Resumen

Salvador Dalí i Domenèch, Marqués de Dalí de Púbol, nacido en Figueras el 11 de mayo de 1904 y fallecido en la misma ciudad el 23 de enero de 1989, fue un pintor, escultor, grabador, guionista y escritor catalán de nacionalidad española. Está considerado uno de los principales representantes del surrealismo y uno de los pintores más famosos del siglo XX.

Influido por el Impresionismo desde muy joven, abandonó Figueras para recibir una educación artística académica en Madrid, donde trabó amistad con Federico García Lorca y Luis Buñuel y buscó su estilo entre diferentes movimientos artísticos. Aconsejado por Joan Miró, se traslada a París tras sus estudios y se une al grupo surrealista, donde conoce a su esposa Gala. Encontró su propio estilo a partir de 1929, cuando se convirtió en un surrealista de pleno derecho e inventó el método paranoico-crítico. Excluido del grupo unos años más tarde, vivió la Guerra Civil española en el exilio en Europa, antes de abandonar Francia en la guerra y marcharse a Nueva York, donde vivió ocho años e hizo fortuna. A su regreso a Cataluña en 1949, se orientó hacia el catolicismo, se acercó a la pintura renacentista y se inspiró en los avances científicos de su época para desarrollar su estilo hacia lo que denominó "misticismo corpuscular".

Sus temas más frecuentes eran los sueños, la sexualidad, la comida y su esposa Gala y la religión. La persistencia de la memoria es uno de sus cuadros surrealistas más famosos, Cristo de San Juan de la Cruz es una de sus principales obras de motivo religioso. Artista muy imaginativo, mostró una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, lo que le permitió atraer la atención del público, pero irritó a algunos en el mundo del arte, que veían en este comportamiento una forma de publicidad que a veces iba más allá de su obra. Durante su vida se le dedicaron dos museos, el Museo Salvador Dalí y el Teatro-Museo Dalí. El propio Dalí creó esta última como una obra surrealista en toda regla.

La simpatía de Dalí por Francisco Franco, su excentricidad y sus obras tardías hacen que el análisis tanto de su obra como de su persona sea difícil y controvertido.

Infancia

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech nació en el número 20 de la calle Monturiol. Esta región, el Ampurdán, con el puerto de Cadaqués, sirvió de "telón de fondo, soporte y telón de escena" para su obra. Su padre, Salvador Dalí y Cusi (1872-1952) era notario. Su madre fue Felipa Domènech Ferrés y Born (1874-1921). Nació nueve meses después de la muerte de su hermano, también llamado Salvador (1901-1903), que falleció de una gastroenteritis infecciosa. Cuando tenía cinco años, sus padres le llevaron a la tumba de su hermano y le dijeron -según relató- que era la reencarnación de su hermano. Se dice que esta escena le dio la sensación de ser una copia de su hermano, así como el miedo a la tumba de éste y el deseo de demostrar su singularidad en el mundo.

"Nací doble. Mi hermano, el primer intento de mí mismo, un genio extremo y por tanto inviable, aún había vivido siete años antes de que sus circuitos cerebrales acelerados se incendiaran."

Su padre es descrito como autoritario o más bien liberal, según la fuente. En cualquier caso, aceptó sin demasiada dificultad que su hijo emprendiera la carrera de las artes, animado por el renacimiento artístico de Cataluña a principios de siglo. Su madre compensó en cierto modo este carácter autoritario, apoyando el interés artístico de su hijo, tolerando sus rabietas, sus enuresis, sus sueños y sus mentiras.

Dalí también tenía una hermana, Ana María, cuatro años menor. En 1949 publica un libro sobre su hermano, Dalí visto por su hermana. Durante su infancia, Dalí entabló amistad con futuros jugadores del FC Barcelona, como Emilio Sagi-Barba o Josep Samitier. Durante las vacaciones, el trío jugó al fútbol en Cadaqués. En 1916, descubrió la pintura contemporánea durante una visita familiar a Cadaqués, donde conoció a la familia del pintor impresionista Ramón Pichot, un artista local que viajaba regularmente a París, la capital del arte de la época.

Por consejo de Pichot, su padre le envió a tomar clases de pintura con Juan Núñez en la escuela municipal de grabado. Al año siguiente, su padre organizó una exposición de sus dibujos a lápiz en la casa familiar. A los catorce años, en 1919, Dalí participa en una exposición colectiva de artistas locales en el teatro municipal de Figueras, donde varios de sus cuadros llaman la atención de dos célebres críticos: Carlos Costa y Puig Pujades. También participó en una segunda exposición colectiva en Barcelona, patrocinada por la Universidad, en la que recibió el Premio del Rector. La influencia impresionista se aprecia claramente en los cuadros de Dalí hasta 1919. La mayoría de ellos fueron realizados en Cadaqués, inspirándose en el pueblo y en sus escenas de la vida cotidiana.

Al final de la Primera Guerra Mundial, se unió a un grupo de anarquistas y puso sus miras en el desarrollo de la revolución marxista. Al año siguiente, en 1919, cuando cursaba su último año en el Instituto Ramón Muntaner, publicó con varios de sus amigos una revista mensual, Studium, que incluía ilustraciones, textos poéticos y una serie de artículos sobre pintores como Goya, Velázquez y Leonardo da Vinci. En 1921, junto con unos amigos, funda el grupo socialista Renovació Social.

En febrero de 1921 muere su madre de cáncer de útero. Dalí tenía entonces 16 años. Más tarde dijo: (fue) "el golpe más duro que recibí en mi vida. La adoraba. No podía resignarme a la pérdida de un ser con el que pretendía hacer invisibles las inevitables manchas de mi alma". Posteriormente, el padre de Dalí contrajo segundas nupcias con la hermana de la difunta, que Dalí nunca aceptó. Obtiene el bachillerato en 1922.

Juventud en Madrid

En 1922 Dalí se traslada a la famosa residencia de estudiantes de Madrid para iniciar sus estudios en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Enseguida llamó la atención por su excéntrico carácter de dandi. Llevaba el pelo largo y con patillas, una gabardina y calcetines gruesos de estilo victoriano. Sin embargo, fueron sus cuadros, que Dalí tiñó de cubismo, los que más llamaron la atención de sus convecinos, especialmente de aquellos que se convirtieron en figuras del arte español: Federico García Lorca, Pepín Bello, Pedro Garfias, Eugenio Montes, Luis Buñuel (a cuya cofradía se unió), la Orden de Toledo y, en general, la generación del 27. En aquella época, sin embargo, es posible que Dalí no comprendiera del todo los principios cubistas. De hecho, sus únicas fuentes fueron artículos publicados en la prensa -L'Esprit Nouveau- y un catálogo que le entregó Pichot, ya que en aquella época no había pintores cubistas en Madrid. Aunque sus profesores estaban abiertos a lo nuevo, iban por detrás del alumno: adaptaban el impresionismo francés a temas hispánicos, un enfoque que Dalí había superado el año anterior.

Dalí se dedicó, junto con Lorca y Buñuel, al estudio de los textos psicoanalíticos de Sigmund Freud. Consideraba el psicoanálisis uno de los descubrimientos más importantes de su vida. Acusado erróneamente de dirigir una agitación en Cataluña, fue expulsado de la academia en 1923 y encarcelado del 21 de mayo al 11 de junio. El motivo de su detención parece estar relacionado con la denuncia de fraude electoral presentada por el padre de Dalí tras el golpe de Primo de Rivera. Dalí regresa a la Academia al año siguiente.

En 1924, aún desconocido, Salvador Dalí ilustró por primera vez un libro. Se trata de la publicación del poema catalán Les Bruixes de Llers (Las Brujas de Llers) de uno de sus amigos de la residencia, el poeta Carles Fages de Climent. Dalí pronto se familiarizó con el dadaísmo, una influencia que le marcó para el resto de su vida. En la residencia rechazó las insinuaciones amorosas del joven Lorca, que le dedicó varios poemas:

"Era homosexual, todo el mundo lo sabe, y estaba locamente enamorado de mí. A veces intentaba acercarse a mí... y yo me sentía muy avergonzado, porque no era homosexual y no estaba dispuesto a ceder.

- Salvador Dalí; conversaciones con Alain Bosquet

Los dos artistas se hicieron amigos. Junto a Maruja Mallo y Margarita Manso, también alumnas de la Escuela de Bellas Artes, participaron en el episodio fundacional del movimiento feminista Las Sinsombrero en la Puerta del Sol, llamado así por el gesto de quitarse el sombrero en público, un acto entonces reservado a los hombres en el Madrid de los años veinte. Es probable que cada uno de los jóvenes encontrara en el otro una pasión por el descubrimiento estético que coincidía con sus propios deseos. Las peticiones del escritor llegaron en un punto de inflexión en la obra de Dalí, que veía en ellas un eco de sus investigaciones sobre el inconsciente. Dadas las afabulaciones de Dalí, probablemente nunca sabremos cuál era su relación, aunque los dos artistas se retrataran "cariñosamente". Los cuadros de esta época están marcados por el onanismo del pintor, que afirmaba haber permanecido virgen antes de su encuentro con Gala. Dalí recibe la visita de Federico García Lorca en noviembre de 1925 en Cadaqués, y ese mismo año Dalí celebra su primera exposición individual en Barcelona, en la Galería Dalmau, donde presenta Retrato del padre del artista y Muchacha en la ventana.

A finales de 1926, la misma galería expone otras obras de Dalí, entre ellas La cesta de pan, pintada durante ese año. Este fue el primer cuadro del artista que se expuso fuera de España, en 1928, en la exposición Carnegie de Pittsburgh. Su dominio de los medios pictóricos queda impecablemente reflejado en esta obra realista. Las primeras críticas de Barcelona fueron calurosas. Para uno de ellos, si este "niño de Figueras" volvió la cara hacia Francia, "es porque puede hacerlo, porque sus dones de pintor, que Dios le ha dado, deben fermentar". ¿Qué importa si Dalí utiliza el lápiz de mina de Ingres o la gruesa madera de las obras cubistas de Picasso para avivar las llamas? Posteriormente, Dalí fue expulsado de la Academia en octubre de 1926, poco antes de sus exámenes finales, por haber declarado que nadie estaba en condiciones de examinarlo.

París, boda con Gala

En 1927, probablemente a principios de año, Dalí visita París por primera vez, con dos cartas de recomendación para Max Jacob y André Breton. Según él, este viaje "estuvo marcado por tres visitas importantes: Versalles, el Museo Grévin y Picasso", a quien el joven Dalí admiraba profundamente. Picasso ya había recibido comentarios elogiosos sobre Dalí de Joan Miró.

Pablo Picasso era 23 años mayor que él. Dalí contó que durante este encuentro le mostró uno de sus pequeños cuadros, La chica de Figueres, que Picasso contempló durante un cuarto de hora, y luego Picasso hizo lo mismo con muchos de los suyos, sin mediar palabra. Añadió que cuando llegó la hora de marcharse, "en el umbral de la puerta, intercambiamos una mirada que decía: '¿Entendido? - Entendido!".

Picasso siguió siendo una referencia constante para Dalí, admirado y rival. En su Análisis daliniano de los valores comparativos de los grandes pintores, atribuye 20

Con el tiempo, Dalí desarrolló su propio estilo y, a su vez, se convirtió en un punto de referencia y un factor influyente en la pintura de estos artistas. Algunas de las características de la pintura de Dalí en aquella época se convirtieron en las señas de identidad de su obra. Absorbió las influencias de diversas corrientes artísticas, desde el academicismo y el clasicismo hasta las vanguardias. Entre sus influencias clásicas figuran Rafael, Bronzino, Zurbarán, Vermeer y, por supuesto, Velázquez, cuyo bigote torcido adoptó y se convirtió en su emblema. Alternaba técnicas tradicionales con métodos contemporáneos, a veces en la misma obra. Las exposiciones de este periodo atrajeron gran atención, provocaron debates y dividieron a la crítica. Su hermana menor, Anna-Maria, sirve a menudo de modelo durante este periodo, posando a menudo de espaldas frente a una ventana. En 1927, Dalí, con 23 años, alcanza su madurez artística, como demuestran sus obras La miel es más dulce que la sangre y Carne de ganso, la primera inspirada en su relación con Lorca y la segunda en su primer encuentro íntimo con Gala.

