Streszczenie

Edvard Munch (12 grudnia 1863 - 23 stycznia 1944) był norweskim malarzem. Jego najbardziej znane dzieło, Krzyk (1893), stało się jednym z najbardziej ikonicznych obrazów sztuki zachodniej.

Jego dzieciństwo zostało przyćmione przez chorobę, żałobę i strach przed odziedziczeniem choroby psychicznej, która występowała w rodzinie. Studiując w Królewskiej Szkole Sztuki i Projektowania w Kristianii (dzisiejsze Oslo), Munch zaczął prowadzić życie cyganerii pod wpływem nihilisty Hansa Jægera, który namawiał go do malowania własnych stanów emocjonalnych i psychologicznych ("malowanie duszy"). Z tego wyłonił się jego charakterystyczny styl.

Podróże przyniosły nowe wpływy i ujścia. W Paryżu nauczył się wiele od Paula Gauguina, Vincenta van Gogha i Henri de Toulouse-Lautreca, zwłaszcza ich sposobu używania koloru. W Berlinie poznał szwedzkiego dramaturga Augusta Strindberga, którego malował, rozpoczynając tym samym wielką serię obrazów, które później nazwał Fryzami życia, przedstawiającymi serię głęboko odczuwanych tematów, takich jak miłość, niepokój, zazdrość i zdrada, przesiąkniętych atmosferą.

Krzyk został poczęty w Kristianii. Według Muncha, był on na spacerze o zachodzie słońca, kiedy "usłyszał ogromny, nieskończony krzyk natury". Udręczona twarz obrazu jest powszechnie utożsamiana z niepokojem współczesnego człowieka. W latach 1893-1910 powstały dwie wersje malowane i dwie w pastelach, a także kilka grafik. Jeden z pasteli osiągnął czwartą najwyższą cenę nominalną za obraz na aukcji.

Gdy jego sława i bogactwo rosły, jego stan emocjonalny pozostawał niepewny. Przez krótki czas rozważał małżeństwo, ale nie mógł się zaangażować. Załamanie psychiczne w 1908 roku zmusiło go do porzucenia mocnego picia, a pocieszeniem dla niego była rosnąca akceptacja mieszkańców Kristianii i ekspozycja w miejskich muzeach. Późniejsze lata spędził pracując w spokoju i prywatności. Chociaż jego prace były zakazane w okupowanej przez nazistów Europie, większość z nich przetrwała II wojnę światową, zapewniając mu spuściznę.

Dzieciństwo

Edvard Munch urodził się w gospodarstwie we wsi Ådalsbruk w Løten w Norwegii, jako syn Laury Katarzyny Bjølstad i Christiana Muncha, syna księdza. Christian był lekarzem i urzędnikiem medycznym, który w 1861 roku poślubił Laurę, kobietę o połowę młodszą od siebie. Edvard miał starszą siostrę, Johanne Sophie, oraz trójkę młodszego rodzeństwa: Petera Andreasa, Laurę Catherine i Inger Marie. Laura była utalentowana artystycznie i być może zachęcała Edvarda i Sophie. Edvard był spokrewniony z malarzem Jacobem Munch i historykiem Peterem Andreasem Munch.

Rodzina przeniosła się do Christianii (przemianowanej w 1877 roku na Kristianię, a obecnie Oslo) w 1864 roku, kiedy Christian Munch został mianowany oficerem medycznym w twierdzy Akershus. Matka Edvarda zmarła na gruźlicę w 1868 roku, podobnie jak ulubiona siostra Muncha Johanne Sophie w 1877 roku. Po śmierci matki rodzeństwo Muncha było wychowywane przez ojca i ciotkę Karen. Edvard często chorował przez wiele zim i nie uczęszczał do szkoły. Korepetycji udzielali mu koledzy ze szkoły i ciotka. Christian Munch uczył syna historii i literatury, a także zabawiał dzieci żywymi historiami o duchach i opowieściami amerykańskiego pisarza Edgara Allana Poe.

Jak zapamiętał Edvard, pozytywne zachowanie Christiana wobec dzieci zostało przyćmione przez jego chorobliwy pietyzm. Munch pisał: "Mój ojciec był temperamentalnie nerwowy i obsesyjnie religijny - aż do psychonerwicy. Po nim odziedziczyłem nasiona szaleństwa. Aniołowie strachu, smutku i śmierci stali u mego boku od dnia moich narodzin." Christian strofował swoje dzieci mówiąc im, że ich matka patrzy z nieba i smuci się z powodu ich złego zachowania. Opresyjne środowisko religijne, słabe zdrowie Edvarda i żywe historie o duchach przyczyniły się do powstania makabrycznych wizji i koszmarów; chłopiec czuł, że śmierć nieustannie zbliża się do niego. U jednej z młodszych sióstr Muncha, Laury, wcześnie zdiagnozowano chorobę psychiczną. Z piątki rodzeństwa tylko Andreas ożenił się, ale zmarł kilka miesięcy po ślubie. Munch napisze później: "Odziedziczyłem dwóch najbardziej przerażających wrogów ludzkości - dziedzictwo konsumpcji i szaleństwa".

Wojskowy żołd Christiana Muncha był bardzo niski, a jego próby rozwinięcia prywatnej praktyki nie powiodły się, utrzymując jego rodzinę w łagodnym, ale wieloletnim ubóstwie. Często przenosili się z jednego taniego mieszkania do drugiego. Wczesne rysunki i akwarele Muncha przedstawiały te wnętrza i pojedyncze przedmioty, takie jak butelki po lekach i przybory do rysowania, a także niektóre pejzaże. W wieku kilkunastu lat sztuka zdominowała zainteresowania Muncha. W wieku 13 lat Munch po raz pierwszy zetknął się z innymi artystami w nowo powstałym Stowarzyszeniu Sztuki, gdzie podziwiał prace norweskiej szkoły pejzażu. Powrócił do kopiowania obrazów, a wkrótce zaczął malować olejami.

