Σύνοψη

Ο Πάμπλο Ρουίζ Πικάσο († 8 Απριλίου 1973 στη Μουζέν, Γαλλία, πλήρες όνομα Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso) ήταν Ισπανός ζωγράφος, γραφίστας και γλύπτης.Το εκτεταμένο έργο του περιλαμβάνει πίνακες, σχέδια, χαρακτικά, κολάζ, γλυπτά και κεραμικά, ο συνολικός αριθμός των οποίων υπολογίζεται σε 50.000. Χαρακτηρίζεται από μια μεγάλη ποικιλία καλλιτεχνικών εκφράσεων και τεχνικών.Τα έργα της Μπλε και Ροζ Περιόδου του και η ίδρυση του κυβισμού μαζί με τον Georges Braque αποτελούν την αρχή της εξαιρετικής καλλιτεχνικής του σταδιοδρομίας.

Ένα από τα πιο διάσημα έργα του Πικάσο είναι ο πίνακας Les Demoiselles d'Avignon (1907). Έγινε βασικός πίνακας του κλασικού μοντερνισμού. Με εξαίρεση τον μνημειώδη πίνακα Guernica (1937), μια καλλιτεχνική μεταφορά της φρίκης του ισπανικού εμφυλίου πολέμου, κανένα άλλο έργο τέχνης του 20ού αιώνα δεν έχει προκαλέσει την έρευνα τόσο πολύ όσο το Les Demoiselles. Το μοτίβο του περιστεριού στην αφίσα που σχεδίασε για το Παγκόσμιο Συνέδριο Ειρήνης στο Παρίσι το 1949 έγινε σύμβολο ειρήνης παγκοσμίως.

Εκτεταμένες συλλογές του Πικάσο εκτίθενται σε μουσεία στο Παρίσι, τη Βαρκελώνη και τη Μαδρίτη. Έχει σημαντική εκπροσώπηση με έργα του σε πολλά από τα μεγαλύτερα μουσεία τέχνης του κόσμου που εκθέτουν τέχνη του 20ού αιώνα. Το Μουσείο Πικάσο στη Βαρκελώνη και το Μουσείο Πικάσο στην Αντίμπ ιδρύθηκαν κατά τη διάρκεια της ζωής του.

Παιδική ηλικία και εκπαίδευση (1881-1900)

Ο Pablo Ruiz Picasso ήταν το πρώτο παιδί του José Ruiz Blasco (1838-1913) και της María Picasso y López (1855-1938). Ακολουθώντας το παραδοσιακό σύστημα ονοματοδοσίας στη Μάλαγα, κατά τη γέννησή του το 1881 του δόθηκαν διάφορα μικρά ονόματα: Pablo, Diego, José, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, María de los Remedios, Crispiniano de la Santísima Trinidad, εκ των οποίων μόνο ο Pablo (σεβασμός στον μεγαλύτερο αδελφό του Blasco που πέθανε λίγο πριν από την αρχική ημερομηνία του γάμου) έγινε κοινός.

Ο πατέρας του ήταν ανεξάρτητος ζωγράφος και δάσκαλος στο "Escuela de San Telmo", μια σχολή τεχνών και χειροτεχνίας στην παράδοση της ακαδημαϊκής ζωγραφικής του 19ου αιώνα, καθώς και επιμελητής ενός μικρού μουσείου. Η αδελφή του Dolores (Lola) γεννήθηκε το 1884 και η αδελφή του Concepción (Conchita) το 1887.

Ο Πικάσο περιέγραψε τις καλλιτεχνικές ικανότητες του πατέρα του: "Ο πατέρας μου ζωγράφιζε πίνακες για τις τραπεζαρίες- πέρδικες ή περιστέρια, περιστέρια και κουνέλια: Είχαν γούνα και φτερά, ενώ τα πουλιά και τα λουλούδια ήταν η ειδικότητά του. Ειδικά τα περιστέρια και οι πασχαλιές". Ξεκίνησε να ζωγραφίζει σε ηλικία επτά ετών υπό την καθοδήγηση του πατέρα του. Το 1890 ολοκλήρωσε την ελαιογραφία Picador, που είχε ξεκινήσει το 1889, η οποία απεικονίζει έναν ταυρομάχο στην αρένα και θεωρείται η πρώτη γνωστή ελαιογραφία του.

Το 1891, η οικογένεια μετακόμισε στην Α Κορούνια της Γαλικίας, όπου ο πατέρας του Πικάσο είχε δεχτεί μια θέση ως καθηγητής τέχνης στο "Instituto da Guarda". Ο Πικάσο έγινε δεκτός στη σχολή καλών τεχνών εκεί σε ηλικία δέκα ετών. Από το 1894 άρχισε να τηρεί ημερολόγια, τα οποία ονόμασε La Coruña και Azul y Blanco ("Μπλε και Λευκό") και τα εικονογράφησε με πορτρέτα και γελοιογραφίες. Την ίδια χρονιά άρχισε να υπογράφει τα έργα του με το όνομα "P. Ruiz".

Μετά το θάνατο της αδελφής του Conchita, η οποία πέθανε από διφθερίτιδα τον Ιανουάριο του 1895, η οικογένεια μετακόμισε στη Βαρκελώνη, όπου ο Πικάσο πέρασε εύκολα τις εισαγωγικές εξετάσεις για την ακαδημία τέχνης "La Llotja" σε μία μόνο ημέρα σε ηλικία 14 ετών - ο πατέρας του είχε προσφερθεί να εργαστεί εκεί ως καθηγητής - έτσι ώστε να του επιτραπεί να παραλείψει τα δύο πρώτα μαθήματα. Ένα χρόνο αργότερα, ο πατέρας του δημιούργησε το πρώτο του στούντιο κοντά στο διαμέρισμα των γονιών του, το οποίο ο Πικάσο χρησιμοποιούσε μαζί με τον φίλο του Manuel Pallarès, έναν Καταλανό ζωγράφο.

Το 1897 ο Πικάσο σπούδασε για μικρό χρονικό διάστημα στη διάσημη Βασιλική Ακαδημία του Σαν Φερνάντο στην πρωτεύουσα Μαδρίτη, αλλά έφυγε και πάλι επειδή δεν του άρεσαν οι μέθοδοι διδασκαλίας εκεί. Στην αυτοπροσωπογραφία του 1897

Μετά από μια κρίση οστρακιάς, η οποία τον ανάγκασε να αναρρώσει στην Horta de Sant Joan (Καταλονία), επέστρεψε στη Βαρκελώνη το 1898. Εδώ σύχναζε με τους πρωτοποριακούς καλλιτεχνικούς κύκλους του καταλανικού μοντερνισμού, μεταξύ των οποίων οι Ramon Casas, Carlos Casagemas, Isidre Nonell, Ramon Pichot i Gironès και Santiago Rusiñol, οι οποίοι συναντήθηκαν στο καφενείο και καλλιτεχνικό κέντρο Els Quatre Gats.

Από τον Ιούνιο του 1898 πέρασε οκτώ μήνες με τον φίλο του ζωγράφο Manuel Pallarès (1876-1974) στη γενέτειρά του, την Horta de Sant Joan. Το 1899 γνώρισε τον ποιητή Jaime Sabartés, ο οποίος έμελλε να γίνει στενός του φίλος και το 1935 γραμματέας του.

Τον Φεβρουάριο του 1900, η πρώτη ατομική έκθεση του Πικάσο παρουσιάστηκε στο "Els Quatre Gats", αλλά, με κριτικές, είχε μόνο μέτρια επιτυχία στις πωλήσεις. Την ίδια χρονιά, με την ευκαιρία της Παγκόσμιας Έκθεσης, ο Πικάσο έκανε το πρώτο του ταξίδι στην καλλιτεχνική μητρόπολη του Παρισιού μαζί με τον φίλο του Κασαγκέμας, όπου εντυπωσιάστηκε από τα ιμπρεσιονιστικά έργα των Paul Cézanne, Edgar Degas και Pierre Bonnard. Τον Οκτώβριο μοιράστηκε προσωρινά ένα στούντιο με τον Casagemas στη Μονμάρτη, στην οδό Gabrielle 49, το οποίο είχε εγκαταλείψει ο Nonell. Εκείνη την εποχή γνώρισε τα έργα του Henri de Toulouse-Lautrec, τα οποία τον ενέπνευσαν να ζωγραφίσει πολύχρωμες απεικονίσεις της μητροπολιτικής ζωής.

Παρίσι - Μαδρίτη - Βαρκελώνη - Παρίσι (1901-1907)

Τον Ιανουάριο του 1901, ο Πικάσο επέστρεψε στη Μαδρίτη. Έλαβε μια είδηση που τον συγκλόνισε βαθιά: ο φίλος του Carlos Casagemas αυτοκτόνησε στο Παρίσι στις 17 Φεβρουαρίου από απογοητευμένο έρωτα για τη χορεύτρια Germaine Gargallo.

Ο Πικάσο δοκίμασε μια νέα καριέρα στη Μαδρίτη: από τον Μάρτιο του ίδιου έτους, κυκλοφόρησε το πρώτο από τα συνολικά πέντε τεύχη του περιοδικού τέχνης Arte Joven (Νεαρή Τέχνη), το οποίο επιμελήθηκε ο Καταλανός συγγραφέας Francisco de Assis Soler, στο οποίο ο Πικάσο συνεισέφερε εικονογραφήσεις ως συνεκδότης. Η υπογραφή του άλλαξε και πάλι, υπέγραφε μόνο "Picasso". Ωστόσο, το περιοδικό έπρεπε να σταματήσει μετά από σύντομο χρονικό διάστημα για οικονομικούς λόγους. Ο Πικάσο εγκατέλειψε τη Μαδρίτη μετά τη διακοπή της Arte Joven και επέστρεψε στη Βαρκελώνη. Δύο χρόνια αργότερα δημιούργησε ένα πορτρέτο του συγγραφέα.

Τον Μάιο, ο επίδοξος καλλιτέχνης επισκέφθηκε ξανά το Παρίσι. Ο πρώτος του έμπορος τέχνης Pere Mañach, με τον οποίο συγκατοικούσε, ο ιδιοκτήτης της γκαλερί Berthe Weill και κυρίως ο έμπορος τέχνης και εκδότης Ambroise Vollard κατέβαλαν προσπάθειες για να προσελκύσουν τον πολλά υποσχόμενο νεαρό καλλιτέχνη. Από τις 24 Ιουνίου 1901, ο Vollard παρουσίασε για πρώτη φορά έργα του Πικάσο σε έκθεση στο Παρίσι, στη γκαλερί του, 6 Rue Laffite, και έγινε προστάτης του κατά τη διάρκεια της μπλε και ροζ περιόδου του Πικάσο. Δεν ήταν τόσο θετικός για το κυβιστικό έργο που ακολούθησε. Το κυβιστικό πορτρέτο του Vollard που φιλοτέχνησε ο Πικάσο το 1910.

Ο Πικάσο αφιέρωσε τον πίνακα Evocation - Η ταφή του Casagemas στον φίλο του Casagemas το 1901. Θεωρείται ο πρώτος πίνακας της Γαλάζιας Περιόδου. Το πορτρέτο του Casagemas απεικονίζεται επίσης στην ανδρική μορφή του μελαγχολικού πίνακα του 1903, La Vie (Η ζωή). Τα έργα αυτής της περιόδου απέφεραν στον καλλιτέχνη μεγαλύτερη αποδοχή από τους γκαλερίστες και τους κριτικούς από ό,τι οι προηγούμενοι πίνακές του. Σε μια κριτική του, ένας φίλος του Γκογκέν, ο ποιητής Charles Morice, είδε την "άγονη θλίψη", αλλά παρόλα αυτά πιστοποίησε στον Πικάσο ένα "αληθινό ταλέντο".

Τον Οκτώβριο του 1902, ο Πικάσο επέστρεψε στο Παρίσι για τρίτη φορά, μένοντας αρχικά σε ξενοδοχεία και στη συνέχεια με τον ποιητή Μαξ Τζέικομπ, ο οποίος έπρεπε να εργαστεί ως βοηθός σε ένα κατάστημα μόδας. Το χειμώνα, οι φίλοι θέρμαιναν το δωμάτιο με τα σχέδια του Πικάσο επειδή δεν υπήρχαν χρήματα για υλικά θέρμανσης- για τον ίδιο λόγο, ο Πικάσο χρησιμοποιούσε φωτιστικό πετρέλαιο αντί για λάδι για τη ζωγραφική και έκανε οικονομία στα βιβλιοδετικά.

Το 1903 ο Πικάσο εργάστηκε πολύ παραγωγικά στη Βαρκελώνη, αλλά επέστρεψε στο Παρίσι, όπου έζησε στο Bateau-Lavoir από τον Απρίλιο του 1904 έως τον Οκτώβριο του 1909. Πρόκειται για ένα υποβαθμισμένο σπίτι με πολλά στούντιο καλλιτεχνών στη Μονμάρτη. Ο Ισπανός γλύπτης Paco Durrio, ο οποίος ήταν φίλος του Πικάσο, και ο ζωγράφος Kees van Dongen είχαν ήδη βρει στέγη εκεί. Αργότερα, ο Max Jacob και ο Juan Gris, μεταξύ άλλων, προστέθηκαν σε αυτούς.

Έγινε φίλος με τον ποιητή Guillaume Apollinaire και το 1904 γνώρισε την Fernande Olivier, η οποία έγινε σύντροφος και μούσα του από το 1905 έως το 1912. Η Fernande ήταν μια διαζευγμένη γυναίκα από την κατώτερη μεσαία τάξη που ενθουσιάστηκε με τους πίνακες των ιμπρεσιονιστών. Έγραψε για τη συνάντησή της με τον Πικάσο στα απομνημονεύματά της Picasso et ses amis, που εκδόθηκαν το 1933:

Απεικόνισε, μεταξύ άλλων, την Fernande Olivier στον ελαιογραφικό πίνακα La Toilette το 1906 ή στον χυτό σε μπρούντζο Tête de femme το 1909. Η διαμονή στο Bateau-Lavoir ήταν πενιχρή. Ο έμπορος έργων τέχνης του Πικάσο Kahnweiler θυμάται το παγωμένο κρύο και το ρεύμα στο στούντιο το χειμώνα και αναφέρει ότι το καλοκαίρι, "όταν έκανε πολλή ζέστη, ο Πικάσο δούλευε εντελώς γυμνός στο διάδρομο με τις πόρτες ανοιχτές, μόνο με ένα πανί γύρω από τα οσφύ του".

Ο Clovis Sagot, πρώην κλόουν του τσίρκου, είχε δημιουργήσει μια γκαλερί σε ένα πρώην φαρμακείο στην Rue Laffitte. Εκεί ο Αμερικανός συλλέκτης έργων τέχνης Leo Stein, αδελφός της ποιήτριας και συλλέκτριας έργων τέχνης Gertrude Stein, με έδρα το Παρίσι, ανακάλυψε τον πίνακα του Πικάσο το 1905. Ο πρώτος πίνακας του καλλιτέχνη που αγόρασε ο Λέο Στάιν, "Νεαρό κορίτσι με καλάθι με λουλούδια", δεν άρεσε στην αδελφή του. Όταν ο Πικάσο συνάντησε τα αδέλφια στο Sagot, τα κάλεσε στο εργαστήριό του και κατάφερε να τους πουλήσει πίνακες για 800 φράγκα, γεγονός που προκάλεσε το ενδιαφέρον και της Γερτρούδης Στάιν.

