Streszczenie

Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón (6 lipca 1907 - 13 lipca 1954) była meksykańską malarką znaną z wielu portretów, autoportretów i prac inspirowanych naturą i artefaktami Meksyku. Zainspirowana przez kulturę popularną kraju, używała naiwnego stylu ludowego do badania kwestii tożsamości, postkolonializmu, płci, klasy i rasy w meksykańskim społeczeństwie. Jej obrazy często zawierają silne elementy autobiograficzne i mieszają realizm z fantazją. Oprócz przynależności do porewolucyjnego ruchu Mexicayotl, który dążył do zdefiniowania meksykańskiej tożsamości, Kahlo była określana jako surrealistka lub magiczna realistka. Znana jest z tego, że malowała o swoim doświadczeniu chronicznego bólu.

Urodzona z ojca Niemca i matki Metyski, Kahlo spędziła większość swojego dzieciństwa i dorosłego życia w La Casa Azul, swoim rodzinnym domu w Coyoacán - obecnie publicznie dostępnym jako Muzeum Fridy Kahlo. Mimo że w dzieciństwie zachorowała na polio, Kahlo była obiecującą uczennicą, wybierającą się na studia medyczne, dopóki w wieku 18 lat nie uległa wypadkowi autobusowemu, który spowodował u niej ból i problemy zdrowotne na całe życie. W czasie rekonwalescencji powróciła do swoich dziecięcych zainteresowań sztuką z zamiarem zostania artystką.

Zainteresowanie polityką i sztuką doprowadziło Kahlo do wstąpienia w 1927 roku do Meksykańskiej Partii Komunistycznej, dzięki której poznała meksykańskiego artystę Diego Riverę. Para pobrała się w 1929 roku i spędziła koniec lat 20. i początek 30. na wspólnym podróżowaniu po Meksyku i Stanach Zjednoczonych. W tym czasie rozwinęła swój styl artystyczny, czerpiąc główną inspirację z meksykańskiej kultury ludowej, malowała głównie małe autoportrety, w których mieszały się elementy z wierzeń prekolumbijskich i katolickich. Jej obrazy wzbudziły zainteresowanie surrealistycznego artysty André Bretona, który zorganizował pierwszą indywidualną wystawę Kahlo w Julien Levy Gallery w Nowym Jorku w 1938 roku; wystawa okazała się sukcesem, a po niej nastąpiła kolejna w Paryżu w 1939 roku. Podczas gdy francuska wystawa była mniej udana, Luwr zakupił obraz Kahlo, The Frame, czyniąc ją pierwszą meksykańską artystką w ich kolekcji. Przez całe lata 40. Kahlo uczestniczyła w wystawach w Meksyku i Stanach Zjednoczonych oraz pracowała jako nauczycielka sztuki. Uczyła w Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado ("La Esmeralda") i była członkiem założycielem Seminario de Cultura Mexicana. W tej samej dekadzie zaczęło się pogarszać zawsze kruche zdrowie Kahlo. Swoją pierwszą indywidualną wystawę w Meksyku miała w 1953 roku, na krótko przed śmiercią w 1954 roku w wieku 47 lat.

Twórczość Kahlo jako artystki pozostawała stosunkowo mało znana aż do późnych lat 70., kiedy to jej prace zostały ponownie odkryte przez historyków sztuki i działaczy politycznych. Na początku lat 90. stała się nie tylko uznaną postacią w historii sztuki, ale była również uważana za ikonę Chicanos, ruchu feministycznego i społeczności LGBTQ+. Dzieła Kahlo są uznawane na całym świecie za emblematyczne dla meksykańskich tradycji narodowych i rdzennych oraz przez feministki za bezkompromisowe przedstawianie kobiecego doświadczenia i formy.

Wczesna kariera

Kahlo cieszyła się sztuką od najmłodszych lat, otrzymując lekcje rysunku od drukarza Fernando Fernándeza (który był przyjacielem jej ojca) i wypełniając zeszyty szkicami. W 1925 roku zaczęła pracować poza szkołą, aby pomóc rodzinie. Po krótkim okresie pracy jako stenograf, została płatną praktykantką Fernándeza w zakresie grawerowania, choć w tym czasie nie brała pod uwagę sztuki jako kariery.

Poważny wypadek autobusowy w wieku 18 lat sprawił, że Kahlo przez całe życie odczuwała ból. Po wypadku, przez trzy miesiące przykuta do łóżka, Kahlo zaczęła malować. Zaczęła też rozważać karierę ilustratorki medycznej, która połączyłaby jej zainteresowania nauką i sztuką. Matka dostarczyła jej specjalnie wykonaną sztalugę, dzięki której mogła malować w łóżku, a ojciec pożyczył jej kilka swoich farb olejnych. Nad sztalugą kazała umieścić lustro, aby mogła się w nim widzieć. Malarstwo stało się dla Kahlo sposobem na zgłębienie pytań o tożsamość i egzystencję. Tłumaczyła: "Maluję siebie, ponieważ często jestem sama i jestem tematem, który znam najlepiej". Później stwierdziła, że wypadek i izolujący okres rekonwalescencji sprawiły, że zapragnęła "zacząć od nowa, malując rzeczy tylko na własne oczy i nic więcej."

Większość obrazów Kahlo z tego okresu to portrety jej samej, jej sióstr i przyjaciół ze szkoły. Z jej wczesnych obrazów i korespondencji wynika, że inspirację czerpała przede wszystkim od artystów europejskich, w szczególności od mistrzów renesansu, takich jak Sandro Botticelli i Bronzino oraz od ruchów awangardowych, takich jak Neue Sachlichkeit i kubizm.

Po przeprowadzce do Morelos w 1929 roku wraz z mężem Riverą, Kahlo inspirowała się miastem Cuernavaca, w którym mieszkali. Zmieniła swój styl artystyczny i coraz częściej czerpała inspirację z meksykańskiej sztuki ludowej. Historyk sztuki Andrea Kettenmann twierdzi, że mogła być pod wpływem traktatu Adolfo Best Maugarda na ten temat, ponieważ zawarła w nim wiele cech, które on nakreślił - na przykład brak perspektywy i łączenie elementów z prekolumbijskich i kolonialnych okresów sztuki meksykańskiej. Jej identyfikacja z La Raza, ludem Meksyku, i głębokie zainteresowanie jego kulturą pozostały ważnymi aspektami jej sztuki do końca życia.

Praca w Stanach Zjednoczonych

Kiedy w 1930 roku Kahlo i Rivera przenieśli się do San Francisco, Kahlo poznała amerykańskich artystów, takich jak Edward Weston, Ralph Stackpole, Timothy L. Pflueger i Nickolas Muray. Sześć miesięcy spędzonych w San Francisco było owocnym okresem dla Kahlo, która dalej rozwijała styl sztuki ludowej, który przyjęła w Cuernavaca. Oprócz portretów kilku nowych znajomych, namalowała Friedę i Diego Riverę (1931), podwójny portret oparty na ich ślubnej fotografii, oraz Portret Luthera Burbanka (1931), który przedstawiał tytułowego ogrodnika jako hybrydę człowieka i rośliny. Choć nadal publicznie przedstawiała się raczej jako małżonka Rivery niż jako artystka, po raz pierwszy wzięła udział w wystawie, kiedy to Frieda i Diego Rivera została włączona do Szóstej Dorocznej Wystawy Stowarzyszenia Kobiet Artystów w San Francisco w Pałacu Legii Honorowej.

Po przeprowadzce do Detroit z Riverą, Kahlo doświadczyła licznych problemów zdrowotnych związanych z nieudaną ciążą. Pomimo tych problemów zdrowotnych, jak również niechęci do kapitalistycznej kultury Stanów Zjednoczonych, czas spędzony przez Kahlo w tym mieście był korzystny dla jej artystycznej ekspresji. Eksperymentowała z różnymi technikami, takimi jak akwaforta i fresk, a jej obrazy zaczęły wykazywać silniejszy styl narracyjny. Zaczęła również kłaść nacisk na tematy "terroru, cierpienia, ran i bólu". Pomimo popularności muralu w sztuce meksykańskiej w tym czasie, przyjęła diametralnie różne medium, obrazy wotywne lub retablos, religijne obrazy wykonane na małych arkuszach metalu przez artystów amatorów, aby podziękować świętym za ich błogosławieństwo podczas klęski. Wśród prac wykonanych w manierze retablo w Detroit znajdują się Henry Ford Hospital (1932), Moje narodziny (1932) i Autoportret na granicy Meksyku i Stanów Zjednoczonych (1932). Chociaż żadna z prac Kahlo nie była prezentowana na wystawach w Detroit, udzieliła ona wywiadu dla Detroit News na temat swojej sztuki; artykuł nosił protekcjonalny tytuł "Wife of the Master Mural Painter Gleefully Dabbles in Works of Art".

