Streszczenie

Simone Martini (Siena, ok. 1284 - Awinion, 1344) był włoskim malarzem i jedną z największych postaci średniowiecznego malarstwa sieneńskiego. Przez całe życie otrzymywał zlecenia z najwyższych kręgów, był pierwszym "nadwornym artystą" w Sienie dla Soboru Dziewięciu, namalował serię fresków w najważniejszym kościele zakonu franciszkanów w Asyżu, otrzymał zlecenie od Królestwa Neapolu, a później pracował na dworze papieskim. Z lokalnego malarza przeszedł do rangi artysty o międzynarodowej sławie. On i jego grono uczniów przekazali ważne wzorce malarskie, które były wykorzystywane przez wielu innych artystów europejskich i całe szkoły malarskie.

O życiu i osobowości Simone Martini wiadomo niewiele. Giorgio Vasari w książce "Najwybitniejsi malarze, rzeźbiarze i architekci" opisał historię jej życia wraz z historią kilku innych toskańskich malarzy, ale informacje zawarte w książce są niedokładne. Vasari nie znał nawet dokładnie jej nazwiska, nazywając ją Simone Memmi, myląc ją z jej szwagrem Lippo Memmi. Nie zachowały się żadne dokumenty dotyczące pierwszych prawie trzydziestu lat jej życia. Urodził się w Sienie lub niedaleko tego miasta około 1284 roku. Jego ojciec pracował jako pomocnik malarza, pomagając w przygotowaniu fresków. Prawdopodobnie uczył się w pracowni Duccio di Buoninsegna i stał się uznanym artystą przed 1315 rokiem. W latach 1312-1315 wykonał rysunki do witraży w kaplicy św. Marcina w bazylice św. Franciszka w Asyżu. W 1315 r. namalował Maesta w komnacie rady w Palazzo Pubblico (ratuszu) w Sienie, a następnie pracował nad freskami w kaplicy św. Marcina w Asyżu. Marcina w Asyżu. Jego sława szybko rosła i w 1317 r., krótko po swoich trzydziestych urodzinach, został zaproszony na dwór Andegawenów w Neapolu, gdzie otrzymał roczne stypendium i został pasowany na rycerza. Świadczy o tym nakaz zapłaty z 23 lipca 1317 r., w którym jest on określony jako rycerz, a nie malarz. Pod koniec pierwszego i na początku drugiego dziesięciolecia XIV wieku wykonał szereg obrazów panelowych, ale tylko dwa z nich mogą być datowane, z których najważniejszym jest sygnowany obraz dla kościoła św. Katarzyny Aleksandryjskiej w Pizie, namalowany w 1319 roku, a drugim jest ołtarz znajdujący się obecnie w Orvieto, z 1320 roku. Nie zachowały się żadne inne prace z tych lat, więc z braku źródeł nie można określić, które z wielu dzieł były jego autorstwa, a które wykonane przez asystentów. W drugiej dekadzie XIV wieku miał już kilku naśladowców pracujących w jego warsztacie. Z imienia i nazwiska znani są jedynie jego brat Donato oraz późniejsi szwagrowie Lippo i Federico Memmi. W latach dwudziestych XIII wieku otrzymywał w Sienie liczne zlecenia, co poświadczają zachowane dokumenty, w których mowa jest na ogół o sumach wypłacanych artyście. W 1321 roku musiał przemalować część Maesty, a w 1322 i 1323 roku otrzymał kilka zleceń na dekorację Palazzo Pubblico. Prace te uległy zniszczeniu i na podstawie dokumentów nie można ustalić, jakie to były zlecenia. W 1324 roku ożenił się z córką Memmo di Filippuccio, Giovanną. Malarz był już wtedy człowiekiem zamożnym, a na krótko przed ślubem kupił dom i podarował żonie w prezencie ślubnym 240 złotych monet. Dzięki wżenianiu się w rodzinę Memmo, on i Lippo Memmo stali się jeszcze bliżsi, związek ten trwał do końca jego życia. Ołtarz bł. Augusta z Tarano w kościele św. Augustyna w Sienie oraz panel św. Łazarza, króla węgierskiego, który był przeznaczony do prywatnej czci, zostały namalowane prawdopodobnie w latach dwudziestych XIII wieku. W 1326 roku namalował panel dla Palazzo del Capitano del Popolo. Było to duże dzieło, jak sugeruje znaczna suma zapłacona artyście za nie, ale inne informacje