Οι Steins διοργάνωναν τακτικά σαββατιάτικα πάρτι στο σαλόνι τους κοντά στο Jardin du Luxembourg, στην οδό Rue de Fleurus 27, όπου συναντιόντουσαν οι καλλιτέχνες της πρωτοπορίας, μεταξύ των οποίων και ο Πικάσο, ο οποίος γνώρισε και έγινε φίλος με τον Henri Matisse εκεί το 1906. Στο Salon d'Automne, οι Fauves, στους οποίους ανήκε ο Ματίς, είχαν προσελκύσει την προσοχή με την πρώτη τους κοινή έκθεση το προηγούμενο έτος.

Ο ιδιοκτήτης της γκαλερί Vollard αγόρασε σύντομα τα έργα του Πικάσο για 2.000 φράγκα, γεγονός που βελτίωσε σημαντικά την οικονομική του κατάσταση. Το πορτρέτο του Gertrude Stein φιλοτεχνήθηκε το 1906, για το οποίο η συγγραφέας λέγεται ότι πόζαρε έως και ενενήντα φορές. Την άνοιξη, ο Πικάσο διέκοψε τις συνεδρίες προσωπογραφίας με τη Γερτρούδη Στάιν. Γνώρισε τον Derain με τη μεσολάβηση της Alice Princet. Το καλοκαίρι του ίδιου έτους, έμεινε στο Gósol με την Fernande Olivier. Όταν επέστρεψε στο Παρίσι, ο Πικάσο ολοκλήρωσε το πορτρέτο της Γερτρούδης Στάιν από μνήμης και μείωσε τα χαρακτηριστικά του προσώπου στην απλότητα των ιβηρικών μασκών.

Από το 1905, οι ροζ τόνοι αρχίζουν να κυριαρχούν στα έργα του Πικάσο. Έτσι, ο πίνακας Αγόρι με πίπα του 1905 σηματοδοτεί τη μετάβαση από τη Γαλάζια στη Ροζ Περίοδο. Σε σύγκριση με τη Γαλάζια Περίοδο, στα έργα αυτής της περιόδου υπάρχει ελάχιστη μελαγχολία. Το μπλε υποχωρεί στο παρασκήνιο. Ιδιαίτερα οι ζογκλέρ, οι σχοινοβάτες και οι αρλεκίνοι, οι θλιβεροί φαρσέρ της commedia dell'arte, είναι μεταξύ των εικαστικών του μοτίβων.

Από το χειμώνα του 1906, ο Πικάσο προετοίμασε τον μεγάλο πίνακα Les Demoiselles d'Avignon σε πολυάριθμες μελέτες και παραλλαγές, τον οποίο ολοκλήρωσε τον Ιούλιο του 1907. Με το Les Demoiselles έθεσε τον θεμέλιο λίθο της κυβιστικής σκέψης και εγκαινίασε την περίοδο που είναι γνωστή ως "période nègre".

Οι αρχικές αντιδράσεις όταν είδαν τις Demoiselles στο στούντιο του Πικάσο ήταν συντριπτικά αρνητικές. Ο πίνακας θεωρήθηκε ευρέως ανήθικος και επικρίθηκε έντονα από πολλούς, ακόμη και από στενούς φίλους του Πικάσο. Εκτός από τον Wilhelm Uhde, μόνο ο Leo Stein είχε αρχικά συμπάθεια για τις Demoiselles, αλλά σταμάτησε να αγοράζει τα νέα του έργα. Οι καλλιτέχνες του Φωβισμού, Matisse και Derain, εξέφρασαν την αποδοκιμασία τους. Η Γερτρούδη Στάιν συνέχισε να προωθεί τον Πικάσο και προσέγγισε τον κυβισμό στη λογοτεχνική της έκφραση. Το 1938 έγραψε ένα φυλλάδιο για τον Πικάσο.

Ο Wilhelm Uhde έφερε τον Πικάσο στην προσοχή του νεαρού Γερμανού γκαλερίστα Daniel-Henry Kahnweiler, ο οποίος είχε ανοίξει την πρώτη του γκαλερί στην οδό Vignon 28. Ο Kahnweiler έγινε ο σημαντικότερος προστάτης του και εξέθεσε τα έργα του Πικάσο την ίδια χρονιά. Ο Πικάσο είχε παρακολουθήσει τη μεγάλη αναδρομική έκθεση των έργων του Paul Cézanne το 1907 στο Salon d'Automne στο Παρίσι, η οποία είχε οργανωθεί ένα χρόνο μετά το θάνατο του καλλιτέχνη. Μέσω του Απολλιναίρ, ο Πικάσο γνώρισε τον συνομήλικό του ζωγράφο Ζωρζ Μπρακ, προς το τέλος του έτους- η φιλία του με τον Μπρακ έμελλε να έχει σημαντικό αντίκτυπο στην πορεία της σύγχρονης ιστορίας της τέχνης.

Ο Πικάσο θεμελιώνει τον κυβισμό με τον Μπρακ (1908-1914)

Ο Πικάσο πέρασε το καλοκαίρι του 1908 με την Fernande Olivier στο La Rue-des-Bois βόρεια του Παρισιού. Το φθινόπωρο του ίδιου έτους, ο Μπρακ και ο Πικάσο συνέκριναν τους πίνακες που είχαν δημιουργήσει το καλοκαίρι - ο Μπρακ στο L'Estaque και ο Πικάσο στο La Rue-des-Bois. Έμοιαζαν παράξενα. Ο Μπρακ, σε αντίθεση με τον Πικάσο, εξέθεσε το έργο του στην γκαλερί Kahnweiler τον Νοέμβριο του ίδιου έτους. Στην κριτική της έκθεσης ζωγραφικής του Μπρακ, ο Γάλλος κριτικός τέχνης Louis Vauxcelles επινόησε για πρώτη φορά τον όρο "κύβοι" στο περιοδικό τέχνης Gil Blas. Ο Vauxcelles αναφερόταν συγκεκριμένα στον πίνακα του Braque Houses in L'Estaque.

Από τον Σεπτέμβριο του 1908 έως τον Μάιο του 1909, ο Πικάσο και ο Μπρακ έβλεπαν ο ένας τον άλλον σχεδόν καθημερινά- ο Kahnweiler ήταν το τρίτο μέλος της ομάδας και μεσολαβούσε μεταξύ των πολύ διαφορετικών καλλιτεχνών, του ψύχραιμου, συστηματικού Μπρακ και του ζωηρού Πικάσο. Η εργασιακή τους σχέση ήταν τόσο έντονη που οι καλλιτέχνες παρομοίαζαν τους εαυτούς τους με τους αδελφούς Ράιτ, τους πρωτοπόρους της πτήσης, και ντύνονταν σαν μηχανικοί.

Επίσης, το 1908, ο Ισπανός ζωγράφος Juan Gris μετακόμισε στο Bateau-Lavoir, όπου έγινε γείτονας του Πικάσο στο στούντιο. Αφού άρχισε να εξερευνά τον κυβισμό το 1911, ο Gris δημιούργησε το 1912 το κυβιστικό πορτρέτο Hommage à Picasso.

Τον Νοέμβριο του 1908, ο Πικάσο διοργάνωσε ένα μεγάλο πάρτι στο στούντιό του στο Bateau-Lavoir προς τιμήν του Ανρί Ρουσσώ, από τον οποίο είχε αποκτήσει το πορτρέτο σε φυσικό μέγεθος ενός πρώην φίλου του Ρουσσώ, του λεγόμενου Yadwigha, το οποίο επρόκειτο να κρατήσει για το υπόλοιπο της ζωής του. Ο Raynal ανέφερε ως αυτόπτης μάρτυρας για το συμπόσιο του Rousseau, το οποίο έγινε διάσημο στην ιστορία της τέχνης και στο οποίο συμμετείχαν η νεαρή ζωγράφος Marie Laurencin καθώς και πολλοί άλλοι καλλιτέχνες Apollinaire, Jacob, Salmon, Uhde και τα αδέλφια Stein: "Ήταν ένας πραγματικός αχυρώνας. Στους τοίχους, οι οποίοι είχαν απογυμνωθεί από τα συνήθη στολίδια τους, κρέμονταν μόνο μερικές όμορφες μάσκες νέγρων, ένας πίνακας με νομίσματα και, στην τιμητική θέση, το μεγάλο πορτρέτο του Yadwigha ζωγραφισμένο από τον Rousseau". Λίγο μετά το συμπόσιο, ο Πικάσο εγκατέλειψε το Bateau-Lavoir το 1909 και έζησε σε ένα διαμέρισμα-εργοστάσιο στη λεωφόρο 130 Boulevard de Clichy μέχρι το 1912.

Ο Fernand Léger και ο Robert Delaunay γνώρισαν τα έργα του Picasso και του Braque μέσω της διαμεσολάβησης του Kahnweiler. Από τότε, οι επιρροές του Πικάσο και του Μπρακ ήταν αισθητές στους πίνακες πολλών ζωγράφων. Το 1911 δημιουργήθηκε μια ομάδα ζωγράφων που ονομάστηκε κυβιστές του Σαλόν. Εκτός από τους Léger και Delaunay, σε αυτούς συμμετείχαν οι καλλιτέχνες Albert Gleizes, Jean Metzinger και Henri Le Fauconnier. Ο Πικάσο και ο Μπρακ αποστασιοποιήθηκαν από τους κυβιστές του Σαλόν.

Το καλοκαίρι του 1911, οι φίλοι Απολλιναίρ και Πικάσο τέθηκαν υπό υποψία ότι εμπλέκονται στην κλοπή του πιο διάσημου πίνακα του Λούβρου, της Μόνα Λίζα. Εκείνη είχε εξαφανιστεί χωρίς ίχνη στις 21 Αυγούστου 1911 και οι δύο τους βρέθηκαν υπό τον έλεγχο της αστυνομίας για την κατοχή πέτρινων μάσκες της Ιβηρικής που απέκτησαν μέσω του Géry Pieret - ενός Βέλγου τυχοδιώκτη και ενίοτε υπαλλήλου του Apollinaire. Μετά από έρευνα στο σπίτι του, ο Apollinaire συνελήφθη στις 8 Σεπτεμβρίου για υπόθαλψη εγκληματία και φύλαξη κλοπιμαίων- αποκάλυψε την εμπλοκή του Picasso μετά από δύο ημέρες. Ο τελευταίος ανακρίθηκε αλλά δεν συνελήφθη. Ο Απολλιναίρ αποφυλακίστηκε λίγες μέρες αργότερα και η υπόθεση εναντίον του έπεσε τον Ιανουάριο του 1912 λόγω έλλειψης στοιχείων. Η Μόνα Λίζα δεν εμφανίστηκε ξανά μέχρι τις 13 Δεκεμβρίου 1913 στη Φλωρεντία και επέστρεψε στο Λούβρο την 1η Ιανουαρίου 1914.Ο κλέφτης ήταν ο Vincenzo Peruggia, κορνιζογράφος στο Λούβρο.

Η πρώιμη φάση του κυβισμού μέχρι περίπου το 1912 ονομάζεται "Αναλυτικός κυβισμός". Ένα παράδειγμα είναι το πορτρέτο Ambroise Vollard (1910). Από το 1912 και μετά, δημιουργήθηκαν τα Papiers collés, μια πρώιμη μορφή κολάζ. Η μετάβαση στον "Συνθετικό κυβισμό" είχε αρχίσει.

Τα έργα του Πικάσο έγιναν σταδιακά γνωστά στο εξωτερικό. Στη Γερμανία, ο Πικάσο εκπροσωπήθηκε στην έκθεση της Neue Künstlervereinigung στο Μόναχο το 1910, καθώς και στην έκθεση της Sonderbund στην Κολωνία, η οποία άνοιξε τον Μάιο του 1912, και στην γκαλερί Der Sturm του Herwarth Walden στο Βερολίνο. Τέσσερα από τα έργα του Πικάσο συμπεριλήφθηκαν στη δεύτερη έκθεση του Blaue Reiter στην γκαλερί Goltz στο Μόναχο την ίδια χρονιά: Κεφάλι γυναίκας (1902), Αγκαλιά (1903), Κεφάλι (1909) και Νεκρή φύση (1910). Το 1913, η πρώτη μεγάλη αναδρομική έκθεση πραγματοποιήθηκε στη Moderne Galerie του Heinrich Thannhauser στο Μόναχο.

Από τον Νοέμβριο του 1910, η έκθεση Manet and the Post-Impressionists, που οργανώθηκε από τον Roger Fry στο Λονδίνο, παρουσίασε, μεταξύ άλλων, πίνακες, σχέδια και χαρακτικά του Πικάσο, όπως και μια επόμενη έκθεση το 1912.

Στο εξωτερικό, μετά την πρώτη έκθεση του Πικάσο το 1911 στη γκαλερί 291 του Alfred Stieglitz, το νέο καλλιτεχνικό κίνημα εκπροσωπήθηκε επίσης στο Armory Show της Νέας Υόρκης το 1913, όπου εκτέθηκαν έργα των Braque, Picasso και Matisse, για παράδειγμα. Παρουσιάστηκαν οκτώ έργα του Πάμπλο Πικάσο, μεταξύ των οποίων δύο νεκρές φύσεις, το σχέδιο Γυναίκα γυμνή του 1910, Γυναίκα με γλάστρα μουστάρδας του 1910, δάνειο από τον Kahnweiler, και το χάλκινο κεφάλι γυναίκας του 1909, δάνειο από τον Stieglitz. Ωστόσο, η κριτική σε όλες τις εκθέσεις ήταν σημαντική- η μοντέρνα τέχνη δεν ήταν ακόμη αποδεκτή.

Όταν ο δεσμός του Πικάσο με την Fernande Olivier διαλύθηκε το 1912, η Eva Gouel, το γένος Marcelle Humbert, την οποία αποκαλούσε Eva, έγινε η δεύτερη σύντροφός του μέχρι τον πρόωρο θάνατό της το 1915. Ο Πικάσο πέρασε το καλοκαίρι του 1913 με τον Braque και τον Juan Gris στο Céret. Ο πατέρας του πέθανε την ίδια χρονιά. Μετακόμισε στην οδό Schoelcher 5 στο Montparnasse, αφού έζησε για λίγο στο 242 boulevard Raspail το 1912.

Περίοδος του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου (1914-1918)

Ο Πικάσο πέρασε την περίοδο από τα τέλη Ιουνίου έως τα μέσα Νοεμβρίου 1914 με την Eva Gouel στην Αβινιόν. Με το ξέσπασμα του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου, η κατάσταση για πολλούς καλλιτέχνες άλλαξε απότομα. Στις 2 Αυγούστου 1914, ο Πικάσο συνόδευσε τους Braque και Derain, οι οποίοι είχαν λάβει τις διαταγές τους να παρουσιαστούν για υπηρεσία, στο σιδηροδρομικό σταθμό της Αβινιόν. Ο Μπρακ υπέστη σοβαρό τραυματισμό στο κεφάλι το 1915 και, αφού επέζησε από μια εγχείρηση, χρειάστηκε περισσότερο από ένα χρόνο για να αναρρώσει. Ο έμπορος τέχνης τους Kahnweiler, ο οποίος ήταν Γερμανός, έπρεπε να εγκαταλείψει τη Γαλλία- ο Πικάσο, ο οποίος ως Ισπανός δεν έπρεπε να υπηρετήσει την πολεμική του θητεία, έμεινε στο Παρίσι χωρίς τους φίλους του.

Τον Ιούλιο του 1916, ο André Salmon διοργάνωσε μια έκθεση με τίτλο L'Art moderne en France (το λεγόμενο "Salon d'Antin") στην γκαλερί Barbazanges στο Παρίσι. Εκεί παρουσιάστηκε για πρώτη φορά στο κοινό το έργο του Πικάσο Les Demoiselles d'Avignon- ο πίνακας πήρε αυτό το όνομα μόνο από τον Salmon εκείνη την εποχή.

