Σύνοψη

Ο Piet Mondrian († 1 Φεβρουαρίου 1944 στη Νέα Υόρκη, Νέα Υόρκη) ήταν Ολλανδός ζωγράφος του κλασικού μοντερνισμού. Ο καλλιτέχνης, ο οποίος δημιούργησε το στυλ του νεοπλαστικισμού, θεωρείται ο σημαντικότερος εκπρόσωπος του ολλανδικού κονστρουκτιβισμού καθώς και της Τέχνης του Σκυροδέματος, όπως την ονόμασε ο Theo van Doesburg. Με το μεταγενέστερο έργο του, υπήρξε ένας από τους θεμελιωτές της αφηρημένης ζωγραφικής.

Ο Mondrian άρχισε να ζωγραφίζει με το ιμπρεσιονιστικό στυλ της Σχολής της Χάγης γύρω στο 1900. Από το 1908 περίπου εργάστηκε υπό την επιρροή του Βίνσεντ βαν Γκογκ και του Φωβισμού. Αφού μετακόμισε στο Παρίσι το 1911, στράφηκε προς τον κυβισμό υπό την επιρροή του Georges Braque και του Pablo Picasso. Από τη δεκαετία του 1920 και μετά, ο Mondrian δημιούργησε τους γνωστούς αυστηρά γεωμετρικούς πίνακες που αποδίδονται στον Νεοπλαστικισμό. Η χαρακτηριστική δομή τους, που αποτελείται από ένα μαύρο πλέγμα σε συνδυασμό με ορθογώνιες επιφάνειες σε πρωτογενή χρώματα, οδήγησε στην ενσωμάτωσή τους στην τέχνη, την αρχιτεκτονική, τη μόδα, τη διαφήμιση και τη λαϊκή κουλτούρα μέχρι σήμερα. Ως θεωρητικός της τέχνης και συνιδρυτής της ένωσης καλλιτεχνών De Stijl, ο Mondrian έγραψε, μεταξύ άλλων, το Le Néo-Plasticisme, το οποίο εκδόθηκε το 1925 σε γερμανική μετάφραση ως Bauhaus Book No. 5 με τον τίτλο Neue Gestaltung. Νεοπλαστικισμός, Nieuwe Beelding. Τα νέα έργα που δημιούργησε εξόριστος στη Νέα Υόρκη από το 1940 και μετά χαλάρωσαν τα βασικά χρώματα με τρόπο ψηφιδωτό και με αυτόν τον τρόπο ξεπέρασε τις προηγούμενες αυστηρές συνθέσεις υπέρ της νέας μουσικής ρυθμοποίησης του μοτίβου.

Εκπαίδευση και εργασία στις Κάτω Χώρες (1872-1911)

Ο Piet Mondrian γεννήθηκε στις 7 Μαρτίου 1872 στο Amersfoort, Kortegracht 11, ως το δεύτερο από τα πέντε παιδιά του Pieter Cornelis Mondriaan (1839-1915) και της συζύγου του Johanna Christina Mondriaan (το γένος Kok, 1839-1909). Το 1880 η οικογένεια μετακόμισε στο Winterswijk, κοντά στα γερμανικά σύνορα. Τα αδέλφια του ήταν οι Johanna Christina, Willem-Frederik, Louis Cornelis και Carel. Η μητέρα ήταν συχνά άρρωστη, και η μεγαλύτερη κόρη Χριστίνα (* 1870) έπρεπε ήδη να "τρέχει το νοικοκυριό" όταν ήταν μόλις οκτώ ετών, ενώ ο πατέρας, ο οποίος ακολουθούσε καριέρα δασκάλου, προτιμούσε να εργάζεται εθελοντικά υπερωρίες και, ως αυστηρός καλβινιστής, πήγαινε συχνά σε ταξίδια για λογαριασμό της εκκλησίας του. Ο Mondrian, ο οποίος αναγκάστηκε να στερηθεί την εγγύτητα του πατέρα του, έχασε τη βασική του εμπιστοσύνη στους συνανθρώπους του μετά το τέλος της παιδικής του ηλικίας, με αποτέλεσμα να μην συνάψει ποτέ μια μόνιμη συνεργασία.

Παρακολουθούσε μαθήματα ζωγραφικής από τον θείο του Frits Mondriaan, ο οποίος ήταν αναγνωρισμένος ζωγράφος τοπίων και εσωτερικών χώρων, και από τον πατέρα του από το 1886. Ο Mondrian επρόκειτο να γίνει δάσκαλος σύμφωνα με τις επιθυμίες του πατέρα του και ο Piet Mondrian φιλοδοξούσε να σταδιοδρομήσει ως δάσκαλος σχεδίου. Για το σκοπό αυτό, το 1889 και το 1892, απέκτησε το δίπλωμα του δασκάλου για δημοτικά σχολεία και το δίπλωμα του δασκάλου σχεδίου για σχολεία δευτεροβάθμιας εκπαίδευσης. Ωστόσο, επειδή ο Mondrian δεν αισθανόταν καλεσμένος να γίνει δάσκαλος, αποφάσισε να ξεκινήσει τις καλλιτεχνικές του σπουδές στη Rijksakademie van beeldende kunsten στο Άμστερνταμ τον Νοέμβριο του 1892, τις οποίες συνέχισε μέχρι το 1894, με επακόλουθα βραδινά μαθήματα μέχρι το 1897. Την ίδια χρονιά εντάχθηκε στο Gereformeerde Kerk.

Κατά τη διάρκεια του χειμώνα του 1899

Αφού πούλησε δύο νεκρές φύσεις και ολοκλήρωσε μια παραγγελία πορτρέτου, ο Piet Mondrian ταξίδεψε στην Ισπανία το 1901 με τον φίλο του, τον ζωγράφο Simon Maris. Καθώς δεν αισθανόταν άνετα εκεί, επέστρεψε γρήγορα στην πατρίδα του. Δεν μπορούσε να ζωγραφίσει τίποτα στην Ισπανία - το φως ήταν πολύ διαφορετικό σε σχέση με την πατρίδα του. Το 1904 έζησε απομονωμένος στο Ούντεν, όπου ήρθε όλο και περισσότερο σε επαφή με τη Θεοσοφία, μια διαδικασία που έμελλε να διαρκέσει μέχρι το τέλος της ζωής του.

Το 1905 ο Mondrian μετακόμισε στο πρώτο του στούντιο στο Άμστερνταμ, όπου παρήγαγε κυρίως νατουραλιστικά έργα και επιστημονικά σχέδια για το Πανεπιστήμιο του Leiden μέχρι το 1908. Το 1908 μετακόμισε σε ένα διαμέρισμα στο Domburg on Walcheren στο Zeeland, όπου περνούσε τους καλοκαιρινούς μήνες μέχρι το 1910. Διορίστηκε, μαζί με τους Jan Toorop και Jan Sluijters, στο διοικητικό συμβούλιο του Moderne Kunstkring που ίδρυσε ο Ολλανδός ζωγράφος και κριτικός τέχνης Conrad Kickert το 1910, το οποίο υπήρχε μέχρι το 1916.

Το 1909 ο Mondrian έγινε μέλος της Θεοσοφικής Εταιρείας στο Άμστερνταμ. Ο θάνατος της μητέρας του την ίδια χρονιά τον αναστάτωσε και η χρωματική του παλέτα άλλαξε από φωτεινή, χαρούμενη σε μελαγχολικά φωτεινή. Τον Ιούνιο του 1911 πήγε στο Παρίσι για δέκα ημέρες, προφανώς για να προετοιμαστεί για την επόμενη έκθεση του Δακτυλίου Μοντέρνας Τέχνης. Διέλυσε έναν αρραβώνα με την Greet Heybroek που είχε πραγματοποιηθεί το φθινόπωρο.

Από τις 6 Οκτωβρίου έως τις 5 Νοεμβρίου 1911, η πρώτη έκθεση του Δακτυλίου Μοντέρνας Τέχνης πραγματοποιήθηκε στο Μουσείο Stedelijk στο Άμστερνταμ με συνολικά 166 εκθέματα, συμπεριλαμβανομένων 93 έργων ξένων καλλιτεχνών. Ήταν ένα αφιέρωμα στον Paul Cézanne και παρουσίαζε 28 έργα του, καθώς και έργα των Georges Braque, Pablo Picasso, André Derain, Raoul Dufy και άλλων σύγχρονων καλλιτεχνών. Ο Mondrian παρουσίασε έξι έργα, μεταξύ των οποίων τα Evolution και The Red Mill.