Simone Martini był naśladowcą Duccio di Buoninsegna i prawdopodobnie w jego środowisku uczył się sztuki malarskiej. Znał też innowacje Giotta, ale świadomie powstrzymywał się od ich stosowania. Bliska była mu francuska sztuka gotycka, której eleganckie linie są rozpoznawalne w jego dziełach. Dzięki niemu szkoła sieneńska cieszyła się krótko renomą większą niż florencka. Pracował w Asyżu, Neapolu, Rzymie i pałacu papieskim w Awinionie. Poza oficjalnymi zleceniami Republiki niewiele pracował w Sienie, a znacznie więcej dla Anjou z Neapolu. Dzięki jego pracy w Awinionie cechy malarstwa sieneńskiego, z jego kompozycją i kolorystyką w stylu bizantyjskim oraz liniami zachodniego gotyku, rozprzestrzeniły się najpierw we Francji, a później w innych częściach Europy. Styl ten można uznać za bezpośredniego prekursora międzynarodowego gotyku. Oprócz fresków stworzył również wiele obrazów panelowych, a te łatwe w transporcie drewniane panele w znacznym stopniu przyczyniły się do rozpowszechnienia jego reputacji na dużych obszarach, a później do popularności stylu sieneńskiego w całej Europie. Często stosował złote tła, na które nie miały wpływu nowe osiągnięcia w dziedzinie odwzorowania przestrzennego. W wielu przypadkach używał metalowego narzędzia z wygrawerowanym końcem, by na złotym tle odcisnąć motywy kwiatowe i inne dekoracyjne, zaznaczając ramy, glorie lub obszycia szat. To właśnie w pracach Simone Martiniego po raz pierwszy zauważa się, że jego portrety miały charakter indywidualistyczny. Przykładem tego jest jego portret króla Neapolu Roberta z profilu czy postać kardynała Gentile da Montefiore w kaplicy św. Marcina.

Simone Martini swoje wczesne dzieła stworzył prawdopodobnie w Sienie na początku XIV wieku. Jego najwcześniejszym znanym dziełem jest Madonna z Dzieciątkiem, znajdująca się w Galerii Obrazów w Sienie (nr 583), która stanowiła centralny punkt wielopanelowego obrazu, na co wskazują otwory wywiercone w ramie. Madonna jest zwrócona do widza, jej postawa jest wyprostowana, a płaszcz szczelnie okrywa jej ciało. Cechy te można przypisać sztuce Duccio, ale na obrazie widać też innowacje Martiniego, takie jak charakterystyczny kształt chusty okrywającej głowę Madonny, światła i cienie na ubraniach postaci, ruch Dzieciątka, gdy odwraca się, by stanąć twarzą w twarz ze świętym (obecnie zaginionym) po prawej stronie, jej kręcone włosy i doskonale wyrzeźbione uszy. Inne z jego wczesnych dzieł zostało odkryte w kościele San Lorenzo in Ponte w San Gimignano, a badania sugerują, że zostało namalowane między 1311 a 1314 rokiem. Jest to obraz Madonny, ale tylko twarz postaci można uznać za dzieło Simone Martiniego, gdyż w 1413 roku Cenni di Francesco przemalował prawie cały fresk. Mimo wyjątkowo złego stanu fresku, przedstawienie twarzy Madonny przez światła i pozostałe fałdy płaszcza przypominają Madonnę ze Sieneńskiej Galerii Obrazów. W Sienie znajduje się również jego obraz Madonny Miłosierdzia, który mógł zostać namalowany w tym samym okresie. Już w tym obrazie rozpoznawalne są cechy stylistyczne Duccio, zwłaszcza w układzie postaci pod płaszczem Maryi, ale innowacją Martiniego jest poczucie przestrzeni oddzielającej postacie, ożywioną postać Maryi i fałdy jej płaszcza.