Μετά το θάνατο της Eva Gouel, η οποία πέθανε από φυματίωση το 1915, ο Πικάσο είχε σχέση με την Gabrielle Lespinasse, την οποία αποκαλούσε Gaby. Ζούσε στη λεωφόρο Raspail κοντά στο στούντιό του. Κατά τη διάρκεια μιας παραμονής του στο Saint-Tropez το 1916, της δήλωσε τον έρωτά του, αλλά εκείνη τον απέρριψε και παντρεύτηκε τον αμερικανό καλλιτέχνη Herbert Lespinasse τον επόμενο χρόνο. Τον Οκτώβριο του 1916 μετακόμισε στο Μοντρούζ κοντά στο Παρίσι.

Την άνοιξη του 1917, ο Πικάσο παρακολούθησε στη Ρώμη τις πρόβες του συνόλου των Μπαλέτων των Ρώσων υπό τη διεύθυνση του Σεργκέι Τζαγκίλεφ για το μπαλέτο Parade σε λιμπρέτο του Ζαν Κοκτώ και μουσική του Ερίκ Σατί. Σχεδίασε τα κοστούμια, τα σκηνικά και την εκτός ρυθμού κλασική ρομαντική σκηνική κουρτίνα. Ο Σοβιετικός συγγραφέας Ίλια Έρενμπουργκ, που έζησε εξόριστος στο Παρίσι, περιέγραψε τη θεαματική πρεμιέρα τον Μάιο του 1917 στο Théâtre du Châtelet στο Παρίσι και την κατακραυγή του κοινού, που απαίτησε να σταματήσει η παράσταση: "Η μουσική προσποιούνταν ότι ήταν μοντέρνα, η σκηνογραφία ήταν μισή κυβιστική Και όταν ένα άλογο με κυβιστικό ρύγχος έκανε νούμερο τσίρκου, έχασαν τελικά την υπομονή τους: "Θάνατος στους Ρώσους!". Ο Πικάσο είναι Μπος! Οι Ρώσοι είναι Μπότσε!"" Οι φίλοι του Πικάσο, ωστόσο, ήταν ενθουσιασμένοι. Ο Apollinaire, για παράδειγμα, θεωρούσε την πρώτη καλλιτεχνική συμμαχία μεταξύ ζωγραφικής και χορού, γλυπτικής και παραστατικών τεχνών ως την αρχή μιας ολοκληρωμένης τέχνης, ένα είδος "sur-réalisme".

Ενώ εργαζόταν στο "Parade", ο Πικάσο γνώρισε την χορεύτρια Όλγα Στεπάνοβνα Χόχλοβα, πρίμα μπαλαρίνα των "Ρωσικών Μπαλέτων", την οποία παντρεύτηκε στο Παρίσι στις 12 Ιουλίου 1918. Ο Cocteau, ο Max Jacob και ο Apollinaire ήταν οι μάρτυρές του. Το ζευγάρι μετακόμισε σε διαμέρισμα στην οδό La Boétie 23 τον Δεκέμβριο του Μετά τον γάμο, εγκατέλειψε την μποέμικη ζωή του και έγινε "πρίγκιπας ζωγράφος" με δικό του σοφέρ και οικιακό προσωπικό. Από το γάμο τους προέκυψε ο γιος Paulo.

Μετά τον Kahnweiler, ο Πικάσο εκπροσωπήθηκε παγκοσμίως από κοινού από τους εμπόρους τέχνης Paul Rosenberg και Georges Wildenstein από το 1918. Κάθε χρόνο αγόραζαν σημαντικό αριθμό πινάκων του. Η συνεργασία του Πικάσο με τον Ρόζενμπεργκ διήρκεσε μέχρι το 1939, ενώ με τον Βίλντενσταϊν μέχρι το 1932.

Απομάκρυνση από τους κυβιστές (1916-1924)

Ο Πικάσο άρχισε να απομακρύνεται από τον κύκλο των κυβιστών ήδη από το 1914. Θυμήθηκε αυτή την αναχώρηση και είπε: "Ήθελαν να κάνουν ένα είδος φυσικής κουλτούρας από τον κυβισμό. Από αυτό προέκυψε μια τεχνητή τέχνη, χωρίς καμία πραγματική σχέση με τη λογική δουλειά που φιλοδοξώ να κάνω".

Από το 1916 έως το 1924, το έργο του παρουσιάζει μια υφολογική αντιπαράθεση. Παράλληλα με τους κλασικιστικούς πίνακες, όπως οι "Τρεις γυναίκες στο σιντριβάνι" από το 1921, που ζωγραφίστηκαν στο Φοντενεμπλώ, και οι "Παντιέρες", το 1923, που ζωγραφίστηκαν στο θέρετρο των διακοπών του, την Αντίμπ, υπήρχαν έργα στο ύφος του συνθετικού κυβισμού, όπως οι "Τρεις μουσικοί" από το 1921.

Ο Πικάσο είχε περισσότερο χρόνο για να αναπτύξει την επίσημη γλώσσα του χάρη στην αυξημένη φήμη του. Πειραματίστηκε πολύ και έδωσε νέα έμφαση στο γλυπτικό του έργο, το οποίο είχε ανοίξει το 1902 με την Καθιστή Γυναίκα. Παράλληλα, αποξενώθηκε από τη σύζυγό του Όλγα.

Εξέταση του υπερρεαλισμού (1924-1936)

Το 1923 ο Πικάσο γνώρισε τον σουρεαλιστή Αντρέ Μπρετόν. Ήδη στο πρώτο τεύχος του υπερρεαλιστικού περιοδικού La Révolution surréaliste του Δεκεμβρίου 1924, αναπαράγεται μια γλυπτική κατασκευή του Πικάσο. Στο δεύτερο τεύχος του Ιανουαρίου 1925, δύο σελίδες από το τετράδιο με τα σχέδια των αστεριών που διατηρούσε στο Juan-les-Pins το καλοκαίρι του 1924. Στο τέταρτο τεύχος, εμφανίστηκε μια εικονογράφηση του πίνακα του Πικάσο Les Trois Danseuses (Οι τρεις χορεύτριες) και -για πρώτη φορά στη Γαλλία- των Demoiselles d'Avignon.

Ωστόσο, η μακροχρόνια επαφή με τους υπερρεαλιστές δεν ήταν χωρίς συγκρούσεις. Όταν το 1924 παρουσιάστηκε το μπαλέτο Les Aventures de Mercure του Eric Satie με σκηνικά και κοστούμια του Πικάσο, αρκετοί υπερρεαλιστές διαμαρτυρήθηκαν για τη συμμετοχή του Πικάσο, χαρακτηρίζοντας την εκδήλωση φιλανθρωπική για τη διεθνή αριστοκρατία. Ο Αντρέ Μπρετόν, ο Λουί Αραγκόν και άλλοι σουρεαλιστές, εντυπωσιασμένοι από την εφευρετικότητα του Πικάσο, δημοσίευσαν τότε μια απολογία στο Paris-Journal που ανακηρύχθηκε ως Hommage à Picasso. Από την άλλη πλευρά, το 1926, ο Πικάσο κατηγόρησε τους σουρεαλιστές ότι δεν τον είχαν καταλάβει σε μια λεπτομερή δήλωση σχετικά με τις προθέσεις και τους στόχους της τέχνης του. Το υπερρεαλιστικό περιοδικό Documents του Georges Bataille, που ήταν κατά του Bretton, αφιέρωσε το ειδικό τεύχος 3 του Απριλίου 1930 εξ ολοκλήρου στον Πικάσο.

Το 1927 γνώρισε τη Marie-Thérèse Walter, την οποία απεικόνισε με μινιμαλιστικό τρόπο και σουρεαλιστικές πινελιές στο έργο του Γυναίκα με λουλούδι 1932. Διατήρησε τη σχέση του με τη Marie-Thérèse, η οποία αρχικά ήταν ακόμη ανήλικη, μυστική για μεγάλο χρονικό διάστημα.

Το μοτίβο του Μινώταυρου εμφανίστηκε για πρώτη φορά στα έργα του το 1928 - ως Ισπανός, ο Πικάσο ήταν πάντα γοητευμένος από τις ταυρομαχίες. Το πρώτο τεύχος του περιοδικού των υπερρεαλιστών καλλιτεχνών Minotaure κυκλοφόρησε στις 25 Μαΐου 1933 με εξώφυλλο τον Πικάσο να απεικονίζει έναν Μινώταυρο, σύμφωνα με τον τίτλο. Το 1935 δημιούργησε τη σειρά χαρακτικών Minotauromachie, εμπνευσμένη από την Tauromaquia του Francisco de Goya (περ. 1815). Σε αυτό, η σχέση μεταξύ σεξουαλικότητας, βίας και θανάτου εξερευνάται σε ολοένα και νέες παραλλαγές.

Το καλοκαίρι του 1936, ο Πικάσο γνώρισε τον καλλιτέχνη και κριτικό τέχνης Roland Penrose μέσω του υπερρεαλιστή ποιητή Paul Éluard, με τον οποίο έγινε φίλος και ο οποίος δημοσίευσε την πρώτη βιογραφία του Πικάσο το 1958, στην οποία συνέβαλε και ο καλλιτέχνης. Το 1937 δημιούργησε έξι πορτρέτα της μελλοντικής συζύγου του Penrose, της φωτογράφου Lee Miller. Ο φωτογράφος τράβηξε περίπου 1.000 φωτογραφίες κατά τη διάρκεια των αμοιβαίων επισκέψεών τους, στις οποίες απεικονίζεται ο Πικάσο στη δουλειά και στον ελεύθερο χρόνο του.

Ένα άλλο πορτραίτο της Marie-Thérèse Walter, Interieur mit zeichnendem Mädchen (Εσωτερικό με σχέδιο κοριτσιού) από το 1935, δείχνει σαφέστερους απόηχους του ύστερου στυλ του. Η σύνδεση μεταξύ σεξουαλικότητας και καλλιτεχνικής δημιουργίας έγινε ένα θέμα που θα απασχολούσε τον Πικάσο μέχρι το τέλος της ζωής του. Το 1935 σηματοδότησε μια κρίση στη ζωή και το έργο του. Από τη σχέση του με τη Marie-Thérèse, η οποία διήρκεσε μέχρι το 1937, γεννήθηκε τη χρονιά αυτή η κόρη του Maya. Αυτό υπέπεσε στην αντίληψη της συζύγου του, η οποία απαίτησε διαζύγιο. Σύμφωνα με τη γαλλική νομοθεσία, ο Πικάσο θα έπρεπε να μοιραστεί την περιουσία του μαζί της. Εκείνος δεν είχε κανένα ενδιαφέρον γι' αυτό, και έτσι παρέμειναν παντρεμένοι μέχρι το θάνατό της το Φεβρουάριο του 1955.

Το 1936 ο Πικάσο είχε σχέση με την Alice Rahon, τη σύζυγο του Wolfgang Paalen, και γνώρισε τη Γαλλίδα φωτογράφο Dora Maar, η οποία έγινε η μόνιμη σύντροφός του τη δεκαετία του 1940 και συχνά τον συνόδευε. Τον Νοέμβριο του 1937 επισκέφθηκε τον Paul Klee στη Βέρνη για να τον στηρίξει ηθικά, καθώς τα έργα του είχαν μόλις δυσφημιστεί από τους εθνικοσοσιαλιστές στην περιβόητη έκθεση του Μονάχου για την εκφυλισμένη τέχνη. Το 1941, η Dora Maar δημιούργησε ένα πορτρέτο με ταυτόχρονη μπροστινή και πλαϊνή όψη, το Dora Maar with Cat (Dora Maar au chat). Ανταγωνίστηκε με τη Marie-Thérèse Walter για την εύνοια του Pablo Picasso. "Δεν με ενδιέφερε να πάρω μια απόφαση. Τους είπα να το λύσουν μεταξύ τους", είπε ο ζωγράφος για την αντιπαλότητα μεταξύ των δύο γυναικών.

Δηλώσεις για τον ισπανικό εμφύλιο πόλεμο - Γκερνίκα (1936-1939)

Τα γεγονότα του ισπανικού εμφυλίου πολέμου συγκλόνισαν συθέμελα τον Πικάσο και δημιούργησε πίνακες που θυμίζουν στη δύναμή τους τη φρίκη του πολέμου του Γκόγια, κυρίως τη Γκερνίκα, η οποία έχει ως θέμα τη φρίκη με αφορμή τον βομβαρδισμό της βασκικής πόλης Γκερνίκα στις 26 Απριλίου 1937 από τη γερμανική λεγεώνα Κόνδορες. Υπό αυτή την εντύπωση, ο Πικάσο άρχισε ήδη από την 1η Μαΐου τις μελέτες για τον ομώνυμο μνημειακό πίνακα, ο οποίος εκτέθηκε ως τοιχογραφία στο ισπανικό περίπτερο της Παγκόσμιας Έκθεσης στο Παρίσι από τις 12 Ιουλίου 1937.

Από το 1936 και μετά, ο Πικάσο υποστήριξε από το Παρίσι την ισπανική δημοκρατική κυβέρνηση, η οποία αμυνόταν ενάντια στον πραξικοπηματία και μελλοντικό δικτάτορα Φράνκο. Προσπάθησε, αν και μάταια, να πείσει τη γαλλική κυβέρνηση να παρέμβει και διορίστηκε διευθυντής του σημαντικού μουσείου τέχνης Prado στη Μαδρίτη το 1937 ερήμην του από την ισπανική δημοκρατική κυβέρνηση για τις προσπάθειές του.

Περίοδος του Δεύτερου Παγκοσμίου Πολέμου (1940-1945)

Ο καλλιτέχνης εργάστηκε στο Παρίσι από το 1936 σε ένα στούντιο στην οδό Rue des Grands-Augustins 7, όπου δημιούργησε τη Γκουέρνικα και το οποίο χρησιμοποίησε επίσης ως διαμέρισμα από την άνοιξη του 1939. Από την έναρξη της γερμανικής κατοχής το 1940 κατά τη διάρκεια του Β' Παγκοσμίου Πολέμου μέχρι την απελευθέρωση του Παρισιού στις 25 Αυγούστου 1944, έζησε εδώ χωρίς να κάνει ούτε ένα ταξίδι. Οι εθνικοσοσιαλιστές του είχαν απαγορεύσει να εκθέτει λόγω της αντίθεσής του στον Φράνκο. Η αίτηση του Πικάσο για τη γαλλική υπηκοότητα το 1940 είχε απορριφθεί επειδή οι αρχές είχαν φακέλους από το 1905 στους οποίους είχε χαρακτηριστεί ως αναρχικός.

Κατά τη διάρκεια της κατοχής, η σύγχρονη τέχνη δεν ήταν ανεκτή από τους συνεργάτες. Ο ζωγράφος André Lhote θυμήθηκε τις κραυγές μάχης "Ματίς στον κάδο των σκουπιδιών" και "Πικάσο στο τρελοκομείο!". Μετά την απελευθέρωση, η πολιτική αριστερά τον θεώρησε αρχικά ως τον καλλιτέχνη που "συμβόλιζε πιο αποτελεσματικά το πνεύμα της αντίστασης".

Το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης, υπό τον διευθυντή του Άλφρεντ Μπαρ, αφιέρωσε μια επιτυχημένη αναδρομική έκθεση στον Πικάσο το 1939-1940, η οποία τον έκανε ευρέως γνωστό στην Αμερική και στους κριτικούς της σύγχρονης τέχνης και στους συναδέλφους του καλλιτέχνες.

