Riassunto

Pablo Ruiz Picasso (Malaga, 25 ottobre 1881-Mougins, 8 aprile 1973) è stato un pittore e scultore spagnolo che, insieme a Georges Braque, ha creato il Cubismo.

Fin dalla genesi del XX secolo è stato considerato uno dei più grandi pittori che ha partecipato ai vari movimenti artistici che si sono diffusi in tutto il mondo e ha esercitato una grande influenza su altri grandi artisti del suo tempo. Le sue opere si trovano in musei e collezioni di tutta Europa e del mondo. Ha lavorato anche in altri generi come il disegno, l'incisione, l'illustrazione di libri, la scultura, la ceramica e la scenografia e i costumi per produzioni teatrali. Ha anche una breve opera letteraria.

Dal punto di vista politico, Picasso si dichiarò pacifista e comunista. Fu membro del Partito Comunista Spagnolo e del Partito Comunista Francese fino alla sua morte, avvenuta l'8 aprile 1973 all'età di 91 anni, nella sua casa chiamata "Notre-Dame-de-Vie" nella città francese di Mougins. È sepolto nel parco del castello di Vauvenargues (Bouches-du-Rhone).

L'infanzia

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso (secondo l'atto di nascita) o Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso (secondo l'atto di battesimo), era il primo figlio di José Ruiz y Blasco e María Picasso López. Nasce il 25 ottobre 1881 a Malaga (Spagna) da una famiglia borghese. Picasso aveva due sorelle, Dolores (1884-1958) e Concepción (1887-1895). Il suo bisnonno materno, Tommaso Picasso (nato nel 1787), era originario della città di Sori, a Genova, e si trasferì in Spagna intorno al 1807.

Si sa che il padre voleva essere un artista e insegnava disegno all'Accademia Reale di Belle Arti di San Telmo. Della madre si sa poco; pare che avesse una personalità più forte di quella del marito e che Picasso abbia sempre avuto per lei un rispetto e una tenerezza maggiori, che secondo alcuni si possono leggere nel ritratto che le fece nel 1923. Pablo iniziò a dipingere in tenera età; nel 1889, all'età di otto anni, dopo una corrida e sotto la guida del padre, dipinse El picador amarillo ("Il picador giallo"), da cui rifiutò sempre di separarsi.

Nel 1891, la famiglia fu costretta a lasciare Malaga a causa della mancanza di stabilità economica. José Ruiz Blasco aveva cominciato a chiedere ripetutamente di essere trasferito nella città di La Coruña, dove era stato creato un posto di insegnante presso la Scuola di Belle Arti dopo il suo licenziamento come curatore del Museo di Belle Arti di Malaga nel 1888. Il cambiamento non fu affatto piacevole per la sua famiglia, come testimonia l'espressione che Picasso ricorda del padre in questa fase: "Niente Malaga, niente corrida, niente amici, niente di niente", "Solo per me il trasferimento in Galizia fu una festa". In Galizia Pablo lavora ai suoi disegni e mostra una forte fiducia in se stesso e nelle sue doti; ha dieci anni. I suoi primi lavori, di un realismo vigoroso e quasi feroce, mostrano una precoce predilezione per i personaggi popolari. A La Coruña fa la sua prima mostra all'età di tredici anni e pubblica caricature e disegni nelle riviste "La Coruña", "Azul y Blanco" e "Torre de Hércules", pubblicate a mano.

Il 1895 fu un anno di eventi importanti per la sua infanzia: a gennaio morì la sorella Concepción e a settembre il padre ottenne una cattedra alla Scuola di Belle Arti di Barcellona, dove il giovane Pablo fu ammesso come allievo e studiò per due anni, il che lo portò a dipingere, forse per compiacere il padre, una serie di quadri in cui l'accademismo sentimentale dello stile era sorprendente dopo la vitalità dei ritratti che aveva dipinto a La Coruña.

Studente brillante e precoce, Picasso superò l'esame di ammissione all'Ecole de la Lonja in un solo giorno, all'età di quattordici anni, e fu autorizzato a saltare le prime due classi. Secondo una delle tante leggende sull'artista, il padre, avendo riconosciuto lo straordinario talento del figlio quando vide le sue prime opere da bambino, gli regalò i pennelli e la tavolozza e gli promise di non dipingere mai più in vita sua.

Primi dipinti

Nell'inverno del 1895 dipinge la sua prima grande tela accademica, La prima comunione (Museo Picasso, Barcellona), a Barcellona, dove vive per nove anni, ad eccezione di alcune vacanze estive e di soggiorni più o meno lunghi a Madrid e a Parigi. Nel 1897 presenta la tela Scienza e carità (Museo Picasso, Barcellona) all'Esposizione Generale di Belle Arti di Madrid. Durante l'estate trascorre nuovamente le vacanze a Malaga, dove dipinge paesaggi e corride.

A settembre si reca a Madrid per iniziare gli studi all'Accademia di San Fernando, che però abbandona presto: l'atmosfera intellettuale della capitale, impermeabile al modernismo catalano che Picasso cercava di introdurre (nel 1901 fonda una piccola rivista, Arte Joven, che ha un'esistenza piuttosto breve) non lo convince. Ciononostante, approfittò delle sue frequenti visite al Museo del Prado per conoscere meglio l'opera di El Greco, che fu rivendicata da artisti e studiosi della fine del XIX secolo.

Dal 1898 firma le sue opere come "Pablo Ruiz Picasso", poi come "Pablo R. Picasso" e solo dal 1901 come "Picasso". Il cambiamento non sembra implicare un rifiuto della figura paterna; piuttosto, è dovuto al desiderio di Picasso di distinguersi come personaggio, iniziato dagli amici catalani, che iniziarono a chiamarlo con il cognome della madre, molto meno comune di quello del padre, Ruiz.

Tornato a Barcellona nel giugno del 1898, malato di scarlattina, si trasferì a Horta de Ebro (oggi Horta de San Juan), il villaggio del suo amico Manuel Pallarés, situato a sud dell'Ebro vicino alla città di Gandesa (Tierra Alta, Tarragona). Durante questo soggiorno, Picasso riscopre le radici primordiali del paese e un certo ritorno alla natura, più in linea con l'ideologia modernista, che costituisce uno dei primi episodi "primitivisti" della sua carriera.

Abbandonato il proposito di vivere a Madrid per dedicarsi alla copia dei grandi maestri, nel febbraio del 1899 è di nuovo a Barcellona, dove inizia a frequentare la birreria Els Quatre Gats, fiore all'occhiello della bohème modernista e luogo in cui tiene la sua prima mostra personale e stringe amicizia con Jaime Sabartés e Carlos Casagemas. È in questo ambiente che Picasso entra in contatto con il pensiero anarchico, che si era affermato a Barcellona. La miseria che regnava nei bassifondi di Barcellona, i soldati malati e feriti che tornavano in Spagna dopo la disastrosa guerra di Cuba, crearono un terreno di coltura per la violenza sociale che indubbiamente segnò la sensibilità di Picasso a livello individuale e morale piuttosto che puramente politico, e che si può vedere in alcuni disegni realizzati tra il 1897 e il 1901: Il prigioniero, Un anarchico che si riunisce e L'anarchico.

Nell'ottobre del 1900 si reca a Parigi con Casagemas per partecipare all'Esposizione Universale, dove è esposta una sua opera, Ultimi istanti, oggi perduta. A Parigi si trasferisce nello studio di Isidre Nonell, un artista catalano che Picasso conosce grazie al gruppo Els Quatre Gats, di influenza impressionista, e che riflette la situazione sociale catalana di inizio secolo attraverso ritratti di emarginati e miserabili. L'opera di Nonell, insieme a quella di Toulouse-Lautrec, influenzò notevolmente lo stile di Picasso in questo periodo, che può essere visto in opere come La espera (Margot), Bailarina enana (Ballerina nana) e El final del número (La fine del numero), entrambe del 1901. Incontrò anche il suo primo mercante, Pere Mañach (che gli offrì 150 franchi al mese per tutte le sue opere per un anno) ed entrò in contatto con la gallerista Berthe Weill. Rientra a Barcellona il 20 o il 23 dicembre (secondo fonti diverse) con Casagemas, che Picasso porta con sé per festeggiare la fine dell'anno a Malaga.

La giovinezza: le amicizie a Parigi

Nel 1912, durante il suo soggiorno a Parigi, Picasso fece parte di una cerchia di amici illustri nei quartieri di Montmartre e Montparnasse: il poeta André Breton, lo scrittore Guillaume Apollinaire, Alfred Jarry e Gertrude Stein. Apollinaire viene arrestato perché sospettato di aver rubato la Gioconda dal Louvre e di far parte di una banda internazionale di ladri. Apollinaire incolpò l'amico Picasso, anch'egli sottoposto a interrogatorio, ma entrambi furono poi scagionati.

Tra Barcellona e Parigi. Il periodo blu

Il periodo blu di Picasso è conosciuto come il periodo che va dal 1901 al 1904 circa: questo nome deriva dal colore che domina la gamma cromatica dei suoi dipinti, e la sua origine risiede nel suicidio dell'amico Carlos Casagemas, avvenuto il 17 febbraio 1901, che lo lasciò pieno di dolore e tristezza. Casagemas, dopo aver tentato di assassinare l'amante Germaine, una ballerina del Moulin Rouge che frequentava il circolo degli artisti spagnoli, si suicidò a Parigi. Motivato e commosso dalla morte dell'amico, Picasso dipinge il quadro intitolato La sepoltura di Casagemas, un dipinto allegorico che inizia a mostrare la sua transizione verso il periodo blu. La divisione dello spazio del dipinto in due parti, terra e cielo, corpo e spirito, ricorda quella de La sepoltura del conte di Orgaz di El Greco.

Altre influenze sull'opera di Picasso in questo periodo sono Van Gogh e Gauguin, il primo soprattutto a livello psicologico, come si riflette nell'intensità emotiva dei dipinti di questo periodo, anche se c'è anche una semplificazione dei volumi e dei contorni definiti che riportano alla mente Gauguin, da cui prenderà anche una concezione universale del sentimentalismo. Picasso esprime la solitudine dei personaggi isolandoli in un ambiente impreciso, con un uso quasi esclusivo del blu per un periodo di oltre due anni, un fatto praticamente inedito nella storia dell'arte. Allo stesso modo, l'allungamento delle figure che veniva introdotto nelle sue opere ricordava ancora una volta lo stile di El Greco.

Picasso era un lavoratore instancabile. Alla fine di aprile del 1901 torna a Barcellona, dove espone Donna in blu (Museo Reina Sofía, Madrid) all'Esposizione Generale di Belle Arti, e poi a maggio torna a Parigi, dove si stabilisce al 130 di Boulevard de Clichy, nel luogo in cui Casagemas aveva il suo studio. Tra giugno e luglio dello stesso anno, Picasso e Iturrino tengono una mostra alla galleria Vollard di Parigi. Senza soldi e senza lavoro, in giugno incontra il poeta Max Jacob, con il quale manterrà una stretta relazione fino alla morte di Jacob nel 1944. Il poeta ricordò in seguito di aver scoperto l'opera di Picasso e, come critico d'arte, espresse la sua ammirazione per il talento del pittore. Poco dopo ricevette un invito da Mañach a presentargli il giovane che rappresentava (passarono l'intera giornata a guardare l'enorme lavoro di Picasso, che all'epoca dipingeva uno o due quadri a notte, vendendoli a 150 franchi in Rue Laffite. Durante l'autunno dipinge I due saltimbanchi (Arlecchino e il suo compagno) (Museo Pushkin, Mosca), Arlecchino sostenuto (Ritratto di Jaime Sabartés (Museu Picasso, Barcellona), Ritratto di Mateu Fernández de Soto (Museu Picasso, Malaga) e Autoritratto blu (Museu Picasso, Parigi).

Alla fine di gennaio del 1902 ruppe l'accordo con Mañach e, dopo il relativo accordo, tornò a Barcellona. Inizia a lavorare nello studio di Ángel Fernández de Soto al numero 6 di Carrer Nou de la Rambla, dove in primavera il colore blu inizia a dominare il suo lavoro. Con Fernández de Soto visitò i bordelli di Barcellona, cosa che si riflette in una serie di disegni erotici, tra cui Autoritratto con nudo (disegno a inchiostro e acquerello di Ángel Fernández de Soto con una donna) e La macarra (composizione allegorica), di proprietà del Museo Picasso di Barcellona.

A Parigi, Mañach organizza una mostra di dipinti e pastelli alla galleria Berthe Weill dal 1° al 15 aprile, con opere di Picasso e Lemaire, e un'altra a giugno nella stessa galleria con opere di Picasso e Matisse. A Barcellona Picasso riceve un avviso di chiamata al servizio militare in ottobre. Per evitarlo, dovette pagare duemila pesetas, una somma messa a disposizione dallo zio. Subito dopo torna a Parigi con Sébastien Junyer ed espone per la prima volta i suoi dipinti blu dal 15 novembre al 15 dicembre in una mostra collettiva organizzata sempre da Mañach alla galleria Berthe Weill.

A questa data risale il Ritratto di Germaine che le Gallerie Acquavella hanno acquistato per 18,6 milioni di dollari all'asta di Christie's nel 2006. Nel dicembre 1902 si trasferisce per un certo periodo nell'appartamento di Max Jacob al numero 87 di Boulevard Voltaire; la stanza aveva un solo letto, così Picasso lavorava di notte e dormiva di giorno mentre Jacob lavorava. In quel periodo non poteva acquistare tele e dovette limitarsi a disegnare.

