Streszczenie

Yves Klein był francuskim artystą, urodzonym 28 kwietnia 1928 roku w Nicei, a zmarłym 6 czerwca 1962 roku w Paryżu.

W 1954 roku zwrócił się wreszcie ku sztuce i rozpoczął swoją "Monochromatyczną przygodę".

W poszukiwaniu niematerialności i nieskończoności Yves Klein przyjął błękit ultramaryny jako nośnik tego bardziej niż niebieskiego koloru, który nazwał "IKB" (International Klein Blue).

Od monochromów, przez pustkę, "technikę żywego pędzla" lub "Antropometrię", po wykorzystanie elementów natury do manifestacji ich twórczej siły lub złota, które wykorzystuje jako przejście do absolutu, stworzył korpus prac, który przekracza granice sztuki konceptualnej, ciała i happeningu.

Yves Klein urodził się w Nicei w 1928 roku z dwójki malarzy, Freda Kleina (1898-1990) i Marie Raymond (1908-1988), którzy w dzieciństwie mieszkali między Paryżem a Niceą. Nie od razu wybrał karierę artystyczną i w latach 1944-1946 studiował w École nationale de la marine marchande i École nationale des langues orientales w Nicei.

W 1947 roku jako młody człowiek pracował w Nicei, w księgarni, którą założyła mu ciotka Rose Raymond w swoim sklepie. W lecie Yves Klein poznał Claude'a Pascala i Armanda Fernandeza, przyszłego Armana, w klubie judo przy komendzie policji w Nicei, dyscypliny, która w tamtych czasach była uważana w równym stopniu za metodę edukacji intelektualnej i moralnej, mającej na celu samokontrolę, co za sport. Wszyscy trzej, połączeni wielkim pociągiem do ćwiczeń fizycznych, dążyli do "Przygody", czyli podróży, twórczości i duchowości. Judo było dla Yves'a pierwszym doświadczeniem przestrzeni "duchowej". Na plaży w Nicei trzej przyjaciele postanowili "podzielić się światem": Armand miał ziemię i jej bogactwa, Claude Pascal powietrze, a Yves niebo i jego nieskończoność.

Czytając Kosmogonię Różokrzyżowców Maxa Heindla, odkrył też w 1947 roku mistykę różokrzyżową. Ezoteryczne nauczanie Bractwa Różokrzyżowców, którego członkiem został do 1953 roku, poprzez ośrodek w Oceanside w Kalifornii, a także lektura Gastona Bachelarda, wykuwają podstawy myśli, która odżywi jego dzieło.

Pociągany przez podróże, w latach 1948-1954 odbył kilka podróży zagranicznych, najpierw do Włoch, gdzie w 1950 roku Lucio Fontana wyprodukował jego pierwsze monochromy, które perforował, zatytułowane "Concetto spaziale" (koncepcja przestrzenna) i założył spacjalizm, następnie do Anglii, od 2 grudnia 1949 do 25 listopada 1950, gdzie doskonalił swój angielski i pracował z ramiarzem Robertem Savage, który wprowadził go w złocenia, a następnie do Irlandii, Hiszpanii i w końcu do Japonii. Pierwszymi eksperymentami malarskimi były małe monochromy wykonane i wystawione prywatnie w 1950 roku, podczas pobytu w Londynie. W tym samym czasie wyobrażał sobie Symfonię Monotonną-Ciszę i pisał scenariusze filmowe o sztuce.

3 lutego 1951 roku Yves Klein wyjechał na studia hiszpańskie do Madrytu, gdzie zapisał się do klubu judo. Zastąpił instruktora i od tej pory regularnie wypełniał swoje obowiązki, stając się bardzo bliski dyrektorowi szkoły, Fernando Franco de Sarabia, którego ojciec był wydawcą. Po zaledwie pięciu latach uprawiania judo, Yves Klein, który marzył o tym, aby uczynić z niego swój zawód, postanowił wyjechać do Japonii, aby doskonalić swoje umiejętności. 22 sierpnia 1952 roku Klein zaokrętował się w Marsylii na liniowcu La Marseillaise i 23 września 1952 roku dotarł do Jokohamy, którą opuścił 4 stycznia 1954 roku, by 4 lutego 1954 roku powrócić do Marsylii. Ćwiczył judo w instytucie Kōdōkan w Tokio, gdzie uzyskał 4. dan.

Na miejscu organizował wystawy swoich rodziców: Marie Raymond wystawiała w ten sposób z Fredem Kleinem w Instytucie Francusko-Japońskim w Tokio od 20 do 22 lutego 1953 roku, potem sama w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Kamakurze i ponownie z Fredem Kleinem w listopadzie w Bridgestone Art Museum w Tokio. Również w 1953 roku w pracowni Jiro Yoshihary w dzielnicy Shibuya w Tokio odbyła się pierwsza wystawa Dyskusyjnej Grupy Sztuki Współczesnej z udziałem niektórych jego uczniów, w tym Shōzō Shimamoto, która stanowiła początki ruchu Gutai. W swoim manifeście sztuki Gutai z grudnia 1956 roku Yoshihara stwierdza, że zasady tego ruchu, będącego prekursorem sztuki performance, zostały właściwie zainicjowane trzy lata wcześniej. Atsuko Tanaka, również członek grupy Gutai, w 1955 roku wystawił monochromatyczne arkusze. Na początku lat 60. przedstawił artystów Gutai swoim przyjaciołom z Grupy ZERO, którzy wystawiali z nimi w Europie.