Powrót do Mexico City i międzynarodowe uznanie

Po powrocie do Mexico City w 1934 roku Kahlo nie wykonała żadnego nowego obrazu, a w następnym roku tylko dwa, ze względu na komplikacje zdrowotne. W latach 1937 i 1938, po rozwodzie, a następnie pogodzeniu się z Riverą, kariera artystyczna Kahlo była jednak niezwykle owocna. Namalowała więcej "niż przez wszystkie osiem poprzednich lat małżeństwa", tworząc takie dzieła jak My Nurse and I (1937), Memory, the Heart (1937), Four Inhabitants of Mexico (1938) i What the Water Gave Me (1938). Chociaż wciąż nie była pewna swojej twórczości, Narodowy Uniwersytet Autonomiczny w Meksyku wystawił kilka jej obrazów na początku 1938 roku. Pierwszą znaczącą sprzedaż odnotowała latem 1938 roku, kiedy gwiazda filmowa i kolekcjoner sztuki Edward G. Robinson kupił cztery obrazy po 200 dolarów każdy. Jeszcze większe uznanie przyniosła Riverze wizyta francuskiego surrealisty André Bretona w kwietniu 1938 roku. Był pod wrażeniem Kahlo, od razu uznając ją za surrealistkę i opisując jej prace jako "wstążkę wokół bomby". Nie tylko obiecał zorganizować wystawę jej obrazów w Paryżu, ale także napisał do swojego przyjaciela i handlarza sztuką, Juliena Levy'ego, który zaprosił ją na pierwszą indywidualną wystawę do swojej galerii na East 57th Street na Manhattanie.

W październiku Kahlo udała się samotnie do Nowego Jorku, gdzie jej kolorowy meksykański strój "wywołał sensację" i sprawił, że postrzegano ją jako "szczyt egzotyki". W otwarciu wystawy w listopadzie wzięły udział takie sławy jak Georgia O'Keeffe i Clare Boothe Luce i spotkała się ona z pozytywnym przyjęciem w prasie, choć wielu krytyków przyjęło w swoich recenzjach protekcjonalny ton. Na przykład Time napisał, że "obrazy małej Fridy ... miały delikatność miniatur, żywe czerwienie i żółcienie meksykańskiej tradycji i zabawnie krwawą fantazję niesentymentalnego dziecka". Mimo Wielkiego Kryzysu Kahlo sprzedała połowę z 25 obrazów prezentowanych na wystawie. Otrzymała również zlecenia od A. Congera Goodyeara, ówczesnego prezesa MoMA, oraz Clare Boothe Luce, dla której namalowała portret przyjaciółki Luce, towarzyskiej Dorothy Hale, która popełniła samobójstwo skacząc ze swojego apartamentowca. Podczas trzech miesięcy spędzonych w Nowym Jorku Kahlo niewiele malowała, skupiając się na podziwianiu miasta w takim stopniu, na jaki pozwalało jej kruche zdrowie. Miała również kilka romansów, kontynuując ten z Nickolasem Murayem i angażując się w te z Levy'm i Edgarem Kaufmannem, Jr.

W styczniu 1939 roku Kahlo wyruszyła do Paryża, aby skorzystać z zaproszenia André Bretona do zorganizowania wystawy jej prac. Po przybyciu na miejsce okazało się, że nie odprawił on jej obrazów z urzędu celnego i nie posiada już nawet galerii. Z pomocą Marcela Duchampa udało jej się zorganizować wystawę w galerii Renou et Colle. Dalsze problemy pojawiły się, gdy galeria odmówiła pokazania wszystkich obrazów Kahlo z wyjątkiem dwóch, uznając je za zbyt szokujące dla publiczności. Breton nalegał, by pokazać je obok fotografii Manuela Alvareza Bravo, prekolumbijskich rzeźb, XVIII- i XIX-wiecznych meksykańskich portretów oraz tego, co uważał za "śmieci": cukrowych czaszek, zabawek i innych przedmiotów, które kupował na meksykańskich targowiskach.

Wystawa została otwarta w marcu, ale spotkała się z dużo mniejszym zainteresowaniem niż w Stanach Zjednoczonych, częściowo z powodu zbliżającej się II wojny światowej, i przyniosła straty finansowe, co skłoniło Kahlo do odwołania planowanej wystawy w Londynie. Mimo to Luwr zakupił The Frame, czyniąc ją pierwszą meksykańską artystką w swojej kolekcji. Została również ciepło przyjęta przez innych paryskich artystów, takich jak Pablo Picasso i Joan Miró, a także przez świat mody - projektantka Elsa Schiaparelli zaprojektowała suknię inspirowaną jej osobą, a Vogue Paris umieścił ją na swoich stronach. Jednak jej ogólna opinia o Paryżu i surrealistach pozostała negatywna; w liście do Muraya nazwała ich "tą bandą szaleńców i bardzo głupich surrealistów", którzy "są tak szaleni, 'intelektualni' i zepsuci, że nie mogę ich już nawet znieść".

W Stanach Zjednoczonych obrazy Kahlo nadal budziły zainteresowanie. W 1941 roku jej prace zostały zaprezentowane w Institute of Contemporary Art w Bostonie, a w następnym roku wzięła udział w dwóch głośnych wystawach w Nowym Jorku, w wystawie Twentieth-Century Portraits w MoMA oraz w wystawie First Papers of Surrealists. W 1943 roku znalazła się na wystawie Mexican Art Today w Philadelphia Museum of Art oraz Women Artists w galerii Peggy Guggenheim The Art of This Century w Nowym Jorku.

Kahlo zyskała większe uznanie dla swojej sztuki również w Meksyku. Została członkiem-założycielem Seminario de Cultura Mexicana, grupy dwudziestu pięciu artystów powołanej w 1942 roku przez Ministerstwo Edukacji Publicznej w celu szerzenia wiedzy o kulturze meksykańskiej. Jako członek brała udział w planowaniu wystaw i uczestniczyła w konferencji na temat sztuki. W mieście Meksyk jej obrazy znalazły się na dwóch wystawach poświęconych sztuce meksykańskiej, które zostały zorganizowane w angielskojęzycznej Benjamin Franklin Library w 1943 i 1944 roku. Została zaproszona do udziału w "Salon de la Flor", wystawie prezentowanej podczas corocznej ekspozycji kwiatów. Artykuł Rivery o sztuce Kahlo ukazał się również w czasopiśmie wydawanym przez Seminario de Cultura Mexicana.

W 1943 roku Kahlo przyjęła posadę nauczycielki w niedawno zreformowanej, nacjonalistycznej Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado "La Esmeralda". Zachęcała swoich studentów do traktowania jej w sposób nieformalny i niehierarchiczny, uczyła ich doceniać meksykańską kulturę popularną i sztukę ludową oraz czerpać tematy z ulicy. Kiedy problemy zdrowotne utrudniły jej dojazdy do szkoły w Mexico City, zaczęła prowadzić lekcje w La Casa Azul. Czterech z jej uczniów - Fanny Rabel, Arturo García Bustos, Guillermo Monroy i Arturo Estrada - stało się wielbicielami, a ze względu na swój entuzjazm nazywani byli "Los Fridos". Kahlo zapewniła sobie i swoim uczniom trzy zlecenia na mural. W 1944 roku namalowali La Rosita, pulqueria w Coyoacán. W 1945 roku rząd zlecił im namalowanie murali w pralni w Coyoacán w ramach narodowego programu pomocy biednym kobietom, które zarabiały na życie jako praczki. W tym samym roku grupa stworzyła murale dla Posada del Sol, hotelu w Mexico City. Został on jednak zniszczony wkrótce po ukończeniu, ponieważ nie spodobał się właścicielowi hotelu.

Kahlo z trudem utrzymywała się ze swojej sztuki do połowy lub końca lat 40-tych, ponieważ odmówiła dostosowania swojego stylu do życzeń klientów. Na początku lat 40. otrzymała dwa zlecenia od rządu meksykańskiego. Pierwszego nie zrealizowała, prawdopodobnie z powodu niechęci do tematu, a drugie zlecenie zostało odrzucone przez zleceniodawcę. Mimo to miała stałych klientów prywatnych, takich jak inżynier Eduardo Morillo Safa, który w ciągu dekady zamówił ponad trzydzieści portretów członków rodziny. Jej sytuacja finansowa poprawiła się, gdy w 1946 roku otrzymała nagrodę krajową w wysokości 5000 peso za obraz Mojżesz (1945), a w 1947 roku Dwie Fridy zostały zakupione przez Museo de Arte Moderno. Według historyka sztuki Andrei Kettenmann, w połowie lat 40. jej obrazy były "prezentowane na większości wystaw zbiorowych w Meksyku". Martha Zamora pisała, że mogła "sprzedać to, co aktualnie malowała; czasami niekompletne obrazy były kupowane od razu po zdjęciu ze sztalugi".

Późniejsze lata

Nawet gdy Kahlo zdobywała uznanie w Meksyku, jej zdrowie gwałtownie się pogarszało, a próba operacji podtrzymującej kręgosłup zakończyła się niepowodzeniem. Jej obrazy z tego okresu to "Złamana kolumna" (1944), "Bez nadziei" (1945), "Drzewo nadziei", "Stój szybko" (1946) i "Zraniony jeleń" (1946), odzwierciedlające jej zły stan fizyczny. W ostatnich latach życia Kahlo przebywała głównie w Casa Azul. Malowała głównie martwe natury, przedstawiając owoce i kwiaty z symbolami politycznymi, takimi jak flagi czy gołębie. Obawiała się, czy będzie w stanie przedstawić swoje przekonania polityczne, stwierdzając: "Mam wielki niepokój o moje obrazy. Głównie dlatego, że chcę je uczynić użytecznymi dla rewolucyjnego ruchu komunistycznego... do tej pory udawało mi się po prostu szczerze wyrazić własne ja... Muszę ze wszystkich sił walczyć o to, by ta niewielka ilość pozytywów, na które pozwala mi zdrowie, przysłużyła się również rewolucji, jedynej prawdziwej racji bytu." Zmieniła także swój styl malowania: jej pociągnięcia pędzlem, wcześniej delikatne i staranne, były teraz gwałtowniejsze, użycie koloru bardziej jaskrawe, a ogólny styl bardziej intensywny i gorączkowy.

