Sammanfattning

Sir Alfred Hitchcock var en brittisk filmregissör, manusförfattare och producent som blev amerikansk medborgare 1955. Han föddes den 13 augusti 1899 i Leytonstone, London, och dog den 29 april 1980 i Bel Air, Los Angeles.

Daily Telegraph skrev: "Hitchcock gjorde mer än någon annan regissör för att forma den moderna filmen, som skulle vara helt annorlunda utan honom. Han hade en känsla för att berätta historier, höll grymt tillbaka viktig information (för sina karaktärer och för tittaren) och provocerade publikens känslor som ingen annan.

Under sin sextioåriga karriär regisserade han 53 långfilmer, varav några hör till de viktigaste i filmhistorien, både när det gäller publikframgångar, kritiskt mottagande och eftervärldsbevakning. Dessa inkluderar The 39 Steps, Suspicion, The Chained Ones, Rear Window, Cold Sweat, North by Northwest, Psycho och The Birds.

Efter framgångar i stumfilmen och den tidiga ljudfilmen lämnade Hitchcock sitt hemland och flyttade till Hollywood strax innan andra världskriget bröt ut. Den 20 april 1955 blev han amerikansk medborgare men behöll sitt brittiska medborgarskap, vilket gjorde att han i slutet av sitt liv blev adlad och utnämnd till Commander of the Order of the British Empire (KBE). Hitchcock, som var begåvad med en stark känsla för självpromovering, särskilt genom sina cameos, är fortfarande en av 1900-talets mest igenkännbara och välkända personligheter.

Han är känd som "Master of Suspense" och anses vara en av de mest stilistiskt inflytelserika regissörerna. Hitchcock var en pionjär inom många tekniker i thrillergenren och etablerade begreppen spänning och MacGuffin i filmvärlden. Hans thrillers, som kännetecknas av en skicklig kombination av spänning och humor, utforskade variationer av den förföljda oskyldiga personen genom återkommande teman som rädsla, skuld och identitetsförlust.

Barndom

Alfred Joseph Hitchcock föddes 1899 i Leytonstone, en förort i nordöstra London. Han var son till William Hitchcock (1862-1914) och Emma Jane Hitchcock, född Whelan (1863-1942). Hans far var grossist i fjäderfä, frukt och grönsaker. Alfred, som var uppkallad efter en av sina farbröder - hans fars bror - var den yngsta av tre barn: hans äldsta, William och Eileen, föddes 1890 respektive 1892. Hans familj var till stor del katolsk, hans mor och farfars mormor var av irländsk härkomst. I London gick Hitchcock på St Ignatius College i Stamford Hill, en skola som drivs av jesuiter. På senare år nämndes kristendomen ibland i hans filmer, troligen på grund av denna uppfostran som han mindes mycket dåligt, särskilt på grund av hans rädsla för kroppsliga bestraffningar.

Hitchcock beskrev ofta sin barndom som mycket ensam och skyddad, en situation som förvärrades av hans fetma. Han erkänner själv att han inte hade några vänner på den tiden och att han tillbringade sin tid med att spela ensam. Känslan av isolering förstärktes när han en julafton kom på sin mamma när hon tog leksaker från hans julstrumpa och la dem i hans brors och systers. Hitchcocks mamma har ofta för vana att tvinga honom att tala till henne genom att stå vid foten av hennes säng, ibland i timmar. Dessa erfarenheter användes senare för att beskriva karaktären Norman Bates i filmen Psycho. Hitchcock visar också alltid en viss misstro mot polisen. Detta kan förklaras med en kort vistelse på polisstationen. När han bara var fyra eller fem år gammal skickade hans far honom till en polisstation med en lapp som han skulle lämna till polisen. Efter att ha läst lappen låste poliserna in honom i en cell, men släppte honom efter några minuter med orden: "Det här är vad som händer med stygga pojkar". Regissören skulle senare berätta denna historia flera gånger för att förklara sin rädsla för auktoriteter. Oavsett om denna berättelse är autentisk eller inte, finns det ofta ekon av denna idé om att bli hårt behandlad eller felaktigt anklagad i hans filmer.

År 1914, året då hans far dog - Hitchcock var fjorton år vid den tidpunkten - lämnade han St Ignatius College för att studera vid London County Council School of Engineering and Navigation i Poplar, London. Efter examen fick han jobb på reklamavdelningen på W.T. Telegraphic Company. Henley Telegraphic. Han skrev ibland noveller för en tidskrift som hans kollegor gav ut.

Från design till produktion

Genom sitt arbete inom reklam utvecklade han sina färdigheter i grafisk design. Under denna period började Alfred Hitchcock intressera sig för film och 1920 fick han tack vare en skådespelare som ibland också arbetade på Henley snart anställning som författare och designer av mellantexter på Islington Studios, som just hade grundats i London av Famous Players-Lasky, ett amerikanskt företag som hade ambitionen att sätta upp internationella produktioner med engelska och amerikanska stjärnor och Hollywoodregissörer; detta företag skulle senare bli Paramount. Hitchcock blev snart chef för bolagets avdelning för titlar och under två år skrev och designade han titlar till filmer av regissörer som Hugh Ford, Donald Crisp och George Fitzmaurice. I början av 1920-talet såg han möjligheten att försöka sig på att regissera när regissören av Always Tell Your Wife (1923), Hugh Croise, blev sjuk under inspelningen och han lyckades övertala Seymour Hicks, både filmens stjärna och producent, att hjälpa honom att avsluta filmen. År 1920 arbetade han på heltid vid Islington Studios, först för deras amerikanska ägare Famous Players-Lasky och sedan för deras brittiska efterföljare Gainsborough Pictures, återigen som designer av mellantexter. Det skulle ta honom fem år att gå från detta jobb till direktör. Alfred Hitchcock var också konstsamlare och ägde särskilt verk av Paul Klee, Edward Hopper och Georges Braque, vars fåglar fascinerade honom så till den grad att han beställde en mosaik till väggen i sin villa i Scott Valley i Kalifornien.

Alfred Hitchcock slog sig sedan ihop med skådespelerskan Clare Greet och försökte producera och regissera sin första film, Number Thirteen (1922), som handlade om Londons underklass. Produktionen ställdes in på grund av ekonomiska svårigheter. De få scener som kunde spelas in är nu tydligen förlorade. Och, med Hitchcocks egna ord, "den var verkligen inte bra".