Po powrocie do Paryża w styczniu 1954 r. judo mogło być jego drogą, gdyż poświęcił mu wiele czasu. 25 października 1954 r. z pomocą Igora Correi Luny wydał po francusku książkę o judo, aby rozpowszechnić wiedzę o swojej sztuce walki zdobytą w Japonii. W książce przedstawiono 6 katas judo. Yves Klein założył własną szkołę judo w Fontenay-aux-Roses, bezskutecznie starał się o zatwierdzenie jego japońskiego stopnia przez Francuską Federację Judo, po czym postanowił ponownie opuścić Francję i udać się do Madrytu, gdzie wezwał go Fernando Franco de Sarabia. Tam został dyrektorem technicznym Hiszpańskiej Federacji Judo.

Pierwszą publiczną prezentacją twórczości Kleina było wydanie 18 listopada 1954 roku książki artysty "Yves Peintures", a następnie Haguenault Peintures, kolekcji wyprodukowanych i zredagowanych przez pracownię grawerską Fernando Franco de Sarabia, w Jaén. Parodiując tradycyjny katalog, książka prezentuje serię intensywnych monochromów związanych z różnymi miastami, w których mieszkał w poprzednich latach. Przedmowa do Yves Peintures składa się z czarnych linii zamiast tekstu. Dziesięć kolorowych płyt to jednokolorowe prostokąty wycięte z papieru, opatrzone datą i wymiarami w milimetrach. Każda płyta wskazuje inne miejsce powstania: Madryt, Nicea, Tokio, Londyn, Paryż.

Yves Klein wrócił do Paryża w listopadzie 1954 roku. We wrześniu 1955 roku otworzył w Paryżu przy boulevard de Clichy 104 własną szkołę judo, którą ozdobił monochromami, ale musiał ją zamknąć w następnym roku.

Kiedy w maju 1955 roku chciał wystawić swój monochromatyczny obraz Expression de l'univers de la couleur mine orange (M 60) na Salon des Réalités Nouvelles w Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, odmówiono mu i poproszono o dodanie drugiego koloru, kropki lub linii, aby obraz mógł zostać uznany za "abstrakcyjny", zgodnie z ogólną tendencją Salonu. Klein pozostał jednak nieugięty w swojej idei, że czysty kolor reprezentuje "coś" samego w sobie.

Jego pierwsza wystawa obrazów monochromatycznych odbyła się w Club des Solitaires 15 października 1955 roku i przeszła praktycznie niezauważona. Wystawił monochromatyczne obrazy w różnych kolorach (pomarańczowy, zielony, czerwony, żółty, niebieski, różowy) pod tytułem "Yves, peintures". Aby uniknąć jakiegokolwiek osobistego akcentu, prace malowane są wałkiem: "Już w przeszłości odrzuciłem pędzel, który był zbyt psychologiczny, aby malować wałkiem, który był bardziej anonimowy, i w ten sposób próbować stworzyć "dystans", przynajmniej intelektualny, stały, między płótnem a mną, podczas realizacji". Również w 1955 roku Claude Bellegarde wystawił swoją serię monochromów "période blanche" w galerii Studio Fachetti w Paryżu. Pierre Restany zainteresował się obrazami monochromatycznymi i założył grupę "Espaces Imaginaires" z Giannim Bertinim, Hundertwasserem, Bruningiem, Halpernem i rzeźbiarzem Delahaye. Następnie przedstawił Bellegarde'a Yves'owi Kleinowi, który już wcześniej zaczął produkować i malować własne monochromy.

Na początku 1956 r. Klein poznał Pierre'a Restany'ego na jego drugiej wystawie "Yves: propositions monochromes", która odbywała się od 21 lutego do 7 marca 1956 r. w paryskiej galerii Colette Allendy. Z tym krytykiem sztuki nawiązał intensywny kontakt, milczące zrozumienie, a relacja ta stała się doświadczeniem "bezpośredniej komunikacji", która stanowiła decydujący punkt zwrotny w rozumieniu jego sztuki. W swoim wstępie Pierre Restany wyjaśnił zwiedzającym teoretyczne podstawy nowej koncepcji. Problem pracy z jednym kolorem wszedł do świadomości kulturalnej Paryża. Klein zyskał sławę jako "Yves le Monochrome".

Jesienią 1956 roku tworzy IKB, International Klein Blue, który jest dla niego "najdoskonalszym wyrazem błękitu" (patrz niżej) i symbolem materializacji indywidualnej wrażliwości, między nieskończonością a natychmiastowością.