Πρώτη διαμονή στο Παρίσι (1911-1914)

Μέσω της έκθεσης, ο Mondrian ήρθε σε επαφή με τον κυβισμό και εντάχθηκε σε αυτό το νέο στυλ τέχνης. Εγκατέλειψε την πατρίδα του και, σε ηλικία σχεδόν 40 ετών, μετακόμισε στο Παρίσι στα τέλη Δεκεμβρίου του 1911. Εκεί, ο Conrad Kickert, ο οποίος εργαζόταν ως ανταποκριτής της ολλανδικής εβδομαδιαίας εφημερίδας De Groene Amsterdammer, έθεσε στη διάθεσή του το στούντιό του στον πρώτο όροφο της 26 rue du Départ, ακριβώς δίπλα στο σταθμό Montparnasse. Εδώ, στην οδό Rue du Départ, ο Piet Mondrian έζησε και εργάστηκε -με διακοπές λόγω του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου- μέχρι τον Ιανουάριο του 1936. Ένας από τους γείτονές του στο στούντιο ήταν ο Μεξικανός ζωγράφος Diego Rivera.

Ο Mondrian, ο οποίος στο εξής έγραφε το όνομά του μόνο με Α εκτός των Κάτω Χωρών, κινήθηκε σε καλλιτεχνικούς κύκλους που συναντιόντουσαν στα καφέ La Coupole και Café du Dôme και συμμετείχε σε σουαρέ που διοργάνωσε, για παράδειγμα, ο Kickert το 1912 και το 1913. Εκεί γνώρισε καλλιτέχνες όπως ο Fernand Léger, με τον οποίο τον συνέδεσε μακροχρόνια φιλία. Ωστόσο, δεν αναζήτησε τον Georges Braque και τον Pablo Picasso, τα ζωγραφικά του πρότυπα. Όπως και οι κυβιστικοί πίνακές τους, οι πρώτοι παρισινοί πίνακες του Mondrian ήταν σε γκρι, καφέ και μαύρο χρώμα. Ένα παράδειγμα είναι Το γκρίζο δέντρο. Το 1912 συμμετείχε με έργα του στην έκθεση Sonderbund στην Κολωνία και το 1913 στο Πρώτο Γερμανικό Φθινοπωρινό Σαλόνι στο Βερολίνο και στο Salon des Indépendants στο Παρίσι.

Επιστροφή στις Κάτω Χώρες (1914-1919)

Τον Ιούλιο του 1914, ο Mondrian παρέμεινε στις Κάτω Χώρες, πιθανώς για να επισκεφθεί τον άρρωστο πατέρα του. Η επιστροφή στο Παρίσι δεν ήταν πλέον εφικτή λόγω του ξεσπάσματος του Α' Παγκοσμίου Πολέμου, αν και οι Κάτω Χώρες ήταν ουδέτερες απέναντι στον πόλεμο, και έτσι αναζήτησε και βρήκε διασυνδέσεις στους πλούσιους κύκλους του Άμστερνταμ. Ο ιστορικός τέχνης H. P. Bremmer, ο οποίος συμβούλευε την οικογένεια των βιομηχάνων Kröller-Müller στην προώθηση καλλιτεχνών, του κατέβαλε ετήσιο μισθό, τον οποίο έλαβε μόνο μέχρι το 1919. Η αφαίρεσή του, η οποία είχε γίνει ριζοσπαστική, δεν άρεσε πλέον στους συλλέκτες.

Το 1916 ο Mondrian μετακόμισε στο Laren, όπου εντάχθηκε στην καλλιτεχνική ομάδα Laren School. Εκείνη τη χρονιά ο Mondrian γνωρίστηκε με τον μαθηματικό και θεοσοφιστή M. H. J. Schoenmaekers (1875-1944), ο οποίος όρισε την έννοια του στυλ ως "το γενικό παρά το ιδιαίτερο" και του οποίου τα "χυδαία φιλοσοφικά" έργα Het Geloof van den nieuwen mensch (Η πίστη στον νέο άνθρωπο) και Het nieuwe wereldbeeld (Η νέα εικόνα του κόσμου) διάβασε ο Mondrian κατά τη διάρκεια των θεοσοφικών του σπουδών. Ο Mondrian δανείστηκε μεγάλο μέρος της εξαιρετικά σαφούς ορολογίας του Schoenmaekers για τα δοκίμιά του που δημοσιεύτηκαν στο "De Stijl" και του χρωστούσε τον κύριο όρο "nieuwe beelding", ο οποίος στη Γερμανία μεταφράζεται πολύ κακώς ως "νέα γλυπτική" ή "νεοπλαστικισμός", παρά ως "νέο σχέδιο".

Το 1917, ο Mondrian ήταν ιδρυτικό μέλος της ομάδας De Stijl με έδρα το Leiden, στην οποία συμμετείχαν, για παράδειγμα, οι ζωγράφοι Bart van der Leck και Theo van Doesburg και ο αρχιτέκτονας J. P. Oud. J. P. Oud. Στο ομώνυμο περιοδικό άρχισε να γράφει ένα μεγάλο δοκίμιο με θέμα "Η νέα γλυπτική στη ζωγραφική". Στους επόμενους τρεις τόμους του περιοδικού, αναδείχθηκε ως ο σημαντικότερος συνεργάτης τόσο μέσω του όγκου των κειμένων του όσο και μέσω της αφιέρωσής του. Το δοκίμιο του Mondrian, που ξεκίνησε το 1917, τον έκανε τον πρώτο που εργάστηκε για την ανάπτυξη ενός νέου πλαστικού τρόπου έκφρασης και για να το κάνει αυτό "μέσω της συνέχειας του κυβισμού στην υλοποίηση" μιας "νέας γλυπτικής στη ζωγραφική".

Δεύτερη διαμονή στο Παρίσι (1919-1938)

Μετά το τέλος του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου, ο Mondrian επέστρεψε στο Παρίσι τον Φεβρουάριο του 1919. Βρήκε το στούντιό του αναλλοίωτο, με τους πίνακες που είχε αφήσει πίσω του ακόμα στη θέση τους. Αλλά η καλλιτεχνική σκηνή είχε αλλάξει. Ο Πικάσο, μεταξύ άλλων, είχε επιστρέψει στην πιο αναπαραστατική ζωγραφική. Ο Mondrian, με την αφηρημένη ζωγραφική του, είχε γίνει ο πιο μοντέρνος ζωγράφος στον τομέα του. Τον θρίαμβο ακολούθησε η απογοήτευση λόγω της έλλειψης αναγνώρισης της τέχνης του και της έλλειψης οικονομικής υποστήριξης από τον H. P. Bremmer. Ο Mondrian σχεδίαζε να εγκαταλείψει το Παρίσι και να εργαστεί ως εργάτης σε αμπελώνα στη νότια Γαλλία. Βρήκε όμως νέα υποστήριξη από Ολλανδούς φίλους καλλιτέχνες, όπως ο Salomon B. Slijper, και ζωγράφισε σε μεγάλους αριθμούς πίνακες με λουλούδια, γεγονός που του εξασφάλισε τα προς το ζην. Στο στούντιό του έστησε ένα μικρό αντικείμενο, ένα τεχνητό λουλούδι του οποίου τα φύλλα είχε βάψει λευκά. Σύμφωνα με δική του δήλωση, αντιπροσώπευε τη γυναίκα που έλειπε από τη ζωή του, την οποία ήθελε να αφιερώσει εξ ολοκλήρου στην τέχνη. Οι Ολλανδοί προτεστάντες συνήθιζαν να τοποθετούν στην είσοδο των σπιτιών τους εικόνες λουλουδιών με βιβλικά ρητά, γεγονός που ενδεχομένως τον ενέπνευσε- ωστόσο, ο συμβολισμός του λουλουδιού δεν συμφωνούσε με την αφηρημένη τέχνη του.

Το έργο του Mondrian Le Néo-Plasticisme δημοσιεύτηκε το 1920 από την L'Effort Moderne του Léonce Rosenberg. Έστειλε ένα αντίγραφο μαζί με μια επιστολή στον Ρούντολφ Στάινερ, τον ιδρυτή της ανθρωποσοφίας, το 1921, αλλά προς απογοήτευσή του δεν έλαβε καμία απάντηση. Το 1925 εμφανίστηκε σε μετάφραση στα βιβλία του Bauhaus που επιμελήθηκε ο Walter Gropius ως αριθμός 5 με τον τίτλο Neue Gestaltung, Neoplastizismus, Nieuwe Beelding. Ο Mondrian εγκατέλειψε το κίνημα De Stijl το 1925. Ο λόγος δεν ήταν η διαμάχη με τον van Doesburg για τη χρήση των διαγωνίων στα έργα τέχνης, όπως περιγράφεται μερικές φορές, αλλά μάλλον οι διαφορετικές απόψεις τους για τον χώρο και τις μορφές του στην αρχιτεκτονική.