Badania i wpływy

W 1879 roku Munch zapisał się do technikum na studia inżynierskie, gdzie wyróżniał się w fizyce, chemii i matematyce. Nauczył się rysunku w skali i perspektywy, ale częste choroby przerwały jego studia. W następnym roku, ku rozczarowaniu ojca, Munch opuścił uczelnię, zdecydowany zostać malarzem. Jego ojciec uważał sztukę za "niecny zawód", a sąsiedzi reagowali gorzko i wysyłali mu anonimowe listy. W przeciwieństwie do wściekłego pietyzmu ojca, Munch przyjął niedogmatyczną postawę wobec sztuki. W swoim dzienniku zapisał swój cel: "W mojej sztuce próbuję wyjaśnić sobie życie i jego sens".

W 1881 roku Munch zapisał się do Królewskiej Szkoły Sztuki i Projektowania w Kristianii, której jednym z założycieli był jego daleki krewny Jacob Munch. Jego nauczycielami byli rzeźbiarz Julius Middelthun i malarz naturalistyczny Christian Krohg. W tym samym roku Munch wykazał się szybkim przyswojeniem treningu figur w akademii w swoich pierwszych portretach, w tym jednym ojca i pierwszym autoportrecie. W 1883 roku Munch wziął udział w swojej pierwszej publicznej wystawie i dzielił studio z innymi studentami. Jego pełnometrażowy portret Karla Jensena-Hjella, notorycznego cygana z miasta, zyskał lekceważącą odpowiedź krytyka: "To impresjonizm doprowadzony do skrajności. To parodia sztuki". Nagie obrazy Muncha z tego okresu przetrwały tylko w postaci szkiców, z wyjątkiem Stojącego aktu (1887). Być może zostały one skonfiskowane przez jego ojca.

Impresjonizm inspirował Muncha od najmłodszych lat. Podczas tych wczesnych lat eksperymentował z wieloma stylami, w tym naturalizmem i impresjonizmem. Niektóre wczesne prace przypominają Maneta. Wiele z tych prób przyniosło mu nieprzychylną krytykę ze strony prasy i ciągłe upomnienia ze strony ojca, który jednak zapewniał mu niewielkie kwoty na utrzymanie. W pewnym momencie ojciec Muncha, być może pod wpływem negatywnej opinii kuzyna Muncha, Edvarda Diriksa (uznanego, tradycyjnego malarza), zniszczył co najmniej jeden obraz (prawdopodobnie akt) i odmówił dalszych pieniędzy na przybory artystyczne.

Munch spotkał się również z gniewem ojca za jego związek z Hansem Jægerem, lokalnym nihilistą, który żył według kodeksu "pasja niszczenia jest również pasją twórczą" i który zalecał samobójstwo jako ostateczną drogę do wolności. Munch wszedł pod jego złośliwy, antyestablishmentowy czar. "Moje idee rozwijały się pod wpływem cyganerii, a raczej pod wpływem Hansa Jægera. Wiele osób błędnie twierdzi, że moje idee ukształtowały się pod wpływem Strindberga i Niemców... ale to błąd. One już wtedy były uformowane". W tym czasie, w przeciwieństwie do wielu innych bohemy, Munch nadal szanował kobiety, a także był powściągliwy i dobrze wychowany, ale zaczął ulegać upojnemu piciu i awanturom swojego kręgu. Niepokoiła go ówczesna rewolucja seksualna i otaczające go niezależne kobiety. Później stał się cyniczny w kwestiach seksualnych, co wyrażał nie tylko w swoim zachowaniu i sztuce, ale także w swoich pismach, czego przykładem jest długi poemat Miasto wolnej miłości. Wciąż zależny od rodziny, która dostarczała mu wielu posiłków, relacje Muncha z ojcem pozostawały napięte z powodu obaw związanych z jego cyganerią.

Po licznych eksperymentach Munch doszedł do wniosku, że idiom impresjonistyczny nie pozwala na wystarczającą ekspresję. Uznał go za powierzchowny i zbyt zbliżony do eksperymentu naukowego. Czuł potrzebę sięgnięcia głębiej i zbadania sytuacji pełnych emocjonalnej treści i ekspresyjnej energii. Zgodnie z przykazaniem Jægera, że Munch powinien "napisać swoje życie", co oznacza, że Munch powinien zbadać swój własny stan emocjonalny i psychologiczny, młody artysta rozpoczął okres refleksji i samokontroli, zapisując swoje myśli w "dzienniku duszy". Ta głębsza perspektywa pomogła mu przesunąć się do nowego spojrzenia na swoją sztukę. Pisał, że jego obraz Chore dziecko (1886), oparty na śmierci siostry, był jego pierwszym "obrazem duszy", pierwszym zerwaniem z impresjonizmem. Obraz spotkał się z negatywną reakcją krytyków i jego rodziny, wywołał kolejny "gwałtowny wybuch moralnego oburzenia" ze strony społeczności.

Bronił go tylko jego przyjaciel Christian Krohg:

Maluje, a raczej postrzega rzeczy w sposób inny niż inni artyści. Widzi tylko to, co istotne i to, naturalnie, jest wszystkim, co maluje. Z tego powodu obrazy Muncha są z reguły "niekompletne", co ludzie tak chętnie odkrywają. O, tak, są kompletne. Jego kompletne dzieło. Sztuka jest kompletna, gdy artysta naprawdę powiedział wszystko, co miał na myśli, i to jest właśnie przewaga Muncha nad malarzami z innych pokoleń, że naprawdę wie, jak pokazać nam to, co czuł, i co go poruszyło, i temu podporządkowuje wszystko inne.