Το 1944, ο Πικάσο έγινε μέλος του Γαλλικού Κομμουνιστικού Κόμματος και παρέμεινε έτσι για το υπόλοιπο της ζωής του. Η ειλικρίνεια της εισόδου του αμφισβητήθηκε και κατηγορήθηκε ότι τα χρώματα και τα σχήματα στα έργα του είχαν κάποιο συμβολικό νόημα, στο οποίο αντέτεινε: "Μόνο και μόνο για την ευχαρίστηση να γίνω κατανοητός, δεν θα δουλέψω με ένα συνηθισμένο ύφος". Μια δήλωση, μεταξύ άλλων, που οδήγησε στην κατηγορία ότι ο κομμουνισμός του ήταν επιφανειακός και ότι δεν πίστευε στο αδιαχώριστο της τέχνης και της πολιτικής. Προς υπεράσπισή του, έγραψε: "Τι νομίζετε ότι είναι ένας καλλιτέχνης; Ένας ηλίθιος που έχει μόνο μάτια αν είναι ζωγράφος, μόνο αυτιά αν είναι μουσικός, ακόμα και μόνο μια λύρα για όλες τις θέσεις της καρδιάς αν είναι ποιητής, ή ακόμα και μύες αν είναι πυγμάχος; Ακριβώς το αντίθετο! Είναι συγχρόνως ένα πολιτικό ον που ζει συνεχώς στη συνείδηση των καταστροφικών, καυστικών ή συναρπαστικών παγκόσμιων γεγονότων και διαμορφώνει τον εαυτό του εξ ολοκλήρου κατ' εικόνα τους. Όχι, η ζωγραφική δεν εφευρέθηκε για τη διακόσμηση διαμερισμάτων! Είναι ένα όπλο επίθεσης και άμυνας κατά του εχθρού".

Τα μετέπειτα χρόνια (1945-1973)

Μετά από έξι χρόνια εσωτερικής μετανάστευσης και απομόνωσης στο Παρίσι κατά τη διάρκεια του Β' Παγκοσμίου Πολέμου, ο Πικάσο επισκέφθηκε συχνότερα από το 1945 μέρη της νότιας Γαλλίας, όπως η Αντίμπ και η Νίκαια. Εκεί επισκέφθηκε τον Ανρί Ματίς, του οποίου το ζωγραφικό στυλ άφησε σαφείς επιρροές στο ύστερο έργο του Πικάσο. Οι δύο καλλιτέχνες παρέμειναν χαλαρά συνδεδεμένοι για πολλά χρόνια, ενώ ο Ματίς ήταν ο μόνος εν ζωή καλλιτέχνης που ο Πικάσο θεωρούσε ισάξιό του. Και οι δύο αναγνώριζαν τη σημασία του άλλου, σέβονταν ο ένας τον άλλον καθ' όλη τη διάρκεια της ζωής τους και επηρέαζαν ο ένας τον άλλον παρά τις διαφορές τους.

Σύντροφός του κατά τη διάρκεια αυτών των ετών ήταν η ζωγράφος Françoise Gilot, την οποία γνώρισε στο Παρίσι το 1943. Η σχέση τους διήρκεσε μέχρι το 1953- ο γιος τους Claude γεννήθηκε το 1947 και η κόρη τους Paloma το 1949.

Ο Πικάσο επέστρεψε στο μεσογειακό περιβάλλον της νιότης του. Από την άνοιξη του 1948, μετά από παραμονές στο Golfe-Juan, έζησε με τη Françoise Gilot στη βίλα "La Galloise" στο Vallauris, ένα μέρος με παραδοσιακά αγγειοπλαστεία, όπου είχε ήδη μείνει τον προηγούμενο χρόνο. Εκεί, υπό την καθοδήγηση των τοπικών αγγειοπλαστών, πειραματίστηκε με τον πηλό και τα υαλώματα στο μανιφέστο της Μαντούρα, ανατινάζοντας το παραδοσιακό πλαίσιο των προϊόντων και βοηθώντας τον τόπο να αποκτήσει εθνική και αργότερα διεθνή φήμη.

Παρά την ένταξή του στο Κομμουνιστικό Κόμμα, ο Πικάσο διατήρησε μια ανεξάρτητη στάση. Ο πίνακας Σφαγή στην Κορέα, που φιλοτεχνήθηκε το 1951, εξόργισε τους Αμερικανούς και το πορτρέτο του Στάλιν το 1953 εξόργισε τους κομμουνιστές, επειδή στη Σοβιετική Ένωση το ζωγραφικό του στυλ θεωρούνταν επίσημα παρακμιακό. Ο Πικάσο, ωστόσο, ήταν προσηλωμένος στην ειρήνη όποτε του ζητήθηκε. Το 1949 σχεδίασε μια αφίσα με ένα περιστέρι για το Παγκόσμιο Συνέδριο Ειρήνης στο Παρίσι. Το περιστέρι έγινε στη συνέχεια παγκόσμιο σύμβολο της ειρήνης. Το 1952, δημιούργησε δύο μεγάλες τοιχογραφίες: Ο πόλεμος και Η ειρήνη, για τον "Ναό της Ειρήνης" στο Vallauris.

Η Jacqueline Roque, πωλήτρια κεραμικών στο Madoura στο Vallauris, ήταν η νέα σύντροφος του Πικάσο από το 1953, αφού η Françoise Gilot τον είχε εγκαταλείψει και η Geneviève Laporte, με την οποία διατηρούσε δεσμό, αρνήθηκε επίσης να συγκατοικήσει μαζί του. Δημιούργησε πολυάριθμα πορτρέτα του Roque, όπως το 1954 το πορτρέτο της Madame Z. (Jacqueline Roque) και η Jacqueline στο στούντιο το 1956.

Το 1954, στο Vallauris, γνώρισε τη 19χρονη Sylvette David, μια νεαρή γυναίκα με ξανθιά αλογοουρά, η οποία κάθισε γι' αυτόν και την οποία απεικόνισε σε περίπου 60 πορτρέτα σε διάστημα αρκετών μηνών.

Το 1955, ο Πικάσο αγόρασε τη βίλα "La Californie" στις Κάννες. Η στροφή του προς τις κλασικές ερμηνείες αριστουργημάτων φάνηκε σε έργα όπως οι Γυναίκες του Αλγερίου του Ευγένιου Ντελακρουά το 1955, η Λας Μενίνας του Ντιέγκο Βελάσκεθ το 1957 ή το Πρωινό στο ύπαιθρο του Εδουάρδου Μανέ το 1961. Ήδη από το 1946, μια έκθεση στο Λούβρο είχε αντιπαραβάλει τους πίνακές του με εκείνους των κλασικών δασκάλων.

Το 1956, κατά την περίοδο του "ξεπαγώματος" της Σοβιετικής Ένωσης, ο Ilya Ehrenburg κατάφερε να προωθήσει μια μεγάλη έκθεση Πικάσο στο Μουσείο Πούσκιν της Μόσχας.

Το 1958, ο επικεφαλής του γαλλικού υπουργικού συμβουλίου και μετέπειτα πρόεδρος Ζορζ Πομπιντού του προσέφερε τη γαλλική υπηκοότητα, αλλά ο Πικάσο δεν ανταποκρίθηκε.

Ο Πικάσο παρενοχλούνταν όλο και περισσότερο από τουρίστες και θαυμαστές. Στην άμεση γειτονιά του "La Californie" χτίστηκαν πολυώροφες πολυκατοικίες, οι οποίες αφενός εμπόδιζαν τη θέα του τοπίου και αφετέρου επέτρεπαν σε ξένους να βλέπουν στην ιδιοκτησία του. Προσπάθησε ανεπιτυχώς να πείσει τον συλλέκτη έργων τέχνης Douglas Cooper να του παραχωρήσει το Château de Castille κοντά στην Αβινιόν. Το 1958, ο Cooper πρότεινε το κάστρο Vauvenargues κοντά στην Aix-en-Provence, με θέα το αγαπημένο μοτίβο του Paul Cézanne, τη Montagne Sainte-Victoire. Ο Πικάσο το αγόρασε και δημιούργησε εκεί ένα στούντιο, αλλά επέστρεφε συνεχώς στο "La Californie".

Το ύφος του Πικάσο περιοριζόταν όλο και περισσότερο στη γραμμή - τονισμένη, σκιτσογραφική. Με μεγάλη παραγωγικότητα, εξερεύνησε όχι μόνο τη ζωγραφική και τη γραφιστική τέχνη, όπως η λιθογραφία και η λινογραφία, αλλά από το 1947 και τη γλυπτική και την κεραμική. Άλλαξε και ανέφερε επανειλημμένα τα θέματά του.

Ο Πικάσο δεν χώρισε ποτέ τη σύζυγό του Όλγα για οικονομικούς λόγους. Αρκετά χρόνια μετά το θάνατό της, παντρεύτηκε τη Ζακλίν Ροκ το 1961 και μετακόμισε μαζί της στο Mougins στο αρχοντικό Mas Notre-Dame de Vie, βόρεια πάνω από τις πλαγιές των Καννών. Ο γάμος παρέμεινε άτεκνος. Χρησιμοποίησε τον πύργο Vauvenargues ως αποθήκη για αμέτρητους πίνακες.

Το 1962 ο Πικάσο τιμήθηκε με το Διεθνές Βραβείο Ειρήνης Λένιν.

Το 1963 άνοιξε το Μουσείο Πικάσο στη Βαρκελώνη, το οποίο αργότερα έλαβε μεγάλο μέρος της περιουσίας του. Το ίδρυμα δημιουργήθηκε με τη δωρεά 574 έργων από τον φίλο και γραμματέα του Πικάσο, Sabartés. Με αφορμή τη δημοσίευση των απομνημονευμάτων της Françoise Gilot, Ζωή με τον Πικάσο, το 1964, υπήρξε ρήξη με τα παιδιά του Claude και Paloma Picasso, που προέρχονταν από αυτή τη σχέση.

Το 1971 πραγματοποιήθηκε αναδρομική έκθεση στο Παρίσι, στο Μουσείο του Λούβρου, με την ευκαιρία των 90ων γενεθλίων του Πικάσο. Ήταν ο πρώτος καλλιτέχνης που έλαβε αυτό το βραβείο κατά τη διάρκεια της ζωής του.

Στις 8 Απριλίου 1973, ο Πικάσο πέθανε στο σπίτι του στη Mougins ως αποτέλεσμα πνευμονικής εμβολής- άλλες πηγές αναφέρουν ως αιτία το πνευμονικό οίδημα. Κηδεύτηκε στις 10 Απριλίου στον κήπο του πύργου του στο Vauvenargues. Ο Πικάσο δεν είχε αφήσει διαθήκη. Οι κληρονόμοι του πλήρωσαν τον φόρο κληρονομιάς με τη μορφή έργων τέχνης του Πικάσο και άλλων πινάκων από τη συλλογή του, όπως έργα του Ματίς και το Yadwigha του Ρουσσώ. Αποτελούν τη βάση της συλλογής του Μουσείου Πικάσο στο Παρίσι. Το 2003, οι συγγενείς του εγκαινίασαν το μουσείο αφιερωμένο στον Πικάσο στη γενέτειρά του, τη Μάλαγα, το Museo Picasso, και του άφησαν πολλά εκθέματα.

Η χήρα του Ζακλίν έβαλε τέλος στη ζωή της στο σπίτι της Mougins το 1986, 13 χρόνια μετά το θάνατο του Πικάσο.

Τα παιδιά του Πικάσο

Ο Πάολο Πικάσο († 5 Ιουνίου 1975) ήταν το πρώτο παιδί του Πικάσο από το γάμο του με την Όλγα Χόχλοβα. Ως μικρό παιδί, ο Paulo ήταν το μοντέλο για τους πίνακες Paulo on a Donkey (1923) και Paulo as a Harlequin (1924), μεταξύ άλλων.

Η Maya Widmaier Picasso (* 5 Σεπτεμβρίου 1935) γεννήθηκε από τη Marie-Thérèse Walter. Ο πατέρας της ζωγράφισε αρκετούς πίνακες με θέμα τη Μάγια, μεταξύ των οποίων και ο πίνακας Maya à la poupée (Μάγια με κούκλα), ο οποίος κλάπηκε από το διαμέρισμα της εγγονής του Πικάσο, Νταϊάνα Γουιντμάιερ Πικάσο, τον Φεβρουάριο του 2007. Τον Αύγουστο του 2008, οι πίνακες και ένα σχέδιο που είχε επίσης κλαπεί, ανακτήθηκαν από τη γαλλική αστυνομία.

Ο Claude Picasso (* 15 Μαΐου 1947) είναι το πρώτο παιδί του γάμου του με τη Françoise Gilot. Ορίστηκε εκτελεστής της περιουσίας της οικογένειας δύο χρόνια μετά το θάνατο του Πικάσο και ζει στο Παρίσι.

Η Paloma Picasso (* 19 Απριλίου 1949) είναι το δεύτερο παιδί της ένωσης του Picasso με τη Françoise Gilot. Δημιούργησε ένα εμπορικό σήμα για τον εαυτό της δημιουργώντας κοσμήματα, αξεσουάρ μόδας και αρώματα.

Σύμφωνα με το On-Line Picasso Project, το οποίο ιδρύθηκε το 1997 από τον Enrique Mallen (Sam Houston State University), ο συνολικός αριθμός των έργων του Πικάσο υπολογίζεται σε περίπου 50.000, συμπεριλαμβανομένων 1885 πινάκων ζωγραφικής, 7089 σχεδίων, 30.000 χαρακτικών (χαρακτικά, λιθογραφίες κ.λπ.), 150 σημειωματάριων, 1228 γλυπτών, 3222 κεραμικών καθώς και ταπισερί. Το έργο On-Line χρησιμοποιεί ως λογότυπο ένα μικρό P που έχει ως πρότυπο το σύμβολο @.

Ζωγραφική

Ο πρώτος πίνακας του Πικάσο, που δημιουργήθηκε γύρω στο 1889, είναι ο Πικαντόρ, ήδη ζωγραφισμένος με λάδι. Σκηνές ταυρομαχιών, περιστέρια και η απεικόνιση ενός αγάλματος του Ηρακλή αποτέλεσαν τα θέματα των πρώτων του σχεδίων. Δημιούργησε ελαιογραφίες στο ύφος της γεγονογραφίας παλαιών δασκάλων, ακολουθώντας το παράδειγμα του πατέρα του. Στην ηλικία των έντεκα ετών διδάχθηκε την παράδοση της ακαδημαϊκής ζωγραφικής υπό την καθοδήγηση του πατέρα του. Αφού έφτιαξε γύψινα εκμαγεία, δημιούργησε σχέδια όπως το Etude pour un torse.

Στους πίνακες που δημιούργησε γύρω στο 1895, οι Ισπανοί ζωγράφοι του 17ου αιώνα αποτέλεσαν το πρότυπό του. Εκείνη την εποχή ήταν μαθητής στην τάξη σχεδίου του "La Llotja" στη Βαρκελώνη. Ορισμένοι από τους πίνακές του παρουσιάζουν απηχήσεις και σπουδές μετά τα έργα του Φρανσίσκο ντε Ζουρμπαράν και του Ντιέγκο Βελάσκεθ, όπως το πορτρέτο του Φιλίππου Δ' μετά τον Βελάσκεθ. Από το 1897 ο Πικάσο σπούδασε για μικρό χρονικό διάστημα στη Βασιλική Ακαδημία του Σαν Φερνάντο στη Μαδρίτη. Ένα σχέδιο αυτής της περιόδου απεικονίζει τον ταυρομάχο Luis Miguel Dominguin.