Od 2 do 12 stycznia 1957 roku w Galerie Apollinaire w Mediolanie odbyła się jego pierwsza wystawa za granicą "Proposte monocrome, epoca blu", na której jedenaście monochromów IKB o identycznych wymiarach (78 × 56 cm), ale o różnych cenach, zostało zawieszonych 20 cm od ściany na klamrach, aby uzyskać efekt nasycenia przestrzeni; jeden z nich nabył Lucio Fontana. Po niej w maju 1957 roku odbyła się podwójna wystawa w Paryżu "Yves, Propositions monochromes" w Galerie Iris Clert od 10 do 25 maja i "Pigment pur" w Galerie Colette Allendy od 14 do 23 maja.

31 maja 1957 roku w Galerii Alfreda Schmela (de) w Düsseldorfie otwarto wystawę Yves, Propositions monochromes, która stała się później głównym miejscem ekspozycji Grupy ZERO. W latach 1957-1959 wykonuje swoje pierwsze reliefy z gąbki w Niemczech dla foyer teatru w Gelsenkirchen.

Od 4 czerwca do 13 lipca 1957 roku w Gallery One w Londynie prezentowana była wystawa Monochrome Propositions of Yves Klein. 26 czerwca, podczas debaty zorganizowanej z udziałem Kleina i Restany'ego w Institute of Contemporary Arts, polemika przybrała nieprzewidziane rozmiary. W prasie angielskiej szerokim echem odbił się skandal wywołany przez wystawę.

"Moje obrazy są teraz niewidzialne" - deklarował wówczas. I rzeczywiście, na jego wystawie w maju 1957 roku w galerii Colette Allendy znalazła się całkowicie pusta sala zatytułowana Espaces et volumes de la sensibilité picturale immatérielle. Pierwsze publiczne doświadczenie "żywych pędzli" zorganizował 5 czerwca 1958 roku w mieszkaniu Roberta J. Godeta na Ile Saint-Louis.

27 października 1960 roku w swoim mieszkaniu przy 14 rue Campagne-Première w Paryżu bierze udział w tworzeniu Nouveau Réalisme, podpisując "Deklarację Konstytutywną Nouveau Réalisme" wraz z Pierre Restany, który ją zredagował, Armanem, Raymondem Hainsem, Martialem Raysse, Danielem Spoerri, Jeanem Tinguely, Jacquesem Villeglé i François Dufrêne.

W kwietniu 1961 roku po raz pierwszy pojechał do Nowego Jorku, gdzie jego monochromy IKB, które pojawiły się już na wystawie New Forms - New Media w Martha Jackson Gallery od 6 do 24 czerwca i od 28 września do 22 października 1960 roku, zostały pokazane od 11 do 29 kwietnia na wystawie Yves Klein le Monochrome w Leo Castelli Gallery.

Po słabym przyjęciu jego prac, zarówno przez krytyków, jak i przez amerykańskich artystów na swoich konferencjach, napisał Manifest z Chelsea Hotel, aby uzasadnić swoje podejście. Od 29 maja do 24 czerwca 1961 roku jego wystawa była pokazywana również w Dwan Gallery w Los Angeles.

21 stycznia 1962 roku Yves Klein poślubił młodą niemiecką artystkę Rotraut Uecker, którą poznał u Armana w 1958 roku i która była siostrą jednego z członków założycieli Grupy ZERO, z którą był blisko od 1958 roku.

Po ceremonii ślubnej, zaaranżowanej przez artystę w kościele Saint-Nicolas des Champs w Paryżu, następuje przejście przez żywopłot honorowy utworzony u wyjścia z kościoła przez rycerzy Zakonu Łuczników Świętego Sebastiana, a następnie przyjęcie w La Coupole, gdzie gościom serwowany jest niebieski koktajl, przyjęcie kończy się w pracowni Larry'ego Riversa.

Klein zmarł na atak serca 6 czerwca 1962 roku, dwa miesiące przed narodzinami syna 6 sierpnia. Po raz pierwszy zachorował 12 maja 1962 roku, po pokazie filmu Paolo Cavary i Gualtiero Jacopettiego Ta dziwka życia (Mondo cane) na festiwalu filmowym w Cannes: Klein został opisany jako "czechosłowacki malarz", a jeden z jego publicznych występów "antropometrii z epoki niebieskiej", wykonany dla filmu w dniach 17 i 18 lipca 1961 roku, wstawiony w ciąg zadziwiających sekwencji, został wyśmiany i zniekształcony.

Spoczywa na cmentarzu w La Colle-sur-Loup w Alpes-Maritimes.

Monochromatyczny

Zainspirowany niebem, które podpisał swoim imieniem na plaży w Nicei w 1946 roku, chciał namalować nieskończoną przestrzeń barwną: "świat czystego koloru".

Yves Klein malował monochromy, ponieważ wolał wyrazić wrażliwość niż figurację w formie: "Aby namalować przestrzeń, muszę tam pójść, w tę właśnie przestrzeń. Bez sztuczek i podstępów, ani w samolocie, ani na spadochronie, ani w rakiecie: musi się tam udać samo, z autonomiczną, indywidualną siłą, słowem musi być zdolne do lewitacji" oraz "Nigdy za pomocą linii nie udało się stworzyć w malarstwie czwartego, piątego czy jakiegokolwiek innego wymiaru; tylko kolor może próbować dokonać tego wyczynu".

