Σύνοψη

Ο Paul Ernst Klee († 29 Ιουνίου 1940 στο Muralto, Καντόνι Ticino) ήταν Γερμανός ζωγράφος και γραφίστας, το πολύπλευρο έργο του οποίου κατατάσσεται στον εξπρεσιονισμό, τον κονστρουκτιβισμό, τον κυβισμό, τον πριμιτιβισμό και τον υπερρεαλισμό. Ο Klee είχε στενή επαφή με την εκδοτική ομάδα Der Blaue Reiter και παρουσίασε γραφικά έργα στη δεύτερη έκθεσή της το 1912. Ένα ταξίδι στην Τυνησία το 1914 μαζί με τον August Macke και τον Louis Moilliet βοήθησε τον καλλιτέχνη, ο οποίος μέχρι τότε εργαζόταν κυρίως ως γραφίστας, να κάνει την επανάστασή του ως ζωγράφος. Έγινε γνωστό ως Tunisreise, ένα σημαντικό ταξίδι στην ιστορία της τέχνης.

Όπως και ο φίλος του, ο Ρώσος ζωγράφος Wassily Kandinsky, ο Klee δίδαξε στο Bauhaus της Βαϊμάρης από το 1921 και αργότερα στο Dessau. Από το 1931 ήταν καθηγητής στην Ακαδημία Τέχνης του Ντίσελντορφ. Μετά την κατάληψη της εξουσίας από τους εθνικοσοσιαλιστές, απολύθηκε και επέστρεψε στη Βέρνη, όπου δημιούργησε ένα εκτεταμένο ύστερο έργο κατά τα τελευταία του χρόνια, από το 1934 και μετά, παρά το αυξανόμενο βάρος μιας σοβαρής ασθένειας. Εκτός από το καλλιτεχνικό του έργο, έγραψε συγγράμματα για τη θεωρία της τέχνης, όπως το Schöpferische Konfession (1920) και το Pädagogisches Skizzenbuch (1925). Ο Paul Klee είναι ένας από τους σημαντικότερους εικαστικούς καλλιτέχνες του κλασικού μοντερνισμού του 20ού αιώνα.

Παιδική και σχολική ηλικία

Ο Paul Klee ήταν το δεύτερο παιδί του Γερμανού καθηγητή μουσικής Hans Wilhelm Klee (1849-1940) και της Ελβετίδας τραγουδίστριας Ida Marie Klee, το γένος Frick (1855-1921). Η αδελφή του Mathilde († 6 Δεκεμβρίου 1953) γεννήθηκε στο Walzenhausen στις 28 Ιανουαρίου 1876. Ο πατέρας του καταγόταν από το Tann (Rhön) και σπούδασε τραγούδι, πιάνο, εκκλησιαστικό όργανο και βιολί στο Ωδείο της Στουτγάρδης. Εκεί γνώρισε τη μέλλουσα σύζυγό του Ida Frick. Μέχρι το 1931 ο Hans Wilhelm Klee εργάστηκε ως καθηγητής μουσικής στο Κρατικό Σεμινάριο της Βέρνης στο Hofwil κοντά στη Βέρνη. Χάρη σε αυτή την περίσταση, ο Κλέε μπόρεσε να αναπτύξει τις μουσικές του ικανότητες μέσα από το σπίτι των γονιών του- τον συνόδευσαν και τον ενέπνευσαν μέχρι το τέλος της ζωής του.

Το 1880 η οικογένεια μετακόμισε στη Βέρνη, όπου μετακόμισαν στο δικό τους σπίτι στην περιοχή Kirchenfeld το 1897, μετά από αρκετές αλλαγές κατοικίας. Ο Klee παρακολούθησε το δημοτικό σχολείο από το 1886 έως το 1890 και σε ηλικία επτά ετών πήρε μαθήματα βιολιού στη μουσική σχολή της πόλης. Σύντομα κατέκτησε το βιολί τόσο καλά που του επετράπη να παίξει ως έκτακτο μέλος της Μουσικής Εταιρείας της Βέρνης σε ηλικία έντεκα ετών.

Τα άλλα ενδιαφέροντα του Klee ήταν η ζωγραφική και η συγγραφή ποίησης. Τα σχολικά βιβλία και τα τετράδιά του περιέχουν αμέτρητες γελοιογραφίες. Με το μολύβι του, αποτύπωσε σε νεαρή ηλικία τις σιλουέτες των γύρω πόλεων, όπως η Βέρνη, το Fribourg στο Üechtland και το τοπίο που τις περιέβαλλε. Το ταλέντο του στο σχέδιο δεν ενθαρρύνθηκε, ωστόσο, καθώς οι γονείς του ήθελαν να εκπαιδευτεί ως μουσικός. Το 1890 ο Klee μεταγράφηκε στο Progymnasium της Βέρνης. Τον Απρίλιο του 1898 άρχισε να τηρεί ημερολόγιο, το οποίο συμπλήρωνε μέχρι τον Δεκέμβριο του 1918- το εξέδωσε την ίδια χρονιά και το είχε τίτλο "Erinnerungen an die Kindheit" (Αναμνήσεις από την παιδική ηλικία). Τον Σεπτέμβριο του 1898, ολοκλήρωσε τη σχολική του εκπαίδευση με το Matura στο Literargymnasium της Βέρνης. Για περαιτέρω εκπαίδευση εγκατέλειψε την Ελβετία και μετακόμισε στο Μόναχο για να σπουδάσει τέχνη. Με την απόφασή του αυτή επαναστάτησε ενάντια στις επιθυμίες των γονέων του. Εκτός από την επιθυμία του για χειραφέτηση, υπήρχε και ένας άλλος λόγος που τον έκανε να μην επιλέξει τη μουσική: Είδε ότι το αποκορύφωμα της μουσικής δημιουργικότητας είχε ήδη περάσει και δεν εκτιμούσε τις σύγχρονες συνθέσεις.

Σπουδές και γάμος

Στο Μόναχο, ο Paul Klee σπούδασε αρχικά γραφιστική στην ιδιωτική σχολή ζωγραφικής του Heinrich Knirr, καθώς είχε απορριφθεί από την Ακαδημία Καλών Τεχνών του Μονάχου. Μεταξύ των συμφοιτητών του ήταν και η Zina Wassiliew, η οποία παντρεύτηκε τον Alexander Eliasberg το 1906- το ζευγάρι ανήκε στον κύκλο των φίλων του καλλιτέχνη. Από το 1899 ο Klee εκπαιδεύτηκε με τον Walter Ziegler στις τεχνικές της χαρακτικής και της χάραξης. Απολάμβανε τη χαλαρή φοιτητική ζωή και είχε πολλές σχέσεις με νεαρά μοντέλα προκειμένου να αποκτήσει "μια εκλεπτυσμένη σεξουαλική εμπειρία". Τον Φεβρουάριο του 1900 ο Klee μετακόμισε στο δικό του εργαστήριο και στις 11 Οκτωβρίου 1900 μεταφέρθηκε στην τάξη ζωγραφικής του Franz von Stuck στην Ακαδημία Καλών Τεχνών, όπου φοιτούσε ταυτόχρονα ο Wassily Kandinsky. Ο Klee, στον οποίο δεν άρεσε πολύ η τάξη, παρακολουθούσε μόνο σποραδικά και ως εκ τούτου δεν είχε ακόμη γνωρίσει τον Kandinsky. Έφυγε και πάλι από την ακαδημία τον Μάρτιο του 1901.

Κατά τη διάρκεια ενός εξάμηνου ταξιδιού σπουδών στην Ιταλία από τις 22 Οκτωβρίου 1901 έως τις 2 Μαΐου 1902 με τον γλύπτη Hermann Haller.  Μάιο του 1902 με τον γλύπτη Hermann Haller στην Ιταλία, η οποία οδήγησε μέσω Μιλάνου, Γένοβας, Λιβόρνο, Πίζα, Ρώμη, Πόρτο ντ' Άντζιο, Νάπολη, Πομπηία, Σορέντο, Ποζιτάνο, Αμάλφι, Γκαργκάνο και Φλωρεντία, τρεις εμπειρίες έγιναν καθοριστικές για την καλλιτεχνική του εκφραστικότητα, "πρώτα η αναγεννησιακή αρχιτεκτονική στη Φλωρεντία, τα παλάτια των εκκλησιών που καθιστούν την πόλη των Μεδίκων ένα συνολικό έργο τέχνης, το κατασκευαστικό τους στοιχείο, τα δομικά αριθμητικά μυστικά, τις αναλογίες"- δεύτερον, ο Klee είχε βιώσει για πρώτη φορά στο ενυδρείο της Νάπολης "τη φαντασία και τη φαντασία των φυσικών μορφών, τη χρωματική τους μεγαλοπρέπεια, την παραμυθένια φύση της θαλάσσιας πανίδας και χλωρίδας"- και τρίτον, "την παιγνιώδη ευαισθησία των γοτθικών αγιογραφιών της Σιένα".

Μετά την επιστροφή του από την Ιταλία το 1902, ο Klee έζησε στο σπίτι των γονιών του μέχρι το 1906 και κέρδιζε τα προς το ζην ως βιολιστής της Μουσικής Εταιρείας της Βέρνης, στις συνδρομητικές συναυλίες της οποίας εργάστηκε επίσης ως κριτής και αντικαταστάτης, ενώ συνέχισε την καλλιτεχνική του κατάρτιση παρακολουθώντας ανατομικές διαλέξεις και μαθήματα ανατομίας. Το 1903 δημιούργησε την πρώτη από τις δέκα χαρακτικές που δημιούργησε μέχρι το 1905, οι οποίες ομαδοποιούνται στον κύκλο Inventionen. Το 1904, ο Klee μελέτησε τις εικονογραφήσεις των Aubrey Beardsley, William Blake και Francisco de Goya στο Kupferstichkabinett του Μονάχου, οι οποίες, όπως και το γραφικό έργο του James Ensor, του έκαναν μόνιμη εντύπωση κατά την περίοδο αυτή.

Τον Μάιο και τον Ιούνιο του 1905, ο Klee πήγε ένα ταξίδι στο Παρίσι μαζί με τους παιδικούς του φίλους, τον εκκολαπτόμενο καλλιτέχνη Louis Moilliet και τον συγγραφέα Hans Bloesch (1878-1945), όπου αφιερώθηκε στη μελέτη της παλαιότερης τέχνης στο Λούβρο και στη γκαλερί Palais du Luxembourg. Κατά τη διάρκεια αυτής της χρονιάς ο Κλέε γνώρισε για πρώτη φορά τον ιμπρεσιονισμό και άρχισε να μελετά το φθινόπωρο την αντίστροφη ζωγραφική σε γυαλί.

Το 1906 ο Klee επισκέφθηκε την εκατονταετή έκθεση γερμανικής τέχνης στο Βερολίνο και τον Σεπτέμβριο του ίδιου έτους μετακόμισε μόνιμα στο Μόναχο, όπου στις 15 Σεπτεμβρίου παντρεύτηκε την πιανίστα Lily Stumpf, την οποία είχε γνωρίσει το 1899 σε μια βραδιά μουσικής δωματίου. Ένα χρόνο αργότερα, στις 30 Νοεμβρίου 1907, γεννήθηκε ο γιος τους Felix. Ο Klee ανέλαβε σε μεγάλο βαθμό την ανατροφή των παιδιών και το νοικοκυριό στο διαμέρισμά τους στο Schwabing και η Lily Klee εξασφάλιζε τα προς το ζην δίνοντας μαθήματα πιάνου αντί να παίζει ως πιανίστρια.

Τον Μάιο του 1908 ο Klee έγινε μέλος της ένωσης ελβετικών γραφικών Die Walze και την ίδια χρονιά συμμετείχε στην έκθεση Secession του Μονάχου με τρία έργα, στην Secession του Βερολίνου με έξι έργα και στην έκθεση στο Glaspalast του Μονάχου. Ο Klee έγραψε για τις μουσικές παραστάσεις στο ελβετικό περιοδικό Die Alpen το 1911 και το 1912.

Συμμετοχή στο "Blaue Reiter" 1911

Τον Ιανουάριο του 1911 ο Klee συνάντησε τον Alfred Kubin στο Μόναχο, ο οποίος τον ενθάρρυνε να εικονογραφήσει τον Καντίντ του Βολταίρου. Εκείνη την εποχή, το γραφικό έργο του Klee καταλάμβανε μεγάλο χώρο και ο Kubin λάτρευε πολύ την τάση του για το σαρκαστικό, το παράξενο και το ειρωνικό. Όχι μόνο έγινε φίλος με τον Klee, αλλά και ο πρώτος αξιόλογος συλλέκτης του. Το 1911, με τη μεσολάβηση του Kubin, ο Klee γνώρισε τον κριτικό τέχνης Wilhelm Hausenstein και το καλοκαίρι του ίδιου έτους ήταν ιδρυτικό μέλος της ένωσης καλλιτεχνών του Μονάχου Sema, της οποίας έγινε διευθύνων σύμβουλος. Το φθινόπωρο γνωρίστηκε με τον August Macke και τον Wassily Kandinsky. Το χειμώνα εντάχθηκε στη συντακτική ομάδα του αλμανάκ Der Blaue Reiter, που ιδρύθηκε από τον Καντίνσκι και τον Φραντς Μαρκ. Άλλοι συνεργάτες ήταν οι August Macke, Gabriele Münter και Marianne von Werefkin. Ο Klee εξελίχθηκε σε σημαντικό και ανεξάρτητο μέλος του Der Blaue Reiter κατά τη διάρκεια των λίγων μηνών που εργάστηκε εκεί, αλλά είναι αδύνατο να μιλήσουμε για την πλήρη ενσωμάτωσή του.