Stumfilmer

I slutet av 1922 beslutade Famous Players-Lasky att upphöra med produktionen i Islington. Studion behöll ett litet team, inklusive Hitchcock, och när Michael Balcon grundade ett nytt oberoende bolag, Gainsborough Pictures, med Victor Saville och John Freedman, och kom till Islington för att spela in sin första film, anställdes Hitchcock som regiassistent.

1923 träffade han sin blivande fru Alma Reville under inspelningen av Graham Cutts film Woman to Woman (The Wounded Dancer), vars manus han samarbetade med. Han gifte sig med henne 1926 i London Oratory. Under sina formativa år har han fulländat sitt hantverk på alla områden: scenografi, kostymer, manuskript... Hans perfektionism skulle senare leda till många kultscener. Cutts sista samarbete med Hitchcock tog denne till Tyskland 1924, där han arbetade för UFA som scenograf och sedan som manusförfattare. Filmen The Thug (tyska: Die Prinzessin und der Geiger, engelska: The Blackguard, 1925), regisserad av Cutts och skriven av Hitchcock, producerades i Babelsberg Studios i Potsdam, nära Berlin. Alfred Hitchcock hade möjlighet att närvara vid inspelningen av De sista männen (han påverkades djupt av denna upplevelse och hämtade mycket inspiration från expressionistiska regissörer, främst Murnau, vars tekniker senare inspirerade honom vid utformningen av kulisserna i hans egna filmer, och Fritz Lang (se nedan, Alfred Hitchcocks influenser). Till skillnad från andra regissörer med en stark litterär komponent kommer Hitchcock alltid att vara en älskare av teknik och perfektionism i mycket komplexa scener.

1925 gav Michael Balcon Hitchcock en ny chans att regissera The Pleasure Garden, som spelades in i UFA-studiorna i Tyskland. Filmen, som är en moralisk berättelse med teatern som bakgrund, inleds med en voyeuristisk scen som är symbolisk för en aspekt av regissörens framtida karriär: en sidledes spårande bild som visar den manliga publikens förtjusta reaktioner under en kabaréscen. Tyvärr blev The Garden of Pleasure ett kommersiellt misslyckande. Hitchcock regisserade sedan ett drama, The Mountain Eagle (som i USA släpptes som Fear o' God), som det idag inte verkar finnas någon kopia av. När båda filmerna var färdiga sågs de av distributörer och lades på hyllan.

Den 2 december 1926 gifte sig Hitchcock, vars karriär tycktes vara över, med sin assistent, redaktören och manusförfattaren Alma Reville, i Church of the Immaculate Heart of Mary (mer känt som Brompton Oratory). Deras första och enda barn, dottern Patricia, föddes ett och ett halvt år senare, den 7 juli 1928. Alma, som Hitchcock var tillsammans med resten av sitt liv, skulle bli sin mans närmaste medarbetare. Hon hjälpte till att skriva några av hans manus och samarbetade med honom i de flesta av hans filmer, även om hennes namn ofta inte syns i eftertexterna.

Några månader efter giftermålet hade regissören äntligen tur med sin första thriller, The Golden Hair, mer känd under originaltiteln The Lodger (A Story of the London Fog), en adaption av en bästsäljare av Marie Belloc Lowndes med Ivor Novello, en av Storbritanniens mest kända skådespelare på den tiden, i huvudrollen.

Thrillern, som är löst baserad på Jack the Ripper-historien, ansågs osäljbar av distributören C.M. Woolf, som ansåg att kameravinklarna var ovanliga och att den märkliga tyskinspirerade belysningen skulle förvirra den engelska publiken. Balcon beslutade att anlita kritikern Ivor Montagu som rådgivare åt Hitchcock. Filmen, som släpptes den 14 februari 1927, blev en stor kommersiell och kritisk framgång i Storbritannien: publiken strömmade till biograferna och Daily Express gick så långt som att kalla Hitchcock för en "genial ung man". Liksom många av hans tidiga verk påverkades den här filmen av den expressionistiska filmteknik som Hitchcock själv hade bevittnat i Tyskland. Vissa bedömare anser att The Lodger är den första verkligt "Hitchcockska" filmen, inte minst eftersom ett av dess teman är den "falska skyldiga". Filmen är också känd för att vara den första där regissören gjorde ett kort framträdande - en cameo - en idé som ursprungligen uppstod för att en statist saknades och Hitchcock i sista minuten bestämde sig för att hoppa in, men som senare blev ett av hans varumärken och bästa reklamanvändare. Som Roy Ward Baker skulle säga: regissörer betraktades vid den tiden endast som högavlönade tekniker, och Hitchcock skulle från början av sin karriär i Storbritannien förändra denna bild.

Efter framgången med The Lodger kan regissören välja sin nästa film. Han regisserade Downhill (1927), som skrevs och spelades av Ivor Novello, författaren till den ursprungliga pjäsen. "Det var den mest eleganta inspelningen i min karriär", sade Hitchcock senare om den. Filmen blev dock ingen stor framgång. Därefter gjorde han Easy Virtue (1928), baserad på en pjäs av Noël Coward, en film som led av brist på dialog.

Alfred Hitchcock var missnöjd med de manus han erbjöds och lämnade Gainsborough Pictures för att skriva kontrakt med British International Pictures (BIP). Den första filmen han gjorde för bolaget, The Ring (1927), en berättelse om en kärlekstriangel som utspelar sig i en boxningsmiljö, mottogs väl av publiken. Den följdes av en romantisk komedi, Which of the Three? (Hitchcock var tvungen att ersätta kamerachefen Jack Cox, som hade blivit sjuk under inspelningen. Året därpå gjorde Hitchcock, som då bodde med sin fru - och snart lilla Patricia - på 153 Cromwell Road, en lodge i västra London, sina sista stumfilmer: Champagne (1928) och The Manxman (1929).

De första talfilmerna från förkrigstiden

Hitchcock visste att hans sista filmer inte levde upp till förväntningarna från Det gyllene håret.