Το 1926, ο Mondrian δέχτηκε την Katherine Sophie Dreier, η οποία αγόρασε έναν μεγαλύτερο ρομβοειδή πίνακα από τον καλλιτέχνη, ο οποίος παρουσιάστηκε στη διεθνή έκθεση της Société Anonyme στο Μπρούκλιν την ίδια χρονιά. Τα επόμενα χρόνια, ερχόταν συχνά στο Παρίσι για να αγοράσει περισσότερους πίνακες του Mondrian από τον καλλιτέχνη. Επίσης, το 1926, ο Mondrian σχεδίασε το αφηρημένο σχέδιο για τη βιβλιοθήκη της Ida Bienert, συλλέκτριας έργων τέχνης, στη Δρέσδη-Πλάουεν και τη νεοπλαστική σκηνική διακόσμηση για το έργο L'Ephémère est éternel του Michel Seuphor. Ο Mondrian είχε συναντήσει τον Seuphor - τον μετέπειτα βιογράφο του - στα μέσα Μαΐου του 1923.

Το 1927, ο Mondrian δημοσίευσε ένα άρθρο για τη νέα αρχιτεκτονική που εμφανίστηκε στο πρωτοποριακό περιοδικό i10, το οποίο εξέδιδε ο αναρχικός Arthur Lehning. Τον Απρίλιο του 1930, συμμετείχε στην πρώτη και μοναδική έκθεση της ένωσης καλλιτεχνών Cercle et Carré, που ιδρύθηκε από τον Seuphor το 1929, η οποία αριθμούσε συνολικά 80 μέλη. Το 1931, ο Mondrian έγινε μέλος της ομάδας Abstraction-Création που ιδρύθηκε στη συνέχεια, η οποία διήρκεσε μέχρι το 1937.

Στα τέλη του 1934, ο Piet Mondrian δέχτηκε στο στούντιό του στο Παρίσι δύο καλλιτέχνες που ενδιαφέρονταν για το έργο του. Πρώτα ήρθε να τον δει ο Βρετανός ζωγράφος Μπεν Νίκολσον και μετά ο 22χρονος Χάρι Χόλτζμαν, ένας νεαρός Αμερικανός ζωγράφος από τη Νέα Υόρκη. Έγιναν στενοί φίλοι και ο Mondrian αργότερα όρισε τον Holtzman ως μοναδικό κληρονόμο του. Τον Μάρτιο του 1936, ο καλλιτέχνης μετακόμισε σε ένα νέο εργαστήριο στη λεωφόρο Raspail 278, καθώς το κτίριο στην οδό Rue du Départ, όπου βρίσκεται σήμερα το Tour Montparnasse, κατεδαφίστηκε. Αφού το έργο του είχε ήδη παρουσιαστεί σε ομαδικές εκθέσεις στο Λονδίνο και την Οξφόρδη, το αμερικανικό κοινό είχε τη δυνατότητα να δει για πρώτη φορά μια μεγαλύτερη επιλογή έργων του Mondrian στην έκθεση "Κυβισμός και αφηρημένη τέχνη" του 1936, που διοργανώθηκε από το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης. Όταν η έκθεση "Εκφυλισμένη Τέχνη" άνοιξε στο Μόναχο το 1937, ήταν ένας από τους λίγους ξένους καλλιτέχνες των οποίων το έργο δυσφημίστηκε ως "εκφυλισμένο". Παρουσιάστηκε μια σύνθεση από το Landesmuseum του Ανόβερου.

Τα τελευταία χρόνια στο Λονδίνο και τη Νέα Υόρκη (1938-1944)

Το 1938, με τα πρώτα σημάδια του επερχόμενου πολέμου, ο Mondrian ταξίδεψε στο Λονδίνο μετά από πρόσκληση του Ben Nicholson στις 21 Σεπτεμβρίου και μετακόμισε σε ένα διαμέρισμα στο Νο 60 Park Hill Road στο Hampstead. Το στούντιό του ήταν ένα μεγάλο δωμάτιο στον ημιώροφο του πλινθόκτιστου σπιτιού κάτω από το οποίο βρισκόταν το στούντιο του Νίκολσον. Λίγο πιο μακριά - πέρα από ένα μονοπάτι που διέσχιζε τον κήπο - βρισκόταν το στούντιο της Barbara Hepworth, η οποία λίγο αργότερα έγινε σύζυγος του Nicholson. Λίγο πριν από το ξέσπασμα του Β' Παγκοσμίου Πολέμου, το ζευγάρι μετακόμισε στο St Ives της Κορνουάλης και πρότεινε στον Mondrian να τους ακολουθήσει, κάτι που εκείνος αρνήθηκε.

Τον Οκτώβριο του 1940, μετά τη γερμανική επίθεση στο Λονδίνο τον Σεπτέμβριο του ίδιου έτους, μετανάστευσε στις ΗΠΑ με την υποστήριξη του Harry Holtzman. Εντάχθηκε στους αφηρημένους καλλιτέχνες της Νέας Υόρκης που είχαν ενωθεί στην American Abstract Artists, η οποία ιδρύθηκε το 1936, και δημοσίευσε δοκίμια για τον νεοπλαστικισμό. Ο κριτικός τέχνης και ζωγράφος Charmion von Wiegand επιμελήθηκε τα γραπτά του. Του είχε πάρει συνέντευξη στις 12 Απριλίου 1941 και έγραψε στο ημερολόγιό της την ίδια μέρα:

Η πρώτη του ατομική έκθεση στις Ηνωμένες Πολιτείες πραγματοποιήθηκε τον Ιανουάριο και τον Φεβρουάριο του 1942 στη γκαλερί Valentine Dudensing στη Νέα Υόρκη, ενώ τον Μάρτιο του ίδιου έτους ακολούθησε η κοινή έκθεση Artists in Exile στη γκαλερί Pierre Matisse. Μια φωτογραφία δείχνει τον Mondrian μαζί με άλλους 13 καλλιτέχνες, όπως ο Marc Chagall, ο Max Ernst, ο Fernand Léger, ο Roberto Matta, ο Kurt Seligmann και ο Yves Tanguy, καθώς και τον συγγραφέα André Breton. Σε μια επιστολή προς τον πατέρα του Henri Matisse, ο Pierre Matisse αποκάλεσε τον Mondrian "άγιο της αφαίρεσης".

Σε μια έκθεση στην γκαλερί Art of This Century της Peggy Guggenheim το 1943, ο Mondrian επηρέασε την καλλιτεχνική επιτυχία του Jackson Pollock. Ο Mondrian ήταν μέλος της κριτικής επιτροπής στο Εαρινό Σαλόνι του Guggenheim εκείνη την εποχή και είχε δημιουργήσει φιλικές σχέσεις με τους Γάλλους σουρεαλιστές, ιδίως με τον André Breton και τον Max Ernst. Ο Jimmy Ernst, γιος του Max Ernst και γραμματέας της γκαλερί του Guggenheim, περιέγραψε πώς ο Guggenheim είχε εκφράσει αρχικά αρνητικές απόψεις για το υποβληθέν έργο του Pollock "Szenographic Figure" με αφηρημένες και ημι-αφηρημένες μορφές. Όταν ο Mondrian τον αποκάλεσε τον πιο συναρπαστικό πίνακα που είχε δει ποτέ, άλλαξε γνώμη και έγινε υποστηρικτής του έργου του Pollock.

Τον Ιανουάριο του 1944, ο Piet Mondrian αρρώστησε από οξεία πνευμονία. Στις 26 Ιανουαρίου ο Harry Holtzman τον μετέφερε στο νοσοκομείο Murray Hill της Νέας Υόρκης στην 40η οδό ανατολικά- εκεί η κατάστασή του επιδεινώθηκε εμφανώς μέχρι τις 31 Ιανουαρίου. Ο Mondrian πέθανε την επόμενη ημέρα σε ηλικία 71 ετών. Ο τάφος του βρίσκεται στο νεκροταφείο Cypress Hills στο Μπρούκλιν. Οι φίλοι Fritz Glarner και Harry Holtzman τράβηξαν σειρά φωτογραφιών και γύρισαν μια ταινία για το στούντιό του στη Νέα Υόρκη. Ένα χρόνο αργότερα, το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης φιλοξένησε την πρώτη μεταθανάτια αναδρομική έκθεση του καλλιτέχνη.

