Streszczenie

Milton Ernest "Robert" Rauschenberg (22 października 1925 - 12 maja 2008) był amerykańskim malarzem i grafikiem, którego wczesne prace antycypowały ruch pop-artu. Rauschenberg jest dobrze znany ze swoich Combines (1954-1964), grupy dzieł sztuki, które zawierały przedmioty codziennego użytku jako materiały artystyczne i które zacierały różnice między malarstwem a rzeźbą. Rauschenberg był zarówno malarzem, jak i rzeźbiarzem, ale zajmował się również fotografią, grafiką, papiernictwem i performance.

Rauschenberg w trakcie swojej blisko 60-letniej kariery artystycznej otrzymał wiele nagród. Do najznamienitszych należy Międzynarodowa Wielka Nagroda w dziedzinie malarstwa na 32. Biennale w Wenecji w 1964 roku oraz National Medal of Arts w 1993 roku.

Rauschenberg mieszkał i pracował w Nowym Jorku i na wyspie Captiva na Florydzie, aż do śmierci 12 maja 2008 roku.

Rauschenberg urodził się jako Milton Ernest Rauschenberg w Port Arthur w Teksasie, syn Dory Caroliny (z domu Matson) i Ernesta R. Rauschenberga. Jego ojciec był pochodzenia niemieckiego i Cherokee, a matka holenderskiego. Jego ojciec pracował w Gulf States Utilities, firmie zajmującej się oświetleniem i energią. Jego rodzice byli fundamentalistycznymi chrześcijanami. Miał młodszą siostrę Janet Begneaud.

W wieku 18 lat Rauschenberg został przyjęty na Uniwersytet Teksański w Austin, gdzie zaczął studiować farmakologię, ale wkrótce potem przerwał naukę ze względu na trudność zajęć - nie zdając sobie sprawy, że jest dyslektykiem - oraz z powodu niechęci do przeprowadzenia sekcji żaby na zajęciach z biologii. W 1944 roku został wcielony do Marynarki Wojennej Stanów Zjednoczonych. W Kalifornii służył jako technik neuropsychiatryczny w szpitalu Marynarki Wojennej aż do zwolnienia w 1945 lub 1946 roku.

Rauschenberg studiował następnie w Kansas City Art Institute oraz w Académie Julian w Paryżu, gdzie poznał koleżankę ze studiów Susan Weil. W tym czasie zmienił również swoje imię z Milton na Robert. W 1948 roku Rauschenberg wraz z Weil zapisał się do Black Mountain College w Północnej Karolinie.

W Black Mountain Rauschenberg szukał Josefa Albersa, założyciela Bauhausu w Niemczech, o którym przeczytał w sierpniowym numerze magazynu Time z 1948 roku. Miał nadzieję, że rygorystyczne metody nauczania Albersa okiełznają jego nawykowe niechlujstwo. Wstępne kursy projektowania Albersa opierały się na ścisłej dyscyplinie, która nie pozwalała na żadne "swobodne eksperymenty".

Rauschenberg stał się, według jego własnych słów, "nieukiem Albersa, wybitnym przykładem tego, o czym on nie mówił". Chociaż Rauschenberg uważał Albersa za swojego najważniejszego nauczyciela, bardziej kompatybilną wrażliwość znalazł u Johna Cage'a, uznanego kompozytora muzyki awangardowej. Podobnie jak Rauschenberg, Cage odszedł od dyscyplinarnych nauk swojego instruktora, Arnolda Schönberga, na rzecz bardziej eksperymentalnego podejścia do muzyki. Cage zapewnił Rauschenbergowi bardzo potrzebne wsparcie i zachętę we wczesnych latach jego kariery, a obaj pozostali przyjaciółmi i współpracownikami artystycznymi przez kolejne dekady.

W latach 1949-1952 Rauschenberg studiował u Vaclava Vytlacila i Morrisa Kantora w Art Students League w Nowym Jorku, gdzie poznał kolegów artystów Knoxa Martina i Cy Twombly'ego.