Το 1896, ο πίνακάς του Η πρώτη κοινωνία εκτέθηκε στην έκθεση τεχνών και χειροτεχνίας της Βαρκελώνης και επαινέθηκε σε μεγάλη εφημερίδα. Το 1897 ζωγράφισε τη μεγάλη σύνθεση Επιστήμη και φιλανθρωπία. Ανταποκρινόταν στο δημοφιλές στυλ της ιστορικής ζωγραφικής της εποχής και έλαβε επίσημη τιμητική διάκριση στη Γενική Έκθεση Τέχνης της Μαδρίτης. Αργότερα έλαβε χρυσό μετάλλιο στη γενέτειρά του, τη Μάλαγα.

Όταν ο Πικάσο εγκατέλειψε τη Βασιλική Ακαδημία το 1897, σε ηλικία 16 ετών, άρχισε η ανεξάρτητη καλλιτεχνική του σταδιοδρομία.Τα χρόνια μεταξύ 1898 και 1901 χαρακτηρίζουν την περίοδο του προσανατολισμού: η συνεπής εξέταση των δημιουργικών αρχών όλων σχεδόν των προοδευτικών και πρωτοποριακών κατευθύνσεων της εποχής. Ξεπέρασε την αμιγώς ακαδημαϊκή του κατάρτιση με έναν τρόπο που τον χαρακτήριζε, όπως ακριβώς είχε μάθει να απορροφά τα νέα πράγματα: ως οικειοποίηση μέσω της μίμησης.

Επηρεάστηκε από τα έργα των Καταλανών μοντερνιστών ζωγράφων Isidre Nonell και Santiago Rusiñol και εμπνεύστηκε περαιτέρω -για να αναφέρουμε μόνο μερικά- από τον συμβολισμό, τους Άγγλους προραφαηλίτες, τον βιεννέζικο μοντερνισμό, τις καταλανικές τοιχογραφίες του 14ου αιώνα, τα έργα του Ελ Γκρέκο, του Henri de Toulouse-Lautrec και του Théophile Steinlen, του εικονογράφου Art Nouveau. Ο Πικάσο προσπαθούσε ήδη να μεταμορφώσει τα μοντέλα του. Το 1900, η αντιπαράθεση του Πικάσο με τον Τουλούζ Λοτρέκ έλαβε χώρα στον πίνακα Le Moulin de la Galette Η πρώτη του ατομική έκθεση στο "Els Quatre Gats" την ίδια χρονιά, ωστόσο, απέσπασε αρνητικές κριτικές.

Ο όρος Μπλε περίοδος στο έργο του Πικάσο υπογραμμίζει την κυριαρχία του μονοχρωματικού χρώματος. Τα θεμέλια της Γαλάζιας Περιόδου αναπτύχθηκαν στο Παρίσι. Ο πίνακας Evocation - Η ταφή του Casagema είναι η πρώτη εικόνα αυτής της δημιουργικής φάσης. Υποτίθεται ότι αντιπροσωπεύει το τέλος μιας φιλίας και την αρχή κάτι καινούργιου. Στα επόμενα έργα του περιλαμβάνονται το Μπλε Δωμάτιο και η περίφημη Αυτοπροσωπογραφία του 1901.

Μετά τη μετακόμισή του στη Βαρκελώνη το 1902, τα μελαγχολικά έργα με φιγούρες αποτέλεσαν τα κύρια θέματα. Απεικονίστηκαν παρείσακτοι της κοινωνίας, όπως ζητιάνοι, άστεγοι, αλλά και μοναχικοί άνθρωποι και μητέρα με παιδί. Με τη βοήθεια αυτών των θεμάτων, επεξεργάστηκε τόσο τη μοναξιά του σε μια ξένη χώρα όσο και το θάνατο του φίλου του. Η επιλογή των θεμάτων στα έργα του Πικάσο μπορεί να συγκριθεί με τα έργα του Nonell. Ωστόσο, αν ο Nonell αποκαλύπτει ένα τμήμα της πραγματικότητας και επιτρέπει την εξαγωγή συμπερασμάτων για ευρύτερα συμφραζόμενα, ο Πικάσο αντιλαμβάνεται τη μοίρα ως κάτι ατομικό, απομονωμένο.

Το 1902 ζωγράφισε το Melancholie, το πορτρέτο μιας μελαγχολικής νεαρής γυναίκας. Η υπερβολικά παρατεταμένη απεικόνιση των θεμάτων, όπως για παράδειγμα στο Büglerin (1904), μπορεί να αποδοθεί στην ενασχόλησή του με τον Ελ Γκρέκο: "Το γεγονός ότι οι φιγούρες μου στη Γαλάζια Περίοδο είναι όλες τεντωμένες οφείλεται πιθανώς στην επιρροή του". Από την άλλη πλευρά, το θέμα της Büglerin συνδέεται άρρηκτα με τις απεικονίσεις του Daumier και τις σπουδαίες μελέτες του Degas.

Το κυριότερο έργο της Γαλάζιας Περιόδου είναι το La Vie (Ζωή) από τον Μάιο του 1903, στο οποίο ο άνδρας που απεικονίζεται φέρει τα χαρακτηριστικά του φίλου του Carlos Casagema.

Η ιστορία της τέχνης χωρίζει τα έτη 1901-1906 στο έργο του Πικάσο σε δύο περιόδους, τη Γαλάζια Περίοδο και τη Ροζ Περίοδο. Για τους συγχρόνους του, ωστόσο, τα προαναφερθέντα χρόνια αποτελούσαν μια ενότητα. Γι' αυτούς, η κυρίαρχη χρήση του ροζ χρώματος δεν δικαιολογούσε σε καμία περίπτωση τον διαχωρισμό από ό,τι είχε προηγηθεί και μιλούσαν σταθερά για τη Γαλάζια Περίοδο. Έτσι το είδε και ο καλλιτέχνης εκ των υστέρων.

Με τους πίνακες της Γαλάζιας και της Ροζ Περιόδου, ο Πικάσο ξεχώρισε θεματικά από την επίσημη τέχνη που εξυμνήθηκε εκείνη την εποχή. Από το 1904, ο Πικάσο αντικατέστησε σταδιακά το κυρίαρχο μπλε με ροζ και πορτοκαλί αποχρώσεις. Τα μοτίβα της Ροζ Περιόδου προέρχονται συχνά από τον κόσμο των ηθοποιών και των καλλιτεχνών, οι οποίοι την εποχή εκείνη θεωρούνταν σύμβολα της καλλιτεχνίας. Έτσι, η Ροζ Περίοδος ονομάζεται επίσης Περίοδος Αρλεκίνος. Από την άλλη πλευρά, ωστόσο, η μορφή του αρλεκίνου εμφανίζεται και στις δύο περιόδους. Ο Πικάσο είχε απεικονίσει τον εαυτό του το 1905 στο παρισινό καμπαρέ Le Lapin Agile στον πίνακα Au Lapin Agile ως αρλεκίνο με την τότε ερωμένη του Germaine Gargallo. Λόγω της αγάπης του Πικάσο για την Fernande Olivier, το μοντέλο γλύπτη και ζωγράφου που γνώρισε στο Παρίσι το 1904 και η οποία θα γινόταν το θέμα πολλών έργων του, και επιπλέον λόγω των πρώτων οικονομικών επιτυχιών του, το έργο εμφανίζεται πιο αισιόδοξο. Το κυριότερο έργο της περιόδου Rosa θεωρείται ο πίνακας Οι ζογκλέρ (Les Saltimbanques) του 1905.

Ο πίνακας Les Demoiselles d'Avignon του 1907 θεωρείται σήμερα αδιαμφισβήτητα το κορυφαίο έργο της περιόδου Sturm und Drang του Πικάσο. Όταν το έργο έγινε γνωστό το 1939, έγινε η εικόνα-κλειδί του κατ' εξοχήν μοντερνισμού. Οι Demoiselles εμπνεύστηκαν από τους πίνακες του Paul Cézanne και τα έργα των Fauves, όπως το Le bonheur de vivre (Η χαρά της ζωής, 1905).

Αφετηρία του Πικάσο ήταν η εξέταση της ευρωπαϊκής καλλιτεχνικής παράδοσης και η προσφυγή του στην προϊστορική τέχνη, κάτι που φαίνεται στην ενασχόλησή του με την ιβηρική τέχνη που ξεκίνησε το καλοκαίρι του 1906. Από το χειμώνα του 1905

Το κεντρικό σημείο εκκίνησης για τον Πικάσο ήταν η ζωγραφική μορφή τέχνης του Σεζάν από τα τελευταία χρόνια της ζωής του. Ο Πικάσο είχε μελετήσει το έργο του και αργότερα είπε στον φωτογράφο Brassaï: "Σεζάν! Ήταν ο πατέρας όλων μας!" Τα αγαπημένα του μοτίβα ήταν οι νεκρές φύσεις, ιδίως τα μουσικά όργανα, τα τοπία και οι άνθρωποι.

Η κυβιστική περίοδος του Πικάσο μπορεί να χωριστεί σε δύο φάσεις: τον αναλυτικό και τον συνθετικό κυβισμό.

Αναλυτικός κυβισμός (1908-1912). Η μέθοδος του Πικάσο - το "άνοιγμα" της κλειστής μορφής των απεικονιζόμενων σωμάτων προς όφελος ενός ρυθμού μορφών - επιτρέπει την απεικόνιση της φυσικότητας των πραγμάτων και της θέσης τους στο χώρο αντί να προσποιούνται με ψευδαισθήσεις. Ο φωτισμός έπαιζε υποδεέστερο ρόλο. Στους πίνακες δεν διευκρινίζεται από ποια πλευρά ερχόταν το φως. Οι διαφορετικές όψεις των αντικειμένων που προκύπτουν δημιουργούν την εντύπωση ταυτόχρονης προοπτικής, σαν να μπορούν να εξεταστούν από όλες τις πλευρές ταυτόχρονα. Με αυτόν τον τρόπο δημιουργείται το αποτέλεσμα μιας "κρυσταλλικής" δομής. Ένα παράδειγμα είναι το πορτρέτο του Ambroise Vollard, που ζωγραφίστηκε το 1910.

Συνθετικός κυβισμός (1912-1916). Ο συνθετικός κυβισμός προέκυψε από την τεχνική κολάζ που εφάρμοσαν οι Πικάσο και Μπρακ, το papier collé. Εμπνεύστηκαν για τη δημιουργία των papier collés από τις τρισδιάστατες κατασκευές που είχαν δημιουργήσει προηγουμένως, τα χάρτινα γλυπτά, τα οποία έφτιαξαν από χαρτί και χαρτόνι, ενώ ο Πικάσο αργότερα από λαμαρίνα. Αποτελούν τη βάση για όλες τις επόμενες τεχνικές κολάζ μέχρι το έτοιμο κολάζ.

Χαρτί, εφημερίδα, ταπετσαρία, απομίμηση ξύλου, πριονίδι, άμμος και παρόμοια υλικά εμφανίστηκαν τώρα στα έργα. Τα όρια μεταξύ ζωγραφισμένου και πραγματικού αντικειμένου και ακόμη και αντικειμένου συγχωνεύονται ρευστά. Με αυτόν τον τρόπο, ο Μπρακ και ο Πικάσο δημιούργησαν μια σύνθεση διαφορετικών στοιχείων, η οποία έδωσε το όνομα αυτής της δημιουργικής περιόδου. Οι εικόνες που επεξεργάζονται με αυτόν τον τρόπο αποκτούν έναν υλικό χαρακτήρα που δημιουργεί μια νέα πραγματικότητα της εικόνας. Το πρώτο έργο του Πικάσο αυτού του είδους ήταν η Νεκρή φύση με καρέκλα από μπαστούνι (Nature morte à la chaise cannée), που δημιουργήθηκε το 1912 και αποτελεί το πρώτο κολάζ. Ένα άλλο έργο αυτής της φάσης είναι το Βιολί και ποτήρι κρασιού πάνω σε ένα τραπέζι.

Κατά τη διάρκεια του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου, δημιουργήθηκε στην Ευρώπη μια λαχτάρα για "καθαρότητα και τάξη" (Retour à l'ordre). Υπήρξε μια επιστροφή στην κλασική παράδοση και μια συχνά κραυγαλέα απόρριψη όλων των μοντερνισμών. Η Γαλλία έβλεπε τον εαυτό της σε άμεση συνέχεια της υποδειγματικής αρχαιότητας ως προπύργιο της ανθρωπιάς και αντίπαλο των "βάρβαρων Γερμανών". Η επιστροφή στο παρελθόν πραγματοποιήθηκε και σε άλλες χώρες της Ρωμανίας: στη Βαρκελώνη, για παράδειγμα, στο Noucentisme, το οποίο ο Πικάσο γνώρισε κατά τη διάρκεια του ταξιδιού του στην Ισπανία το 1917. Στη Γαλλία, αναδύθηκαν δύο αντίθετα καλλιτεχνικά στρατόπεδα. Η μία, με κύριο εκπρόσωπο τον Fernand Léger, προσπάθησε να συνδυάσει τα τυπικά επιτεύγματα του κυβισμού με τις μορφές του κλασικισμού, προκειμένου η τέχνη να υπηρετήσει πολιτικούς στόχους. Η άλλη, με κύριο εκπρόσωπο τον Πικάσο, ακολούθησε την άμεση αντιπαράθεση με τις κλασικές αξίες. Το αποτέλεσμα ήταν η αναβίωση του κλασικισμού στο έργο του Πικάσο.

Έτσι, τα έργα του Πικάσο δείχνουν ήδη από το 1914 και μετά

Η σύνθεση Τρεις γυναίκες στο συντριβάνι από το 1921 δείχνει τρεις δυναμικές γυναίκες ντυμένες σαν αρχαίες θεές που κοιτάζουν η μία την άλλη μελαγχολικά. Ένα άλλο αρχαίο θέμα απεικονίζεται στον πίνακα The Panpipe από το 1924.

Από το 1925 έως το 1936 ο Πικάσο στράφηκε και πάλι εντατικά στη γλυπτική. Όλες οι δισδιάστατες και τρισδιάστατες μορφές έκφρασης τοποθετήθηκαν η μία δίπλα στην άλλη και η μία μετά την άλλη σε μια σχεδόν "εκρηκτική" πληθώρα αμοιβαίων αντιστοιχιών. Για τα ζογκλερικά του με τη φόρμα, ο Πικάσο έλαβε υποστήριξη εκείνα τα χρόνια από ένα νέο καλλιτεχνικό κίνημα που είχε αποκρυσταλλωθεί από τα ρεύματα του Ντανταϊσμού: τον υπερρεαλισμό. Για τους υπερρεαλιστές, ο Πικάσο ήταν μια συμβολική φιγούρα της νεωτερικότητας. Ωστόσο, ο Πικάσο δεν μπορεί να συγκαταλέγεται στον υπερρεαλισμό με τη στενή έννοια του όρου.

Ο Πικάσο συμμετείχε στην πρώτη έκθεση σουρεαλιστών ζωγράφων στην Galerie Pierre στο Παρίσι το 1925. Τα έργα του παρουσιάστηκαν εκεί μαζί με έργα των Hans Arp, Giorgio de Chirico, Max Ernst, Man Ray και Joan Miró. Εκ των υστέρων, στη δεκαετία του 1950, δήλωσε ότι είχε εργαστεί χωρίς σουρεαλιστικές επιρροές πριν από το 1933. Αυτή η δήλωση του Πικάσο, ωστόσο, έρχεται σε αντίθεση με το γεγονός ότι είχε παρατηρήσει στενά τα έργα του Τζόρτζιο ντε Κίρικο μέχρι τον Τζοάν Μιρό και τα χρησιμοποιούσε ως πρότυπα. Εμπνεύστηκε ιδιαίτερα από την υπερρεαλιστική γλυπτική, ιδίως από τα έργα του Alberto Giacometti. Ωστόσο, αυτές οι υιοθεσίες δεν ήταν ποτέ μεμονωμένες, αλλά λειτουργούσαν από τον Πικάσο για τους δικούς του σκοπούς και συνδυάζονταν με δάνεια από εντελώς διαφορετικά καλλιτεχνικά ρεύματα. Ο Πικάσο είπε: "Κάποιοι αποκαλούν τα έργα που δημιούργησα σε μια συγκεκριμένη περίοδο σουρεαλιστικά. Δεν είμαι σουρεαλιστής. Ποτέ δεν παρέκκλινα από την αλήθεια: Έχω παραμείνει πάντα στην πραγματικότητα".