Fotografka Lola Alvarez Bravo zrozumiała, że Kahlo nie pozostało już wiele życia, dlatego w kwietniu 1953 roku zorganizowała jej pierwszą indywidualną wystawę w Meksyku w Galería Arte Contemporaneo. Chociaż Kahlo początkowo nie miała pojawić się na otwarciu wystawy, ponieważ lekarze zalecili jej odpoczynek w łóżku, nakazała przeniesienie swojego czteroosobowego łóżka z domu do galerii. Ku zaskoczeniu gości przyjechała karetką i została przeniesiona na noszach do łóżka, gdzie pozostała na czas trwania przyjęcia. Wystawa była godnym uwagi wydarzeniem kulturalnym w Meksyku, a także została zauważona w prasie głównego nurtu na całym świecie. W tym samym roku na wystawie Tate Gallery w Londynie poświęconej sztuce meksykańskiej znalazło się pięć jej obrazów.

W 1954 roku Kahlo ponownie trafiła do szpitala w kwietniu i maju. Tej wiosny wznowiła malowanie po rocznej przerwie. Do jej ostatnich obrazów należą polityczne Marksizm da zdrowie chorym (ok. 1954) i Frida i Stalin (ok. 1954) oraz martwa natura Viva La Vida (1954).

Szacunki dotyczące liczby obrazów, które Kahlo stworzyła w ciągu swojego życia, wahają się od mniej niż 150 Jej najwcześniejsze obrazy, które stworzyła w połowie lat dwudziestych, wykazują wpływy mistrzów renesansu i europejskich artystów awangardowych, takich jak Amedeo Modigliani. Pod koniec dekady Kahlo czerpała więcej inspiracji z meksykańskiej sztuki ludowej, pociągały ją elementy "fantazji, naiwności, fascynacji przemocą i śmiercią". Wypracowany przez nią styl mieszał rzeczywistość z elementami surrealistycznymi i często przedstawiał ból i śmierć.

Jednym z najwcześniejszych mistrzów Kahlo był surrealistyczny artysta André Breton, który uznał ją za część ruchu, jako artystkę, która rzekomo rozwinęła swój styl "w całkowitej ignorancji idei, które motywowały działania moich przyjaciół i mnie". To powtórzył Bertram D. Wolfe, który napisał, że Kahlo była "rodzajem 'naiwnego' surrealizmu, który sama sobie wymyśliła". Chociaż Breton uważał ją za głównie kobiecą siłę w ruchu surrealistycznym, Kahlo wysunęła na czoło swojej marki surrealizmu pytania i tematy postkolonialne. Breton opisał również prace Kahlo jako "cudownie usytuowane w punkcie przecięcia linii politycznej (filozoficznej) i linii artystycznej". Chociaż Kahlo brała udział w wystawach surrealistów, stwierdziła, że "nienawidzi surrealizmu", który był dla niej "sztuką burżuazyjną", a nie "prawdziwą sztuką, której lud oczekuje od artysty". Niektórzy historycy sztuki nie zgadzają się, czy jej prace powinny być w ogóle zaliczane do tego ruchu. Według Andrei Kettenmann, Kahlo była symbolistką, której zależało bardziej na przedstawieniu swoich wewnętrznych doświadczeń. Emma Dexter twierdzi, że skoro Kahlo czerpała swoją mieszankę fantazji i rzeczywistości głównie z mitologii azteckiej i kultury meksykańskiej, a nie z surrealizmu, to należy uznać, że jej obrazy mają więcej wspólnego z realizmem magicznym, znanym również jako Nowy Obiektywizm. Łączył on rzeczywistość z fantazją i stosował podobny do Kahlo styl, taki jak spłaszczona perspektywa, wyraźnie zarysowane postaci i jaskrawe kolory.

Mexicanidad

Podobnie jak wielu innych współczesnych artystów meksykańskich, Kahlo pozostawała pod silnym wpływem Mexicanidad, romantycznego nacjonalizmu, który rozwinął się w następstwie rewolucji. Ruch Mexicanidad domagał się oporu wobec "mentalności niższości kulturowej" stworzonej przez kolonializm i przywiązywał szczególną wagę do kultur tubylczych. Przed rewolucją meksykańska kultura ludowa - mieszanka elementów rdzennych i europejskich - była dyskredytowana przez elity, które twierdziły, że mają czysto europejskie pochodzenie i uważały Europę za definicję cywilizacji, którą Meksyk powinien naśladować. Ambicją artystyczną Kahlo było malowanie dla narodu meksykańskiego, a ona sama stwierdziła, że chce "być godna, moimi obrazami, ludzi, do których należę i idei, które mnie wzmacniają". Aby wzmocnić ten wizerunek, wolała ukrywać wykształcenie artystyczne, które otrzymała od ojca i Ferdynanda Fernandeza oraz w szkole przygotowawczej. Zamiast tego pielęgnowała obraz siebie jako "samouka i naiwnej artystki".

Kiedy Kahlo rozpoczynała swoją karierę artystyczną w latach 20. XX wieku, na meksykańskiej scenie artystycznej dominowali muraliści. Tworzyli oni wielkie publiczne dzieła na wzór mistrzów renesansu i rosyjskich socrealistów: zwykle przedstawiały masy ludzi, a ich polityczne przesłania były łatwe do rozszyfrowania. Chociaż była blisko z muralistami takimi jak Rivera, José Clemente Orozco i David Alfaro Siquieros i podzielała ich zaangażowanie w socjalizm i meksykański nacjonalizm, większość obrazów Kahlo stanowiły autoportrety o stosunkowo niewielkich rozmiarach. Szczególnie w latach 30. jej styl był szczególnie związany z obrazami wotywnymi lub retablos, które były obrazami religijnymi wielkości pocztówki, wykonywanymi przez artystów amatorów. Ich celem było podziękowanie świętym za opiekę w czasie nieszczęścia, a przedstawiały one zwykle jakieś wydarzenie, np. chorobę lub wypadek, z którego wybawiony został zleceniodawca. Koncentrują się na przedstawionych postaciach, rzadko występuje w nich realistyczna perspektywa czy szczegółowe tło, przez co wydarzenie zostaje sprowadzone do minimum. Kahlo posiadała bogatą kolekcję około 2000 retablos, które eksponowała na ścianach La Casa Azul. Według Laury Mulvey i Petera Wollena, format retablo pozwolił Kahlo "przekroczyć granice tego, co czysto ikoniczne i umożliwił jej posługiwanie się narracją i alegorią".

Wiele autoportretów Kahlo naśladuje klasyczne portrety w popiersiu, które były modne w epoce kolonialnej, ale obalają one ten format, przedstawiając ich podmiot jako mniej atrakcyjny niż w rzeczywistości. Pod koniec lat 30. artystka coraz częściej koncentrowała się na tym formacie, odzwierciedlając w ten sposób zmiany zachodzące w meksykańskim społeczeństwie. Coraz bardziej rozczarowani spuścizną rewolucji i zmagający się ze skutkami Wielkiego Kryzysu Meksykanie porzucali etos socjalizmu na rzecz indywidualizmu. Wyrazem tego były "kulty osobowości", które rozwijały się wokół meksykańskich gwiazd filmowych, takich jak Dolores del Río. Według Schaefera, "przypominające maski autoportrety Kahlo są echem współczesnej fascynacji filmowym zbliżeniem kobiecego piękna, a także mistyką kobiecej inności wyrażoną w filmie noir." Powtarzając zawsze te same rysy twarzy, Kahlo czerpała z przedstawiania bogiń i świętych w kulturach tubylczych i katolickich.

Spośród konkretnych meksykańskich artystów ludowych szczególny wpływ na Kahlo mieli Hermenegildo Bustos, którego prace przedstawiały meksykańską kulturę i życie chłopskie, oraz José Guadalupe Posada, który w satyryczny sposób przedstawiał wypadki i przestępstwa. Inspirację czerpała również z dzieł Hieronima Boscha, którego nazywała "człowiekiem geniuszu", oraz Pietera Bruegla Starszego, którego zainteresowania życiem chłopskim były podobne do jej zainteresowań ludem meksykańskim. Inny wpływ miała poetka Rosario Castellanos, której wiersze często są kroniką losu kobiety w patriarchalnym społeczeństwie meksykańskim, dotyczą kobiecego ciała i opowiadają o ogromnym bólu fizycznym i emocjonalnym.