Unos meses más tarde, Luis Buñuel fue a Figueras, donde los dos amigos escribieron el guión de la película surrealista Un chien andalou antes de que Dalí regresara a París en 1928, acompañado por otro catalán, Joan Miró. Para Robert Descharnes y Gilles Néret, la película lanzó a Dalí y Buñuel "como un cohete". Para el pintor, fue "un puñal en el corazón del París espiritual, elegante y culto", y añadió que la película fue aplaudida por un "público mudo que aplaude todo lo que parece nuevo y extraño".

Tras la visita de René Magritte y Paul Éluard a Cadaqués en el verano de 1929, y por consejo de Joan Miró, Dalí se une al surrealismo. A su regreso a París, comienza a frecuentar el grupo surrealista formado por Hans Arp, André Breton, Max Ernst, Yves Tanguy, René Magritte, Man Ray, Tristan Tzara y Paul Éluard y su esposa Helena, conocida por todos como Gala. Nacida con el nombre de Elena Ivanovna Diakonova, era una emigrante rusa de la que Dalí se enamoró, y que fue seducida por este hombre diez años más joven que ella. Aunque Dalí afirmaba ser completamente impotente y virgen, su obra refleja su obsesión sexual. En particular, representaba el deseo en forma de cabezas de león.

Gala era su musa. Ocupó el lugar de su familia, organizó sus exposiciones y vendió sus cuadros. En diciembre, a causa de su aventura con Gala -una mujer casada-, Salvador Dalí se enemista con su padre y su hermana Anna-Maria. La leyenda de un grabado mal interpretado completa el cuadro de un hijo enfrentado a su familia. El crítico de arte Eugenio d'Ors informó en un periódico de Barcelona de que Dalí había mostrado al grupo surrealista un cromo que representaba el Sagrado Corazón, en el que estaba escrito "a veces escupo por placer sobre el retrato de mi madre", lo que provocó la ira de su padre y obligó a Dalí a marcharse. Gala y él pasaron los años 1930 a 1932 en París. Sin embargo, los primeros meses fueron difíciles, ya que sus cuadros se vendían mal y la pareja vivía con muy poco. Pero el pintor se hizo un nombre en París, donde frecuentaba tanto las cenas sociales como los círculos surrealistas. En 1930, al no poder instalarse en Cadaqués por la hostilidad de su padre, Dalí y Gala compran una pequeña casa de pescadores a unos cientos de metros de Cadaqués, en primera línea de mar, en la pequeña cala de Portlligat. A lo largo de los años, con la ayuda de la fortuna, transformó su propiedad en una suntuosa villa, hoy convertida en museo. El paisaje de la pequeña cala se convirtió en una referencia pictórica permanente en la obra del pintor, que decía: "Aquí sólo estoy en casa, en todos los demás sitios sólo estoy de paso". Gala y Dalí se casaron por lo civil en 1934, antes de hacerlo por lo religioso en 1958.

En 1931 Dalí pintó uno de sus lienzos más famosos, La persistencia de la memoria, también conocido como Los relojes blandos, que, según algunas teorías, ilustra su rechazo del tiempo como entidad rígida o determinista. Dalí, "en un patético deseo de eternidad, convierte el tiempo del reloj, es decir, el tiempo mecánico de la civilización, en un material blando y dúctil que también se puede comer a la manera de un camembert corrido. Esta idea es desarrollada por otras figuras de la obra, como el gran paisaje o ciertos relojes de bolsillo que son devorados por insectos. Por otra parte, los insectos forman parte del imaginario daliniano como entidad destructiva natural y, según explica el pintor en sus memorias, son una reminiscencia de su infancia.

Dalí y el grupo surrealista

Dalí sigue exponiendo regularmente y se une oficialmente al grupo surrealista del barrio parisino de Montparnasse. En octubre y noviembre de 1933 participa en el 6º Salon des Surindépendants con miembros del grupo.

Durante los dos años siguientes, su obra ejerció una fuerte influencia en el círculo surrealista, que le aclamó como creador del método paranoico-crítico, del que se decía que permitía acceder al subconsciente, liberando las energías artísticas creativas. Se trata, según el pintor, de un "método espontáneo de conocimiento irracional basado en la objetivación crítica y sistemática de asociaciones e interpretaciones delirantes". Breton rindió homenaje a este descubrimiento, que acababa de dotar a

"Es el método crítico paranoico que el Surrealismo ha demostrado ser capaz de aplicar a la pintura, la poesía, el cine, la construcción de objetos típicamente surrealistas, la moda, la escultura, la historia del arte e incluso, si fuera necesario, a cualquier tipo de exégesis.

- André Breton

En esta época, Dalí abandona temporalmente sus trabajos sobre imágenes de doble sentido, como El hombre invisible, mientras que las figuras de Guillermo Tell, Lenin, paisajes y figuras antropomórficas, el Ángelus de Millet, Vermeer y Hitler aparecen sistemáticamente en sus cuadros. Una actividad significativa de este periodo fue la creación de objetos surrealistas con el escultor Giacometti. Según Dalí, están dotados de un "mínimo de funcionamiento mecánico, basado en las fantasías y representaciones susceptibles de ser provocadas por la realización de actos inconscientes". Se mantuvo impermeable a los problemas de los surrealistas con la política, una "anécdota de la historia" según él. Molestó al grupo estudiando sistemáticamente a Hitler y "la esvástica tan antigua como el sol chino".

Si las diferencias políticas distanciaron poco a poco a André Breton y Louis Aragon, las provocadas por Dalí no tenían parangón. Para André Thirion, Dalí "no era marxista y no le importaba", pero entre los ensueños eróticos de Dalí con niñas de 12 años, que provocaron una reacción incluso en el Comité Central del Partido Comunista, y su obsesión por la figura de Hitler durante dos años, el pintor fue convocado a casa de Breton en enero de 1934, donde apareció vestido de enfermo, con un jersey y un termómetro en la boca. Una vez terminada la acusación de Breton, leyó su alegato en striptease, afirmando en un lenguaje florido que se limitaba a transcribir sus sueños -particulares- y que, a raíz de sus sueños, Breton y él serían pronto objeto de una representación homosexual. Fue expulsado tras esta reunión. Sin embargo, Dalí siguió colaborando con el grupo, que le necesitaba, sobre todo como agente publicitario, en Londres en 1936 con una escafandra, y en París en febrero de 1938, donde mostró su Taxi pluvieux, en el que dos maniquíes de escaparate recibían la lluvia entre ensaladas y caracoles de Borgoña.

A finales de 1933, su marchante Julien Levy expone 25 obras de Dalí en Nueva York. Este último se moría de ganas de conocer Estados Unidos. Las obras de Picasso ya se exponían allí, al contrario que en los museos franceses. Caresse Crosby, una rica norteamericana, le convenció fácilmente para que hiciera el viaje. Dalí y Gala viajaron a Nueva York por primera vez en 1934; Picasso les adelantó el dinero de los billetes. Los norteamericanos quedaron cautivados por la excentricidad del personaje y la audacia de un surrealismo con el que entonces casi no estaban familiarizados. Para gran desesperación de Breton, Dalí fue considerado el único auténtico surrealista, hecho que el pintor, triunfante y ebrio de megalomanía, se apresuró a confirmar el 14 de noviembre en Nueva York: "Los críticos ya distinguen entre el surrealismo anterior o posterior a Dalí". La exposición en la galería Julien Levy fue un gran éxito y Dalí comprendió que su éxito estaba en Estados Unidos. Su pintura empieza a ser apreciada. Edward James, ahijado del rey Eduardo VII, se convierte en su mecenas y compra toda su obra de 1935 a 1936. Metamorfosis de Narciso y Canibalismo de otoño son algunos de los cuadros más famosos de este periodo.

Guerra Civil española

De vuelta a Cataluña, Dalí y Gala abandonan Portlligat en 1936 huyendo de la Guerra Civil española y viajan por Europa. Vivieron un tiempo en la Italia fascista, donde se inspiró en obras romanas y florentinas del Renacimiento, en particular para crear imágenes dobles como España. Sus cuadros Construction molle aux haricots bouillis (también conocido como Premonición de la Guerra Civil) y La Girafe en feu fueron los más representativos de este periodo, que vio la invención de estos monstruos. Reflejan su visión de la guerra, pero no su actitud política. Representó la guerra civil como un fenómeno histórico natural, una catástrofe natural, y no como un acontecimiento político, como había hecho Picasso con el Guernica. Fue en Londres donde se enteró del asesinato de su amigo Federico García Lorca el 19 de agosto de 1936 en Granada a manos de un franquista, lo que le hizo caer en una profunda depresión.

Durante su segundo viaje a Estados Unidos, la prensa y el público dieron al "Sr. Surrealismo" una acogida triunfal. El retrato de Dalí realizado por el fotógrafo Man Ray fue portada de la revista Time en diciembre de 1936. En febrero de 1937, Dalí conoce a los hermanos Marx en Hollywood y pinta un retrato de Harpo Marx con cucharas, arpas y alambre de espino. La película que planeaban hacer nunca vio la luz. En 1938, por mediación de Edward James y de su amigo Stefan Zweig, Dalí conoce en Londres a Sigmund Freud, a quien admiraba desde hacía tiempo y cuya obra había inspirado sus propias investigaciones pictóricas sobre los sueños y el inconsciente.

Según el relato de Conroy Maddox, en esta ocasión el anciano Freud habló a Zweig de Dalí:

"Nunca he visto un espécimen más perfecto de español; ¡qué fanático!

- Conroy Maddox.

En 1939, Dalí publica una Declaración de la independencia de la imaginación y de los derechos del hombre a su propia locura. Sus peregrinaciones europeas le llevan a exiliarse durante cinco meses, a partir de septiembre de 1938, en la villa de Coco Chanel, La Pausa, donde prepara la exposición de Nueva York en la galería Julien Levy. En esta ocasión, en 1939, destruyó una obra que había creado y que había sido modificada sin su consentimiento en una tienda de la Quinta Avenida.

Nueva York

Cuando Francia entra en guerra en 1939, Dalí y Gala se encuentran en París, que abandonan para ir a Arcachon, donde frecuentan a varios artistas, entre ellos Leonor Fini. Poco antes de la invasión alemana, fueron a España y después a Portugal. Dalí, que se había desviado a Figueras para ver a su familia, se reunió con Gala en Lisboa, desde donde embarcaron hacia Nueva York, donde también vivían muchos intelectuales franceses exiliados. Vivieron allí ocho años, Dalí se integró perfectamente en la alta sociedad neoyorquina, pintó numerosos retratos de americanos ricos -Helena Rubinstein-, participó activamente en la vida teatral con grandes murales, fabricó sus primeras joyas y se interesó por el cine, en particular por los Hermanos Marx, Walt Disney y Alfred Hitchcock. Tras este paso, buscó también la fe católica y acercar su pintura al clasicismo, lo que no hizo hasta 1945.

En 1941, Dalí envía a Jean Gabin un guión cinematográfico, Moontide (El barco del amor). A finales de ese año se celebra la primera exposición retrospectiva de Dalí en el Museo de Arte Moderno, y estas sesenta obras -43 óleos y 17 dibujos- viajan por Estados Unidos durante los dos años siguientes. Las ocho mayores ciudades acogieron la exposición, asegurando la notoriedad del pintor, y pronto se multiplicaron las ofertas comerciales, lo que le permitió amasar una sólida fortuna, que inspiró a Breton el feroz anagrama "Salvador Dalí - Avida Dollars". Robert y Nicolas Descharnes explican que "durante este periodo Dalí nunca dejó de escribir".