Nel gennaio 1903 Picasso torna a Barcellona. In primavera inizia il dipinto Vita (Cleveland Museum of Fine Arts), una delle tele più grandi e complesse del periodo blu, considerata la sua opera più importante di questi anni, un'opera dal simbolismo insolitamente oscuro per i suoi primi lavori e soggetta a molteplici interpretazioni accademiche, sulle quali l'artista non si è mai pronunciato. Picasso realizzò quattro schizzi preparatori per il dipinto, variando la composizione delle figure almeno due volte; vale la pena notare che la figura maschile, nata come autoritratto, finì per essere una rappresentazione dell'amico Carlos Casagemas. La vita riassume la maggior parte dei temi e dell'atmosfera del periodo blu: il pessimismo nichilista sviluppato durante gli anni della formazione a Barcellona, intensificato dalle difficoltà materiali dell'epoca. "La solitudine dei bambini, la miseria dei poveri, dei mendicanti e dei ciechi sono spesso rappresentati nei dipinti di quel periodo: Le due sorelle (Museo dell'Ermitage, San Pietroburgo), I poveri in riva al mare (National Gallery of Art, Washington D. C.), Il vecchio chitarrista (The Old Guitarist, San Pietroburgo), I poveri in riva al mare (National Gallery of Art, Washington D. C.), I poveri in riva al mare (National Gallery of Art, San Pietroburgo), I poveri in riva al mare (National Gallery of Art, San Pietroburgo), I poveri in riva al mare (National Gallery of Art, San Pietroburgo).  C.), Il vecchio chitarrista cieco (Art Institute of Chicago), L'asceta (Barnes Foundation, Philadelphia) e La Celestina (Carlota Valdivia) (Musée Picasso, Parigi) sono tra i primi capolavori di Picasso.

Verso la fine del 1903 Picasso cominciò a pensare che solo stabilendosi definitivamente in Francia la sua fama avrebbe superato i confini della Spagna. Si trasferisce nello studio dello scultore Pablo Gargallo (1881-1934), che allora si trovava a Parigi, al 28 di Carrer del Comerç a Barcellona, dove termina La Celestina (Carlota Valdivia) e inizia un nuovo Ritratto di Jaime Sabartés (Museo Kunsternes, Oslo), che completa nella primavera del 1904.

Parigi, Bateau Lavoir. Il periodo rosa

Nell'aprile del 1904 Picasso si stabilisce a Parigi al Bateau-Lavoir, nel quartiere di Montmartre, in uno studio che l'amico scultore Paco Durrio sta per lasciare. Qui riprende i contatti con alcuni artisti spagnoli che abitano anch'essi nel Bateau-Lavoir, in particolare con Ricardo Canals, che gli insegna la tecnica dell'acquaforte nel settembre dello stesso anno, e con sua moglie; anche con Manuel Hugué e sua moglie Totote, e con Ramon Pichot e Germaine, la ballerina per la quale l'amico Casagemas si era suicidato. Durante l'estate ebbe una relazione con "Madeleine", che compare in diversi disegni e dipinti, come La moglie dell'acrobata (Art Institute of Chicago) e che ispirò il soggetto de La famiglia di Arlecchino (1905). Nell'agosto del 1904 Picasso incontrò la sua prima compagna sentimentale: Fernande Olivier (1881-1966), modella d'artista e amica della moglie di Ricardo Canals, Benedetta, era conosciuta nella colonia spagnola del Bateau-Lavoir come "la bella Fernande". Entrambi ventunenni, Fernande fu il primo vero amore di Picasso e divenne la sua fonte di ispirazione fino al 1910, anche se la loro relazione terminò definitivamente solo nel 1912.

Nell'ottobre 1904 Picasso incontra il poeta André Salmon e Guillaume Apollinaire, il poeta e scrittore precursore del surrealismo, con il quale instaura un rapporto molto stretto. Picasso divenne un habitué del cabaret Lapin Agile (il "Coniglio Agile") e del Cirque Medrano. Dal momento in cui si stabilì a Montmartre, la tavolozza e i temi di Picasso iniziarono a cambiare; la povertà e le difficoltà della vita degli artisti del circo e degli acrobati portarono un nuovo lirismo nei suoi dipinti, passando dal periodo blu al cosiddetto periodo rosa. Il periodo rosa si distingue per i colori pastello e i toni caldi, con linee morbide e delicate; con un'enfasi particolare sulla linea e sul disegno piuttosto che sul colore, continua a lavorare le figure con proporzioni allungate che ricordano la sua ammirazione per El Greco, come ne L'attore (MoMA, New York) o nell'acquerello Il folle (Museo Picasso, Barcellona), un ricorso a formule manieriste di cui è stato sottolineato che Picasso ha fatto uso costante per tutta la sua carriera. I temi che affronta sono la gioia e l'inquietudine esistenziale; come nel periodo blu, è sottesa una punta di malinconia, ma a quel tempo dominata dall'affetto, con molti riferimenti al mondo dello zoo e del circo. Dipingeva maschere, arlecchini, ammaestratori e clown; questo era anche il periodo delle maternità rosa. Opere rappresentative di questo periodo sono Acrobat with a Ball (Ragazza con palla) (Museo Pushkin, Mosca), Family of Acrobats (National Gallery of Art, Washington), Acrobat and Young Harlequin (Barnes Foundation, Philadelphia) e Family of Acrobats with a Monkey (Göteborgs Kunstmuseum, Göteborg).

Dal 25 febbraio al 6 marzo 1905 espone le sue prime tele rosa alla Galerie Sérurier. La critica parlò dell'annuncio di una trasformazione luminosa del suo talento; dopo il dramma del periodo blu, Apollinaire descrisse le opere del periodo rosa nella Revue immoraliste: "Sotto gli orpelli lampeggianti dei suoi saltimbanchi, si sente veramente la pietà del popolo, versatile, astuto, furbo, povero e bugiardo". Come ha detto Fernande Olivier, Picasso sembrava amare ciò per cui non era fatto, ciò che era diverso da lui: gli zingari, le corride, i cabaret loschi, i clown e il mondo del circo; amava e si immergeva con piacere in tutto ciò che aveva un violento colore locale.

Nella primavera dello stesso anno dipinge una delle sue opere principali, La famiglia di Saltimbanquis, una chiara evoluzione verso il periodo rosa; un paesaggio scarno e sfocato in cui le figure ben disegnate e stilizzate dei burattinai, personaggi marginali la cui vita solitaria impressiona Picasso, sono inquadrate in modo isolato. Un pomeriggio, dopo aver lasciato il Cirque Médrano con Max Jacob, decise di modellare la sua testa in argilla e, mentre lavorava al pezzo nei giorni successivi, aggiunse un cappello da giullare e dei campanelli, nello stile dei personaggi del circo. L'opera si chiamava Il pazzo (testa di Arlecchino) (Musée Picasso, Parigi), che il gallerista Ambroise Vollard fece fondere in bronzo.

Durante l'estate compie un viaggio nel nord dei Paesi Bassi, soggiornando a Schoorl per sei settimane su invito dello scrittore olandese Tom Schilperoort. Durante il suo soggiorno dipinse un nudo, La bella olandese (Queensland Art Gallery, South Brisbane), e Le tre olandesi (Musée Picasso, Parigi), una versione personale del tema classico delle tre grazie. Dopo un breve soggiorno a Parigi, in agosto trascorre una vacanza con Fernande a Tiana, a nord-est di Barcellona. Al suo ritorno, in settembre, Fernande si trasferisce nel modesto studio di Picasso al Bateau-Lavoir; l'inizio della loro relazione è felice e i dipinti e i disegni di Picasso su Fernande ne celebrano la bellezza e la vicinanza personale. Picasso aveva l'abitudine di visitare le piccole gallerie e, insieme a Fernande, frequentava i vernissage popolari dei saloni ufficiali.

Gertrude Stein e suo fratello Leo si erano stabiliti a Parigi e avevano dedicato la loro fortuna ad accumulare una straordinaria collezione d'arte. Leo Stein acquistò Famiglia di acrobati con scimmie dal mercante d'arte Clovis Sagot, tramite il quale Leo e Gertrude visitarono lo studio di Picasso e acquistarono da lui numerose opere per 900 franchi. Picasso frequenta regolarmente il salotto di Gertrude Stein nel suo appartamento parigino; dipinge un ritratto di Leo e di suo figlio Michael e inizia la prima delle ottanta-novanta sedute del famoso Ritratto di Gertrude Stein (Metropolitan Museum of Art, New York). Gertrude ha da poco acquistato La donna con cappello di Matisse e decide che i due artisti devono incontrarsi.

Nel 1906, dopo tre mesi di lavoro sul Ritratto di Gertrude Stein, lo abbandona temporaneamente e realizza i primi schizzi per Les Demoiselles d'Avignon. Abbandona il tema degli arlecchini per cavalieri e giovani in paesaggi bucolici, sulla falsariga di Gauguin e Puvis de Chavannes, alla ricerca di un classicismo sia tematico che formale, che porta Picasso allo studio dell'arte antica; in marzo scopre l'arte primitiva spagnola in occasione di una mostra al Louvre di sculture iberiche rinvenute a Osuna e Cerro de los Santos, tra cui la Dama di Elche. Anche la galleria di Ambroise Vollard ha acquistato la maggior parte delle tele rosa a marzo. In maggio si reca con Fernande Olivier a Barcellona, dove la presenta ad amici e parenti, e poi durante l'estate a Gósol, a Lérida, dove entra nuovamente in contatto con il primitivismo essenziale della cultura popolare, e dipinge scene di bagno e nudi visti da una squisita padronanza del rosso; questa tavolozza rossastra di Gósol riflette una preoccupazione per la modellazione dei volumi, e un ritorno alle radici di un Mediterraneo arcaico. Ciò lo ha ispirato a creare una serie di dipinti con figure che riprendono alcune caratteristiche di quel primitivismo, rompendo con il suo stile precedente. Sebbene la semplificazione dei tratti e dei volumi siano precursori del cubismo, si tratta di una fase con un'entità propria, che non può essere inclusa in nessuno stile riconosciuto. In questi dipinti possiamo osservare i suoi stessi tratti facciali anche tra le figure femminili, come si può notare confrontandoli con gli autoritratti di questa serie. Questo soggiorno ebbe un impatto importante sull'opera di Picasso, poiché i dipinti di Gósol segnarono l'inizio della sua rivoluzione cubista l'anno successivo; anni dopo Picasso riprese quello che sarebbe stato il percorso logico di questo stile nel suo periodo neoclassico.

Protocubismo

Nell'agosto del 1906, al ritorno da Gósol, riprende in mano il Ritratto di Gertrude Stein, lavorando a memoria (la Stein si trovava in Italia) e ne riduce il volto a una sorta di maschera iberica, al tempo stesso impassibile ed espressiva. Del Ritratto di Gertrude Stein Picasso disse: "Tutti pensano che non assomigli al suo ritratto, ma non importa, alla fine riuscirà ad assomigliargli. "Influenzato dalla scultura iberica e dai dipinti di Cézanne, che vedeva esposti nei salotti, Picasso indaga la forma e il volume, come si può vedere in Autoritratto con tavolozza (Philadelphia Museum of Art), un dipinto di un arcaismo quasi selvaggio che anticipa anche le influenze accumulate da Picasso dal 1905.

Al Salon d'Automne del 1906 fu esposta una retrospettiva di Gauguin, che impressionò profondamente Picasso e influenzò notevolmente il suo lavoro; il Salon comprendeva anche dieci opere di Cézanne, morto nello stesso periodo. In inverno Picasso dipinge Due donne nude (la monumentalità delle figure e l'uso autonomo di luci e ombre ricordano Le grandi bagnanti di Cézanne). Verso la fine dell'anno smette di dipingere e intraprende una serie di studi e schizzi di nudi per una composizione a più figure sul tema del bordello, che culminerà nel 1907 con la rivoluzione rappresentata da Les Demoiselles d'Avignon.

La prima reazione dell'entourage di Picasso ai precedenti studi delle giovani donne fu generalmente sfavorevole: i suoi amici non capivano bene questo nuovo stile. In un taccuino, Apollinaire lo descrive come un "linguaggio meraviglioso che nessuna letteratura può esprimere, perché le nostre parole sono già state create". Nella primavera del 1907 Picasso incontra, tramite Apollinaire, Georges Braque che, dopo aver visitato il suo studio, esprime una certa agitazione per la pittura di grandi dimensioni.

A metà maggio dipinge Autoritratto (Národni Galerie, Praga): la linea diventa un elemento strutturale dominante, che segna i tratti e addirittura delinea le altre zone dell'immagine, quasi tutte piene di colore e pochissime modellate, lasciando addirittura zone della tela non dipinte. Verso la fine di maggio inizia l'ultima tela de Le giovani dame di Avignone e le figure maschili scompaiono: una di esse, un marinaio, viene eliminata e uno studente a sinistra viene sostituito da una donna nuda che regge una tenda.

Incoraggiato da André Derain, Picasso visitò il Museo di Etnografia del Palazzo del Trocadero a Parigi nel 1907. Questo fu il suo primo contatto con un gran numero di pezzi africani e oceanici, che sia Derain che Matisse avevano collezionato da tempo, ma ai quali Picasso non aveva prestato molta attenzione fino ad allora. La scoperta dell'arte non occidentale diede un nuovo impulso a Les Demoiselles d'Avignon, esercitando anche una notevole influenza sul suo lavoro scultoreo. Picasso modificò quindi i volti di alcune delle dame, le due più "cubiste" delle cinque, assomigliando a maschere africane, mentre le due centrali sono più affini allo stile degli affreschi medievali e delle prime sculture iberiche; anche il volto della figura a sinistra ha un profilo che ricorda le pitture egizie. Tuttavia, "art négre, connais pas", fu la risposta di Picasso a una domanda della rivista Action nel 1920; questo periodo proto-cubista, che va dal 1907 al 1909, è noto anche come periodo africano, periodo nero o periodo oscuro di Picasso; il suo stile era fortemente influenzato dalla scultura africana, ma l'artista ha sempre inteso il contrario.

Les Demoiselles d'Avignon (MoMA, New York) segna un nuovo punto di partenza per Picasso, che elimina i riferimenti alla tradizione rompendo con il realismo, abbandonando i canoni della profondità spaziale e della prospettiva e l'ideale fino ad allora esistente del corpo femminile, riducendo l'opera a un insieme di piani angolari, senza sfondo delimitato o prospettiva spaziale, in cui le forme sono segnate da linee chiaro-scure. I toni ocra-rossastri sono caratteristici del suo periodo rosa più delicato, ma la crudezza del dipinto li rende aggressivi.