Έργα εμπνευσμένα από τον σουρεαλισμό περιλαμβάνουν τα έργα Sleeping Woman in Armchair, 1927, Seated Bathers on the Seashore και The Crucifixion από το 1930.

Το πρώτο έργο που δημιούργησε ο Πικάσο με θέμα τον ισπανικό εμφύλιο πόλεμο ήταν το Όνειρο και ψέμα του Φράνκο, μια σειρά 18 χαρακτικών με ακουατίντα που ο Πικάσο είχε ξεκινήσει στις 8 Ιανουαρίου 1937. Μετά τον βομβαρδισμό της Γκερνίκα τον Απρίλιο του 1937, δημιούργησε την τοιχογραφία μεγάλου μεγέθους Γκερνίκα, ύψους περίπου τριάμισι μέτρων και πλάτους σχεδόν οκτώ μέτρων, η οποία εκτέθηκε μαζί με το ποίημα του Paul Éluard Η νίκη της Γκερνίκα στο ισπανικό περίπτερο της Παγκόσμιας Έκθεσης του Παρισιού τον Ιούνιο.

Μετά την αρχική κριτική, η οποία βασίστηκε ακριβώς στην έλλειψη πολιτικής σαφήνειας, ανακηρύχθηκε κατά την υποδοχή του ως ο διασημότερος αντιπολεμικός πίνακας του 20ού αιώνα - ακολουθούμενος με απόσταση από τους πίνακες του George Grosz και του Otto Dix για τον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο. Ορισμένες βασικές μορφές του πίνακα, όπως η γυναίκα που κλαίει και το άλογο που πεθαίνει, συναντώνται σε μεταγενέστερα έργα του.

Μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο, το ύφος του Πικάσο άλλαξε και πάλι, ερμηνεύοντας εκ νέου και ανταγωνιζόμενος την τέχνη των παλαιών δασκάλων. Παραδείγματα είναι το Πορτρέτο ενός ζωγράφου μετά τον Ελ Γκρέκο, 1950, οι 15 εκδοχές μετά τις Γυναίκες του Αλγερίου του Ντελακρουά, που ζωγραφίστηκαν από το 1954 και μετά, και το Las Meninas μετά τον Βελάσκεθ το 1957. Στο έργο Las Meninas, ο Πικάσο αντικατέστησε το Great Dane του Ισπανού βασιλιά με το δικό του κυνηγόσκυλο Lump. Οι αναδημιουργίες χαρακτηρίζονται από τυπικό πνεύμα και ειρωνεία του περιεχομένου. Με τον τρόπο αυτό προέβλεψε την "τέχνη της παράθεσης", η οποία επρόκειτο να διαδοθεί ευρέως τη δεκαετία του 1960.

Ο Πικάσο χρησιμοποίησε την ειδική μορφή γυάλινης ζωγραφικής που επινόησε ο Jean Crotti, το "gemmail" (πληθυντικός "gemmaux"), για παράδειγμα στο έργο του Ma jolie guitar του 1955. Από το 1954 και μετά δημιούργησε περίπου 60 έργα με αυτή την τεχνική, στα οποία επαναλάμβανε προηγούμενα θέματα.

Οι αυτοπροσωπογραφίες του Πικάσο είναι σπάνιες: "Πραγματικά δεν ασχολήθηκα πολύ συχνά με το πρόσωπό μου". Αντ' αυτού, ο Πικάσο έδειξε τον εαυτό του σε κωδικοποιημένες αυτοπροσωπογραφίες, κρυμμένες σε αρλεκίνους, νέους και ηλικιωμένους, καθώς και στα πορτρέτα του Ρέμπραντ και του Μπαλζάκ (1952). Προς το τέλος της καριέρας του, ωστόσο, δημιούργησε μια σειρά από αυτοπροσωπογραφίες. Τον Απρίλιο του 1972 ο Πικάσο δημιούργησε το έργο του Νέος ζωγράφος. Με λίγες απλές πινελιές που έρχονται σε αντίθεση με τα εκφραστικά, εμπαστοζωγραφισμένα έργα των προηγούμενων ετών, απεικονίζει τον εαυτό του με ένα πλατύγυρο καπέλο, κρατώντας το πινέλο χαλαρά στο χέρι του, ίσως μια προσπάθεια μπροστά στο θάνατο να ξαναγίνει ο μικρός Pablo Ruiz. Τον Ιούνιο ακολούθησε μια άλλη αυτοπροσωπογραφία που τον έδειχνε ως ηλικιωμένο άνδρα να κοιτάζει τον θεατή με μάτια που είχαν ανοίξει από τρόμο.

Το ζωγραφικό έργο του Πικάσο τελείωσε με τον πίνακα Η αγκαλιά, που ζωγραφίστηκε την 1η Ιουνίου 1972- μέχρι το θάνατό του, στις 8 Απριλίου 1973, ο Πικάσο ζωγράφιζε μόνο - υπήρχαν τουλάχιστον διακόσιοι πίνακες. Δύο χρώματα κυριαρχούν στην ερωτική σκηνή: το μπλε και το ροζ. Εδώ, ο Πικάσο επιστρέφει και πάλι στα θεμέλια της τέχνης του: τις εικόνες θανάτου, την ερωτική βιασύνη, τη μελαγχολική μπλε περίοδο και την παιχνιδιάρικη ροζ περίοδο. Σε αυτόν τον τελευταίο πίνακα, ένα μπλε κύμα τρέχει προς ένα ζευγάρι που μόλις και μετά βίας αναγνωρίζεται- μπορεί κανείς να το συμπεράνει μόνο από τον τίτλο. Στην εικόνα κυριαρχεί ένα εκστατικό μπέρδεμα σωμάτων και σεξουαλικών μερών.

Γλυπτική

Ως ανεκπαίδευτος γλύπτης, ο Πικάσο δημιούργησε γλυπτά μεταξύ 1909 και 1930, τα οποία επηρέασαν σημαντικά τη γλυπτική του 20ού αιώνα. Τα τρισδιάστατα έργα συνόδευσαν ολόκληρο το έργο του και λειτούργησαν ως πεδίο πειραματισμού για το ζωγραφικό του έργο. Δεν συνέχισε τις καινοτομίες του, αλλά αποτέλεσαν έμπνευση για σύγχρονους γλύπτες όπως οι φουτουριστές, οι ντανταϊστές και οι κονστρουκτιβιστές.

Το παλαιότερο γλυπτό του Πικάσο είναι η μικρή χάλκινη καθιστή γυναίκα του 1902, την οποία φιλοτέχνησε όταν ήταν μόλις 20 ετών. Το πρώτο του σημαντικό γλυπτό ήταν το σχεδόν σε φυσικό μέγεθος κεφάλι γυναίκας (Fernande) του καλοκαιριού του 1909, το οποίο δημιουργήθηκε σε συνδυασμό με τους πίνακες της Fernande, οι οποίοι, μετά την ενασχόλησή του με το ύστερο έργο του Σεζάν, διέθεταν ήδη μια νέα, μη προοπτική εικαστική δομή, μειωμένη χρωματική πλάκα και αποσύνθεση της μορφής. Δεν δημιουργήθηκαν άλλα γλυπτά μέχρι το 1912, όταν δημιουργήθηκε το πρώτο κολάζ, η Νεκρή φύση με πλέξη καλαμιών. Την ίδια χρονιά, δημιούργησε την Montage Guitar, μια "κατασκευή" από κομμάτια χαρτονιού κολλημένα μεταξύ τους και εφοδιασμένα με χορδές.

Από το 1914 προέρχεται μια σειρά από έξι ποτήρια αψέντι, που αποτελούνται από μπρούντζινο γυαλί κυβιστικού σχήματος, στο οποίο έχουν προστεθεί ένα πραγματικό κουτάλι αψέντι και ένα ψεύτικο κομμάτι ζάχαρης και τα οποία έχουν βαφτεί διαφορετικά - μια αντισυμβατική επεξεργασία του μπρούντζου ως υλικού. Πρόκειται για μια συναρμολόγηση. Το πραγματικό κουτάλι θυμίζει ένα έτοιμο του Marcel Duchamp. Από το 1923, ο Πικάσο συνεργάστηκε με τον φίλο του, τον γλύπτη Julio González, ο οποίος τον εξοικείωσε περαιτέρω με τις διάφορες δυνατότητες του γλυπτικού σχεδιασμού.

Το 1928 και το 1929 δημιούργησε τα γλυπτά από σίδερο και σύρμα, με ένα από τα βασικά έργα του να είναι το Wire Construction (δημιουργήθηκε στο Παρίσι στα τέλη του 1928). Στη φάση του έργου του στις αρχές της δεκαετίας του 1930, ο Πικάσο δημιούργησε γλυπτά με ρεαλιστική μορφή, όπως το κεφάλι γυναίκας (Marie Thérèse), 1931, το οποίο αναφέρεται στην ερωτική του σχέση με τη νέα του σύντροφο Marie-Thérèse Walter. Άλλα γλυπτικά έργα περιλαμβάνουν, για παράδειγμα, το σύνολο The Bull's Skull από το 1942, το Man with Lamb, 1942.

Εκτύπωση

Μεταξύ του 1930 και του 1937, ο Πικάσο δημιούργησε μια σειρά εκατό χαρακτικών που ονομάστηκε "Σουίτα Vollard" από τον εκδότη και έμπορο τέχνης Vollard, ο οποίος τις είχε παραγγείλει στον καλλιτέχνη. Σε αυτό, ο Πικάσο διαφοροποίησε θέματα όπως ο καλλιτέχνης και το μοντέλο και το μοτίβο του Μινώταυρου. Το Graphikmuseum Pablo Picasso Münster απέκτησε την πλήρη σειρά των εκτυπώσεων το 2001.

Κεντρικό θέμα έγιναν οι ταυρομαχίες, τις οποίες ο Πικάσο απεικόνισε σε μια σειρά χαρακτικών το 1935. Τα μοτίβα του ταύρου και των ταυρομαχιών ως παραδοσιακό ισπανικό θέμα διατρέχουν όλο το έργο του Πικάσο. Το έργο Minotauromachie συνδέει τον αρχαίο μύθο του Μινώταυρου με σύγχρονες σκηνές ταυρομαχίας, οι οποίες συναντώνται, για παράδειγμα, στη σειρά χαρακτικών Dream and Lie του Φράνκο το 1937 και στον μνημειώδη πίνακα Guernica. Η μινωταυρομαχία είναι ένα απόσπασμα από τον συμπατριώτη του Francisco de Goya, ο οποίος δημιούργησε την ακολουθία χαρακτικών Tauromaquia γύρω στο 1815. Η σειρά La Tauromaquia, που δημιουργήθηκε το 1957, με 26 χαρακτικά ακουατίντας, δημιουργήθηκε ως εικονογράφηση για το πρώτο εγχειρίδιο για την τέχνη της ταυρομαχίας, La Tauromaquia, o arte de torear, ένα βιβλίο του 1796, του οποίου συγγραφέας ήταν ένας από τους πιο διάσημους ταυρομάχους της εποχής του, ο τορερό José Delgado y Galvez, αποκαλούμενος Pepe Illo.

Από τον Νοέμβριο του 1945, μετά τις πρώτες του λιθογραφίες των ετών 1919 έως 1930, στράφηκε ξανά στην τεχνική της λιθογραφίας στο εργαστήριο του Fernand Mourlot στο Παρίσι- δημιούργησε, για παράδειγμα, τα έργα Tête de femme, Les deux femmes nues και Le Taureau.

Το 1968 δημιούργησε δύο μεγάλες σειρές χαρακτικών: Painter and Model και The Recliners, τα οποία για άλλη μια φορά έθιξαν τα κεντρικά θέματα του έργου του: Τσίρκο, ταυρομαχίες και ερωτικά μοτίβα.

Ο Πικάσο ασχολήθηκε επίσης με την εμπορική τέχνη, δημιουργώντας σχέδια για τον Τύπο, αφίσες και εικονογραφήσεις βιβλίων, καθώς και σχέδια για ημερολόγια, κάρτες και μουσικά βιβλία. Στην αρχή, τα γραφιστικά του έργα χρησίμευαν για τα προς το ζην του νεαρού καλλιτέχνη, αλλά αργότερα παρήχθησαν ως χάρες για φίλους συγγραφείς, συνθέτες, εκδότες και ιδιοκτήτες γκαλερί. Στο Vallauris το 1948, εκτός από την κεραμική, αφοσιώθηκε στην τεχνική της λινοτυπίας, την οποία εκτέλεσε μαζί με τον τυπογράφο Hidalgo Arnera. Οι αφίσες για τις ταυρομαχίες και οι εκθέσεις κεραμικής στο δήμο ήταν τα πρώτα του έργα. Η πιο διάσημη αφίσα του είναι το Περιστέρι της Ειρήνης για το Παγκόσμιο Συνέδριο Ειρήνης στο Παρίσι το 1949. Ο Πικάσο δημιούργησε περίπου εκατό σχέδια για το Περιστέρι της Ειρήνης, το οποίο έγινε σύμβολο γνωστό σε όλο τον κόσμο- ο σχεδιασμός του βασίζεται σε ιμπρεσιονιστικά στιλιστικά μέσα. Τον Απρίλιο του 1949, το Περιστέρι της Ειρήνης εκτέθηκε για πρώτη φορά στο Συνέδριο του Παρισιού, το "Congrès mondial des partisans de la paix". Ακολούθησαν και άλλα περιστέρια για τα συνέδρια της Βαρσοβίας και της Βιέννης.

Εικονογραφήσεις βιβλίων Ο Πικάσο εικονογράφησε έργα από την ελληνική αρχαιότητα έως τη σύγχρονη λογοτεχνία σε βιβλιοφιλικές εκδόσεις. Το Clair de terre του André Breton από το 1923 περιέχει τις πρώτες του εικονογραφήσεις βιβλίων, ενώ ακολούθησαν εικονογραφήσεις για έργα των Luis de Góngora, Francesco Petrarca, Tristan Tzara, Antonin Artaud και Pierre Reverdy. Το πιο διάσημο έργο είναι το Le Chef d'Œuvre Inconnu (Το άγνωστο αριστούργημα) του Ονορέ ντε Μπαλζάκ, που εκδόθηκε από τον Vollard το 1931, με εικονογράφηση του καλλιτέχνη. Είχε σχέση με τον πρωταγωνιστή Frenhofer, έναν ζωγράφο, μέσω του επαγγέλματός του και του δρόμου όπου είχε ζήσει - της Rue des Grands-Augustins.