Rauschenberg poślubił Susan Weil latem 1950 roku w domu rodzinnym Weilów w Outer Island, Connecticut. Ich jedyne dziecko, Christopher, urodziło się 16 lipca 1951 roku. Dwójka rozstała się w czerwcu 1952 roku i rozwiodła w 1953 roku. Później Rauschenberg był w romantycznych związkach m.in. z kolegami artystami Cy Twombly i Jasperem Johnsem. Przez ostatnie 25 lat życia jego partnerem był artysta Darryl Pottorf,

W latach 70. zamieszkał w NoHo na Manhattanie w Nowym Jorku.

Rauschenberg zakupił Beach House, swoją pierwszą nieruchomość na wyspie Captiva, 26 lipca 1968 roku. Jednak nieruchomość ta stała się jego stałym miejscem zamieszkania dopiero jesienią 1970 roku.

Rauschenberg zmarł na niewydolność serca 12 maja 2008 roku na wyspie Captiva na Florydzie.

Podejście Rauschenberga było czasem nazywane "neodadaistycznym", którą to etykietę dzielił z malarzem Jasperem Johnsem. Rauschenberg słynnie stwierdził, że "malarstwo odnosi się zarówno do sztuki, jak i do życia", a on chciał pracować "w luce pomiędzy nimi". Podobnie jak wielu jego dadaistycznych poprzedników, Rauschenberg zakwestionował rozróżnienie między obiektami sztuki a przedmiotami codziennego użytku, a jego użycie materiałów readymade powtórzyło intelektualne kwestie poruszone przez Fontannę Marcela Duchampa (1917). Dadaistyczny wpływ Duchampa można również zaobserwować w obrazach Jaspera Johnsa przedstawiających cele, cyfry i flagi, które były znajomymi symbolami kulturowymi: "rzeczy, które umysł już zna".

W Black Mountain College Rauschenberg eksperymentował z różnymi artystycznymi mediami, w tym grafiką, rysunkiem, fotografią, malarstwem, rzeźbą i teatrem; jego prace często zawierały jakąś kombinację tych elementów. W Black Mountain stworzył swoje obrazy Night Blooming (1951), wciskając kamyki i żwir w czarny pigment na płótnie. W tym samym roku we współpracy z Susan Weil w swoim nowojorskim mieszkaniu wykonał plany całego ciała, które "mają nadzieję przekształcić w ekrany i tapety".

Od jesieni 1952 do wiosny 1953 roku Rauschenberg podróżował po Włoszech i Afryce Północnej ze swoim kolegą i partnerem Cy Twombly. Tworzył tam kolaże i małe rzeźby, w tym Scatole Personali i Feticci Personali, ze znalezionych materiałów. Wystawiał je w galeriach w Rzymie i Florencji. Ku zaskoczeniu Rauschenberga wiele z tych prac sprzedało się; wiele z tych, które się nie sprzedały, wrzucił do rzeki Arno, zgodnie z sugestią krytyka sztuki, który recenzował jego wystawę.

Po powrocie do Nowego Jorku w 1953 roku, Rauschenberg zaczął tworzyć rzeźby ze znalezionych materiałów z okolicy Dolnego Manhattanu, takich jak złom, drewno i sznurek. Przez całe lata 50. Rauschenberg utrzymywał się z projektowania wystaw sklepowych dla Tiffany & Co. i Bonwit Teller, najpierw z Susan Weil, a później we współpracy z Jasperem Johnsem pod pseudonimem Matson Jones.

W słynnym incydencie z 1953 roku Rauschenberg zażądał rysunku od abstrakcyjnego ekspresjonisty Willema de Kooninga, aby wymazać go w ramach wypowiedzi artystycznej. Ta konceptualna praca, zatytułowana Erased de Kooning Drawing, została wykonana za zgodą starszego artysty.

W 1961 roku Rauschenberg zastosował podobne podejście konceptualne, przedstawiając ideę jako samo dzieło sztuki. Został zaproszony do udziału w wystawie w Galerie Iris Clert w Paryżu, gdzie artyści mieli przedstawić portrety Clert, właścicielki galerii. Zgłoszenie Rauschenberga składało się z telegramu deklarującego "To jest portret Iris Clert, jeśli tak mówię."

Do 1962 roku obrazy Rauschenberga zaczęły zawierać nie tylko znalezione przedmioty, ale także znalezione obrazy. Po wizycie w studio Andy'ego Warhola w tym samym roku, Rauschenberg zaczął używać procesu sitodruku, zwykle zarezerwowanego dla komercyjnych środków reprodukcji, do przenoszenia fotografii na płótno. Obrazy wykonane w latach 1962-1964 skłoniły krytyków do utożsamiania twórczości Rauschenberga z pop-artem.