Ωστόσο, η έκδοση του αλμανάκ αναβλήθηκε για χάρη μιας έκθεσης. Η πρώτη από τις δύο εκθέσεις του Blaue Reiter πραγματοποιήθηκε από τις 18 Δεκεμβρίου 1911 έως την 1η Ιανουαρίου 1912 στη Moderne Galerie Heinrich Thannhauser στο Arco-Palais του Μονάχου. Ο Klee δεν εκπροσωπήθηκε σε αυτή την έκθεση- στη δεύτερη έκθεση, η οποία πραγματοποιήθηκε από τις 12 Φεβρουαρίου έως τις 18 Μαρτίου 1912 στη γκαλερί Goltz, παρουσιάστηκαν 17 γραφιστικά έργα του. Αυτή η δεύτερη έκθεση ονομάστηκε προγραμματικά Schwarz-Weiß (Μαύρο και Λευκό), καθώς αφορούσε αποκλειστικά χαρακτικά. Ο Καντίνσκι και ο Μαρκ δημοσίευσαν τον Μάιο του 1912 στο Piper Verlag το αλμανάκ Der Blaue Reiter, το οποίο είχε ήδη προγραμματιστεί από το 1911, στο οποίο είχε αναπαραχθεί το σχέδιο του Steinhauer Klee με μελάνι. Παράλληλα, ο Καντίνσκι δημοσίευσε το θεωρητικό έργο του Über das Geistige in der Kunst (Για το Πνευματικό στην Τέχνη).

Συμμετοχή σε εκθέσεις 1912

Κατά τη διάρκεια μιας δεύτερης παραμονής στο Παρίσι από τις 2 έως τις 18 Απριλίου 1912, ο Klee και η σύζυγός του Lily επισκέφθηκαν την γκαλερί του Daniel-Henry Kahnweiler και τη συλλογή του Wilhelm Uhde, είδαν έργα των Georges Braque, André Derain, Henri Matisse, Pablo Picasso, Henri Rousseau και Maurice de Vlaminck, συνάντησαν τον Henri Le Fauconnier και τον Karl Hofer, και στις 11 Απριλίου τον Robert Delaunay στο παρισινό του εργαστήριο. Στην Κολωνία, από τις 25 Μαΐου έως τις 30 Σεπτεμβρίου 1912, τέσσερα σχέδια του Klee παρουσιάστηκαν στη Διεθνή Έκθεση Τέχνης της Sonderbund Westdeutscher Kunstfreunde und Künstler zu Cöln 1912. Τον Δεκέμβριο του 1912, ο Paul Klee έλαβε το δοκίμιο του Robert Delaunay Über das Licht (La Lumière) για μετάφραση για το καλλιτεχνικό περιοδικό Der Sturm του Herwarth Walden στο Βερολίνο, το οποίο ο Franz Marc είχε φέρει γι' αυτόν από το Παρίσι και το οποίο εμφανίστηκε στο περιοδικό τέχνης τον Ιανουάριο του επόμενου έτους. Ο Klee είχε γνωρίσει τις εικόνες παραθύρων του Delaunay κατά τη διάρκεια της παραμονής του στο Παρίσι και αναγνώρισε σε αυτόν "τον τύπο της ανεξάρτητης εικόνας που ζει μια εντελώς αφηρημένη τυπική ύπαρξη χωρίς μοτίβα από τη φύση...", όπως έγραψε σε μια κριτική έκθεσης το 1912. Μετά τη γνωριμία του με τον Delaunay, η αντίληψη του Klee για το φως και το χρώμα άλλαξε ριζικά, καθώς προσπάθησε να εφαρμόσει εικαστικά τις ιδέες που είχε αποκτήσει από τον Delaunay στους πίνακες και τα χαρακτικά του, δίνοντάς τους περισσότερο χρώμα και επιτυγχάνοντας τα αποτελέσματα καθαρά μέσω των αντιθέσεων και των διαφορών στον τόνο. Από τον Σεπτέμβριο του 1913 συμμετείχε στην έκθεση του Πρώτου Γερμανικού Φθινοπωρινού Σαλόνι στο Βερολίνο, που διοργάνωσε ο Walden, με ακουαρέλες και σχέδια.

Ταξίδι στην Τύνιδα 1914

Στις 3 Απριλίου, ο Klee ξεκίνησε για ένα ταξίδι σπουδών τριών εβδομάδων στην Τυνησία μαζί με τον August Macke και τον Louis Moilliet. Το ταξίδι, που τον οδήγησε στη ζωγραφική, οδήγησε από τη Βέρνη μέσω Λυών και Μασσαλίας, με παρακάμψεις στο Saint-Germain (αργότερα Ezzahra, αραβικά الزهراء), Sidi Bou Saïd, Καρχηδόνα, Hammamet, Kairouan και επιστροφή μέσω Παλέρμο, Νάπολη, Ρώμη, Μιλάνο, Βέρνη στο Μόναχο. Σε αντίθεση με τον Macke και τον Klee, ο Moilliet δεν ζωγράφισε σχεδόν καθόλου στο ταξίδι. Ο Κλέε ήταν ο μόνος από τους τρεις ζωγράφους που κράτησε ημερολόγιο, στο οποίο περιέγραψε την είσοδό του στην Τύνιδα:

Οι ακουαρέλες του Klee έτειναν προς μεγαλύτερη αφαίρεση, ο Macke προτιμούσε τα πιο έντονα χρώματα, ενώ ο Moilliet ζωγράφιζε πολύ μεγαλύτερες επιφάνειες. Ωστόσο, υπήρξε αμοιβαία επιρροή προς το τέλος του ταξιδιού, όπως δείχνει η σύγκριση των έργων των τριών καλλιτεχνών, τα οποία δημιουργήθηκαν περίπου την ίδια εποχή. Παραδείγματα είναι το Kairouan III του Macke, το View of Kairouan του Klee και το Kairouan του Moilliet.

Ο Klee, ευαισθητοποιημένος από την αντίληψη του Delaunay για το έντονο φως και τα χρώματα του νότου, ζωγράφισε αρκετές ακουαρέλες, στις οποίες ο ίδιος έδωσε μεγάλη σημασία για το περαιτέρω καλλιτεχνικό του έργο. Έτσι έγραψε στο ημερολόγιό του στις 16 Απριλίου:

Μεταγενέστερη έρευνα αποκάλυψε ότι ο Klee μπορεί να πρόσθεσε το ημερολόγιό του εκ των υστέρων. Βλέπε επίσης την ενότητα παρακάτω: Τα ημερολόγια του Klee. Μετά την επιστροφή του, η πρώτη έκθεση της ένωσης καλλιτεχνών "Neue Münchner Secession", που ιδρύθηκε το 1913, εγκαινιάστηκε τον Μάιο του 1914. Ο Klee ήταν ιδρυτικό μέλος και γραμματέας της ομάδας που δημιουργήθηκε από τη συγχώνευση καλλιτεχνών της Secession του Μονάχου, της Neue Künstlervereinigung και των "Sema" και "Scholle". Τον επόμενο χρόνο γνώρισε τον ποιητή Ράινερ Μαρία Ρίλκε, στον οποίο επέτρεψε να έχει περίπου σαράντα φύλλα του Κλέε "στο δωμάτιό του" για αρκετούς μήνες.

Λίγο αργότερα ξεκίνησε ο Πρώτος Παγκόσμιος Πόλεμος. Ο August Macke σκοτώθηκε στο Δυτικό Μέτωπο στη Γαλλία στις 26 Σεπτεμβρίου 1914.

Ως στρατιώτης στον πόλεμο

Στις 5 Μαρτίου 1916, ο Klee έλαβε το ειδοποιητήριο για την κατάταξή του ως στρατιώτης Landsturm για τον βαυαρικό στρατό. Ως γιος Γερμανού πατέρα, ο οποίος ποτέ δεν είχε επιδιώξει να πολιτογραφηθεί ο γιος του στην Ελβετία, ο Klee ήταν υπόχρεος για στρατιωτική θητεία κατά τη διάρκεια του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου. Την ημέρα που επιστρατεύτηκε, έμαθε ότι ο φίλος του Franz Marc είχε σκοτωθεί στο Βερντέν. Αφού ολοκλήρωσε τη βασική στρατιωτική του εκπαίδευση, την οποία είχε ξεκινήσει στις 11 Μαρτίου 1916, τοποθετήθηκε ως στρατιώτης πίσω από το μέτωπο. Στις 20 Αυγούστου, ο Klee εντάχθηκε στη ναυπηγική εταιρεία του αεροδρομίου στο Schleißheim, όπου συνόδευε τις μεταφορές αεροσκαφών και έκανε χειρωνακτικές εργασίες, όπως το φρεσκάρισμα της βαφής καμουφλάζ στα αεροπλάνα. Στις 17 Ιανουαρίου 1917 μετατέθηκε στο Fliegerschule V στο Gersthofen, όπου εργάστηκε ως υπάλληλος του ταμία μέχρι το τέλος του πολέμου. Ως εκ τούτου, γλίτωσε την αποστολή στο μέτωπο και μπόρεσε να συνεχίσει να ζωγραφίζει σε ένα δωμάτιο έξω από τους στρατώνες.

Η γκαλερί Der Sturm του Herwarth Walden διοργάνωσε μια πρώτη έκθεση με αφηρημένες ακουαρέλες του τον Μάρτιο του 1916 και ακολούθησε μια δεύτερη τον Φεβρουάριο του 1917. Οι πωλήσεις ήταν καλές και ο Walden ζήτησε νέα έργα, καθώς η αγορά τέχνης αντέδρασε θετικά. Παραδόξως, όταν ο Κλέε επιστρατεύτηκε, είχε επιτυχία με εικόνες που είχαν ακριβώς ως στόχο να τεκμηριώσουν την αποκήρυξή του από τον πόλεμο. Το 1918, ο Klee πέτυχε την καλλιτεχνική και εμπορική του επανάσταση στη Γερμανία. Κατάφερε να πουλήσει εικόνες μόνο στον Walden για 3460 μάρκα. Την ίδια χρονιά εκδόθηκε το Sturm-Bilderbuch Paul Klee, το οποίο επιμελήθηκε ο Herwarth Walden.

Τον Ιούνιο του 1919, οι σπουδαστές της Ακαδημίας της Στουτγάρδης Willi Baumeister και Oskar Schlemmer υπέβαλαν πρόταση στο αρμόδιο υπουργείο να διοριστεί ο Paul Klee ως καθηγητής στην Ακαδημία Καλών Τεχνών της Στουτγάρδης ως διάδοχος του Adolf Hölzel. Ο Paul Klee ήταν θετικά διακείμενος απέναντι σε αυτή την πρόταση- ωστόσο, το φθινόπωρο του έτους απέτυχε λόγω της αρνητικής στάσης της ακαδημίας υπό τον διευθυντή Heinrich Altherr.

Πρώτη ατομική έκθεση στο Μόναχο 1920

Με τη μεσολάβηση του Alexej von Jawlensky, ο Klee και ο γκαλερίστας Galka Scheyer συναντήθηκαν το 1919, ο οποίος από το 1924 ίδρυσε την ένωση καλλιτεχνών "με την ομαδική ονομασία Die Blaue Vier".

Εργασία στο Bauhaus 1920-1931

Στις 29 Οκτωβρίου 1920, ο Klee διορίστηκε από τον Walter Gropius δάσκαλος του εργαστηρίου βιβλιοδεσίας στο κρατικό Bauhaus της Βαϊμάρης. Ξεκίνησε τα διδακτικά του καθήκοντα στις 10 Ιανουαρίου 1921 και αρχικά τα ασκούσε κάθε δεκαπενθήμερο. Ο διορισμός του ήταν μια συνεπής πολιτιστική-πολιτική απόφαση, καθώς ο Klee είχε, μετά από αρχικούς δισταγμούς, δηλώσει την πίστη του στην πολιτική αριστερά μετά την επανάσταση του Νοεμβρίου στο Μόναχο. Οι ζωγράφοι του Bauhaus ήταν εξοικειωμένοι με το έργο του Klee- αντιπροσώπευαν την κατεύθυνση της μοντέρνας ζωγραφικής, η οποία παρουσιαζόταν στην γκαλερί Der Sturm στο Βερολίνο. Τον Σεπτέμβριο του ίδιου έτους μετακόμισε με την οικογένειά του στη Βαϊμάρη για πάντα. Ο γιος του Felix, μόλις δεκατεσσάρων ετών, έγινε ο νεότερος μαθητής του Bauhaus εκείνη την εποχή.