Il dipinto potrebbe essere stato influenzato anche dalle figure allungate di El Greco, in particolare dalla sua Visione dell'Apocalisse, che forse Picasso vide quell'estate a Parigi; la sua struttura e la sua composizione derivano da Le grandi bagnanti di Cézanne; la pittura di Cézanne rende gli oggetti una presenza reale, con particolare enfasi sui volumi e sul loro peso, senza la palpitazione atmosferica dell'Impressionismo. Secondo Fermigier, 1969, p. 69, la sua retrospettiva al Salon d'Automne del 1907 determinò la successiva evoluzione di Picasso. Anche Braque, ispirato da Cézanne, inizia una serie di paesaggi che mostrano la sua transizione dal fauvismo al periodo protocubista.

La relazione con Fernande entra in crisi e i due decidono di separarsi alla fine dell'estate del 1907, anche se si riconciliano alla fine di novembre. In loro assenza, Max Jacob e Apollinaire avevano convinto Picasso a fumare oppio; Picasso era in bilico tra la benedizione delle visioni e la paura di cedere all'apatia e alla stanchezza del lavoro. La tavolozza di Picasso era piena di colori "africani" brillanti: dipinge Donna nuda (la Danzatrice di Avignone) (collezione privata, Losanna), epilogo de Le signorine di Avignone in cui gli elementi basati sull'arte iberica e africana raggiungono un nuovo grado di semplificazione geometrica; nello stesso stile, La danza dei veli (nudo con panneggio) (Museo dell'Ermitage, San Pietroburgo), iniziata in estate e acquistata da Gertrude Stein insieme ai relativi schizzi preparatori; inoltre Fiori su un tavolo (MoMA, New York). Nelle opere successive, i toni dell'incarnato diventano ocra e marrone e Picasso si confronta subito con molti esperimenti di rottura nei suoi dipinti: l'abbandono della prospettiva; la conquista dello spazio, frammentando i piani attraverso toni piatti con contorni spessi e definiti; la ricerca del rilievo, attraverso esagerati contorni blu su sfondo marrone e spesse ombreggiature; tra questi, Amicizia (Museo dell'Ermitage, San Pietroburgo) e Nudo con asciugamano (collezione privata, Parigi). Lo studio di Picasso divenne un centro di discussione e di dibattito, e non solo sul suo lavoro. Braque vi portò le proprie opere, Matisse e Picasso si scambiarono i dipinti: la Natura morta Brocca, ciotola e limone di Picasso (Fondation Beyeler, Riehen, Basilea) per il Ritratto di Marguerite, la figlia di Matisse. Il rapporto tra Picasso e Matisse andò dalla competizione alla derisione, fino a un'intensa ammirazione reciproca; Matisse disse che nessuno aveva guardato il suo lavoro come Picasso, e nessuno aveva guardato il lavoro di Picasso come lui.

Il cubismo

Con Les Demoiselles d'Avignon come punto di partenza, Braque e Picasso formularono il Cubismo nel 1908. Il Cubismo fu una svolta radicale nella storia dell'arte che ispirò le altre avanguardie artistiche ad abbandonare l'illusionismo pittorico, rifiutando la descrizione naturalistica a favore di composizioni di forme astratte dalla percezione convenzionale, giocando con la tridimensionalità e la struttura delle superfici. Questa tecnica, iniziata da Picasso e Braque, ebbe molti seguaci, come Juan Gris, Francis Picabia, Brancusi, Delaunay e Albert Gleizes.

Nel gennaio 1908 Matisse apre la sua scuola, l'Academie Matisse. D'altra parte, Derain e Braque erano seguaci di Picasso, il che, sommato alla loro crescente amicizia con Gertrude Stein, irritò Matisse. Al Salon des Indépendants del maggio di quell'anno, Derain e Braque presentano dipinti ispirati al nuovo stile di Picasso, che suscitano grande scalpore tra i critici. Picasso era indignato per il fatto che la prima mostra di arte cubista fosse stata organizzata senza riconoscere il suo ruolo di fonte di ispirazione, in particolare la Donna (1908), un nudo molto recente di Braque, di cui non aveva discusso con nessuno, nemmeno con Picasso. Dopo la chiusura del Salon, Braque si reca a L'Estaque fino a settembre. Gli elementi africani lasciano gradualmente il posto, nell'opera di Picasso, agli effetti dell'influenza di Cézanne, forse legati al riduttivismo cezannista dei paesaggi di Braque.

L'amico pittore tedesco Wieghels si suicidò al Bateau-Lavoir dopo una serata di consumo eccessivo di varie droghe; questa tragedia convinse Picasso e Fernande a rinunciare all'oppio; Composizione con testa di morto (Museo dell'Ermitage, San Pietroburgo), completata alla fine della primavera, potrebbe essere una commemorazione della morte di Wieghels.

Durante l'estate Braque realizza una serie di paesaggi cubisti a L'Estaque in cui, più che un'ispirazione, la rottura con la prospettiva meccanizzata di Cézanne è considerata dal pittore un'iniziazione. Picasso affitta una casa colonica in Rue des Bois-par-Creil-Verneuil-Oise, 60 chilometri a nord di Parigi; Fernande ricorda che con questo ritiro Picasso cerca di superare lo stato di agitazione nervosa che la morte di Wieghels gli ha causato. Entrambi gli artisti iniziano a rappresentare un senso di rilievo attraverso l'applicazione arbitraria di luci e ombre a scapito delle sfumature naturalistiche; le forme sono semplificate all'estremo, con una maggiore e più profonda scultoreità nei dipinti di Picasso, la cui tavolozza è limitata a una gamma di marroni, grigi e verdi. I paesaggi di Picasso sono influenzati da Henri Rousseau (1844-1910) e da un primo Cezanne.

Quando Braque presenta i suoi paesaggi al Salon d'Automne di settembre, la giuria, di cui fa parte anche Matisse, rifiuta le opere. Secondo Apollinaire, Matisse fu il primo ad applicare i termini "cubista" e "cubismo" quando rifiutò le opere di Braque presentate al Salon. Questa storia è considerata l'origine ufficiale del movimento dal 1912. Josep Palau i Fabre sottolinea che l'autunno del 1908 segna l'inizio di quello che definisce il periodo verde di Picasso: le nature morte dipinte in quel periodo mostrano una stilizzazione formale forse dovuta all'applicazione dei postulati cezaneschi, secondo i quali le forme dovevano essere ridotte a coni, cilindri e sfere. Questa schematizzazione geometrica non comporta una perdita di corporeità degli oggetti raffigurati e può quindi essere definita un rilievo piatto. Nel corso dell'estate e di ottobre porta a termine la versione definitiva di Tre donne (Museo dell'Ermitage, San Pietroburgo), in cui le influenze africane dei primi studi del dipinto si stemperano nel nuovo stile del periodo verde.

Dopo l'esposizione delle opere di Braque presso la galleria di Daniel-Henry Kahnweiler, accolte meglio dalla critica rispetto a quelle presentate al Salon des Indépendants, Picasso organizza un banchetto al Bateau-Lavoir in onore di Rousseau, per festeggiare il fatto di aver appena acquistato un'opera del pittore, Ritratto di donna, per cinque franchi dal negozio di antiquariato di Père Soulier. Durante quell'inverno lo scambio di idee tra Braque e Picasso aumentò fino a diventare quotidiano, mentre la loro amicizia si rafforzava. La natura morta di frutta, un motivo emblematico di Cézanne, fu uno dei temi che i due pittori condivisero in questo periodo: Le compotier (Piatto di frutta) (MoMA, New York), Natura morta con pesci e bottiglie (Musée d'Art Moderne de Lille Métropole, Villeneuve d'Ascq). Durante l'inverno lavora anche a Carnevale al Bistrot (Musée Picasso, Parigi), che si cristallizza all'inizio del 1909 in Pane e fruttiera con frutta su un tavolo (Musée d'Art Basel).

Picasso inizia a essere apprezzato dai collezionisti; un amico degli Stein, che aveva appena acquistato le sue Tre donne, lo svizzero Hermann Rupf acquista diverse sue opere e Dutilleul (anch'egli cliente di Braque) inizia la sua collezione. Nel marzo 1909 viene pubblicato sul Mercure de France un articolo di Charles Morice in cui compare per la prima volta il termine cubismo. A maggio Picasso e Fernande si recano a Barcellona per visitare parenti e vecchi amici; nello studio dell'amico Picasso dipinge il Ritratto di Manuel Pallarés (The Detroit Institute of Arts). Successivamente si trasferisce a Horta de San Juan, undici anni dopo la loro prima visita, dove dipinge e disegna nature morte e numerosi ritratti di Fernande, tra cui Donna nuda in poltrona (collezione privata, Francia) e Busto di donna (Fernande) (Hiroshima Museum of Art). La serie di ritratti di Fernande iniziata a Parigi culmina in Donna con pere (Fernande) (MoMA, New York). Realizza anche sei grandi paesaggi, tra cui Il lago artificiale (Horta de Ebro) (MoMA, New York); La fabbrica di Horta (Museo dell'Ermitage, San Pietroburgo) e Case sulla collina (Horta de Ebro) (Nuova Galleria Nazionale, Berlino), che rappresentano gli inizi del cubismo analitico, debitore dei concetti di rilievo, "prospettiva inversa" e modellazione di Cézanne.

Nelle opere dipinte a Horta, gli alberi e le forme naturali sono stati eliminati, mentre la roccia, superficialmente amorfa, è stata analizzata e scomposta in piani e poi ricostruita sovrapponendo i piani; in alcuni casi la geometrizzazione si è estesa al cielo, e l'insieme ha offerto una composizione rigorosa con una profondità che non ha nulla da invidiare alla prospettiva tradizionale. L'uso della luce era del tutto arbitrario, rigorosamente per accentuare i contorni e rendere più nitidi i rilievi. Tuttavia, il Cubismo analitico era ancora una revisione piuttosto che un rifiuto della tradizione; il dipinto rimaneva una finestra illusoria su un mondo rappresentato e ricostruito. Il Cubismo sintetico costituisce una negazione della tradizione europea; il collage rompe l'inviolabilità della superficie del quadro e la rappresentazione della realtà cessa di essere l'obiettivo del quadro e diventa il suo punto di partenza.

A settembre si trasferisce a Parigi, all'11 di boulevard de Clichy. Tornò carico di opere nel nuovo stile e, nonostante il rifiuto del pubblico e della critica alla mostra che Vollard organizzò per loro, il gruppo ristretto di collezionisti guidato da Gertrude Stein e Sergei Shchukin continuò ad acquistarle. Chiuso nel suo nuovo studio, continua a sviluppare il cubismo, che all'epoca condivide non solo con Braque ma anche con un gruppo di artisti di Montmartre fortemente influenzati dal nuovo stile, tra cui Derain, lo spagnolo Juan Gris e Léger. Il cubismo si diffonde in tutta Europa, con il costruttivista e suprematista Malevich in Russia e Mondrian nei Paesi Bassi, anche se entrambi mostrano gravi differenze con lo stile di Picasso: Secondo Penrose, la ricerca di una geometria pura delle forme li portò ad allontanarsi dal soggetto pittorico verso l'astrazione, cosa che non rientrava negli istinti di Picasso, per il quale eliminare i simboli e le allusioni poetiche dalla pittura era una forma di evirazione; ispirò anche i futuristi guidati da Marinetti in Italia e i vorticisti in Inghilterra, che basarono la loro teoria estetica sulla forma e sul movimento e ritmo meccanico, cercando di introdurre il tempo nella rappresentazione pittorica. Ma Picasso non cercava lo sviluppo di teorie o scuole; la sua esigenza era quella di rompere con il passato e di dare all'opera d'arte una propria vita interiore.

Nello studio di Manuel Hugué realizza sculture come Testa di donna (Fernande) (Museo Picasso di Barcellona, ispirata alle tele dipinte a Horta). Fernande non si sente a suo agio con i cambiamenti che stanno avvenendo nel suo ambiente e nel suo stile di vita, e desidera la spontaneità dei loro primi giorni insieme.

Già nel 1909 Picasso dipinge una serie di ritratti in cui il rigore della disciplina nella ricerca di una nuova concezione dello spazio lo porta a ridurre progressivamente l'uso del colore; nei paesaggi di Horta e nella Donna che cuce (Claire B. Zeisler Collection, Chicago), dipinti nell'inverno 1909-1910, la tavolozza si limita agli ocra, ai grigi e ai verdi, fino a eliminare questo colore e a entrare in una monocromia spezzata occasionalmente da sottili gradazioni di grigi e ocra. Nel 1910 dipinge, tra gli altri, i ritratti di Ambroise Vollard (Museo Pushkin, Mosca), Wilhelm Uhde (Collezione Pulitzer, St. Louis) e Daniel-Henry Kahnweiler (Art Institute of Chicago), nei quali, nonostante la sua progressiva tendenza a dipingere con l'occhio del pensiero piuttosto che direttamente dalla natura, lavora in numerose sedute con i modelli, in modo simile a quanto fatto in precedenza con Gertrude Stein; nonostante il progressivo processo di segmentazione analitica dello spazio e della forma, Picasso ha colto la fisionomia delle figure.

Picasso e Fernande trascorrono l'estate del 1910 a Cadaqués (affittano una casa in riva al mare e vengono raggiunti da Derain e da sua moglie). Dopo la vacanza, Picasso torna carico di opere incompiute in cui è evidente l'avanzamento verso il nuovo linguaggio del cubismo; nel Ritratto di Daniel-Henry Kahnweiler, che dipinge dopo la vacanza, la figura è trattata come una struttura tridimensionale che si manifesta in elementi dislocati nello spazio in una trama trasparente, visti da più angolazioni e che tuttavia formano un insieme coerente, come avviene anche in quadri come Nudo di donna in piedi (Philadelphia Museum of Art).

Durante l'inverno tra il 1910 e il 1911 Picasso e Braque lavorarono a stretto contatto, tanto che è difficile risalire all'origine delle idee che entrambi misero in moto, e poiché non firmavano i loro dipinti, a volte era difficile distinguere il proprio lavoro da quello dell'altro; man mano che progredivano nell'analisi dell'oggetto, Picasso e Braque sentivano di perdere il riferimento alla sua realtà riconoscibile. L'inclusione di elementi della realtà nelle loro composizioni cubiste li portò in seguito al trompe l'œil e, da lì, all'invenzione del collage, rompendo così con la tradizione di non utilizzare più di un mezzo per un'opera e mettendo in discussione i principi della pittura stessa.