Πρώιμο έργο

Στην αρχή του έργου του Mondrian, ζωγράφιζε ακόμα τοπία της ολλανδικής πατρίδας του επηρεασμένα από τον ιμπρεσιονισμό, όπως το Αγροτικό τοπίο με την εκκλησία του Αγίου Ιακώβου (1899), ακολουθώντας έτσι τη γενέθλια Σχολή της Χάγης. Το πορτρέτο ενός παιδιού γύρω στο 1900 θυμίζει τους θρησκευτικούς πίνακες σε άλμπουμ της εποχής, οι οποίοι διακινούνταν ως λατρευτικά αντικείμενα. Ακολούθησαν πίνακες με νεοϊμπρεσιονιστικές και συμβολιστικές επιρροές, όπως το Passion Flower (1901).

Ο πίνακας Mill in the Sunlight: The Winkel Mill από το 1908, για παράδειγμα, δείχνει την εξερεύνηση ενός παραδοσιακού ολλανδικού μοτίβου από τον Mondrian. Ο πίνακας είναι επηρεασμένος από τον Φωβισμό και παίρνει το παράδειγμα από τον Βίνσεντ βαν Γκογκ. Ο μύλος, που παρουσιάζεται με οπίσθιο φωτισμό σε κίτρινο-μπλε φόντο, είναι ζωγραφισμένος με κόκκινες και μπλε πινελιές, με το κόκκινο να καλύπτει εν μέρει το μπλε. Η χρήση της τεχνικής της πουτιλιστικής ζωγραφικής χρησιμοποιείται ως μέσο αποϋλοποίησης της μορφής και η αναφορά στον Φωβισμό στον χρωματισμό χρησιμεύει για την περαιτέρω αφαίρεση της πραγματικότητας.

Η απεικόνιση τριών άβαφων αφηρημένων γυναικών στο τρίπτυχο Evolution, το σημαντικότερο έργο του 1911, που παρουσιάζει τα "τρία στάδια της γνώσης", εκφράζει τις θρησκευτικές και ηθικές απόψεις του Mondrian μετά τη μελέτη της Θεοσοφίας (Θεία Σοφία). Οι γυναικείες μορφές έχουν ως πρότυπο τους άνδρες πολεμιστές του Θεού στον Ιερό Πόλεμο. Το θέμα είναι η ανάδυση του καινούργιου μέσα από την αποκήρυξη της αισθησιακής εμπειρίας. Η βιολογική εξέλιξη θα αντικατασταθεί από την καθαρά πνευματική ανάπτυξη. Το κοινό την επέκρινε ως "ψυχρή και κενή".

Κυβισμός

Κατά τη διάρκεια των δύο ετών και επτά μηνών που ο Piet Mondrian πέρασε στο Παρίσι από τα τέλη Δεκεμβρίου του 1911 έως τον Ιούλιο του 1914, ασπάστηκε τον κυβισμό του Georges Braque και του Pablo Picasso και απέφυγε τον χρωματικό κυβισμό του Fernand Léger και του Robert Delaunay. Το 1911 και το 1912, για παράδειγμα, δημιούργησε τα έργα The Grey Tree, Composition in Grey-Blue, Nude και τη δεύτερη εκδοχή του Still Life with Ginger Pot. Το 1913 συμμετείχε στο 29ο Σαλόνι των Ιντεπεντάντ στο Παρίσι, όπου εξέθεσε ξανά ένα χρόνο αργότερα.

Ο Mondrian επέκρινε τον κυβισμό της εποχής για την απροθυμία των ζωγράφων να βγάλουν τη λογική συνέπεια από τις δικές τους ανακαλύψεις και για τη διατήρηση του τρισδιάστατου χώρου. Ο Mondrian διέλυσε αυτή τη βαθιά νατουραλιστική αντίληψη του κυβισμού ως αφαίρεση καταστρέφοντας τον χώρο, χρησιμοποιώντας επιφάνειες και μετατρέποντάς τες σε μια αυστηρά ορθογώνια μορφή. Από το 1913, ο λαβύρινθος των σπιτιών στο Παρίσι τον ενέπνευσε να εισάγει καθημερινές εμπειρίες στους κυβιστικούς πίνακες. Το 1914, απεικόνισε την ομορφιά ενός τοίχου πυρκαγιάς στη σύνθεση Νο VI, στην οποία οι μαύρες κυβιστικές γραμμές διαλύουν παιχνιδιάρικα το μοτίβο ζωγραφισμένο με γαλάζιο και ώχρα. Ένα χρόνο αργότερα, όταν είχε φύγει από το Παρίσι, έκανε αρκετά σχέδια στα οποία προσπαθούσε να ερμηνεύσει το ρυθμό της θάλασσας, ένα θέμα που τον συνόδευε από το 1909, και ζωγράφισε τη σύνθεση 10 σε ασπρόμαυρο χρώμα, που ονομάζεται επίσης Starry ή Christmas Night, η οποία σχηματίζει ένα μαύρο αφηρημένο γραμμικό μοτίβο ως μοτίβο. Σε αντίθεση με τους πίνακες παραθύρων του Delaunay, οι οποίοι παρουσιάζουν μια ποικιλία σχημάτων και χρωμάτων, ο Mondrian επέλεξε την ομοιομορφία και το κενό από τις δυνατότητες του κυβιστικού στυλ.

Νεοπλαστικισμός

Ενώ οι καλλιτέχνες της ομάδας De Stijl, που ιδρύθηκε το 1917, σύντομα στράφηκαν προς άλλα καλλιτεχνικά κινήματα, ο Mondrian παρέμεινε συνδεδεμένος με τις βασικές ιδέες του κινήματος αυτού και άρχισε σταδιακά να τις εμβαθύνει. Τις συνόψισε - μετά από δοκίμια στο περιοδικό De Stijl - για πρώτη φορά το 1920 στο κείμενο Le Néo-Plasticisme: principe général de l'équivalence plastique. Στη Γερμανία, το κείμενο εμφανίστηκε το 1925 με τον τίτλο Neue Gestaltung. Νεοπλαστικισμός. Nieuwe Beelding. Οι πίνακες που έγιναν το 1916 και το 1917, αποτελούμενοι από μικρές οριζόντιες και κάθετες πινελιές, ολοκλήρωσαν το θέμα της θάλασσας και του μοτίβου της σκαλωσιάς, όπως στη Σύνθεση του 1916 ή στη Σύνθεση με γραμμές του 1917. Το 1918 και το 1919, οι πρώτες συνθέσεις σε ρομβοειδές σχήμα, όπως στις συνθέσεις Grid Composition 3: Diamond Composition και Grid Composition 5: Coloured Diamond Composition, η διαίρεση των γραμμών έγινε ασύμμετρη, με πίνακες όπως οι Light Coloured Areas with Grey Outlines, Composition in Grey, Red, Yellow and Blue και Composition with Red, Blue and Green να δείχνουν μια κάποια δειλία στη χρήση έντονων χρωμάτων. Ο Mondrian είχε ήδη ζωγραφίσει με τα βασικά χρώματα κόκκινο, κίτρινο και μπλε από το 1908 έως το 1911, αλλά εγκατέλειψε αυτόν τον αποκλειστικό χρωματισμό υπέρ των σπασμένων τόνων όπως το κίτρινο-πράσινο και το πορτοκαλί, επιστρέφοντας σε αυτούς από το 1921. Θεωρούνται ακόμη και σήμερα χαρακτηριστικές του Mondrian.

Ο Mondrian συνδύασε με τους πίνακές του μια κοσμοθεωρία που προερχόταν από τα πνευματικά ρεύματα του τέλους του 19ου και των αρχών του 20ού αιώνα, ιδίως τη θεοσοφία. Πίσω από τα ευμετάβλητα φαινόμενα του κόσμου γύρω μας, υπήρχε μια πιο αληθινή σφαίρα της πραγματικότητας που μπορούσε να αναγνωριστεί μέσω της πρακτικής. Είναι ένα είδος μοντέλου για μια καλή ζωή, έναν οργανωμένο κόσμο. Η αναλογία μεταξύ της εικόνας και της καθαρής, ιδανικής πραγματικότητας είναι ότι δεν υπάρχουν "τραγικές, μάταιες" μορφές (όπως επιφάνειες σε φόντο, ακάθαρτα χρώματα, αναμεμειγμένα χρώματα, με άλλα λόγια), αλλά τα πάντα επιλύονται στην ισορροπημένη μορφή. Η ορθή γωνία είναι η "μόνη σταθερή σχέση με την καθαρή πραγματικότητα" και οι μεταβαλλόμενες αναλογίες αντιπροσωπεύουν τη ζωή μέσα από την κίνησή τους. Τα βασικά χρώματα είναι η αφαίρεση από τον πρώτο κόσμο που μας περιβάλλει και περιγράφηκαν από τον Ρούντολφ Στάινερ ως τα λαμπερά χρώματα του πνευματικού, ψυχικού και ζωντανού, το λευκό ως η ψυχική εικόνα του πνεύματος και το μαύρο ως η πνευματική εικόνα του νεκρού.