International Klein Blue

W 1956 roku, z pomocą paryskiego handlarza barw Édouarda Adama i chemika z Rhône-Poulenc, zastosował środek utrwalający (wykorzystujący syntetyczną żywicę o nazwie Rhodopas), który kurczy się w miarę wysychania, odsłaniając czysty pigment. Błękit ultramaryny jest więc postrzegany w całej swojej oryginalnej tożsamości, podczas gdy tradycyjne spoiwa używane do utrwalania pigmentów na podłożu zawsze zmieniają ich blask.

W 1957 roku zdecydował się na malowanie w kolorze niebieskim, ponieważ był on jego zdaniem najbardziej abstrakcyjnym kolorem: "Niebieski nie ma wymiaru, jest bezwymiarowy, podczas gdy inne kolory mają. Wszystkie kolory prowadzą do konkretnych skojarzeń idei, podczas gdy niebieski przypomina nam co najwyżej morze i niebo, najbardziej abstrakcyjne rzeczy w materialnej i widzialnej naturze", a więc odnosi się również do pustki, ponieważ pobudza wyobraźnię.

W maju 1957 roku Yves Klein uczcił nadejście "niebieskiej ery" podwójną wystawą Propositions monochromes w Paryżu, zapowiedzianą wysłaniem niebieskich kartek pocztowych unieważnionych znaczkami IKB, które Kleinowi udało się uzyskać akceptację poczty, pierwszym obrazem ogniowym złożonym z niebieskiego monochromu, na którym umocowano 16 bengalskich świateł w galerii Colette Allendy oraz wypuszczeniem 1 001 balonów w wieczór otwarcia w galerii Iris Clert. Gest ten, który Klein określi później jako "rzeźbę aerostatyczną", zostanie odtworzony 50 lat później na placu Centrum Beaubourg, z okazji zamknięcia poświęconej mu wystawy w Narodowym Muzeum Sztuki Nowoczesnej w latach 2006-2007.

19 maja 1960 roku Yves Klein zarejestrował w Institut national de la propriété industrielle (INPI), pod kopertą Soleau nr 63 471, formułę swojego wynalazku, który nazwał IKB, "International Klein Blue". Opisuje on spoiwo, które składa się z oryginalnej płynnej pasty zastępującej olej tradycyjnie stosowany w malarstwie, a utrwalającej niebieski pigment ultramaryny.

Rzeźby z gąbki i płaskorzeźby z gąbki

Yves Klein początkowo używał w swoich pracach naturalnych gąbek, zanim w 1956 roku ostatecznie zdecydował się na malowanie wałkiem. W 1957 roku powiedział, że uwiodła go niezwykła zdolność gąbki do impregnowania się wszelkimi płynami. Zauważył piękno błękitu w gąbce i ten instrument pracy stał się dla niego surowcem.

Od tego momentu pracował nad swoimi pierwszymi reliefami z gąbki, studiami do projektu foyer teatru w Gelsenkirchen. W latach 1957-1959 współpraca przy budowie teatru w Gelsenkirchen była dla Kleina ogromnym bodźcem do rozszerzenia działalności. Muzyka, teatr i idea całościowego dzieła sztuki były dla niego decydującymi impulsami, ponieważ pracował nad reliefami z gąbki o niespotykanych wówczas wymiarach. Otwarcie teatru w grudniu 1959 roku oznaczało oficjalny triumf "monochromii". Cała przestrzeń została pomalowana na niebieski kolor Kleina. Według Kleina udało mu się przekształcić wnętrze w miejsce magicznego oczarowania widzów.

Później stworzył Reliefy gąbkowe i Rzeźby gąbkowe, które miały przedstawiać widzów jego prac, zaimpregnowanych intensywnością błękitu IKB. W 1958 roku mówił: "Dzięki gąbkom, żywemu dzikiemu materiałowi, miałem zamiar zrobić portrety czytelników moich monochromów, którzy po obejrzeniu, po podróży w błękicie moich obrazów, wracają całkowicie zaimpregnowani wrażliwością jak gąbki".

Wartości niematerialne

W 1958 roku pomalował na biało ściany paryskiej galerii Iris Clert w ramach "Exposition du Vide" (La spécialisation de la sensibilité à l'état matière première en sensibilité picturale stabilisée, Le Vide). W 1960 roku pojawiły się "Antropometrie", odbitki nagich kobiecych ciał pokrytych błękitem na białym płótnie. Liczne "Anthropometries" zostały sfilmowane jako prawdziwe wydarzenia i można je zobaczyć w niektórych muzeach (m.in. w Centre Pompidou).