Maesta

Jego pierwsze poważne zlecenie miało miejsce w rodzinnym mieście. Budowa Palazzo Pubblico została ukończona na początku XIV wieku, a on w 1315 roku namalował w komnacie rady wewnątrz budynku Madonnę, opiekunkę miasta, w towarzystwie świętych i aniołów, zaledwie cztery lata po tym, jak Duccio ukończył ołtarz w katedrze. Wynika z tego, że Simone Martini był już w tym czasie uznanym mistrzem, w przeciwnym razie to Duccio, a nie Simone Martini, otrzymałby zlecenie na wykonanie tak ważnego dzieła. Tutaj Madonna nie jest już postacią półbizantyjską, ale nosi koronę jak Madonny francuskie. Na jej kolanach leży Dzieciątko Jezus, które w jednej ręce trzyma błogosławieństwo, a w drugiej zwój. Święci Piotr, Paweł, Jan Chrzciciel i Jan Ewangelista podtrzymują duży kolorowy baldachim z płótna, którego zasłona jest odwrócona w stronę widza tak, że widoczna jest wewnętrzna strona. Baldachim z kolorowej tkaniny podtrzymywany jest przez cienkie kolumny. Krzesło tronowe jest w stylu gotyckim, przypominającym XIV-wieczne trójdzielne ołtarze, co sugeruje, że artystę od początku pociągał francuski gotyk, jeszcze zanim zapoznał się z nim bliżej na dworze papieskim w Awinionie. Rysy świętych otaczających Madonnę nie są zbyt indywidualne, nie są zbyt ekspresyjne, a ich wypowiedzi są łagodne i pozbawione gwałtowności. Malarz umieścił postacie w płaszczyznach za sobą, starając się wywołać wrażenie przestrzenności. Na lewo od ozdobnego tronu znajdują się św. Katarzyna Aleksandryjska, św. Jan Ewangelista, św. Maria Magdalena, św. Gabriel Archanioł i św. Paweł, a na prawo św. Barbara, św. Jan Chrzciciel, św. Agnieszka, św. Michał Archanioł i św. Piotr. W dolnym rzędzie klęczą czterej patroni Sieny w towarzystwie dwóch aniołów, którzy ofiarowują Madonnie róże i lilie. Duży fresk obramowany jest szeroką, dekoracyjną ramą, w której na przemian pojawiają się popiersia proroków i motywy roślinne, a także herb miasta Sieny w małych medalionach. W czterech rogach ramy znajdują się czterej ewangelicy ze swoimi symbolami. Sinmone oprócz tradycyjnych farb używał także innych materiałów, a w niektórych częściach fresku rzeźbił w ścianie lub tworzył podwyższone powierzchnie, aby osiągnąć pożądany efekt. Zwój, który trzyma Jezus, to prawdziwy papier, a tekst na nim to prawdziwy atrament. Czerpał również obficie ze sztuki sieneńskich złotników, motyw ten jest najbardziej widoczny w projekcie krzesła tronowego. Przy klęczących postaciach od podłogi, około cztery metry nad ziemią, biegnie linia, w której lekko zmieniają się kolory. Prawdopodobnie pomiędzy tymi dwoma częściami przebywał w Asyżu, gdzie w kaplicy św. Marcina badał powierzchnie i wykonywał rysunki. Marcina. Sześć lat po ukończeniu budowy Maesta został częściowo przemalowany, ponieważ jego część została uszkodzona przez wodę deszczową. Możliwe, że figury Marii, dzieciątka Jezus i dwóch aniołów trzymających kwiaty są wynikiem tego przemalowania.

Kaplica św. Marcina

W Asyżu Simone Martini ozdobił serią fresków kaplicę św. Marcina, jeden z niższych kościołów bazyliki św. Franciszka. Kaplica ta została poświęcona w 1312 roku przez kardynała Gentile da Montefiore, który w swoim testamencie pozostawił zakonowi franciszkanów pokaźną sumę sześciuset złotych monet na pokrycie kosztów dekoracji kaplicy. Ten cykl fresków związany jest również z dworem neapolitańskim, gdyż w jego realizacji pewną rolę odegrał król Robert, jako wykonawca testamentu jego fundatora, kardynała Montefiore, zwanego legatem Węgier. Data powstania malowideł ściennych w kaplicy św. Marcina jest przedmiotem kontrowersji, nie tylko ze względu na ich walory artystyczne, gdyż z dojrzałego okresu twórczości Martiniego zachowało się niewiele sygnowanych i datowanych dzieł. Najbardziej prawdopodobna data powstania malowideł ściennych to pierwsza połowa lat dwudziestych XIII wieku, niektórzy badacze uważają, że pochodzą one z kilku lat wcześniej, z 1317 roku. Na podwyższonej półokrągłej powierzchni na ścianie wejściowej kaplicy artysta przedstawił najpopularniejszych świętych tamtych czasów (św. Franciszek z Asyżu, św. Antoni z Padwy, św. Maria Magdalena, św. Katarzyna Aleksandryjska, św. Ludwik Francuski, św. Ludwik z Tuluzy, św.) Kiedy Martini projektował cykl fresków do kaplicy, te przedstawienia świętych prawdopodobnie nie były uwzględnione w pierwotnych planach, ale prawdopodobnie zostały wykonane w 1317 roku na cześć świętego Ludwika z Tuluzy, w roku jego kanonizacji. Cykl fresków przedstawia życie świętego Marcina, który urodził się w Panonii w IV wieku, został żołnierzem, a później poświęcił swoje życie całkowicie religii. Malarz wybierając sceny z życia świętego do przedstawienia, szukał idealnej paraleli z freskami o życiu św. Franciszka w powyższej bazylice. Freski "Święty Marcin dzielący swój płaszcz z żebrakiem" "Aż do pogrzebu świętego" śledzą życie świętego Marcina w dziesięciu scenach cudów i innych znaczących czynów. Ich atmosfera oddaje życie na średniowiecznych dworach. Dziesięć scen z życia św. Marcina oddzielone są ozdobnymi ramami. Pierwotnie były one opatrzone napisami, które jednak obecnie całkowicie wyblakły i stały się nieczytelne. Oprócz fresków ważnym dziełem sztuki są również witraże kaplicy, które powstały prawdopodobnie na podstawie rysunków Simone Martiniego, zanim kaplica została pomalowana. Witraże były zawsze wykonywane przed malowaniem kaplic, ponieważ kolorowe szkło znacznie zmieniało oświetlenie wnętrza, a tym samym efekt malowideł. W półkolistym łuku nad wejściem namalował scenę "Konsekracji kaplicy". Na obrazie kardynał Gentile klęczy przed św. Marcinem, który pomaga mu wstać z ziemi. Scena rozgrywa się pod cyborium w stylu gotyckim z półkolistymi łukami z trzema ramionami po każdej stronie. Realistyczne przedstawienie kardynała przez Simone jest jednym z najbardziej uderzających przykładów realizmu