En 1942 publica su autobiografía, La vida secreta de Salvador Dalí. Escribió regularmente para los catálogos de sus exposiciones, como la organizada por la Galería Knoedler en 1943. En él afirmaba que "el surrealismo habrá servido al menos para dar una prueba experimental de la esterilidad total de los intentos de automatización que han ido demasiado lejos y han generado un sistema totalitario". La pereza contemporánea y la falta de técnica han alcanzado su paroxismo en el significado psicológico del uso actual de la institución académica. También escribió una novela, publicada en 1944, sobre un desfile de moda de coches, que inspiró una caricatura de Erdwin Cox para The Miami Herald, en la que Dalí lleva un automóvil como disfraz de fiesta. Durante estos años, Dalí realiza ilustraciones para ediciones en inglés de clásicos como El Quijote, la autobiografía de Benvenuto Cellini y los Ensayos de Michel de Montaigne. También diseñó los decorados de la película de Alfred Hitchcock Spellbound y, junto con Walt Disney, emprendió la producción del dibujo animado inacabado Destin, que se editó en 2003, mucho después de la muerte de sus autores.

Fue uno de los periodos más prolíficos de su vida, pero cuestionado por algunos críticos, que consideran que Dalí difuminaba la frontera entre arte y bienes de consumo al abandonar la pintura para dedicarse al diseño y los artículos comerciales. Los cuadros de esta época se inspiraban en recuerdos de Cataluña a través de sus colores y espacios, en los que el pintor representaba temas de América. En este sentido, la pintura Poesía de América fue visionaria. Reúne en una obra la segregación negra, la pasión americana por el rugby y la irrupción de una marca en una obra de arte: Coca-Cola. Al término de la Segunda Guerra Mundial, no regresó inmediatamente a Europa. Dio su giro hacia el clasicismo en 1945, sin aislarse del resto del mundo. Los bombardeos atómicos de Hiroshima y Nagasaki le inspiraron Idilio atómico y uraniano y Tres esfinges en bikini. El abandono del "Dalí del psicoanálisis" por el "Dalí de la física nuclear" no le permitió dar un paso inmediato hacia el catolicismo. La pintura de este periodo tomó prestadas de los clásicos las relaciones geométricas: la proporción áurea o divina proporción. Este fue particularmente el caso de Atomic Leda.

Volver a Cataluña

A partir de 1949, los Dalí volvieron a vivir a Cataluña bajo la dictadura franquista y pasaron los inviernos en París, en una suite del Hotel Meurice. Multiplicó por diez su virtuosismo técnico, intensificó su interés por los efectos ópticos y, sobre todo, hizo su retorno a la fe católica. Fue recibido en audiencia privada el 23 de noviembre de 1949 por el Papa Pío XII. Sus investigaciones sobre las proporciones clásicas le llevaron a "sublimar todas las experiencias revolucionarias de la adolescencia en la gran tradición mística y realista de España". Esta conversión se plasmó en dos cuadros, La Virgen de Port Lligat (1949) y Cristo de San Juan de la Cruz (1951), que se completaron con ilustraciones para La Divina Comedia (1952, acuarelas). Para entonces ya había publicado su Manifeste mystique, en el que explicaba los entresijos de su misticismo nuclear, y firmado sus primeros lienzos corpusculares, de los que es representativo el cuadro Galatea con esferas. Vinculó catolicismo y física de partículas explicando las Elevaciones -de la Virgen, de Jesús- por la "fuerza angélica", de la que protones y neutrones serían vectores, elementos angélicos. Vinculó el cuerno de rinoceronte a la castidad, a la Virgen María, en un razonamiento que combinaba la geometría "divina" de la espiral logarítmica, el cuerno el animal y la construcción corpuscular "del más violento rigor" del lienzo del maestro holandés. Pintó muchos temas con este apéndice.

El 17 de diciembre de 1955, presentó estas ideas en la Sorbona en su conferencia "Aspectos fenomenológicos del método paranoico-crítico". Llegó a la universidad en un Rolls-Royce amarillo y negro, lleno de coliflores, que distribuyó como autógrafos. En su presentación, contrapuso Francia y España, siendo el primero el país más racional del mundo y el segundo el más irracional, y demostró la singularidad de los cuartos traseros del paquidermo con un girasol, relacionando todo ello con el famoso Dentellière y los corpúsculos de la física atómica.

En 1959, André Breton organizó una exposición titulada "Homenaje al Surrealismo" para celebrar el cuadragésimo aniversario de este movimiento. Reunió obras de Dalí, Joan Miró, Enrique Tábara y Eugenio Granell. Al año siguiente, Breton se opuso firmemente a la inclusión de la Madonna Sixtina de Dalí en la Exposición Internacional Surrealista de Nueva York. Según Robert Descharnes, el comportamiento de Dalí en esta época fue una reacción a su fama para proteger su creatividad. Si Picasso, por las mismas razones, se había refugiado en el castillo de Vauvenargues, Dalí, incapaz de callarse, comentaba los fenómenos, descubrimientos y acontecimientos de su época, y la mezcla resultante no siempre era del mejor gusto. Confundiendo a los críticos, dejó que los grandes medios de comunicación analizaran sus bigotes y se concentraran en algunos de sus cuadros, como el Cristo de San Juan de la Cruz. Esta actitud hizo decir al experto en surrealismo de Sotheby's, Andrew Strauss:

"Dalí trabajó para aumentar su popularidad a escala mundial. Precedió a Andy Warhol en esta estrategia del culto al artista estrella".

Dalí se interesaba por los nuevos descubrimientos científicos de su época. Le fascinaban el ADN y el teseracto, un hipercubo de cuatro dimensiones. Su cuadro Corpus hypercubus (1954) representa a Jesucristo crucificado sobre el patrón de una hiperfigura de este tipo, en la que pretendía crear una síntesis de iconografía cristiana e imágenes de desintegraciones inspiradas en la física nuclear. Artista experimentado, Dalí no se limitó a la pintura. Permaneció muy atento a todas las evoluciones de la pintura postsurrealista, incluidas las formas totalmente alejadas de ella. Experimentó con muchos medios y procesos nuevos o innovadores, como la pintura de proyección. Muchas de sus obras incorporaban ilusiones ópticas, juegos de palabras visuales y trampantojos. También experimentó con el puntillismo, el tramado (una red de puntos similar a la utilizada en la imprenta) y las imágenes estereoscópicas. Fue uno de los primeros en utilizar la holografía en el arte. Artistas jóvenes, como Andy Warhol, proclamaron que Dalí tuvo una importante influencia en el Pop Art. Descubierta en la estación de ferrocarril de Perpiñán, la estereoscopía fascinó a Dalí, que al final de su carrera produjo imágenes en dos cuadros (ojos derecho e izquierdo) difíciles de reproducir. Muchas de ellas están expuestas en el Museo Dalí de Figueras (¡Atenas está que arde!).

Dalí tenía un suelo de cristal en una habitación cercana a su estudio. Lo utilizó mucho para estudiar los escorzos, tanto desde abajo como desde arriba, para incorporar a sus cuadros figuras y objetos muy expresivos. También le gustaba utilizarlo para entretener a sus amigos e invitados.

Los ingresos de Dalí y Gala les permitían llevar una vida de lujo. Ya en 1960, contrataron al gerente John Peter Moore. Su sucesor, Enrique Sabater, explicó que "Dalí ganaba más que el Presidente de los Estados Unidos". En esta época, Salvador Dalí y Gala comienzan a separarse. En París, Dalí conoce a Amanda Lear, que se presenta entonces como transexual. Recibió clases de pintura de Dalí. Un artículo de Julián Ruiz (es) en El Mundo se ilustra con una foto de ambos de 1963. Le sirvió principalmente de modelo y se convirtió en su musa (mantuvo una relación con él durante unos quince años, como cuenta en su libro sobre el pintor). A partir de 1965, la modelo acompaña oficialmente a Dalí en sus salidas. Salvador Dalí también la ayudó a instalarse en la habitación 9 del Hotel La Louisiane, en la rue de Seine. En 1969 Gala Dalí adquirió el antiguo castillo de Púbol, cerca de Figueras, que restauró y que alberga la Fundación Gala-Salvador Dalí.

Obras históricas y estereoscópicas

Las pinturas de pequeño formato de los años anteriores dieron paso, a partir de 1958, a obras monumentales de tema histórico, como La batalla de Tetuán (1962, 308 × 406 cm). El cuadro representa la conquista española de Tetuán (Marruecos) en 1860. Dalí pintaba cada año un cuadro de gran formato, como El descubrimiento de América por Cristóbal Colón (1959). Las últimas obras maestras de este periodo fueron Estación Perpiñán (1965), El torero alucinógeno (1968-1970) y La pesca del atún (1966-1967). De 1966 a 1973 Dalí trabajó en un encargo para una edición de lujo de Alicia en el País de las Maravillas.

Le interesaba mejorar la representación de la tercera dimensión más allá de la perspectiva clásica. Según el pintor, el momento más reconfortante de la historia de la pintura tuvo lugar el 17 de noviembre de 1964, cuando descubrió, en el centro de la estación de Perpiñán, la posibilidad de pintar al óleo la "verdadera" tercera dimensión gracias a la estereoscopía. El descubrimiento de la holografía le permitió acercarse a la cuarta dimensión (el tiempo), técnica que utilizó a partir de los años 70 para obtener la "inmortalidad de las imágenes grabadas holográficamente gracias a la luz del láser temporal". En 1969 pintó sus primeros techos y a partir del año siguiente se concentró en las imágenes estereoscópicas. Sus pinturas holográficas más conocidas datan de 1972. Los primeros hologramas se expusieron en la Galería Knoedler de Nueva York en abril de 1972.

Teatro-museo

En 1960, Dalí inicia las obras de su teatro-museo en Figueras. Este era su mayor proyecto. Le dedicó la mayor parte de su energía hasta 1974. Siguió desarrollándola hasta mediados de los años ochenta. Con el acuerdo del alcalde, Ramón Guardiola, eligió las ruinas del teatro Figueras, incendiado durante la Guerra Civil española, donde había celebrado su primera exposición en 1914. Los fondos para la renovación fueron adelantados por el Estado español en 1970. La cúpula de cristal con forma bizantina fue diseñada por el arquitecto Emilio Pérez Piñero a petición de Dalí, que soñaba con una cúpula de cristal al estilo del arquitecto estadounidense Buckminster Fuller. El propio Dalí diseñó gran parte del museo, desde los monumentales huevos de las paredes hasta la altura de los lavabos (???). El arquitecto Joaquim Ros de Ramis trabajó en la renovación, siempre de acuerdo con las directrices del maestro. Las obras comenzaron el 13 de octubre de 1970 y un año más tarde el pintor empezó a trabajar en las pinturas del techo del teatro-museo. En 1971, el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte le concedió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. También inauguró la primera y mayor galería de arte de España en aquella época, la Sala Gaudí Barcelona, junto a otras personalidades como Gabriel García Márquez.

Últimos años

En 1979, el Centro Georges Pompidou organizó una gran retrospectiva de la obra de Dalí, en la que se expusieron 169 pinturas y 219 dibujos, grabados y objetos del artista. Una de las particularidades de la exposición estaba en el sótano. Un Citroën estaba suspendido del techo con una butifarra, una cuchara de 32 metros de largo y agua corriendo por el radiador del coche.

Al año siguiente, la salud de Dalí se deteriora considerablemente. A la edad de 76 años, Dalí muestra síntomas de la enfermedad de Parkinson y pierde definitivamente sus capacidades artísticas. En 1982 el Rey de España, Juan Carlos, le concede el título de Marqués de Dalí de Púbol. Dalí realiza su último dibujo para el Rey, titulado Cabeza de Europa.