Picasso si recò a Céret, un villaggio francese nella regione storica del Rossiglione, nel luglio del 1911. Fernande Olivier e Braque lo raggiungono in agosto e i due pittori continuano la loro stretta collaborazione nella definizione del cubismo. I due realizzano diversi dipinti in cui introducono nelle loro opere la testata del giornale locale, con una riconoscibile tipografia gotica, come Il ventaglio ("L'Indépendant") (collezione privata, Ascona, Svizzera). Il 5 settembre Picasso torna a Parigi e al Salon d'Automne del 1911 presenta una sala cubista, da cui sono assenti sia lui che Braque. Questo fatto sconvolse la stampa di New York, Madrid e Amsterdam, che si occupò dell'evento, in quanto erano noti per essere i fondatori dello stile; diversi articoli e saggi su Picasso e Braque furono pubblicati in tutta Europa. Il rapporto con Fernande si era deteriorato e nell'autunno di quell'anno Picasso conobbe Eva Gouel (Marcelle Humbert), fino a quel momento compagna sentimentale del pittore polacco Louis Markus, che egli chiamò ma jolie (la mia bella) in diversi suoi dipinti.

All'inizio del 1912 Picasso realizzò la prima scultura costruita, Chitarra (MoMA, New York), fatta di cartone, spago e filo di ferro. Picasso avviò in larga misura un processo che portò alla liberazione della scultura dai concetti classici come il volume e alla sostituzione dei processi di modellazione o intaglio con ogni tipo di tecnica costruttiva che costituì una trasformazione rivoluzionaria nella scultura. In un parallelo con la tecnica del collage cubista, il cui primo esempio è Natura morta con sedia intrecciata (Musée Picasso, Parigi), realizzato nella primavera del 1912, le forme sono ridotte a piani che possono essere liberamente articolati. I concetti di assemblaggio e costruzione hanno permesso di introdurre nuove tecniche e materiali; la scomposizione del volume ha portato nuove prospettive, l'apprezzamento del vuoto e della luce come elementi scultorei di pari importanza rispetto alla massa.

Tra il 1912 e il 1915, Picasso e Braque sviluppano la seconda fase del Cubismo, in cui restituiscono alla loro opera un equivalente dei concetti tradizionali che avevano spezzato o eliminato nella fase precedente; forme, oggetti e parole diventano riconoscibili mentre la superficie viene ricostituita; recuperano l'uso di un cromatismo più solido e brillante, i piani sono chiaramente delineati e delimitati, si sovrappongono e sembrano coinvolgere superfici strutturate e motivi decorativi.

Tra aprile e maggio 1912 si tenne una mostra cubista alla Galeria Dalmau di Barcellona, senza opere di Picasso o Braque. La relazione con Fernande finisce; Picasso scrive a Braque: "Fernande mi ha lasciato per un futurista". Il 18 maggio arriva a Céret con Eva, dove realizza alcuni disegni sui quali applica carta da parati del XIX secolo e ritagli di diario. Quando a giugno Picasso viene a sapere che Fernande ha intenzione di andare a Céret per l'estate con Pitxot e sua moglie, scrive a Kahnweiler per dirgli di non aspettarsi nulla da lui, che sarebbe felice se non la rivedesse più, mentre ribadisce il suo amore per Eva, indicando che lo scriverà nei suoi quadri. È probabile che tra giugno e settembre abbia lavorato a Nudo femminile ("J'aime Eva") (un'opera più leggera e colorata, con tocchi di colori acidi, in cui la costruzione della figura femminile deriva dalla tecnica del collage che utilizzava nei suoi disegni). Sfuggendo alla visita di Fernande, il 25 giugno si trasferisce alla Villa des Clochettes, a Sorgues-sur-L'ouvèze. Braque rimane colpito dai dipinti di Céret e Picasso gli chiede un parere su Violino ("Jolie Eva") (Nuova Galleria di Stato di Stoccarda), in cui dipinge superfici che imitano aggiunte di legno e carte scritte, o su Il dilettante (Le torero) (Museo d'Arte di Basilea). Braque si trasferisce a Sorgues in agosto, dove i due riprendono il lavoro e continuano a delineare i loro concetti artistici.

Nel settembre 1912 si reca a Parigi per un paio di settimane per organizzare il suo trasferimento in un nuovo studio al 242 di boulevard Raspail, ma torna a Sorgues, dove lavora a Il dilettante (Le Torero) e a Il poeta (Museo d'arte di Basilea). L'indurimento e l'appiattimento delle forme caratterizzano il Cubismo ermetico, che segna l'inizio della transizione al Cubismo sintetico. Verso la fine di settembre torna a Parigi con Eva per raccogliere le sue cose e trasferirsi nel nuovo studio, dove si trasferiscono il primo ottobre. A metà novembre inizia la prima serie di papiers collés, in risposta all'opera di Braque su questo supporto, applicando le tecniche di assemblaggio e incorporazione di materiali in Guitar, Score, Glass (McNay Art Museum, San Antonio, Texas): su un fondo di carta dipinta, Picasso incolla frammenti di carta tra cui un titolo di Le Journal su cui ha conservato le parole La bataille s'est engagé (La battaglia è iniziata).

A metà dicembre torna a Céret, da dove si reca a Barcellona con Eva durante le vacanze di Natale. Il 21 gennaio 1913 torna a Parigi, dove inizia a lavorare al Violino appeso al muro (Musée des Beaux-Arts, Berna), in cui implementa l'uso di aggiungere sabbia alla pittura e, in una doppia imitazione, simula l'effetto del collage per mezzo di piani che ricordano i ritagli di carta (che a loro volta imitano una texture lignea) che Braque e Picasso utilizzavano nei loro collage, Contemporaneamente realizza una seconda serie di papiers collés in cui utilizza giornali contemporanei di Parigi (in molti di essi utilizza Le Figaro) o di Céret, in cui si nota un aumento dell'astrazione e un maggiore colore.

Alla fine di febbraio si tiene la prima retrospettiva di Picasso in Germania, alla Moderne Galerie Heinrich Thannhauser di Monaco di Baviera; otto opere di Picasso e tre di Braque sono inoltre incluse nell'Esposizione Internazionale d'Arte Moderna (l'Armory Show) di New York, nella 69th Regiment Armory, che in seguito si sposta a Chicago e a Boston, uno degli eventi più influenti nella storia dell'arte americana, che include anche il famoso Nudo che scende una scala di Marcel Duchamp.

Picasso ed Eva tornano a Céret nel marzo del 1913, anche se Picasso si reca a Barcellona in diverse occasioni. Il padre muore all'inizio di maggio e Picasso partecipa al suo funerale. Anche la salute di Eva non era buona e si aggravò nella tarda primavera. In giugno Picasso torna a Parigi e contemporaneamente si ammala di angina o bronchite (da cui guarisce alla fine di luglio), così come Eva, che pare non si sia mai ripresa del tutto. In agosto tornano a Céret, dove l'artista completa Man with a Guitar (MoMA, New York), che mostra lo sviluppo del Cubismo sintetico: motivi frammentati del Cubismo analitico sintetizzati in grandi forme piatte che sono "segni" di oggetti. Dopo un breve soggiorno, il 19 agosto tornano a Parigi, dove iniziano a trasferirsi in un nuovo studio al 5bis di rue Schoelcher, sul boulevard Raspail, con vista sul cimitero di Montparnasse. È l'inizio del periodo noto come Cubismo poetico.

Intorno al periodo del Salon d'Automne, Picasso dipinse due opere di particolare importanza, il Giocatore di carte (MoMA, New York), che contiene molti elementi di collage trompe l'oeil, e Donna in camicia seduta su una poltrona (collezione privata, New York), che combina il colore del cubismo analitico e i motivi schematici del cubismo sintetico. Continua inoltre a sviluppare i suoi assemblaggi; verso la fine dell'anno il russo Vladimir Tatlin, che conosceva le sue opere grazie alla collezione Shchukin di Mosca, si reca a Parigi per visitare Picasso e il suo studio, dove vede le costruzioni di quest'ultimo. Al suo ritorno a Mosca, Tatlin realizza le sue prime costruzioni.

Nel 1914 Picasso realizza una terza serie di papiers collés e il 14 gennaio Kahnweiler pubblica L'assedio di Gerusalemme di Max Jacob, illustrato da Picasso. Lavora anche alle sue costruzioni, tra cui Il bicchiere di assenzio (MoMA, New York), di cui il suo mercante Kahnweiler ordina sei copie in bronzo, dipinte in modo diverso, alcune molto colorate, altre con una texture sabbiosa.

Alla fine di giugno Picasso ed Eva si trasferiscono ad Avignone, vicino a Derain, che si trova a Montfavet, e a Braque a Sorgues. L'attentato di Sarajevo, in cui furono assassinati l'arciduca Francesco Ferdinando d'Austria e sua moglie, scatenò lo scoppio della Prima guerra mondiale. Apollinaire chiede la cittadinanza francese per arruolarsi come volontario; Braque e Derain sono mobilitati; Picasso li saluta alla stazione di Avignone il 2 agosto 1914. In autunno, sempre ad Avignone, Carte, bicchieri, bottiglia di rum (Vive la France) (Collezione Leigh B. Bloch, Chicago) inaugura il periodo del cubismo puntinista. Lavora a serie di disegni di uomini appoggiati a una balaustra, a un tavolo o a una sedia, in stili che vanno dal naturalismo al cubismo; la tela incompiuta L'artista e la sua modella (Musée Picasso, Parigi), presumibilmente Eva, mostra una tendenza al ritorno alla figurazione rappresentativa che sarebbe poi riemersa.

Tornato a Parigi a metà novembre, il suo atteggiamento un po' ambivalente nei confronti della guerra e il suo rapporto con i mecenati tedeschi Kahnweiler e Thannhauser, unito al fatto che la maggior parte dei giovani era al fronte, fecero sì che Picasso fosse visto con sospetto. In inverno dipinge il quadro a olio Natura morta: chitarra, giornale, bicchiere e asso di fiori (Musée Picasso, Parigi). che introduce il periodo noto come Cubismo freddo. dove la composizione è stata lavorata con colori freddi, con una predominanza di blu.

Nel gennaio 1915 realizza il disegno a matita Ritratto di Max Jacob (Musée Picasso, Parigi), in stile naturalistico. La salute di Eva continua a peggiorare e viene sottoposta a un'operazione; a maggio, mentre è in sanatorio, Picasso ha una relazione con Gabrielle Depeyre, con la quale fa un viaggio segreto a Saint-Tropez nello stesso anno. In agosto realizza un altro disegno, Ritratto di Ambroise Vollard (Metropolitan Museum of Art, New York), con una tecnica classica e una somiglianza quasi fotografica. Disegni di questo tipo erano ancora contemporanei ai dipinti cubisti, come Arlecchino (MoMA, New York), un'austera composizione di grandi aree geometriche monocrome su fondo nero, parte di una lunga serie su questo tema, che può essere intesa come un'allegoria della perdita, in particolare della malattia mortale di Eva, trasferita all'ospedale Auteil in novembre. Picasso passò un periodo molto difficile, "la mia vita è un inferno", scrisse a Gertude Stein. Eva morì il 14 dicembre 1915.

Durante la guerra il suo lavoro si concentra su nature morte cubiste e ritratti in stile naturalistico; cubismo, puntinismo, manierismo e neoclassicismo convivono nel suo lavoro dal 1917 in poi. Alla fine della guerra, pur continuando a lavorare contemporaneamente in questi stili disparati, Picasso tende gradualmente verso uno stile neoclassico, che si sviluppa pienamente nel 1920 e sostiene il suo interesse fino al 1924.

I Balletti Russi

Nel 1916 ebbe relazioni con due donne: Gabrielle Lespinasse, una soubrette di Montparnasse con cui ebbe una relazione senza conseguenze, ed Elvira Paladini, sensuale e sibaritica, la cui presenza stimolò una certa premonizione dell'Italia nell'opera di Picasso. A marzo Apollinaire tornò ferito dal fronte e Picasso realizzò diversi disegni che lo ritraevano nei tre mesi successivi, come il Ritratto di Apollinaire (collezione privata), anch'esso in stile realista. A giugno inizia a trasferirsi al 22 di rue Victor-Hugo, nel quartiere di Montrouge. Dipinge diversi ritratti di Elvira Paladini e Apollinaire, in stile realista, e diversi disegni di arlecchini che ricordano il periodo rosa. La prima mostra pubblica di Les Demoiselles d'Avignon si tenne in luglio al Salon d'Automne, organizzata da André Salmon. Come nel caso del Cubismo, la critica fu piuttosto severa nei confronti di un'opera che non riusciva a comprendere.

Dopo un paio di visite precedenti, il 1° maggio Jean Cocteau, che aveva conosciuto nel dicembre dell'anno precedente, lo invita a progettare la scenografia per la compagnia dei Ballets Russes, diretta da Sergéi Diágilev, con libretto dello stesso Cocteau e musica di Erik Satie; durante la visita dovrà realizzare un ritratto realistico dello scrittore. Alla fine di maggio Cocteau porta Diágilev a trovarlo nel suo studio, dove discutono i progetti per il balletto Parade. Nell'agosto del 1916 accettò finalmente di lavorare al balletto Parade. Picasso apportò diverse modifiche all'opera, idee che piacquero a Satie più che a Cocteau. Finalmente a settembre si accordarono, e nel gennaio 1917 confermò con Diágilev l'accordo per la realizzazione delle scene e dei costumi del balletto per la somma di 5000 franchi, con un supplemento di 1000 franchi se fosse dovuto andare a Roma. Tra febbraio e marzo lavora al sipario del balletto Parade (Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Parigi).

Il 19 febbraio arriva a Roma con Cocteau per unirsi a Diagilev e ai Ballets Russes. Rimase otto settimane al Grand Hôtel de Russie, all'angolo tra Via del Babuino e Piazza del Popolo, dove realizzò molti disegni di Villa Medici dalla sua finestra. Realizza molti bozzetti per i costumi e le decorazioni del balletto in uno studio in affitto al 53b di Via Margutta. Quando non lavorava, frequentava Diagilev, il coreografo dello spettacolo Léonide Massine, lo scenografo Léon Bakst, Cocteau e Igor Stravinsky, di cui fece rapidi ritratti e caricature. Incontrò anche gli artisti futuristi italiani e visitò con loro i luoghi più famosi della città: la Cappella Sistina, le Stanze di Raffaello e i musei di scultura del Vaticano. Il soggiorno a Roma rinnova il suo interesse per lo stile accademico di Ingres, la cui influenza si rifletterà nella sua opera negli anni successivi. In questo periodo conosce la ballerina Olga Jojlova, membro della compagnia di Diagilev, che poi sposerà.