Τον Μάρτιο του 1921, ο Klee συμμετείχε στην ομαδική έκθεση 14th Exhibition, της οργάνωσης καλλιτεχνών Société Anonyme Inc. που ιδρύθηκε από την Katherine Sophie Dreier και τον Marcel Duchamp στη Νέα Υόρκη, στην οποία το έργο του Paul Klee παρουσιάστηκε για πρώτη φορά στις ΗΠΑ. Ο Dreier, ο οποίος ήρθε για πρώτη φορά σε επαφή με τον Klee τον Σεπτέμβριο του 1920, είχε στην κατοχή του περίπου 21 έργα του, τα οποία βρίσκονται στη Βιβλιοθήκη Σπάνιων Βιβλίων και Χειρογράφων Beinecke ως κληρονομιά στη συλλογή του Πανεπιστημίου Yale από το 1953.

Στο Bauhaus, ο Klee ανέλαβε το 1922 το εργαστήριο χρυσοχοΐας, αργυροχρυσοχοΐας και χαλκοχοΐας και από το δεύτερο εξάμηνο του έτους και το εργαστήριο υαλογραφίας - ο Wassily Kandinsky τον ακολούθησε στο Bauhaus την 1η Ιουλίου 1922. Τον Φεβρουάριο του 1923, η Εθνική Πινακοθήκη του Βερολίνου διοργάνωσε τη δεύτερη μεγαλύτερη ατομική έκθεση έργων του καλλιτέχνη μέχρι σήμερα στο Kronprinzenpalais με 270 έργα. Αφού το Bauhaus αναδιαρθρώθηκε με την πρόσληψη του László Moholy-Nagy για το λεγόμενο "Vorkurs" (βασική εκπαίδευση) το 1923, τα μαθήματα του Paul Klee στη "Formlehre" έγιναν αναπόσπαστο μέρος αυτής της βασικής εκπαίδευσης και ανέλαβε επίσης το εργαστήριο υφαντικής. Στη Βαϊμάρη, ο Paul Klee έζησε αρχικά σε μια πανσιόν στο Am Horn 39. Την ίδια χρονιά, το 1921, μετακόμισε σε ένα νοικιασμένο διαμέρισμα στο Am Horn 53.

Στις 7 Ιανουαρίου 1924 εγκαινιάστηκε στη Νέα Υόρκη η πρώτη ατομική έκθεση του Klee στις ΗΠΑ, που διοργανώθηκε από την Société Anonyme Inc. Η 16η Έκθεση Μοντέρνας Τέχνης στις αίθουσες της Société Anonyme περιελάμβανε 27 έργα του καλλιτέχνη, μεταξύ των οποίων τα Rosenbaum, 1920, Herbstblume, 1922, Blumen im Wind, 1922, Kleines Regattabild, 1922 και Der Hügel, 1922.

Στα τέλη Μαρτίου του 1924, ο Klee - στη μνήμη του Blaue Reiter - ίδρυσε στη Βαϊμάρη με τους Lyonel Feininger, Wassily Kandinsky και Alexej von Jawlensky την καλλιτεχνική ομάδα Die Blaue Vier (Οι Μπλε Τέσσερις), η οποία είχε ήδη σχεδιαστεί από το 1919. Η Galka Scheyer τους επισκέφθηκε εκεί για να διευθετήσει τις λεπτομέρειες του ιδρύματος και να υπογράψει τη σύμβαση μεταξύ της ίδιας και των τεσσάρων καλλιτεχνών. Η ομάδα, η οποία επιβεβαιώθηκε έτσι επίσημα ως η "ελεύθερη ομάδα των Μπλε Τεσσάρων" και η οποία εξέθετε κυρίως στις ΗΠΑ εκτός από το περιβάλλον του Bauhaus, έπρεπε πρώτα να γίνει γνωστή μέσω εκθέσεων και διαλέξεων. Η Galka Scheyer πραγματοποίησε το έργο μέχρι το έτος του θανάτου της, το 1945, αρχικά στη Νέα Υόρκη και στη συνέχεια στην Καλιφόρνια, κάτω από πιο δύσκολες συνθήκες από τις αναμενόμενες. Έγραψε σε 600 πανεπιστήμια και 400 μουσεία για να ζητήσει έκθεση των "Μπλε Τεσσάρων", με μικρή επιτυχία στην αρχή, όπως ανέφερε ο πράκτορας τη δεκαετία του 1920.

Ο Klee ταξίδεψε στο Παρίσι το 1925 και είχε την πρώτη του ατομική έκθεση στη Γαλλία από τις 21 Οκτωβρίου έως τις 14 Νοεμβρίου στην Galerie Vavin-Raspail, όπου παρουσιάστηκαν 39 ακουαρέλες. Ο κατάλογος που συνοδεύει την έκθεση προλογίζεται από τον Louis Aragon. Ο Paul Éluard συνεισέφερε ένα ποίημα με τίτλο Paul Klee. Επίσης, τον Νοέμβριο, από τις 14 έως τις 25 Νοεμβρίου, η πρώτη έκθεση των υπερρεαλιστών στην Galerie Pierre παρουσίασε δύο πίνακες του Klee μαζί με έργα καλλιτεχνών όπως οι Hans Arp, Giorgio de Chirico, Max Ernst, André Masson, Joan Miró, Man Ray, Pierre Roy και Pablo Picasso. Ωστόσο, δεν έγινε ποτέ δεκτός ως μέλος της ομάδας των Σουρεαλιστών.

Αφού το Bauhaus μετακόμισε στο Dessau τον Ιούλιο του 1926 - το Bauhaus στη Βαϊμάρη είχε διαλυθεί το 1925 λόγω πολιτικών πιέσεων - ο Paul Klee και η σύζυγός του μετακόμισαν σε ένα από τα τρία σπίτια που είχε χτίσει ο Walter Gropius για τους δασκάλους του Bauhaus, το άλλο μισό του οποίου κατείχε το ζεύγος Kandinsky. Από τις 24 Αυγούστου έως τις 29 Οκτωβρίου, ο Paul Klee ταξίδεψε στην Ιταλία με τη σύζυγό του και τον γιο του Felix. Το Bauhaus Dessau εγκαινιάστηκε στις 4 Δεκεμβρίου. Μεταξύ άλλων, ο Klee ήταν επικεφαλής των τάξεων ελεύθερου γλυπτικού και ζωγραφικού σχεδίου, της τάξης ελεύθερης ζωγραφικής και της διδασκαλίας σχεδίου στο εργαστήριο υφαντικής. Η διδασκαλία των εικαστικών στοιχειωδών μέσων (Bildnerische Formlehre, Farbenlehre) αποτελεί την αφετηρία του συστήματος του Klee. Κεντρικό του μέλημα ήταν η θεμελιώδης κατανόηση των σχέσεων μεταξύ γραμμής, μορφής (επιφάνειας) και χρώματος στον εικαστικό χώρο ή μέσα σε ένα δεδομένο μοτίβο. Παρά την ορθολογιστική του προσέγγιση, αναγνώριζε επίσης το ρόλο του ασυνείδητου και αντιλαμβανόταν την τέχνη ως μια πράξη δημιουργίας παράλληλη με τη φύση.

Ο Κλέε είχε να πραγματοποιήσει ένα μεγάλο ταξίδι από το ταξίδι στην Τύνιδα το 1914. Το δεύτερο ταξίδι του στην Ανατολή τον οδήγησε στην Αίγυπτο από τις 17 Δεκεμβρίου 1928 έως τις 17 Ιανουαρίου 1929, όπου επισκέφθηκε μεταξύ άλλων την Αλεξάνδρεια, το Κάιρο, το Λούξορ και το Ασουάν. Η χώρα τον εντυπωσίασε με το φως της, το τοπίο της και τα μνημεία της που έκαναν εποχή και τους νόμους της αναλογίας και της κατασκευής τους- αυτές οι εντυπώσεις θα αντικατοπτρίζονταν στους πίνακές του. Ένα παράδειγμα είναι ο ελαιογραφικός πίνακας Νεκρόπολη του 1929, ο οποίος απεικονίζει αρκετές μνημειακές πυραμίδες τοποθετημένες η μία πάνω στην άλλη σε στρώματα από έντονα χρωματιστές λωρίδες.

Μετά από αυτό το ταξίδι, δημιούργησε επίσης γεωμετρικά δομημένους πίνακες, όπως το Fire in the Evening. Η Εταιρεία Klee, που ιδρύθηκε το 1925 από τον συλλέκτη έργων τέχνης Otto Ralfs, του επέτρεψε να πραγματοποιήσει ένα δεύτερο ταξίδι στην Ανατολή, αλλά δεν έλαβε τόσα ερεθίσματα όσα στο πρώτο του ταξίδι. Έτσι έγραψε στη σύζυγό του Λίλι:

Τον Αύγουστο του 1929 ο Paul και η Lily Klee πέρασαν τις καλοκαιρινές τους διακοπές με το ζεύγος Kandinsky στο Hendaye-Plage στην ακτή του Ατλαντικού στη νότια Γαλλία.

Την 1η Απριλίου 1928, ο Γκρόπιους παραιτήθηκε από διευθυντής του Bauhaus λόγω συγκρούσεων με τις δημοτικές αρχές. Μετά από πρότασή του, ο Ελβετός αρχιτέκτονας Hannes Meyer έγινε ο νέος διευθυντής, ο οποίος όχι μόνο εξέδωσε το σύνθημα "ανάγκες των ανθρώπων αντί για ανάγκες πολυτέλειας" για το Bauhaus, αλλά και εντατικοποίησε τη συνεργασία με τη βιομηχανία. Η πολιτική πίεση που προέκυψε από τον ανερχόμενο εθνικοσοσιαλισμό και η διαμάχη μεταξύ των "εφαρμοσμένων" και των "ελεύθερων" καλλιτεχνών, όπως ο Κλέε, κορυφώθηκε.

Καθώς η οικογένεια του Klee ζούσε ακόμη στη Βαϊμάρη, έκανε τα μαθήματά του μόνο κάθε δεκαπενθήμερο, γεγονός που προκάλεσε ακατανόητη κατανόηση μεταξύ συναδέλφων και μαθητών. Δεν μπορούσε πλέον να συμβιβάσει τις προσωπικές του ιδέες για τη ζωή και την εργασία με τους στόχους του Bauhaus. Σε ένα γράμμα της 24ης Ιουνίου 1930 προς τη σύζυγό του Lily, ο Klee συνοψίζει: "Θα πρέπει να έρθει κάποιος που θα μπορεί να τεντώσει τη δύναμή του πιο κομψά από ό,τι εγώ". Απέρριψε την προσφορά του Bauhaus να του παραχωρήσει ευκολότερες συνθήκες εργασίας, καθώς αυτό δεν ήταν συμβατό με τους στόχους του.

Καθηγητής στην Ακαδημία Τέχνης του Ντίσελντορφ 1931-1933

Το 1931, εξαντλημένος από τις διαμάχες στο Bauhaus, την 1η Ιουλίου ο Klee αποδέχτηκε την πρόταση για μια θέση καθηγητή στην Ακαδημία Τέχνης του Ντίσελντορφ που του είχε κάνει την προηγούμενη άνοιξη ο Walter Kaesbach. Κατά το χειμερινό εξάμηνο, ο Paul Klee άρχισε να εργάζεται στο Ντίσελντορφ με ένα μάθημα τεχνικής ζωγραφικής, ενώ διατηρούσε το διαμέρισμά του στο Dessau. Στο Ντίσελντορφ, ο Klee νοίκιασε ένα επιπλωμένο δωμάτιο στην Mozartstraße, αργότερα στην Goltsteinstraße, αλλά μετακινούνταν μεταξύ των δύο πόλεων κάθε δεκαπενθήμερο, καθώς είχε ένα εργαστήριο στο κτίριο της Ακαδημίας και ένα στο σπίτι του στο Dessau, το οποίο συνέχισε να χρησιμοποιεί. Οι συνάδελφοί του στο Ντίσελντορφ ήταν οι Ewald Mataré, Heinrich Campendonk και Werner Heuser.