Gala falleció el 10 de junio de 1982, a los 87 años. Dalí se trasladó de Figueras al castillo de Púbol, donde en 1984 se produjo un incendio en su dormitorio, cuya causa nunca se aclaró. Dalí se salvó y volvió a vivir en Figueras, en su teatro-museo. En noviembre de 1988, Dalí es hospitalizado tras sufrir un infarto. Recibió una última visita del Rey de España el 5 de diciembre de 1988. El pintor falleció el 23 de enero de 1989 en Figueras a la edad de 84 años. Fue enterrado en la cripta de su teatro-museo.

Su carácter turbulento ha hecho olvidar a veces el compromiso artístico del pintor. Dalí era, sin embargo, un pintor meticuloso e implacable, que concebía sus lienzos durante un largo periodo de tiempo y los creaba con un cuidado que quería que se aproximara al de sus maestros clásicos, Rafael o Vermeer. Michel Déon considera que "Dalí es consciente de su genio hasta el vértigo. Es, al parecer, una sensación íntima muy reconfortante". Los primeros cuadros conservados muestran un verdadero talento precoz, a partir de los 6 años. Sus primeros retratos de su familia en Cadaqués ya tenían una asombrosa fuerza pictórica, notablemente impresionista. Jugando con el material, mezcló durante un tiempo grava con pintura (Vieillard crépusculaire, 1918).

Lamentó la falta de formación teórica en la Academia de Bellas Artes de Madrid. Al final de estos años madrileños, comenzó un periodo de influencias diversas. El joven Dalí se sumerge en diversas técnicas, desde el puntillismo (Mannequin barcelonais, 1927) hasta Picasso (Vénus et un marin, 1925).

Obra pictórica

A los diez años, Dalí dice que no quiere un profesor de dibujo porque él es un pintor impresionista. Aunque esta afirmación perentoria provocó risas, el pintor recibió desde muy joven la influencia de los impresionistas por la proximidad de la familia Pichot y, en particular, de Ramón Pichot. Este último fue uno de los primeros impresionistas catalanes que formó parte del entorno de Picasso en 1900 y su estilo recordaba al de Toulouse-Lautrec. Dalí admiraba a Renoir y a Meissonier ("un verdadero ruiseñor del pincel"), de cuya falta de genio se burlaba, pero cuya técnica increíblemente meticulosa le impresionaba. A estas influencias se añadió, hacia 1918, el interés por los pintores "pompier", como Marià Fortuny, en quien se inspiró para La batalla de Tetuán (1962). Picasso fue una especie de hermano mayor que le acogió cuando llegó a París. Dalí buscó toda su vida enfrentarse a él, el único artista contemporáneo al que reconocía un genio al menos igual al suyo.

Más que ningún otro, el Renacimiento italiano fue para Dalí una referencia permanente e indispensable. Aunque se consideraba el mejor dibujante de su época, reconocía que sus dibujos "no valían casi nada" comparados con los de los grandes maestros del Renacimiento. Admirador de Leonardo da Vinci -en quien encontró las raíces de su método paranoico-, durante mucho tiempo tuvo en gran estima a Rafael, afirmando que era el único contemporáneo capaz de comprenderle. Hacia el final de su vida, las figuras de Miguel Ángel se convirtieron en una parte importante de su producción pictórica. También admiró durante toda su vida a Diego Velázquez, y Vermeer fue otro referente, cuya técnica trató de imitar durante mucho tiempo, a veces con éxito.

Dalí reivindicó una técnica muy clásica, incluso hiperrealista en ciertos periodos, y a lo largo de su carrera trató de demostrar un virtuosismo cada vez más real, permaneciendo fiel al óleo para casi toda su obra pintada. La obra es casi siempre muy minuciosa, lo que le da un aspecto tranquilizador de academicismo, con dibujos preparatorios muy cuidados y una ejecución meticulosa, a menudo con lupa. Algunas de las pequeñas obras muestran un verdadero talento para el miniaturismo (Primer retrato de Gala, Retrato de Gala con dos chuletas de cordero en equilibrio sobre el hombro). Decía que el ultraacademicismo era, en su opinión, una formación que todo pintor debía tener, "sólo a partir de este virtuosismo es posible otra cosa, es decir, el arte". Odiaba a Cézanne, que era, según él, "el peor pintor francés". Se opuso a los pintores modernos en su conjunto: racionalización, escepticismo y abstracción. Matisse era "uno de los últimos pintores modernos", que representaba las últimas consecuencias de la Revolución y el triunfo de la burguesía. A diferencia de su conversión al catolicismo, afirmaba que los jóvenes pintores modernos no creían en nada y que, por tanto, él era un "modernista",

"Es bastante normal que cuando no se cree en nada, se acabe pintando casi nada, lo que ocurre con toda la pintura moderna.

- Salvador Dalí

Antes de su encuentro con el surrealismo, cuando aún estaba en Cadaqués, Dalí empezó a producir con "diabólica facilidad en todas las técnicas", "fotografías trampantojo", como él las llamaba, anticipándose en más de 25 años a los hiperrealistas estadounidenses. Hacia finales de los años veinte, representó sus sueños. Su primera imagen doble fue El hombre invisible (1929) y mantuvo este enfoque durante la mayor parte de su carrera.

La noción del "doble" fue fundamental para Dalí, tanto en su pintura como en su vida. Se originó en la muerte de su hermano mayor Salvador, continuó con Veermer y la espiral logarítmica, siguió con su alter ego Gala, y se convirtió en una oposición entre Dentelière y Rinoceronte, en un personaje que era simultáneamente agnóstico y católico romano. Refinó y diversificó su técnica de imágenes dentro de imágenes e imágenes basadas en marcos y redes de puntos (La Madonna Sixtina).

Sus investigaciones sobre la tercera y la cuarta dimensión le llevaron a trabajar sucesivamente en la estereografía y la holografía. En 1973, declaró que hacía "fotografías coloreadas a mano de imágenes extrapictóricas superfinas de irracionalidad concreta". Hasta el final, jugó con el ojo del espectador, sobre todo en sus últimas obras, Cincuenta imágenes abstractas que, vistas a dos metros, se convierten en tres Lenins vestidos de chinos y a seis metros en la cabeza de un tigre real de Bengala, El torero alucinógeno o Gala desnuda mirando al mar, que, a dieciocho metros de distancia, revela al presidente Lincoln.

Siendo aún estudiante en la residencia de estudiantes de Madrid, Dalí trabajó con Lorca y Buñuel en el estudio de los textos psicoanalíticos de Sigmund Freud, que inspiraron sus investigaciones pictóricas sobre los sueños y el inconsciente. Ambos se conocieron en Londres el 19 de julio de 1938, en casa del psicoanalista. En una carta a Stefan Zweig, que le había presentado al pintor, Freud confesaba: "Hasta entonces me había inclinado a considerar a los surrealistas, que parecen haberme elegido como santo patrón, como unos absolutos (digamos 95%) tontos. Pero había cambiado de opinión ante la "mirada cándida y fanática" de Dalí, "su innegable maestría técnica" y el interés analítico de la obra que se le había presentado. Sin embargo, la conversión del pintor al surrealismo data de 1929. Para Robert Descharnes y Gilles Néret, éste fue el año "en el que se acordó que Dalí se había convertido en un surrealista de pleno derecho". El decisivo encuentro con el movimiento surrealista parisino liberó su extraordinario poder creativo.

A partir de entonces, su obra está llena de alusiones personales, a menudo crípticas y oníricas, que reutiliza a su antojo, como la inquietante figura del Gran Masturbador, que utilizó en numerosas ocasiones en 1929 (Retrato de Paul Éluard y El Gran Masturbador). Reconoció que la pintura de Miró estaba "hecha de la misma sangre" que la suya y se dejó influir por René Magritte, pero pronto adquirió su propio estilo con sus cuadros La miel es más dulce que la sangre (1927) y Cenicitas (1928) y después con la invención del método paranoico-crítico.

Patrice Schmitt, hablando de un encuentro entre Dalí y Lacan, señaló que "la paranoia según Dalí es la antítesis de la alucinación en su carácter activo. Es a la vez metódico y crítico. Tiene un significado preciso y una dimensión fenomenológica y se opone a lo automático, cuyo ejemplo más conocido es el cadáver exquisito. Haciendo un paralelismo con las teorías de Lacan, concluye que el fenómeno paranoide es de tipo pseudoalucinatorio. Ahora bien, las técnicas de la doble imagen en las que Dalí venía trabajando desde Cadaqués, El hombre invisible (conjunción que hizo decir a Robert Descharnes y Gilles Néret que Dalí era "el único verdadero pintor totalmente surrealista, del mismo modo que podemos decir que Monet es el único verdadero pintor totalmente impresionista, desde el principio de su obra hasta los Nenúfares del final".

Las explosiones de las bombas atómicas en Hiroshima y Nagasaki sacudieron "sísmicamente" al pintor y le proporcionaron una nueva fuente de inspiración: la física nuclear. Se declaró "ex surrealista", aunque, según Robert Decharnes y Gilles Néret, seguía siéndolo más que nunca. La teoría atómica supone una discontinuidad fundamental de la materia: la física nuclear dice, simplificando las cosas, que las partículas elementales separadas por el vacío mantienen el equilibrio, al tiempo que forman un todo coherente a escala macroscópica. Encontrando en Heisenberg a su nuevo padre, y con una lógica siempre irrefutable, afirmó que lo que producen los físicos lo pueden pintar los pintores, que ya son especialistas en ángeles. Durante este periodo, los cuerpos y objetos representados por Dalí se encontraban en estado de levitación, un nuevo enfoque que estaba vinculado "tanto a la proporción áurea como a las especulaciones de la física moderna". Reflejaban la evolución espiritual del pintor, en una preocupación constante por una doble filiación, agnóstica y católica romana.

En 1946, volvió a la pintura renacentista en busca de inspiración, lo que permitió al pintor lograr una síntesis de tres enfoques improbables: corpuscular, católico romano y renacentista.

Temas pictóricos

La cala de Portlligat, pero también el puerto pesquero o la fachada de la casa del pintor, aparecen en muchos de sus cuadros desde que la pareja se trasladó al pueblo en 1930. Los alrededores del Cap de Creus eran para Dalí "el paisaje más concreto del mundo". Sus rocas de ángulos agudos y formas extrañas son bien conocidas por los paseantes de Cadaqués. Dalí las utilizó a menudo en sus cuadros (La nariz de Napoleón transformada en una mujer embarazada que pasea su sombra entre las ruinas originales, 1945). La imagen compuesta y de aspecto enigmático del Gran Masturbador apareció en 1929, en el Retrato de Paul Éluard. Se compone de varios elementos, a veces variables: párpados, pestañas, todo ello descansando sobre una nariz de perfil. A menudo se representa un saltamontes boca abajo, cerca del lugar de la boca. Este elemento estuvo muy presente de 1929 a 1931 (La Persistance de la mémoire, 1931). Aparte de la simbología propia del autor, el aspecto general es el de las rocas con las que Dalí estaba familiarizado.

Varios animales adquieren para él un carácter morboso. Es el caso de las hormigas, muy presentes desde Retrato de Paul Éluard (1929). Según él, están relacionadas con una escena de su infancia en la que, tras acoger a un murciélago herido, el joven Salvador encontró al animal agonizando a la mañana siguiente: "El murciélago, cubierto de hormigas frenéticas, gime, con la boca abierta, mostrando los dientes de una ancianita. El burro podrido también forma parte de estas representaciones. Está presente en la película Un chien andalou (1929) y en varios cuadros de la misma época -La miel es más dulce que la sangre (1927), Cenicitas (1928), El asno podrido (1928)-, así como en varios cadáveres de animales en descomposición. Según el pintor, estas imágenes le recordaban la traumática escena del cadáver de su erizo domesticado, invadido por un ejército de gusanos: "Su espigado lomo se agitaba sobre un enjambre inaudito de gusanos frenéticos".