Nel marzo 1917, Diagilev portò Picasso, Stravinsky, Cocteau e Massine in viaggio a Napoli, da dove visitarono le rovine di Ercolano e Pompei. In quegli anni apparve a Parigi la rivista letteraria d'avanguardia Nord-Sud, che durante la sua breve esistenza fu un potente forum di discussione d'avanguardia sul cubismo e tentò di riunire i centri parigini della letteratura tradizionale e d'avanguardia, Montmartre e Montparnasse. Tra i suoi collaboratori figurano molti degli scrittori che avrebbero dato forma al Surrealismo: Apollinaire (che coniò il termine proprio in quel periodo), André Breton, Louis Aragon e Tristan Tzara, tra gli altri. In aprile Cocteau torna a Parigi e Picasso si unisce alla compagnia dei Ballets Russes nel viaggio in Italia per stare vicino a Olga, passando per Firenze (dove visita la Cappella Medicea, con le tombe di Michelangelo) e Venezia.

Dopo la tournée in Italia, la compagnia si recò a Parigi alla fine di aprile, dove il 18 maggio 1917 ebbe luogo la prima rappresentazione di Parade al Théâtre du Châtelet. La combinazione di stili d'avanguardia nell'arte, nella musica e nella coreografia, in un periodo segnato dalla guerra in Europa, fece sì che l'opera suscitasse lo scandalo sperato da Diágilev, che la bollò come "offensivamente antifrancese". Nel suo saggio per il programma del balletto, Apollinaire osserva che la sintesi tra i disegni di Picasso e la coreografia di Massine realizza per la prima volta una sorta di "surrealismo in cui vedo il punto di partenza di una serie di manifestazioni di questo Nuovo Spirito". Tra maggio e giugno realizza un Autoritratto realistico (Musée Picasso, Parigi) e Gli occhi dell'artista (Musée Picasso, Malaga).

Innamorato di Olga, Picasso accompagna i Balletti Russi a Madrid, dove si esibiscono durante il mese di giugno; influenzato da Olga e dal contatto con la compagnia, Picasso frequenta l'alta società madrilena. Il 23 giugno arrivano a Barcellona, dove i Ballets Russes mettono in scena Las Meninas al Teatro del Liceo. Alla fine del mese la compagnia parte per il Sud America, mentre Olga e Picasso, già fidanzati, si fermano quattro mesi a Barcellona, dove gli amici artisti catalani Miguel Utrillo, Ángel Fernández de Soto, Ramón Reventós, Pallarés, Ricardo Canals, i fratelli Vidal e Francisco Iturrino gli offrono un banchetto di benvenuto alle Galerías Layetanes in luglio. Dipinge i naturalistici Arlecchino di Barcellona (Museo Picasso, Barcellona) e Olga Jojlova con Mantilla (Museo Picasso, Malaga); Donna in abito spagnolo (La Salchichona) (Museo Picasso, Barcellona), in tecnica divisionista; in stile cubista, Donna seduta in poltrona (Personaggio) (Museo Picasso, Barcellona) e Fruttiera (Museo Picasso, Barcellona). Realizza inoltre numerosi disegni di corride e ritratti e disegni di Olga.

A novembre i Ballets Russes tornano in Spagna; a Barcellona si esibiscono in Parade, con un'accoglienza tiepida; durante lo spettacolo la sorella di Picasso, Lola, e suo marito gli presentano l'allora studente d'arte Joan Miró. Alla fine di novembre Olga e Picasso si preparano a tornare a Parigi.

Il 1918 segna l'inizio di quello che Max Jacob identifica come il periodo della Duchessa, che si conclude intorno al 1923. Dal 23 gennaio al 15 febbraio 1918, Picasso espone una serie di dipinti protocubisti con Matisse alla galleria di Paul Guillaume. In un clima ancora ostile al cubismo, la mostra suscitò molti commenti da parte della stampa; è possibile che Les Demoiselles d'Avignon facesse parte dell'esposizione. Completa un Ritratto di Olga in poltrona (Olga insisteva che i suoi ritratti fossero riconoscibili).

Tra aprile e maggio si trasferisce con Olga all'Hotel Lutetia, un albergo alla moda di prima categoria in Boulevard Raspail; il suo stile di vita cambia, frequenta il circolo dei Ballets Russes e si muove nell'alta società. Il 12 luglio sposa Olga, prima con la necessaria cerimonia legale e poi con una messa di tre ore nella chiesa ortodossa russa di Rue Daru a Parigi. Le loro famiglie non parteciparono e Picasso chiese a Jean Cocteau, Max Jacob e Apollinaire di fare da testimoni. Dopo il matrimonio, Olga si rifiutò di andare a Montrouge, dicendo che non sarebbe mai tornata in quella casa "che puzzava di troppe donne". Il 30 luglio arrivano a Biarritz per la loro luna di miele; alloggiano a Villa La Mimoseraie, di proprietà dell'amica cilena Eugenia Errázuriz. Qui sviluppa temi marini, come Le bagnanti (Musée Picasso, Parigi), in uno stile manierista che ricorda le sue figure allungate ispirate allo stile di El Greco. La sua padrona di casa lo presenta ai mercanti d'arte Georges Wildenstein e Paul Rosenberg; Rosenberg, per conto di Wildenstein, stipula un contratto con Picasso. Realizza alcuni ritratti nello stile neoclassico di Ingres delle sue donne e dei ricchi frequentatori della società.

Alla fine di settembre torna con Olga a Montrouge. Paul Rosenberg divenne il mercante ufficiale di Picasso, che accettava solo un accordo verbale con Picasso, dando al mercante la prima scelta delle opere dell'artista; Daniel-Henry Kahnweiler era stato il suo mercante dal 1907 fino allo scoppio della guerra franco-tedesca e fu costretto a partire per la Svizzera. L'8 ottobre Picasso affitta un grande appartamento in rue de La Boëtie. È probabile che in quel periodo abbia conosciuto Louis Aragon e, attraverso lui e Apollinaire, André Breton. Poco dopo, il 9 novembre 1918, due giorni prima della firma dell'armistizio di Rethondes che pose fine alla Prima guerra mondiale, Apollinaire morì di influenza spagnola nel suo appartamento di boulevard Saint-Germain. Da allora, Picasso visitò la tomba dell'amico nel cimitero di Père-Lachaise ogni anno in quella data.

Nel 1919 continua a lavorare contemporaneamente a opere cubiste e realiste. Realizza alcune opere realiste, in cui si nota una certa monumentalità e peso scultoreo nelle figure, come Natura morta con brocca e mele (Musée Picasso, Parigi). Nello stile robusto e classico del tardo Ingres, le figure hanno un carattere scultoreo e un aspetto massiccio che diventerà evidente nelle opere neoclassiche del 1920.

L'arrivo dei Balletti Russi a Londra dopo la guerra coincise con un periodo in cui era in voga l'interesse per l'arte, in particolare per l'arte d'avanguardia, e il balletto permetteva di combinare il prestigio dei grandi ballerini e lo scandalo dei giovani artisti rivoluzionari, che piacevano sia agli snob che agli intellettuali. Il balletto permetteva di combinare il prestigio dei grandi ballerini con lo scandalo dei giovani artisti rivoluzionari, il che piaceva sia agli snob che agli intellettuali. A maggio Picasso arrivò a Londra, dove Diagilev stava preparando un nuovo balletto con musiche di Manuel de Falla, El sombrero de tres picos, tratto dall'omonimo romanzo di Pedro Antonio de Alarcón. Picasso era entusiasta della storia, ambientata nell'Italia meridionale del XVIII secolo, e dell'opportunità di lavorare nuovamente con Massine e per la prima volta con Falla. Durante i tre mesi di permanenza a Londra realizzò numerosi schizzi, disegni e acquerelli per le scenografie, i costumi e il sipario, che dipinse personalmente, assistito da Vladimir Polunin e dalla moglie Elizabeth. Quando non erano impegnati con le prove del balletto e i test, interagivano con la società inglese, dove Picasso incontrò molti artisti e scrittori.

La prima di El sombrero de tres picos al Teatro Alhambra, il 22 luglio 1919, fu un grande successo che portò presto all'apertura di scuole di danza spagnola a Londra. Massine aveva imparato i ritmi del flamenco e li aveva applicati alla coreografia dei ballerini, i cui costumi erano adattati all'azione. Picasso aveva utilizzato istintivamente curve e zig-zag, motivi caratteristici dei carri dei contadini spagnoli, ritmi probabilmente discendenti dagli arabeschi calligrafici arabi. Anche il contrasto tra verde, rosa, rosso e nero evoca la Spagna. Il critico Jean Bernier ha scritto: "tutti i costumi sono, senza eccezione, pieni di calore e forza, temperati da un gusto per la dignità che è molto andaluso".

Al successo del balletto si accompagna la vita sociale; Picasso e Olga, per la gioia di Olga, vengono invitati a una serie di feste dell'alta società. In agosto Olga e Picasso tornarono a Parigi e da lì si recarono a Saint-Raphaël, sulla Costa Azzurra; è probabile che durante il viaggio in treno Picasso abbia osservato la scena della vendemmia che ha raffigurato ne La siesta. Il tema delle finestre di Saint-Raphaël, trattato quell'estate in molti acquerelli e disegni, permane nell'opera di Picasso al suo ritorno a Parigi in autunno fino ai primi anni Venti.

Stabilitosi nel suo appartamento in rue de la Boëtie, Picasso si allontana gradualmente dallo stile di vita bohémien che aveva vissuto prima della guerra; la sua vita personale è più tranquilla, anche se lo si può vedere vestito elegantemente ai cocktail party o a cena fuori con Olga, vestita di Chanel. La sua frequentazione con i Balletti Russi e con i mercanti d'arte Léonce e Paul Rosenberg gli procura un'attenzione critica e una visibilità più favorevoli.

Nel dicembre 1919 Diágilev, tornato a Parigi dopo la stagione londinese, lo invita a collaborare a un nuovo balletto ispirato alla Commedia dell'Arte, Pulcinella, con musiche di Stravinskij. Diágilev rifiuta i primi bozzetti perché troppo moderni e ornati, e Picasso li semplifica in seguito. Diagilev rifiutò i primi bozzetti perché troppo moderni e ornati; Picasso li semplificò in seguito. Nei primi anni Venti sviluppò un gran numero di bozzetti e studi per Pulcinella.

Il 23 gennaio 1920 Il cappello a tre punte fu rappresentato al Théâtre National de l'Opéra di Parigi, dove invitò l'amico Max Jacob, che vedeva meno spesso. Mentre si reca a teatro, Jacob viene investito da un'auto e ricoverato in ospedale; Picasso lo va a trovare spesso in ospedale, ma in seguito i due cominciano a vedersi meno, poiché Jacob cerca una vita sociale meno chiassosa e pubblica.

L'idea di Massine per il balletto derivava dagli spettacoli di strada a cui avevano assistito durante il loro viaggio a Napoli nel 1917. Insieme a Diagilev, svilupparono il libretto sulla base di antichi testi napoletani; la musica di Stravinsky è un arrangiamento di musiche del compositore italiano del XVIII secolo Giovanni Battista Pergolesi. I primi schizzi di Picasso erano in uno stile pseudo-rococò che, dopo l'iniziale rifiuto di Diagilev, Picasso semplificò in uno stile cubista con grandi superfici piatte in blu, grigio e bianco, su cui spiccavano i costumi dei personaggi, basati sullo stile dei personaggi tradizionali della Commedia dell'Arte. Pulcinella fu presentato per la prima volta al Théâtre National de l'Opéra di Parigi il 15 maggio 1920.

Questo stile delle scenografie di Pulcinella fu esteso alla pittura di Picasso, come si può vedere in Pulcinella con chitarra davanti a un sipario (Massine che saluta); i colori sono vividi ma non stridenti e la superficie pittorica è diventata completamente piatta. Durante l'estate a Juan-les-Pins continuò a sviluppare questo stile e questo soggetto in una serie di gouaches colorate, geometriche e piatte sulla Commedia dell'Arte, come Pierrot e Arlecchino (National Gallery of Art, Washington). In settembre, sempre a Juan-les-Pins, realizza una serie di disegni e acquerelli su un tema dell'antichità mediterranea, l'episodio del tentato rapimento di Deyanira, moglie di Ercole, da parte del centauro Nesso, ispirato agli affreschi pompeiani visti durante il suo viaggio a Napoli nel 1917.

Il 4 febbraio 1921 nasce il suo primo figlio, Pablo. In primavera iniziò gli studi per Cuadro flamenco, un altro balletto di Diagilev, che questa volta ingaggiò un gruppo di otto ballerini e cantanti andalusi per i quali Falla arrangiò musica popolare. Originariamente era stato commissionato a Juan Gris, anch'egli spagnolo, ma Picasso, adducendo il fatto che era malato e non avrebbe avuto il tempo di sviluppare il progetto con così poco preavviso, lo anticipò presentando l'idea, abbandonata in Pulcinella, di un sipario con ornamenti rococò e i prosceni con le coppie che assistono allo spettacolo. I rapporti con Gris si raffreddarono di conseguenza, una situazione che si protrasse fino alla sua morte nel 1927. Il 22 maggio l'opera fu presentata in anteprima al Théâtre de la Gaîté-Lyrique. La copertina del programma era illustrata con quattro nudi sulla spiaggia in uno stile neoclassico simile ad altre opere dello stesso periodo. Al suo ritorno a Parigi, continua a realizzare opere in stile neoclassico monumentale.

Durante l'estate, evitando il caldo del sud della Francia, si trasferisce con Olga e Pablo a Fontainebleau. L'estate a Fontainebleau fu prolifica, con una maggioranza di opere in stile scultoreo neoclassico. I soggetti principali sono la madre e il bambino e le donne presso una fontana; si possono vedere in Madre e figlio in riva al mare (Art Institute of Chicago) e Tre donne alla fontana (Musée de l'Orangerie, Parigi), con abiti e acconciature greco-romane. Realizza anche due capolavori in stile cubista sintetico: Musicisti con maschere (MoMA, New York) e Musicisti con maschere (Tre musicisti) (Philadelphia Museum of Art); il soggetto ricorda la sua collaborazione con i Ballets Russes, in particolare alcuni studi per arlecchini e pierrots da Pulcinella.