När filmen ännu inte var färdig bestämde sig BIP för att utnyttja den tekniska revolution som talfilmen innebar, och beslutade att göra Blackmail till en av de första ljudfilmerna som någonsin producerades i Storbritannien. Hitchcock använde ljudet som ett särskilt inslag i filmen, särskilt i en scen där ordet kniv framhävs i ett samtal med hjältinnan, som just har begått ett mord. Blackmail är också den första filmen där Hitchcock använder ett berömt landmärke som scen för en spänningsscen, och den kulminerar med en scen som utspelar sig på kupolen på British Museum. När filmen släpptes blev den en fenomenal succé, både bland publiken och kritikerna. Pressen var förtrollad av motsättningen mellan plikt och kärlek, närmare bestämt "kärlek mot plikt". Vid den här tiden grundade Hitchcock en liten organisation för egenreklam tillsammans med en pressagent som hette Baker Hitchcock-Baker Ltd.

Vid den här tiden regisserade Hitchcock också filmer från Elstree Calling (1930), en musikrevy som producerades av BIP, och en kortfilm med två vinnare av Film Weekly-stipendiet i huvudrollen, An Elastic Affair (1930). Hitchcock sägs också ha deltagit, i blygsam omfattning, i en annan musikrevy från BIP, Harmony Heaven (1929), även om hans namn inte finns med i eftertexterna till denna film.

Hitchcock regisserade sedan Juno and the Peacock (detta är förmodligen en återspegling av att man efter talfilmens intåg ville utnyttja denna nyhet framför allt). Mellan 1930 och 1934 gjorde han Murder - som han också gjorde en version med tyska skådespelare, distribuerad under titeln Mary -, The Skin Game, East of Shanghai, Number Seventeen och en musikfilm, The Danube Song.

1933 anställdes Hitchcock återigen av Balcon på Gaumont British Picture Corporation. Hans första film för bolaget, The Man Who Knew Too Much (1934), blev en succé. Hitchcock själv gjorde en ny version av filmen i USA. På begäran av Sidney Bernstein (en), en teateroperatör som hade blivit ordförande för Londons filmsällskap, anlitade han för denna första version skådespelare och tekniker som hade förföljts som "judar" av nazistregimen och som hade flytt från Hitlertyskland. Den vänskap som de två männen bildade kring den antifascistiska aktivismen skulle bli bestående.

Den andra filmen, The 39 Steps (1935), som senare tjänade som modell för Young and Innocent, Correspondent 17, Fifth Column och North By Northwest, nämns ofta som en av de bästa filmerna från regissörens tidiga karriär. Gemensamt för båda filmerna är att Charles Bennett var huvudmanusförfattare.

Berättelsen handlar om en man som felaktigt anklagas och tvingas bevisa sin oskuld. En kanadensisk man (Robert Donat) går med på att ta emot en ung kvinna som i själva verket är en hemlig agent som kämpar mot en mystisk kriminell organisation kallad "The 39 Steps" i sin lägenhet i London. Den okända kvinnan dödas och den unge mannen, som fruktar att han kommer att anklagas för mord, beger sig till Skottland för att spåra upp organisationen. Enligt Bernard Eisenschitz, som citerar Claude Chabrol och Éric Rohmer, hämtade Hitchcock inspiration till denna film från Fritz Langs Spione (1928).

De 39 stegen är den första filmen där Hitchcock använder sig av en "MacGuffin", en term för ett element i handlingen som hela historien verkar kretsa kring, men som i själva verket inte har någon betydelse för berättelsens innebörd eller hur den slutar (se MacGuffin, nedan). I The 39 Steps är "MacGuffin" en serie bilder som verkar ha blivit stulna.

Regissörens nästa film, Secret Agent (Sabotage, 1936), var en mycket lös adaption av Charles Bennett och Hitchcocks fru Alma Reville av en roman av Joseph Conrad.

Den handlar om en obskyr terroristorganisation i London, och särskilt om en av dess medlemmar, den brutala Mr Verloc (Oskar Homolka), som äger en biograf och lever ett till synes fridfullt liv med sin attraktiva fru (Sylvia Sidney) och hennes yngre bror. Det finns en historia som ofta citeras om den här filmen. Under inspelningen av en dramatisk scen där hon skulle delta, blev Sylvia Sidney rörd till tårar när hon såg att regissören föredrog att ägna sin tid åt att sätta in kulisser i stället för henne. Efter att ha sett resultatet på filmduken varnade skådespelerskan dock omedelbart Hollywoodproducenten David O. Selznick för att ta en närmare titt på den fantastiska regissören. Det är möjligt att den här historien bara är en del av legenden kring filmskaparen, men den är ändå betydelsefull. Secret Agent var ett kommersiellt misslyckande. Hitchcock förklarade detta med att i denna mycket mörka film slutar en särskilt plågsam scen med ett barns chockerande död.

1937 gjorde Alfred Hitchcock tillsammans med sin fru Alma och sin assistent Joan Harrison sin första resa till Hollywood i USA.

Den andra fasen av hans framgångsrika samarbete med Michael Balcon avslutades med Secret Agent, när ägarna till Gaumont British beslutade att lägga ner verksamheten. Hitchcock återvände till Gainsborough Pictures för att göra sina nästa två filmer, men utan sin tidigare producent. Young and Innocent (1937) var en variation på temat om den orättvist åtalade oskyldige, men med en mer komisk ton.

Regissören hade en ny stor framgång 1938 med A Woman Disappears, en kvick och snabb film om hur Miss Froy, en vänlig gammal engelsk kvinna (May Whitty), försvann på ett tåg i ett fiktivt land som heter Vandrika, vilket är en förtäckt hänvisning till Nazityskland. Även om filmen är en omfattande resa är den uteslutande inspelad i en liten studio i London, och Hitchcock använder modeller och projektioner i bakgrunden av karaktärerna för att skapa en illusion av desorientering.

Det var vid den här tiden som Hitchcock började bli känd för att ha gjort en föga smickrande kommentar om skådespelare, då han liknade dem vid "boskap". Denna fras skulle följa Hitchcock i flera år (se "Hitchcock och skådespelare" nedan).