Los saltamontes también hacen referencia a escenas de su infancia y a su terror a los saltamontes, que a veces le enviaban sus compañeros en plena clase. Los saltamontes estaban muy presentes en sus obras de los años veinte y treinta, y a menudo se asociaban con el Gran Masturbador.

El rinoceronte -y especialmente su cuerno- era, por otra parte, un instrumento divino en relación con su misticismo nuclear, así como un apéndice fálico evidente (Virgen joven autosodomizada por los cuernos de su propia castidad). Dalí lo utilizó ya en 1951 (Tête raphaélesque éclatée) y sobre todo hacia 1955 (Étude paranoïacritique de La Dentellière de Vermeer). Explicó que "La Encajera alcanza un máximo de dinamismo biológico gracias a las curvas logarítmicas de los cuernos de rinoceronte".

Las moscas, en cambio, se asocian a un sentimiento positivo. Dalí decía que adoraba a estos insectos y que en Portlligat dejaba que le cubrieran el cuerpo. Las consideraba "las hadas del Mediterráneo". Michel Déon cuenta que le encantaba leer L'Éloge de la mouche, de Lucien de Samosate.

Como a su padre, que se escondía para comerlos, a Dalí le encantaba comer los erizos de mar que le traían del mar cercano. Los utilizó en sus cuadros (La Madonna de Port Lligat 1950), en fotografía, e incluso como artista, metiéndoles una pajita en la boca, cuyos movimientos dibujaban formas en una pantalla. Este fue probablemente el primer uso de un equinodermo como artista pictórico.

En 1954 firmó seis cerámicas "L'étoile de mer rouge" (La estrella roja del mar) inspiradas en Maurice Duchin, ministro español.

La comida y el acto de comer ocupan un lugar central en la obra y el pensamiento de Dalí, para quien "la belleza será comestible o no será, el pan estuvo muy presente desde 1926 (La panera). La muy clásica Cesta de pan, antes muerte que suciedad (1945) fue expuesta en un lugar de honor por Dalí en el museo de Figueras, expresando así la importancia de este cuadro. Fue con una baguette de 2 metros de largo con la que llegó por primera vez a Estados Unidos, y con una baguette de 12 metros transportada por varios panaderos con la que se presentó en una conferencia en París en 1959. Su simbolismo le parecía muy importante a Dalí: "El pan ha sido uno de los primeros temas fetiches y obsesiones de mi obra, el primero, al que he permanecido más fiel".

El huevo frito sin el plato se repite regularmente en su obra. Habría recordado al pintor los fosfenos que aparecen cuando se aprietan los globos oculares y que él asocia a un recuerdo intrauterino. Quizá la creación pictórica más conocida de Dalí sean las Montres Molles. Fluyen como un camembert: "Los relojes blandos son como el queso, y especialmente como el camembert cuando está completamente maduro, es decir, cuando tiene tendencia a empezar a gotear. ¿Qué tiene que ver el queso con el misticismo? Las espaldas y las nalgas de las mujeres están presentes en su obra desde muy pronto, sobre todo en los retratos de su hermana Anna-Maria en Cadaqués (Personaje en una ventana, 1925, Joven de espaldas (Anna Maria), 1926). Más tarde, un cuadro más explícito, Joven virgen autosodomizada por los cuernos de su propia castidad (1954), arrojó luz sobre el significado erótico de estas poses. Permanecieron presentes a lo largo de toda la obra del pintor.

Gala apareció en 1931 en una obra diminuta (Primer retrato de Gala), verdadero tour de force miniaturista, expuesta en el Teatre-Museu Gala Salvador Dalí; se puede utilizar una lupa para apreciar mejor los detalles. Posteriormente, sus retratos fueron muy numerosos; su rostro y su característico peinado la hacían fácilmente reconocible. Aparece de frente (Ángelus de Gala, 1935) o de espaldas (Mi mujer, desnuda, mirando su propio cuerpo convertido en, tres vértebras de una columna, cielo y arquitectura, 1945), desnuda (Leda Atómica, 1949), como la Virgen María (La Madonna de Port Lligat, 1950), con un pecho desnudo (Galarina, 1945).

El descubrimiento de un par de muletas abandonadas en el desván de la casa de su padre fue toda una revelación. Lo define como "un soporte de madera derivado de la filosofía cartesiana. Generalmente se utiliza para apoyar la sensibilidad de las estructuras blandas". Inmediatamente se convirtió en un objeto fetiche que prolifera en su obra, a menudo para sostener un apéndice blando. En ella podemos detectar la angustia de impotencia que dominaba a Dalí antes de su encuentro sexual con Gala. En 1929, la presencia en el cuadro Jeu lugubre de un hombre con los pantalones manchados provocó un escándalo en el círculo surrealista. Gala fue enviada en delegación para asegurarse de que el joven catalán no tenía tendencias coprofágicas, lo que horrorizó a los surrealistas. Gala supo tranquilizarlos, al tiempo que advertía a Dalí contra el estado de ánimo tan "pequeñoburgués" de un grupo de artistas que pretendían ser totalmente sinceros.

El Ángelus de Millet se convirtió en una auténtica obsesión para Dalí. Sus figuras aparecen representadas en un gran número de sus cuadros, desde Monument imperial à la femme-enfant, Gala - Fantaisie utopique (1929) hasta La Gare de Perpignan, de 1965. Dalí explicó a menudo el erotismo del cuadro, así como su convicción de que la pareja rezaba alrededor del ataúd de su hijo muerto. Sorprendentemente, una radiografía en el Louvre revela una zona oscura y rectangular bajo el suelo entre las dos figuras.

La Venus de Milo era una referencia ocasional. Primero apareció en una escultura secuestrada con su amigo Marcel Duchamp, y después como imagen metamorfoseada en torero en Le Torero hallucinogène.

La muerte está presente en toda la obra, desde los primeros lienzos surrealistas hasta los primeros retratos de ancianos. Primero aparece en su aspecto físico más repulsivo, el de los cadáveres en descomposición. Más tarde, se hace más discreto, pero siempre está presente, incluso en los cuadros cristianos, sobre todo en las crucifixiones. Destaca en Retrato de mi hermano muerto (1963), La pesca del atún (1967), El torero alucinógeno (1970).

El Abecedario del Amor nació de la pasión de Dalí por las artes gráficas y por su musa Gala. A partir de sus iniciales, "S", "D" y "G", y una corona, inventó ocho caracteres abstractos como símbolo de su amor. El abecedario se hizo público en los años setenta, cuando encargó un bolso a Lancel como regalo a Gala.

Esta bolsa es un modelo pequeño con fuelle y asa de cadena de bicicleta. Su piel está decorada con un estampado tipo Toile Dalígram, que utiliza los caracteres del alfabeto del amor.

Escultura

Durante mucho tiempo, la escultura permaneció anecdótica en la obra de Dalí, con raras excepciones como el Objeto escatológico con función simbólica (1931) o el Busto rinoceronte de la encajera de Vermeer (1955). Volvió a la creación tridimensional en la década de 1960, y especialmente en 1970, con la creación del Teatre-Museu Gala Salvador Dalí: Busto de Dante (1964), Silla con alas de buitre (1960), Lilith. Hommage à Raymond Roussel (1966), Máscara funeraria de Napoleón que puede servir de tapa para un rinoceronte (1970).

Salvador Dalí contaba que de niño modeló la Venus de Milo porque estaba en su caja de lápices: fue su primer intento de escultura. A partir de los años 30, Dalí prueba la tercera dimensión con objetos surrealistas. Junto con Giacometti, creó objetos con una función simbólica, Busto de mujer retrospectivo. Busto: Pan y tintero, ensamblando una marotte de sombrerero de porcelana pintada con otros objetos reciclados (1933). En 1936, Marcel Duchamp y Salvador Dalí colaboraron para crear la Venus de Milo con cajones.

A partir de esta época, crea esculturas en bronce basadas en sus cuadros más famosos, como La Persistance de la mémoire, Le Profil du temps, La Noblesse du temps, Venus à la girafe, Le Toréador hallucinogène, La Vénus spatiale, Alice au pays des Merveilles, L'Éléphant spatial, que demuestran con extremo vigor la fuerza expresiva de sus imágenes iconográficas surrealistas.

Dalí realiza sus primeras joyas después de la Segunda Guerra Mundial en Nueva York: El ojo del tiempo (1949), Labios de rubí (1950), El corazón real (1953).

Entre 1969 y 1979, Salvador Dalí realizó una colección de 44 estatuas de bronce, de las que sólo se fabricaron 4: Colección Clot de Dalí.

Arquitectura

En 1939, creó el pabellón Sueño de Venus para la Feria Internacional de Nueva York. Era una atracción de feria surrealista con, entre otras cosas, una Venus vencida por la fiebre del amor en un lecho de satén rojo, sirenas y jirafas. Sólo queda el recuerdo, unas cuarenta fotografías de Eric Schaal, una película de ocho minutos y el suntuoso cuadríptico con relojes blandos, conservado en Japón. El pintor había hecho del surrealismo un arte de vivir.

En Portlligat decoró su casa a su manera, "como un príncipe del kitsch, la ironía y la burla". Su biblioteca era deliberadamente inaccesible, con hileras de libros colocados en lo alto de la pared para que nadie pudiera alcanzarlos. En el eje de la piscina fálica había un templo con una gran mesa de altar, donde se resguardaba del sol y recibía a sus amigos. El fondo de su piscina estaba revestido de erizos de mar; se trataba de un encargo del maestro al escultor César, que había realizado un vaciado en poliéster para "caminar sobre los erizos como Cristo caminó sobre las aguas". El patio tenía la forma de la silueta de una mujer del Angelus de Millet. El sofá estaba hecho con un molde de los labios de Mae West. La pared del fondo, llamada "pared Pirelli", estaba decorada con grandes anuncios de neumáticos.

A principios de los años setenta, el proyecto del teatro-museo de Figueras toma por fin forma. Dalí se tomó muy a pecho el diseño de este museo construido a su gloria: "Quiero que mi museo sea un bloque único, un laberinto, un gran objeto surrealista. Será un museo teatral. Los visitantes saldrán con la sensación de haber tenido un sueño teatral.

Literatura

Los escritos de Dalí forman un importante corpus que sólo se ha publicado íntegramente en español. Escribió, al menos desde su adolescencia (Studium), poemas, algunos textos literarios y un diario que se publicó en 2006. Publicó numerosos textos que exponen sus ideas, su concepción de la pintura y aportan elementos biográficos que permiten comprender la génesis de algunos de sus cuadros. Oui expone sus concepciones teóricas en dos grandes textos: "La revolución paranoico-crítica" y "Arcangelismo científico".

Escritos en un estilo muy personal, los dos textos autobiográficos más famosos de Dalí son La vida secreta de Salvador Dalí, que ofrece detalles biográficos de su infancia, su problemática relación con su padre y la convicción adquirida desde niño de que era un genio, y Diario de un genio, que trata de los años 1952 a 1963. Dalí escribió una única novela durante la guerra, Rostros ocultos. En ella retrata a la aristocracia francesa durante la guerra y, en particular, la relación amorosa de dos personajes, el duque de Grandsailles y Solange de Cléda. Este último es una ilustración de lo que él mismo denominó clédalisme, cuyo objetivo era completar "la trilogía de la pasión inaugurada por el Marqués de Sade", cuyos dos primeros elementos son el sadismo y el masoquismo.

En 1938 también escribió una interpretación paranoico-crítica de una de sus obras de referencia, en El mito trágico del Ángelus de Millet, publicada en 1963. Ilustró Fantastic memories (1945), La Maison sans fenêtre, Le Labyrinthe (1949) y La Limite (1951) de Maurice Sandoz, a quien conoció en Nueva York a principios de los años cuarenta.