Άλλα είδη εργασίας

Σκηνικά και κουρτίνες, κοστούμια Ο Πικάσο είχε ήδη ανακαλύψει το θέατρο ως πηγή έμπνευσης για την τέχνη του στα πρώτα του χρόνια. Από το 1905 και μετά, επέλεξε τον μελαγχολικό αρλεκίνο και τους θλιμμένους καλλιτέχνες ως μοτίβα για τους πίνακές του. Η ενασχόληση με το θέατρο διατρέχει ολόκληρο το έργο του. Το 1917, ο Πικάσο δημιούργησε έξι σκηνικά, την κουρτίνα της σκηνής και τα κοστούμια για το Μπαλέτο Ρώσοι του Σεργκέι Ντιαγκίλεφ, το οποίο παρουσίασε το μπαλέτο Parade βασισμένο σε θέμα του Ζαν Κοκτώ και μουσική του Ερίκ Σατί. Ακολούθησαν το 1919 σκηνικά σχέδια για την όπερα Der Dreispitz του Manuel de Falla, το 1920 για την Pulcinella του Igor Stravinsky και το 1924 για το μπαλέτο Les Aventures de Mercure του Satie. Στο Schirn της Φρανκφούρτης παρουσιάστηκαν περισσότερα από 140 έργα από τα τέλη του 2006 έως τις αρχές του 2007: σχέδια για σκηνικά, φωτογραφίες, κοστούμια, σκηνικές κουρτίνες, σχέδια και πίνακες ζωγραφικής. Ωστόσο, πολλά πρωτότυπα σκηνικά και κοστούμια έχουν καταστραφεί ή χαθεί. Συχνά υπάρχουν μόνο λίγες ασπρόμαυρες φωτογραφίες των αρχικών χορογραφιών.

Κεραμικά Την άνοιξη του 1947, ο Πικάσο μετακόμισε σε ένα στούντιο στη γαλλική πόλη Vallauris, έχοντας γνωρίσει τυχαία τη Suzanne και τον Georges Ramie, ιδιοκτήτες του εργαστηρίου Madoura, ενός εργοστασίου κεραμικών, στην ετήσια έκθεση κεραμικής του προηγούμενου έτους. Ο Πικάσο έκανε τα πρώτα του πειράματα με την κεραμική και αποφάσισε να αφιερωθεί σε αυτή την τέχνη. Η προσέγγισή του ήταν ανορθόδοξη. Δημιούργησε φαύνους και νύμφες από τον πηλό, έριξε τη γη σαν μπρούντζο, διακόσμησε πιάτα και πιατέλες με τα αγαπημένα του μοτίβα, όπως ταυρομαχίες, γυναίκες, κουκουβάγιες, κατσίκες, χρησιμοποίησε ασυνήθιστες βάσεις (θραύσματα από πινιάτες, κάψουλες ψησίματος ή σπασμένα τούβλα) και επινόησε μια μάζα λευκού πηλού από μη επιμεταλλωμένα κεραμικά με ανάγλυφα. Μέσα σε είκοσι χρόνια, ο Πικάσο δημιούργησε μεγάλο αριθμό πρωτότυπων κεραμικών έργων.

Φωτογράφηση Αν και ο ίδιος ο Πικάσο ασχολήθηκε ελάχιστα με τη φωτογραφία, ήξερε σίγουρα πώς να χρησιμοποιεί τις δυνατότητες του μέσου για τους καλλιτεχνικούς του πειραματισμούς. Το 1949, για παράδειγμα, δημιούργησε στο Vallauris σε συνεργασία με τον φωτογράφο Gjon Mili μια σειρά από φωτογραφήματα, τους λεγόμενους φωτογράφους. Ο Πικάσο αντάλλαξε το στυλό του με έναν φακό και ζωγράφισε φιγούρες στον αέρα μπροστά στην κάμερα του Mili σε ένα σκοτεινό δωμάτιο. Μέσω της μακροχρόνιας έκθεσης, οι διαδρομές του φωτός του έγιναν σαφείς στη φωτογραφία ως "φωτογραφήματα".

Σχεδιαστής μεταλλίων Ως σχεδιαστής, ο Πικάσο δημιούργησε τα μετάλλια για τον Διεθνή Διαγωνισμό Πιάνου Arthur Rubinstein, που διεξάγεται κάθε τρία χρόνια από το 1974 στο Τελ Αβίβ του Ισραήλ.

Λογοτεχνικό έργο

Εκτός από το ζωγραφικό του έργο, ο Πάμπλο Πικάσο άφησε πίσω του δεκάδες ποιήματα. Τα κείμενά του μπορείτε να τα βρείτε στον κατάλογο της βιβλιογραφίας στην ενότητα Peter Schifferli: Pablo Picasso. Λόγος και εξομολόγηση. Τα συγκεντρωμένα ποιήματα και μαρτυρίες.

Ο Πικάσο εμφανίστηκε επίσης ως θεατρικός συγγραφέας. Το 1941, υπό την εντύπωση της γερμανικής κατοχής του Παρισιού και ενός σκληρού χειμώνα, έγραψε μέσα σε λίγες μέρες το έργο Le Désir attrapé par la queue, το οποίο πρωτοεμφανίστηκε στο περιοδικό Message. Το έργο παρουσιάστηκε σε σκηνική ανάγνωση τον Μάρτιο του 1944, σε σκηνοθεσία του Αλμπέρ Καμύ, στο διαμέρισμα του Μισέλ Λεϊρίς, με τη συμμετοχή της Σιμόν ντε Μποβουάρ, του Ζαν-Πολ Σαρτρ, του Ρεϊμόν Κενώ, της Ντόρα Μαάρ και του Βαλεντίν Ουγκό. Το έργο παρουσιάστηκε για πρώτη φορά στο Watergate Theatre του Λονδίνου το 1950.

Ο Paul Celan μετέφρασε αυτό το δράμα στα γερμανικά με τον τίτλο Wie man Wünsche beim Schwanz packt. Η πρεμιέρα του στη γερμανική γλώσσα πραγματοποιήθηκε το 1956 στο Kleintheater της Βέρνης, σε σκηνοθεσία Daniel Spoerri και με τη συμμετοχή της Meret Oppenheim (σκηνικά και κοστούμια), μεταξύ άλλων. Ο Veit Relin διασκεύασε το έργο για το ZDF το 1971. Με αφορμή τη ραδιοφωνική εκδοχή αυτής της "ντανταϊστικής, ερωτικής κωμωδίας" που παρήγαγε η SDR το 1980, η Deutschlandfunk έγραψε: "Εμπνευσμένο από το πνεύμα της ψυχανάλυσης, το έργο είναι ένα (αλλά) αστείο κολάζ από παράλογες σκηνές και σουρεαλιστικές συναντήσεις ενός ποιητή, στις οποίες εικόνες ονείρου και στοιχεία του πραγματικού κόσμου συγχωνεύονται σε μια αλλοτριωτική σύνθεση".

Το 1948 ο Πικάσο έγραψε ένα άλλο έργο Les quatre petites, το οποίο μεταφράστηκε στα γερμανικά με τον τίτλο Vier kleine Mädchen και έκανε πρεμιέρα στο Λονδίνο το 1981.

Μαρτυρίες συγχρόνων

Ο συμπατριώτης του Πικάσο Σαλβαδόρ Νταλί ταξίδεψε για πρώτη φορά στο Παρίσι το 1926 για να επισκεφθεί τον Πικάσο. "Όταν έφτασα στο σπίτι του Πικάσο, ήμουν τόσο βαθιά συγκινημένος και γεμάτος σεβασμό, σαν να είχα ακρόαση με τον Πάπα". Το 1934 ο Πικάσο δάνεισε στον Νταλί τα χρήματα για ένα ταξίδι στις ΗΠΑ, τα οποία ο Νταλί δεν θα ξεπλήρωνε ποτέ. Η εκτίμησή τους αργότερα άλλαξε- έγιναν αντίπαλοι και ο Νταλί, σε αντίθεση με τον Πικάσο, ήταν υποστηρικτής του Φρανσίσκο Φράνκο. Το ρητό του Νταλί έγινε διάσημο:

Ο υπερρεαλιστής συγγραφέας Αντρέ Μπρετόν εξήρε τον καλλιτέχνη στο δοκίμιό του "Ο υπερρεαλισμός και η ζωγραφική" του 1928: "Πρέπει να στερείται κανείς κάθε αντίληψης για την εξαιρετική προδιάθεση του Πικάσο για να τολμήσει να φοβηθεί οποιαδήποτε μείωση σε αυτόν. Ω Πικάσο, που οδήγησες το πνεύμα στον υψηλότερο βαθμό του, όχι της αντίφασης, αλλά της απελευθέρωσης".

Στο βιβλίο του "Memoirs of an Art Dealer" του 1936, ο γκαλερίστας Ambroise Vollard ανέφερε την αντίδραση του κοινού στις εκθέσεις των έργων του: "Κάθε νέο έργο του Πικάσο τρομάζει το κοινό μέχρι η έκπληξη να μετατραπεί σε θαυμασμό".

Ο Maurice de Vlaminck ήταν επικριτικός το 1942: "Δεν σχεδιάζει καμία γραμμή, δεν εφαρμόζει κανένα χρώμα, χωρίς να ανακαλεί ένα πρωτότυπο. Giorgione, El Greco, Steinlen, Lautrec, ελληνικές μάσκες και ειδώλια: χρησιμοποιεί τα πάντα Το μόνο πράγμα που δεν μπορεί να καταφέρει ο Πικάσο: ένας "Πικάσο" που προέρχεται από τον Πικάσο" (αναδημοσίευση στο "Η διαθήκη μου", 1959).

Ο Μαξ Ερνστ, από την άλλη πλευρά, θαύμαζε τον Πικάσο σε συνέντευξή του στο Spiegel το 1970, λέγοντας: "Ο Πικάσο, κανείς δεν μπορεί να τον ανταγωνιστεί, είναι η ιδιοφυΐα.

Σχέση με τον Matisse

Η σχέση με τον Henri Matisse παρουσιάζεται στην επόμενη ενότητα: → Η σχέση του Ματίς με τον Πικάσο

Ο μύθος του Πικάσο - "Ο Πικάσο και οι μύθοι"

Κανένας άλλος καλλιτέχνης του 20ού αιώνα δεν ήταν τόσο αμφιλεγόμενος και κανένας δεν έγινε τόσο διάσημος όσο ο Πικάσο. Κανείς δεν ερμηνεύτηκε τόσο νωρίς, για τόσο μεγάλο χρονικό διάστημα και τελικά τόσο ομόφωνα ως ο καθοριστικός καλλιτέχνης της εποχής του. Κανείς δεν έχει αποτελέσει τόσο συχνά αντικείμενο ποίησης ή ταινιών. Ο πατέρας του Πικάσο λέγεται ότι είχε ήδη αποτίσει φόρο τιμής στον γιο του, όπως δείχνει το απόσπασμα του Πικάσο που αναπαράγεται από τον Sabartés: "Τότε μου έδωσε τις μπογιές και τα πινέλα του και δεν ξαναζωγράφισε ποτέ". Ο πατέρας λέγεται ότι το έκανε αυτό σε μια εποχή που ο νεαρός Πάμπλο δεν μπορούσε πλέον να μάθει τίποτα από αυτόν.

Οι απόψεις για τον Πικάσο δείχνουν όλα τα άκρα των σημερινών απόψεων για τη νεωτερικότητα και αυξήθηκαν σε σημείο που να είναι ανυπολόγιστες. Ακόμη και ο σημαντικός όγκος της βιογραφικής παράδοσης αποτελεί "σταγόνα" μπροστά στο ρεύμα απόψεων, κριτικών, μελετών και βιβλίων για το έργο του Πικάσο που ρέει εδώ και δεκαετίες. Για τον Klaus Herding, το έργο του Πικάσο είναι η κατ' εξοχήν πρόκληση της πρωτοπορίας, και στα μάτια του Werner Spies, ο Πικάσο είναι με τη σειρά του "αναμφισβήτητα ο μεγαλύτερος σχεδιαστής" του 20ού αιώνα. Σύμφωνα με τον William Rubin, το έργο του Πικάσο αντιπροσωπεύει την τέχνη του 20ού αιώνα στο σύνολό της μέσω της "ποικιλομορφίας των τεχνοτροπιών της, του πλούτου της ποικιλίας της και της δημιουργικής της δύναμης".

Το 2002, το Bucerius Kunst Forum στο Αμβούργο παρουσίασε την έκθεση "Ο Πικάσο και οι μύθοι". Η Petra Kipphoff το σχολίασε στην Die Zeit: "Ο Πικάσο και οι γυναίκες, ο Πικάσο και τα παιδιά, ο Πικάσο και ο θάνατος, ο Πικάσο και ο πόλεμος, ο Πικάσο ο ζωγράφος, ο γλύπτης, ο σχεδιαστής, ο γραφίστας: κανένας άλλος καλλιτέχνης του 20ού αιώνα δεν έχει εκτεθεί τόσο πολύ, δεν έχει δημοσιευθεί τόσο εκτενώς και δεν έχει σχολιαστεί τόσο πολύ. Για τον Ισπανό και ομολογουμένως μάτσο Πάμπλο Πικάσο, ωστόσο, ο ταύρος ήταν το σταθερό σημείο των μύθων και η προτιμώμενη άλλη ταυτότητα. Ο Μινώταυρος, το αποτέλεσμα μιας προσεκτικά προετοιμασμένης περιπέτειας μεταξύ της Κρητικής βασίλισσας Πασιφάης και ενός ταύρου, είναι η αρχή όλων των θρύλων για την αρρενωπότητα. Ο Πικάσο όχι μόνο το ανέφερε ξανά και ξανά, αλλά και παίζει με τον διπλό ρόλο του ανθρώπου και του ίδιου του ταύρου, άλλοτε χαρούμενα, άλλοτε επιθετικά. Και ότι ο μύθος της προϊστορίας μπορεί να βρει την επιβεβαίωσή του και στο δρόμο τον 20ό αιώνα αποδεικνύεται από το περίφημο Bull Skull του 1942, στο οποίο ο Πικάσο τοποθέτησε τη σέλα και το τιμόνι ενός ποδηλάτου με τέτοιο τρόπο ώστε να διακρίνεται πράγματι η σιλουέτα του κεφαλιού ενός ταύρου".

"Homage à Picasso

69 εκθέματα σύγχρονων καλλιτεχνών που αναφέρουν τον Πικάσο και το έργο του παρουσιάστηκαν σε μια έκθεση με τίτλο "Hommage à Picasso" με την ευκαιρία της 1000ης επετείου της πόλης Kronach το 2003. Οι καλλιτέχνες ήθελαν να του αποδώσουν τον καλλιτεχνικό τους σεβασμό για τα 90ά γενέθλιά του το 1971. Οι λινογραφίες, οι χαρακτικές και οι λιθογραφίες που παρουσιάζονται χρονολογούνται από το 1971 έως το 1974 και δημοσιεύτηκαν για πρώτη φορά το 1973 και το 1974 σε ένα χαρτοφυλάκιο που εκδόθηκε από την Propyläen Verlag, Βερολίνο, και την Pantheon Presse, Ρώμη. Ο φάκελος περιλαμβάνει έργα καλλιτεχνών όπως οι Henry Moore, Max Bill, Allen Jones, Robert Motherwell, Jacques Lipchitz, Giacomo Manzù, Pierre Alechinsky, Joseph Beuys, Roy Lichtenstein, Michelangelo Pistoletto, Richard Hamilton, Walter De Maria και Hans Hartung, μεταξύ άλλων, οι οποίοι τίμησαν τον Πικάσο με την ιδιαίτερη καλλιτεχνική τους γλώσσα.

Πριν από το έργο του Joan Miró του 1973 με τίτλο Hommage à Picasso είχαν προηγηθεί οι ομώνυμοι πίνακες του Juan Gris το 1912 και του Paul Klee το 1914.