Symbolizm i ikonografia

Na obrazach Kahlo często pojawiają się wyobrażenia korzeni, które wyrastają z jej ciała, by przywiązać ją do ziemi. W pozytywnym sensie odzwierciedla to temat rozwoju osobistego, w negatywnym - uwięzienia w konkretnym miejscu, czasie i sytuacji, a w niejednoznacznym - to, jak wspomnienia z przeszłości wpływają na teraźniejszość na dobre i na złe.

Kahlo, która do końca życia cierpiała z powodu wypadku autobusu w młodości, spędziła większość życia w szpitalach i poddawała się operacjom, w dużej mierze wykonywanym przez znachorów, którzy wierzyli, że Kahlo może przywrócić ją do stanu sprzed wypadku. Wiele obrazów Kahlo dotyczy obrazów medycznych, które są przedstawione w kategoriach bólu i cierpienia, przedstawiając Kahlo krwawiącą i pokazującą swoje otwarte rany. Wiele obrazów medycznych Kahlo, zwłaszcza dotyczących porodu i poronienia, ma silne poczucie winy, poczucie, że żyje się kosztem drugiego człowieka, który umarł, abyśmy mogli żyć.

Choć Kahlo przedstawiała na swoich obrazach siebie i wydarzenia ze swojego życia, to często miały one wieloznaczne znaczenie. Nie używała ich jedynie do pokazania swoich subiektywnych doświadczeń, ale do stawiania pytań o meksykańskie społeczeństwo i konstruowanie w nim tożsamości, zwłaszcza płci, rasy i klasy społecznej. Historyk Liza Bakewell stwierdziła, że Kahlo "rozpoznawała konflikty wywołane przez ideologię rewolucyjną":

Jak to było być Meksykaninem? - nowoczesnym, a jednak prekolumbijskim; młodym, a jednak starym; antykatolickim, a jednak katolickim; zachodnim, a jednak Nowym Światem; rozwijającym się, a jednak niedorozwiniętym; niezależnym, a jednak skolonizowanym; metysem, a jednak nie Hiszpanem ani Indianinem.

Aby zgłębić te pytania w swojej sztuce, Kahlo opracowała złożoną ikonografię, szeroko wykorzystując w swoich obrazach symbole i mitologię prekolumbijską i chrześcijańską. W większości autoportretów Kahlo przedstawia swoją twarz w formie maski, ale otoczoną wizualnymi wskazówkami, które pozwalają widzowi rozszyfrować jej głębsze znaczenie. Mitologia aztecka jest silnie obecna w obrazach Kahlo w postaci symboli, takich jak małpy, szkielety, czaszki, krew i serca; często symbole te odnoszą się do mitów o Coatlicue, Quetzalcoatlu i Xolotlu. Innymi centralnymi elementami, które Kahlo zaczerpnęła z mitologii azteckiej były hybrydowość i dualizm. Wiele z jej obrazów przedstawia przeciwieństwa: życie i śmierć, przednowoczesność i nowoczesność, Meksykanina i Europejczyka, mężczyznę i kobietę.

Oprócz legend azteckich, Kahlo często przedstawiała na swoich obrazach dwie centralne postacie kobiece z meksykańskiego folkloru: La Llorona i La Malinche, jako powiązane z trudnymi sytuacjami, cierpieniem, nieszczęściem lub osądem, jako kalające, nędzne lub będące "de la chingada". Na przykład, kiedy malowała siebie po poronieniu w Detroit w Henry Ford Hospital (1932), pokazała siebie jako płaczącą, z rozczochranymi włosami i odsłoniętym sercem, które to cechy są uważane za część wyglądu La Llorony, kobiety, która mordowała swoje dzieci. Obraz ten tradycyjnie interpretowano jako po prostu przedstawienie żalu i bólu Kahlo z powodu jej nieudanych ciąż. Jednak dzięki interpretacji symboli na obrazie i informacji o rzeczywistych poglądach Kahlo na macierzyństwo z jej korespondencji, obraz został uznany za przedstawiający niekonwencjonalny i tabuiczny wybór kobiety pozostającej bezdzietną w meksykańskim społeczeństwie.

Kahlo często umieszczała w swoich obrazach własne ciało, przedstawiając je w różnych stanach i przebraniach: jako zranione, złamane, jako dziecko, czy ubrane w różne stroje, takie jak kostium Tehuany, męski garnitur, czy europejska suknia. Wykorzystywała swoje ciało jako metaforę do zadawania pytań o role społeczne. Jej obrazy często przedstawiały kobiece ciało w niekonwencjonalny sposób, np. podczas poronień i porodów czy crossdressingu. Przedstawiając kobiece ciało w graficzny sposób, Kahlo ustawiała widza w roli voyeura, "czyniąc praktycznie niemożliwym, aby widz nie przyjął świadomie zajmowanej pozycji w odpowiedzi".

Według Nancy Cooey, Kahlo poprzez swoje obrazy uczyniła siebie "główną bohaterką własnej mitologii, jako kobieta, jako Meksykanka i jako osoba cierpiąca ... Wiedziała, jak przekształcić każdą z nich w symbol lub znak zdolny do wyrażenia ogromnego duchowego oporu ludzkości i jej wspaniałej seksualności". Podobnie Nancy Deffebach stwierdziła, że Kahlo "stworzyła siebie jako podmiot, który był kobietą, Meksykanką, nowoczesną i silną", i który odbiegał od zwykłej dychotomii ról matki

krytyczna recepcja jej eksploracji podmiotowości i osobistej historii zbyt często zaprzeczała lub pomijała znaczenie polityki związanej z badaniem własnego położenia, dziedzictwa i warunków społecznych... Krytyczne reakcje nadal prześwietlają przerabianie przez Kahlo tego, co osobiste, ignorując lub minimalizując jej przesłuchania dotyczące seksualności, różnicy seksualnej, marginalności, tożsamości kulturowej, kobiecej podmiotowości, polityki i władzy.

1907-1924: Rodzina i dzieciństwo

Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón urodziła się 6 lipca 1907 roku w Coyoacán, miejscowości położonej na obrzeżach Mexico City. Kahlo podała, że urodziła się w domu rodzinnym, La Casa Azul (Niebieski Dom), ale według oficjalnego rejestru narodzin, poród odbył się w pobliskim domu jej babci macierzystej. Rodzicami Kahlo byli fotograf Guillermo Kahlo (1871-1941) i Matilde Calderón y González (1876-1932). Pochodzący z Niemiec Guillermo wyemigrował do Meksyku w 1891 roku, po tym jak epilepsja spowodowana wypadkiem zakończyła jego studia uniwersyteckie. Chociaż Kahlo twierdziła, że jej ojciec był Żydem, a jej ojcowscy dziadkowie byli Żydami z miasta Arad, twierdzenie to zostało podważone w 2006 roku przez parę niemieckich genealogów, którzy stwierdzili, że był on luteraninem. Matilde urodziła się w Oaxaca z ojcem Rdzennym i matką o hiszpańskim pochodzeniu. Oprócz Kahlo, z małżeństwa urodziły się córki: Matilde (ok. 1898-1951), Adriana (ok. 1902-1968) i Cristina (ok. 1908-1964). Miała dwie przyrodnie siostry z pierwszego małżeństwa Guillermo, Maríę Luisę i Margaritę, ale wychowywały się one w klasztorze.

Kahlo opisała później atmosferę w domu swojego dzieciństwa jako często "bardzo, bardzo smutną". a ich małżeństwo było pozbawione miłości. Jej relacje z matką, Matilde, były niezwykle napięte. Kahlo opisała swoją matkę jako "miłą, aktywną i inteligentną, ale także wyrachowaną, okrutną i fanatycznie religijną". Biznes fotograficzny jej ojca Guillermo bardzo ucierpiał podczas Rewolucji Meksykańskiej, ponieważ obalony rząd zamówił u niego prace, a długa wojna domowa ograniczyła liczbę prywatnych klientów.

Kiedy Kahlo miała sześć lat, zachorowała na polio, co ostatecznie sprawiło, że jej prawa noga stała się krótsza i cieńsza od lewej. Choroba zmusiła ją do izolowania się od rówieśników przez wiele miesięcy i była zastraszana. Doświadczenie to sprawiło, że stała się samotnikiem, ale także ulubieńcem Guillermo ze względu na ich wspólne doświadczenie życia z niepełnosprawnością. Kahlo przypisywała mu, że uczynił jej dzieciństwo "cudownym (...) był dla mnie ogromnym przykładem czułości, pracy (fotograf, a także malarz), a przede wszystkim zrozumienia dla wszystkich moich problemów". Uczył ją o literaturze, przyrodzie, filozofii i zachęcał do uprawiania sportu, aby odzyskać siły, pomimo tego, że większość ćwiczeń fizycznych była postrzegana jako nieodpowiednia dla dziewcząt. Nauczył ją również fotografii, a ona zaczęła pomagać mu w retuszowaniu, wywoływaniu i kolorowaniu zdjęć.

Z powodu polio Kahlo rozpoczęła naukę w szkole później niż jej rówieśnicy. Wraz z młodszą siostrą Cristiną uczęszczała do lokalnego przedszkola i szkoły podstawowej w Coyoacán, a w piątej i szóstej klasie uczyła się w domu. Podczas gdy Cristina poszła za siostrami do szkoły klasztornej, Kahlo została zapisana do szkoły niemieckiej ze względu na życzenia ojca. Wkrótce została wyrzucona za nieposłuszeństwo i wysłano ją do szkoły dla nauczycieli zawodowych. Jej pobyt w tej szkole był krótki, ponieważ została wykorzystana seksualnie przez nauczycielkę.