Rauschenberg eksperymentował z technologią w swoich pracach od czasu wykonania wczesnych Combines w połowie lat 50-tych, gdzie czasami używał działających radioodbiorników, zegarów i wentylatorów elektrycznych jako materiałów rzeźbiarskich. Swoje zainteresowanie technologią zgłębiał później podczas współpracy z naukowcem z Bell Laboratories, Billym Klüverem. Wspólnie zrealizowali niektóre z najbardziej ambitnych eksperymentów Rauschenberga opartych na technologii, takich jak Soundings (1968), instalacja świetlna, która reagowała na dźwięk otoczenia. W 1966 roku Klüver i Rauschenberg oficjalnie założyli Experiments in Art and Technology (E.A.T.), organizację non-profit założoną w celu promowania współpracy pomiędzy artystami i inżynierami. W 1969 roku NASA zaprosiła Rauschenberga na świadka startu Apollo 11. W odpowiedzi na to przełomowe wydarzenie Rauschenberg stworzył serię litografii Stoned Moon. Polegała ona na łączeniu diagramów i innych obrazów z archiwów NASA z jego własnymi rysunkami i odręcznym tekstem.

Od 1970 roku Rauschenberg pracował w swoim domu i studiu w Captiva na Florydzie. Pierwszymi pracami, które stworzył w nowym studio były Cardboards (1971-72) i Early Egyptians (1973-74), w których wykorzystał lokalnie pozyskiwane materiały, takie jak karton i piasek. Podczas gdy jego poprzednie prace często podkreślały miejskie obrazy i materiały, Rauschenberg teraz preferował efekt naturalnych włókien znajdujących się w tkaninach i papierze. Drukował na tekstyliach techniką solvent-transfer, aby stworzyć Hoarfrost (ten ostatni zawierał duże połacie kolażowej tkaniny na drewnianych panelach. Rauschenberg stworzył cykl Jammer (1975-76) z kolorowych tkanin zainspirowanych podróżą do Ahmedabadu w Indiach, miasta słynącego z tkanin. Bezobrazowa prostota serii Jammer stanowi uderzający kontrast z wypełnionymi obrazami Hoarfrostami i ziarnistością jego najwcześniejszych prac wykonanych w Nowym Jorku.

Międzynarodowe podróże stały się centralną częścią procesu artystycznego Rauschenberga po 1975 roku. W 1984 roku Rauschenberg ogłosił w ONZ rozpoczęcie projektu Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI). Niemal w całości finansowany przez artystę projekt ROCI składał się z siedmioletniej podróży do dziesięciu krajów świata. W każdym miejscu Rauschenberg robił zdjęcia i tworzył dzieła sztuki inspirowane odwiedzanymi kulturami. Powstałe prace były prezentowane na lokalnej wystawie w każdym kraju. Rauschenberg często przekazywał dzieło sztuki lokalnej instytucji kulturalnej.

Od połowy lat 80. Rauschenberg skupił się na sitodruku na różnych metalach, takich jak stal i lustrzane aluminium. Stworzył wiele serii tzw. "obrazów metalowych", w tym: Borealis (1988-92), Urban Bourbons (1988-1996), Phantoms (1991) i Night Shades (1991). Ponadto, przez cały okres lat 90. Rauschenberg kontynuował wykorzystywanie nowych materiałów, jednocześnie pracując z bardziej rudymentarnymi technikami. W ramach zaangażowania w najnowsze innowacje technologiczne, w swoich późnych seriach obrazów przenosił cyfrowe, atramentowe obrazy fotograficzne na różne nośniki malarskie. W przypadku Arcadian Retreats (1996) przeniósł obrazy na mokry fresk. Zgodnie ze swoim zaangażowaniem w ochronę środowiska, Rauschenberg używał w procesie transferu biodegradowalnych barwników i pigmentów oraz wody, a nie środków chemicznych.