Cykl fresków o św. Marcinie

Pierwsze cztery z dziesięciu scen przedstawiają świętego jako osobę świecką.

Święte obrazy w transepcie bazyliki św. Franciszka

W dolnym kościele bazyliki św. Franciszka, w transepcie po prawej stronie, na zewnętrznej ścianie kaplicy św. Mikołaja, Simone Martini namalował szeroki pas siedmiu świętych oraz Madonnę z Dzieciątkiem. Freski mogły powstać około 1318 roku, ale niektórzy badacze uważają, że możliwe jest, iż zostały namalowane dekadę później. Cały pas otoczony jest ozdobną ramą, postacie oddzielone są cienkimi kolumnami, linie są harmonijne, a kolory użyte do ich namalowania jasne. Postacie to, od lewej do prawej, św. Franciszek, św. Ludwik z Tuluzy, św. Elżbieta Węgierska, św. Małgorzata, książę Imre, św. Szczepan, Matka Boska z Dzieciątkiem i św. Łazarz

Król Robert z Neapolu, przyjaciel Petrarki, doszedł do władzy po abdykacji jego brata Ludwika. Ludwik wstąpił do zakonu franciszkanów, później został biskupem Tuluzy, a po śmierci został kanonizowany. Król Robert chciał upamiętnić swojego brata, więc w 1317 roku (w tym samym czasie co jego kanonizacja) zlecił artyście namalowanie jego portretu. Obraz został namalowany w kaplicy w kościele San Lorenzo Maggiore w Neapolu i do dziś znajduje się w Galerii Obrazów Capodimonte w Neapolu. Panel został oprawiony w szeroką ramę ozdobioną liliami, symbolem rodu Anjou. Ludwik ukazany jest w centrum kompozycji, siedzący na tronie, w sztywnym ujęciu frontalnym. Książę ubrany jest w ozdobną wysoką szatę kapłańską nałożoną na habit franciszkański, a na głowie nosi biskupią mitrę zdobioną kamieniami szlachetnymi i perłami. W prawej ręce trzyma pasterski rogal, a w lewej koronę królewską, którą trzyma nad głową brata. Świętego wieńczą dwa anioły, splatając w ten sposób koronację Ludwika w niebie i Roberta na ziemi. Obraz oddaje królewską godność postaci, dzięki anatolijskiemu dywanowi, prawdziwemu szklanemu dyskowi trzymającemu szaty razem oraz przedstawieniu biżuterii i ozdobnych sukien na postaciach. Robert z Anjou chciał w ten sposób podkreślić prawowitość swojego panowania, uchronić się przed oskarżeniami o uzurpację tronu, a także podkreślić fakt, że malarz prawdopodobnie namalował wierny portret króla, postać św. Ludwika wydaje się niematerialna, patrząca w dal, najwyraźniej należy już do sfery boskiej, podczas gdy jego brat, w przeciwieństwie do niego, należy do rzeczywistości ziemskiej

Sceny z życia św. Ludwika z Tuluzy

W dolnej części panelu znajduje się historia św. Ludwika z Tuluzy w pięciu scenach. W pierwszym obrazie św. Ludwik przyjmuje konsekrację na biskupa Tuluzy. Ze względów politycznych dokonano tego potajemnie w grudniu 1296 roku w Rzymie w obecności papieża Bonifacego VIII i króla Karola II Neapolitańskiego (ojca Ludwika), który chciał zdobyć większe wpływy na obszarze, który miał duże znaczenie dla króla Francji Filipa IV. Ludwik nie chciał brać udziału w rozgrywkach politycznych i był gotów pełnić funkcję biskupa tylko wtedy, gdy będzie mógł wstąpić do zakonu franciszkanów. Na drugim obrazie Ludwik składa śluby 5 lutego 1297 roku na podstawie tajnego paktu z papieżem i staje się członkiem zakonu franciszkanów, na trzecim rozdaje święty pokarm potrzebującym, na czwartym jego pogrzeb, czyn godny najwyższego kapłana, a na piątym jeden z jego cudownych czynów wskrzeszenia dziecka, które zmarło krótko wcześniej.