W 1922 roku Kahlo została przyjęta do elitarnej National Preparatory School, gdzie skupiła się na naukach przyrodniczych z zamiarem zostania lekarzem. Instytucja ta dopiero niedawno zaczęła przyjmować kobiety, było tam tylko 35 dziewcząt na 2000 uczniów. była nienasyconą czytelniczką i stała się "głęboko zanurzona i poważnie zaangażowana w kulturę meksykańską, aktywizm polityczny i kwestie sprawiedliwości społecznej". Szkoła promowała indigenismo, nowe poczucie meksykańskiej tożsamości, które było dumne z rdzennego dziedzictwa kraju i próbowało pozbyć się kolonialnego sposobu myślenia o Europie jako lepszej od Meksyku. Szczególny wpływ na Kahlo w tym czasie miało dziewięciu jej szkolnych kolegów, z którymi stworzyła nieformalną grupę zwaną "Cachuchas" - wielu z nich stanie się czołowymi postaciami meksykańskiej elity intelektualnej. Byli zbuntowani i przeciwni wszystkiemu, co konserwatywne, robili psikusy, wystawiali sztuki teatralne, dyskutowali o filozofii i rosyjskich klasykach. Aby zamaskować fakt, że jest starsza i ogłosić się "córką rewolucji", zaczęła mówić, że urodziła się 7 lipca 1910 roku, w roku rozpoczęcia Rewolucji Meksykańskiej, co kontynuowała przez całe życie. Zakochała się w Alejandro Gomez Arias, liderze grupy i jej pierwszej miłości. Jej rodzice nie pochwalali tego związku. Arias i Kahlo byli często oddzieleni od siebie, ze względu na niestabilność polityczną i przemoc tego okresu, więc wymieniali namiętne listy miłosne.

1925-1930: Wypadek autobusowy i małżeństwo z Diego Riverą

17 września 1925 roku Kahlo i jej chłopak, Arias, byli w drodze ze szkoły do domu. Wsiedli do jednego autobusu, ale wysiedli z niego, aby poszukać parasolki, którą Kahlo zostawiła. Następnie wsiedli do drugiego autobusu, który był zatłoczony, i usiedli z tyłu. Kierowca próbował ominąć nadjeżdżający tramwaj elektryczny. Tramwaj uderzył w bok drewnianego autobusu, ciągnąc go przez kilka stóp. W wypadku zginęło kilku pasażerów. Podczas gdy Arias odniósł niewielkie obrażenia, Frida została przebita żelazną poręczą, która przeszła przez jej miednicę. Później opisała to obrażenie jako "sposób, w jaki miecz przebija byka". Poręcze zostały usunięte przez Ariasa i innych, co było niezwykle bolesne dla Kahlo.

Kahlo doznała wielu obrażeń: miała złamaną miednicę, jej brzuch i macica zostały przebite przez szynę, jej kręgosłup został złamany w trzech miejscach, jej prawa noga została złamana w jedenastu miejscach, jej prawa stopa została zmiażdżona i zwichnięta, jej obojczyk został złamany, a jej ramię zwichnięte. Spędziła miesiąc w szpitalu i dwa miesiące dochodząc do siebie w domu, zanim była w stanie wrócić do pracy. Ponieważ nadal odczuwała zmęczenie i ból pleców, lekarze zlecili wykonanie zdjęć rentgenowskich, które wykazały, że w wyniku wypadku doszło również do przemieszczenia trzech kręgów. W ramach leczenia musiała nosić gorset gipsowy, który ograniczał ją do odpoczynku w łóżku przez większą część trzech miesięcy.

Wypadek zakończył marzenia Kahlo o zostaniu lekarzem i spowodował ból i chorobę do końca życia; jej przyjaciel Andrés Henestrosa stwierdził, że Kahlo "żyła umierając". Odpoczynek w łóżku Kahlo skończył się pod koniec 1927 roku, a ona zaczęła spotykać się z dawnymi przyjaciółmi ze szkoły, którzy teraz byli na uniwersytecie i angażowali się w politykę studencką. Wstąpiła do Meksykańskiej Partii Komunistycznej (PCM) i została wprowadzona do kręgu działaczy politycznych i artystów, w tym wygnanego kubańskiego komunisty Julio Antonio Mella i włosko-amerykańskiej fotografki Tiny Modotti.

Na jednym z przyjęć Modottiego w czerwcu 1928 roku Kahlo została przedstawiona Diego Riverze. Spotkali się krótko w 1922 roku, kiedy malował mural w jej szkole. Wkrótce po ich spotkaniu w 1928 roku, Kahlo poprosiła go o ocenę, czy jej obrazy wykazują wystarczający talent, by mogła kontynuować karierę artystyczną. Rivera wspominał, że był pod wrażeniem jej prac, stwierdzając, że wykazywały one "niezwykłą energię ekspresji, precyzyjne nakreślenie charakteru i prawdziwą surowość ... Miały fundamentalną plastyczną szczerość i własną artystyczną osobowość ... Było dla mnie oczywiste, że ta dziewczyna jest autentyczną artystką".

Kahlo wkrótce rozpoczęła związek z Riverą, który był 21 lat starszy od niej i miał dwie wspólne żony. Kahlo i Rivera wzięli ślub cywilny w ratuszu w Coyoacán 21 sierpnia 1929 roku. Jej matka była przeciwna temu małżeństwu, a oboje rodzice określili je jako "małżeństwo słonia z gołębiem", odnosząc się do różnic w wielkości pary; Rivera był wysoki i miał nadwagę, podczas gdy Kahlo była drobna i delikatna. Niezależnie od tego, jej ojciec zaaprobował Riverę, który był zamożny i dlatego mógł wspierać Kahlo, która nie mogła pracować i musiała poddać się kosztownemu leczeniu. Ślub był relacjonowany przez meksykańską i międzynarodową prasę, a małżeństwo było przedmiotem ciągłej uwagi mediów w Meksyku w kolejnych latach, z artykułami odnoszącymi się do pary jako po prostu "Diego i Frida".

Wkrótce po ślubie, pod koniec 1929 roku, Kahlo i Rivera przenieśli się do Cuernavaca w wiejskim stanie Morelos, gdzie Rivera otrzymał zlecenie namalowania murali do Pałacu Cortés. Mniej więcej w tym samym czasie zrezygnowała z członkostwa w PCM na rzecz Rivera, który został wyrzucony krótko przed ślubem za wspieranie lewicowego ruchu opozycyjnego w ramach III Międzynarodówki.

Podczas wojny domowej w Morelos toczyły się jedne z najcięższych walk, a życie w hiszpańskim mieście Cuernavaca wyostrzyło w Kahlo poczucie meksykańskiej tożsamości i historii. Podobnie jak wiele innych meksykańskich artystek i intelektualistek w tamtym czasie, Kahlo zaczęła nosić tradycyjną odzież rdzennych meksykańskich chłopów, aby podkreślić swoje pochodzenie Metysów: długie i kolorowe spódnice, huipils i rebozos, wyszukane nakrycia głowy i masę biżuterii. Szczególnie upodobała sobie stroje kobiet z rzekomo matriarchalnego społeczeństwa Przesmyku Tehuantepec, które w porewolucyjnym Meksyku zaczęły reprezentować "autentyczne i rdzenne meksykańskie dziedzictwo kulturowe". Strój Tehuany pozwolił Kahlo wyrazić swoje feministyczne i antykolonialne ideały.

1931-1933: Podróże po Stanach Zjednoczonych

Po tym jak Rivera ukończył zlecenie w Cuernavaca pod koniec 1930 roku, przeniósł się wraz z Kahlo do San Francisco, gdzie namalował murale dla Luncheon Club of the San Francisco Stock Exchange i California School of Fine Arts. Podczas pobytu w mieście para była "fetowana, lwiona, rozpieszczana" przez wpływowych kolekcjonerów i klientów. Najprawdopodobniej w tym czasie rozpoczął się jej długi romans z węgiersko-amerykańskim fotografem Nickolasem Murayem.

Kahlo i Rivera wrócili do Meksyku na lato 1931 roku, a jesienią udali się do Nowego Jorku na otwarcie retrospektywy Rivery w Museum of Modern Art (MoMA). W kwietniu 1932 roku udali się do Detroit, gdzie Rivera otrzymał zlecenie namalowania murali dla Detroit Institute of Arts. W tym czasie Kahlo stała się już odważniejsza w kontaktach z prasą, imponując dziennikarzom płynną znajomością języka angielskiego i stwierdzając po przyjeździe do miasta, że to ona jest większą artystką z nich dwojga.