Nel 1922 Breton, consigliere di Jacques Doucet in materia d'arte, iniziò a convincerlo dell'importanza di aggiungere opere importanti di Picasso alla sua collezione d'arte moderna, che portò nel 1924 all'acquisizione di Les Demoiselles d'Avignon. In giugno, durante una visita a Dinard (Bretagna), dipinge Due donne che corrono sulla spiaggia (La corsa) (Musée Picasso, Parigi), un'idealizzazione delle figure monumentali dipinte nel 1921 con un nuovo elemento, il trattamento del movimento, che in seguito servirà da modello per il fondale di Le Train Bleu di Diagilev del 1924. Realizza anche alcuni schizzi del figlio e della moglie e del figlio insieme, come si può vedere in Famiglia in riva al mare (Musée Picasso, Parigi). Il 20 dicembre 1922 l'adattamento modernizzato di Jean Cocteau dell'Antigone di Sofocle viene presentato in anteprima al Théâtre de l'Atelier di Montmartre (Parigi). La pièce aveva le scenografie di Picasso, i costumi di Coco Chanel e le musiche di Arthur Honegger.

Nel 1923 Picasso prosegue il tema dell'arlecchino; dipinge diversi ritratti di Jacint Salvadó travestito da arlecchino in uno stile meno monumentale e più lirico, oltre ai ritratti del figlio Pablo e della moglie Olga e al Ritratto di Doña Maria (madre dell'artista) (collezione privata). Dipinge anche i ritratti del figlio Pablo e della moglie Olga; e il Ritratto di Doña Maria (la madre dell'artista) (collezione privata). Quell'estate torna in Costa Azzurra, stabilendosi ad Antibes con Olga e Pablo. Realizza Il flauto di Pan (Musée Picasso, Parigi), oltre a numerosi disegni e schizzi sullo stesso tema. Ad Antibes visitò molti villeggianti dell'alta società, come il pittore Gerald Murphy e sua moglie Sarah (Beaumont gli chiese di disegnare la scenografia e i costumi del Mercure, che sarebbe stato inaugurato nell'estate del 1924).

Il coreografo Léonide Massine aveva lasciato i Ballets Russes per produrre un balletto per il conte Étienne de Beaumont in una serie di spettacoli privati noti come Les Soirées de Paris nell'estate del 1924, al fine di aiutare l'aristocrazia russa. Con le musiche di Erik Satie e le scenografie e i costumi di Picasso, Massine realizza Mercure, il balletto più strano e originale dopo Parade: i piani angolari e le linee rette di Parade sono sostituiti da linee curve e ondulate, da silhouette sinuose nella scenografia e nei costumi. La prima del Mercure, il 18 giugno al Théâtre de la Cigale, fu accolta male dalla critica e dal pubblico. Alcuni surrealisti criticarono il coinvolgimento di Picasso in un progetto borghese a favore dell'aristocrazia, ma Breton si schierò in difesa dell'opera artistica di Picasso, dichiarando nel suo saggio Hommage à Picasso (Omaggio a Picasso): "Per quanto mi riguarda, considero la collaborazione di Picasso al Mercure l'evento artistico più importante degli ultimi anni.

Due giorni dopo, Le train bleu, l'ultima collaborazione con i Ballets Russes di Sergei Diagilev, è stata rappresentata al Théâtre des Champs-Elysées; il sipario è stato dipinto dal pittore di scena Alexander Shervashidze a partire dalla gouache di Picasso Due donne che corrono sulla spiaggia (La corsa). Il sipario è stato dipinto dal pittore teatrale Alexander Shervashidze, sulla base della gouache di Picasso Due donne che corrono sulla spiaggia (La corsa). Picasso stesso ha firmato il sipario "Dedicato a Diágilev Picasso 24".

Nell'estate del 1924 si trasferisce a Villa La Vigie a Juan-les-Pins. Picasso sviluppò in un quaderno di schizzi una serie di disegni pre-surrealisti, costellazioni di linee e punti, che furono utilizzati anni dopo per un'edizione illustrata preparata da Ambroise Vollard di Le Chef-d'œuvre Inconnu di Honoré de Balzac. Per celebrare il compleanno del figlio, Picasso ne dipinge ogni anno i ritratti; nel 1924 dipinge Pablo de harlequin (Musée Picasso, Parigi).

La polemica sulle Soirées de Paris cresce durante l'estate e provoca uno scisma tra gli ex-Adada, contrapponendo il gruppo di Breton a un altro gruppo che ruota attorno a Ivan Goll. In ottobre Breton pubblica il Manifesto surrealista, in cui delinea le conseguenze artistiche della teoria della psicoanalisi e dell'interpretazione dei sogni di Sigmund Freud. Il termine Surrealismo, coniato da Apollinaire nel 1917, fu adottato da Breton come nome del suo gruppo. Anche se Picasso non aderì mai ufficialmente al movimento surrealista, il suo lavoro fu molto ammirato da Breton, così come da Tristan Tzara e dai dadaisti. Le opere di Picasso sono riprodotte in otto degli undici numeri de La Révolution Surréaliste, pubblicati tra il 1924 e il 1929.

Surrealismo

Dopo il matrimonio con Olga e la nascita del loro primo figlio, Pablo, Picasso ebbe una vita familiare felice; condusse una vita sociale molto attiva, alternandosi con l'aristocrazia e l'intellighenzia parigina; i critici d'avanguardia lodarono i suoi risultati artistici, anche se si concentrarono sugli aspetti formali, ignorando gli elementi intuitivi e psicologici della sua opera. Accettato dalla società e dalla critica, Picasso fu visto come parte della tradizione francese che si poneva al di sopra delle buffonate della nuova generazione di dadaisti antiborghesi, che stavano iniziando a essere soppiantati dal gruppo che sarebbe diventato noto come Surrealisti.

Nel 1925 dipinge Pablo de pierrot (Il figlio dell'artista) (Musée Picasso, Parigi) per il quarto compleanno del figlio, in uno stile naturalistico simile al ritratto di Arlecchino realizzato l'anno precedente. Dipinge anche La danza (Tate Modern, Londra), un momento cruciale nello sviluppo di Picasso, dopo un periodo in cui lavora sia in una forma decorativa di cubismo sintetico che in uno stile figurativo neoclassico. La danza è debitrice di entrambi gli stili, ma la sua importanza risiede nel fatto che segna una rottura con la fase serena e classica e l'inizio di un nuovo periodo di violenza emotiva e distorsione espressionista.

La danza segna l'inizio del periodo surrealista di Picasso, tra il 1925 e il 1938. Antitesi dei suoi disegni classici di danza, il carattere espressionista del dipinto simboleggiava la crescente irritazione di Picasso nei confronti di Olga e delle donne in generale; ferito dalla morte dell'amico Ramon Pichot, riteneva che la moglie Germaine, che era stata la causa della morte di Casagemas, avesse distrutto l'amico come Olga stava distruggendo lui. Al dolore per la morte di Pichot si aggiunge, in luglio, quella del musicista Erik Satie, che in estate dipinge a Juan-les-Pins Il bacio (Musée Picasso, Parigi), dallo spirito ancora più aggressivo de La danza. Il motivo delle teste sovrapposte, che compare nella figura della donna e non nella scultura, troverà continuità nella sua opera successiva. Le qualità irrazionali di questa serie di opere, così come quelle dei primi lavori cubisti, erano per Breton analoghe alla teoria dell'automatismo praticata dagli artisti surrealisti.

Nel saggio "Surrealismo e pittura", pubblicato nel luglio 1925 sul numero 4 de La Révolution Surréaliste, Breton dichiara che Picasso è un pittore modello e lo rivendica come surrealista, pur sottolineando l'impossibilità di applicare un'etichetta che vincoli la sua opera: "L'etichetta 'cubista' ha commesso molto spesso questo errore. A novembre si tiene l'"Exposition: La Peinture Surréaliste", alla Galerie Pierre di Parigi, che presenta due dei primi dipinti cubisti di Picasso, oltre a opere di Hans Arp, Giorgio de Chirico, Max Ernst, Paul Klee, André Masson, Joan Miró, Man Ray e Pierre Roy; Breton e Robert Desnos scrivono la prefazione del catalogo. Nella recensione di Maurice Raynal su L'intransigeant si legge: "Il "padre del cubismo" è diventato il figlio adottivo dei surrealisti! A novembre Picasso accompagnò a Barcellona la madre, che aveva trascorso le vacanze con loro sulla costa. Lì incontra Dalí e visita la sua prima mostra personale alla Galleria Dalmau.

Nel 1926 lavora in uno stile che è stato identificato come Cubismo curvilineo, combinando le superfici sinuose del Cubismo decorativo, la sovrapposizione di teste alle figure e le deformazioni curve esplorate nei disegni di costellazioni, applicate a una griglia cubista. Lo si può vedere ne I sarti (La bottega del sarto) (Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Parigi) e Il pittore e la sua modella (Musée Picasso, Parigi), opere monocrome dipinte in grigio, nero, bianco e ocra di cannella. Esegue anche diversi ritratti con una certa somiglianza con Marie-Thérèse Walter, una giovane adolescente che secondo alcuni autori incontrò per la prima volta all'inizio del 1925 alla Gare Saint-Lazare di Parigi. Continua inoltre a lavorare sul motivo delle teste sovrapposte.

In aprile riceve la visita di Dalí nel suo studio; nonostante l'ammirazione reciproca, i due artisti non diventano amici intimi. La sua raccomandazione a Diagilev di lavorare con Miró e Max Ernst per le scenografie e i costumi del suo Romeo e Giulietta fece sì che quest'ultimo fosse minacciato di espulsione dal gruppo surrealista, che si opponeva alla collaborazione con "una produzione borghese per l'alta società".

Nel gennaio 1927 incontra Marie-Thérèse Walter, una bionda diciassettenne, davanti alle Galeries Lafayette di Parigi (anche se alcuni autori collocano la data a due anni prima). Nel giro di sei mesi sono diventati amanti. Anche se la loro relazione rimase segreta fino alla nascita della figlia Maya nel 1935, i riferimenti a Marie-Thérèse apparvero nelle sue opere subito dopo il suo incontro. La tensione coniugale con Olga cresce, la sua vita diventa molto complicata perché cerca di mantenere segreta la loro relazione. Trascorre un'estate infelice a Cannes, struggendosi per Marie-Thérèse, mentre Olga si risente del fatto che Picasso non sia mai presente agli incontri sociali da lui organizzati.

Alla fine dell'estate esegue un album di disegni, Carnet des Métamorphoses, in cui dota le bagnanti biomorfe di forme scultoree elefantiache, con attributi sessuali che raggiungono proporzioni monumentali, come si può vedere in Bagnante in cabina (Figura femminile) (Musée Picasso, Parigi). Sebbene si tratti probabilmente di studi per un monumento ad Apollinaire, Christian Zervos scrisse nel 1929 che Picasso li propose come monumenti per la Croisette, l'elegante passeggiata che separa la spiaggia dai grandi alberghi di Cannes. Alla fine del 1927, tornato a Parigi, lavora con il tipografo Louis Fort a una serie di tredici incisioni, commissionate da Vollard, sul tema dell'"artista e del modello" per il libro Le Chef-d'œuvre Inconnu, che pubblicherà nel 1931.

Nel gennaio del 1928 realizza un grande collage intitolato Il Minotauro (Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Parigi), costituito da due zampe che emergono da una testa di toro, prima apparizione nella sua opera del tema mitologico del Minotauro, metà uomo e metà toro, che culminerà in Guernica nel 1937. Continua inoltre a lavorare sul tema delle bagnanti biomorfe e del pittore e della sua modella.

Nel marzo 1928 riprende l'amicizia con lo scultore Julio González, nel cui studio di rue de Médéah si reca spesso per continuare ad apprendere le tecniche di saldatura. In giugno realizza la sua prima scultura tridimensionale dal 1914, la Metamorfosi I (bagnante) in bronzo (Musée Picasso, Parigi), basata su disegni di Marie-Thérèse realizzati nel 1927.

In estate si trasferisce con Olga e Pablo a Dinard, in Bretagna, in Francia; ospita segretamente Marie-Thérèse in un vicino campo estivo per bambini e la inizia alle sue pratiche sessuali sadomasochistiche preferite. Continua a lavorare sul tema delle bagnanti biomorfe in dipinti e disegni, come Bather and Cabin (MoMA, New York), e in una serie di studi di costruzioni metalliche saldate, sulla falsariga di costellazioni di punti collegati da una rete di linee, in preparazione di un futuro monumento ad Apollinaire. Tornato a Parigi, in autunno lavora con Gonzalez a questo progetto in una serie di modelli realizzati con tondini di ferro, che Kahnweiler descrive come "disegni nello spazio". I modelli sono stati rifiutati dalla commissione incaricata del monumento in quanto troppo radicali e inadeguati.

Nella primavera del 1929 realizza nello studio di González la scultura in ferro saldato e dipinto Donna in giardino (Musée Picasso, Parigi). Inizia anche i primi studi per La crocifissione (Musée Picasso, Parigi). che completò nel 1930. La tensione del suo matrimonio con Olga si riflette in opere come Busto di donna e Autoritratto (collezione privata), in cui una testa femminile selvaggia con le fauci aperte si impone su un profilo classico di se stesso. Anche in Grande nudo in poltrona rossa (Musée Picasso, Parigi), in cui la figura femminile si contorce in un urlo, rivelando elementi inquietanti nel subconscio dell'artista. La natura surreale di questo dipinto è evidente anche in molte altre opere.

Nel gennaio 1930 dipinge Bagnante seduta in riva al mare (MoMA, New York), una donna concepita come una struttura ossea, una creatura minacciosa in contrasto con l'atmosfera serena della spiaggia, la cui testa ricorda quella di una mantide, uno dei simboli preferiti dai surrealisti (la mantide divora il partner durante il rapporto sessuale). Diverse opere precedenti e successive di Picasso presentano lo stesso tipo di testa, e alcune hanno anche la cosiddetta vagina dentata, evocando la "paura della castrazione psicosessuale" che i surrealisti simboleggiavano attraverso la mantide religiosa.

