodzoną na Węgrzech włoską aktorką Iloną Staller, Staller wyjechała do Włoch z ich dwuletnim synem, naruszając nakaz sądu w USA. Koons spędził pięć lat na dochodzeniu swoich praw rodzicielskich. Włoski Sąd Najwyższy orzekł na korzyść Staller. Koons założył następnie Koons Family Institute. W 2008 roku Staller złożył pozew przeciwko Koonsowi o niepłacenie alimentów na dziecko.

Podczas studiów w Maryland Institute College of Art, Koonsowi urodziła się córka, Shannon Rodgers. Para oddała dziecko do adopcji. Rodgers ponownie połączyła się z Koonsem w 1995 roku.

W 1991 roku poślubił urodzoną na Węgrzech naturalizowaną włoską gwiazdę pornografii Ilonę Staller (Cicciolina), która w tym czasie była członkiem włoskiego parlamentu (1987-1992). Koons współpracował ze Staller przy tworzeniu obrazów i rzeźb "Made in Heaven" w różnych mediach, z nadzieją na nakręcenie filmu. Utrzymując dom na Manhattanie, Koons i Staller mieszkali w Monachium. W 1992 roku urodził im się syn, Ludwig. Małżeństwo zakończyło się wkrótce potem w związku z zarzutami, że Koons znęcał się nad Staller fizycznie i emocjonalnie.

Koons jest obecnie żonaty z Justine Wheeler, artystką i byłą pracownicą, która zaczęła pracować w studio Koonsa w 1995 roku. Para ma sześcioro dzieci. Rodzina mieszka obecnie w kamienicy na Upper East Side.

Koons w czerwcu 2016 roku przekazał 50 tysięcy dolarów na rzecz Correct the Record, Super PAC, który wspierał kampanię prezydencką Hillary Clinton w 2016 roku.

Źródła

1. Jeff Koons
2. Jeff Koons
3. ^ "Famous birthdays for Jan. 21: Geena Davis, Luke Grimes". UPI. January 21, 2023. Retrieved January 21, 2023.
4. ^ a b "Jeff Koons' $91M 'Rabbit' sculpture sets new auction record". CNN. May 15, 2019.
5. ^ a b Tully, Kathryn (June 26, 2014). "The Most Expensive Art Ever Sold At Auction: Christie's Record-Breaking Sale". Forbes. Retrieved August 5, 2015.
6. ^ Galenson, David (October 2006). "You Cannot be Serious: The Conceptual Innovator as Trickster". Working Paper Series. National Bureau of Economic Research: 25. doi:10.3386/w12599. S2CID 193985522, {{cite journal}}: Cite journal requires |journal= (help) citing Koons, The Jeff Koons Handbook.
7. La Croix, « Huit années d’art contemporain à Versailles », sur la-croix.com, 7 juin 2016.
8. a b c d et e Ingrid Sischy, « Jeff Koons, l'art gonflé », Vanity Fair no 16, octobre 2014, p. 130-145.
9. a b c et d De Wavrin T, « Atelier de Chelsea, la fabrique de Jeff Koons », Dans Jeff Koons, Versailles, Beaux-arts éditions.
10. a b c et d Frédéric Dieu, « Contrefaçon : le papa de Puppy perd son procès », sur Profession Spectacle, 8 juin 2021.
11. « Jeff Koons et Elon Musk ont lancé un étonnant projet spatial », sur Beaux Arts, 16 février 2024 (consulté le 20 février 2024)
12. ^ a b c d e Eric Shanes, Pop Art, Gribaudo, 2007, p. 237.
13. Jeff Koons holt sich den Rekord zurück In: Der Spiegel, 16. Mai 2019.
14. Jeff Koons, Rabbit, 1986, polierter Edelstahl, 41 x 19 x 12 in. (104,1 x 48,3 x 30,5 cm.), Exemplar Nummer 2/3. Resultat 91.0750.000 USD
15. Katy Siegel: Statuary. In: Hans Werner Holzwarth (Hrsg.): Jeff Koons. 1. Auflage. Taschen, Köln 2009, ISBN 978-3-8365-0328-0, S. 227.
16. Anthony Haden-Guest: Interview: Jeff Koons - Anthony Haden-Guest. In: Angelika Muthesius (Hrsg.): Jeff Koons. 1. Auflage. Taschen, Köln 1992, ISBN 3-8228-9351-X, S. 20.
17. Katy Siegel: Luxury & Degradation. In: Hans Werner Holzwarth (Hrsg.): Jeff Koons. 1. Auflage. Taschen, Köln 2009, ISBN 978-3-8365-0328-0, S. 193.