"Oczywiście, że robi dobrze jak na małego chłopca, ale to ja jestem wielkim artystą"

Rok spędzony w Detroit był dla Kahlo trudnym okresem. Mimo że z przyjemnością odwiedziła San Francisco i Nowy Jork, nie podobały jej się aspekty amerykańskiego społeczeństwa, które uważała za kolonialne, jak również większość Amerykanów, których uważała za "nudnych". Nie podobała jej się konieczność utrzymywania kontaktów towarzyskich z kapitalistami, takimi jak Henry i Edsel Ford, i denerwowało ją, że wiele hoteli w Detroit odmawiało przyjęcia żydowskich gości. W liście do przyjaciela napisała, że "chociaż jestem bardzo zainteresowana całym rozwojem przemysłowym i mechanicznym Stanów Zjednoczonych", czuła "trochę wściekłości przeciwko wszystkim bogatym facetom tutaj, ponieważ widziałam tysiące ludzi w najstraszniejszej nędzy, bez niczego do jedzenia i bez miejsca do spania, to jest to, co zrobiło na mnie największe wrażenie tutaj, to jest przerażające widzieć bogatych mających przyjęcia dzień i noc, podczas gdy tysiące i tysiące ludzi umierają z głodu." Czas pobytu Kahlo w Detroit był również skomplikowany z powodu ciąży. Jej lekarz zgodził się na przeprowadzenie aborcji, ale zastosowany lek okazał się nieskuteczny. Kahlo miała głębokie ambiwalencje co do posiadania dziecka i już wcześniej poddała się aborcji w swoim małżeństwie z Riverą. Po nieudanej aborcji niechętnie zgodziła się na kontynuowanie ciąży, ale w lipcu poroniła, co spowodowało poważny krwotok, w wyniku którego musiała być hospitalizowana przez dwa tygodnie. Niecałe trzy miesiące później jej matka zmarła w Meksyku na skutek powikłań po operacji.

Kahlo i Rivera wrócili do Nowego Jorku w marcu 1933 roku, gdyż otrzymał on zlecenie namalowania muralu dla Rockefeller Center. W tym czasie pracowała tylko nad jednym obrazem, My Dress Hangs There (1934). Udzielała też kolejnych wywiadów dla amerykańskiej prasy. W maju Rivera został zwolniony z projektu Rockefeller Center i zamiast tego został zatrudniony do namalowania muralu dla New Workers School. Choć Rivera chciał kontynuować ich pobyt w Stanach Zjednoczonych, Kahlo tęskniła za domem i wkrótce po odsłonięciu muralu w grudniu 1933 roku wrócili do Meksyku.

1934-1949: La Casa Azul i podupadające zdrowie

W Mexico City Kahlo i Rivera wprowadzili się do nowego domu w bogatej dzielnicy San Ángel. Zamówiony u ucznia Le Corbusiera, Juana O'Gormana, składał się z dwóch części połączonych mostem; część Kahlo została pomalowana na niebiesko, a część Rivery na różowo i biało. Rezydencja bohemy stała się ważnym miejscem spotkań artystów i działaczy politycznych z Meksyku i zagranicy.

Kahlo znów miała problemy zdrowotne - przeszła appendectomię, dwie aborcje i amputację zgorzelinowego palca u nogi - a jej małżeństwo z Riverą stało się napięte. Rivera nie był zadowolony z powrotu do Meksyku i obwiniał Kahlo za ich powrót. Podczas gdy wcześniej był jej niewierny, teraz rozpoczął romans z jej młodszą siostrą Cristiną, co głęboko zraniło uczucia Kahlo. Po odkryciu tego romansu na początku 1935 roku, przeniosła się do mieszkania w centrum Mexico City i rozważała rozwód. Miała również romans z amerykańskim artystą Isamu Noguchi.

Kahlo pogodziła się z Riverą i Cristiną później w 1935 roku i przeniosła się z powrotem do San Ángel. Została kochającą ciotką dla dzieci Cristiny, Isoldy i Antonia. Pomimo pojednania, zarówno Rivera jak i Kahlo kontynuowali swoje niewierności. W 1936 roku wznowiła również działalność polityczną, wstępując do Czwartej Międzynarodówki i stając się członkiem-założycielem komitetu solidarnościowego, którego celem była pomoc republikanom w hiszpańskiej wojnie domowej. Ona i Rivera z powodzeniem złożyli petycję do rządu meksykańskiego o udzielenie azylu byłemu przywódcy radzieckiemu Leonowi Trockiemu i zaoferowali La Casa Azul dla niego i jego żony Natalii Sedowej jako miejsce zamieszkania. Para mieszkała tam od stycznia 1937 do kwietnia 1939, a Kahlo i Trocki nie tylko stali się dobrymi przyjaciółmi, ale także mieli krótki romans.

Po otwarciu wystawy w Paryżu, Kahlo popłynęła z powrotem do Nowego Jorku. Chciała połączyć się z Murayem, ale ten postanowił zakończyć ich romans, gdyż poznał inną kobietę, z którą zamierzał się ożenić. Kahlo wróciła do Mexico City, gdzie Rivera zażądał od niej rozwodu. Dokładne powody jego decyzji nie są znane, ale publicznie stwierdził, że była to jedynie "kwestia wygody prawnej w stylu współczesnych czasów ... nie ma żadnych sentymentalnych, artystycznych czy ekonomicznych powodów". Według ich przyjaciół rozwód był spowodowany głównie ich wzajemnymi niewiernościami. On i Kahlo otrzymali rozwód w listopadzie 1939 roku, ale pozostali w przyjaźni; ona nadal zarządzała jego finansami i korespondencją.

Po rozstaniu z Riverą Kahlo zamieszkała ponownie w La Casa Azul i zdecydowana zarabiać na własne utrzymanie, rozpoczęła kolejny owocny okres twórczości, zainspirowana doświadczeniami z zagranicy. Zachęcona zdobytym uznaniem, odeszła od małych i bardziej intymnych arkuszy blachy, których używała od 1932 roku, na rzecz dużych płócien, ponieważ łatwiej było je wystawiać. Przyjęła też bardziej wyrafinowaną technikę, ograniczyła szczegóły graficzne, zaczęła produkować więcej portretów ćwierćdługich, które łatwiej było sprzedać. W tym okresie powstało kilka jej najsłynniejszych prac, takich jak Dwie Fridy (1939), Autoportret z obciętymi włosami (1940), Zraniony stół (1940), Autoportret z naszyjnikiem z kolcami i kolibrem (1940). W 1940 roku jej prace prezentowane były na trzech wystawach: czwartej Międzynarodowej Wystawie Surrealistów w Mexico City, Międzynarodowej Wystawie Golden Gate w San Francisco oraz Twenty Centuries of Mexican Art w MoMA w Nowym Jorku.

21 sierpnia 1940 roku Trocki został zamordowany w Coyoacán, gdzie nadal mieszkał po opuszczeniu La Casa Azul. Kahlo była krótko podejrzewana o udział w tym zdarzeniu, ponieważ znała mordercę, została aresztowana i przetrzymywana przez dwa dni wraz ze swoją siostrą Cristiną. W następnym miesiącu Kahlo udała się do San Francisco na leczenie bólu pleców i infekcji grzybiczej na dłoni. Jej ciągle wątłe zdrowie pogarszało się coraz bardziej od czasu rozwodu i było pogarszane przez duże spożycie alkoholu.

Rivera był również w San Francisco po tym, jak uciekł z Mexico City po zabójstwie Trockiego i przyjął zlecenie. Chociaż Kahlo miała związek z handlarzem dzieł sztuki Heinzem Berggruenem podczas jej pobytu w San Francisco, pobrali się ponownie w prostej cywilnej ceremonii 8 grudnia 1940 roku. Kahlo i Rivera wrócili do Meksyku wkrótce po ślubie. Związek był mniej burzliwy niż wcześniej przez pierwsze pięć lat. i podczas gdy La Casa Azul była ich głównym miejscem zamieszkania, Rivera zachował dom San Ángel do użytku jako swoje studio i drugie mieszkanie. Oboje kontynuowali pozamałżeńskie romanse; Kahlo, będąc biseksualną, miała romanse zarówno z mężczyznami, jak i kobietami, z dowodami sugerującymi, że jej męscy kochankowie byli ważniejsi dla Kahlo niż jej kobiece kochanki.

Pomimo leczenia, które otrzymała w San Francisco, problemy zdrowotne Kahlo trwały przez całe lata 40. Ze względu na problemy z kręgosłupem, w latach 1940-1954 nosiła dwadzieścia osiem oddzielnych gorsetów podtrzymujących, od stalowych i skórzanych po gipsowe. Odczuwała bóle w nogach, infekcja na jej ręce stała się chroniczna, leczyła się też na syfilis. Śmierć ojca w kwietniu 1941 roku pogrążyła ją w depresji. Zły stan zdrowia sprawił, że coraz bardziej ograniczała się do La Casa Azul, która stała się centrum jej świata. Z przyjemnością zajmowała się domem i ogrodem, a towarzystwa dotrzymywali jej przyjaciele, służba i różne zwierzęta domowe, w tym małpy pająki, Xoloitzcuintlis i papugi.