Το 2006, το Deutsche Guggenheim παρουσίασε μια εκδοχή του έργου της Hommage à Picasso του 1995, η οποία ανανεώθηκε και επεκτάθηκε από την εννοιολογική καλλιτέχνιδα Hanne Darboven ως έργο κατά παραγγελία.

Επαναξιολόγηση του ύστερου έργου του Πικάσο

Αφού ήδη από το 1992

Τον κατάλογο της έκθεσης επιμελήθηκε ο Werner Spies, ο οποίος γνώριζε προσωπικά τον Πικάσο και θεωρείται άριστος γνώστης του έργου του. "Ο Πάμπλο Πικάσο άφησε ανεξίτηλο σημάδι στην τέχνη του 20ού αιώνα όσο κανένας άλλος. Ανάμεσα στις πολυάριθμες φάσεις και στιλιστικές περιόδους του έργου του, το ύστερο έργο του κατέχει μια ξεχωριστή θέση. Οι ύστεροι πίνακές του, που προσκολλώνται στον αισθησιασμό και αγκαλιάζουν με όλες τους τις ίνες, δείχνοντας φιλιά και συνουσίες σε κοντινά πλάνα, χαρακτηρίζονται από μια μεγάλη ανησυχία που στοχεύει να ξορκίσει τον θάνατο. Οι αριστοτεχνικά γρήγοροι, "άγριοι" πίνακες ζωγραφικής αντιπαραβάλλονται με τεχνικά σχολαστικά σχέδια στα οποία επικρατεί μια μοναδική αφηγηματική χαρά. Με βάση σχεδόν 200 έργα - πίνακες, σχέδια, χαρακτικά και γλυπτά - η ιδιαίτερη μέθοδος εργασίας και η διαλεκτική της μετέπειτα τέχνης του Πικάσο. Πάνω απ' όλα, ο τεταμένος διάλογος μεταξύ ζωγραφικής και σχεδίου, που αναπτύχθηκε κατά τη διάρκεια των χρόνων στο Mougins, δείχνει τον μεγαλύτερο καλλιτέχνη του 20ού αιώνα να αγωνίζεται ενάντια στον χρόνο που του απέμενε".

Κινηματογράφος και θέατρο

Ο Γάλλος σκηνοθέτης Henri-Georges Clouzot κυκλοφόρησε το 1956 ένα ντοκιμαντέρ τύπου ρεπορτάζ για τον Πάμπλο Πικάσο και τις μεθόδους εργασίας του με τίτλο Picasso (Le Mystere Picasso). Ο Πικάσο έκανε μια μικρή εμφάνιση στην ταινία Le Testament d'Orphée (Η διαθήκη του Ορφέα) του Jean Cocteau το 1960. Το 1978 γυρίστηκε η σουηδική κινηματογραφική κωμωδία Οι περιπέτειες του κυρίου Πικάσο (Picassos äventyr), σε σκηνοθεσία Tage Danielsson. Το 1996 γυρίστηκε η κινηματογραφική βιογραφία My Man Picasso (Surviving Picasso), με τον Sir Anthony Hopkins να υποδύεται τον ζωγράφο. Η ταινία διαδραματίζεται στα δέκα χρόνια από το 1943 έως το 1953, όταν ο Gilot ήταν συνεργάτης του Picasso.

Ο πίνακας του Πικάσο Κορίτσι με το περιστέρι παίζει κεντρικό ρόλο στην ιστορία του Ντίσνεϊ Ληστεία στη Βαρκελώνη (1985), ένα κόμικ που επινόησε ο Adolf Kabatek, στο οποίο ο Σκρουτζ Μακ Ντακ και οι συγγενείς του έχουν κάθε είδους περιπέτειες στη Βαρκελώνη και γύρω από αυτήν. Στο 184λεπτο ντοκιμαντέρ 13 ημέρες στη ζωή του Πάμπλο Πικάσο (Γαλλία 1999, ARTE-Edition

Το 1993, ο Αμερικανός ηθοποιός Steve Martin έγραψε το θεατρικό έργο Picasso at the Lapin Agile. Περιγράφει μια φανταστική συνάντηση του 1904 μεταξύ του Πάμπλο Πικάσο και του Άλμπερτ Αϊνστάιν στο καμπαρέ Lapin Agile στο Παρίσι.

Η τηλεοπτική ταινία διάρκειας μιάμισης ώρας "Matisse & Picasso: A Gentle Rivalry" γυρίστηκε το 2000 και εξετάζει τα πορτρέτα των δύο "γιγάντων" της τέχνης του 20ού αιώνα. Παρουσιάζει σπάνια δημοσιευμένες φωτογραφίες των πινάκων και των γλυπτών τους, καθώς και φωτογραφίες και ταινίες από αρχεία που τους δείχνουν κατά την εργασία τους. Η Geneviève Bujold είναι η φωνή της Françoise Gilot, ο Robert Clary είναι ο Matisse και ο Miguel Ferrer είναι ο Picasso. Η βραβευμένη με Emmy εθνική παραγωγή είναι από το KERA-Dallas

Στο έργο του Ιρλανδού συγγραφέα Brian McAvera Picasso's Women, οκτώ γυναίκες μιλούν για τη ζωή τους με τον καλλιτέχνη με τη σειρά της γνωριμίας τους με τον Πικάσο στο πλαίσιο μιας φανταστικής συνέντευξης Τύπου: πρώτα μιλάει η Fernande Olivier, μετά η Eva Gouel, η Gabrielle Lespinasse, η Olga Chochlowa, η Marie-Thérèse Walter, μετά η Dora Maar, η Françoise Gilot και τέλος η Jacqueline Roque. Η έκδοση του βιβλίου εκδόθηκε το 1998. Από το 2003 και μετά, οι παραστάσεις πραγματοποιήθηκαν με τη μορφή περιοδειών.

Ο Ιταλός θεατρικός συγγραφέας και ζωγράφος Dario Fo έγραψε το θεατρικό έργο Picasso desnudo, το οποίο έκανε πρεμιέρα το 2012. Ο ίδιος πίστευε ότι οι εικόνες που δημιουργήθηκαν γι' αυτό ήταν "Falso Picasso", καθώς τα δικαιώματα των εικόνων του φαίνονταν πολύ ακριβά. Παρουσιάστηκαν σε γκαλερί της Στουτγάρδης τον Νοέμβριο του 2014.

Επίσης, το 2012 γυρίστηκε η ταινία La banda Picasso υπό τη σκηνοθεσία του Ισπανού Fernando Colomo. Ασχολείται με τη θεαματική κλοπή του πίνακα Μόνα Λίζα, η οποία αρχικά έθεσε σε υποψίες τον Γκιγιόμ Απολλιναίρ και τον Πικάσο.

Το ντοκιμαντέρ του Hugues Nancy του 2013, Picasso, l'inventaire d'une vie (στη γερμανική έκδοση Looking for Picasso), παρουσιάζει χρονολογικά πολλά από τα έργα του σαν σε ημερολόγιο, ιδίως έργα από την προσωπική του περιουσία που δεν είχαν παρουσιαστεί στο παρελθόν. Η βασική του θέση, που παραθέτει την Françoise Gilot καθώς και τον John Richardson, είναι ότι η αλλαγή στη σχέση του Πικάσο με τις γυναίκες ακολουθήθηκε από μια αλλαγή στο στυλ του. Περιλαμβάνει συνεντεύξεις με μέλη της οικογένειας, φίλους, δικηγόρους και βιογράφους.

Μια τηλεοπτική σειρά του National Geographic Channel παρουσίασε τη ζωή του καλλιτέχνη στη γερμανόφωνη έκδοση της σειράς Genius από τον Απρίλιο του 2018 με τίτλο Genius: Picasso. Ο πρωταγωνιστής του μεγαλύτερου Πικάσο είναι ο Αντόνιο Μπαντέρας.

Η ταινία Blow up - Picasso προβλήθηκε στην τηλεόραση Arte στις 12 Απριλίου 2021. Μπορεί να προβληθεί μέχρι τις 14 Απριλίου 2024.

Αγορά τέχνης

Μεταξύ των πιο ακριβών πινάκων στον κόσμο είναι έργα του Πικάσο, όπως: Les femmes d'Alger (έκδοση "O"), Γυμνό με πράσινα φύλλα και προτομή, Αγόρι με πίπα και Ντόρα Μάαρ με γάτα. Στις 13 Μαΐου 2021, το έργο "Καθιστή γυναίκα στο παράθυρο (Marie-Thérèse)", που ολοκληρώθηκε το 1932, πωλήθηκε σε δημοπρασία στον οίκο Christie's στη Νέα Υόρκη. Μέσα σε 19 λεπτά από την έναρξη της δημοπρασίας, ο πίνακας έφτασε στην τιμή πώλησης των 90 εκατομμυρίων δολαρίων. Συμπεριλαμβανομένων των προμηθειών και των αμοιβών, ξεπεράστηκε το συμβολικά σημαντικό όριο των 100 εκατομμυρίων δολαρίων αξίας δημοπρασίας, έτσι ώστε το έργο άλλαξε χέρια για συνολικά 103,4 εκατομμύρια δολάρια (που αντιστοιχούν σε περίπου 85,4 εκατομμύρια ευρώ).

Τα έργα του Πικάσο δεν γλίτωσαν ούτε από τις πλαστογραφίες. Ήδη από το 1974, ο Orson Welles γύρισε το ντοκιμαντέρ F for fake, στο οποίο παρουσίασε πλαστογράφους τέχνης- μεταξύ αυτών ήταν και ο Ούγγρος ζωγράφος Elmyr de Hory, ο οποίος έφτιαχνε παραπλανητικά παρόμοια αντίγραφα των "Πικάσο" σε σειρές.

"Ταμείο Πικάσο" 2010

Το 2010, 271 άγνωστα μέχρι τότε έργα του Πικάσο ανακαλύφθηκαν στο σπίτι του πρώην ηλεκτρολόγου του Πικάσο, Πιερ Λε Γκεννέκ, και της συζύγου του, τα οποία φέρονται να είχαν αποθηκευτεί στο γκαράζ του Γκεννέκ επί 40 χρόνια και να είχαν δηλωθεί ως μισθός για χειρωνακτική εργασία. Μια επόμενη δίκη για αποδοχή κλοπιμαίων ολοκληρώθηκε τον Μάρτιο του 2015 με ποινή φυλάκισης δύο ετών με αναστολή. Για περισσότερες λεπτομέρειες, ανατρέξτε στο άρθρο σχετικά με τον διαχειριστή της περιουσίας του Κλοντ Πικάσο.

Κλοπές

Η αξία του πίνακα Buste de Femme του 1938 εκτιμήθηκε σε 25 εκατομμύρια ευρώ το 2019. Άγνωστοι το είχαν κλέψει το 1999 από ένα γιοτ που βρισκόταν αγκυροβολημένο στα ανοικτά της Αντίμπ, στη Γαλλία. Η ασφαλιστική εταιρεία είχε προσφέρει τότε αμοιβή 400.000 ευρώ. Ένας ντετέκτιβ τέχνης είχε λάβει μια πληροφορία από τον υπόκοσμο και βρήκε τον πίνακα το 2019 στο σπίτι ενός επιχειρηματία στο Άμστερνταμ. Η κλοπή έχει παραγραφεί και ο πίνακας παραδόθηκε στην ασφαλιστική εταιρεία.

Από τις 19 έως τις 20 Μαΐου 2010, μεταξύ άλλων, το Περιστέρι με μπιζέλια, ζωγραφισμένο το 1911 ή την άνοιξη του 1912 σε κυβιστικό στυλ, εκλάπη από το Musée d'art moderne de la Ville de Paris και κόπηκε από την κορνίζα του. Το 2017, αναφέρεται η δίκη τριών υπόπτων- ο πίνακας παραμένει άφαντος.

Τον Ιούνιο του 2021, σε μια αποθήκη 50 χλμ. από την Αθήνα βρέθηκαν οι πίνακες Woman's Head του Πικάσο από το 1939 και ένα κατεστραμμένο έργο του Piet Mondrian, που είχαν κλαπεί από την Εθνική Πινακοθήκη (Αθήνα) το 2012. Ένας ύποπτος έχει ταυτοποιηθεί. Το έργο του Πικάσο εκτιμάται σε 16,5 εκατομμύρια ευρώ. Ο ίδιος είχε δώσει προσωπικά τον πίνακα στην Ελλάδα για την αντίσταση στους Ναζί.

Τουρισμός

Η "Διαδρομή Πικάσο" στην καταλανική πόλη της Βαρκελώνης οδηγεί στο σχολείο εκπαίδευσής του "La Llotja", στο καλλιτεχνικό καφέ Els Quatre Gats, τον τόπο της πρώτης του έκθεσης, στο Μουσείο Πικάσο, και παρουσιάζει τις τρεις ζωφόρους στην πρόσοψη του Col-legi d'Arquitectes, που δημιουργήθηκαν από σχέδια του Πικάσο από τον Νορβηγό καλλιτέχνη Carl Nesjar (1920-2015), καθώς και το σπίτι της οικογένειας, το κτίριο Porxos d'en Xifré.

Από το 2009, η "Διαδρομή Πικάσο" εκτελείται στη νότια Γαλλία από την Αβινιόν στην Αντίμπ. Ξεναγεί τους τουρίστες που ενδιαφέρονται για την τέχνη σε μέρη όπου έζησε και εργάστηκε ο καλλιτέχνης.

Αστρονομία

Ο αστεροειδής (4221) Πικάσο πήρε το όνομά του το 1990.

Οπτική εργασία

Γλυπτική εργασία

Εκτεταμένες ομάδες έργων του Πικάσο εκτίθενται στη Γερμανία στο Μουσείο Berggruen του Βερολίνου, στο Μουσείο Sprengel του Ανόβερου, στην Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen του Ντίσελντορφ, στο Μουσείο Ludwig της Κολωνίας και στην Staatsgalerie της Στουτγάρδης. Το γραφικό του έργο μπορεί να δει κανείς σχεδόν στο σύνολό του στο Μουσείο Τέχνης Πάμπλο Πικάσο στο Μύνστερ. Σημαντικές συλλογές ζωγραφικής του Πικάσο στη γερμανόφωνη Ελβετία εκτίθενται στο Kunstmuseum της Βασιλείας, στο Fondation Beyeler στο Riehen, στη συλλογή Rosengart στη Λουκέρνη και στο Kunstmuseum της Βέρνης.

Στη Γαλλία, υπάρχουν συλλογές στο Musée Picasso στο Παρίσι, στο Musée national Picasso La Guerre et la Paix de Vallauris, στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης, Σύγχρονης Τέχνης και Art Brut της Lille Métropole στο Villeneuve-d'Ascq και στο Musée Picasso Antibes στο Chateâu Grimaldi. Στη Ρωσία, στο Μουσείο Πούσκιν στη Μόσχα και στο Ερμιτάζ της Αγίας Πετρούπολης. Στην Ισπανία στο Museu Picasso της Βαρκελώνης, στο Museo Reina Sofía της Μαδρίτης, καθώς και στο Museo Picasso της Μάλαγα και στις ΗΠΑ στο Museum of Modern Art της Νέας Υόρκης και στο Art Institute of Chicago.

Κατάλογοι έργων και πόρωνLexica

Επισκοπήσεις εργασιών

Γραφιστική και σχέδιο με το χέρι

Εφαρμοσμένα γραφικά

Κεραμική και γλυπτική

Αυτο-μαρτυρίες

Βιογραφίες

Εκπροσωπήσεις φίλων και συγγενών

Ο Πικάσο και οι γυναίκες

Για το έργο του Πικάσο

Φωτογραφική τεκμηρίωση

Άλλα

Πηγές

1. Πάμπλο Πικάσο
2. Pablo Picasso