Białe obrazy, czarne obrazy i czerwone obrazy

W 1951 roku Rauschenberg stworzył serię Białych Obrazów, wpisując się w tradycję malarstwa monochromatycznego ustanowioną przez Kazimierza Malewicza, który zredukował malarstwo do jego najistotniejszych cech, by doświadczyć estetycznej czystości i nieskończoności. Białe obrazy zostały pokazane w Eleanor Ward's Stable Gallery w Nowym Jorku jesienią 1953 roku. Rauschenberg używał codziennej białej farby domowej i wałków malarskich do tworzenia gładkich, nieupiększonych powierzchni, które w pierwszej chwili wydają się być pustym płótnem. Zamiast jednak postrzegać je jako pozbawione treści, John Cage opisał Białe Obrazy jako "lotniska dla świateł, cieni i cząstek"; powierzchnie, które odzwierciedlały delikatne zmiany atmosferyczne w pomieszczeniu. Sam Rauschenberg mówił, że wpływ na nie miały warunki otoczenia, "tak że można było niemal powiedzieć, ile osób znajduje się w pokoju". Podobnie jak Białe obrazy, czarne obrazy z lat 1951-1953 były wykonywane na wielu panelach i były w przeważającej mierze pracami jednokolorowymi. Rauschenberg nakładał matową i błyszczącą czarną farbę na teksturowane podłoża z gazet na płótnie, czasami pozwalając gazecie pozostać widoczną.

Do 1953 roku Rauschenberg przeszedł od serii białych i czarnych obrazów do wzmożonego ekspresjonizmu serii czerwonych obrazów. Rauschenberg uważał czerwień za "najtrudniejszy kolor" do malowania i podjął wyzwanie, kapiąc, wklejając i wyciskając warstwy czerwonego pigmentu bezpośrednio na płótno, które zawierało wzorzystą tkaninę, gazetę, drewno i gwoździe. Złożone, materialne powierzchnie Czerwonych Obrazów były prekursorami znanej serii Combine Rauschenberga (1954-1964).

Łączy

Rauschenberg zbierał wyrzucone na ulicach Nowego Jorku przedmioty i przynosił je do swojego studia, gdzie włączał je do swoich prac. Twierdził, że "chciał czegoś innego niż to, co mógłbym zrobić sam i chciałem wykorzystać niespodziankę oraz kolekcjonerstwo i hojność w znajdowaniu niespodzianek. Tak więc sam obiekt został zmieniony przez swój kontekst i dlatego stał się nową rzeczą."

Komentarz Rauschenberga dotyczący rozdźwięku między sztuką a życiem stanowi punkt wyjścia do zrozumienia jego wkładu jako artysty. Dostrzegał on potencjalne piękno w niemal wszystkim; powiedział kiedyś: "Naprawdę współczuję ludziom, którzy uważają, że takie rzeczy jak mydelniczki, lustra czy butelki po coli są brzydkie, ponieważ otaczają się takimi rzeczami przez cały dzień i to musi ich unieszczęśliwiać." Jego seria Combine obdarzyła przedmioty codziennego użytku nowym znaczeniem, wprowadzając je w kontekst sztuki pięknej obok tradycyjnych materiałów malarskich. Combines zlikwidowały granice między sztuką a rzeźbą, tak że oba te elementy były obecne w jednym dziele sztuki. Chociaż "Combines" technicznie odnosi się do prac Rauschenberga z lat 1954-1964, Rauschenberg kontynuował wykorzystywanie przedmiotów codziennego użytku, takich jak ubrania, gazety, miejskie śmieci i karton, przez cały okres swojej kariery artystycznej.

Jego przejściowymi utworami, które doprowadziły do powstania Combines były Charlene (1954) i Collection (1954

Krytycy początkowo postrzegali Kombinaty w kategoriach ich formalnych właściwości: koloru, faktury i kompozycji. Formalistyczny pogląd z lat 60. został później obalony przez krytyka Leo Steinberga, który stwierdził, że każdy Kombinat jest "powierzchnią receptora, na której rozrzucone są przedmioty, na której wprowadzane są dane". Według Steinberga, horyzontalność tego, co nazwał "płaską płaszczyzną obrazu" Rauschenberga, zastąpiła tradycyjną pionowość malarstwa, a następnie umożliwiła powstanie unikalnie związanych z materiałem powierzchni prac Rauschenberga.