Τον Οκτώβριο του 1932, ο Κλέε ταξίδεψε στη Βενετία και την Πάδοβα για εννέα ημέρες, αφού προηγουμένως είχε επισκεφθεί την έκθεση του Πικάσο στο Kunsthaus της Ζυρίχης, την οποία περιέγραψε σε επιστολή του από τη Βέρνη προς τη σύζυγό του στο Ντεσάου ως "μια νέα επιβεβαίωση". Ήταν "οι τελευταίοι έντονα χρωματιστοί πίνακες που αποτέλεσαν μεγάλη έκπληξη"- ο Henri Matisse συμπεριλήφθηκε επίσης, οι "μορφές ως επί το πλείστον μεγαλύτερες απ' ό,τι νομίζει κανείς. Πολλοί από αυτούς κερδίζουν με λεπτή ζωγραφική. Συνολικά: ο ζωγράφος του σήμερα. Στις αρχές του 1933, βρήκε ένα κατάλληλο διαμέρισμα για την οικογένεια στο Ντίσελντορφ, στο οποίο θα μπορούσαν να μετακομίσουν την 1η Μαΐου.

Ένας από τους μεγαλύτερους πίνακες του Klee, ο οποίος κατά τα άλλα έτεινε να δουλεύει σε μικρά σχήματα, χρονολογείται από την περίοδο του Ντίσελντορφ: ο πίνακας Ad Parnassum του 1932. Ο Klee, ο οποίος δούλευε μόνο με τέσσερις μαθητές, είχε πλέον και πάλι ένα ασφαλές εισόδημα, όπως την εποχή του Bauhaus, αλλά λιγότερες υποχρεώσεις, ώστε να μπορεί να ακολουθήσει τις καλλιτεχνικές του προθέσεις.

Επιστροφή στην Ελβετία ως μετανάστης το 1933

Μετά την κατάληψη της εξουσίας από τον Χίτλερ το 1933, ζητήθηκε από τον Klee να προσκομίσει αποδείξεις για την "άρια ιδιότητά" του. Είχε προσβληθεί στην εθνικοσοσιαλιστική εφημερίδα Die rote Erde ως "Εβραίος της Γαλικίας" και το σπίτι του στο Dessau είχε ερευνηθεί. Ωστόσο, απέφυγε να το αρνηθεί, καθώς δεν ήθελε να κερδίσει την εύνοια των κυβερνώντων. Έγραψε στην αδελφή του Mathilde στις 6 Απριλίου 1933:

Ο Klee απέκτησε αποδείξεις, ωστόσο χαρακτηρίστηκε "εκφυλισμένος καλλιτέχνης" και "πολιτικά αναξιόπιστος" από τους εθνικοσοσιαλιστές και απολύθηκε από τη θέση του χωρίς προειδοποίηση στις 21 Απριλίου. Τον Οκτώβριο υπέγραψε συμβόλαιο με την Galerie Simon του Daniel-Henry Kahnweiler στο Παρίσι, στην οποία δόθηκε το μονοπώλιο για όλες τις πωλήσεις εκτός Ελβετίας. Ο Klee είχε αποχαιρετήσει την ομάδα εργασίας του με τα λόγια: "Κύριοι, υπάρχει μια ανησυχητική μυρωδιά πτωμάτων στην Ευρώπη".

Το διαμέρισμα του Ντίσελντορφ εκκενώθηκε στις 23 Δεκεμβρίου 1933. Το ζεύγος Klee μετανάστευσε στην Ελβετία την ίδια μέρα και μετακόμισε στο σπίτι των γονιών του Klee στη Βέρνη την παραμονή των Χριστουγέννων του 1933. Τον Ιούνιο του 1934 μετακόμισαν σε ένα διαμέρισμα τριών δωματίων στο Elfenauquartier, Kistlerweg 6, αφού τα έπιπλα και οι πίνακες που είχαν αφήσει πίσω τους είχαν φτάσει στη Βέρνη από το Ντίσελντορφ. Ήδη από την άνοιξη του 1934 υπέβαλε αίτηση πολιτογράφησης, η οποία απορρίφθηκε βάσει της Συμφωνίας του Βερολίνου της 4ης Μαΐου 1933: Οι Γερμανοί πολίτες μπορούσαν να υποβάλουν αίτηση για την ελβετική υπηκοότητα μόνο εάν διέμεναν στην Ελβετία συνεχώς επί πέντε χρόνια.

Τα τελευταία χρόνια

Η Kunsthalle της Βέρνης εγκαινίασε μια αναδρομική έκθεση του έργου του Klee στις 23 Φεβρουαρίου 1935, σε συνδυασμό με έργα του Hermann Haller, η οποία αργότερα παρουσιάστηκε σε μειωμένη μορφή στην Kunsthalle της Βασιλείας. Τον Αύγουστο του 1935 ο Klee αρρώστησε από βρογχίτιδα, η οποία εξελίχθηκε σε πνευμονία, και τον Νοέμβριο από σκληρόδερμα, μια ανίατη ασθένεια. Αυτή η ονομασία της νόσου εμφανίστηκε για πρώτη φορά στην ειδική βιβλιογραφία 14 χρόνια μετά το θάνατό του. Ωστόσο, η διάγνωση είναι υποθετική, καθώς δεν υπάρχουν ιατρικά αρχεία. Λόγω της ασθένειας, το έργο του έμεινε στάσιμο τα επόμενα δύο χρόνια. Παρά τους περιορισμούς που προκαλούσε η αυξανόμενη σκλήρυνση του δέρματος, είχε μια άλλη πολύ παραγωγική δημιουργική περίοδο από την άνοιξη του 1937 και μετά. Αυτοσχεδίαζε πολύ και χρησιμοποιούσε διάφορες μορφές έκφρασης, όπως σχέδια με μολύβι, κιμωλία και μελάνι. Στην πορεία, αντιμετώπισε την επιδεινούμενη κατάσταση της υγείας του μέσα από απεικονίσεις μορφών που υπέφεραν και χρησιμοποίησε μεγαλύτερα πινέλα που διευκόλυναν τη δουλειά του.

Στις 19 Ιουλίου 1937 εγκαινιάστηκε στο Μόναχο η έκθεση "Εκφυλισμένη Τέχνη", η οποία στη συνέχεια παρουσιάστηκε ως περιοδεύουσα έκθεση στο Βερολίνο, τη Λειψία, το Ντίσελντορφ και το Σάλτσμπουργκ και στην οποία ο Paul Klee εκπροσωπήθηκε με 17 έργα, μεταξύ των οποίων και το Sumpflegende του 1919. Από τον Αύγουστο του ίδιου έτους, κατασχέθηκαν τα πρώτα σύγχρονα έργα τέχνης, μεταξύ των οποίων και τα έργα του Klee που είχαν ήδη δυσφημιστεί ως "εκφυλισμένα" στην έκθεση του Μονάχου. Αργότερα, άλλα 102 έργα του Paul Klee σε γερμανικές συλλογές κατασχέθηκαν ως "εκφυλισμένη τέχνη" και πωλήθηκαν στο εξωτερικό. Ένας μεγάλος αριθμός των κατασχεμένων έργων τέχνης έφτασε στην αγορά των ΗΠΑ μέσω του Βερολινέζου εμπόρου τέχνης Karl Buchholz, ιδιοκτήτη της γκαλερί Buchholz της Νέας Υόρκης. Ο Buchholz ήταν ο μεγαλύτερος πελάτης της "Επιτροπής για την αξιοποίηση των προϊόντων της εκφυλισμένης τέχνης", επειδή μπορούσε να πληρώσει με το αντίστοιχο συνάλλαγμα. Έστειλε τα έργα αποκλειστικά στο υποκατάστημά του στη Νέα Υόρκη, το οποίο διηύθυνε ο Curt Valentin, καθώς επρόκειτο να πωληθούν μόνο εκτός του Γερμανικού Ράιχ.

Μεταξύ Ιανουαρίου και Μαρτίου 1939, ο Αμερικανός συνθέτης και καλλιτέχνης John Cage, ο οποίος είχε στενή γνώση της ομάδας Die Blaue Vier μέσω των στενών επαφών του με τον Galka Scheyer και ο οποίος είχε ήδη αποκτήσει ένα φύλλο του Jawlensky για τη σειρά Meditations του 1934 ως 22χρονος, οργάνωσε μια μικρή έκθεση στο Cornish School του Seattle με έργα των Paul Klee, Alexej von Jawlensky και Wassily Kandinsky. Τον Απρίλιο του ίδιου έτους, ο Klee υπέβαλε δεύτερη αίτηση πολιτογράφησης. Η αίτησή του αποτέλεσε αντικείμενο κριτικής εξέτασης από την αστυνομία, καθώς η σύγχρονη τέχνη θεωρήθηκε από το κοινό ως επακόλουθο της αριστερής πολιτικής. Σε μυστικές εκθέσεις ενός αστυνομικού, το έργο του Klee θεωρήθηκε "προσβολή κατά της πραγματικής τέχνης και υποβάθμιση του καλού γούστου", ενώ ο Τύπος υπαινίχθηκε ότι η τέχνη του προωθήθηκε από Εβραίους εμπόρους για καθαρά οικονομικούς λόγους. Παρά την έκθεση της αστυνομίας, ο Klee έλαβε έγκριση της αίτησής του για πολιτογράφηση στις 19 Δεκεμβρίου 1939. Στις 16 Φεβρουαρίου 1940, η επετειακή έκθεση "Paul Klee. New Works", η οποία επρόκειτο να είναι η μοναδική παρουσίαση του ύστερου έργου του που σχεδιάστηκε από τον ίδιο τον καλλιτέχνη, άνοιξε στο Kunsthaus της Ζυρίχης. Μετά από περαιτέρω ακροάσεις, το δημοτικό συμβούλιο της πόλης της Βέρνης θέλησε να λάβει οριστική απόφαση για την πολιτογράφησή του στις 5 Ιουλίου 1940. Ωστόσο, η αίτησή του δεν διεκπεραιώθηκε πλέον, επειδή η υγεία του επιδεινώθηκε στις αρχές Απριλίου 1940, γι' αυτό και άρχισε να διαμένει σε σανατόριο στο Λοκάρνο-Μουράλτο στις 10 Μαΐου. Πέθανε στις 29 Ιουνίου 1940, μια εβδομάδα πριν από τη συνάντηση, στην Clinica Sant'Agnese στο Muralto.

Η βιογράφος του Klee, Carola Giedion-Welcker, είχε επισκεφθεί τον καλλιτέχνη στο διαμέρισμά του στη Βέρνη λίγο πριν από το θάνατό του. Αναφέρει ότι ο Klee ήταν ταραγμένος και οργισμένος από τις επιθέσεις του Τύπου σε σχέση με μια μεγάλη έκθεση του ύστερου έργου του στη Ζυρίχη, οι οποίες απειλούσαν να διαταράξουν σοβαρά ή και να ματαιώσουν την αίτησή του για πολιτογράφηση.

Το 1946, ο Felix Klee χάραξε ένα προγραμματικό κείμενο του πατέρα του από το 1920 στην ταφόπλακα του πατέρα του στο νεκροταφείο Schosshalden της Βέρνης:

Κληροδότημα του Klee

Μετά το θάνατο του Paul Klee, η Lily Klee παρέμεινε στη Βέρνη. Προκειμένου να αποτρέψουν το ξεπούλημα της περιουσίας του Klee, οι Βερνέρνοι συλλέκτες Hans Meyer-Benteli και Hermann Rupf, με τη μεσολάβηση του Rolf Bürgi, προσωπικού συμβούλου και προσωπικού γραμματέα της Lily Klee, απέκτησαν το σύνολο της καλλιτεχνικής και γραπτής περιουσίας της καλλιτέχνιδας δύο ημέρες πριν από το θάνατό της στις 20 Σεπτεμβρίου 1946. Στις 24 Σεπτεμβρίου 1946 οι Meyer-Bentely, Rupf και Bürgi και ο Werner Allenbach, ο οποίος επίσης ζούσε στη Βέρνη, ίδρυσαν την Εταιρεία Klee και μεταβίβασαν στην κατοχή τους την περιουσία με περίπου 6.000 έργα. Ένα χρόνο αργότερα, ίδρυσαν το Ίδρυμα Paul Klee, το οποίο προικοδότησαν με περίπου 1700 έργα και διάφορα έγγραφα από την καλλιτεχνική κληρονομιά. Το 1950 προστέθηκαν άλλα 1500 έργα στο ίδρυμα, το οποίο κατατέθηκε στο Kunstmuseum της Βέρνης. Με την πώληση αυτή, η Lily Klee κατάφερε να αποτρέψει την εκκαθάριση ολόκληρης της περιουσίας του συζύγου της υπέρ των συμμαχικών δυνάμεων σύμφωνα με τη Συμφωνία της Ουάσιγκτον, στην οποία είχε προσχωρήσει η Ελβετία λίγο νωρίτερα.