Podczas gdy Kahlo zdobywała uznanie w ojczyźnie, jej zdrowie wciąż się pogarszało. W połowie lat 40. stan jej pleców pogorszył się do tego stopnia, że nie mogła już dłużej siedzieć ani stać. W czerwcu 1945 r. udała się do Nowego Jorku na operację, podczas której przeszczepiono jej kość i stalowy wspornik, aby wyprostować kręgosłup. Trudna operacja zakończyła się niepowodzeniem. Według Herrery, Kahlo sabotowała również swój powrót do zdrowia, nie odpoczywając tak jak trzeba i raz fizycznie otwierając ponownie swoje rany w przypływie złości. Jej obrazy z tego okresu, takie jak "Złamana kolumna" (1944), "Bez nadziei" (1945), "Drzewo nadziei", "Stój szybko" (1946) i "Zraniony jeleń" (1946), odzwierciedlają jej słabnący stan zdrowia.

1950-1954: Ostatnie lata i śmierć

W 1950 roku Kahlo spędziła większą część roku w Szpitalu ABC w Mexico City, gdzie przeszła operację przeszczepu nowej kości na kręgosłupie. Spowodowało to trudne zakażenie i wymagało kilku kolejnych operacji. Po wypisaniu z szpitala, była głównie zamknięta w La Casa Azul, używając wózka inwalidzkiego i kul, aby móc się poruszać. W tych ostatnich latach życia Kahlo poświęciła się sprawom politycznym w takim stopniu, w jakim pozwalało jej na to zdrowie. W 1948 roku ponownie wstąpiła do Meksykańskiej Partii Komunistycznej i prowadziła kampanię na rzecz pokoju, na przykład zbierając podpisy pod Apelem Sztokholmskim.

W sierpniu 1953 roku Kahlo amputowano prawą nogę w kolanie z powodu gangreny. Popadła w ciężką depresję i niepokój, a jej uzależnienie od środków przeciwbólowych nasiliło się. Kiedy Rivera rozpoczął kolejny romans, próbowała popełnić samobójstwo przez przedawkowanie. W lutym 1954 roku napisała w swoim dzienniku: "Amputowali mi nogę sześć miesięcy temu, zafundowali mi wieki tortur i w niektórych momentach prawie straciłam rozum. Ciągle mam ochotę się zabić. Diego jest tym, co mnie od tego powstrzymuje, przez moją próżną myśl, że on by za mną tęsknił .... Ale nigdy w życiu nie cierpiałam bardziej. Poczekam chwilę..."

W ostatnich dniach Kahlo była głównie przykuta do łóżka z zapaleniem oskrzeli, chociaż pojawiła się publicznie 2 lipca 1954 roku, uczestnicząc wraz z Riverą w demonstracji przeciwko inwazji CIA na Gwatemalę. Wydawała się przewidywać swoją śmierć, ponieważ mówiła o niej odwiedzającym i rysowała szkielety i anioły w swoim dzienniku. Ostatnim rysunkiem był czarny anioł, którego biograf Hayden Herrera interpretuje jako Anioła Śmierci. Towarzyszyły mu ostatnie napisane przez nią słowa: "Radośnie oczekuję wyjścia - i mam nadzieję, że nigdy nie wrócę - Frida" ("Espero Alegre la Salida - y Espero no Volver jamás").

Demonstracja pogorszyła jej chorobę, a w nocy 12 lipca 1954 r. Kahlo miała wysoką gorączkę i odczuwała ogromny ból. Około godziny 6 rano 13 lipca 1954 roku, jej pielęgniarka znalazła ją martwą w swoim łóżku. Kahlo miała 47 lat. Oficjalną przyczyną śmierci był zator płucny, choć nie przeprowadzono autopsji. Herrera przekonywał, że Kahlo w rzeczywistości popełniła samobójstwo. Pielęgniarka, która liczyła środki przeciwbólowe Kahlo, aby monitorować jej zażywanie leków, stwierdziła, że Kahlo przedawkowała w noc śmierci. Przepisano jej maksymalną dawkę siedmiu tabletek, ale wzięła jedenaście. Tego wieczoru, z ponad miesięcznym wyprzedzeniem, dała Riverze prezent z okazji rocznicy ślubu.

Wieczorem 13 lipca ciało Kahlo zostało przewiezione do Palacio de Bellas Artes, gdzie leżało w stanie spoczynku pod komunistyczną flagą. Następnego dnia przewieziono je do Panteón Civil de Dolores, gdzie przyjaciele i rodzina uczestniczyli w nieformalnej ceremonii pogrzebowej. Na zewnątrz stały setki wielbicieli. Zgodnie z jej życzeniem, Kahlo została skremowana. Rivera, który stwierdził, że jej śmierć była "najtragiczniejszym dniem mojego życia", zmarł trzy lata później, w 1957 roku. Prochy Kahlo są wystawione w prekolumbijskiej urnie w La Casa Azul, która została otwarta jako muzeum w 1958 roku.

Tate Modern uważa Kahlo za "jedną z najbardziej znaczących artystek XX wieku", natomiast według historyka sztuki Elizabeth Bakewell jest ona "jedną z najważniejszych postaci Meksyku XX wieku". Reputacja Kahlo jako artystki rozwinęła się późno w jej życiu i wzrosła jeszcze bardziej pośmiertnie, ponieważ za życia była znana przede wszystkim jako żona Diego Rivery i jako ekscentryczna osobowość wśród międzynarodowej elity kulturalnej. Stopniowo zyskała większe uznanie pod koniec lat 70. XX wieku, kiedy badacze feministyczni zaczęli kwestionować wykluczenie kobiet i artystów niezachodnich z kanonu historii sztuki, a Ruch Chicano podniósł ją do rangi jednej ze swoich ikon. Dwie pierwsze książki o Kahlo zostały wydane w Meksyku przez Teresę del Conde i Raquel Tibol, odpowiednio w 1976 i 1977 roku, a w 1977 roku The Tree of Hope Stands Firm (1944) stał się pierwszym obrazem Kahlo sprzedanym na aukcji, osiągając cenę 19 000 dolarów w Sotheby's. Po tych przełomowych wydarzeniach w 1978 roku odbyły się dwie pierwsze retrospektywy twórczości Kahlo: w Palacio de Bellas Artes w Mexico City i w Museum of Contemporary Art w Chicago.

Dwa wydarzenia przyczyniły się do zwiększenia zainteresowania jej życiem i sztuką wśród szerokiej publiczności poza Meksykiem. Pierwszym z nich była wspólna retrospektywa jej obrazów i fotografii Tiny Modotti w Whitechapel Gallery w Londynie, której kuratorami i organizatorami byli Peter Wollen i Laura Mulvey. Została otwarta w maju 1982 roku, a następnie podróżowała do Szwecji, Niemiec, Stanów Zjednoczonych i Meksyku. Drugim wydarzeniem było opublikowanie przez historyka sztuki Haydena Herrerę międzynarodowego bestsellera Frida: A Biography of Frida Kahlo w 1983 roku.

Do 1984 roku reputacja Kahlo jako artystki wzrosła do tego stopnia, że Meksyk uznał jej dzieła za część narodowego dziedzictwa kulturowego, zakazując ich wywozu z kraju. W rezultacie jej obrazy rzadko pojawiają się na międzynarodowych aukcjach, a obszerne retrospektywy są rzadkością. Mimo to, jej obrazy biły rekordy popularności w sztuce latynoamerykańskiej w latach 90. i 2000. W 1990 roku została pierwszym artystą latynoamerykańskim, który przekroczył próg miliona dolarów, kiedy to obraz Diego i ja został sprzedany na aukcji Sotheby's za 1 430 000 dolarów. W 2006 roku Roots (1943) osiągnęło 5,6 mln dolarów, a w 2016 roku Two Lovers in a Forest (1939) sprzedało się za 8 mln dolarów.

Kahlo wzbudziła powszechne zainteresowanie do tego stopnia, że dla opisania zjawiska ukuto termin "Fridamania". Uważa się ją za "jedną z najbardziej natychmiastowo rozpoznawalnych artystek", której twarz była "wykorzystywana z taką samą regularnością, a często także ze wspólną symboliką, jak wizerunki Che Guevary czy Boba Marleya". Jej życie i sztuka stały się inspiracją dla wielu produktów, a jej charakterystyczny wygląd został zawłaszczony przez świat mody. W 2002 roku powstał hollywoodzki film biograficzny "Frida" Julie Taymor. Na podstawie biografii Herrery i z udziałem Salmy Hayek (która była współproducentem filmu) jako Kahlo, zarobił 56 milionów dolarów brutto na całym świecie i zdobył sześć nominacji do Oscara, wygrywając za najlepszą charakteryzację i najlepszą muzykę oryginalną. Animacja Disney-Pixar z 2017 roku Coco również zawiera Kahlo w roli drugoplanowej, głosem Natalii Cordova-Buckley.