Spektakl i taniec

Rauschenberg zaczął odkrywać swoje zainteresowanie tańcem po przeprowadzce do Nowego Jorku na początku lat 50. Pierwszy raz zetknął się z awangardowym tańcem i sztuką performance w Black Mountain College, gdzie uczestniczył w Theatre Piece No. 1 (1952) Johna Cage'a, często uważanym za pierwszy Happening. Zaczął projektować scenografię, oświetlenie i kostiumy dla Merce Cunningham i Paula Taylora. Na początku lat 60. zaangażował się w radykalne eksperymenty taneczno-teatralne w Judson Memorial Church w Greenwich Village, a w maju 1963 roku stworzył dla Judson Dance Theater swój pierwszy spektakl, Pelican (1963). Rauschenberg przyjaźnił się z tancerzami związanymi z Cunninghamem, takimi jak Carolyn Brown, Viola Farber i Steve Paxton, którzy występowali w jego choreografiach. Pełen związek Rauschenberga z Merce Cunningham Dance Company zakończył się po światowym tournée w 1964 roku. W 1966 roku Rauschenberg stworzył spektakl Open Score w ramach 9 Evenings: Theatre and Engineering w 69th Regiment Armory w Nowym Jorku. Cykl ten miał kluczowe znaczenie dla powstania Experiments in Art and Technology (E.A.T.).

W 1977 roku Rauschenberg, Cunningham i Cage ponownie nawiązali współpracę po raz pierwszy od trzynastu lat, tworząc Travelogue (1977), do którego Rauschenberg stworzył kostiumy i scenografię. Po 1967 roku Rauschenberg nie tworzył już własnych choreografii, ale przez resztę swojej kariery artystycznej współpracował z innymi choreografami, w tym z Trishą Brown.

Komisje

W trakcie swojej kariery Rauschenberg zaprojektował wiele plakatów wspierających ważne dla niego sprawy. W 1965 roku, kiedy magazyn Life zlecił mu wizualizację nowoczesnego Inferno, nie wahał się dać upustu swojemu gniewowi wobec wojny wietnamskiej i innych współczesnych problemów społeczno-politycznych, w tym przemocy rasowej, neonazizmu, zabójstw politycznych i katastrofy ekologicznej.

W 1969 roku Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku zleciło Rauschenbergowi stworzenie dzieła na cześć stulecia istnienia muzeum. Dowiedział się, że pierwotne cele muzeum zostały wyszczególnione w certyfikacie z 1870 roku i stworzył swój "Certyfikat Stulecia" w oparciu o ten obiekt, z wizerunkami niektórych najbardziej znanych dzieł w muzeum i podpisami ówczesnego zarządu. Kopie "Certyfikatu Stulecia" znajdują się w wielu muzeach i kolekcjach prywatnych.

30 grudnia 1979 roku Miami Herald wydrukował 650 000 egzemplarzy Tropic, swojego niedzielnego magazynu, z okładką zaprojektowaną przez Rauschenberga. W 1983 roku zdobył nagrodę Grammy za projekt albumu Talking Heads "Speaking in Tongues". W 1986 roku Rauschenberg otrzymał od BMW zlecenie na pomalowanie pełnowymiarowego BMW 635 CSi w ramach szóstej odsłony słynnego projektu BMW Art Car. Samochód Rauschenberga był pierwszym w tym projekcie, na którym znalazły się reprodukcje dzieł z Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku, a także jego własne fotografie.

W 1998 roku Watykan zamówił pracę Rauschenberga na cześć roku jubileuszowego 2000, która miała być wystawiona w Sali Liturgicznej Ojca Pio w San Giovanni Rotondo we Włoszech. Pracując nad tematem Sądu Ostatecznego, Rauschenberg stworzył dwudziestostopową makietę The Happy Apocalypse (1999). Została ona ostatecznie odrzucona przez Watykan, ponieważ przedstawienie przez Rauschenberga Boga jako anteny satelitarnej było niewłaściwym odniesieniem teologicznym.