Το 1946, μετά την επιστροφή του Felix Klee από τη σοβιετική αιχμαλωσία, η Lily Klee υπέστη εγκεφαλικό επεισόδιο στις 16 Σεπτεμβρίου "από τη χαρούμενη συγκίνηση" για την είδηση της επιστροφής του γιου της στην πατρίδα - όπως ανέφερε η Maria Marc - και πέθανε στις 22 Σεπτεμβρίου. Δύο χρόνια αργότερα, ο Felix Klee και η οικογένειά του μετακόμισαν επίσης στη Βέρνη. Εκεί, ο μοναδικός κληρονόμος διεκδίκησε τα δικαιώματά του σε ολόκληρη την κληρονομιαία περιουσία. Μια τετραετής δικαστική διαμάχη μεταξύ αυτού και της Klee Society διευθετήθηκε με εξωδικαστική συμφωνία στα τέλη του 1952. Η περιουσία μοιράστηκε. Και οι δύο συλλογές παρέμειναν στη Βέρνη και, χάρη στην πρωτοβουλία των κληρονόμων του Felix Klee († 1990) - της Livia Klee-Meyer († 2011), δεύτερης συζύγου του Felix Klee, και του Alexander Klee, († 2021) γιου του Felix Klee από τον πρώτο του γάμο - το Ίδρυμα Paul Klee και οι αρχές της Βέρνης κατάφεραν να τις επανενώσουν με το άνοιγμα του Zentrum Paul Klee το 2005.

Ο Paul Klee ήταν μοναχικός και ατομικιστής, αν και όπως και άλλοι καλλιτέχνες της εποχής του συνδέθηκε με νέες καλλιτεχνικές αναπαραστάσεις. Ως εκ τούτου, διέφερε από τους κυβιστές του Bateau-Lavoir στο Παρίσι, τους φουτουριστές στο Μιλάνο ή το μεταγενέστερο σουρεαλιστικό κίνημα, το οποίο αναπτύχθηκε σε μια ευρύτερη κοινοτική βάση. Όπως ο Μιρό και ο Πικάσο, για παράδειγμα, ο Κλέε χρησιμοποίησε στο έργο του μοτίβα παιδικής ζωγραφικής και τις καλλιτεχνικές τεχνοτροπίες διαφόρων "πρωτόγονων λαών". Ο πριμιτιβισμός είναι ένα από τα σημαντικά φαινόμενα της τέχνης του 20ού αιώνα. Ο Klee εξηγεί τις φιγούρες, τα απλουστευμένα περιγράμματα, τις μουτζούρες και την προοπτική του να κοιτάζει σαν να απορεί και να περιεργάζεται τους ανθρώπους και τον κόσμο τους με την πειθαρχία του να θέλει να μειώσει σε λίγα επίπεδα. Η πρωτόγονη εντύπωση ανάγεται έτσι στην "τελευταία επαγγελματική ενόραση", η οποία είναι "το αντίθετο της πραγματικής πρωτογονίας", έγραφε στο ημερολόγιό του ήδη από το 1909.

Η γραφιστική τέχνη διαδραματίζει ιδιαίτερο ρόλο στο έργο του Paul Klee, καθώς περισσότερα από τα μισά από τα συνολικά έργα του καταλόγου του έργου είναι γραφιστικά έργα. Έτσι, ο Klee μπορεί να θεωρηθεί ένας από τους σημαντικότερους γραφίστες των αρχών του 20ού αιώνα.Ο Paul Klee δημιουργούσε συχνά τους πίνακές του με διαφορετικές τεχνικές ζωγραφικής, χρησιμοποιώντας ελαιοχρώματα, ακουαρέλες, μελάνι και άλλα. Συχνά συνδύαζε διαφορετικές τεχνικές, με αποτέλεσμα η δομή του φόντου να αποτελεί σημαντικό στοιχείο γι' αυτόν. Τα έργα του έχουν αποδοθεί σε διάφορες μορφές τέχνης, όπως ο εξπρεσιονισμός, ο κυβισμός και ο υπερρεαλισμός, αλλά είναι δύσκολο να ταξινομηθούν και παραπέμπουν σε όνειρα, ποίηση και μουσική, ενώ περιστασιακά ενσωματώνονται λέξεις ή μουσικές νότες. Ορισμένα από τα μεταγενέστερα έργα χαρακτηρίζονται από ιερογλυφικά σύμβολα, τις γραμμές των οποίων ο Klee παραφράζει ως "έναν περίπατο για τον εαυτό του, χωρίς προορισμό".

Ανάμεσα στα λίγα γλυπτικά έργα που δημιούργησε ο Κλέε είναι οι μαριονέτες χειρός που έφτιαξε για τον γιο του Φέλιξ μεταξύ 1916 και 1925. Ο καλλιτέχνης δεν τα θεωρούσε μέρος του συνολικού του έργου και δεν τα συμπεριέλαβε στον κατάλογο του. 30 από αυτές τις κούκλες έχουν διατηρηθεί και φυλάσσονται στο Zentrum Paul Klee, στη Βέρνη.

Ο κατάλογος του έργου του Κλέε, τον οποίο κρατούσε ο ίδιος από τον Φεβρουάριο του 1911 έως τον θάνατό του, απαριθμεί συνολικά 733 πίνακες ζωγραφικής (πίνακες σε ξύλο ή καμβά), 3159 χρωματιστά φύλλα σε χαρτί, 4877 σχέδια, 95 χαρακτικά, 51 αντίστροφες ζωγραφιές σε γυαλί και 15 γλυπτά. Δημιούργησε περίπου 1000 έργα τα τελευταία πέντε χρόνια της ζωής του. Οι συνθέσεις του έχουν αποκτήσει εκπληκτική δημοτικότητα στο κοινό, παρόλο που αψηφούν την εύκολη ερμηνεία.

Το πρώιμο έργο

Τα πρώτα παιδικά σχέδια του Klee, τα οποία η γιαγιά του ενθάρρυνε τον νεαρό Paul να κάνει, έχουν διασωθεί- ο Klee συμπεριέλαβε μερικά από αυτά στον κατάλογο raisonné του. Συνολικά 19 χαρακτικά χρονολογούνται από τα χρόνια της Βέρνης- δέκα από αυτά περιλαμβάνονται στον κύκλο των εφευρέσεων που δημιουργήθηκαν μεταξύ 1903 και 1905, με τον οποίο ο Κλέε έκανε την πρώτη του δημόσια εμφάνιση ως καλλιτέχνης τον Ιούνιο του 1906 στη "Διεθνή Έκθεση Τέχνης της Ένωσης Εικαστικών Καλλιτεχνών Μονάχου "Secession"". Ο Klee είχε ήδη αφαιρέσει την εφεύρεση Νο 11, την απαισιόδοξη αλληγορία των βουνών, από τον κύκλο τον Φεβρουάριο του 1906. Τα σατιρικά χαρακτικά του κύκλου, για παράδειγμα η Παναγία στο δέντρο

Ο Klee ανέπτυξε μια νέα τεχνική από το 1905 και μετά, ξεκινώντας χαράξεις με βελόνα σε μαυρισμένους υαλοπίνακες- δημιούργησε με αυτόν τον τρόπο 57 πίνακες από αντίστροφο γυαλί, μεταξύ των οποίων η Σκηνή κήπου του 1905 και το Πορτρέτο του πατέρα του του 1906, με τα οποία προσπάθησε να συνδυάσει τη ζωγραφική και τη χαρακτική. Το μοναχικό πρώιμο έργο του Κλέε έλαβε τέλος όταν γνώρισε το 1910 τον γραφίστα και εικονογράφο Άλφρεντ Κούμπιν, ο οποίος τον ενέπνευσε καλλιτεχνικά. Θα ακολουθήσουν και άλλες σημαντικές επαφές με τη ζωγραφική πρωτοπορία.

Έμπνευση από τον Delaunay και τον "Blaue Reiter" (Μπλε Καβαλάρη)

Τον Μάρτιο του 1912, ο Paul Klee ολοκλήρωσε την εικονογράφηση του μυθιστορήματος Candide, το οποίο εκδόθηκε το 1920 με τον τίτλο Kandide oder die Beste Welt. Eine Erzählung von Voltaire με 26 εικονογραφήσεις του καλλιτέχνη, εκδόθηκε από τον Kurt Wolff.

Ο Paul Klee ήρθε στον χρωματικό σχεδιασμό μέσω της μελέτης της θεωρίας των χρωμάτων του Robert Delaunay, τον οποίο επισκέφθηκε στο εργαστήριό του στο Παρίσι τον Απρίλιο του 1912. Η ενασχόλησή του με τα έργα και τις θεωρίες του Delaunay, το έργο του οποίου χαρακτηρίζεται ως "ορφικός" Ο κυβισμός, γνωστός και ως ορφισμός, σήμανε μια στροφή προς την αφαίρεση και την αυτονομία του χρώματος. Επιπλέον, οι καλλιτέχνες της Blaue Reiter -κυρίως ο August Macke και ο Franz Marc- επηρεάστηκαν σημαντικά από τη ζωγραφική του Delaunay και ο Klee, ως συνεργαζόμενο μέλος της εκδοτικής ομάδας της Blaue Reiter, εμπνεύστηκε με τη σειρά του αργότερα από τους πίνακές τους, καθώς δεν είχε ακόμη βρει το καλλιτεχνικό του επίκεντρο εκείνη την εποχή. Παρόλο που συμμετείχε στις εκθέσεις και έλαβε σημαντικά ερεθίσματα για το μετέπειτα έργο του, δεν κατάφερε ακόμη εκείνη την εποχή να εφαρμόσει τις ιδέες του σχετικά με τη χρήση του χρώματος στους πίνακές του. Ο ίδιος έβλεπε τις προσπάθειές του ως επιτηδευμένες. Κατά τη διάρκεια της θητείας του στην "Blaue Reiter", θεωρήθηκε εξαιρετικός σχεδιαστής- ωστόσο, η οριστική υπέρβαση προς την έγχρωμη ζωγραφική δεν ήρθε για τον καλλιτέχνη μέχρι το ταξίδι του στην Τύνιδα το 1914, το οποίο τον οδήγησε στο ανεξάρτητο ζωγραφικό του έργο.

Mystical-Abstract Period 1914-1919

Στο δωδεκαήμερο ταξίδι μελέτης στην Τύνιδα, το οποίο προγραμμάτισε μαζί με τους Macke και Moilliet τον Απρίλιο του 1914, δημιούργησε υδατογραφίες που μεταφέρουν τα έντονα φωτεινά και χρωματικά ερεθίσματα του βορειοαφρικανικού τοπίου με τον τρόπο του Paul Cézanne και της κυβιστικής αντίληψης της μορφής του Robert Delaunay. Στόχος δεν ήταν η μίμηση της φύσης, αλλά η παραγωγή σχεδίων ανάλογων με τις τυπικές αρχές της φύσης, όπως για παράδειγμα στα έργα "Στα σπίτια του Saint-Germain" και "Street Café". Εδώ ο Klee μετέφερε το τοπίο σε ένα πεδίο πλέγματος ώστε να διαλυθεί σε χρωματική αρμονία. Ταυτόχρονα, δημιούργησε μη αντικειμενικά έργα όπως το Abstract και το Coloured Circles Linked by Bands of Colour.Ωστόσο, στο έργο του δεν προέκυψε οριστικός διαχωρισμός από το αντικείμενο. Οι πειραματισμοί και οι εξερευνήσεις του Klee με το χρώμα σε μια περίοδο άνω των δέκα ετών τον είχαν πλέον οδηγήσει σε ένα ανεξάρτητο ζωγραφικό έργο, στο οποίο ο πολύχρωμος ανατολίτικος κόσμος γινόταν η βάση για τις σχεδιαστικές του ιδέες.

Τις ακουαρέλες που ζωγράφισε στο ταξίδι στην Τύνιδα ακολούθησε το 1915, για παράδειγμα, η ακουαρέλα Föhn im Marc'schen Garten (Ο Φον στον κήπο του Μαρκ), η οποία δείχνει ξεκάθαρα τη νέα του σχέση με το χρώμα και την έμπνευση που έλαβε από τους Μάκε και Ντελονέ. Αν και τα στοιχεία του κήπου μπορούν να αναγνωριστούν σαφώς, είναι αισθητή μια περαιτέρω στροφή προς την αφαίρεση. Στο ημερολόγιό του ο Klee γράφει εκείνη την εποχή:

Υπό την εντύπωση της στρατιωτικής του θητείας, δημιούργησε τον πίνακα Trauerblumen (Λουλούδια πένθους) του 1917, ο οποίος προϊδεάζει για τα μετέπειτα έργα του με τα γραφικά του σημεία, τις φυτικές και φανταστικές μορφές που ενώνουν αρμονικά γραφικά, χρώμα και αντικείμενο. Καθώς ο Klee έβλεπε ιπτάμενα και κυρίως συντριβόμενα αεροπλάνα στο Gersthofen και στον ελεύθερο χρόνο του θα φωτογράφιζε αεροπορικά δυστυχήματα, τα πουλιά που έπεφταν σαν χάρτινα αεροπλάνα εμφανίστηκαν για πρώτη φορά στους πίνακές του, όπως στον Blumenmythos του 1918.