W stronę związku międzynarodowej awangardy

Po wystawie "Proposition monochrome, Époque bleue" w Galerii Apollinaire w Mediolanie w styczniu 1957 roku, były malarz Alfred Schmela (de) postanowił wystawić Yvesa Kleina w maju 1957 roku na otwarcie swojej galerii w Düsseldorfie, w czasie, gdy w Europie panował jeszcze klimat ekspresjonizmu abstrakcyjnego, a przede wszystkim tendencji do sztuki nieformalnej, znanej jako abstrakcja liryczna. Galeria ta stała się wkrótce głównym miejscem orkiestracji Grupy ZERO założonej przez Heinza Macka, Otto Piene i Günthera Ueckera, którego siostrę Rotraut Klein poślubił cztery i pół miesiąca przed swoją śmiercią 21 stycznia 1962 roku.

Klein był jednym z pierwszych Francuzów, którzy wystawiali w Niemczech w okresie powojennym, kiedy oba kraje były zamknięte w całkowitym braku komunikacji i wymiany artystycznej. Już pod koniec 1955 roku Heinz Mack odwiedził Yvesa Kleina w jego paryskiej pracowni. W tym czasie poznał również Jeana Tinguely'ego, który później związał się z Grupą ZERO. Pod koniec lat 50. Klein często podróżował do Niemiec, zwłaszcza w związku z pracami dla Opery w Gelsenkirchen. Stopniowo nawiązywały się kontakty z grupą z Düsseldorfu, z którą czuł się coraz bliżej. W kwietniu 1958 roku Klein po raz pierwszy wystąpił z niemieckimi artystami na ich siódmej "wystawie jednonocnej". Był to początek współpracy, która w przyszłości miała stać się coraz bardziej międzynarodowa. W tym samym roku Piero Manzoni, który był również bardzo zainteresowany pracami Kleina i Lucio Fontany, które widział w Mediolanie, udał się do Holandii, gdzie nawiązał kontakt z przyszłymi holenderskimi artystami z Grupy NUL, którzy byli blisko ZERO, na czele z Hermanem de Vries, Janem Schoonhovenem (nl), Armando (nl), Janem Henderikse (nl) i Henkiem Peetersem (en).

Ta międzynarodowa sieć Awangardy Europejskiej kształtowała się stopniowo aż do wiosny 1959 roku, kiedy to Tinguely zorganizował w Antwerpii wystawę "Motion in Vision - Vision in Motion". Była to wystawa jednocząca grupę, w której wzięli udział między innymi Bury, Mack, Manzoni, Piene, Soto, Spoerri i Klein, który wystąpił deklarując, że jego jedyną fizyczną obecnością na przydzielonym mu terenie jest praca odpowiadająca jego udziałowi. To tutaj wypowiedział słynne już słowa Gastona Bachelarda: "Najpierw jest nic, potem jest głębokie nic, potem niebieska głębia".

Powstał ruch ZERO. Od tego momentu miało miejsce wiele wystaw zbiorowych, skupiających środowiska artystyczne czterech głównych miast: Amsterdamu, Düsseldorfu, Mediolanu i Paryża, w szczególności ta zorganizowana w Stedelijk Museum w Amsterdamie w marcu 1962 roku, w której Klein, nie zgadzając się z tytułem "Monochromes", odmówił udziału, a następnie ponownie w 1965 roku, gdzie był reprezentowany pośmiertnie, a także Yayoi Kusama i członkowie japońskiej grupy Gutai, pionierzy współczesnego performance'u, których Klein wcześniej wprowadził do innych ruchów sieci. Od początku lat 60. Lucio Fontana wystawiał nawet w towarzystwie tego młodego pokolenia, które wzmocnione jego pracą jako teoretyka, widziało w nim duchowego ojca. Jego udział w ruchu ZERO był w pewnym sensie konsekracją grupy, a przynajmniej dużym wsparciem ze strony tej postaci, która w tamtym czasie była już rozpoznawalna w sztuce współczesnej.

Jednak podobne śmierci na atak serca Kleina, lidera Nowego Realizmu, w czerwcu 1962 roku i 8 miesięcy później Manzoniego, prekursora teoretyzowanej w 1967 roku Arte Povera, dwóch z trzech głównych teoretyków tej nowej międzynarodowej awangardy wraz z Heinzem Mackiem, poważnie utrudniłyby tę rodzącą się europejską współpracę; podczas gdy holenderska Grupa NUL zostałaby rozwiązana po dużej wystawie wszystkich tych ruchów zorganizowanej w 1965 roku w Stedelijk Museum. W 2015 roku Stedelijk Museum zorganizowało retrospektywną wystawę z okazji 50. rocznicy tej historycznej wystawy, zatytułowaną ZERO, Let Us Explore the Stars.

Jego związek z ciałem

Podejście Yvesa Kleina nie może być zrozumiane bez kontekstu samodyscypliny, intuicyjnej komunikacji i opanowania ciała, które implikuje Judo. Klein w swojej działalności artystycznej miał bardzo szczególną relację z ciałem. Relacja ta jest usytuowana na kilku poziomach:

Przede wszystkim obecność nagich ciał (w zdecydowanej większości kobiecych) w jego pracowni jest niezbędna do tworzenia monochromów z jego kolorem IKB blue. Tej nagości używa, jak mówi, do "stabilizacji materiału obrazowego" (fragment Dimanche). Często mówi: "To ciało zatem, obecne w pracowni, stabilizowało mnie przez długi czas podczas iluminacji prowokowanej przez wykonanie monochromów".