W latach 80. i na początku lat 90. XIX wieku Munch nadal stosował różne techniki pociągnięć pędzlem i palety barw, zmagając się z określeniem swojego stylu. Jego idiom wahał się między naturalistycznym, jak w Portrecie Hansa Jægera, a impresjonistycznym, jak w Rue Lafayette. Jego obraz Inger na plaży (1889), który wywołał kolejną burzę nieporozumień i kontrowersji, wskazuje na uproszczone formy, ciężkie kontury, ostre kontrasty i emocjonalną zawartość dojrzałego stylu, który miał nadejść. Zaczął starannie kalkulować swoje kompozycje, aby stworzyć napięcie i emocje. Chociaż stylistycznie był pod wpływem postimpresjonistów, to jednak rozwinął się temat, który był symbolistyczny w treści, przedstawiając raczej stan umysłu niż zewnętrzną rzeczywistość. W 1889 roku Munch zaprezentował swój pierwszy indywidualny pokaz prawie wszystkich swoich dotychczasowych prac. Uznanie, jakie zyskał, zaowocowało dwuletnim stypendium państwowym na studia w Paryżu u francuskiego malarza Léona Bonnata.

Wydaje się, że Munch był wczesnym krytykiem fotografii jako formy sztuki i zauważył, że "nigdy nie będzie konkurować z pędzlem i paletą, aż do czasu, gdy fotografie będą mogły być robione w niebie lub piekle!".

Młodsza siostra Muncha, Laura, była tematem jego wnętrza Melancholia z 1899 roku: Laura. Amanda O'Neill mówi o tej pracy: "W tej rozgrzanej klaustrofobicznej scenie Munch nie tylko portretuje tragedię Laury, ale także swój własny strach przed szaleństwem, które mógł odziedziczyć."

Paryż

Munch przybył do Paryża podczas uroczystości związanych z Exposition Universelle (1889) i zamieszkał z dwoma kolegami norweskimi artystami. Jego obraz Poranek (1884) został wystawiony w pawilonie norweskim. Poranki spędzał w pracowni Bonnata (w której pracowały modelki), a popołudnia na wystawie, w galeriach i muzeach (gdzie od studentów oczekiwano wykonywania kopii jako sposobu na naukę techniki i obserwacji). Munch nie wykazał entuzjazmu dla lekcji rysunku Bonnata - "To mnie męczy i nudzi - jest drętwe" - ale cieszył się komentarzem mistrza podczas wycieczek do muzeum.

Munch był zachwycony ogromną wystawą nowoczesnej sztuki europejskiej, w tym dziełami trzech artystów, którzy okazali się wpływowi: Paula Gauguina, Vincenta van Gogha i Henri de Toulouse-Lautreca - wszystkich godnych uwagi ze względu na sposób, w jaki używali koloru do przekazywania emocji. Munch był szczególnie zainspirowany "reakcją Gauguina przeciwko realizmowi" i jego credo, że "sztuka jest pracą ludzką, a nie imitacją Natury", przekonaniem wcześniej wyrażonym przez Whistlera. Jak powiedział później o Munchu jeden z jego berlińskich przyjaciół, "nie musi on udawać się na Tahiti, aby zobaczyć i doświadczyć prymitywu w ludzkiej naturze. On nosi w sobie swoje własne Tahiti". Pod wpływem Gauguina, a także akwafort niemieckiego artysty Maxa Klingera, Munch eksperymentował z drukami jako medium do tworzenia graficznych wersji swoich dzieł. W 1896 roku stworzył swoje pierwsze drzeworyty - medium, które okazało się idealne dla symbolicznych obrazów Muncha. Wraz ze swoim współczesnym Nikolaiem Astrupem, Munch jest uważany za innowatora medium drzeworytu w Norwegii.

W grudniu 1889 roku zmarł jego ojciec, pozostawiając rodzinę Muncha bez środków do życia. Wrócił do domu i zorganizował dużą pożyczkę od bogatego norweskiego kolekcjonera, gdy bogaci krewni nie pomogli, i od tego czasu przejął odpowiedzialność finansową za swoją rodzinę. Śmierć Christiana przygnębiła go i dręczyły go myśli samobójcze: "Żyję ze zmarłymi - moją matką, siostrą, dziadkiem, ojcem...Zabij się i wtedy będzie po wszystkim. Po co żyć?" Obrazy Muncha z następnego roku zawierały szkicowe sceny z tawerny i serię jasnych pejzaży miejskich, w których eksperymentował z pointylistycznym stylem Georgesa Seurata.

Berlin

Do 1892 roku Munch sformułował swoją charakterystyczną i oryginalną estetykę syntetyzmu, widoczną w Melancholii (1891), w której kolor jest elementem obciążającym symbol. Uznana przez artystę i dziennikarza Christiana Krohga za pierwszy symbolistyczny obraz norweskiego artysty, Melancholia została wystawiona w 1891 roku na Jesiennej Wystawie w Oslo. W 1892 roku Adelsteen Normann, w imieniu Związku Artystów Berlińskich, zaprosił Muncha na listopadową wystawę, pierwszą indywidualną wystawę stowarzyszenia. Jego obrazy wywołały jednak gorzkie kontrowersje (nazwane "Sprawą Muncha") i po tygodniu wystawa została zamknięta. Munch był zadowolony z "wielkiego zamieszania" i napisał w liście: "Nigdy nie miałem tak zabawnego czasu - to niewiarygodne, że coś tak niewinnego jak malarstwo powinno wywołać takie poruszenie".

W Berlinie Munch związał się z międzynarodowym kręgiem pisarzy, artystów i krytyków, w tym szwedzkim dramaturgiem i czołowym intelektualistą Augustem Strindbergiem, którego namalował w 1892 roku. Poznał również duńskiego pisarza i malarza Holgera Drachmanna, którego namalował w 1898 roku. Drachmann był 17 lat starszy od Muncha i był towarzyszem picia w Zum schwarzen Ferkel w latach 1893-94. W 1894 roku Drachmann napisał o Munchu: "Ciężko walczy. Powodzenia w swoich zmaganiach, samotny Norwegu".