Cine

La juventud de Dalí coincidió con la edad de oro del cine mudo. Conoció a Luis Buñuel en la residencia de estudiantes de Madrid, y éste le hizo protagonista de uno de sus primeros cuadros. Esta amistad dio lugar a una colaboración que se desarrolló en el contexto del surrealismo. En complicidad con él, participó en la escritura de dos películas emblemáticas del cine surrealista. El primero, Un chien andalou (1929), es un cortometraje de dieciséis minutos. Fue financiada por los vizcondes de Noailles, tras una exposición en París. Tras una brutal imagen introductoria destinada a marcar mejor la ruptura entre el mundo real y el mundo surrealista, se suceden varias escenas oníricas, dotadas únicamente de la lógica de los sueños. La película provocó un escándalo en los círculos intelectuales parisinos. Sin embargo, según Robert Descharnes, Dalí y Buñuel querían hacer algo "diferente a todo lo que se había hecho antes". Con esta idea se rodó la segunda película, L'Âge d'or (La edad de oro), en 1930. A pesar de un programa común, los dos autores eran opuestos; Dalí quería representar el amor, la creación y los mitos católicos en el escenario del Cap de Creus. Lo que para Dalí debería haber sido un sacrilegio sutil, refinado y profundo, Buñuel lo transformó en un anticlericalismo primario. La película, de una hora de duración, causó malestar entre monárquicos y surrealistas. Considerada insolente en aquella época, estuvo prohibida hasta 1981.

Modelo:Redundante.

Dalí participó en el rodaje de varias películas que no llegaron a completarse. En 1941 escribió la primera escena onírica para la película Moontide, de Fritz Lang, que no llegó a rodarse debido a la entrada de Estados Unidos en la guerra. En 1945, Dalí comienza a dirigir el dibujo animado Destino con Walt Disney, que se interrumpe a los pocos meses debido a problemas financieros relacionados con la guerra. Dalí y Disney se apreciaban mucho, y Dalí consideraba al cineasta un "gran surrealista americano" a la altura de los Hermanos Marx y Cecil B. DeMille.

Escribió un guión para los Hermanos Marx titulado Jirafas a caballo, que se quedó en borrador. En 1945 diseñó el decorado de la escena de embrujo de la película de Alfred Hitchcock La casa del Dr. Edwardes. En esta escena, Gregory Peck, psicoanalizado por Ingrid Bergman, ve una cortina de ojos muy abiertos -una idea tomada de la película Un chien andalou- y unas enormes tijeras que cortan párpados y retinas.

El propio Dalí produjo varios cortometrajes surrealistas experimentales en los que se ponía a sí mismo en escena. En los años 50 realiza L'Aventure prodigieuse de la Dentellière et du rhinocéros, dirigida por Robert Descharnes, en la que imágenes y objetos se asocian mediante la curva logarítmica y la proporción áurea. En 1975, fue Impressions de la Haute Mongolie (Homenaje a Raymond Roussel). En esta película, que tiene la apariencia de un falso documental, Salvador Dalí cuenta la historia de un pueblo desaparecido cuyas huellas encontró durante un viaje a la "Alta Mongolia". La historia es completamente inventada. Dalí orinó en el anillo de un bolígrafo y esperó a que la corrosión hiciera efecto, filmando los efectos a distancias macro y microscópicas, con un comentario de "historiador".

Con Jean-Christophe Averty y Robert Descharnes, dirigió L'Autoportrait mou de Salvador Dalí (1967), un anuncio de chocolate Lanvin en 1968. Alejandro Jodorowsky, en su abortado proyecto cinematográfico de la novela Dune, había pedido a Dalí que interpretara el papel del emperador Shaddam IV. Dalí exigió, entre otras cosas, que se le pagara la astronómica cifra de 100.000 dólares la hora y propuso un trono de inspiración escatológica. David Pujol realizó en 2018 un documental titulado Salvador Dalí: en busca de la inmortalidad.

Teatro

Dalí participa en varios proyectos relacionados con el teatro. En 1927 colaboró con Federico García Lorca en la obra Marina Pineda y escribió el libreto de Bacanal, inspirado en Tannhäuser de Richard Wagner. Durante su estancia en Nueva York, Dalí creó varios telones de fondo, decorados y vestuario para ballets, Laberinto (1941), Helena (1942), Romeo y Julieta (1942), Café de Cinitas (1943) y Tristan Fou (1944).

El mundo de la moda

A lo largo de su vida y de su obra, Dalí permaneció en simbiosis con el polimorfo mundo de la moda. En su insaciable deseo de materializar la creatividad sin límites que le singularizaba, exploró los registros creativos más heterogéneos del sector de la moda. Sus modelos eran preferentemente mujeres con caderas prominentes -mujeres coxis- y axilas depiladas, como Greta Garbo. Entre sus logros más notables, produjo numerosos patrones de tela y diseños decorativos para prendas de vestir. Colaboró con Coco Chanel en el diseño del vestuario y la escenografía de la obra Bacanal, "paranoico-cinética", participó en la creación de algunos diseños de sombreros, entre ellos uno famoso con forma de zapato y, con la modista Elsa Schiaparelli, creó el vestido "langosta" (años 30), encargado por Edward James para su amiga la actriz Ruth Ford. En 1950, junto con Christian Dior, diseñó el "traje 1945" con cajones. A finales de los años 60, Salvador Dalí crea el lienzo Dalígram, basado en un maletín Louis Vuitton. En 1970, un bolso Lancel se decoró con su alfabeto del amor, mientras que el asa estaba formada por una cadena de bicicleta. Creó trajes de baño femeninos que comprimían los pechos y daban así un aspecto angelical; un smoking afrodisíaco cubierto de vasos de chupito rellenos de menta; corbatas; el diseño del pelo de su bigote-antena metamórfico; frascos de perfume.

Muchos de sus diseños permanecieron como modelos sin llegar a realizarse. Entre ellas, vestidos con divisiones falsas y rellenos de falsa anatomía; maquillaje hueco en las mejillas para eliminar las ojeras; gafas caleidoscópicas para los viajes en coche; uñas postizas formadas por diminutos espejos en los que contemplarse.

Fotografía

Dalí mostró un verdadero interés por la fotografía, a la que concedió un lugar importante en su obra. Armonizó los decorados y las fotografías como un pintor trabaja su lienzo con sus pinceles. La fotografía fue la revelación de una parte importante y poco conocida de la creación de Dalí. Trabajó con fotógrafos como Man Ray, Brassaï, Cecil Beaton y Philippe Halsman. Con esta última creó la famosa serie Dalí Atomicus. Fue sin duda Robert Descharnes, su amigo y colaborador-fotógrafo durante 40 años, quien más fotografías hizo de Dalí, del hombre y de su obra.

El fotógrafo y periodista Enrique Sabater conoció a Dalí en el verano de 1968, cuando la agencia norteamericana Radical Press le encargó entrevistar al pintor en su casa de Portlligat. Entre ellos surgió una amistad y el fotógrafo pasó doce años con Dalí como su secretario, mano derecha y confidente. Enrique tomó miles de fotos de Dalí y Gala. En 1972, cuando Elvis Presley le visitó, Dalí quedó tan impresionado por su camisa country con motivos bordados y botones de nácar que el cantante se la regaló. Luego se la puso para hacer Dalí con la camiseta de Elvis. El maestro se lo contó a Marc Lacroix, autor de la fotografía: "Cuando Elvis Presley vino a verme a mi estudio, enseguida se dio cuenta de que me fascinaba su camisa country. Cuando se iba, me dijo: "¿Te gusta mi camisa? Sí. Muchísimo. Sin mediar palabra se desabrochó los botones y salió sin camisa. Desde entonces nunca lo dejo para pintar.

Con Marc Lacroix, fotógrafo de moda, Dalí posa en 1970 para una serie de retratos en los que se pone a sí mismo en escena, en fotos delirantes: Dalí con una corona de araña, Dalí con una oreja florida, Avida Dollars. Esta última fotografía fue tomada encima de un letrero de la Banque de France, rodeado de billetes en su efigie. Siguiendo con Marc Lacroix, intentó un experimento en el que llevaba mucho tiempo pensando. Realizó un cuadro tridimensional, Ocho pupilas, utilizando un prototipo de cámara estereoscópica que permitía la profundidad.

Dalí mantuvo una relación amistosa con el cantante de la banda de hard rock Alice Cooper, Vincent Furnier. Los dos artistas se admiraban mutuamente. Alice Cooper utilizó un cuadro de Dalí para ilustrar su álbum DaDa en 1983, después de que éste le hubiera dedicado diez años antes un holograma titulado Primer cilindro. Retrato del cerebro de Alice Cooper. Una de las fotografías más llamativas es la del pintor con un sombrero de copa, a cuyos lados había colocado máscaras de la Gioconda. Según Thérèse Lacroix, lo creó para su participación en un baile ofrecido por la baronesa Rothschild. Sólo aparece la mitad del rostro de Dalí entre enigmáticas sonrisas congeladas.

La cesta de pan

La cesta de pan (31,5 × 31,5 cm), (Museo Salvador Dalí), es un óleo sobre madera pintado en 1926. Fue la primera obra de Dalí expuesta fuera de España, en la Exposición Internacional del Carnegie Institute de Pittsburgh en 1928. Esta obra temprana fue realizada poco después de terminar sus estudios de arte en Madrid, cuando estudiaba a los maestros holandeses. En ella, a la edad de veintidós años, Dalí demostró la plena posesión de sus capacidades pictóricas.

Representada de forma muy realista en un claroscuro muy clásico, una panera de mimbre se presenta con cuatro rebanadas de pan, una de ellas untada con mantequilla. El conjunto se coloca sobre un mantel blanco con muchos pliegues. En el centro, se muestra el reverso del mantel, que revela muy claramente los detalles del tejido. El fondo es oscuro, incluso negro. La dura luz blanca parece velar la escena.

Metamorfosis de Narciso

La Metamorfosis de Narciso (Tate Gallery, 50,8 × 78,3 cm) fue pintada en 1936-1937, cuando el pintor se encontraba en pleno periodo surrealista. Se trata de una escena mitológica cuya historia más detallada se relata en las Metamorfosis de Ovidio: tras un encuentro con la ninfa Eco, que fue incapaz de seducirle, Narciso, hijo de la ninfa Liriope y del río Cefis, fue obligado por Némesis, la diosa de la venganza, a beber agua clara. Sin embargo, "encaprichado con su imagen, que ve en el agua, presta cuerpo a la vana sombra que le cautiva: extasiado ante sí mismo, permanece con el rostro inmóvil como una estatua de mármol de Paros". Narciso se enamoró de su reflejo pero, incapaz de separarse de su cuerpo, se puso a llorar. Sus lágrimas perturbaron la imagen, que desapareció. Narciso golpeó con desesperación y, una vez que el agua volvió a la calma, contempló su maltrecho reflejo. Se dejó morir, lamentándose con un "ay", que Eco repitió incansablemente hasta un "adiós" final al que también respondió la ninfa. En su entierro, "sólo se encuentra en su lugar una flor amarilla, coronada de hojas blancas en medio de su tallo".

Dalí presentó con su cuadro un "poema paranoico" del mismo nombre y temática, precedido de un metatexto, un manual de instrucciones. Según el pintor, se trata de la primera obra, pintura y poema, concebida íntegramente según el método crítico paranoico. Mientras que el poema afirma que el dios de la nieve está presente en las montañas del fondo, la escena transcurre en primavera, la estación de los narcisos. El pintor explota una doble imagen, derivada de su método crítico paranoico, representando el estado anterior a la transformación de Narciso a la izquierda, y su transformación a la derecha, utilizando el sentido de lectura latino. A la izquierda, la figura de contornos imprecisos se refleja en el agua. Está inclinado y su cabeza descansa sobre sus rodillas, esperando la muerte. A la derecha, el doble de la imagen tras la transformación. La figura se convierte en una mano delgada y pétrea que emerge de la tierra. En sus tres dedos unidos lleva un enorme huevo del que sale un narciso. Tanto la uña como el huevo están rotos y el grupo se representa en un gris pétreo y cadavérico, sobre el que ascienden hormigas, símbolos de la putrefacción.