Τα βασικά χρώματα κόκκινο, κίτρινο και μπλε, καθώς και τα μη βασικά χρώματα μαύρο, λευκό και γκρι εμφανίζονται στους πίνακες του Mondrian από το 1921 και μετά. Αυτές τονίζονται από τις κάθετες μαύρες γραμμές και τις ορθογώνιες χρωματικές περιοχές που γειτνιάζουν με αυτές στα οικεία βασικά χρώματα, τα οποία γειτνιάζουν με τις λωρίδες. Τα υπόλοιπα ενδιάμεσα κενά είναι λευκά. Οι χρωματικές γραμμές και τα ορθογώνια δεν είναι ποτέ τοποθετημένα συμμετρικά, αλλά συντίθενται ανομοιόμορφα, ρυθμικά και δυναμικά. Έτσι, μέσω των τυπικών αντιθέσεων των οριζόντιων και κάθετων μαύρων γραμμών καθώς και της σταθερά ορθογώνιας εικονογραφικής δομής, μια έγχρωμη περιοχή εμφανίζεται πάντα ως αντίθεση με τις άλλες έγχρωμες και μη έγχρωμες περιοχές. Αν και αναπόσπαστα συνδεδεμένες με τις μαύρες γραμμές, ωστόσο, δεν τοποθετούνται ποτέ ούτε στο φόντο ούτε στο προσκήνιο, καθώς η κοινή αλληλεπίδραση των επιφανειών και των γραμμών από τη μία πλευρά και η αντιθετική σχέση από την άλλη διαλύουν κάθε αίσθηση χώρου και βάθους.

Τα "τοπία" του Piet Mondrian, αφού ο ίδιος εξακολουθούσε να θεωρεί τον εαυτό του ζωγράφο τοπίου, μόνο που εκφράζεται σε μια καθαρή πραγματικότητα που παραμένει κρυμμένη πίσω από την επιφανειακά εμφανιζόμενη πραγματικότητα, βασίζονται στη φυσική σχέση των ισορροπιών οριζόντιου και κάθετου. Στην ορθή γωνία ο Mondrian αναγνώρισε ένα οικουμενικό σύμβολο, δηλαδή την κατακόρυφο του ανθρώπου που στέκεται όρθιος πάνω στην οριζόντια γη. Οπουδήποτε εμφανίζεται στον κόσμο μας αυτή η πολικότητα που περιέχεται σε αυτόν, δημιουργεί εντάσεις που επιβάλλουν μια ισορροπία. Ο άντρας και η γυναίκα, το πνεύμα και η ύλη, το Απολλώνιο και το Διονυσιακό είναι πολικότητες που, με την απόκρυφη έννοια, γίνονται και πάλι η μορφή του σταυρού και, σύμφωνα με τον Diether Rudloff, "βρίσκονται πίσω από κάθε τι χριστιανικό, κάθε τι ανθρώπινο". Έτσι ο Mondrian έγραψε: "Εφόσον η αρσενική αρχή εκφράζεται στην κάθετη γραμμή, ένας άνδρας θα αναγνωρίσει αυτό το στοιχείο στα δέντρα ενός δάσους που προσπαθούν να ανέβουν προς τα πάνω. Θα δει το συμπλήρωμά του στην οριζόντια γραμμή της θάλασσας. - Η γυναίκα θα αναγνωρίσει μάλλον τον εαυτό της στην κρεμαστή γραμμή της θάλασσας και θα δει το συμπλήρωμά της στις κάθετες γραμμές του δάσους, οι οποίες ενσαρκώνουν την αρσενική αρχή". Έτσι, οι πίνακές του αποτελούνται από απλές χρωματιστές επιφάνειες σε τετράγωνα και ορθογώνια, με τις οποίες πραγματοποιείται μια ακραία απλοποίηση και αναγωγή του αισθητά αντιληπτού κόσμου και επιδιώκεται η δημιουργία μιας ισορροπίας μεταξύ του ατομικού και του καθολικού, όπως έγραψε ο Piet Mondrian το 1918 στο πρώτο μανιφέστο του κινήματος de Stijl.

Ο Mondrian συνδύασε τις μαύρες γραμμές των 17 πινάκων που έφερε μαζί του από την Ευρώπη μεταξύ 1935 και 1940, όπως η Place de la Concorde (1938-1943) - ονομάζονται υπερατλαντικοί πίνακες - με χρωματιστές γραμμές μετά την άφιξή του στη Νέα Υόρκη το 1940. Οι μαύρες λωρίδες όπως και στον νεοεισαχθέντα πίνακα Broadway Boogie Woogie (1942)

Ο τίτλος του Broadway Boogie Woogie αναφέρεται στο Broadway, μια λεωφόρο στη νέα του πατρίδα, το Μανχάταν της Νέας Υόρκης. Το πλέγμα του πίνακα αποκαλύπτει το ευθύγραμμο σχέδιο του δρόμου, σαν να έχει σχεδιαστεί με χάρακα. Το Boogie woogie, που αναφέρεται και στον τίτλο, είναι μια μουσική για πιάνο που προέκυψε από την τζαζ και είχε εμπνεύσει τον λάτρη της τζαζ και τον ενθουσιώδη χορευτή. Άφησε το Victory Boogie Woogie ημιτελές στο στούντιό του. Ο τίτλος παραπέμπει πιθανότατα τόσο στην αναμενόμενη νίκη των Συμμάχων στον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο όσο και στην υπέρβαση των προηγούμενων αυστηρών συνθέσεων του Mondrian προς όφελος του νέου μουσικού ρυθμού του μοτίβου.

Τα στούντιο του Mondrian

Ο Mondrian εφάρμοσε τη θεωρία του συγκεκριμένα, οργανώνοντας τον καθημερινό του χώρο, το στούντιο, σύμφωνα με τις χωρικές του αρχές. Όταν ο Mondrian επέστρεψε στο Παρίσι το 1919, μετακόμισε και πάλι στο στούντιο του Kickert στην οδό Rue du Départ 26, στον πρώτο όροφο. Μετά από λίγους μήνες αναγκάστηκε να το εγκαταλείψει, καθώς ο Kickert είχε επιστρέψει στο Παρίσι, και αρχικά μετακόμισε σε ένα στούντιο σε ένα πίσω κτίριο στην Rue Coulmier, πριν επιστρέψει στην Rue du Départ το 1921, καθώς ένα στούντιο στο ίδιο κτίριο είχε γίνει διαθέσιμο. Το νέο του στούντιο βρισκόταν στον τρίτο όροφο, προσβάσιμο μέσω μιας σκοτεινής ελικοειδούς σκάλας. Μέσα από ένα σύστημα κουρτινών, πίσω από το οποίο υπήρχε ένα μικρό υπνοδωμάτιο που χρησίμευε και ως κουζίνα, ο επισκέπτης εισήλθε στο στούντιο. Αυτό αποτελείτο από ένα μεγάλο, φωτεινό και ψηλό δωμάτιο, οι τοίχοι του οποίου ήταν βαμμένοι λευκοί και κατά τόπους καλυμμένοι με μεγάλες επιφάνειες από κόκκινο, λευκό και γκρι χαρτόνι, και το οποίο είχε διάταξη όπως αυτή των πινάκων του. Με τη βοήθεια ενός μεγάλου ντουλαπιού με μαύρο χρώμα, μπροστά από το οποίο βρισκόταν ένα αχρησιμοποίητο καβαλέτο, ο Mondrian είχε χωρίσει το δωμάτιο ακανόνιστα. Ένα δεύτερο καβαλέτο τοποθετήθηκε στον πίσω τοίχο της αίθουσας. Ήταν βαμμένο λευκό και χρησίμευε στον Mondrian για να ελέγχει τους τελειωμένους πίνακες ως προς το αποτέλεσμά τους. Μπροστά σε ένα παράθυρο που έβλεπε στην Rue du Départ υπήρχε ένα τραπέζι με ένα λευκό λαδόπανο καρφωμένο στο κάτω μέρος του. Επιπλέον, στο στούντιο του Mondrian υπήρχαν δύο λευκές πολυθρόνες από ψάθα και στο πάτωμα υπήρχε ένα κόκκινο και ένα γκρι χαλί.