Nie malował z modela, jak artyści figuratywni, ale w ich towarzystwie, co według niego dawało mu poczucie: "dobrodusznej atmosfery", "klimatu zmysłowego", czy "klimatu czysto emocjonalnego". Uczucie to wyraża jeden z cytatów Kleina, w którym opisuje je: "Moje modelki bardzo się śmiały, widząc, jak wykonuję po nich wspaniałe, dobrze wymieszane niebieskie monochromy! Śmiały się, ale coraz bardziej czuły pociąg do błękitu.

Klein szybko zorientował się, że sama ich obecność w jego pracowni jest niewystarczająca. Nawet jeśli, według niego, przenikały one atmosferę, którą tworzyły w monochromach, to przenikanie to byłoby jeszcze bardziej skuteczne, gdyby same modelki malowały monochromy.

Nastąpiły prace określane jako "antropometrie", w których ciało, tym razem w obrazie, pełniło tę samą rolę "stabilizującą" materiał obrazowy. Pierwsza publiczna sesja (w małej grupie) została zorganizowana u Roberta Godeta 5 czerwca 1958 roku. Sesja ta pozostawała w ciągłości z monochromami, ale stanowiła drugi etap ewolucji ciała w jego sztuce. Podczas tej sesji jedna modelka działa na płótnie jak "żywy pędzel", jej ciało pokryte jest kolorem. Modelka czołgała się po arkuszu papieru na podłodze pod okiem Yvesa Kleina, który kierował nią i zapraszał do pokonywania obszarów, na które nie została jeszcze nałożona farba. Wszystkie ruchy modelki zostały wcześniej przećwiczone, a Klein oddaje inicjatywę albo sobie, albo modelce, zgodnie z jego różnymi pismami.

Klein określa to ćwiczenie mianem "współpracy". Słowo to jest bardzo często obecne i powtarzane w tych tekstach jak obsesja. Mówi: "Nigdy ich nie dotykałem i dlatego zaufali mi i lubili współpracować, i nadal to robią, całym swoim ciałem w moim malarstwie".

Powiedział, że widział "ślady ciała" pojawiające się na każdej sesji, które bardzo szybko znikały, ponieważ wszystko musiało stać się monochromatyczne". Cytat ten odnosi się do jego drugiego zajęcia, judo, gdzie mógł obserwować spocone ślady ciała judoków na zakurzonych białych matach podczas wielkich walk, czy też rodzaj japońskiego rysunku wykonanego z odcisków ryb. Decyzja o podjęciu antropometrii wynika również z wydarzenia z jego czasów, które go naznaczyło: śladów ludzi pozostawionych na ścianach podczas wybuchu w Hiroszimie, z których również wykona antropometrię. Na tym płótnie można zaobserwować kilka śladów ciał w ruchu

W tej relacji ruchu Klein stwierdził, że w porównaniu z figurantami wyzwolił kobiece nagie modelki, ponieważ pozwolił im działać na jego pracę, podczas gdy one tworzyły swoje dzieła ze swoich nieruchomych ciał. Wśród nich była Elena Palumbo Mosca, która współpracowała z nim przy około dwudziestu pracach w latach 1960-1962. Należy jednak zaznaczyć, że Yves Klein nigdy nie zapłacił tym kobietom, które pomogły mu stworzyć obrazy sprzedawane za miliony dolarów.

Jedynie monochromy tworzone żywymi pędzlami nie pozwalały na dostrzeżenie obecności ciała. Dlatego Klein stopniowo rozwijał procedurę pozostawiania odcisków modelu na podłożu. Po kilku próbach uznał, że doprowadził tę technikę do perfekcji i zaprezentował ją Pierre'owi Restany'emu. 23 lutego 1960 roku na oczach krytyka, któremu towarzyszył dyrektor muzeum, modelka z biustem, brzuchem i udami umazanymi niebieską farbą odcisnęła swoje kolorowe ciało na rozłożonych na podłodze kartkach papieru. To właśnie podczas tej sesji Restany ukuł termin "antropometrie okresu niebieskiego". 9 marca 1960 roku Klein zorganizowała w Galerie Internationale d'Art Contemporain w Paryżu wieczorne spotkanie z setką gości - artystami, krytykami, miłośnikami sztuki i kolekcjonerami.

Klein, ubrany w strój wieczorowy, dał sygnał dziewięciu znajdującym się obok niego muzykom, by rozpoczęli skomponowaną przez siebie w 1949 roku Symfonię Monotonną-Ciszę, pojedynczą ciągłą nutę trwającą dwadzieścia minut, po której następuje dwadzieścia minut ciszy. W tym czasie trzy kobiety zaczynają mazać swoje piersi, brzuchy i uda niebieską farbą. Następnie wykonują różne antropometrie, z których najbardziej znana nosi tytuł "Antropometria okresu niebieskiego" (ANT 100), 1960. Robił próby, organizował inscenizację, zapraszał znajomych fotografów i kamerzystów, kontrolował dystrybucję zdjęć. Mimo to, choć wydawało mu się, że robi wszystko, aby jego nowe techniki były jasne, dochodziło do nieporozumień, a on sam jawił się niektórym jako masochista lub obsceniczny.