I slutet av 1930-talet började regissören få ett visst rykte hos den amerikanska publiken och var på topp i Storbritannien. David O. Selznick bad honom komma och arbeta i Hollywood. Hitchcock tackade ja och från och med nu gjorde han nästan alla sina filmer i USA. Den 14 juli 1938 undertecknade han ett kontrakt på 40 000 dollar per film. 1939 gjorde han - tillfälligtvis - en sista film i Storbritannien, The Jamaica Tavern, en historisk melodram. Den 6 mars 1939 anlände han och hans familj till New York och bosatte sig i Los Angeles.

Det amerikanska 1940-talet

Spänningen och den mörka humorn som hade blivit Hitchcocks kännetecken på film skulle fortsätta att synas i hans amerikanska verk. Hitchcock blev snart imponerad av de amerikanska studiornas överlägsna resurser, jämfört med de ekonomiska begränsningar han ofta hade mött i England.

I september 1940 köpte familjen Hitchcock Cornwall, en 0,81 km2 stor ranch nära den lilla staden Scotts Valley i Santa Cruz Mountains i norra Kalifornien. Ranchen förblev deras huvudsakliga bostad fram till deras död, även om de behöll sitt hem i Bel Air.

Hitchcock gjorde bara fyra filmer för Selznick (The Chained 1946 och The Paradine Trial 1947) innan han 1947 bestämde sig för att det var bättre att vara sin egen producent. Det är dock dyrt att producera en film och Hitchcocks första oberoende verk (The Rope och The Lovers of Capricorn) var inte särskilt framgångsrika i kassan. Den 3 januari 1949 undertecknade regissören ett kontrakt med Warner Bros. där han förband sig att göra fyra filmer på sex år.

Arbetsförhållandena med Selznick var inte optimala. Producenten hamnade regelbundet i ekonomiska svårigheter och Hitchcock var ofta missnöjd med Selznicks kontroll över sina filmer. Selznick "hyrde" Hitchcock till de stora studiorna (RKO, Universal, 20th Century Fox) oftare än han själv producerade regissörens filmer. Dessutom gjorde Selznick, precis som sin kollega Samuel Goldwyn, bara några få filmer per år, så han hade inte alltid projekt att erbjuda Hitchcock. Goldwyn hade också förhandlat med regissören om ett eventuellt kontrakt, men Selznick överbudde honom och vann. Senare, i en intervju, sammanfattade Hitchcock deras samarbete på följande sätt:

Till en början ville producenten att Hitchcock skulle göra en film om Titanics förlisning. Hitchcock lyckades dock genomdriva sitt val. Han valde Rebecca (1940), en adaption av en bästsäljare av hans landsman Daphne du Maurier (som också skrivit The Jamaica Inn, som hans tidigare film byggde på, och novellen The Birds, som regissören senare skulle filmatisera). Handlingen utspelar sig i England. De brittiska skådespelarna Laurence Olivier och Joan Fontaine spelade huvudrollerna och Joan Harrison, också brittisk, skrev manuskriptet. På grund av Hitchcocks kärlek till sitt hemland utspelade sig många av hans amerikanska filmer antingen i Storbritannien eller filmades där, ända fram till Frenzy, hans näst sista film.

Rebecca, en gotisk berättelse, utforskar rädslorna hos en naiv ung brud som flyttar in i ett stort engelskt lantställe. Hon måste först anpassa sig till den extrema formalism och kyla som hon möter där, och sedan ta itu med den tidigare hustrun till hennes make, som dog långt tidigare. I den här filmen använder regissören medel som kommer att bli kännetecknande för hans mest fulländade senare verk: ett långsamt tempo, en berättelse berättad ur en enda karaktärs synvinkel, införandet av ett element i mitten av filmen som helt förändrar berättelsens innebörd och användningen av spektakulära visuella medel som är reserverade för nyckelmoment i handlingen.

Trots sin längd - filmen är över två timmar lång - är den en triumf och får två Oscars av tretton nominerade: bästa film, som tilldelas Selznick, och bästa filmfotografi, som tilldelas filmfotografen George Barnes. Hitchcock var nominerad för bästa regissör, men det var John Ford som vann priset. Hitchcock var bitter över att priset för bästa film hamnade i Selznicks händer i stället för hans egna, och detta var förmodligen det som senare skulle sporra honom i hans strävan efter självständighet.

Hitchcock, liksom många engelsmän som bodde i USA, var mycket orolig för sin familj och sina vänner i hemlandet i början av andra världskriget. Han hyllade dem i filmen Foreign Correspondent (1940), producerad av Walter Wanger och baserad på boken Personal History av Vincent Sheean. Berättelsen handlar om en journalist, spelad av Joel McCrea, som skickas till Europa för att bedöma risken för ett nytt världskrig. Filmen, som blandar verkliga scener som spelats in i Europa med andra som spelats in i Hollywood, slutar med en vädjan om att USA ska gå med i kriget, men för att följa den censurkod som gällde i USA vid den tiden undviker filmen direkta hänvisningar till Tyskland och tyskarna. Correspondent 17 nominerades till en Oscar för bästa film, i konkurrens med Rebecca, som därför föredrogs.

Samtidigt övervakade Hitchcock redigeringen av de amerikanska versionerna av två brittiska krigsdokumentärer: Men of the Lightship (1941) och Target for Tonight (1941).

Trots en mycket måttlig smak för sociala evenemang blev Hitchcock och hans fru vänner med Clark Gable och hans fru Carole Lombard, för vilka han gick med på att regissera en romantisk komedi med Robert Montgomery: Matrimonial Joys (1941) Historien handlar om ett grälsjukt par, spelat av Lombard och Montgomery, som upptäcker att de inte är gifta enligt lag. Efter en separation vinner de så småningom tillbaka varandra genom diskussioner. Red Book Magazine kallade filmen för "den roligaste och mest explosiva komedin från 1942".

Liksom Matrimonial Joys producerades Suspicion (1941) av RKO. Båda Hitchcockfilmerna släpptes samma år som Orson Welles Citizen Kane, som producerades av samma bolag och vars musik skrevs av Bernard Herrmann, en kompositör som senare skulle komma att spela en viktig roll för Hitchcock.