Για τους επισκέπτες του καλλιτέχνη, ο μικρόκοσμος του εργαστηρίου ήταν μια εμπειρία. Το 1930, ο Alexander Calder επισκέφθηκε τον Piet Mondrian στο στούντιό του, το οποίο τον εντυπωσίασε τόσο πολύ με τον σχεδιασμό του από πολύχρωμα γεωμετρικά σχήματα, ώστε άλλαξε το παραστατικό του στυλ και άρχισε να δημιουργεί τα κινητά. Διάσημοι σύγχρονοι φωτογράφοι όπως ο André Kertész, ο Rogi André και η Florence Henri το φωτογράφισαν και οι εικόνες τους δημοσιεύτηκαν σε περιοδικά τέχνης σε όλο τον κόσμο. Το Centre Pompidou παρουσίασε στην έκθεση Mondrian

Κατά τη διάρκεια των τριών ετών και τεσσάρων μηνών που έζησε ο Mondrian στη Νέα Υόρκη, βρήκε στέγη σε δύο διαμερίσματα. Η πρώτη ήταν στην 56η οδό, αρ. 535 East, στη γωνία της First Avenue, η δεύτερη στην 59η οδό, αρ. 15 East. Αυτό το δεύτερο διαμέρισμα βρισκόταν στον τέταρτο όροφο και αποτελούνταν από μια κουζίνα και δύο δωμάτια, εκ των οποίων το ένα χρησιμοποιούσε ο Mondrian ως στούντιο και το δεύτερο ως υπνοδωμάτιο. Στο σχεδόν άδειο στούντιο υπήρχε ένα καβαλέτο και δύο ξύλινα πλαίσια με πηχάκια, το ένα από τα οποία χρησίμευε ως ράφι για τις παλέτες και το άλλο για την αποθήκευση των χρωμάτων. Στους λευκοβαμμένους τοίχους υπήρχαν τετράγωνα καθαρών χρωμάτων (γνωστά ως wallwork), η σύνθεση των οποίων θύμιζε έργα του 1917.

Γραμματοσειρές

Το κυριότερο γραπτό θεωρητικό έργο του Mondrian για την τέχνη του νεοπλαστικισμού είναι το Le Néo-Plasticisme, που εκδόθηκε το 1920 από τον εκδοτικό οίκο L'Effort Moderne του Léonce Rosenberg. Το 1925 εμφανίστηκε σε μετάφραση στα βιβλία του Bauhaus που επιμελήθηκε ο Walter Gropius ως αριθμός 5 με τον τίτλο Neue Gestaltung, Neoplastizismus, Nieuwe Beelding. Εκτός από τον Mondrian και τον Theo van Doesburg από την ομάδα De Stijl, σε αυτές τις εκδόσεις συμμετείχαν επίσης ο Albert Gleizes, ο Wassily Kandinsky, ο Paul Klee και ο Kasimir Malevich.

Στο δοκίμιό του "Τέχνη και ζωή" του 1931, ο Mondrian μιλάει για την αρμονία που ο καλλιτέχνης έβλεπε να απεικονίζεται στην οριζόντια και την κάθετη των πινάκων του και η οποία δεν είχε ακόμη φτάσει στον τελικό της στόχο, την απόλυτη ανάπτυξη. Αυτό συμβαίνει επειδή "η εσωτερική και εξωτερική ισορροπία της βιώνει μια διαρκή διαταραχή μέσω του άχαρου και εγωκεντρικού ατομικισμού". Αυτή η ανισορροπία της ζωής, σύμφωνα με τον Mondrian, φέρνει μια βαθιά τραγωδία στη ζωή και μόνο η τέχνη είναι σε θέση να απεικονίσει αυτή την αρμονία και την ισορροπία. Σύμφωνα με τον Mondrian, η τέχνη "είναι υποκατάστατο μόνο για όσο διάστημα η ομορφιά της ζωής είναι ελλιπής. Θα εξαφανιστεί με την ίδια αναλογία που η ζωή αποκτά ισορροπία". Ο Mondrian προδικάζει το μέλλον στους πίνακές του- στην πραγματικότητα, το μέλλον δεν το έχει κάνει ακόμα - η δημιουργία τέχνης θα αντικατασταθεί στο μέλλον από την υλοποίηση της καθαρά πλαστικής έκφρασης σε απτή πραγματικότητα. Οι εικόνες και τα γλυπτά δεν θα είναι πλέον απαραίτητα, γιατί μόνο τότε, σύμφωνα με τον Mondrian, θα ζούμε στην πραγματοποιημένη τέχνη. Το 1937, ο Ben Nicholson δημοσίευσε το πρώτο δοκίμιο του Mondrian στα αγγλικά υπό τον τίτλο Plastic Art and Pure Plastic Art στην έκδοση Circle, της οποίας ο Nicholson ήταν συνεκδότης.

Το 1941, ο Piet Mondrian έγραψε το έργο Toward the True Vision of Reality, ένα πεζογράφημα που μεταμφιέστηκε σε αυτοβιογραφία. Ο Mondrian, ο οποίος είχε υποθέσει από το 1914 ότι η ουσία του κόσμου μπορεί να συλληφθεί καλύτερα με την αφηρημένη ζωγραφική παρά με έναν νατουραλιστικό τρόπο αναπαράστασης, περιγράφει σε αυτήν, μέσω του "αληθινού του οράματος", το οποίο ο καλλιτέχνης έριχνε από το παράθυρο του εργαστηρίου του σε όλη του τη ζωή, "αναδρομικά τη ζωή του σαν να ζούσε στο εργαστήριο από τη γέννησή του", μια ζωή που δεν είχε ζήσει ποτέ με αυτόν τον τρόπο, "την οποία έκανε έργο τέχνης και φανταστική πηγή της τέχνης του".

Η τέχνη ως θρησκεία

Για τον Mondrian, αν και ήταν μέλος της Θεοσοφικής Εταιρείας μέχρι το θάνατό του, ο νεοπλαστικισμός ήταν μια νέα θρησκεία που θα αντικαθιστούσε τελικά τις παραδοσιακές θρησκείες. Τον έβλεπε "ως ένα χιλιαστικό θρησκευτικό σχέδιο που θα μεταμόρφωνε ολόκληρη την κοινωνία. Πίστευε ότι ο νεοπλαστικισμός θα κατέστρεφε τελικά τις παλιές μορφές του κράτους, της θρησκείας και της οικογένειας και θα δημιουργούσε νέες, απλούστερες και καλύτερες". ("Ο Μόντριαν είδε τον Νεοπλαστικισμό ως χιλιαστικό θρησκευτικό πρόταγμα για τον μετασχηματισμό ολόκληρης της κοινωνίας. Πίστευε ότι ο Νεοπλαστικισμός θα κατέληγε στην καταστροφή των παλαιών μορφών του κράτους, της θρησκείας και της οικογένειας και στη δημιουργία νέων, απλούστερων και καλύτερων").

Η επιρροή του Mondrian στις τέχνες

Οι σύγχρονοι καλλιτέχνες που εμπνεύστηκαν από τον Mondrian ήταν οι ζωγράφοι ή γλύπτες Josef Albers, Alexander Calder, Burgoyne Diller, Theo van Doesburg, Fritz Glarner, Harry Holtzman, Ben Nicholson, Charmion von Wiegand, ο οποίος επιμελήθηκε τα κείμενά του που γράφτηκαν στις Ηνωμένες Πολιτείες, και ο αρχιτέκτονας Alfred Roth. Ο δάσκαλος του Bauhaus Oskar Schlemmer, ζωγράφος, γλύπτης και σκηνογράφος, τον αποκάλεσε "πραγματικό θεό του Bauhaus". Η μινιμαλιστική τέχνη της δεκαετίας του 1960 με εκπροσώπους όπως ο Ellsworth Kelly και ο Frank Stella υποδεικνύει επίσης τις επιρροές του Mondrian καθώς και του Malevich.