Στην ακουαρέλα Einst dem Grau der Nacht enttaucht (Κάποτε ξέφυγε από το γκρίζο της νύχτας) του 1918, ένα ποίημα σε συνθετική μορφή που πιθανώς είχε γράψει ο ίδιος, ο Klee πήρε γράμματα σε μικρά τετράγωνα που χωρίζονται με χρώμα και χώρισε την πρώτη από τη δεύτερη στροφή με ασημόχαρτο. Στο πάνω μέρος του χαρτονιού με την εικόνα, οι στίχοι είναι χειρόγραφοι. Εδώ, ο Klee δεν ακουμπούσε πλέον στον Delaunay όσον αφορά το χρώμα, αλλά στον Franz Marc, αν και το εικαστικό περιεχόμενο των δύο ζωγράφων δεν αντιστοιχούσε. Ο Herwarth Walden, ο έμπορος τέχνης του Klee, μεταξύ άλλων, είδε αυτό ως "αλλαγή φρουράς" στην τέχνη του. Από το 1919 και μετά, χρησιμοποίησε συχνότερα ελαιοχρώματα, συνδυάζοντάς τα με ακουαρέλες και χρωματιστό μολύβι. Το έργο Villa R (Kunstmuseum Basel) του 1919 συνδυάζει ορατές πραγματικότητες όπως ο ήλιος, το φεγγάρι, τα βουνά, τα δέντρα και η αρχιτεκτονική, καθώς και σουρεαλιστικά σκηνικά και αξίες διάθεσης.

Έργα κατά την περίοδο του Bauhaus και στο Ντίσελντορφ

Στα έργα του από αυτή την περίοδο περιλαμβάνεται, για παράδειγμα, το αφηρημένο έργο betroffener Ort (1922) με γραφικά στοιχεία. Από την ίδια χρονιά προέρχεται ο γνωστός πίνακας Die Zwitscher-Maschine (Η μηχανή που κελαηδάει), ο οποίος ήταν ένα από τα έργα που αφαιρέθηκαν από την Εθνική Πινακοθήκη του Βερολίνου. Αφού παρουσιάστηκε δυσφημιστικά στην έκθεση "Εκφυλισμένη Τέχνη" στο Μόναχο, αγοράστηκε από την Buchholz Gallery της Νέας Υόρκης, υποκατάστημα του Βερολινέζου εμπόρου τέχνης Karl Buchholz, από τον οποίο το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης το απέκτησε για 75 δολάρια το 1939. Το "κελάηδισμα" στον τίτλο αναφέρεται στα πουλιά, των οποίων τα ράμφη είναι ανοιχτά, ενώ η "μηχανή" αντιπροσωπεύεται από τη μανιβέλα. Με την πρώτη ματιά, η ακουαρέλα μοιάζει παιδική, αλλά επιδέχεται πολλές ερμηνείες. Μεταξύ άλλων, θα μπορούσε να είναι μια κριτική του Klee, ο οποίος δείχνει μέσω της αποναυτοποίησης των πτηνών ότι η μηχανοποίηση του κόσμου στερεί από τα πλάσματα την αυτοδιάθεσή τους.

Άλλα παραδείγματα αυτής της περιόδου είναι το χρυσόψαρο από το 1925, η γάτα και το πουλί το 1928 και από την ομάδα των πολυεπίπεδων και ριγέ πινάκων του Hauptweg και Nebenwege το 1929. Μεταβάλλοντας το έδαφος του καμβά και χάρη στις συνδυασμένες τεχνικές ζωγραφικής του, ο Klee πέτυχε πάντα νέα χρωματικά εφέ και ζωγραφικά αποτελέσματα.

Το 1932, κατά τη διάρκεια της παραμονής του στο Ντίσελντορφ, δημιούργησε το Ad Parnassum, με διαστάσεις 100 × 126 cm, έναν από τους μεγαλύτερους πίνακες του Klee, ο οποίος κατά τα άλλα δούλευε συνήθως σε μικρές διαστάσεις. Σε αυτό το έργο που μοιάζει με μωσαϊκό, το οποίο είναι στο ύφος του πουαντιλισμού, συνδύασε και πάλι διάφορες τεχνικές και συνθετικές αρχές. Σε ανάμνηση του ταξιδιού στην Αίγυπτο το 1928

Το καθυστερημένο έργο στην Ελβετία

Ο σχεδιασμός του Klee κατά την περίοδο αυτή στράφηκε σε εικόνες μεγάλου μεγέθους. Ενώ μετά το ξέσπασμα της ασθένειας, στον κατάλογο του 1936 αναγράφονται 25 αριθμοί, η παραγωγικότητά του αυξάνεται σημαντικά, φτάνοντας τα 264 έργα το 1937, τα 489 το 1938 και το 1939, την πιο παραγωγική του χρονιά, αναγράφει 1254 έργα. Τα έργα του πραγματεύονται αμφίσημα θέματα που εκφράζουν την προσωπική του μοίρα, την πολιτική κατάσταση και το πνεύμα του: Ενδεικτικά αναφέρονται η υδατογραφία Μουσικός, ένα ραβδόμορφο πρόσωπο με εν μέρει σοβαρό, εν μέρει χαμογελαστό στόμα, και η Επανάσταση της οδογέφυρας, η οποία είναι ένας από τους πιο γνωστούς πίνακές του και θεωρείται ως η συμβολή του Klee στην αντιφασιστική τέχνη. Στο Viaduct του 1937, οι καμάρες της γέφυρας σπάνε τις γραμμές, αρνούνται να είναι μόνο ένας κρίκος στην αλυσίδα και κάνουν επανάσταση.

Τα περίπου 80 μοτίβα αγγέλων του Klee δημιουργήθηκαν κυρίως μεταξύ 1938 και 1940 ως έκφραση της κατάστασης της ζωής του εκείνη την εποχή. Οι εκθέσεις στο Μουσείο Folkwang στο Έσσεν και στο Hamburger Kunsthalle το 2013 σχολίασαν το θέμα ως εξής:

Από το 1938 ο Klee εργάστηκε ακόμη πιο εντατικά με ιερογλυφικά στοιχεία. Ο πίνακας Insula dulcamara εκείνης της χρονιάς, ο οποίος με διαστάσεις 88 × 176 εκατοστά είναι ένας από τους μεγαλύτερους πίνακές του, δείχνει ένα λευκό πρόσωπο στη μέση αυτών των στοιχείων, που συμβολίζει το θάνατο με τις μαύρες κόγχες των ματιών του. Η πικρία και η θλίψη είναι εμφανείς σε πολλά από τα έργα του από αυτή την περίοδο.

Ο πίνακας που ολοκληρώθηκε το 1940, ο οποίος είναι πολύ διαφορετικός από τους προηγούμενους, έμεινε ανυπόγραφος στο καβαλέτο του Klee πριν από το θάνατό του. Πρόκειται για μια συγκριτικά ρεαλιστική νεκρή φύση Χωρίς τίτλο, που αργότερα ονομάστηκε Ο άγγελος του θανάτου, στην οποία απεικονίζονται, μεταξύ άλλων, λουλούδια, μια πράσινη κανάτα, ένα γλυπτό και ένας άγγελος. Διαχωρισμένο από αυτές τις ομάδες, το φεγγάρι εμφανίζεται σε σκούρο φόντο. Ο Κλέε φωτογραφήθηκε μπροστά σε αυτή την εικόνα με την ευκαιρία των 60ών γενεθλίων του. Θεωρείται ότι ο Klee θεώρησε το έργο αυτό ως την καλλιτεχνική του κληρονομιά.

Θεωρητικά κείμενα τέχνης, ημερολόγια, επιστολές και ποιήματα

Αφού παντρεύτηκε το 1906 και μετακόμισε στο Μόναχο, ο Paul Klee δραστηριοποιήθηκε όχι μόνο ως καλλιτέχνης αλλά και ως δημοσιογράφος. Από τον Νοέμβριο του 1911 έως τον Δεκέμβριο του 1912, έγραφε άρθρα για την καλλιτεχνική και μουσική ζωή του Μονάχου για το περιοδικό Die Alpen της Βέρνης. Στο τεύχος Αυγούστου του 1912, ο Klee δημοσίευσε μια αναφορά για την έκθεση στο Kunsthaus της Ζυρίχης από τις 7 Ιουλίου έως τις 31 Ιουλίου, στην οποία παρουσιάστηκαν έργα της "Μοντέρνας Λίγκας", μιας ένωσης Ελβετών καλλιτεχνών που ιδρύθηκε από τους Hans Arp, Walter Helbig και Oscar Lüthi, μαζί με έργα του Blaue Reiter. Ο Klee χρησιμοποιεί τον όρο εξπρεσιονισμός στην έκθεσή του, αλλά με διαφορετικό τρόπο από ό,τι οι σύγχρονοί του. Για τον Κλέε, ο εξπρεσιονισμός δεν είχε απλώς προωθήσει την καλλιτεχνική ανάπτυξη, αλλά είχε πραγματικά ανοίξει νέα εδάφη για τις καλλιτεχνικές δυνατότητες με την έννοια ενός "διευρυμένου πεδίου της τέχνης".

Μετά το 1912, ο Κλέε περιόρισε τις γραπτές του δημοσιεύσεις σε δοκίμια για τη θεωρία της τέχνης, που γράφτηκαν κυρίως μεταξύ 1920 και 1925, και σε πραγματείες για τον Wassily Kandinsky (1926) και τον Emil Nolde (1927). Τα ημερολόγια (1898-1918) εκδόθηκαν μετά θάνατον το 1957, τα ποιήματα το 1960 και οι επιστολές προς την οικογένεια το 1979. Παράλληλα με τις ημερολογιακές σημειώσεις, οι θεωρίες τέχνης αποτελούν τις σημαντικότερες πηγές και οδοδείκτες για το έργο του.

Ο Klee ξεκίνησε την πρώτη του θεωρητική συζήτηση για την τέχνη, Schöpferische Konfession (Δημιουργική εξομολόγηση), ήδη από το 1918 κατά τη διάρκεια του Α' Παγκοσμίου Πολέμου. Δημοσιεύθηκε το 1920 στο Βερολίνο μαζί με τις εξομολογήσεις άλλων ζωγράφων και ποιητών στο βιβλίο "Tribüne der Kunst und der Zeit. Eine Schriftensammlung", επιμέλεια Kasimir Edschmid. Η γνωστή πρώτη φράση από αυτό - "Η τέχνη δεν αναπαράγει το ορατό, αλλά το κάνει ορατό". - δείχνει τη δημιουργική τάση του Klee να ενσωματώνει στο έργο του την οπτικοποίηση ενός εσωτερικού κόσμου ιδεών. Ξεκινώντας από τον Λεονάρντο ντα Βίντσι, μέσω του Robert Delaunay και του Wassily Kandinsky, ο Klee απομακρύνθηκε από την έννοια της ταυτόχρονης εικαστικής αποτύπωσης σε αυτή τη γραφή. Ο μικρός τόμος τυπώθηκε για πρώτη φορά στη Λειψία το 1919 και φυλάσσεται στο πρωτότυπο χειρόγραφό του από το Ίδρυμα Paul Klee στο Kunstmuseum της Βέρνης σε ένα βιβλιαράκι από λαδόκολλα μαζί με αυτοβιογραφικά κείμενα του Klee.

Το κείμενο Farbe als Wissenschaft (Το χρώμα ως επιστήμη) εμφανίστηκε τον Οκτώβριο του 1920. Αυτό το σύντομο κείμενο, το οποίο ο Klee έγραψε μετά από πρόταση του ιστορικού τέχνης Hans Hildebrandt για το ειδικό έγχρωμο τεύχος Das Werk. Mitteilungen des Deutschen Werkbundes, όχι μόνο ασκεί πολεμική κατά της μαθηματικής θεωρίας των χρωμάτων του χημικού και φυσικού Wilhelm Ostwald, "αλλά περιέχει επίσης δύο θεμελιώδη σημεία: Δεν υπάρχει ανάγκη για μια θεωρία των χρωμάτων και οι τιμές των χρωμάτων είναι σχετικές ποσότητες. Εδώ, για πρώτη φορά, το χρώμα νοείται expressis verbis ως απόλυτο".

Το 1923 εμφανίστηκε, μεταξύ άλλων, στον πρώτο τόμο των βιβλίων του Bauhaus, το βιβλίο του Klee Wege des Naturstudiums (Τρόποι μελέτης της φύσης), στο οποίο περιγράφει τη φύση ως "sine qua non" της καλλιτεχνικής εργασίας, η οποία πρέπει να παραμείνει το σημείο εκκίνησης του καλλιτέχνη παρά κάθε ελεύθερη μεταμόρφωση. Το 1925 εκδόθηκε το Pädagogisches Skizzenbuch (Παιδαγωγικό βιβλίο σκίτσων) ως βιβλίο Bauhaus No. 2, το οποίο στοχεύει στην οπτική εκπαίδευση του μαθητή και ασχολείται κυρίως με τα γραφικά και χρωματικά εκφραστικά μέσα.