Al fondo y en el centro se representa lo que Dalí define en el poema como un "grupo heterosexual en estado de espera". Se trata de un grupo de ocho hombres y mujeres desnudos rechazados por Narciso que, según Dalí, incluye a un hindú, un catalán, un alemán, un ruso, un americano, una sueca y una inglesa. Otra interpretación es la de Shnyder, que considera la transformación opuesta. La mano de la derecha es el estado inicial; a la izquierda, desplazada por traslación, está el pintor Dalí, en un doble de esta imagen. Este grupo se metamorfosea en una figura sentada y encorvada que se refleja en el agua helada, una figura parecida al Narciso del mito de Ovidio. Los colores son cálidos, dorados y suaves. Dalí dice de la figura de Narciso en su estado inicial que "cuando se le mira insistentemente, también se funde en las rocas rojas y doradas".

Premonición de guerra civil

Como muchos de los cuadros de Dalí, éste tiene un doble título: Construcciones blandas con judías hervidas. Premonición de la Guerra Civil. Es un óleo sobre lienzo, de 100 × 99 cm, que se conserva en el Museo de Arte de Filadelfia. Fue comenzado en París en 1936, cuando el aumento de los disturbios armados en España dejaba pocas dudas sobre el futuro inmediato del país, sobre "la proximidad del gran canibalismo armado de nuestra historia, el de nuestra próxima guerra civil". En Vida secreta de Salvador Dalí, el pintor cuenta cómo, en 1934, cuando se proclamó la república catalana, él y Gala huyeron de Barcelona a París, entre bloqueos anarquistas y la declaración de independencia catalana. Su chófer fue asesinado a la vuelta.

En el fondo, el cielo ocupa la mayor parte del lienzo. Sobre el suelo terroso y soleado hay un enorme ser de rostro adusto y anatomía absurda. Toda la imagen se ve desde un ángulo bajo. En este cuadro Dalí consigue una forma de descomposición, disección y recomposición de un gigante en un monstruo. Se trata, según Jean-Louis Ferrier, de un lienzo en el que "un gigantesco cuerpo humano se desgarra, se abre, se estrangula, hace muecas de dolor y de locura". Una mano está en el suelo, en el polvo, mientras que la otra, levantada hacia el cielo, se agarra a un pecho. Ambos están contraídos y son de un color gris cadavérico. Los brazos forman un ángulo y se prolongan en una especie de pierna conectada a una pelvis. Sobre la pelvis, un pie en descomposición y su pierna erguida forman, junto con las partes antes mencionadas, un enorme trapecio, cuyo lado largo está coronado por una cabeza mueca levantada hacia el cielo. El conjunto se apoya en un pie mórbidamente cortado y en una minúscula mesilla de noche, ambos entre judías hervidas esparcidas por el suelo. En la cuenca, a la derecha del pie, hay un zurullo.

El propio Dalí comentó la presencia de estas judías, lo que justifica el primer título de la obra: "La estructura blanda de esta enorme masa de carne de la Guerra Civil, la he adornado con judías hervidas, porque uno no puede imaginarse tragar toda esta carne insensible sin el acompañamiento, incluso banal, de alguna verdura melancólica y harinosa.

La asociación de guerra, comida y amor es el tema central de otro de sus cuadros sobre el mismo tema: Canibalismo en otoño.

La tentación de San Antonio

La Tentación de San Antonio fue pintada en 1946. Es un óleo surrealista sobre lienzo que mide 90 × 119,5 cm y se conserva en Bruselas, en el Museo Real de Bellas Artes. El cuadro se pintó en 1946 en Nueva York y es representativo del periodo en que el surrealismo fue dejando paso a la religión. Para entonces, Dalí ya estaba vinculado al cine y realizó esta obra durante un concurso organizado para la adaptación cinematográfica de la novela Bel-Ami de Guy de Maupassant. El concurso fue ganado por Max Ernst y el cuadro de Dalí no fue aceptado. Para Gilles Néret, el cuadro juega con la oposición religioso-erótica.

"Alquimia de miedos y deseos, La tentación de San Antonio es una sutil síntesis de pintura clásica y del agudo sentido de la espiritualidad de su autor.

- Gilles Néret

El cuadro muestra a San Antonio en el desierto, arrodillado y portando una cruz para protegerse de las tentaciones que le asaltan en un gesto de exorcismo. Estas tentaciones adoptan la forma de un caballo gigante y una fila de elefantes con enormes y grotescas "patas de araña". San Antonio está representado como un mendigo, mientras que cada animal lleva una tentación en el lomo, entre las más comunes entre los hombres. El triunfo está representado por el caballo de cascos sucios y desgastados; a su derecha, una mujer desnuda que se cubre los pechos ofrece su voluptuoso cuerpo. Ella representa la sexualidad. Luego vienen las riquezas. Se trata de un obelisco dorado en el siguiente elefante, inspirado en el obelisco de Bernini en Roma. Le sigue una mujer desnuda atrapada en una casa dorada. Esto se remata con las trompetas de la fama. Al fondo, un último elefante porta un enorme monolito fálico y sobresale de una nube en la que se representa un castillo. En medio del paisaje desierto, bajo los elefantes, dos hombres discuten. Uno va vestido con una capa roja y lleva una cruz. El otro es gris y está inclinado hacia delante. Un ángel blanco sobrevuela el desierto.

Cristo de San Juan de la Cruz

El Cristo de San Juan de la Cruz es uno de los cuadros más famosos del pintor. Se trata de un óleo sobre lienzo, realizado en 1951, de 205 × 116 cm, que se conserva en el Museo Kelvingrove de Glasgow. La originalidad de la perspectiva y la destreza técnica hicieron muy famoso el cuadro, hasta el punto de que en 1961 un fanático intentó vandalizarlo sin mucho éxito. Durante la década de 1950, el artista representó varias veces la escena de la crucifixión, como en Corpus hypercubus, pintado en 1945. Para este cuadro, Dalí se basó en las teorías del Discurso sobre la forma cúbica de Juan de Herrera, responsable del monasterio de San Lorenzo de El Escorial en el siglo XVI.

Dalí se inspiró en un dibujo místico de San Juan de la Cruz conservado en el Monasterio de la Encarnación de Ávila, y en una imagen que dijo haber soñado de un círculo en un triángulo. Esta figura, que según él era como el núcleo de un átomo, era similar al diseño del monasterio y decidió utilizarla para su cuadro. El cuadro muestra a Jesús crucificado, tomado desde una perspectiva de pájaro y visto desde arriba de la cabeza. La cabeza mira hacia abajo y es el punto focal del cuadro. La parte inferior del cuadro representa un paisaje impasible, formado por la bahía de Port Lligat. En la esquina inferior derecha, dos pescadores están ocupados con una barca. Se inspiran en un dibujo de Velázquez para La rendición de Breda y en un cuadro de Le Nain. Entre el Crucificado y la bahía hay nubes místicas y misteriosas, iluminadas por la luz que emana del cuerpo de Jesús. El potente claroscuro utilizado para realzar la figura de Jesús crea un efecto dramático.

Cristo está representado de forma humana y sencilla. Lleva el pelo corto -en contraste con las representaciones clásicas- y está en posición relajada. El signo en la parte superior de la cruz es una hoja de papel con las iniciales INRI. A diferencia de las representaciones clásicas, Cristo no está herido, no está clavado en la cruz, no tiene cortes, muy poca sangre y no presenta ninguno de los atributos clásicos de la crucifixión: clavos, corona de espinas, etc. Parece flotar junto a la cruz. Parece flotar junto a la cruz. Dalí lo justificó explicando que en un sueño cambió su plan inicial de poner flores, claveles y jazmines, en las llagas de Cristo, "quizá por un refrán español que dice A mal Cristo, demasiada sangre". Algunos comentaristas afirman que se trata de la obra más humana y humilde sobre el tema de la Crucifixión.

Principales obras pictóricas

Salvador Dalí pintó 1.640 cuadros, principalmente óleos sobre lienzo. Los títulos y fechas están tomados del libro de Gilles Néret y Robert Descharnes.

Un gran número de obras de Salvador Dalí se exponen en la Fundación Gala-Salvador Dalí de Figueras, en el Teatro-Museo Dalí, que él mismo describió como "el mayor de los objetos surrealistas del mundo".

Principales museos

Junto con Pablo Picasso, Salvador Dalí fue uno de los dos artistas para los que se crearon en vida dos museos dedicados exclusivamente a su obra. El primero en abrir fue fundado por los coleccionistas A. Reynolds Morse y Eleanor Morse, que a lo largo de los años habían reunido una vasta colección. En 1971, el primer museo, situado en Beachwood (Cleveland), fue inaugurado por el propio Salvador Dalí. En la década de 1980, la pareja legó las obras a la ciudad de San Petersburgo, en Florida, que inauguró un nuevo Museo Salvador Dalí en 1982. Allí se conservan 96 cuadros de Dalí, más de 100 acuarelas y dibujos, más de 1.300 fotografías, esculturas, joyas y numerosos archivos. En 2011 se inauguró un nuevo edificio a prueba de huracanes. El segundo museo en abrir sus puertas fue el Teatro-Museo Dalí. Situado en su ciudad natal, Figueras (Cataluña), se construyó en las ruinas de un antiguo teatro arrasado por el fuego durante la Guerra Civil española. El pintor la transformó en museo en la década de 1970 y dotó a la ciudad de un nuevo atractivo turístico. Se inauguró en 1974.

A mediados de la década de 1990 se abrieron otros dos museos en España. El primero es el castillo de Púbol, que fue residencia de su esposa Gala. Tras su muerte en 1982, el castillo sirvió de residencia a Salvador Dalí durante dos años, hasta que se produjo un incendio en la habitación en 1984. Asimismo, su casa de Portlligat, en el puerto de Cadaqués, se ha convertido en museo público. En Francia, Dalí París presenta la colección de más de quince esculturas originales, lo que convierte a esta exposición en la más importante de Francia. En Alemania, el Museo Dalí de la plaza Leipzig de Berlín reúne más de 400 obras del artista catalán.

Cine sobre Dalí

La relación de Dalí con el cine fue objeto de un documental titulado Cinema Dalí en 2004 y de una exposición retrospectiva de la Tate Modern de Londres en 2007. En 2005, Elaney Bishop dirigió la película La muerte de Salvador Dalí, en la que la trama gira entre Dalí y Sigmund Freud sobre cómo representar la locura en sus obras.

En 2009, Little Ashes, una película dirigida por Paul Morrison, sigue la juventud de Dalí en Madrid, con Robert Pattinson en el papel de Salvador Dalí. En 2011, Ben Addis interpretó a Salvador Dalí en la película Hugo Cabret y una comedia dirigida por Woody Allen, Medianoche en París, cuenta la historia de dos jóvenes estadounidenses en el ambiente de los artistas del París de los años veinte. Conocen a Salvador Dalí, interpretado por Adrien Brody. La película ganó el Oscar al mejor guion original en 2012.

Obras

El 24 de mayo de 1978, Salvador Dalí es elegido miembro de la Academia de Bellas Artes en sustitución de Mariano Andreu.

El personaje

La figura sigue siendo controvertida entre críticos e historiadores del arte. En el centenario del nacimiento de Dalí, el crítico literario Peter Bürger señaló en Die Zeit que las clasificaciones de artistas modernos establecidas a partir de 1955 no suelen incluir a Dalí, a diferencia de otros pintores surrealistas como André Masson, Joan Miró y Max Ernst. A partir de los años 40, en Estados Unidos, Dalí fue objeto de críticas por sus trabajos para la alta costura, la joyería y, más en general, el diseño. Se le acusó de difuminar la línea que separa el arte del consumo. Esta actitud de los críticos sólo terminó con la llegada del arte pop, que asumió por completo esta confusión. Su obsesión por Hitler también fue controvertida.