Podczas czterech lat pobytu w Berlinie Munch naszkicował większość pomysłów, które złożyły się na jego główne dzieło, Fryz życia, początkowo przeznaczony do ilustracji książkowej, ale później wyrażony w obrazach. Sprzedał niewiele, ale zarobił trochę na pobieraniu opłat za wstęp do oglądania jego kontrowersyjnych obrazów. Już wtedy Munch wykazywał niechęć do rozstania się ze swoimi obrazami, które nazywał swoimi "dziećmi".

W innych obrazach, w tym w scenach z kasyna, widać uproszczenie formy i detalu, które cechowało jego wczesny dojrzały styl. Munch zaczął również preferować płytką przestrzeń obrazową i minimalne tło dla swoich czołowych postaci. Ponieważ pozy były wybierane tak, aby uzyskać najbardziej przekonujące obrazy stanów umysłu i stanów psychologicznych, jak w Popiołach, postacie nadają monumentalną, statyczną jakość. Postacie Muncha wydają się odgrywać role na scenie teatralnej (ponieważ każda postać uosabia jeden wymiar psychologiczny, jak w Krzyku), mężczyźni i kobiety Muncha zaczęli wydawać się bardziej symboliczni niż realistyczni. Pisał: "Nie powinno się już malować wnętrz, ludzi czytających i kobiet robiących na drutach: byliby tam żywi ludzie, oddychający i czujący, cierpiący i kochający."

The Scream

Krzyk istnieje w czterech wersjach: dwie pastelowe (1893 i 1895) i dwie malarskie (1893 i 1910). Istnieje również kilka litografii Krzyku (1895 i późniejsze).

Pastel z 1895 roku został sprzedany na aukcji 2 maja 2012 roku za 119 922 500 dolarów, łącznie z prowizją. Jest to najbardziej kolorowa z wersji i wyróżnia się skierowaną w dół postawą jednej z postaci tła. Jest to również jedyna wersja, która nie znajduje się w norweskim muzeum.

Wersja z 1893 roku została skradziona z Galerii Narodowej w Oslo w 1994 roku i została odzyskana. Obraz z 1910 roku został skradziony w 2004 roku z Muzeum Muncha w Oslo, ale odzyskany w 2006 roku z ograniczonymi uszkodzeniami.

Krzyk to najsłynniejsze dzieło Muncha i jeden z najbardziej rozpoznawalnych obrazów w całej sztuce. Został on powszechnie zinterpretowany jako reprezentujący uniwersalny niepokój współczesnego człowieka. Malowany szerokimi pasami jaskrawych kolorów i wysoce uproszczonymi formami, z wysokim punktem widzenia, redukuje udręczoną postać do ubranej czaszki w fazie kryzysu emocjonalnego.

Tym obrazem Munch zrealizował swój cel, jakim było "studium duszy, czyli studium mojego własnego ja". Munch napisał o tym, jak powstał ten obraz: "Szedłem drogą z dwoma przyjaciółmi, gdy słońce zachodziło; nagle niebo zrobiło się czerwone jak krew. Zatrzymałem się i oparłem o płot, czując niewypowiedziane zmęczenie. Języki ognia i krwi rozciągały się nad niebiesko-czarnym fiordem. Moi przyjaciele poszli dalej, a ja pozostałem w tyle, drżąc ze strachu. Wtedy usłyszałem ogromny, nieskończony krzyk natury". Później opisał osobiste udręki stojące za obrazem, "przez kilka lat byłem prawie szalony... Znasz mój obraz 'Krzyk?' Byłem rozciągnięty do granic możliwości - natura krzyczała w mojej krwi... Po tym wydarzeniu porzuciłem nadzieję, że kiedykolwiek będę w stanie ponownie kochać."

W 2003 roku, porównując obraz z innymi wielkimi dziełami, historyk sztuki Martha Tedeschi napisała:

Matka Whistlera, Amerykański gotyk Wooda, Mona Lisa Leonarda da Vinci i Krzyk Edvarda Muncha osiągnęły coś, czego nie osiągnęła większość obrazów - niezależnie od ich historycznego znaczenia, piękna czy wartości pieniężnej - a mianowicie przekazały specyficzne znaczenie prawie każdemu widzowi. Te nieliczne dzieła z powodzeniem przeszły z elitarnej sfery zwiedzających muzea do ogromnej przestrzeni kultury popularnej.

Fryz życia - wiersz o życiu, miłości i śmierci

W grudniu 1893 roku na Unter den Linden w Berlinie odbyła się wystawa prac Muncha, na której pokazano między innymi sześć obrazów zatytułowanych Study for a Series: Love. Zapoczątkowało to cykl, który później nazwał Fryzem życia - poematem o życiu, miłości i śmierci. Motywy Fryzu życia, takie jak Burza i światło księżyca, są przesiąknięte atmosferą. Inne motywy oświetlają nocną stronę miłości, jak Róża i Amelie czy Wampir. W Death in the Sickroom tematem jest śmierć jego siostry Sophie, którą przerabiał w wielu przyszłych wariantach. Dramatyczny punkt ciężkości obrazu, przedstawiający całą jego rodzinę, jest rozproszony w oddzielnych i rozłącznych postaciach smutku. W 1894 roku poszerzył spektrum motywów o Niepokój, Popioły, Madonnę i Kobiety w trzech odsłonach (od niewinności do starości).