Με αφορμή την έκθεση ζωγραφικής του στο Jena Kunstverein στο Prinzessinnenschlösschen, που εγκαινιάστηκε στις 19 Ιανουαρίου 1924, ο Klee έδωσε στις 26 Ιανουαρίου την περίφημη διάλεξή του στην Ιένα, την οποία ο καλλιτέχνης έγραψε κατά τη διάρκεια της θητείας του στο Bauhaus και η οποία εκδόθηκε για πρώτη φορά μετά θάνατον το 1945 υπό τον τίτλο Über die moderne Kunst (Περί σύγχρονης τέχνης) από τον εκδοτικό οίκο Benteli στο Bern-Bümplitz. Σε αυτό, ο Klee ανέπτυξε τη συγκριτική εικόνα του δέντρου, των ριζών του και της κόμης- σε αυτό, ο καλλιτέχνης παίζει τον κορμό σε ρόλο διαμεσολαβητή, προκειμένου να "συλλέξει και να μεταδώσει ό,τι προέρχεται από τα βάθη". Σύμφωνα με τον Klee, η σύγχρονη τέχνη θα πρέπει να επιτρέπει "την αλλοιωμένη, μετασχηματισμένη εικόνα της φύσης" να αναδύεται κατά τη διαδικασία του μετασχηματισμού. Αυτό που οι κυβιστές αποκαλούσαν "création et non imitation", ο Klee το διατύπωσε ως "αναγέννηση της φύσης στην εικόνα".

Σύγχρονες απόψεις του Paul Klee

"Η πράξη του Klee είναι αρκετά θαυμάσια. Με ένα ελάχιστο εγκεφαλικό επεισόδιο μπορεί να αποκαλύψει όλη τη σοφία του. Είναι τα πάντα- οικεία, λεπτεπίλεπτα και πολλά άλλα καλά πράγματα, και αυτό πάνω απ' όλα: είναι καινούργιος", έτσι περιγράφει ο Oskar Schlemmer, ο μετέπειτα συνάδελφος καλλιτέχνης του Bauhaus, τους πίνακες του Paul Klee στο ημερολόγιό του τον Σεπτέμβριο του 1916.

Στο έργο του Über Expressionismus in der Malerei (Περί εξπρεσιονισμού στη ζωγραφική) του 1919, ο συγγραφέας Wilhelm Hausenstein, φίλος του Klee, τονίζει το μουσικό ταλέντο του Klee και συνοψίζει: "Ίσως η στάση του Klee να μπορεί να γίνει κατανοητή μόνο από τον μουσικό άνθρωπο - όπως ακριβώς ο ίδιος ο Klee είναι ένας από τους πιο εξαίσιους βιολιστές του Bach και του Handel που περπάτησαν ποτέ στη γη. Στον Κλέε, τον κλασικό Γερμανό του κυβισμού, το μουσικό έχει γίνει ο σύντροφος του κόσμου, ίσως και το αντικείμενο μιας τέχνης που δεν μοιάζει καθόλου με μια σύνθεση γραμμένη σε νότες".

Όταν ο Klee επισκέφθηκε την έκθεση των Σουρεαλιστών στο Παρίσι το 1925, ο Max Ernst ενθουσιάστηκε με το έργο του. Τα εν μέρει νοσηρά μοτίβα του άρεσαν στους σουρεαλιστές. Ο André Breton βοήθησε μόνος του λίγο το σουρεαλιστικό και μετονόμασε το Room Perspective with Inhabitants του Klee από το 1921 σε chambre spirit σε έναν κατάλογο. Ο κριτικός René Crevel περιέγραψε τον καλλιτέχνη ως "ονειροπόλο" που "απελευθερώνει ένα σμήνος από μικρές λυρικές ψείρες από μυστηριώδεις αβύσσους". Ο έμπιστος του Paul Klee Will Grohmann αντέτεινε στο Cahiers d'Art ότι ο Klee "στέκεται υγιώς και σταθερά στα πόδια του. Δεν είναι σε καμία περίπτωση ονειροπόλος- είναι ένας σύγχρονος άνθρωπος που διδάσκει ως καθηγητής στο Bauhaus". Ο Breton, όπως θυμάται ο Joan Miró, μαγεύει τον Klee: "Ο Masson και εγώ ανακαλύψαμε μαζί τον Paul Klee. Ο Paul Éluard και ο Crevel ενδιαφέρθηκαν επίσης για τον Klee, τον επισκέφθηκαν μάλιστα. Αλλά ο Μπρετόν τον περιφρονούσε".

Η τέχνη των ψυχικά ασθενών ενέπνευσε τον Klee μαζί με τον Kandinsky και τον Max Ernst μετά την έκδοση του Hans Prinzhorn Bildnerei der Geisteskranken που κυκλοφόρησε το 1922. Το 1937, μερικά από τα φύλλα της συλλογής του Prinzhorn παρουσιάστηκαν στην έκθεση προπαγάνδας των εθνικοσοσιαλιστών "Εκφυλισμένη τέχνη" στο Μόναχο- αντιπαρατέθηκαν με έργα των Kirchner, Klee, Nolde και άλλων, με σκοπό να τους δυσφημίσουν.

Το 1949, ο Marcel Duchamp σημείωσε για τον Paul Klee: "Η πρώτη αντίδραση μπροστά σε έναν πίνακα του Paul Klee είναι η πολύ ευχάριστη παρατήρηση του τι έχει ή θα μπορούσε να έχει κάνει ο καθένας από εμάς όταν προσπαθούμε να ζωγραφίσουμε όπως κάναμε στην παιδική μας ηλικία. Με την πρώτη ματιά, οι περισσότερες συνθέσεις του παρουσιάζουν μια απλή, αφελή έκφραση, όπως συναντάμε σε παιδικά σχέδια. Σε δεύτερη ανάλυση, ανακαλύπτει κανείς μια τεχνική που βασίζεται σε μια μεγάλη ωριμότητα σκέψης. Η βαθιά κατανόηση στη χρήση της ακουαρέλας, η προσωπική μέθοδος ζωγραφικής με λάδι, που είναι τοποθετημένη σε διακοσμητικές φόρμες, κάνουν τον Klee να ξεχωρίζει στη σύγχρονη ζωγραφική και τον καθιστούν ασύγκριτο. Από την άλλη πλευρά, ο πειραματισμός του έχει υιοθετηθεί από πολλούς άλλους καλλιτέχνες τα τελευταία 30 χρόνια ως βάση των πρόσφατων εξελίξεων στους πιο διαφορετικούς τομείς της ζωγραφικής. Η ακραία γονιμότητά του δεν παρουσιάζει ποτέ σημάδια επανάληψης, όπως συμβαίνει συνήθως. Είχε τόσα πολλά να πει που ένας Klee δεν μοιάζει ποτέ με έναν άλλο Klee".

Ο Walter Benjamin και ο Angelus Novus

Το έργο Angelus Novus του Klee, που δημιουργήθηκε στη Βαϊμάρη το 1920, ανήκε αρχικά στον φιλόσοφο Walter Benjamin. Απέκτησε φήμη μέσα από το δοκίμιο του Μπένγιαμιν Περί της έννοιας της ιστορίας, στο οποίο κατέχει κεντρική θέση ως "Άγγελος της ιστορίας" (Θέση ΙΧ).

Μουσικά έργα με αναφορά σε έργα του Paul Klee

Από την παιδική του ηλικία, η μουσική έπαιζε σημαντικό ρόλο για τον Paul Klee. Ακόμη και την εποχή των καλλιτεχνικών σπουδών του στο Μόναχο, δεν είχε αποφασίσει αν θα προτιμούσε τη μουσική ή τη ζωγραφική. Η μουσικότητά του αντανακλάται στους πίνακές του με πολλούς τρόπους, αν και δεν είναι προφανώς εικονογραφική ή περιγραφική, αλλά αναζητά αναλογίες στις μουσικές και εικαστικές δημιουργικές διαδικασίες. Σε αντίθεση με τη ζωγραφική του, στη μουσική ήταν προσηλωμένος στην παράδοση. Έτσι, δεν εκτίμησε συνθέτες του τέλους του 19ου αιώνα, όπως ο Βάγκνερ, ο Μπρούκνερ και ο Μάλερ, ούτε τη μουσική των συγχρόνων του. Ο Μπαχ και ο Μότσαρτ ήταν οι μεγαλύτεροι συνθέτες γι' αυτόν- του άρεσε να ακούει και να παίζει έργα του τελευταίου.

Τα έργα του Klee συνεχίζουν να εμπνέουν καλλιτέχνες του ήχου για να συνθέσουν έργα όπως:

Τα εκδοθέντα ημερολόγια του Klee

Η βιογράφος του Klee, Susanna Partsch, επισημαίνει ότι ο Klee επεξεργάστηκε τα ημερολόγιά του αναλόγως, προκειμένου να διατηρήσει μια θετική δημόσια εικόνα. Η φράση στην ταφόπλακά του "Από αυτή την πλευρά δεν είμαι καθόλου κατανοητός", την οποία θεωρούσε ως το πρόγραμμά του, χαρακτηρίζει τον Κλέε όπως ήθελε να τον βλέπουν. Το κείμενο αυτό πρωτοεμφανίστηκε στον κατάλογο της πρώτης μεγάλης ατομικής του έκθεσης στον έμπορο τέχνης Goltz το 1920 και στη συνέχεια, την ίδια χρονιά, στην πρώτη μονογραφία του Klee από τον Leopold Zahn. Ο φίλος και βιογράφος του Will Grohmann, του οποίου η μονογραφία κυκλοφόρησε το 1954, είχε ακόμα περιγράψει τον Klee χωρίς κριτική απόσταση και είχε συμφωνήσει το κείμενο με τον καλλιτέχνη. Ο Jürgen Glaesemer και ο Christian Geelhaar ήταν αυτοί που ξεκίνησαν μια νέα φάση στην έρευνα για τον Klee γύρω στα μέσα της δεκαετίας του 1970 και κατέστησαν έτσι δυνατή μια αντικειμενική θεώρηση του ζωγράφου. Ο ιστορικός τέχνης Otto Karl Werckmeister, ο οποίος ζει στις ΗΠΑ, έδωσε στη συνέχεια τη βάση για τη νέα έρευνα σε διάφορα δοκίμια και ένα βιβλίο, λαμβάνοντας υπόψη το κοινωνικό και πολιτικό περιβάλλον του Klee. Μια κριτική έκδοση των ημερολογίων, που δημοσιεύθηκε από τον Wolfgang Kersten το 1988, συμπλήρωσε τη νέα προοπτική. Προέκυψαν περαιτέρω μελέτες που ανέλυσαν το ύστερο έργο του Klee υπό τη διάγνωση της ασθένειάς του, του σκληροδέρματος.

"Ο Paul Klee συναντά τον Joseph Beuys"

Το 2000, το Schloss Moyland στον Κάτω Ρήνο παρουσίασε την έκθεση "Ο Paul Klee συναντά τον Joseph Beuys. Ένα κουβάρι της κοινότητας". Επαναλήφθηκε σε ελαφρώς τροποποιημένη μορφή την άνοιξη του 2002 στο Kurpfälzisches Museum της Χαϊδελβέργης. Οι επιμελητές αντιπαραβάλλουν επιλεγμένα έργα των Beuys και Klee. Το Ein Fetzen Gemeinschaft - από τον τίτλο ενός έργου του Paul Klee από το 1932 - αναφερόταν στην ιδέα της έκθεσης να καταστήσει σαφή την καλλιτεχνική εγγύτητα των δύο καλλιτεχνών και στον τίτλο. Αν και ο Klee και ο Beuys (1921-1986) δεν συναντήθηκαν ποτέ, η έκθεση είχε σκοπό να δείξει την άμεση σχέση μεταξύ επιλεγμένων σχεδίων του Beuys και έργων του Klee. Και οι δύο καλλιτέχνες ασχολήθηκαν, ο καθένας με τον τρόπο του, με θέματα που αφορούν την ανάπτυξη των φυτών και των σπειρών στο ζωικό και φυτικό βασίλειο. Ομοίως, η ολιστική θεώρηση της ουσίας της φύσης ήταν παρόμοια και ο Beuys ανακάλυψε με έκπληξη ότι ο Klee είχε ήδη εργαστεί παρόμοια με αυτόν το 1904.

Όταν ο Beuys έστησε την έκθεση Show Your Wound στην Städtische Galerie im Lenbachhaus το 1979, στο ισόγειο γινόταν ταυτόχρονα μια μεγάλη έκθεση του πρώιμου έργου του Paul Klee, η οποία περιελάμβανε έργα από την περίοδο από τα πρώτα παιδικά σχέδια έως το 1922. Ο Armin Zweite αναφέρει ότι ο Beuys περπατούσε από φύλλο σε φύλλο με μεγάλη υπομονή για αρκετές ώρες, βγάζοντας τα γυαλιά του για να κοιτάξει προσεκτικά κάποια από τα φύλλα, παρόλο που όλοι τον περίμεναν στον επάνω όροφο. Ωστόσο, όταν οι εικονογραφήσεις του Καντίντ έπεσαν στο οπτικό του πεδίο, το ενδιαφέρον του μειώθηκε και μουρμούρισε κάτι σαν "Α ναι, τώρα το τριφύλλι ξέρει πώς πάει, τώρα δεν με ενδιαφέρει πια".