Boisgeloup

Le sue opere sono state esposte per la prima volta al Museum of Modern Art di New York (MoMA), fondato l'anno precedente, nell'ambito della mostra "Painting in Paris". In giugno ha acquistato il castello di Boisgeloup, a settanta chilometri a nord-ovest di Parigi. Boisgeloup diventerà un rifugio in cui fuggire con Marie-Thérèse; trasformerà le stalle in un atelier di scultura dove il desiderio di tornare a modellare in argilla o in gesso e l'ispirazione della sua giovane amante lo stimoleranno a creare grandi busti in gesso, alcuni dei quali di natura indubbiamente sessuale. Nell'autunno del 1930 realizza una serie di sculture, per lo più intagliate nel legno e successivamente fuse in bronzo, di piccole dimensioni e molto stilizzate. In questo periodo Marie-Thérèse si trasferisce al numero 44 di rue Boétie, di fronte all'appartamento in cui Picasso viveva con Olga. Nei primi anni Trenta Picasso è combattuto tra la riluttanza a interrompere la relazione con Olga e l'ossessione per Marie-Thérèse, che è la principale fonte di ispirazione per le figure femminili sensuali e suggestive della sua opera.

Nel settembre del 1930 inizia la serie di cento incisioni che costituiranno la Suite Vollard; Picasso lavora a questa serie dal 1930 al 1937, anche se la maggior parte del lavoro viene realizzata tra il 1933 (sessantuno incisioni) e il 1934 (ventiquattro incisioni). Hans Bollinger ha distinto sette gruppi tematici nella Suite Vollard: ((e (vii) il Minotauro cieco. "L'artista e la modella" è un tema generale che si ritrova nelle incisioni della Suite Vollard, soprattutto in quelle dedicate allo studio dello scultore. Picasso poté così raffigurarsi "innocentemente" con Marie-Thérèse, spesso nuda. Questo tema è stato utilizzato da Picasso per tutti gli anni Trenta; è scomparso dalle sue opere durante la guerra civile spagnola e l'occupazione tedesca della Francia, anche se è stato recuperato negli ultimi anni.

Nel gennaio del 1931 completa Figure in riva al mare (Musée Picasso, Parigi), una scena d'amore sulla spiaggia in cui i corpi, ridotti a forme tondeggianti e scultoree, sono talmente mescolati nell'abbraccio da rendere indistinguibile quale parte del corpo appartenga all'uomo o alla donna, la figura a destra, identificabile come Marie-Thérèse per la forma della testa. Picasso enfatizza così la doppia natura della sessualità umana attraverso la contraddizione tra l'apparente tenerezza dell'abbraccio e la presenza di pietra delle figure e delle loro lingue taglienti e aggressive. Le teste delle figure ricordano Il bacio (due teste) (Musée Picasso, Parigi) della stessa data, dove le due teste che si divorano a vicenda riflettono il conflitto con Olga. Parallelamente ai dipinti di forme monolitiche, realizza una serie di nature morte in stile cubista decorativo, dai colori vivaci e curvilinei; da segnalare la Grande natura morta con candelabro (Musée Picasso, Parigi), dove, in una delle sue nature morte più liriche e sessualmente simboliche, le forme organiche suggeriscono il busto di Marie-Thérèse. Il dipinto rimase nella collezione personale di Picasso fino alla sua morte, quando fu donato al Musée Picasso di Parigi insieme a centinaia di altre opere, in sostituzione dell'imposta di successione.

In aprile la galleria londinese Alex Reid & Lefevre ha organizzato una retrospettiva di trentasette dipinti, Thirty Years of Pablo Picasso. A maggio prende finalmente possesso del Castello di Boisgeloup, dove continua a lavorare in metallo con Gonzalez, incorporando oggetti reali nella sua opera scultorea. Le sue sculture del 1930, assemblaggi di elementi metallici tagliati e saldati, come Donna in giardino (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), possono essere intese come "oggetti poetici, a volte di sapore surrealista". Tornò anche a modellare in argilla o gesso. Realizzò diversi busti e rilievi raffiguranti Maria Teresa, come il Busto di donna (Maria Teresa) (Musée Picasso, Parigi). Le forme arrotondate e i rilievi hanno una certa qualità sessuale e i tratti del viso assomigliano talvolta a organi genitali (il naso come fallo, la bocca come vagina), ricordando la scultura neolitica e africana. Durante le vacanze estive a Juan-les-Pins, realizza una serie di disegni e incisioni lirici ed erotici, che costituiscono la base per le incisioni della sezione "Lo studio dello scultore" della Suite Vollard. Dipinge anche alcuni piccoli quadri a olio della Villa Chêne-Roc, dove soggiorna. In autunno torna al suo lavoro di scultore.

La polarizzazione politica si diffonde in tutta Europa; in Spagna viene proclamata la Seconda Repubblica, la cui costituzione, nonostante le libertà acquisite, non riesce a trovare un accordo in settori chiave con la destra conservatrice, profondamente radicata nelle aree rurali, e con la Chiesa cattolica, che viene privata delle scuole e delle sovvenzioni pubbliche; nel resto d'Europa si assiste all'ascesa di governi totalitari, in particolare il fascismo in Germania e in Italia e lo stalinismo in Unione Sovietica. Il tutto in un contesto di depressione economica mondiale.

Il 25 ottobre 1931 Picasso compie cinquant'anni e pubblica per Albert Skira a Losanna le Metamorfosi di Ovidio, un totale di quindici incisioni a pagina intera e altre quindici a mezza pagina a cui aveva lavorato dall'anno precedente. In questa serie di incisioni Picasso si rifà alla semplicità del disegno classico, raffigurando chiaramente gli oggetti e gli esseri, come aveva fatto nella Lisistrata di Aristofane, pubblicata nel 1934. Il 12 novembre Ambroise Vollard pubblica Il capolavoro sconosciuto di Balzac, con tredici incisioni di Picasso, in cui sottolinea il tema dell'artista e della modella. Nel romanzo, Balzac pone il conflitto dell'artista tra il completamento dell'opera e il raggiungimento della perfezione, che si riflette nell'acquaforte della serie intitolata Pittore e modella che lavorano a maglia, in cui il pittore trasforma il motivo prosaico in un'elegante calligrafia curvilinea.

Nel dicembre 1931 dipinge Lo scultore (Musée Picasso, Parigi) sul tema dell'artista e della modella, rivelando la natura del rapporto tra Picasso e Marie-Thérèse; lo scultore contempla il busto che ha creato, con il caratteristico profilo classico, mentre la modella siede sullo sfondo, subordinata all'artista e all'opera creata. Inizia anche una serie di ritratti di Marie-Thérèse su un divano, dove il suo giovane amante emerge dai margini per occupare una posizione centrale di "imperturbabile grandezza e sicurezza". Dipinse anche Donna con lo stiletto (Morte di Marat), che, secondo la fonte storica, riflette il crescente risentimento verso la gelosia e la possessività di Olga.

Nel marzo 1932 completa la serie delle donne addormentate con Giovane donna davanti allo specchio (MoMA, New York), che combina il contorno nero e le forme organiche delle grandi nature morte del 1931 in una delle immagini più simboliche e "multi-evocative" di Marie-Thérèse create da Picasso.

In giugno è stata presentata una retrospettiva alle Galeries Georges Petit di Parigi, con duecentoventicinque dipinti, sette sculture e sei libri illustrati selezionati dallo stesso Picasso, che vanno dal Periodo blu agli ultimi ritratti del 1932. La reazione della critica non è stata positiva, variando da cauta a negativa. Sembra che durante questa mostra Olga abbia scoperto l'esistenza di Marie-Thérèse, provocando "scene incandescenti" di gelosia da parte sua, anche se il confronto tra le due donne che Picasso temeva non si verificò. La mostra è stata ripetuta a settembre alla Kunsthaus Zürich.

Mentre Olga e Pablo trascorrono l'estate a Juan-les-Pins, Picasso la trascorre a Boisgeloup con Marie-Thérèse, dove continua a lavorare su nudi addormentati, scene di spiaggia e alcune piccole sculture. Ha inoltre realizzato diversi disegni della serie Crucifissione di Grünewald. Al suo ritorno a Parigi, in autunno, prosegue con i ritratti di Maria Teresa sul divano e con i disegni della Crocifissione di Grünewald. In ottobre, Christian Zervos ha iniziato la pubblicazione di un catalogo ragionato (tra il 1932 e il 1974 sono apparsi ventotto volumi, con oltre 16.000 opere).

Sebbene Picasso avesse già affrontato il tema in un collage del 1928, il periodo tra il 1933 e il 1938 fu il periodo del Minotauro, in cui questa figura mitica apparve ripetutamente nelle sue opere, insieme ad altri temi classici. Picasso trovò nella donna torero un modo pittorico per riflettere i suoi conflitti con Marie-Thérèse e Olga, e nel Minotauro, la bestia consapevole della sua bestialità, una personificazione del suo conflitto con quella situazione, della sua scissione tra desiderio e responsabilità morale. Il primo numero del Minotauro, con una copertina di Picasso, apparve nel maggio 1933. Trascorre le vacanze estive del 1933 a Cannes con Olga e Pablo. A settembre dipinge La morte di un torero a Boisgeloup.

Dal giugno al settembre 1934 realizza una serie di dipinti, disegni e incisioni sulla corrida. In agosto si reca in Spagna con Olga e Pablo e assiste alle corride di Burgos e Madrid. Ha visitato il Museo d'Arte Catalana di Barcellona. Ha realizzato le sculture Femme au feuillage e Femme à l'orange. Nella primavera del 1935, la galleria Pierre espone i papiers collés. Ha inciso Minotauromaquia. In giugno si separa da Olga e in ottobre nasce Maya Picasso, la figlia avuta da Marie-Therese Walter.

Ha realizzato i disegni ad acqua e altri sul tema del Minotauro. Nello stesso anno, all'inizio della guerra civile spagnola, fu nominato direttore del Museo del Prado di Madrid. All'inizio di agosto Picasso parte per Mougins e incontra Dora Maar.

Guernica e il pacifismo

Nel gennaio 1937 l'architetto catalano Josep Lluís Sert gli chiede di collaborare alla realizzazione di un grande murale per il padiglione della Seconda Repubblica spagnola all'Esposizione Internazionale di Parigi. Il governo eletto del Paese rischiava di essere sconfitto durante la guerra civile spagnola dai ribelli militari di Franco, sostenuti dalla Germania nazista e dall'Italia fascista. La Repubblica sperava di mostrare al mondo che erano loro a rappresentare il popolo spagnolo e le sue conquiste. Picasso, che nel 1936 aveva accettato l'invito dell'allora presidente della repubblica Manuel Azaña a diventare direttore onorario del Museo del Prado di Madrid, all'inizio era riluttante, sia per le dimensioni del progetto sia perché non aveva mai accettato una commissione di natura propagandistica. A febbraio Dora Maar trova uno studio molto grande al 7 di rue des Grands-Augustins, dove Picasso può realizzare il progetto.

Nello stesso anno realizza Il sogno e la menzogna di Franco, due incisioni dal formato simile a quello dei fumetti o degli alleluia spagnoli, per un totale di diciotto scene, destinate a essere riprodotte come stampe o cartoline, in cui denuncia il colpo di Stato fascista e sottolinea i crimini della guerra, raffigurando Franco come una figura malvagia e grottesca. Picasso iniziò a incidere queste immagini l'8 gennaio, il che significa che poté idearle di sua iniziativa prima di ricevere la commissione per Guernica. Terminò le tavole in giugno e l'insieme fu pubblicato a beneficio della Repubblica, insieme a una sua poesia (Fandango de lechuzas).

Il 26 aprile 1937 la Legione Condor tedesca bombardò Guernica su richiesta di Franco. Picasso, che fino a quel momento non era stato molto chiaro sul soggetto del dipinto, fu ispirato da questo evento a sviluppare il murale per il padiglione della Seconda Repubblica, e il 1° maggio intraprese la creazione di una delle sue opere più famose: Guernica (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), che fu infine esposta nel padiglione spagnolo dell'Esposizione Internazionale. Dora Maar fotografò il processo e le diverse fasi del dipinto, che Picasso completò all'inizio di giugno. Il dipinto simboleggia tutto l'orrore della guerra e la tragedia della morte di molte vittime innocenti.

Sempre contro la guerra, nel 1949 dipinse la famosa Colomba della Pace, in occasione della sua adesione al Consiglio Mondiale della Pace. Nel 1955 gli è stato conferito il Premio Internazionale per la Pace.

Dall'ottobre al dicembre 1937 dipinge La donna che piange (Parigi, Musée Picasso). Nel 1938 realizza un grande collage, Les Femmes à leur toilette (Parigi, Musee National d'Art Moderne). Nel luglio 1938 si reca a Mougins con Dora Maar. Nel luglio 1939 si reca con Dora Maar a vivere con Man Ray ad Antibes, dove realizza Pêche de nuit à Antibes (Museum of Modern Art, New York). Dal settembre 1939 all'inizio del 1940 dipinge Séquence de femmes au chapeau a Royan.

Nel 1941 scrisse un'opera teatrale di stampo surrealista, Desiderio preso per la coda, di cui diede una lettura nel marzo 1944 a casa di Michel Leiris con gli amici Simone de Beauvoir, Jean-Paul Sartre, Albert Camus, Louise Leiris e Pierre Reverdy tra gli altri. La prima dell'opera avvenne nel luglio del 1967. Ha scritto anche altre due opere letterarie: Le quattro bambine e La sepoltura del conte Orgaz.

Tra il 1942 e il 1943 realizza gli assemblaggi Testa di toro (Parigi, Musée Picasso), La Aubade (Parigi, Musee National d'Art Moderne), L'Homme au mouton (Parigi, Musée Picasso). Incontra Françoise Gilot nel maggio del 1943.