El historiador del arte Michael Peppiatt escribió, a este respecto, que "Dalí pasó de la brillantez subversiva de su juventud a una vacuidad creciente y a un exhibicionismo remunerador", oponiéndose a Jean Dutourd, de la Academia Francesa:

"Salvador Dalí, que era muy inteligente, comprendió varias cosas que los artistas no suelen captar, la primera es que el talento (o el genio) es un puesto de feria. Para atraer a los clientes, hay que hablar bien, tener la lengua afilada, hacer payasadas y payasadas en un escenario. En esto destacó Dalí desde el principio. Se consideraba el mejor pintor del siglo XX, es decir, un artista clásico que tuvo la desgracia de caer en un periodo bajo de su arte. Los trissotines de la intelectualidad occidental y la burguesía que les seguía hicieron la ley, es decir, la opinión.

"Hay dos maneras de conciliar a esta gente, de la que depende la reputación; la primera es ser tan serio como ellos, tan lleno de dignidad. Reconocen inmediatamente a un miembro de la tribu y saben cómo demostrarlo. La otra salida era la provocación, es decir, la extravagancia y lo inesperado, tanto en el pensamiento como en la palabra, la sinceridad brutal, el gusto por la frivolidad, la iconoclasia con respecto a todo lo que está de moda y es, por tanto, intocable.

Sin embargo, Dalí utilizó el academicismo y la pintura de salón del siglo XIX de una forma totalmente inesperada, lo que ha obligado a algunos críticos a reconsiderar su juicio sobre su arte más recientemente. Sobre todo después de las retrospectivas sobre el surrealismo daliniano en París y Düsseldorf. Según Peter Bürger, "Dalí, fallecido en 1989, aún no ha encontrado su lugar en el arte del siglo XX".

En el prefacio de Diario de un genio, Michel Déon resume la originalidad del pintor: "Lo más entrañable de Dalí son sus raíces y sus antenas. Raíces hundidas en la tierra, donde van en busca de todo lo que el hombre ha sido capaz de producir de suculento (según una de sus tres palabras favoritas) en cuarenta siglos de pintura, arquitectura y escultura. Antenas dirigidas hacia el futuro, que huelen, prevén y comprenden con la velocidad del rayo. Nunca se dirá lo suficiente que Dalí es un espíritu de curiosidad insaciable". Thérèse Lacroix, esposa y colaboradora de Marc Lacroix, que visitó a Salvador y a Gala en numerosas ocasiones a lo largo de diez años, observa que Dalí "impresionaba por su mirada y por su forma de llevar la cabeza. Era altivo pero divertido, no se tomaba en serio a sí mismo".

Opiniones políticas

La relación de Dalí con la política fue a menudo equívoca e incomprendida. Sin embargo, desempeñaron un papel importante en su carrera artística. De adolescente, Dalí "se inclinaba por el anarcosindicalismo radical", seguía con pasión la revolución rusa y los avances del Ejército Rojo de Trotski, y se definía entonces como socialista. Fue detenido y encarcelado durante varias semanas en Girona por agitación revolucionaria. Pero su visión política evolucionó gradualmente hacia un "anarquismo violentamente antisocial" y luego hacia un apolitismo provocador. Su individualismo visceral probablemente no podría hacer frente a un movimiento popular a largo plazo. En 1934 provocó la ira de los surrealistas al representar a Guillermo Tell disfrazado de Lenin, lo que André Breton consideró un "acto antirrevolucionario". La ruptura fue total cuando Dalí centró su obra en Hitler, hacia quien hizo comentarios ambiguos a finales de los años treinta, hasta que Breton excluyó definitivamente al pintor. Dalí huye de España justo a tiempo para el estallido de la Guerra Civil.

Para Robert Descharnes y Gilles Néret, Dalí vivió esta guerra española con incomprensión. Toman nota de las palabras del pintor: "No tenía alma ni fibra histórica. Cuanto más se desarrollaban los acontecimientos, más apolítico y enemigo de la historia me sentía". Se quedó atónito ante la "ignominia" del asesinato de su amigo Lorca, "el pintor más apolítico de la tierra". Presionado para elegir entre Hitler y Stalin "por la hiena de la opinión pública", optó por seguir siendo él mismo. Tuvo la misma actitud durante la Segunda Guerra Mundial, huyendo de Francia en guerra, y fue muy criticado por ello, por ejemplo por George Orwell: "A medida que se acercaba la guerra en Europa, sólo tenía una preocupación: encontrar un lugar que tuviera buena comida y del que pudiera huir rápidamente en caso de peligro", añadiendo en su biografía que Dalí era un dibujante excepcional y un tipo repugnante.

Tras su regreso a Cadaqués en 1948, Dalí despliega un monarquismo casi místico. Jean-Louis Gaillemin toma nota de las palabras del pintor:

"Monarquía absoluta, perfecta cúpula estética del alma, homogeneidad, unidad, suprema continuidad biológica hereditaria, todo ello en lo alto, elevado cerca de la cúpula del cielo. Abajo, anarquía enjambrada y supergelatinosa, heterogeneidad viscosa, diversidad ornamental de ignominiosas estructuras blandas, comprimidas y cediendo el último jugo de sus últimas formas de reacción."

Esta actitud fue interpretada bien como un acercamiento al franquismo -en particular por André Breton-, bien como una forma de no apoyar directamente a ese régimen, que sin embargo se sirvió de algunas declaraciones del pintor y le concedió la Gran Cruz de la Orden de Isabel la Católica en 1964. Su actitud siguió siendo ambigua. Al margen de consideraciones surrealistas, si por un lado Dalí no perdonó la muerte de Lorca a manos de los milicianos franquistas y denunció hasta el final la censura de la obra de su amigo poeta, por otro conoció personalmente a Franco en 1953 y pintó un retrato de su nieta en 1974.

Para Robert Descharnes, Dalí estaba sobre todo cerca de la tradición monárquica española, que complementaba otros aspectos de su giro tradicionalista hacia el catolicismo romano y la pintura renacentista. Dalí reivindicó su apoyo a la monarquía, que promovió como una traición a la burguesía, su clase social de origen. Comenzó en la extrema izquierda, pero su carrera política se desvió hacia la derecha. En Francia, Dalí fue apoyado principalmente en los años cincuenta y sesenta por intelectuales de derechas como Louis Pauwels, pero cuando en 1970 se declaró "anarco-monárquico", abrió la puerta a la especulación sobre esta orientación política, ciertamente minoritaria.

Según Vicente Navarro, en 1975 Dalí felicitó al viejo general Franco, poco antes de su muerte, por sus acciones encaminadas a "limpiar España de fuerzas destructoras", tras firmar órdenes para ejecutar a cinco presos de ETA. Mientras muchos veían en Dalí el papel de "bufón de la corte" de Franco, otros, como el arquitecto Óscar Tusquets en su libro Dalí y otros amigos, señalaban que la extrema exageración de estas felicitaciones a un dictador a las puertas de la muerte debía interpretarse con ironía, ya que las constantes provocaciones del pintor tenían como objetivo construir una figura pública surrealista.

Los cuadros de Salvador Dalí son obras muy codiciadas por los coleccionistas de arte. El óleo sobre madera Mi mujer desnuda mirando su propio cuerpo convertido en pasos, tres vértebras de una columna, 1945, se vendió en Sotheby's de Londres el 4 de diciembre de 2000 por 2.600.000 libras esterlinas o 4.274.140 euros. El óleo sobre lienzo, Eco nostálgico, de 96,5 × 96,5 cm, se vendió en Sotheby's de Londres el 2 de noviembre de 2005 por 2.368.000 dólares (2.028.665 euros).

Se rumorea que Dalí fue obligado por su entorno a firmar lienzos en blanco para que pudieran ser pintados por otros y vendidos tras su muerte como originales, alimentando las sospechas y, en consecuencia, devaluando las obras tardías del maestro. En el caso de sus litografías de mariposas, Salvador Dalí recortaba fotografías de estos insectos de revistas, las pegaba en una hoja de papel y las hacía copiar por el litógrafo Jean Vuillermoz. Estas litografías se imprimieron en hojas ya firmadas previamente por Dalí.

En 2017, una adivina, Pilar Abel, aseguró ser su hija. Para determinar si el pintor era efectivamente el padre biológico, el tribunal madrileño ordenó la exhumación de su cadáver el 26 de junio "con el fin de obtener muestras de sus restos". La exhumación tuvo lugar el 20 de julio en el Museo Dalí de Figueras, donde el pintor fue enterrado en una cripta. El 6 de septiembre de 2017, la Fundación Dalí reveló que los resultados del ADN demuestran que el artista español no es el padre de Pilar Abel.

En 2014, Sergio G. Mondelo dirigió Dalí, el hombre que amaba a las musas.

En 1951, Giovanni Papini escribió una continuación de Gog, titulada El libro negro, en la que incluyó el capítulo "Visita a Salvador Dalí (o: del genio)", en el que el protagonista se encuentra con Dalí, quien le presenta toda la visión de su obra.

En la novela de Michael Chabon The Amazing Adventures of Kavalier & Clat (2000), Salvador Dalí es uno de los personajes históricos secundarios.

Salvador Dalí es un personaje secundario en la película de animación Buñuel después de la Edad de Oro (2018): se le menciona varias veces y su voz (interpretada por Salvador Simó, el director) se escucha en una escena en la que Luis Buñuel le telefonea.

Es el protagonista del volumen 46 de la serie de cómics D-Day, "Las Bodas de Sangre", publicado en 2022.

Lo interpretan Ben Kingsley y Ezra Miller en el largometraje Dalíland (2022), de Mary Harron, y seis actores diferentes en ¡Daaaaali!

Fuentes

1. Salvador Dalí
2. Salvador Dalí
3. Dalí Salvador, Oui, Gonthier (ISBN 978-2-282-30197-6 et 2-282-30197-8).
4. Dalí Salvador (trad. de l'espagnol), La Vie secrète de Salvador Dalí, Paris, Éditions Gallimard, 2002, 437 p. (ISBN 2-07-076374-9), p. 448.
5. Dalí Salvador, Journal d'un génie, Paris, Éditions Gallimard, 1963, 301 p. (ISBN 2-07-073811-6), p. 308.
6. Dalí Salvador, Visages cachés : roman, Paris, éditions Stock, 1973, 597 p. (ISBN 2-84805-018-7).
7. Descharnes/Néret: Salvador Dalí, S. 12.
8. Linde Salber: Salvador Dalí, S. 10–17.
9. ^ a b Dalí's name varied over his life. His birth name was officially registered as Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí Doménech. His first names were in Spanish and his surnames castilianized despite being born in Catalonia, as at the time the Catalan language was banned from official acts. His complete name in Catalan is Salvador Domènec Felip Jacint Dalí i Domènech. In 1977 Catalan names were legalized, and he adopted the hybrid form (first names in Spanish, surnames in Catalan). This form and the purely Spanish and Catalan forms can all be seen in print today.
10. ^ In isolation, Dalí is pronounced [dəˈli] in Catalan and [daˈli] in Spanish.
11. a b Gibson, Ian (2004). La vida desaforada de Salvador Dalí. Barcelona: Anagrama. p. 55. ISBN 84-339-6754-1.
12. a b Dalí, Salvador (2000). Dalí: 16 Art Stickers, Courier Dover Publications. ISBN 0-486-41074-9.
13. Saladyga, Stephen Francis. «The Mindset of Salvador Dalí.» lamplighter (Niagara University). Vol. 1 No. 3, Summer 2006. Consultado el 22 de julio de 2006.