Popularność Kahlo wynika przede wszystkim z fascynacji historią jej życia, zwłaszcza jej bolesnymi i tragicznymi aspektami. Stała się ikoną dla kilku grup mniejszościowych i ruchów politycznych, takich jak feministki, społeczność LGBTQ i Chicanos. Oriana Baddeley napisała, że Kahlo stała się wyznacznikiem nonkonformizmu i "archetypem mniejszości kulturowej", która jest uważana jednocześnie za "ofiarę, okaleczoną i wykorzystywaną" oraz za "ocalałą, która walczy z samym sobą". Edward Sullivan stwierdził, że Kahlo jest przez tak wielu okrzyknięta bohaterką, ponieważ jest "kimś, kto uprawomocnia ich własną walkę o znalezienie własnego głosu i własnych publicznych osobowości". Według Johna Bergera, popularność Kahlo wynika częściowo z faktu, że "dzielenie się bólem jest jednym z istotnych warunków wstępnych dla odnalezienia godności i nadziei" w społeczeństwie XXI wieku. Kirk Varnedoe, były główny kurator MoMA, stwierdził, że pośmiertny sukces Kahlo związany jest ze sposobem, w jaki "łączy się ona z dzisiejszą wrażliwością - jej psycho-obsesyjna troska o siebie, tworzenie osobistego, alternatywnego świata niesie ze sobą napięcie. Jej ciągłe przerabianie własnej tożsamości, budowanie teatru jaźni to dokładnie to, co zajmuje takich współczesnych artystów jak Cindy Sherman czy Kiki Smith, a na bardziej popularnym poziomie - Madonnę... Dobrze wpisuje się w dziwną, androgyniczną chemię hormonalną naszej konkretnej epoki."

Pośmiertna popularność Kahlo i komercjalizacja jej wizerunku przyciągnęły krytykę wielu badaczy i komentatorów kultury, którzy uważają, że nie tylko zmitologizowano wiele aspektów jej życia, ale także dramatyczne aspekty jej biografii przyćmiły jej sztukę, tworząc uproszczoną lekturę jej dzieł, w której sprowadzają się one do dosłownych opisów wydarzeń z jej życia. Według dziennikarki Stephanie Mencimer, Kahlo "została przyjęta jako dziecko z plakatu dla każdej możliwej politycznie poprawnej sprawy" i

niczym gra w telefon, im więcej historii Kahlo zostało opowiedzianych, tym bardziej została ona zniekształcona, pomijając niewygodne szczegóły, które pokazują, że była ona o wiele bardziej złożoną i ułomną postacią, niż sugerują to filmy i książki kucharskie. To wywyższanie artysty ponad sztukę zmniejsza publiczne zrozumienie miejsca Kahlo w historii i przysłania głębsze i bardziej niepokojące prawdy zawarte w jej pracach. Jeszcze bardziej niepokojące jest to, że poprzez zohydzenie jej biografii promotorzy Kahlo przygotowali ją na nieuchronny upadek, tak typowy dla kobiet-artystek, na czas, kiedy kontrargumenty zbiorą się razem i będą czerpać sport z obalania jej napompowanego wizerunku, a wraz z nim jej sztuki."

Baddeley porównał zainteresowanie życiem Kahlo do zainteresowania niespokojnym życiem Vincenta van Gogha, ale stwierdził również, że zasadnicza różnica między nimi polega na tym, że większość ludzi kojarzy Van Gogha z jego obrazami, podczas gdy Kahlo jest zwykle utożsamiana z wizerunkiem samej siebie - co stanowi intrygujący komentarz na temat sposobu postrzegania artystów płci męskiej i żeńskiej. Podobnie Peter Wollen porównał kultowość Kahlo do Sylvii Plath, której "niezwykle złożona i pełna sprzeczności sztuka" została przyćmiona przez uproszczone skupienie się na jej życiu.

Upamiętnienia i charakterystyki

Dziedzictwo Kahlo zostało upamiętnione na kilka sposobów. La Casa Azul, jej dom w Coyoacán, został otwarty jako muzeum w 1958 roku i stał się jednym z najbardziej popularnych muzeów w Mexico City, z około 25.000 odwiedzających miesięcznie. Miasto poświęciło jej park, Parque Frida Kahlo, w Coyoacán w 1985 roku. W parku znajduje się brązowy posąg Kahlo. W Stanach Zjednoczonych, w 2001 roku została pierwszą Latynoską uhonorowaną znaczkiem pocztowym, a w 2012 roku została włączona do Legacy Walk, plenerowej wystawy publicznej w Chicago, która celebruje historię i osoby LGBT.

Kahlo doczekała się kilku upamiętnień w setną rocznicę swoich urodzin w 2007 roku, a także kilku w setną rocznicę urodzin, którą poświadczyła, czyli w 2010 roku. Obejmowały one wydanie przez Bank Meksyku nowego banknotu MXN$ 500-peso, na którym widnieje obraz Kahlo zatytułowany Miłosne objęcie wszechświata, ziemi, (Meksyk), ja, Diego, i pan Xólotl (1949) na rewersie banknotu i Diego Rivera na froncie. Największa retrospektywa jej prac w Palacio de Bellas Artes w Mexico City przyciągnęła około 75 000 zwiedzających.

Oprócz innych hołdów, życie i sztuka Kahlo inspirowały artystów w różnych dziedzinach. W 1984 roku Paul Leduc wydał biopic zatytułowany Frida, naturaleza viva, w którym w roli Kahlo wystąpiła Ofelia Medina. Jest ona bohaterką trzech powieści fabularnych, Frida Barbary Mujicy (2001), Łóżko Fridy Slavenki Drakulic (2008) i Lacuna Barbary Kingsolver (2009). W 1994 roku amerykański flecista jazzowy i kompozytor James Newton wydał album zatytułowany Suite for Frida Kahlo. Szkocka piosenkarka

Kahlo była również przedmiotem kilku występów scenicznych. Annabelle Lopez Ochoa stworzyła choreografię jednoaktowego baletu zatytułowanego Broken Wings dla Angielskiego Baletu Narodowego, który zadebiutował w 2016 roku, Tamara Rojo wywodziła się z Kahlo w balecie. Holenderski Balet Narodowy następnie zlecił Lopez Ochoa stworzenie pełnometrażowej wersji baletu, Frida, która miała premierę w 2020 roku, z Maią Makhateli jako Kahlo. Zainspirowała również dwie opery, Frida Roberta Xaviera Rodrigueza, która miała premierę na American Music Theater Festival w Filadelfii w 1991 roku, oraz Frida y Diego Kaleviego Aho, która miała premierę w Helsińskim Centrum Muzyki w Helsinkach, w Finlandii w 2014 roku. Była główną bohaterką kilku sztuk, w tym Goodbye, My Friduchita Dolores C. Sendler (1999), La Casa Azul Roberta Lepage'a i Sophie Faucher (2002), Frida Kahlo Humberto Roblesa: Viva la vida! (2009), oraz Drzewo nadziei Rity Ortez Provost (2014). W 2018 roku Mattel odsłonił siedemnaście nowych lalek Barbie z okazji Międzynarodowego Dnia Kobiet, w tym jedną z Kahlo. Krytycy sprzeciwili się szczupłej talii lalki i zauważalnie brakującej unibrwi.

W 2014 roku Kahlo była jedną z inauguracyjnych uhonorowanych w Rainbow Honor Walk, spacerze sławy w dzielnicy Castro w San Francisco odnotowującym osoby LGBTQ, które "wniosły znaczący wkład w swoje dziedziny".

W 2018 roku Rada Nadzorcza San Francisco jednogłośnie przegłosowała zmianę nazwy Phelan Avenue na Frida Kahlo Way. Przy Frida Kahlo Way znajduje się City College of San Francisco oraz Archbishop Riordan High School.

W 2019 roku Frida znalazła się na muralu namalowanym przez Rafaela Blanco w centrum Reno w Nevadzie.

W 2019 r. spalono na popiół "Fantasmones Siniestros" ("Sinister Ghosts") Fridy, nagłaśniając Ethereum NFT.

W 2022 roku, w ramach współpracy z Centre Pompidou, Swatch wypuścił zegarek oparty na The Frame.

Notatki informacyjne

Cytaty

Bibliografia

Źródła

1. Frida Kahlo
2. Frida Kahlo
3. ^ Kahlo was given her first two names so that she could be baptized according to Catholic traditions, but was always called Frida. She preferred to spell her name "Frieda" until the late 1930s, when she dropped the 'e' as she did not wish to be associated with Germany during Hitler's rule.[133]
4. ^ Given Kahlo's later problems with scoliosis and with her hips and limbs, neurologist Budrys Valmantas has argued that she had a congenital condition, spina bifida, which was diagnosed by Dr. Leo Eloesser when she was a young adult.[150] Psychologist and art historian Dr. Salomon Grimberg disagrees, stating that Kahlo's problems were instead the result of not wearing an orthopedic shoe on her affected right leg, which led to damage to her hips and spine.[151]
5. Barragán, Almudena (13 de julio de 2017). «La muerte de Frida Kahlo, el nacimiento de un icono pop». El País. Consultado el 22 de mayo de 2021.
6. Damian Gajda. Frida Kahlo: cierpienia gołębicy // Onet.pl
7. Bakewell, L. (1993). Frontiers: A Journal of Women Studies: Frida Kahlo: A Contemporary Feminist Reading, University of Nebraska Press, pp. 173-180. Dostęp: https://www.jstor.org/stable/pdf/3346753.pdf
8. Buigues, I. B. (2012). Dossiers Feministes 16: Metáforas extremas frente al dolor y desde el feminismo, Universitat de València, pp.12-14. Dostęp: https://dialnet.unirioja.es/servlet/articulo?codigo=4235281
9. a b c et d Paris Match, « La souffrance et la rage - Frida Kahlo, la revanche », sur parismatch.com (consulté le 9 juin 2021)