Badania sugerują, że poliptyk św. Katarzyny (obraz wielopanelowy) jest w całości dziełem Simone Martiniego. Niektórzy badacze sugerują, że figury męczenników św. Dominika i św. Piotra zostały wykonane przez jego asystentów, ale jest to mało prawdopodobne, ponieważ udział asystentów został podkreślony dopiero w późniejszych pracach. W kronice klasztoru Santa Caterina w Pizie znajduje się informacja, że zlecenie otrzymał w 1319 roku niejaki Petrus Converus, a dzieło przeznaczone było do głównego ołtarza klasztoru. Do dziś jest ono eksponowane w muzeum San Matteo w Pizie i uważane jest za najważniejszy sygnowany obraz artysty. Ołtarz składa się z siedmiu części, z których każda podzielona jest na trzy części. W ołtarzu znajdują się łącznie czterdzieści trzy postacie apostołów, męczenników, biskupów i proroków. Na przestrzeni wieków kawałki panelu były umieszczane obok siebie w różnych porządkach. Obecnie trójkąty powyżej przedstawiają Zbawiciela w centrum, po obu stronach król Dawid grający na harfie i Mojżesz z tablicami, a także prorocy Jeremiasz, Izajasz i Ezechiel. W drugim rzędzie dwie postacie zajmują każdy z siedmiu paneli. W centrum znajdują się archaniołowie Michał i Gabriel, z apostołami i ewangelistą Mateuszem. Ich imiona widnieją na złotym tle, każdy z nich trzyma egzemplarz Ewangelii. Od lewej do prawej: Tadeusz, Szymon, Filip, Jakub Młodszy, Andrzej, Piotr, Paweł, Jakub Starszy, Mateusz Ewangelista, Bartłomiej, Tomasz i Mateusz Apostoł. W środkowym rzędzie znajdują się duże figury Marii Magdaleny, św. Dominika, św. Jana Ewangelisty, Matki Bożej z Dzieciątkiem, św. Jana Chrzciciela, św. Piotra Męczennika i św. Katarzyny Aleksandryjskiej. Nad Madonną w ramie znajduje się sygnatura artysty "Symon de Senis me pinxit". Dolny rząd, czyli kolejność części predelli, jest mniej problematyczny. W centrum znajduje się Chrystus z Matką Boską i św. Markiem. Pozostałe postacie to, od lewej do prawej, św. Szczepan, św. Apollonia, św. Jerome, św. Luka, św. Grzegorz, św. Łukasz, św. Tomasz z Akwinu, św. Augustyn z Hippony, św. Agnieszka, św. Ambroży, św. Orszulka i św. Wawrzyniec. Fakt, że obraz panelowy jest podzielony na tak wiele części, dał artyście możliwość przedstawienia innych postaci oprócz tych tradycyjnie przedstawianych w tego typu dziełach, jak np. św. Jerome i św. Grzegorz, którzy byli związani z zakonem zlecającego dzieło dominikanina. Ponadto na panelu znajdują się również niedawno kanonizowani: św. Domonkos, założyciel zakonu Domonkosów, oraz św. Piotr Męczennik. Jedną ze szczególnych cech panelu jest to, że przedstawia on św. Tomasza z Akwinu w chwale, chociaż jego kanonizacja faktycznie miała miejsce dopiero w 1323 r.