Rauschenberg miał swoją pierwszą indywidualną wystawę w Betty Parsons Gallery wiosną 1951 roku. W 1953 roku, podczas pobytu we Włoszech, został zauważony przez Irene Brin i Gaspero del Corso i zorganizowali oni jego pierwszą europejską wystawę w swojej słynnej galerii w Rzymie. W 1953 roku Eleanor Ward zaprosiła Rauschenberga do udziału we wspólnej wystawie z Cy Twombly w Stable Gallery. Na swojej drugiej indywidualnej wystawie w Nowym Jorku w Charles Egan Gallery w 1954 roku Rauschenberg zaprezentował swoje Red Paintings (1953-1953) i Combines (1954-1964). Leo Castelli zorganizował indywidualną wystawę Combines Rauschenberga w 1958 roku. Jedyną sprzedażą było nabycie przez samego Castellego łóżka (1955), które obecnie znajduje się w kolekcji Museum of Modern Art w Nowym Jorku.

Pierwsza retrospektywa kariery Rauschenberga została zorganizowana przez Jewish Museum w Nowym Jorku w 1963 roku. W 1964 roku został jednym z pierwszych amerykańskich artystów, którzy zdobyli Międzynarodową Wielką Nagrodę w dziedzinie malarstwa na Biennale w Wenecji (wcześniej Mark Tobey i James Whistler zdobyli nagrody w dziedzinie malarstwa odpowiednio w 1895 i 1958 roku). Retrospektywa artysty w połowie kariery została zorganizowana przez National Collection of Fine Arts (obecnie Smithsonian American Art Museum) w Waszyngtonie i podróżowała po Stanach Zjednoczonych w latach 1976-1978.

W latach 90. odbyła się retrospektywa w Solomon R. Guggenheim Museum w Nowym Jorku (1997), która do 1999 roku podróżowała do muzeów w Houston, Kolonii i Bilbao. Wystawa Combines została zaprezentowana w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku (podróżowała do Museum of Contemporary Art w Los Angeles, Centre Georges Pompidou w Paryżu i Moderna Museet w Sztokholmie do 2007 roku). Pierwsza pośmiertna retrospektywa Rauschenberga została zorganizowana w Tate Modern (podróżowała do Museum of Modern Art, Nowy Jork i San Francisco Museum of Modern Art do 2017 roku).

Kolejne wystawy to między innymi: Robert Rauschenberg: Jammers, Gagosian Gallery, Londyn ( A Visual Lexicon, Leo Castelli Gallery ( Rauschenberg w Chinach, Ullens Center for Contemporary Art, Pekin (oraz Rauschenberg: The 1

Rauschenberg mocno wierzył w moc sztuki jako katalizatora zmian społecznych. Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI) rozpoczęła się w 1984 roku jako próba zainicjowania międzynarodowego dialogu i zwiększenia zrozumienia kulturowego poprzez ekspresję artystyczną. Wystawa ROCI została zaprezentowana w National Gallery of Art, D.C., w 1991 roku, kończąc tournee po dziesięciu krajach: Meksyk, Chile, Wenezuela, Chiny, Tybet, Japonia, Kuba, ZSRR, Niemcy i Malezja.

W 1970 roku Rauschenberg stworzył program o nazwie Change, Inc. przyznający jednorazowe, awaryjne granty w wysokości do 1000 dolarów artystom wizualnym w oparciu o potrzeby finansowe. W 1990 roku Rauschenberg stworzył Fundację Roberta Rauschenberga (RRF) w celu promowania świadomości na temat spraw, na których mu zależało, takich jak pokój na świecie, środowisko i kwestie humanitarne. W 1986 roku Rauschenberg otrzymał nagrodę Golden Plate Award Amerykańskiej Akademii Osiągnięć. W 1993 roku został odznaczony przez prezydenta Billa Clintona National Medal of Arts. W 2000 roku Rauschenberg został uhonorowany nagrodą amfAR Award of Excellence for Artistic Contributions to the Fight Against AIDS.

Obecnie RRF posiada wiele dzieł Rauschenberga z każdego okresu jego kariery. W 2011 roku fundacja zaprezentowała we współpracy z Gagosian Gallery wystawę The Private Collection of Robert Rauschenberg, na której znalazły się dzieła z osobistej kolekcji Rauschenberga. Wpływy z wystawy pomogły sfinansować działalność filantropijną fundacji. W 2011 roku fundacja uruchomiła projekt "Artysta jako aktywista" i zaprosiła artystę Sheparda Faireya do skupienia się na wybranej przez niego kwestii. Wydane przez niego dzieło zostało sprzedane w celu zebrania funduszy dla Koalicji na rzecz Bezdomnych. Każdego roku RRF wspiera wschodzących artystów i organizacje artystyczne za pomocą grantów i współpracy filantropijnej. RRF prowadzi kilka programów rezydencyjnych, które odbywają się w siedzibie fundacji w Nowym Jorku oraz w posiadłości zmarłego artysty na wyspie Captiva na Florydzie.