"Ο Klee και η Αμερική

Μια περιοδεύουσα έκθεση με τίτλο "Klee και Αμερική" πραγματοποιήθηκε από το 2006 έως τις αρχές του 2007, ξεκινώντας τον Μάρτιο του 2006 στη "Neue Galerie" στη Νέα Υόρκη, συνεχίζοντας από τον Ιούνιο στη "Phillipps Collection" στην Ουάσιγκτον και από τον Οκτώβριο έως τα μέσα Ιανουαρίου 2007 στη "Menil Collection" στο Χιούστον. Η έκθεση υπενθύμισε την ενθουσιώδη υποδοχή του έργου του Klee στις Ηνωμένες Πολιτείες στις δεκαετίες του 1930 και 1940 - ο ίδιος δεν είχε επισκεφθεί ποτέ τις ΗΠΑ - όταν το έργο του είχε εξοστρακιστεί στη Γερμανία ως "εκφυλισμένη τέχνη" και πολλά έργα από γερμανικές συλλογές πωλήθηκαν στις ΗΠΑ. Ο επιμελητής της έκθεσης, Josef Helfenstein, επεσήμανε ότι η επιρροή του Klee στην αμερικανική τέχνη δεν είχε ακόμη διερευνηθεί πλήρως και ότι η έκθεση αυτή είχε ως στόχο να προσθέσει ένα επιδραστικό αλλά συχνά ξεχασμένο κεφάλαιο στην ιστορία της σύγχρονης τέχνης. Ο Klee είχε επηρεάσει τους νέους Αμερικανούς καλλιτέχνες που ήθελαν να απελευθερωθούν από το γεωμετρικό, αφηρημένο στυλ και τον υπερρεαλισμό. Τα αινιγματικά σημάδια του Klee, οι δυνατότητες που αποκάλυπτε για κάθε είδος σύνθεσης και κάθε πιθανό τυπικό ζήτημα, είχαν δείξει έναν απελευθερωτικό δρόμο στη νέα γενιά των αφηρημένων εξπρεσιονιστών την περίοδο των δεκαετιών 1940 και 1950. Τα έργα, τα οποία σπάνια ή ποτέ δεν είχαν εκτεθεί στο παρελθόν, προέρχονταν κυρίως από Αμερικανούς συλλέκτες, μεταξύ των οποίων γνωστές προσωπικότητες όπως η Katherine Dreier και οι Walter και Louise Arensberg, από καλλιτέχνες όπως ο Alexander Calder, ο Mark Tobey ή ο Andy Warhol, ο συγγραφέας Ernest Hemingway και οι αρχιτέκτονες Walter Gropius και Philip Johnson. Μεταξύ των έργων που εκτέθηκαν ήταν, για παράδειγμα, η μηχανή που κελαηδούσε από το 1922.

"Ο Klee συναντά τον Picasso"

Με αφορμή την πέμπτη επέτειο του Zentrum Paul Klee, πραγματοποιήθηκε στη Βέρνη από τον Ιούνιο έως τον Σεπτέμβριο του 2010 μια ειδική έκθεση με περίπου 180 εκθέματα: "Ο Klee συναντά τον Picasso", η οποία διαπιστώνει τους δεσμούς μεταξύ των δύο αντιπόδων της ίδιας σχεδόν εποχής. Και οι δύο καλλιτέχνες έσπασαν τις καλλιτεχνικές παραδόσεις με έναν παρόμοιο ριζοσπαστικό τρόπο. Είχαν συναντηθεί μόνο δύο φορές στη ζωή τους: το 1933 ο Κλέε επισκέφθηκε τον Πικάσο στο ατελιέ του στο Παρίσι, και το 1937 έγινε μια δεύτερη επίσκεψη από τον Πικάσο, ο οποίος έφτασε αργά στο ατελιέ της Βέρνης και κοίταξε το έργο του Κλέε για πολλή ώρα, αλλά χωρίς σχόλια. Η αντιπαράθεση με τον Πικάσο χαρακτηρίστηκε από γοητεία από τη μια πλευρά και αντίσταση από την άλλη- άφησε ίχνη στο έργο του Κλέε και εισήλθε στα γραπτά του για την τέχνη. Ο πίνακάς του Hommage à Picasso του 1914, ζωγραφισμένος σε τυπικά μικρό μέγεθος, υιοθέτησε το ύφος του νέου καλλιτεχνικού ρεύματος του κυβισμού. Ζωγραφίστηκε λίγο αφότου ο Klee είχε δει τους πρώτους πίνακες του Πικάσο στο σπίτι του συλλέκτη Hermann Rupf από τη Βέρνη. Στο έργο του Klee είναι το μοναδικό έργο αφιερωμένο σε άλλον καλλιτέχνη. Σε ένα άρθρο του στο ελβετικό περιοδικό Die Alpen εξήρε τον κυβισμό ως το καλλιτεχνικό κίνημα του μέλλοντος.

Η επιμελήτρια της έκθεσης, Christine Hopfengart, υποθέτει ότι ο Πικάσο επηρεάστηκε από τα ειρωνικά, καρικατουρίστικα μοτίβα στο έργο του Klee. Και οι δύο ζωγράφοι δούλεψαν με παραμορφωμένες φιγούρες τη δεκαετία του 1930. Ο Klee φάνηκε να πρέπει να υπερασπιστεί τον εαυτό του πιο έντονα απέναντι στο μη αγαπημένο μοντέλο. Ορισμένα σχέδια που έκανε ο Klee μετά την επίσκεψη του Πικάσο στη Βέρνη είναι αναγνωρίσιμα -ψυχολογικά ενδιαφέροντα- ως παρωδίες του αντιπάλου του. Ενώ ο Πικάσο ζωγράφισε μοτίβα του Μινώταυρου, όπως η σκηνή της Βακχάνθης με τον Μινώταυρο το 1933, ο Klee μετέτρεψε τον πανίσχυρο ταύρο σε "Urch", ένα μάλλον ειρηνικό, βαρύ ον. Η λέξη είναι σύνθεση των λέξεων "Ur" και "ox". Ο Klee αναφερόταν στον Πικάσο ως "Ισπανός", ενώ ο Πικάσο λέγεται ότι έδωσε στον Ελβετό συνάδελφό του το όνομα "Blaise Napoléon". Το "Napoléon" αναφέρεται στην τεντωμένη στάση του Klee, ενώ το "Blaise" συμβολίζει τον Blaise Pascal- ο Picasso, ως ισχυρός άνδρας, υπαινίσσεται την πνευματικότητα του Klee.

Ο Klee και ο ιαπωνισμός

Το 2013, μια έκθεση στο Zentrum Paul Klee αναφέρθηκε για πρώτη φορά στην ενασχόληση του Paul Klee με την τέχνη της Ανατολικής Ασίας. Η έκθεση διήρκεσε έως τις 12 Μαΐου με τίτλο Από τον ιαπωνισμό στο ζεν. Ο Paul Klee και η Άπω Ανατολή. Ο ιαπωνισμός ήταν δημοφιλής στην Ευρώπη και ιδιαίτερα στη Γαλλία στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα και έφτασε στη Γερμανία 20 με 30 χρόνια αργότερα. Ο Klee δημιούργησε μια σειρά από έργα υπό αυτή την επιρροή μεταξύ 1900 και 1908, στα οποία διακρίνονται οι επιρροές της ιαπωνικής έγχρωμης ξυλογραφίας (ukiyo-e). Συνέχισε αργότερα και από το 1933 και μετά ασχολήθηκε με τον Βουδισμό Ζεν και την καλλιγραφία. Πριν από τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο, το έργο του Klee θεωρήθηκε στην Ιαπωνία ως πολιτιστικός μεσολαβητής μεταξύ της ιαπωνικής παράδοσης και της δυτικής νεωτερικότητας και απέκτησε μεγάλη φήμη κατά τη μεταπολεμική περίοδο.

Αρχεία, μουσεία και σχολεία που σχετίζονται με τον Klee

Από το 1995, το "Αρχείο Paul Klee" του Πανεπιστημίου Friedrich Schiller στην Ιένα στεγάζει μια εκτεταμένη συλλογή για τον Paul Klee στο πλαίσιο του τμήματος ιστορίας της τέχνης του πανεπιστημίου, το οποίο ιδρύθηκε από τον Franz-Joachim Verspohl. Περιλαμβάνει την ιδιωτική βιβλιοθήκη του συλλέκτη βιβλίων Rolf Sauerwein, η οποία συγκεντρώθηκε σε περισσότερα από τριάντα χρόνια, με σχεδόν 700 τίτλους, αποτελούμενη από μονογραφίες για τον Klee, καταλόγους εκθέσεων, εκτεταμένη δευτερογενή βιβλιογραφία καθώς και πρωτότυπες εικονογραφημένες εκδόσεις, μια καρτ ποστάλ και ένα υπογεγραμμένο φωτογραφικό πορτρέτο του Klee.

Το πολιτιστικό κέντρο και μουσείο Zentrum Paul Klee στη Βέρνη, σχεδιασμένο από τον αρχιτέκτονα Renzo Piano, εγκαινιάστηκε τον Ιούνιο του 2005. Από τη μεγαλύτερη συλλογή Klee στον κόσμο, που περιλαμβάνει περίπου 4000 έργα, περίπου 150 έργα παρουσιάζονται σε περιοδικές εκθέσεις κάθε έξι μήνες. Η εκτεταμένη συλλογή καθιστά αδύνατο να παρουσιαστούν όλα τα έργα ταυτόχρονα. Τα έργα του Klee χρειάζονται επίσης περιόδους ανάπαυσης λόγω της ευαισθησίας τους, η οποία οφείλεται στον τεχνικά πειραματικό τρόπο εργασίας του καλλιτέχνη. Για παράδειγμα, χρησιμοποιούσε εξαιρετικά φωτοευαίσθητα χρώματα, μελάνια και χαρτιά που ξεθώριαζαν και άλλαζαν αν έμεναν στους εκθεσιακούς χώρους για πολύ καιρό, ή τα χαρτιά μαυρίζανε και γίνονταν εύθραυστα.

Το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης του Σαν Φρανσίσκο στεγάζει την εκτεταμένη συλλογή Klee του Carl Djerassi. Γνωστά είναι επίσης τα τμήματα Klee της Συλλογής Rosengart στη Λουκέρνη, της Albertina στη Βιέννη και της Συλλογής Berggruen στο Βερολίνο.

Σχολεία πήραν το όνομά του στο Gersthofen, στο Lübeck (πανεπιστημιακή πόλη), στο Klein-Winternheim, στο Bad Godesberg, στο Berlin-Tempelhof, στο Overath, στη γενέτειρά του Münchenbuchsee και στο Düsseldorf.

Ατομικές εκθέσεις και αναδρομικές εκθέσεις

Ομαδικές εκθέσεις

κατά έτος δημοσίευσης

κατά έτος δημοσίευσης

κατά έτος δημοσίευσης

κατά έτος δημοσίευσης

Από τους συγγραφείς

Από τους συγγραφείς

Πηγές

1. Πάουλ Κλέε
2. Paul Klee
3. Klee verstarb kurz vor der Entscheidung über seine beantragte Schweizer Staatsbürgerschaft, vgl. Ein Berner, aber kein Schweizer Künstler, swissinfo.ch, 21. April 2005, abgerufen am 15. April 2011.
4. Diether Rudloff: Unvollendete Schöpfung. Künstler im zwanzigsten Jahrhundert. Urachhaus, Stuttgart 1982, S. 65.
5. Beate Ofczarek, Stefan Frey: Chronologie einer Freundschaft. In: Michael Baumgartner, Cathrin Klingsöhr-Leroy, Katja Schneider (Hrsg.): Franz Marc. Paul Klee. Dialog in Bildern. Wädenswil 2010, S. 199.
6. ^ Disegno e progettazione By Marcello Petrignani p. 17
7. ^ Guilo Carlo Argan "Preface", Paul Klee, The Thinking Eye, (ed. Jürg Spiller), Lund Humphries, London, 1961, p. 13.
8. ^ Gualtieri Di San Lazzaro, Klee, Praeger, New York, 1957, p. 16
9. ^ Rudloff, p. 65
10. ^ Baumgartner, p. 199
11. Ne pas prononcer « pol 'kli », car le nom n'est pas anglais mais allemand.
12. Hermann Haller (1880-1950), peintre et sculpteur suisse, né à Berne et mort à Zurich.
13. Wilhem Uhde est le premier mari de Sonia Delaunay.
14. Об этом сообщает Сьюзен Парч, в то же время Дени Шевалье утверждает, что родители не оказывали на сына никакого давления в плане выбора профессии.