Datowanie dzieł artysty z początku lat dwudziestych XIII wieku jest bardzo trudne, a w przypadku wielu z nich nie można nawet z całą pewnością ustalić, kto je stworzył. Dzieje się tak dlatego, że asystenci ściśle współpracujący z mistrzem pracowali w jego warsztacie w dużej liczbie, często korzystając wzajemnie ze swoich pędzli, a czasem nawet podpisując wykonane przez kogoś innego prace. Poliptyk z Orvieto jest typowym przykładem tego zjawiska. Data jego powstania nie została jeszcze ustalona, ale pochodzi z lat dwudziestych XIII wieku i został wykonany dla kościoła św. Dominika. Obecnie jest wystawiony w Opera del Duomo w Orvieto. Został zamówiony przez biskupa Sovany, Trasmundo Monaldeschi, który zapłacił za niego sto sztuk złota. Pierwotnie panel składał się z siedmiu części, ale dziś dwa zewnętrzne panele zostały utracone. W centrum znajduje się Madonna z Dzieciątkiem, ze św. Piotrem, św. Marią Magdaleną, św. Dominikiem i św. Pawłem. Charakterystyczną cechą panelu jest to, że św. Paweł jest zwrócony w lewo, podczas gdy pozostałe postacie są zwrócone w prawo. Pawła zwróconego w lewo, podczas gdy pozostałe postacie w prawo. Poliptyk ten, znajdujący się obecnie w Isabella Steward Gardner Museum w Bostonie, może być współczesny poprzedniemu, lub też mógł powstać nieco później. Pierwotnie namalowany dla kościoła Santa Maria dei Servi w Orvieto ołtarz składa się z pięciu części. Również tutaj w centrum przedstawiona jest Madonna z Dzieciątkiem, którą od lewej do prawej strony flankują św. Paweł, św. W trójkątnych miejscach nad głównymi postaciami pojawiają się aniołowie, w centrum obok Chrystusa, który pokazuje swoje rany, trzymając w prawych rękach symbole Męki Pańskiej (kolumnę, bicz, koronę cierniową, krzyż i włócznię). Stylistycznie panel ten bliższy jest obrazowi dla klasztoru Santa Caterina w Pizie niż poliptykowi z Orvieto. Postacie mają eleganckie linie, ich ręce są starannie opracowane. Grupa dzieł z lat dwudziestych XIII wieku jest prawie niemożliwa do ustalenia, ponieważ nie zachowała się żadna pisemna dokumentacja. Do tej grupy można zaliczyć panel Madonny z Dzieciątkiem i Aniołami w Opera del Duomo w Orvieto, inny z tego obrazu, męczennika w Ottomanie, panel św. Luki i św. Katarzyny w Settignano oraz dwie Madonny w Galerii Obrazów w Sienie. Niektórzy uczeni uważają także krucyfiks w kościele Misericordia w San Casciano in Val di Pesa za dzieło Simone Martiniego, datowane na około 1321 r., ale i na to nie ma pisemnych dowodów.

Po kilku latach spędzonych w Asyżu, Orvieto, a także pracy w Pizie, wrócił do Sieny w 1324 roku, ożenił się i prawdopodobnie pozostał w tym mieście przez wiele lat. W tym czasie był już powszechnie znanym artystą. Namalował kilka fresków dla ratusza w Sienie, ale dzieła te nie zachowały się i wiemy o nich tylko ze źródeł mówiących o sumach wypłacanych artyście. W drugim okresie pobytu w Sienie namalował Ołtarz bł. Augustyna w kościele św. Augustyna w Tarano, słynny portret Guidoriccio da Folignano oraz Pozdrowienie Anielskie, znajdujące się obecnie w Uffizi.

Ołtarz bł. Augustyna z Tarano

August był popularną postacią tamtych czasów. Studiował prawo na Uniwersytecie Bolońskim, a następnie wstąpił do zakonu św. Augustyna, gdzie został generałem zakonu. U szczytu kariery zdecydował się na emeryturę w pustelni San Leonardo al Lago, niedaleko Sieny. Ołtarz składa się z pięciu paneli, przedstawiających go i cztery jego cuda. Pierwotnie wisiał na ścianie kościoła św. Augustyna, nad trumną błogosławionego Augustyna. Wraz z poświęconym mu ołtarzem, trumna i tablica tworzyły charakterystyczny zespół pamiątkowy. Tablicę można było datować tylko w przybliżeniu, ale prawdopodobnie była już gotowa w 1324 roku, kiedy to w mieście odbywały się wielkie i kosztowne uroczystości ku czci Augusta. W centrum tablicy znajduje się młody August trzymający księgę (Statuty Zakonu Augustyna). Malarz przedstawił go w chwale, mimo że nie został kanonizowany. Drzewa obok niego i starsi pustelnicy namalowani w medalionach nad nim są nawiązaniem do ustronnego życia pustelniczego, jakie prowadził w San Leonardo al Lago. Cztery cuda dotyczą jego pomocy ludziom (w trzech przypadkach dzieciom), którzy ulegli wypadkom. Cud z wilkiem atakującym dziecko przedstawia miasto Siena, cud z dzieckiem spadającym z balkonu przedstawia ulicę w mieście, cud z dzieckiem wypadającym z kołyski przedstawia wnętrze domu, a cud z rycerzem spadającym do wąwozu przedstawia okolice Sieny w tle.

Tablica św. László

Tablica Altomonte St. Lazio (Altomonte, Museo della Consolazione) została wykonana dla Filippo di Sangineto, wpływowego neapolitańskiego dworzanina, gdy ten spędzał dłuższy czas w Sienie na polecenie cesarza. Ten niewielki panel składał się prawdopodobnie z dwóch części, z których zachowana część przedstawia króla Węgier Świętych Łazarza. Wybór tematu wyraża bliskie więzi, jakie łączyły zleceniodawcę z węgierską gałęzią rodu Anjou. Święty stoi na ozdobnym złotym tle, trzymając w ręku siekierę. Kolory użyte do wykonania panelu są jasne, a kształt płaszcza świętego daje wrażenie przestrzenności.