Około początku XX wieku Munch pracował nad ukończeniem "Fryzu". Namalował szereg obrazów, kilka z nich w większym formacie i w pewnym stopniu prezentujących ówczesną estetykę secesyjną. Do dużego obrazu Metabolizm (1898), początkowo nazywanego Adam i Ewa, wykonał drewnianą ramę z rzeźbionymi reliefami. Dzieło to ujawnia prekursorskie podejście Muncha do "upadku człowieka" i jego pesymistyczną filozofię miłości. Motywy takie jak Pusty Krzyż i Golgota (oba ok. 1900) odzwierciedlają metafizyczną orientację, a także pietystyczne wychowanie Muncha. Cały Fryz został po raz pierwszy pokazany na secesyjnej wystawie w Berlinie w 1902 roku.

"Fryz życia" tematy powracają w całej twórczości Muncha, ale szczególnie skupił się na nich w połowie lat 1890. W szkicach, obrazach, pastelach i drukach, sięgnął do głębi swoich uczuć, aby zbadać swoje główne motywy: etapy życia, femme fatale, beznadziejność miłości, niepokój, niewierność, zazdrość, upokorzenie seksualne oraz separację w życiu i śmierci. Tematy te wyrażone są w obrazach takich jak Chore dziecko (1893-94), Popioły (1894), Most. Ten ostatni przedstawia wiotkie postacie o pozbawionych rysów lub ukrytych twarzach, nad którymi górują groźne kształty ciężkich drzew i ponurych domów. Munch przedstawiał kobiety albo jako kruche, niewinne cierpiętnice (zob. Dojrzewanie oraz Miłość i ból), albo jako powód wielkiej tęsknoty, zazdrości i rozpaczy (zob. Rozstanie, Zazdrość, Popioły).

Munch często używa cieni i pierścieni koloru wokół swoich postaci, aby podkreślić aurę strachu, groźby, niepokoju lub intensywności seksualnej. Obrazy te zostały zinterpretowane jako odzwierciedlenie seksualnych lęków artysty, choć można również twierdzić, że reprezentują one jego burzliwy związek z samą miłością i ogólny pesymizm dotyczący ludzkiej egzystencji. Wiele z tych szkiców i obrazów powstało w kilku wersjach, jak np. Madonna, Dłonie i Dojrzewanie, a także zostało przepisanych jako odbitki wklęsłe i litografie. Munch nie znosił rozstawać się ze swoimi obrazami, ponieważ uważał swoją twórczość za jedno ciało wyrazu. Tak więc, aby skapitalizować swoją produkcję i zarobić trochę dochodu, zwrócił się do grafiki, aby odtworzyć wiele swoich obrazów, w tym tych z tej serii. Munch przyznawał się do osobistych celów swojej twórczości, ale oferował też swoją sztukę w szerszym celu, "Moja sztuka jest naprawdę dobrowolną spowiedzią i próbą wyjaśnienia sobie mojego związku z życiem - jest to więc właściwie rodzaj egoizmu, ale mam nieustanną nadzieję, że poprzez to mogę pomóc innym osiągnąć jasność."

Przyciągając silnie negatywne reakcje, w latach 90. XIX wieku Munch zaczął otrzymywać pewne zrozumienie dla swoich artystycznych celów, jak napisał jeden z krytyków: "Z bezwzględną pogardą dla formy, jasności, elegancji, całości i realizmu, maluje z intuicyjną siłą talentu najbardziej subtelne wizje duszy." Jednym z jego wielkich zwolenników w Berlinie był Walther Rathenau, późniejszy minister spraw zagranicznych Niemiec, który mocno przyczynił się do jego sukcesu.

Paryż, Berlin i Kristiania

W 1896 roku Munch przeniósł się do Paryża, gdzie skupił się na graficznych przedstawieniach swoich tematów z Fryzu życia. Dalej rozwijał swoją technikę drzeworytniczą i litograficzną. Autoportret Muncha ze szkieletowym ramieniem (1895) wykonany jest metodą akwaforty igłą i tuszem, stosowaną również przez Paula Klee. Munch wykonał również wielobarwne wersje Chorego dziecka, dotyczące gruźlicy, które dobrze się sprzedawały, a także kilka aktów i wielokrotne wersje Pocałunku (1892). W maju 1896 roku Siegfried Bing zorganizował wystawę prac Muncha w jego Maison de l'Art Nouveau. Na wystawie pokazano 60 prac, w tym Pocałunek, Krzyk, Madonnę, Chore dziecko, Komnatę śmierci i Pojutrze. Wystawa Binga pomogła przedstawić Muncha francuskiej publiczności. Nadal jednak wielu paryskich krytyków uważało prace Muncha za "gwałtowne i brutalne", nawet jeśli jego wystawy cieszyły się poważnym zainteresowaniem i dobrą frekwencją. Jego sytuacja finansowa znacznie się poprawiła i w 1897 roku Munch kupił sobie letni dom z widokiem na fiordy w Kristianii, małej chacie rybackiej zbudowanej pod koniec XVIII wieku, w małym miasteczku Åsgårdstrand w Norwegii. Nazwał ten dom "Szczęśliwym domem" i wracał tu prawie każdego lata przez następne 20 lat. To właśnie za tym miejscem tęsknił, gdy przebywał za granicą i gdy czuł się przygnębiony i wyczerpany. "Spacer po Åsgårdstrand to jak spacer wśród moich obrazów - gdy tu jestem, mam taką inspirację do malowania".