Hitchcock ansåg att Suspicion, som är anpassad från Francis Iles roman Before the Fact och som huvudsakligen utspelar sig i England, var hans andra engelska film som gjordes i Hollywood efter Rebecca. De scener som ska utspela sig på den engelska kusten är i själva verket inspelade på den norra kusten i Santa Cruz, Kalifornien. Manuset är skrivet av New Yorker Samson Raphaelson, Joan Harrison och Alma Reville. I rollistan finns Joan Fontaine, denna gång med Cary Grant (också brittisk född) som hennes partner. Detta var skådespelarens första framträdande i en Hitchcock-film och en av de få filmer i hans personliga karriär där han spelade en ganska ondskefull karaktär.

Grant spelar en man som med sin charm döljer sin sysslolöshet och lyckas förföra en rik och ganska reserverad ung kvinna (Fontaine). Han gifter sig med henne. Den unga kvinnan inser snart att hennes man är helt oansvarig och genom en rad händelser hamnar hon i ett tillstånd av fruktansvärd ångest. Hon misstänker så småningom att mannen hon älskar är en mördare och att han letar efter ett sätt att bli av med henne. Enligt regissören är rädsla och ångest bland de vanligaste mänskliga fantasierna. Hjältinnan går så långt att hon föreställer sig att hennes man kastar hennes vän och affärspartner från en klippa och misstänker senare att ett glas mjölk är förgiftat, i en typisk Hitchcock-scen där Grants karaktär ses sakta klättra uppför trappan till sin frus rum i mörkret, bärande på ett vackert vitt glas på en bricka. Hitchcock skulle senare förklara att han för denna sekvens hade en ljuskälla placerad direkt i glaset.

I en tidig klippning respekterade filmen bokens slut och Grants karaktär avslöjades som en riktig mördare, men RKO ansåg att detta sannolikt skulle skada skådespelarens image. Även om han senare erkände för François Truffaut att ett mord skulle ha passat honom bättre, gick Hitchcock till slut med på att ge berättelsen ett lyckligare, om än tvetydigt, slut.

För sin roll i denna film vann Joan Fontaine, vid tjugofyra års ålder, en Oscar för bästa skådespelerska och New York Critics' Choice Award för sin "enastående prestation".

I slutet av 1941, efter att ha gjort fyra filmer på två år, började Hitchcock med en mer personlig och djärv produktion, Fifth Column (Saboteur), som påminde om The 39 Steps och redan förebådade North By Northwest. Den 20 augusti 1941, när Suspicion var klar, började Hitchcock arbeta med manusförfattaren Peter Viertel fram till oktober samma år; Dorothy Parker deltog också i skrivandet. Denna film var Hitchcocks första samarbete med Universal Pictures.

Handlingen börjar med en flygteknisk arbetare som felaktigt anklagas för att ha begått en sabotagehandling i sin fabrik: en brand som ledde till att hans bästa vän dog. För att bevisa sin oskuld ger han sig in i en obeveklig jakt över hela landet för att hitta den riktiga sabotören. Under sin flykt möter han en ung kvinna som först är misstänksam, men som till slut hjälper honom.

Hitchcock ville ha Gary Cooper och Barbara Stanwyck i huvudrollerna, men när studion vägrade, fick Robert Cummings och Priscilla Lane spela rollerna. Regissören beklagade senare att han inte hade kunnat arbeta med en mer känd skådespelare som publiken skulle ha identifierat sig bättre med, åtminstone i den manliga rollen.

Regissören kritiserades ofta för att förlora intresset för sina filmer innan de ens var inspelade, men i själva verket strävade Hitchcock alltid efter perfektion och var alltid redo att ändra på alla delar av sitt manus när arbetet fortskred. För Fifth Column experimenterade han med nya tekniker tillsammans med scenografen Robert Boyle. Han filmade också två olika versioner av många scener, så att han kunde välja när han redigerade. Hitchcock kunde se kritiskt på sitt eget arbete. I slutet av filmen jagar hjälten en lönnmördare som till slut hänger i toppen av facklan på Frihetsgudinnan. Enligt Hitchcock var detta ett misstag, och det hade varit bättre om det hade varit hjälten som befann sig i denna olyckliga situation: publikens identifikation med karaktären skulle då ha varit starkare. Filmen, som släpptes i april 1942, blev ändå en stor framgång.

Så snart Fifth Column var klar kontaktade Margaret McDonell, Selznicks litteraturchef, Hitchcock för att få nya projekt. Regissören valde Uncle Charlie, en berättelse skriven av Gordon McDonell, Margaret McDonells make. För att skriva manus till det som skulle bli Shadow of a Doubt (1943), hans andra Universal-film, anlitade han först Thornton Wilder, som tog sig an uppgiften i maj och juni 1942. Innan han var klar bestämde sig dock manusförfattaren oväntat för att gå med i arméns underrättelsetjänst. Romanförfattaren Sally Benson och Alma Reville fick i uppdrag att komplettera dialogen och inspelningen började den 10 augusti samma år. Ännu en gång filmades många av bilderna i Shadow of a Doubt på plats, den här gången i staden Santa Rosa i norra Kalifornien.

I Shadow of a Doubt - Hitchcocks favoritfilm - spelar Joseph Cotten Charlie Oakley, en man med ett extremt oroligt och manipulativt förflutet. Han känner sig förföljd av lagen och bestämmer sig för att söka skydd hos sin syster, som tillsammans med sin äldre dotter Charlotte Newton (Teresa Wright), som fått smeknamnet "Charlie" efter sin farbror, tar emot honom med öppna armar. Oakley bevakas dock noga av två mystiska män, vilket skapar tvivel hos Charlie.

Om Charlie Oakley sa Hitchcock till François Truffaut:

Kritiker har sagt om filmen att Hitchcocks användning av dubbla tecken, dialog och närbilder erbjöd en mängd möjliga psykoanalytiska tolkningar för en hel generation filmteoretiker, däribland Slavoj Žižek (redaktör för Everything You Always Wanted to Know About Lacan but Never Dared to Ask Hitchcock, publicerad 1988). Regissören introducerar sin egen fascination för brott och brottslingar i en scen där två karaktärer diskuterar olika sätt att uppfatta ett mord, vilket får den unge Charlie att bli känslosam. Under inspelningen får regissören veta att hans mor, som stannat kvar i London, har dött. Vissa episoder från Hitchcocks barndom i Leytonstone verkar frammanas i filmen: Charlie har liksom Hitchcock en mamma som heter Emma, Oakley råkade ut för en cykelolycka som barn, en liten flicka som heter Ann läser Ivanhoe, en bok som Hitchcock kunde utantill som barn, och karaktären Joseph - Hitchcocks mellannamn - vägrar att köra bil. Men enligt regissörens egen dotter Patricia är detta bara tillfälligheter.