Guidoriccio da Folignano

Mówi się, że Martini namalował portret generała Guidoriccio da Folignano w komnacie rady Palazzo Pubblico w 1330 roku, czyli w roku, w którym stłumił on bunt miast Montemassi i Sassoforte, które zbuntowały się przeciwko rządom Republiki Sieneńskiej. Podczas ostatniej renowacji odkryto, że fresk został namalowany od prawego górnego, a nie lewego górnego rogu, jak to jest w zwyczaju. Fresk został ukończony bardzo szybko w ciągu siedmiu lub ośmiu dni, przy czym namalowanie generała i jego konia zajęło tylko jeden dzień. Na obrazie artysta przedstawił dwie małe wioski na wzgórzu, u ich stóp obóz wojsk sieneńskich, a pośrodku generała na koniu. Za nim znajduje się prosto namalowane tło z ciemnoniebieskim niebem. Wydaje się, że malarz przywiązywał dużą wagę do przedstawienia obozów, insygniów, sztandarów, broni i zbroi. Fresk należy do szczytowych osiągnięć sieneńskiej sztuki freskowej, łącząc w sobie monumentalność i dekoracyjność, a także inicjatywy realistycznego portretu i początki realistycznego malarstwa pejzażowego w abstrakcyjnej, drogowskazowej wizji. W 1980 roku pod obrazem odkryto inny fresk o dużej wartości artystycznej, pochodzący prawdopodobnie z okresu po 1330 roku, co może poddać w wątpliwość zarówno datę, jak i autora portretu Guidoricco. Badacze nie są jeszcze w stanie z całą pewnością stwierdzić, czy jest to dzieło Simone Martiniego. Ostatnia renowacja ujawniła, że cała lewa strona obrazu, w tym przedstawienie zamku Montemassi, została przemalowana w XV lub XVI wieku. Badania ujawniły również, że po prawej stronie obrazu znajdują się cztery warstwy tynku nałożone na siebie. Sugeruje to, że pod krajobrazem przedstawionym na obrazie mogą znajdować się pozostałości starszego malowidła, ale aby to ustalić, należałoby usunąć część obecnego obrazu. Tym samym data i autor obrazu pozostają niepewne.

Pozdrowienia od anioła

Pozdrowienia od Anioła to jedno z najpopularniejszych dzieł Simone Martiniego i zarazem jedno z najbardziej gotyckich. Namalowane w 1333 roku do ołtarza św. Ansanusa w katedrze w Sienie, obecnie znajduje się w Galerii Uffizi we Florencji. Jego ramę stanowi bogato inkrustowana architektura gotycka, artykułowana łamanymi łukami. W głównym tryptyku (obrazie trzypanelowym) zamaskowana Madonna kurczy się, słysząc przesłanie anioła. Jej rysy są napięte, jakby obudzona przez anioła ze snu. Artysta ze szczególną starannością przedstawił anioła. W ręku trzyma on gałązkę palmową, a fałdy jego specjalnej, plecionej szaty dają poczucie jego burzliwego wyglądu. Jego skrzydła są dopracowane z drobiazgową starannością malarza miniaturowego. Oparcie krzesła okrywa czerwony całun ozdobiony delikatnymi złotymi motywami kwiatowymi. Obok postaci elegancji obrazowi dodają precyzyjnie oddane detale, ozdobny brzeg mszału, marmurowa posadzka i wazon z liliami. Medaliony w górnej części panelu przedstawiają, od lewej do prawej, proroków Jeremiasza, Ezechiela, Izajasza i Daniela, rozpoznanych po imionach wypisanych na trzymanych przez nich w rękach zwojach. Żywe, subtelne przedstawienie dialogu między aniołem a Maryją sprawia, że mistyka Simone Martiniego jest do dziś żywa i ukochana. Dwie święte postacie po obu stronach tryptyku zostały prawdopodobnie namalowane przez szwagra artysty, Lippo Memmiego, na co wskazuje fakt, że obie postacie znacznie różnią się od postaci centralnych, a ponadto są sygnowane przez Memmiego.