W 1897 roku Munch powrócił do Kristianii, gdzie również spotkał się z niechętną akceptacją - jeden z krytyków napisał: "Spora część tych obrazów była już wcześniej wystawiana. Moim zdaniem poprawiają się one przy bliższym poznaniu". W 1899 roku Munch rozpoczął intymny związek z Tullą Larsen, "wyzwoloną" kobietą z klasy wyższej. Podróżowali razem do Włoch, a po powrocie Munch rozpoczął kolejny płodny okres w swojej sztuce, który obejmował pejzaże i ostatni obraz z serii "Fryz życia", Taniec życia (1899). Larsen był chętny do małżeństwa, ale Munch nie był. Jego picie i słabe zdrowie potęgowały jego obawy, jak pisał w trzeciej osobie: "Od dziecka nienawidził małżeństwa. Jego chory i nerwowy dom dał mu poczucie, że nie ma prawa się żenić." Munch prawie uległ Tulli, ale uciekł od niej w 1900 roku, odwracając się także od jej znacznej fortuny, i przeniósł się do Berlina. Jego Dziewczyny na molo, powstałe w 18 różnych wersjach, ukazywały temat kobiecej młodości bez negatywnych konotacji. W 1902 roku wystawił swoje prace tematycznie w sali berlińskiej Secesji, wywołując "efekt symfoniczny - wywołał wielkie poruszenie - wiele antagonizmów i wiele aprobaty." Berlińscy krytycy zaczynali doceniać twórczość Muncha, mimo że opinia publiczna nadal uważała jego prace za obce i dziwne.

Dobre relacje prasowe sprawiły, że Munch zyskał uwagę wpływowych mecenasów Alberta Kollmana i Maxa Lindego. Munch opisał ten zwrot w swoim dzienniku: "Po 20 latach walki i nędzy siły dobra wreszcie przychodzą mi z pomocą w Niemczech - otwierają się przede mną jasne drzwi." Jednak mimo tej pozytywnej zmiany, autodestrukcyjne i niekonsekwentne zachowanie Muncha doprowadziło go najpierw do gwałtownej kłótni z innym artystą, a następnie do przypadkowego postrzelenia w obecności Tulli Larsen, która wróciła na krótkie pojednanie, co spowodowało zranienie dwóch palców. Munch później przepiłował na pół autoportret przedstawiający jego i Larsena, co było konsekwencją tego postrzału i późniejszych wydarzeń. W końcu opuściła go i wyszła za młodszego kolegę Muncha. Munch odebrał to jako zdradę i jeszcze przez jakiś czas rozpamiętywał upokorzenie, przelewając część goryczy na nowe obrazy. Jego obrazy Martwa natura (Morderczyni) i Śmierć Marata I, powstałe w latach 1906-07, wyraźnie odnoszą się do incydentu rozstrzelania i jego emocjonalnych następstw.

W latach 1903-04 Munch wystawiał w Paryżu, gdzie nadchodzący fowiści, słynący z odważnie fałszywych kolorów, prawdopodobnie widzieli jego prace i mogli znaleźć w nich inspirację. Kiedy Fowiści zorganizowali własną wystawę w 1906 roku, Munch został zaproszony i wystawił swoje prace razem z ich pracami. Po przestudiowaniu rzeźby Rodina, Munch mógł eksperymentować z plasteliną jako pomocą w projektowaniu, ale stworzył niewiele rzeźb. W tym czasie Munch otrzymał wiele zleceń na portrety i grafiki, co poprawiło jego zwykle niepewną sytuację finansową. W 1906 roku namalował ekran do sztuki Ibsena w małym teatrze Kammerspiele znajdującym się w berlińskim Deutsches Theater, w którym wisiał Fryz życia. Dyrektor teatru Max Reinhardt sprzedał go później; obecnie znajduje się w berlińskiej Nationalgalerie. Po wcześniejszym okresie pejzaży, w 1907 roku ponownie zwrócił uwagę na postacie i sytuacje ludzkie.

Awaria i odzyskiwanie

Jesienią 1908 roku niepokój Muncha, spotęgowany przez nadmierne picie i awantury, stał się ostry. Jak później napisał, "Mój stan graniczył z szaleństwem - to było na wyciągnięcie ręki." Ulegając halucynacjom i uczuciu prześladowania, trafił do kliniki Daniela Jacobsona. Terapia, którą Munch otrzymywał przez następne osiem miesięcy, obejmowała dietę i "elektryzowanie" (zabieg modny wówczas w przypadku stanów nerwowych, nie mylić z terapią elektrokonwulsyjną). Pobyt Muncha w szpitalu ustabilizował jego osobowość, a po powrocie do Norwegii w 1909 roku jego prace stały się bardziej kolorowe i mniej pesymistyczne. Po powrocie do Norwegii w 1909 r. jego prace stały się bardziej kolorowe i mniej pesymistyczne. Publiczność Kristianii w końcu polubiła jego prace, a muzea zaczęły kupować jego obrazy. Za zasługi dla sztuki został mianowany kawalerem Królewskiego Orderu Świętego Olafa. Jego pierwsza amerykańska wystawa odbyła się w 1912 roku w Nowym Jorku.

W ramach rekonwalescencji dr Jacobson poradził Munchowi, aby spotykał się tylko z dobrymi przyjaciółmi i unikał picia w miejscach publicznych. Munch zastosował się do tej rady i stworzył kilka pełnowymiarowych portretów wysokiej jakości przyjaciół i mecenasów - uczciwych portretów pozbawionych pochlebstw. Tworzył również pejzaże i sceny przedstawiające ludzi przy pracy i zabawie, stosując nowy optymistyczny styl - szerokie, luźne pociągnięcia pędzla w żywych kolorach, z częstym użyciem białej przestrzeni i rzadkim użyciem czerni - z jedynie sporadycznymi odniesieniami do jego chorobliwych tematów. Z większymi dochodami Munch był w stanie kupić kilka nieruchomości dających mu nowe perspektywy dla jego sztuki i w końcu był w stanie zapewnić byt swojej rodzinie.