För 20th Century Fox gjorde Hitchcock sedan sin första öppet politiska film, Lifeboat (1944), en bearbetning av ett av John Steinbecks manuskript, som handlar om de överlevande från ett amerikanskt fartyg som sänktes av en tysk ubåt och som utan kompass försöker nå Bermuda i en livbåt. En av passagerarna, en av de enda som kan föra båten i säkerhet, visar sig dock vara tysk.

Filmen handlar om vad män är gjorda av när de inte har något kvar. Det kan vara en propagandafilm, ett ytterligare bidrag till krigsinsatsen. Handlingsscenerna spelas in ombord på kanoten och den trånga platsen skapar en viss oro för regissörens traditionella cameo. Problemet löstes genom att Hitchcock dök upp på ett tidningsfoto som William Bendix spelade i båten, en "före och efter"-reklam för en bantningsprodukt: Reduco-Obesity Slayer. Lifeboat mottogs till en början mycket väl av kritikerna, men de ändrade sig plötsligt och blev misstänksamma eftersom behandlingen av dessa nio personer, och mer än någon annan nazist, tog sig en del oacceptabla friheter i den tidens sammanhang. Filmen nominerades dock tre gånger till en Oscar i kategorierna bästa regissör, bästa originalmanus (Steinbeck) och bästa filmfotografi (Glen MacWilliams), och skådespelerskan Tallulah Bankhead fick NYFCC-priset för bästa skådespelerska.

När Hitchcock arbetade för Fox övervägde han på allvar att göra en filmatisering av A. J. Cronins roman The Keys of the Kingdom, som handlar om en katolsk präst i Kina, men projektet misslyckades och John M. Stahl gjorde slutligen filmen 1944, producerad av Joseph L. Mankiewicz och med Gregory Peck i huvudrollen.

Brittiskt mellanspel

I slutet av 1943 avbröt Hitchcock, på höjden av sin berömmelse, produktionen av sitt senaste projekt, Notorious, och företog den farliga båtresan till England. Hans vän Sidney Bernstein bad honom att ansluta sig till filminstallationen vid divisionen för psykologisk krigföring vid det allierade överkommandot. Hitchcock gjorde två kortfilmer, vardera ungefär en halvtimme långa, på uppdrag av det brittiska informationsministeriet, Bon Voyage och Aventure Malgache. Dessa filmer, de enda som Alfred Hitchcock gjorde på franska, var till de fria franska styrkornas ära men "hade typiska Hitchcockska inslag". Den andra, som ansågs vara för känslig, förbjöds i Frankrike. På 1990-talet sändes båda filmerna på den amerikanska kanalen Turner Classic Movies och släpptes senare på video.

Under sex veckor i juni och juli 1945 anmälde sig Hitchcock som frivillig behandlingsrådgivare (i praktiken redaktör) för en dokumentärfilm som producerades av den brittiska armén om det som föreställningsvärlden ännu inte kunde föreställa sig som Förintelsen. Filmen, som regisserades av Sidney Bernstein, är ett montage av bilder som spelades in vid befrielsen av elva nazistiska koncentrationsläger av de militära operatörerna, engelsmännen Mike Lewis och William Lawrie, den naturaliserade tysk-amerikanen Arthur Mainzer och ryssen Alexander Vorontsoff. Faktuell undersökning av tyska koncentrationsläger (sv) visar outhärdliga bilder. Regissören kommer i slutet av sitt liv att erkänna att de aldrig kommer att lämna honom. Tillsammans med sin redaktör eliminerade han de mest flagranta propagandaaspekterna, främst de sovjetiska bilderna, och föredrog långa sekvenser som motbevisar alla manipuleringar som gjorts i redigeringen, och lyfte fram de bevis som inskrivit brottet i den dagliga verkligheten, alltid med tanke på sanningshalten och för att förhindra förnekelse.

Från och med början av augusti minskades budgeten av politiska skäl, av att de allierade expeditionsstyrkorna upplöstes, för att skona tyskarnas moral inför återuppbyggnaden och av rädsla för att den brittiska allmänna opinionen skulle vända till förmån för de flyktingar som strömmade in i det palestinska mandatområdet. Dokumentärfilmen, som deponerades som F3080 på Imperial War Museum i London, förblev opublicerad fram till dess att den visades på Berlinfestivalen 1984. Den färdigställdes sedan för den amerikanska PBS-serien Frontline och sändes året därpå under titeln Memory of the Camps.

Andra amerikanska perioden

Hitchcock återvände sedan till USA för att göra Spellbound (1945), regissörens andra film efter Rebecca, med Selznick som producent, som utforskade det då aktuella temat psykoanalys. Huvudrollerna spelades av Gregory Peck och Ingrid Bergman.

Peck spelar en karaktär som till en början presenterar sig som Dr Anthony Edwardes, den nya chefen för ett mentalsjukhus. Han misstänks snart för att inte vara den han säger sig vara. Han lider av minnesförlust och anklagas snart för att ha mördat den riktiga Edwardes, men får hjälp i sitt sökande efter sin identitet av den unga doktor Peterson (Bergman) som till slut också rentvår hans namn. En av de mest kända sekvenserna i filmen, som också är mycket talande, är den surrealistiska drömmen som skapades av Salvador Dalí, ett slags rebus som gör det möjligt för psykoanalytikern att förklara sin skyddslingens mystiska förflutna. Drömscenen ansågs vara för störande för allmänheten och är därför betydligt kortare än de få minuter som ursprungligen planerades. En del av Miklós Rózsas soundtrack till filmen - där bland annat en theremin används - bearbetades senare av kompositören till en pianokonsert, The House of Dr. Edwardes, och blev en stor kommersiell framgång.