Η φωτεινή εγκατάσταση greens crossing greens (στον Piet Mondrian που δεν είχε πράσινο) του Dan Flavin από το 1966 είναι αφιερωμένη στον Mondrian, ο οποίος απέφευγε όχι μόνο το πράσινο αλλά και τα άλλα συμπληρωματικά χρώματα, το βιολετί και το πορτοκαλί. Το έργο του Flavin εκτίθεται στο Μουσείο Solomon R. Guggenheim της Νέας Υόρκης. Ο Barnett Newman δημιούργησε τέσσερις πίνακες μεταξύ 1966 και 1970 με τίτλο "Ποιος φοβάται το κόκκινο, το κίτρινο και το μπλε". Ένα παράδειγμα καλλιτέχνη της δεκαετίας του 1990 είναι ο Imi Knoebel, του οποίου η τετραμερής εγκατάσταση του 1997, RED YELLOW WHITE BLUE 1-4, βρίσκεται στο φουαγιέ εκδηλώσεων του Marie-Elisabeth-Lüders-Haus της γερμανικής Βουλής. Την ίδια χρονιά δημιουργήθηκε η εγκατάσταση Mondrian Altar του Thomas Hirschhorn, η οποία ξαναχτίστηκε το 2011 από το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης σε έναν δρόμο στο Long Island της Νέας Υόρκης, με αφορμή μια έκθεση για την 11η Σεπτεμβρίου 2001. Μεταξύ 2001 και 2003, ο Βρετανός καλλιτέχνης Keith Milow δημιούργησε μια σειρά πινάκων βασισμένων στο ύστερο στυλ του Mondrian.

Αντίπαλος της αφηρημένης τέχνης και του Mondrian ειδικότερα, ωστόσο, ήταν ο Αυστριακός ζωγράφος και γλύπτης Alfred Hrdlicka. Δημιούργησε έναν κύκλο χαρακτικής με τίτλο Roll over Mondrian από το 1966. Σε αυτό, κατέλαβε το ιδανικά σχεδιασμένο μοτίβο της τάξης και γέμισε τα ορθογώνια πεδία που τον προκαλούσαν με το "κενό" τους σε άσπρο-μαύρο με τα θέματά του για το σεξ, τον σαδισμό και τη βία. Ένα παράδειγμα είναι το φύλλο της Μεγάλης Παρασκευής. Στη λογοτεχνική του πραγματεία Der letzte Zeichner: Aufsätze zu Kunst und Karikatur (Ο τελευταίος σκιτσογράφος: Δοκίμια για την τέχνη και την καρικατούρα) του 1999, ο ποιητής, σκιτσογράφος και σατιρικός Robert Gernhardt αναφέρει ότι κανένας καλλιτέχνης αυτού του αιώνα δεν απέτυχε με τόσο ηχηρή επιτυχία όσο υποδειγματικά "αυτός ο Ολλανδός", αφού η εικαστική του γλώσσα είναι πανταχόθεν προσαρμοσμένη από την τρέχουσα λαϊκή κουλτούρα.

Ο Mondrian είχε πολλές συζητήσεις με τον Ολλανδό συνθέτη Jakob van Domselaer (1890-1960) για το μέλλον της μουσικής στο Παρίσι από το 1912 και μετά. Το 1916, ο Mondrian έμεινε με τον van Domselaer στο Laren- την ίδια χρονιά, ο τελευταίος δημοσίευσε μια σειρά από επτά κομμάτια για πιάνο με τον τίτλο Proeven van Stijlkunst, εμπνευσμένα από πίνακες του φίλου του ζωγράφου. Στην εκτέλεση, το στατικό στοιχείο, η αρμονία, έπρεπε να αντιμετωπίζεται ως το κύριο πράγμα, και η κίνηση, η μελωδία, έπρεπε να παραμένει ήρεμη και αβίαστη παρά την κυριαρχία του στατικού στοιχείου. Ο Ελβετός συνθέτης Hermann Meier εργάστηκε από τα μέσα της δεκαετίας του 1950 με μεγάλα, πολύχρωμα σχέδια που ονόμασε "Mondriane".

Ο Mondrian στην αρχιτεκτονική

Η ολλανδική ένωση καλλιτεχνών De Stijl ενέπνευσε το Bauhaus, που ιδρύθηκε το 1919. Το κτίριο που σχεδιάστηκε από τον ιδρυτή του Bauhaus Walter Gropius και χτίστηκε το 1925

Επιπλέον, το αφηρημένο γεωμετρικό στυλ του Mondrian ενέπνευσε το σχεδιασμό και την ονομασία των σύγχρονων κτιρίων. Στο Βανκούβερ του Καναδά, το κτίριο "The Mondrian" ανεγέρθηκε το 2002. Αποτελείται από δύο ψηλούς πύργους με 21 και 30 ορόφους. Μεταξύ άλλων, εδώ εδρεύει η Γκαλερί Σύγχρονης Τέχνης του Βανκούβερ. Το 2005 ολοκληρώθηκε η 20όροφη πολυκατοικία "The Mondrian" στο Cityplace κοντά στο Oak Lawn στο Τέξας. Ακολούθησε το 2011 ένα 10όροφο πολυώροφο κτίριο στη Βικτώρια της Βρετανικής Κολομβίας στον Καναδά, το οποίο διαθέτει μοτίβα του Mondrian και ονομάζεται επίσης "The Mondrian", όπως και το κτιριακό συγκρότημα στη Νυρεμβέργη που κατασκευάστηκε φέτος.

Η επιρροή του Mondrian στη μόδα και την κατανάλωση

Το 1933, η σχεδιάστρια Lola Prusac δημιούργησε τσάντες για την Hermès που υιοθετούσαν τα μοτίβα του Mondrian. Από το 1965, ο Γάλλος μόδιστρος Yves Saint Laurent δημιούργησε φορέματα Mondrian με γεωμετρικά μοτίβα του Mondrian. Συχνά τους μιμούνταν. Από ένα αντίγραφο ανήκει στις συλλογές του Μητροπολιτικού Μουσείου Τέχνης της Νέας Υόρκης, του Rijksmuseum του Άμστερνταμ και του Μουσείου Βικτωρίας και Αλβέρτου του Λονδίνου.

Το 2010, το Museum für Angewandte Kunst στην Κολωνία παρουσίασε την έκθεση all-over Mondrian. Τέχνη + Κατανάλωση, το οποίο κατέγραψε πόσο πολύ το έργο του Mondrian επηρέασε τον καθημερινό καταναλωτισμό. Ένα παράδειγμα είναι μια σειρά περιποίησης μαλλιών της εταιρείας καλλυντικών L'Oréal από το 1986. Το κεντρικό σημείο της έκθεσης ήταν ο πίνακας του Mondrian Σύνθεση με μαύρο, κόκκινο και γκρι από το 1927. Το έργο αντιπαρατέθηκε με αντικείμενα όπως αναπτήρες, αθλητικά ρούχα, γυναικεία παπούτσια και δίσκοι ντους, τα οποία υιοθετούν τον πίνακα τύπου Mondrian σε γραφικές δομές και χρώματα. "Η αντιπαράθεση του έργου τέχνης με περισσότερο ή λιγότερο επιτυχημένες προσαρμογές στον κόσμο των εμπορευμάτων οξύνει το μάτι για το μόνο φαινομενικά απλό εικαστικό λεξιλόγιο του Mondrian", ήταν η δήλωση του μουσείου.

Mondrian, Malevich και Kandinsky

Μια έκθεση που διοργανώθηκε από το Fondation Beyeler το 2003 από τους επιμελητές Christoph Vitali και Markus Brüderlin με τίτλο Mondrian + Malevich αφορούσε τη συλλογική παρουσίαση των δύο αφηρημένων ζωγράφων. Τόσο ο Piet Mondrian όσο και ο Ρώσος ζωγράφος Kasimir Malevich, ο οποίος εξέθεσε για πρώτη φορά τον πίνακά του "Το μαύρο τετράγωνο" το 1915, υπήρξαν πρώτοι δάσκαλοι της γεωμετρικής αφαίρεσης. Μια σύγκριση των έργων των δύο καλλιτεχνών, οι οποίοι δεν συναντήθηκαν ποτέ και των οποίων η εργασιακή ιστορία ήταν διαφορετική, δείχνει ότι οι συνθέσεις τους αντιπροσωπεύουν εντελώς διαφορετικά συστήματα. Η λύση του Mondrian στο ύφος του νεοπλαστικισμού βασίστηκε στη γραμμή και τη δομή. Ο Malevich, από την άλλη πλευρά, επέλεξε την επιφάνεια, έτσι ώστε στους πίνακές του, που ονομάζονται σουπρεματιστικοί, οι μεμονωμένες μορφές μοιάζουν να αιωρούνται πάνω από το λευκό φόντο. Ο Mondrian, από την άλλη πλευρά, καλύπτει όλα τα μέρη της εικόνας με ένα δυναμικό πλέγμα κάθετων και οριζόντιων γραμμών. Η δομή του πλέγματος και η ισορροπία μέσα στη σύνθεση δημιουργούν το αποτέλεσμα ότι κανένα στοιχείο της εικόνας δεν αναπαρίσταται ως μεμονωμένη μορφή και όλα τα μέρη φαίνονται να βρίσκονται σε ένα επίπεδο. Διαφορετικό δρόμο ακολούθησε ο Ρώσος ζωγράφος Wassily Kandinsky, το ύφος του οποίου κατατάσσεται στην εκφραστική αφαίρεση, η οποία δεν εκφράζεται με γεωμετρικές μορφές. Ωστόσο, όπως και ο Mondrian, άντλησε τα ζωγραφικά του ερεθίσματα από τη θεοσοφία. Οι τρεις καλλιτέχνες θεωρούνται πρωτοπόροι του αμερικανικού αφηρημένου εξπρεσιονισμού, ο οποίος εμφανίστηκε στα τέλη της δεκαετίας του 1940.