Wybuch I wojny światowej zastał Muncha z podzieloną lojalnością, jak stwierdził: "Wszyscy moi przyjaciele są Niemcami, ale to Francję kocham". W latach 30. jego niemieccy patroni, wielu żydowskich, stracili fortuny, a niektórzy życie podczas powstania ruchu nazistowskiego. Munch znalazł norweskich drukarzy, którzy zastąpili Niemców, którzy drukowali jego prace graficzne. Biorąc pod uwagę jego zły stan zdrowia, w 1918 roku Munch czuł się szczęśliwy, że przeżył atak grypy hiszpańskiej, ogólnoświatowej pandemii tego roku.

Późniejsze lata

Munch spędził większość swoich ostatnich dwóch dekad w samotności w swojej prawie samowystarczalnej posiadłości w Ekely, w Skøyen, Oslo. Wiele z jego późnych obrazów przedstawia życie na farmie, w tym kilka, w których użył swojego konia roboczego "Rousseau" jako modela. Bez żadnego wysiłku Munch przyciągał stały strumień modelek, które malował jako tematy licznych obrazów nagości. Z niektórymi z nich prawdopodobnie utrzymywał stosunki seksualne. Munch czasami opuszczał swój dom, aby malować murale na zamówienie, między innymi dla fabryki czekolady Freia.

Do końca życia Munch kontynuował malowanie bezlitosnych autoportretów, dodając do swojego cyklu autorefleksji nad własnym życiem i niesłabnącej serii ujęć swoich stanów emocjonalnych i fizycznych. W latach 30. i 40. naziści nazwali prace Muncha "sztuką zdegenerowaną" (wraz z pracami Picassa, Klee, Matisse'a, Gauguina i wielu innych nowoczesnych artystów) i usunęli jego 82 dzieła z niemieckich muzeów. Adolf Hitler ogłosił w 1937 roku, "Dla wszystkich nas to obchodzi, ci prehistoryczni barbarzyńcy kultury z epoki kamiennej i tupeciarze sztuki mogą wrócić do jaskiń swoich przodków i tam mogą stosować swoje prymitywne międzynarodowe drapanie."

W 1940 roku Niemcy najechali Norwegię i partia nazistowska przejęła władzę. Munch miał 76 lat. Mając prawie całą kolekcję swojej sztuki na drugim piętrze domu, Munch żył w strachu przed konfiskatą przez nazistów. Siedemdziesiąt jeden obrazów zabranych wcześniej przez nazistów zostało zwróconych Norwegii poprzez zakup przez kolekcjonerów (pozostałych 11 nigdy nie odzyskano), w tym Krzyk i Chore dziecko, i one również zostały ukryte przed nazistami.

Munch zmarł w swoim domu w Ekely koło Oslo 23 stycznia 1944 roku, około miesiąc po swoich 80. urodzinach. Jego nazistowsko zaaranżowany pogrzeb sugerował Norwegom, że był on sympatykiem nazistów, co stanowiło rodzaj zawłaszczenia niezależnego artysty. Miasto Oslo kupiło posiadłość Ekely od spadkobierców Muncha w 1946 roku; jego dom został zburzony w maju 1960 roku.

Kiedy Munch zmarł, jego pozostałe prace zostały zapisane w spadku miastu Oslo, które zbudowało Muzeum Muncha na Tøyen (otwarte w 1963 roku). Muzeum posiada kolekcję około 1,100 obrazów, 4,500 rysunków i 18,000 druków, najszerszą kolekcję jego prac na świecie. Muzeum Muncha służy jako oficjalna posiadłość Muncha; było aktywne w reagowaniu na naruszenia praw autorskich, jak również w oczyszczaniu praw autorskich do dzieła, jak na przykład pojawienie się Krzyku Muncha w kampanii reklamowej M&M's w 2006 roku. Amerykańskim przedstawicielem praw autorskich dla Muzeum Muncha i posiadłości Edvarda Muncha jest Artists Rights Society.

Sztuka Muncha była wysoce spersonalizowana, a on sam niewiele nauczał. Jego "prywatny" symbolizm był znacznie bardziej osobisty niż innych malarzy symbolistów, takich jak Gustave Moreau i James Ensor. Munch był nadal bardzo wpływowy, szczególnie u niemieckich ekspresjonistów, którzy podążali za jego filozofią: "Nie wierzę w sztukę, która nie jest kompulsywnym rezultatem popędu człowieka do otwarcia serca." Wiele z jego obrazów, w tym The Scream, oprócz bardzo osobistej wymowy, ma uniwersalny wydźwięk.

Prace Muncha są obecnie reprezentowane w wielu głównych muzeach i galeriach w Norwegii i za granicą. Jego domek, "szczęśliwy dom", został przekazany gminie Åsgårdstrand w 1944 roku; służy jako małe muzeum Muncha. Inwentarz został utrzymany dokładnie tak, jak go zostawił.

Jedna z wersji Krzyku została skradziona z Galerii Narodowej w 1994 roku. W 2004 roku inna wersja Krzyku, wraz z Madonną, została skradziona z Muzeum Muncha podczas zuchwałego napadu w biały dzień. Wszystkie te obrazy udało się odzyskać, ale te skradzione w 2004 roku zostały poważnie uszkodzone. Zostały one starannie odrestaurowane i są ponownie wystawione na widok publiczny. Trzy dzieła Muncha zostały skradzione z Hotelu Refsnes Gods w 2005 roku; zostały one wkrótce odzyskane, chociaż jedno z dzieł zostało uszkodzone podczas rabunku.

W październiku 2006 roku kolorowy drzeworyt Dwoje ludzi. The lonely (To mennesker. De ensomme) ustanowił nowy rekord wśród jego grafik, kiedy został sprzedany na aukcji w Oslo za 8,1 miliona koron (1,27 miliona dolarów, równowartość 1 700 000 dolarów w 2021 roku). Ustanowił również rekord najwyższej ceny zapłaconej na aukcji w Norwegii. 3 listopada 2008 roku obraz Wampir ustanowił nowy rekord dla jego obrazów, gdy został sprzedany za 38 162 000 USD (równowartość 48 000 000 USD w 2021 roku) w Sotheby's w Nowym Jorku.