I bokintervjun med François Truffaut uppger Hitchcock att Selznick, för att kompensera för överskridandet av budgeten för västernfilmen Duell i solen (1946), som producerades av honom och regisserades av King Vidor, sålde ett "paket" till RKO: Hitchcock, regissör, Cary Grant och Ingrid Bergman, de två stjärnorna, samt ett manus av Ben Hecht, för en summa på 500 000 dollar. Denna överenskommelse resulterade i Notorious (1946). Bergman skulle spela en ung kvinna, dotter till en nazistisk spion som blivit alkoholist och som i början av filmen förfördes av en amerikansk regeringsagent (Grant). Hans uppdrag är att använda henne för att spionera på Alexander Sebastian (Claude Rains), en av hennes tidigare älskare och en vän till hennes far, som har tagit sin tillflykt till Latinamerika, närmare bestämt Brasilien, och som bedriver misstänkt verksamhet.

När regissören arbetar med manuskriptet tillsammans med Ben Hecht funderar han på vilken "MacGuffin" filmens hjältar skulle kunna leta efter och väljer uran, som smugglats i vinflaskor av spioner och som är avsett för tillverkning av en atombomb. Han rådfrågar experter som, för att hålla honom borta från sanningen, försöker få honom att tro att bomben är gjord av tungt vatten och inte av uran; i denna fråga sägs direktören ha rådfrågat bland annat Robert Millikan från Caltech-institutet. Studion ansåg att "MacGuffin" var helt löjlig och var därför ganska motvillig. Selznick själv ansåg fram till nyheten om bombningarna av Hiroshima och Nagasaki i augusti 1945 att ämnet var "science fiction". Direktören upptäckte så småningom hemligheten bakom bombens tillverkning och fick senare veta att FBI hade låtit följa honom i tre månader för att ta reda på varifrån han hade fått informationen. The Chained Ones blev en enorm kassasuccé och är fortfarande en av regissörens mest hyllade filmer, som Truffaut anser vara Hitchcocks bästa svartvita film.

Paradine Trial (1947), ett rättegångsdrama, var Hitchcocks sista film som producerades av Selznick.

Hitchcock var äcklad av den förmögenhet som producenten samlade på sin rygg - han fick lika mycket betalt för varje kontrakt som han själv - och visade föga intresse för projektet. I filmen spelar Alida Valli en ung kvinna som anklagas för att ha förgiftat sin make, en rik, blind gammal man. Hennes advokat (Gregory Peck) faller så småningom för hennes iskalla charm. Filmen var en katastrof, både hos publiken och kritikerna, som tyckte att den var tråkig, överdrivet lång och utan idéer. Hitchcock vägrade att fortsätta sitt samarbete med Selznick, som dock hade lärt honom en viktig läxa: i Hollywood är det producenten som bestämmer över den slutliga klippningen. Från och med då försökte regissören producera sina egna filmer.

1948 skapade Hitchcock tillsammans med sin landsman och vän Sidney Bernstein (en) Transatlantic Pictures, ett produktionsbolag med vilket han skulle göra två filmer. För den första valde regissören att anpassa Patrick Hamiltons pjäs Rope's End - som blev The Rope (1948), inspirerad av mordet på Nathan Leopold och Richard Loeb 1924 - med de nya namnen Brandon Shaw och Philip Morgan i filmen.

Filmen börjar - efter en inledande bild som visar en gata i låg vinkel och över vilken eftertexterna rullar - med mordet på en ung man av två av hans klasskamrater. De förbereder sedan en middagsbjudning till vilken offrets föräldrar, hans flickvän och en tidigare flirt är inbjudna på kvällen på brottsplatsen. Bland gästerna finns också en av deras lärare, Rupert Cadell, som observerar de unga männens märkliga beteende under kvällen och börjar misstänka det otänkbara. De två mördarna spelas av John Dall och Farley Granger, och för professorns roll har Warner Bros, som distribuerar filmen, valt James Stewart. Detta var den första av fyra filmer som skådespelaren skulle göra tillsammans med regissören.

The Rope är Hitchcocks första film i färg och är också en stilövning. Precis som han hade gjort några år tidigare med Lifeboat utmanade regissören sig själv att skapa metodiskt ordnad spänning i ett begränsat utrymme. Han experimenterar också med exceptionellt långa tagningar: filmen har sammanlagt elva, en per rulle, varav vissa varar upp till tio minuter. På något sätt lyckas Hitchcocks kameraman förflytta den tunga, besvärliga Technicolor-kameran smidigt genom inspelningen och hålla jämna steg med den kontinuerliga handlingen i de långa sekvensbilderna.

Filmen färdigställdes den 21 februari och släpptes i USA i september 1948 med titeln Alfred Hitchcock's Rope. Det var första gången som hans namn förekom i en titel och Hitchcock var mycket stolt över det. Recensionerna var dock blandade, och den allmänna framgången mildrades av dygdsförbundens agerande. Filmen hade inga problem med censuren, även om den förbjöds i flera delar av USA eller visades med bortklippta delar (oftast mordscenen). National Board of Review avråder från den för personer under 21 år. I Europa förbjöds den till en början i Frankrike och Italien. I slutändan blev The Rope inte någon genomgripande succé, men producenterna fick i stort sett tillbaka sina kostnader.

Transatlantic Pictures första framgång motverkades av misslyckandet med Under Capricorn (1949), ett historiskt drama som utspelade sig i 1800-talets Australien. Ingrid Bergman spelar en ung kvinna som genom kärlek lyckas fly från alkohol och galenskap.

Precis som i The Rope använde Hitchcock sekvensbilder i The Lovers of Capricorn, men mindre intensivt. Filmen spelades också in i Technicolor, men regissören föredrog att återgå till svartvitt för sina tre följande filmer. Detta är den film som filmskaparen säger att han ångrar mest att han gjorde. Det var Hitchcocks sista samarbete med skådespelerskan Ingrid Bergman, och filmens misslyckande - det största misslyckandet i regissörens hela karriär - innebar slutet för det kortlivade Transatlantic Company. Hitchcock fortsatte dock att producera sina egna filmer ända till slutet.

Den 3 januari 1949 undertecknade regissören ett kontrakt med Warner Bros. där han gick med på att göra fyra filmer på sex år för en total lön på 990 000 dollar.

I början av 1950-talet hade Lew Wasserman, dåvarande chef för MCA, som bland annat hade James Stewart och Janet Leigh som skådespelare i Hitchcockfilmer i sin kundkrets, ett stort inflytande på bilden av och marknadsföringen av regissörens filmer.