Impegno nel Partito Comunista

Dopo la fine della Seconda guerra mondiale, i suoi dipinti diventano più ottimisti, più allegri, mostrando, come recita il titolo di una serie del 1946, La joie de vivre sentita in quel momento. Picasso vive con Marie-Therese durante l'insurrezione di Parigi dell'agosto 1944. In ottobre si iscrive al Partito Comunista Francese e sempre in ottobre inaugura il Salon d'Automne e la retrospettiva di Picasso. L'Ossario (New York, Museum of Modern Art) è stato dipinto nell'aprile e nel maggio 1945, sulla base del ricordo del ritrovamento, nel dicembre 1944, del corpo dell'amico giustiziato, il giovane poeta surrealista Robert Rius.

A luglio Picasso parte con Dora Maar per Cap d'Antibes e il 26 novembre Françoise torna a vivere con Picasso. Dopo la guerra, la cerchia di amici di Picasso era composta da artisti e intellettuali comunisti, che in un certo senso segnarono almeno in parte la sua opera tra il 1946 e il 1953.

Periodo di Vallauris

Nel 1946 Picasso e Françoise vanno a vivere a Golfe-Juan, mentre lui va a trovare Matisse a Nizza. All'inizio di luglio si reca a Ménerbes (Vaucluse) con Françoise, nella casa che aveva dato a Dora Maar. Riceveva quotidianamente lettere da Marie-Thérèse. Françoise è infelice e se ne va dopo tre settimane per raggiungere Marsiglia in autostop con degli amici; Picasso la incontra lungo la strada e le chiede di tornare, suggerendole di avere un figlio. Visitano Vallauris, dove lei modella tre pezzi di ceramica nel laboratorio di Madoura di Georges Ramié. Al ritorno a Golfe-Juan, in agosto, Françoise è incinta. Picasso aveva incontrato Romual Dor de la Souchère, curatore del Musée d'Antibes, a Palazzo Grimaldi, ma preferì decorare il museo; tra settembre e ottobre dipinse ventidue pannelli per il palazzo, poi diventato il Musée Picasso di Antibes, con temi marini e composizioni mitologiche. Gli studi sui fauni e sulle figure classiche culminano nel trittico La joie de vivre (Pastorale) (Musée Picasso, Antibes), titolo preso in prestito dall'amico Matisse, per un dipinto che riflette la felicità condivisa in quel periodo con Françoise. In ottobre incontra Breton, appena tornato dall'esilio negli Stati Uniti, al primo Festival di Cannes. Breton, che si era rifiutato di salutarlo in agosto quando si erano incontrati a Golfe-Juan, snobba nuovamente Picasso a causa della sua affiliazione al Partito Comunista; i due non si rivedono più. Questo gesto prelude alla violenta rottura tra i surrealisti e il comunismo a partire dal 1947.

Nel 1947 lavora a nature morte con il tema Gufo su una sedia e a incisioni di fauni, centauri e baccanti, seguendo il tema dell'estate ad Antibes; alla fine di gennaio termina l'olio Monumento ai morti spagnoli per la Francia (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), iniziato alla fine del 1945. A febbraio inizia la serie di quarantuno acqueforti e acquetinte per l'edizione di Luis de Góngora y Argote: Vingt Poèmes (Venti poesie), pubblicata a Parigi da Les Grands nel 1949. Alla fine di marzo realizza alcune litografie sul David e Betsabea di Lucas Cranach il Vecchio (1472-1553). Il 15 maggio nasce a Parigi il figlio Claude, nome scelto da Françoise in onore di Claude Gillot, maestro di Watteau. I due coniugi trascorrono sempre meno tempo nell'atelier parigino e sempre più a Golfe-Juan, dove si trasferiscono con il bambino alla fine di giugno; in agosto tornano nell'atelier di Georges Ramié a Vallauris e iniziano un'intensa produzione, circa duemila pezzi tra l'ottobre 1947 e il 1948, introducendo innovazioni formali, tecniche e coloristiche che portano a una rivitalizzazione dell'industria ceramica del paese, in declino dalla prima guerra mondiale. In pittura e incisione realizza poche opere solo fino alla fine dell'anno; continua a lavorare alle incisioni per i Vingt Poèmes de Góngora, ad alcuni ritratti di Françoise e a nature morte. A dicembre ha curato le scenografie dell'Edipo Re di Sofocle, per la regia di Pierre Blanchar.

Nella primavera del 1948 Picasso e Françoise lasciano il loro appartamento a Golfe-Juan e in maggio iniziano a lavorare a una serie di trentotto acqueforti e quattro acquetinte per illustrare la Carmen di Prospero Mérimée (Parigi, La Bibliothèque Française), che completano in novembre. In estate si trasferirono in una piccola casa chiamata La Galloise, sulle colline che circondano Vallauris. Françoise instaura un dialogo artistico aperto con Matisse, attraverso la corrispondenza e le visite all'artista. Picasso completa il poema in sei atti Les Quatre Petites Filles, iniziato a scrivere nel novembre 1947. Il 25 agosto Picasso si reca al Congresso degli intellettuali per la pace di Breslavia e rientra a Vallauris a metà settembre. In ottobre torna nel suo studio di Parigi, con Françoise di nuovo incinta. Inizia a lavorare sul tema della donna-fiore e su diverse nature morte. Dipinge due versioni de La Cuisine (La cucina), una al Musée Picasso di Parigi e l'altra al MoMA di New York, composizioni lineari costruite da ritmi e linee forti, con scarso uso del colore. A dicembre dipinge alcuni ritratti del figlio Claude e stampa ventisette modelli di Femme assise dans un fauteuil, una serie in cui Françoise indossa un cappotto che Picasso le ha portato dalla Polonia, che prosegue nel gennaio del 1949. Continua inoltre a lavorare a nature morte con crostacei: Nature morte au poron (Natura morta con un porrone, Galerie Fabien Boulakia), Le grand homard rouge (La grande aragosta rossa, collezione privata).

Nel febbraio del 1949 Louis Aragon si reca nello studio parigino di Picasso per scegliere un disegno per il manifesto del Congresso mondiale dei partigiani per la pace che si terrà a Parigi nell'aprile dello stesso anno. La colomba, un disegno a matita blu su carta, fu il motivo scelto da Aragona e l'immagine divenne presto nota come Colomba della Pace.

A marzo inizia una serie di dipinti di Françoise seduta, intitolata Femme assise (Donna seduta). In primavera torna per un breve periodo a Vallauris e acquista una fabbrica di essenze abbandonata per utilizzarla come studio e utilizza alcune stanze per conservare i suoi lavori in ceramica. Comincia anche a raccogliere oggetti e cianfrusaglie, che poi riutilizzerà in vari pezzi. Intensifica il lavoro di scultura, che aveva ripreso l'anno precedente: Femme enceinte (Donna incinta) rappresenta una forma femminile a partire da una lunga asta di metallo, a cui aggiunge due braccia sopra e due gambe sotto, e un ventre gonfio con due piccoli seni al centro. Realizza ancora una serie di opere ispirate ai dipinti di Lucas Cranach il Vecchio: le litografie Vénus et l'Amour (Jeune fille inspirée par Cranach (Ragazza ispirata da Cranach), di proprietà di Christie's, e David et Bethsabée (Cranach) VII (David e Betsabea (Cranach) VII), conservate al Musée Picasso di Parigi. Le variazioni di Picasso sul David e Betsabea di Cranach sono nate da una riproduzione in bianco e nero del catalogo di una mostra sull'artista tenutasi a Berlino nel 1937, che Kahnweiler gli aveva regalato.

Il 19 aprile 1949, il giorno dell'apertura del Congresso della Pace, nacque la sua seconda figlia, che decise di chiamare Paloma in onore del simbolo che aveva creato per i manifesti apparsi in tutte le strade di Parigi. Dopo il parto, Françoise riprende la sua attività di pittrice e Kahnweiler le offre un contratto per diventare il suo mercante d'arte esclusivo. Picasso si dedica nuovamente alla pittura, lasciando da parte la ceramica e concentrando la sua ispirazione sui figli Claude e Paloma. La famiglia torna a Vallauris in autunno e Picasso, perso un po' di interesse per la ceramica, torna alla pittura e alla scultura in modo più concentrato, producendo diversi bronzi, alcuni con motivi africani. Durante l'anno successivo la scultura occupa la maggior parte del suo tempo.

Il 6 agosto 1950 Laurent Casanova inaugura a Vallauris la mostra L'Homme au mouton. Picasso dipinse La capra, Donna con carrozzina e Ragazza che salta la corda. Il 15 gennaio 1951 dipinge Massacro in Corea. Nel 1952, disegnando Guerra e pace per decorare la cappella di Vallauris, scrive una seconda opera teatrale: Les Quatre Petites Filles.

Nell'aprile 1954 dipinge i ritratti di Sylvette David. A dicembre inizia la serie di variazioni su Le donne di Algeri di Delacroix. Nel maggio 1955 va a vivere con Jacqueline Roque nella villa La California a Cannes. A giugno si è tenuta una retrospettiva al Musée des Arts Décoratifs. Durante l'estate lavora con Henri-Georges Clouzot per il film Picasso Mystère.

Nel 1956 ha realizzato Le bagnanti, sculture in legno (Stoccarda, Staatsgalerie) che sono state successivamente scolpite in bronzo. Ha dipinto Il laboratorio della California. Il 17 agosto 1957 inizia a lavorare a una serie di 58 interpretazioni di Las Meninas (Barcellona, Museo Picasso). Il 29 marzo 1958 presenta la decorazione per l'Unesco: La caduta di Icaro. A settembre Picasso acquista il castello di Vauvenargues e dipinge La baia di Cannes.

Il 2 marzo 1961 sposa Jacqueline a Vallauris e in giugno si trasferisce a Notre-Dame-de-Vie a Mougins (vicino a Cannes). Ha dipinto: La Femme aux bras écartés, La silla, La mujer y los niños, Los Futbolistas. Nel novembre 1962 dipinge Il ratto delle Sabine, una versione del quale si trova al Musée National d'Art Moderne di Parigi. L'inaugurazione della retrospettiva al Grand Palais e al Petit Palais ebbe luogo il 19 novembre 1966.

Nel gennaio 1970, il Museo Picasso di Barcellona ha ricevuto in donazione le opere conservate dalla sua famiglia. Una mostra delle sue opere si è tenuta al Palais des Papes di Avignone da maggio a ottobre. Nell'aprile 1971 la Galleria Louise Leiris espone 194 disegni realizzati tra il 15 dicembre 1969 e il 12 gennaio 1971. Una nuova mostra alla Galleria Louise Leiris nel gennaio 1973, che presenta 156 acqueforti realizzate tra la fine del 1970 e il marzo 1972.

La morte

Nel 1973, all'età di novantuno anni, morì di edema polmonare nella sua casa di Mougins, in Francia. Tuttavia, le autorità locali non gli permisero di essere sepolto nella villa e la moglie Jacqueline decise di seppellirlo nel castello di Vauvenargues, anch'esso di proprietà di Picasso, dove sarebbe stata sepolta anni dopo.

Fonti

1. Pablo Picasso
2. Pablo Picasso
3. Oficialmente el museo no fue inaugurado hasta 1916, pero lo cierto es que desde 1866 se fue promoviendo su creación, y desde entonces hasta el primer cuarto del siglo XX tuvo una vida muy inestable, careciendo además de sede fija.
4. Durante este tiempo, el imperio colonial francés fue expandiéndose por África, y los museos de París se llenaron de los artefactos que los franceses traían de vuelta de África.La prensa se hacía eco con exageradas historias de canibalismo y exóticos cuentos sobre el reino africano de Dahomey. También se hablaba del maltrato de los africanos en el Congo belga con el popular libro El corazón de las tinieblas (1899) de Joseph Conrad.Es natural, por lo tanto, que este clima de interés por África sirviese de inspiración para algunos de sus trabajos, interés quizás también provocado por Henri Matisse, quien le mostró una máscara de la región africana de Dan. Los estudiosos sostienen que Matisse compró esta pieza en la tienda de artefactos no-occidentales de Emile Heymenn en París.
5. Ambroise Vollard compró el estudio de Picasso y la pareja se repartió el dinero; a mediados de septiembre, Fernande habitaba su propio apartamento.
6. Las obras de arte habían sido trasladadas a un lugar seguro, y Picasso comentó Entonces, ¡soy el director de un museo vacío!
7. Pablo Picasso: Ambroise Vollard (1910), pablopicasso.org
8. Les Trois Danseuses, Juni 1925, 215 × 142 cm, Öl auf Leinwand, Tate Gallery, London
9. ^ a b Picasso's full name includes various saints and relatives. According to his birth certificate, issued on 28 October 1881, he was born Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso.[2] According to the record of his baptism, he was named Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Crispín Cipriano (other sources: Crispiniano) de la Santísima Trinidad María de los Remedios Alarcón y Herrera Ruiz Picasso.[3][2][4] He was named Juan Nepomuceno after his godfather, a lawyer, friend of the family, called Juan Nepomuceno Blasco y Barroso.[2] He was named Crispín Cipriano after the twin saints celebrated on 25 October, his birth date.[3] Nepomuceno's wife and Picasso's godmother, María de los Remedios Alarcón y Herrera, was also honored in Picasso's baptismal name.[2]
10. ^ His name is pronounced UK: /ˈpæbloʊ pɪˈkæsoʊ/, US: /ˈpɑːbloʊ pɪˈkɑːsoʊ, -ˈkæs-/,[5][6][7] or Spanish: [ˈpaβlo piˈkaso].
11. « https://www.siv.archives-nationales.culture.gouv.fr/siv/POG/FRAN_POG_05/p-lrts2g78--82a7f7ite93y »
12. Cité dans le Projet en ligne Picasso, qui se réfère à Robinson, 1999, p. 10, et Habarta, 2000, p. 77.
13. a et b Robert Maillard et Frank Elgar, « Picasso », étude de l'œuvre et étude biographique, Fernand Hazan, Paris, 1955, p. 2.
14. « Il y a quelques années, les critiques s'étaient avisés que le nom de Picasso avait une résonance italienne, le double s n'existant pas en espagnol. Le fait qu'il y ait eu au XIXe siècle un peintre réputé à Gênes du nom de Matteo Picasso contribuait à rendre la légende crédible. Aujourd'hui, on se souvient simplement que le double s se rencontre dans les vieux écrits castillans. Quant à la version italienne de ce nom, elle aurait été plutôt Picazzo ou Picazo. »