Λογισμικό Mondrian

Το ώριμο αφηρημένο στυλ του Mondrian ενέπνευσε τους ειδικούς των υπολογιστών. Έτσι, η εσωτερική γλώσσα προγραμματισμού Piet βασίζεται στους πίνακες του Mondrian και πήρε το όνομά του. Επιπλέον, υπάρχει λογισμικό για την οπτικοποίηση στατιστικών δεδομένων που ονομάζεται "Mondrian". Το "Mondrimat" προσφέρει την παιχνιδιάρικη δημιουργία εικόνων που μπορούν να δημιουργηθούν στον υπολογιστή στο στυλ του.

Gemeentemuseum Χάγη

Το 1971, χάρη στις καλές σχέσεις του τότε διευθυντή του Louis Wijsenbeek (1912-1985), το Gemeentemuseum Den Haag, σχεδιασμένο από τον αρχιτέκτονα Berlage, έλαβε 124 ελαιογραφίες και 75 σχέδια με τη θέληση του συλλέκτη Salomon B. Slijper από όλες τις δημιουργικές περιόδους του Mondrian, αν και κυρίως από την αναπαραστατική του περίοδο. Μαζί με τα έργα που έχει ήδη στην κατοχή του το μουσείο και εκείνα που προστέθηκαν αργότερα, όπως ο τελευταίος, ημιτελής πίνακας Victory Boogie Woogie του Mondrian, που δανείστηκε από το Ολλανδικό Ινστιτούτο Πολιτιστικής Κληρονομιάς του Άμστερνταμ το 1998, το μουσείο διαθέτει σήμερα περίπου 300 έργα. Το Gemeentemuseum έγινε έτσι το σπίτι του έργου του Mondrian και παρουσιάζει τα έργα του Mondrian σε μια μεταβαλλόμενη επιλογή. Όλες οι μεγάλες εκθέσεις του Mondrian τις τελευταίες δεκαετίες έχουν στελεχωθεί σε μεγάλο βαθμό με έργα δανεισμένα από το Gemeentemuseum.

Mondriaanhuis στο Amersfoort

Η γενέτειρα του Mondrian στη διεύθυνση Kortegracht 11 στο Amersfoort έχει ανακαινιστεί και αποτελεί από το 1994 το Μουσείο Mondriaanhuis με βιβλιοθήκη και κέντρο τεκμηρίωσης. Περιλαμβάνει μια έκθεση στην οποία οι φάσεις εξέλιξης του καλλιτέχνη γίνονται σαφείς στους επισκέπτες μέσω μιας σειράς έργων. Επιπλέον, μπορείτε να δείτε ένα αντίγραφο του στούντιο του Mondrian στο Παρίσι από την περίοδο 1921 έως 1936. Επιπλέον, παρουσιάζονται ειδικές εκθέσεις μοντέρνας και σύγχρονης τέχνης.

Villa Mondriaan σε Winterswijk

Ο Mondrian έζησε ως παιδί από το 1880 έως το 1892 σε ένα σπίτι στο Winterswijk στην ανατολική Ολλανδία. Ο πατέρας του ήταν δάσκαλος στο διπλανό σχολείο. Εδώ ο νεαρός Piet έμαθε να ζωγραφίζει και να ζωγραφίζει υπό την καθοδήγηση του πατέρα και του θείου του. Από τον Μάιο του 2013, το σπίτι στεγάζει ένα μουσείο της "περιόδου Winterswijk" του Mondrian. Τα σχέδια και οι πίνακες του Mondrian δείχνουν τις επιρροές της σύγχρονης Σχολής της Χάγης, για παράδειγμα. Εκτίθενται επίσης έργα συγγενών του Mondrian και σύγχρονων καλλιτεχνών που έχουν μελετήσει τον Mondrian. Το Gemeentemuseum της Χάγης υποστηρίζει τη Villa Mondriaan με πολυάριθμα δάνεια.

Μνημείο Mondriaan

Το μνημείο Mondriaan, που ονομάζεται επίσης Always Boogie Woogie, είναι ένα μνημείο αφιερωμένο στον Piet Mondrian στο Winterswijk. Χτισμένο το 2006, το πλαστικό μνημείο έχει ύψος 3,5 μέτρα και πλάτος 4 μέτρα. Στη μία πλευρά δείχνει τον καλλιτέχνη να κάθεται οριζόντια σε μια καρέκλα μπροστά σε μια επιφάνεια που έχει εκτελεστεί σε στυλ Mondrian μετά τον πίνακα Σύνθεση σε κόκκινο και μαύρο του 1936. Η πίσω όψη, βασισμένη σε ένα σκίτσο του Mondrian, Άποψη της εκκλησίας του Αγίου Ιακώβου στο Winterswijk, δείχνει μόνο το δέντρο ως μοτίβο από αυτό. Το γλυπτό είναι εκτελεσμένο σε μονόχρωμο λευκό χρώμα, αλλά τη νύχτα φωτίζεται με τα χαρακτηριστικά χρώματα του Mondrian, το κίτρινο, το μπλε και το κόκκινο. Το έργο σχεδιάστηκε από τους Ολλανδούς καλλιτέχνες Dedden & Keizer (Albert Dedden και Paul Keizer) από το Deventer.

Η υψηλότερη τιμή που καταβλήθηκε ποτέ για έργο του Mondrian ήταν τον Μάιο του 2015 στον οίκο δημοπρασιών Christie's στη Νέα Υόρκη, όταν ο πίνακας Σύνθεση Νο III, με κόκκινο, μπλε, κίτρινο και μαύρο άλλαξε χέρια για 50,6 εκατομμύρια δολάρια (περίπου 45 εκατομμύρια ευρώ). Προηγουμένως, ο πίνακας Victory Boogie Woogie βρισκόταν στην κορυφή της λίστας με τα πιο ακριβά έργα του Mondrian με 37,2 εκατομμύρια ευρώ.

Μετά το θάνατο του σχεδιαστή μόδας Yves Saint Laurent, ο οποίος ήταν επίσης συλλέκτης έργων τέχνης, ο οίκος δημοπρασιών Christie's διοργάνωσε τον Φεβρουάριο του 2009 στο Grand Palais του Παρισιού μια δημοπρασία της συλλογής του Yves Saint Laurent και του φίλου του Pierre Bergé, η οποία περιελάμβανε τρία αφηρημένα έργα του Mondrian. Ο πίνακας Composition avec bleu, rouge, jaune et noir (Σύνθεση με μπλε, κόκκινο, κίτρινο και μαύρο) του 1922 δημοπρατήθηκε έναντι 21,5 εκατομμυρίων ευρώ. Εκείνη την εποχή, αυτή ήταν η υψηλότερη τιμή που καταβλήθηκε για έναν Mondrian σε δημοπρασία. Το Composition avec grille 2 του 1918 έπιασε 14,4 εκατομμύρια ευρώ και το Composition I του 1920 7 εκατομμύρια ευρώ. Στην 50ή επέτειο από τα εγκαίνια του καταστήματος του Yves Saint Laurent το 2011, ένα φόρεμα σε στιλ Mondrian δημοπρατήθηκε για 30.000 λίρες (λίγο κάτω από 36.000 ευρώ) στον οίκο Christie's στο Λονδίνο.

Πηγές

1. Πητ Μοντριάν
2. Piet Mondrian
3. Michel Seuphor: Piet Mondrian. Leben und Werk. Verlag M. DuMont Schauberg, Köln 1957, S. 44.
4. Deicher (1994): p. 7.
5. ^ Deicher 1995, p. 93.
6. ^ Michel Seuphor, Piet Mondrian: Life and Work (New York: Harry N. Abrams), pp. 44 and 407.[failed verification]
7. ^ a b Milner 1992, p. 9.
8. ^ Milner 1995, pp. 9–10.
9. ^ Deicher 1995, pp. 7–8.