Wizerunek Muncha pojawia się na norweskim banknocie o nominale 1000 koron, wraz z obrazami inspirowanymi jego twórczością.

W lutym 2012 roku duża wystawa Muncha, Edvard Munch. The Modern Eye, została otwarta w Schirn Kunsthalle Frankfurt; wystawę otworzyła Mette-Marit, księżniczka koronna Norwegii.

W maju 2012 roku The Scream sprzedał się za 119,9 mln USD (równowartość 141 500 000 USD w 2021 roku) i jest drugim najdroższym dziełem sztuki kiedykolwiek sprzedanym na otwartej aukcji. (Został prześcignięty w listopadzie 2013 roku przez Three Studies of Lucian Freud, który sprzedał się za 142,4 mln USD).

W 2013 roku cztery obrazy Muncha zostały przedstawione na serii znaczków norweskiej poczty, dla upamiętnienia w 2014 roku 150. rocznicy jego urodzin.

14 listopada 2016 r. wersja "Dziewczyny na moście" Muncha sprzedała się za 54,5 mln USD (równowartość 61 500 000 USD w 2021 r.) w Sotheby's w Nowym Jorku, co czyni ją drugą najwyższą ceną osiągniętą za jeden z jego obrazów.

W kwietniu 2019 roku w British Museum gościła wystawa, Edvard Munch: Love and Angst, składającą się z 83 dzieł sztuki i zawierającą rzadką oryginalną odbitkę The Scream.

W maju 2022 roku w Courtauld Gallery odbyła się wystawa Edvard Munch. Masterpieces from Bergen, prezentująca 18 obrazów z kolekcji norweskiego przemysłowca Rasmusa Meyera.

Aula uniwersytecka

W 1911 roku odbył się finałowy konkurs na dekorację dużych ścian Auli (auli) Uniwersytetu w Oslo pomiędzy Munchem a Emanuelem Vigelandem. Epizod ten znany jest jako "kontrowersja w Auli". W 1914 roku Munchowi ostatecznie zlecono dekorację Auli, a dzieło zostało ukończone w 1916 roku. To główne dzieło norweskiego malarstwa monumentalnego zawiera 11 obrazów zajmujących 223 m2 (2,400 stóp kwadratowych). Słońce, Historia i Alma Mater to kluczowe dzieła w tej sekwencji. Munch oświadczył: "Chciałem, aby dekoracje tworzyły kompletny i niezależny świat idei, a ja chciałem, aby ich wizualny wyraz był zarówno wyraźnie norweski, jak i uniwersalnie ludzki". W 2014 roku sugerowano, że obrazy Auli mają wartość co najmniej 500 milionów koron.

Źródła

1. Edvard Munch
2. Edvard Munch
3. ^ Munch is not famous for religious artwork and was not known as a Christian. The affinity to Mary might be intended nevertheless, as an emphasis on the beauty and perfection of his friend Dagny Juel-Przybyszewska, the model for the work, and an expression of his worship of her as an ideal of womanhood.[63](1894, oil on canvas, 90 cm × 68 cm (35+1⁄2 in × 26+3⁄4 in), Munch Museum, Oslo)
4. 4,0 4,1 «Большая советская энциклопедия» (Ρωσικά) Η Μεγάλη Ρωσική Εγκυκλοπαίδεια. Μόσχα. 1969. Ανακτήθηκε στις 28  Σεπτεμβρίου 2015.
5. The Fine Art Archive. 7896.
6. LIBRIS. 26  Μαρτίου 2018. libris.kb.se/katalogisering/53hkld1p1hbsskz. Ανακτήθηκε στις 24  Αυγούστου 2018.
7. 10,0 10,1 10,2 The Fine Art Archive. cs.isabart.org/person/7896. Ανακτήθηκε στις 1  Απριλίου 2021.
8. 12,0 12,1 Jean Cassou, Pierre Brunel, Francis Claudon, Georges Pillement, Lionel Richard: «Encyclopédie du symbolisme» 1979. ISBN-10 2-85056-129-0.
9. James F. Masterson: Search For The Real Self. Unmasking The Personality Disorders Of Our Age, Chapter 12: The Creative Solution: Sartre, Munch, and Wolfe, S. 208–230, Simon and Schuster, New York 1988, ISBN 1-4516-6891-0, S. 212–213, eingeschränkte Vorschau in der Google-Buchsuche.
10. Tove Aarkrog: Edvard Munch: the life of a person with borderline personality as seen through his art, Lundbeck Pharma A/S, Denmark 1990, ISBN 87-983524-0-7.
11. Albert Rothenberg: Bipolar illness, creativity, and treatmernt. In: The Psychiatric quarterly, Band 72, Nummer 2, 2001, S. 131–147, ISSN 0033-2720, PMID 11433879, doi:10.1023/A:1010367525951.
12. Ulrich Bischoff: Edvard Munch 1863–1944, Bilder vom Leben und vom Tod, Taschen, Köln 2006, ISBN 978-3-8228-6369-5.
13. Lecture de l'œuvre du philosophe par l'influence de Stanislas Przybyszewski, amenant également la rencontre avec la sœur du penseur, Elisabeth Förster, à Weimar. Cette dernière lui commande un portrait à partir d'une photographie familiale quelques années après la disparition de Friedrich à l'asile.
14. Une autre graphie ancienne française est « Christiania ». Il s'agit de la capitale, Oslo.
15. Lionel Richard, « J'aime la vie, la vie, même malade », Beaux Arts, hors-série Edvard Munch, L’œil moderne au Centre Pompidou.
16. Dans ses carnets, cette compagne est nommée par ellipse « Fru L » ou « madame L. ». Le terme « Fru » en norvégien correspond au mot « Frau » (dame) en allemand.