Stworzył także serię "portretów-reliefów", naturalnej wielkości odlewów innych członków ruchu Nowego Realizmu, malowanych w IKB na niebiesko i ustawionych na tle złoconej płyty, których nie zdążył dokończyć, lub wykorzystał gipsowe statuetki znanych rzeźb, takich jak Zwycięstwo Samotraki i Wenus z Milo malowane w IKB.

Później urozmaicił swoje metody i rozróżnił antropometrię statyczną i dynamiczną. Przy tworzeniu "statycznych" ciało kobiety jest po prostu umieszczane jak stempel na podłożu i pozostawia swój odcisk. Te statyczne odbitki kobiet, a czasem także mężczyzn, były często łączone w grupy, tworząc jeśli nie kompozycję, to przynajmniej całość. Antropometrie wykonane na tkaninach odnoszą się do obiektu kultu, jakim jest Całun Turyński.

W obrazach negatywowych, takich jak "Hiroszima", farba jest rzutowana, a ciało modela służy jako szablon. Dynamiczna antropometria polega na tym, że model czołga się po podłożu, pozostawiając za sobą dynamiczny ślad. Zaprosił również kilku modeli do symulacji bitwy, w której ciała nie są już tak rozróżnialne. Sam proces jest pomyślany jako rytuał. Jest to rytuał przejścia od białego płótna do ciała: "to ciało samo nakładało kolor na podporę pod moim kierunkiem", a następnie od ciała do niewidzialnego. Wykorzystując ponownie błękit IKB, ponownie wykorzystuje kolor, ponownie wykorzystuje przestrzeń zdobytą przez to, co niematerialne i unika podobieństwa do różu. Klein nie zdecydował się również na przedstawienie rąk z następujących powodów: "Ręce nie powinny były być drukowane, ponieważ nadałoby to szokujący humanizm kompozycjom, których szukałem." "Oczywiście całe ciało jest zbudowane z ciała, ale zasadniczą masę stanowi tułów i uda. To tam prawdziwy wszechświat jest ukryty przez wszechświat percepcji. (ten pogląd jest podobny do japońskich pojęć Katas i Hara).

Na początku 1961 roku Klein zrealizował cykl Fire Paintings, w którym starał się odcisnąć na różnych mediach ślady ognia. Moc tego żywiołu wykorzystał już Alberto Burri w latach 1954-1955 w cyklu Combustioni, na który składały się spalone warstwy plastiku. To właśnie w ośrodku testowym Gaz de France w Plaine-Saint-Denis, gdzie otrzymał sprzęt przemysłowy, nauczył się panować nad ogniem i dokonywać precyzyjnych regulacji, aby wykorzystać jego różne stopnie mocy.

W tych Ognistych obrazach, podobnie jak w Kosmogoniach, odbitkach deszczu i wiatru na płótnie, które tworzył od 1960 roku, artysta przywołuje żywioły natury, aby zamanifestowały swoją twórczą siłę. Tutaj jednak połączył żywioł natury z ciałem. Obrazy Ognia powstają przy pomocy nagich modelek, które Klein kolejno wykorzystuje. Zwilża on podpórkę wokół ciała, aby ustalić, które części pozostaną w rezerwie i uzupełnia ślady ognia odciskami farby. Mieszając te dwie techniki, Klein bawił się pełnią i pustką form kreślonych na przemian w negatywie i pozytywie.

W ten sposób odciski kobiecych ciał zostały ujawnione przez działanie ognia. Antropometrie służą więc jako dwukierunkowe przejście od tego, co widzialne do tego, co niewidzialne, od tego, co materialne do tego, co duchowe, od tego, co cielesne do tego, co boskie. Dzieje się to przy spektakularnej nieobecności artysty.

W swoich Kosmogoniach artysta poddał płótno działaniu żywiołów na dachu swojego samochodu podczas podróży. We współpracy z architektami Claude'em Parentem i Wernerem Ruhnauem w Architectures de l'air wyobraża sobie rozległe konstrukcje z dachami utrzymywanymi w lewitacji przez pulsujące powietrze, mające na celu utrzymanie umiarkowanego i kontrolowanego środowiska, w którym człowiek, jak w odkrytym na nowo Edenie, nie będzie już podlegał kaprysom klimatu.

Maluje też gipsowe płaskorzeźby planetarne Francji w IKB, a także globusy, zachwycony informacją, że z kosmosu Ziemia powinna wydawać się niebieska.

Trzy miesiące przed jego śmiercią, na wystawie "Antagonismes II: l'objet", zaprezentowanej 7 marca 1962 roku w Musée des Arts Décoratifs, pokazano modele Architecture de l'air i Rocket pneumatique wykonane z pomocą projektanta Rogera Tallona. W dioramie symulowana ulewa jest przekierowywana przez ostrze powietrza, podczas gdy Rocket, rodzaj małego statku kosmicznego poruszanego przez pulsację powietrza, jest przeznaczony do zniknięcia w próżni kosmicznej.