Simone Martini przeniósł się do Awinionu na zaproszenie kardynała Jacopo Stefaneschi na początku 1336 roku wraz z rodziną i kilkoma asystentami i tam zmarł w 1344 roku. Podczas ośmiu lat pobytu w Awinionie otrzymał wiele zleceń, ale zdecydowana większość jego dzieł uległa zniszczeniu. Freski Jezus z aniołami oraz Madonna z Dzieciątkiem, zamówione przez kardynała Stefaneschi do drzwi Notre-Dame-des-Doms, są fragmentarycznymi synopiami. Szczególna atrakcyjność tych synopsji polega na tym, że dają one wgląd w proces twórczy, poprawki i zmiany ikonograficzne dokonywane w trakcie pracy. Tutaj po raz pierwszy wykorzystał ikonografię Madonny dell'Umiltà (Madonna Pokorna), gdzie Maryja nie siedzi na tronie, lecz na ziemi. Ponadto tylko XVII-wieczna rycina zachowuje pamięć o fresku św. Jerzego namalowanym na fasadzie kościoła, który został zniszczony na początku XIX wieku. Fresk ten powstał również na zamówienie kardynała Jacopo Stefaneschi i był nie tylko przedstawieniem jego patrona, ale także ucieleśniał ideę kościelną. Fresk przypominał tu, że chrześcijańscy rycerze mieli taki sam obowiązek uwolnić uwięziony w Awinionie Kościół, jak św. Jerzy miał uratować księżniczkę przed smokiem. Ozdobił też księgę dla kardynała, malując postać Matki Boskiej wyrywającej dziecko z czyśćca na początku pozyskanego przez arcykapłana kodeksu pieśni maryjnych. Podczas pobytu w Awinionie Simone Martini zaprzyjaźnił się z Petrarką i namalował również portret Laury. Portret ten, o którym poeta wspomina w dwóch sonetach, zaginął, zachowała się natomiast miniatura na karcie tytułowej, inspirowana humanistycznie zarówno w temacie, jak i koncepcji, którą namalował dla kodeksu należącego do Petrarki. Książka zawiera dzieła Wergiliusza z komentarzami Serwiusza. Obraz przedstawia Serwiusza odsuwającego zasłonę, by ukazać rycerzowi, chłopu i pasterzowi poetę. Miniatura jest malowana akwarelą i rozcieńczoną temperą, z półprzezroczystymi warstwami farby i harmonijnymi, rytmicznymi liniami, i jest pod wpływem francuskiego malarstwa gotyckiego. Spośród ostatnich dzieł Poliptyk Męki Pańskiej (którego fragmenty rozproszone są w muzeach całej Europy) jest tak odmienny stylistycznie od pozostałych dzieł artysty z Awinionu, że jego data jest niepewna. Panele tego niewielkiego poliptyku, zamówionego do prywatnej dewocjonaliów, przedstawiają życie Chrystusa w eleganckich wariacjach na temat kompozycji Duccio z Oktawy Mistycznej. Niektórzy uczeni uważają, że został on ukończony przed przeprowadzką do Awinionu, a następnie przewieziony do Francji. Inni uważają, że jest to jedno z jego ostatnich dzieł, zamówione przez Napoleone Orsini, który zmarł w Awinionie w 1342 roku. Za tą teorią przemawia fakt, że w tle pojawia się herb rodziny Orsini. Ostatnim znanym dziełem Simone Martiniego jest obraz Świętej Rodziny, sygnowany i datowany na 1342 rok (Liverpool, Walker Art Gallery). Jest to również niewielki obraz, przeznaczony do prywatnej dewocji, a namalowany został na początku

Źródła

1. Simone Martini
2. Simone Martini
3. KulturNav (angol, bokmål norvég, svéd, finn, dán és észt nyelven). (Hozzáférés: 2017. október 9.)
4. 2024. május 6., http://kmska.be/collection/work/data/1nudkd
5. Integrált katalógustár (német nyelven). (Hozzáférés: 2014. december 11.)
6. Arasse, p. 170.
7. a b c d e f g h i j k l m n o et p (it) Michela Becchis, « Martini, Simone in "Dizionario Biografico" », sur treccani.it, 2008 (consulté le 22 décembre 2020).
8. ^ Pierluigi Leone de Castris, Simone Martini, Federico Motta Editore, Milano 2003.
9. ^ Simone Martini non ha più il senso concreto del reale come Giotto o la coscienza di una raggiunta perfezione come Duccio di Boninsegna, ma si solleva in un sopramondo ideale, in una dimensione a-spaziale e a-temporale, con una pittura che rivela un'aspirazione ad un'alta e irraggiungibile perfezione. In lui si possono così cogliere affinità con il pensiero e la poetica di Francesco Petrarca di cui fu amico.
10. ^ a b c d e f g h i j k l m n o p q r s t u v Datazione ricostruita su basi puramente stilistiche (assenza di datazione autografa o altra documentazione scritta).
11. ^ a b c d e f g h i j k datazione autografa o determinata da altra documentazione scritta.
12. https://www.kulturarv.dk/kid/VisKunstner.do?kunstnerId=2587
13. Neues allgemeines Künstler-Lexicon; oder Nachrichten von dem Leben und den Werken der Maler, Bildhauer, Baumeister, Kupferstecher etc. Bearb. von Dr. G. K. Nagler. — München: E.A. Fleischmann, 1835—1852