W 2013 roku Dale Eisinger z Complex umieścił Open Score (1966) na siódmym miejscu swojej listy największych dzieł sztuki performance wszech czasów.

W 2010 roku Studio Painting (1960-61), jeden z Combines Rauschenberga pierwotnie szacowany na 6 do 9 milionów dolarów, został kupiony z kolekcji Michaela Crichtona za 11 milionów dolarów w Christie's w Nowym Jorku. W 2019 roku Christie's sprzedał sitodrukowy obraz Buffalo II (1964) za 88,8 mln dolarów, burząc poprzedni rekord artysty.

Lobbing na rzecz tantiem z tytułu odsprzedaży utworów przez artystów

Na początku lat 70-tych Rauschenberg lobbował w Kongresie Stanów Zjednoczonych, aby uchwalono ustawę, która rekompensowałaby artystom odsprzedaż ich prac na rynku wtórnym. Rauschenberg podjął walkę o tantiemy dla artystów (droit de suite) po tym, jak baron taksówkowy Robert Scull sprzedał część swojej kolekcji abstrakcyjnych ekspresjonistów i dzieł sztuki pop za 2,2 miliona dolarów. Scull pierwotnie zakupił obrazy Rauschenberga Odwilż (mniej więcej dekadę później Scull sprzedał te dzieła za 85 000 i 90 000 dolarów na aukcji w Sotheby Parke Bernet w Nowym Jorku w 1973 roku.

Wysiłki lobbingowe Rauschenberga zostały nagrodzone w 1976 roku, kiedy to gubernator Kalifornii Jerry Brown podpisał ustawę California Resale Royalty Act z 1976 roku. Po zwycięstwie w Kalifornii artysta nadal dążył do wprowadzenia ogólnokrajowych przepisów dotyczących opłat za odsprzedaż.

Źródła

1. Robert Rauschenberg
2. Robert Rauschenberg
3. ^ Marlena Donohue (November 28, 1997). "Rauschenberg's Signature on the Century". Christian Science Monitor. Archived from the original on July 7, 2006. Rauschenberg's mammoth career retrospective at the Solomon R. Guggenheim Museum (and other New York sites) from Sept. 19 to Jan. 7, 1998… along with longtime friends pre-Pop painter Jasper Johns and the late conceptual composer John Cage, Rauschenberg pretty much defined the technical and philosophic art landscape and its offshoots after Abstract Expressionism.
4. Helmut Schneider: Zeichnungen von Robert Rauschenberg in Tübingen: Irgendwo zwischen Kunst und Leben. In: Die Zeit. 25. Mai 1979, ISSN 0044-2070 (zeit.de [abgerufen am 23. Februar 2020]).
5. First Time Painting wurde in den 60er Jahren von Karl Ströher erworben, kam dann 1981 mit dem von der Stadt Frankfurt für das Museum für Moderne Kunst erworbenen Konvolut der Ströher Sammlung als Leihgabe an das MMK und wurde von den Ströher Erben schließlich an die Sammlung Marx verkauft.
6. ^ Explore Modern Art | Multimedia | Interactive Features | Robert Rauschenberg's Erased de Kooning Drawing, su sfmoma.org, SFMOMA. URL consultato il 20 marzo 2011 (archiviato dall'url originale il 6 gennaio 2011).
7. ^ Kristine Stiles & Peter Selz, Theories and Documents of Contemporary Art: A Sourcebook of Artists' Writings (Second Edition, Revised and Expanded by Kristine Stiles) University of California Press 2012, p. 453
8. ^ Birmingham Museum of Art, Birmingham Museum of Art : guide to the collection, [Birmingham, Ala], Birmingham Museum of Art, 2010, p. 235, ISBN 978-1-904832-77-5.
9. Il changea de prénom une fois adulte.