Ogień, powietrze, woda, ziemia - cztery żywioły ziemi - zostały w ten sposób wykorzystane. Jednak przedwczesna śmierć artysty przerwała jego badania i eksperymenty nad architekturą powietrza oraz nad tematem eksploracji kosmosu.

Niebieski nie jest jedynym kolorem obecnym w antropometriach, które mogą być różne, jak w jednej z tych wczesnych antropometrii, ANT121, datowanej na ok. 1960 rok, która jest złota na czarnym tle. Złote monochromy zwane Monogold składają się zasadniczo z płatków złota, które reprezentują dostęp do tego, co niematerialne, absolutu i wieczności. Klein malował również różowe monochromy zwane Monopink.

Dla swoich antropometrii tworzonych przy użyciu ognia stwierdza, że "ogień jest niebieski, złoty i różowy też. Są to trzy podstawowe kolory w malarstwie monochromatycznym, a dla mnie jest to uniwersalna zasada wyjaśniająca, wyjaśnienie świata. Trzy podstawowe kolory niebieski, złoty i różowy w jego twórczości doskonale artykułują się również w ogniu. Rzeczywiście, kiedy patrzysz na kolor płomienia, możesz wyraźnie zobaczyć te trzy kolory.

Stworzył różne tryptyki wykorzystujące te trzy podstawowe kolory, a także połączył je w rzeźbach takich jak Ci-git l'Espace (MNAM, Paryż), która składa się z płyty pogrzebowej pokrytej złotymi liśćmi, korony wykonanej z gąbki IKB i róż. Wreszcie jego praca Ex-voto, stworzona dla sanktuarium Rity w Cascia, będzie podsumowaniem jego twórczości, skupiając wszystkie jego pomysły w jednym dziele złożonym z jego trzech kolorów: różu, błękitu i złota.

Yves Klein jest poprzez swoją twórczość i postawę jedną z wielkich postaci francuskiej i międzynarodowej sztuki współczesnej. Wyprzedzał swoje czasy i był świadomy radykalności swojej pozycji. Otworzył sztukę na to, co niematerialne. Dla niego złoto, róż i błękit są jednym i tym samym kolorem i tworzą kompletną "chromatyczną trylogię".

Prace

1960-1965

1966-1970

1971-1980

1981-1990

1991-2000

2001-2010

Źródła

1. Yves Klein
2. Yves Klein
3. En 1950, Lucio Fontana réalise ses premiers monochromes mais qu'il perfore, intitulés "Concetto spaziale" (concept spatial) et fonde le spatialisme.
4. Les dates du séjour à Londres recueillies auprès de Claude Pascal varient. Selon certaines sources, ils seraient arrivés en Angleterre via Dieppe le 2 décembre 1949 et repartis de Newhaven le 25 novembre 1950; selon André Bonet, qui a rencontré Claude Pascal à Nice le 17 août 2006 pour la rédaction de son livre (Bonet, 2006, ibid. p. 60), mentionne un départ de Londres le 4 avril 1950 pour l'Irlande (p. 68) et un retour à Nice fin août (p. 70).
5. On trouve la faute selon lequel il aurait été le premier français dans ce grade dans plusieurs ouvrages. En 1952, il y avait déjà 4 Français ceinture noire 4e dan : Jean Andrivet, Paul Bonét-Maury, Jean de Herdt et Roger Picquemal. Klein fut, en 1952, le seul Français à obtenir sa ceinture noire 4e dan au Japon.
6. Extrait de la lettre adressée par le jury du Salon à sa mère, Marie Raymond, membre du jury (cité dans l'Aventure Monochrome, première partie, anthologie de textes d'Yves Klein, 1958).
7. Les enveloppes contiennent une petite carte précisant que l'invitation est "pour deux personnes; pour toute personne non munie de cette carte, le prix d'entrée sera de 1500 francs."
8. ^ "Yves Klein". Biography. Archived from the original on 21 March 2019. Retrieved 21 March 2019.
9. ^ Hannah Weitemeier [de], Yves Klein, 1928–1962: Internacional Klein Blue, translated by Carmen Sánchez Rodríguez (Cologne, Lisbon, Paris: Taschen, 2001), 8. ISBN 3-8228-5842-0.
10. ^ Thomas McEvilley. "Yves Klein: Conquistador of the Void". Yves Klein: A Retrospective. (Houston: Institute for the Arts, Rice University, 1982), p 25.
11. ^ Yves Klein (1954) Les Fondements du judo, Grasset, Paris OCLC 604216312
12. 1 2 3 4 Artnet — 1998.
13. «El nuevo realismo». Centre Pompidou Málaga. septiembre de 2016. Consultado el 22 de septiembre de 2019.
14. Círculo Bellas Artes (octubre de 2010). «Yves Klein». Madrid. Consultado el 22 de septiembre de 2019.