De filmer som Hitchcock regisserade och producerade från och med 1954 och The Crime was Almost Perfect betraktas allmänt som hans största mästerverk (denna storhetstid skulle sträcka sig in i början av det följande decenniet, fram till The Birds 1963).

Under påtryckningar från sina fordringsägare och Wasserman gick Hitchcock 1955 med på att låna ut sitt namn och sin bild till en tv-serie med namnet Alfred Hitchcock Presents (1955-1962) mot en lön på 129 000 dollar per 30-minutersavsnitt.

1950 återvände Hitchcock till Storbritannien för att regissera The Great Alibi (Stage Fright). För första gången parade Hitchcock Jane Wyman, en av Warner Bros största stjärnor, med den sensuella tyska skådespelerskan Marlene Dietrich. I rollistan finns också ett antal ledande brittiska skådespelare, däribland Michael Wilding, Richard Todd och Alastair Sim. Detta var regissörens första film som producerades av Warner Bros. som tidigare hade distribuerat The Rope, eftersom Transatlantic hade ekonomiska svårigheter.

Berättelsen påminner om regissörens tidigare filmer, som The 39 Steps (1935), Young and Innocent (1937) och Fifth Column (1942): Jonathan Cooper (Todd), en man som är förälskad i en skådespelerska och sångerska (hans vän Eve (Wyman) försöker nu hjälpa honom. Men här försöker sig filmskaparen på ett nytt experiment: filmen börjar med en tillbakablick som i slutändan visar sig vara missvisande. Filmen blev ingen succé, vilket Hitchcock förklarade med att publiken kände sig lurad av denna oortodoxa berättelse.

I början av 1950 upptäckte Hitchcock Patricia Highsmiths första roman, Strangers on a Train, och köpte rättigheterna till den den 20 april för 75 000 dollar. Regissören arbetade med synopsis tillsammans med Whitfield Cook i juni. Hitchcock bad först Dashiell Hammett att skriva dialogen, men Raymond Chandler, som föreslogs av Warner, tog på sig jobbet; Chandler genomförde dock inte projektet på grund av meningsskiljaktigheter mellan författaren och regissören. Hitchcock skulle senare förklara:

I Strangers on a Train kombinerar Hitchcock många element från sina tidigare filmer. Två män möts av en slump på ett tåg och diskuterar idén att göra sig av med den person som orsakar dem problem. Medan den första, en tennismästare (i boken är karaktären en arkitekt), bara skämtar, tar den andra historien på stort allvar. Med Farley Granger som återupptar delar av sin roll från The Rope fortsätter regissören i The Unknown att utforska de berättartekniska möjligheterna med utpressning och mord. Robert Walker, som hittills bara hade spelat rollen som en "välkopplad" ung man, är den "onda killen" här. Hans roll som en störande galning, alltför nära knuten till sin mor, föregår Perkins roll i Psycho; tyvärr dog Walker några månader efter filmens premiär. Hitchcock anförtrodde också en av de sekundära rollerna åt Patricia, "Pat", hans egen dotter, som då var 22 år gammal och som redan hade spelat en liten roll i The Great Alibi: i The Unknown spelar hon Barbara, "Babs", en ung flicka som inte direkt, men i önskan, blir offer för Bruno, rollfiguren som spelas av Walker, som är mordisk demenssjuk.

Strangers on the North-Express, som släpptes i mars 1951, blev en stor succé trots några klagomål från människor som var upprörda över de sexuella övertonerna och de explicita morden. Efter det misslyckade transatlantiska äventyret hade Hitchcock återfått allmänhetens och studiornas förtroende.

Redan på 1930-talet fanns idén om att anpassa pjäsen Nos deux consciences, ett katolskt drama skrivet 1902 av Paul Anthelme (mer än ett decennium senare fick han äntligen möjlighet att genomföra detta projekt). Berättelsen handlar om en präst vars samvete tvingar honom att ta på sig skulden för ett brott som begåtts av en annan, ett ganska känsligt tema. Småningom tar projektet för det som kommer att bli The Law of Silence (I Confess) form.

Med tanke på den katolska bakgrunden till berättelsen var det uteslutet att filma i USA. Handlingen förflyttades därför till Quebec där regissören och hans fru, efter att ha skrivit ett första utkast, åkte iväg för att rekognosera området. Regissören tvekade när det gällde valet av manusförfattare, tills Alma föreslog att han skulle anlita William Archibald, som hade visat sig vara en framgångsrik manusförfattare på Broadway; George Tabori deltog också i skrivandet. Montgomery Clift och Anne Baxter spelade de två huvudrollerna.

The Law of Silence släpptes i mitten av februari 1953. Filmen fick ett blygsamt mottagande, både av kritiker och publik. Senare förklarade Hitchcock för François Truffaut:

Hitchcock, som säkert av bekvämlighetsskäl alltid bedömde sina filmer efter hur de togs emot av publiken, gick så långt att han förklarade The Law som ett "misstag".

Den följdes av tre mycket populära filmer med Grace Kelly i huvudrollen, som kom att bli den arketypiska "Hitchcockblondinen".

1953 hade Hitchcock varit knuten till Warner Bros. i fyra år och hade ytterligare en film att göra. Han arbetade ett tag med en filmatisering av David Duncans roman The Bramble Bush, men gav till slut upp. Regissören upptäckte då att studion hade köpt rättigheterna till en framgångsrik Broadwaypjäs, Dial M for Murder, skriven av Frederick Knott.

The Crime Was Almost Perfect markerade Hitchcocks återgång till Technicolor, men den experimenterade också med en process som var på modet vid den tiden, 3D-film, i stereoskopisk relief och polariserad ljusprojektion, vilket krävde att publiken använde speciella glasögon. Filmen släpptes dock inte ursprungligen i detta format, utan visades i 3D i början av 1980-talet. Hitchcock övervägde att låta Cary Grant och Olivia de Havilland spela makarna, men studiorna vägrade att göra det. Regissören anlitade därför en ung skådespelerska som hittills bara hade gjort tre filmer: Grace Kelly. Hon skulle bli hans favoritskådespelerska och en god vän. I The Crime spelas rollen som "skurk", som skiljer sig mycket från Bruno i Strangers on a Train, av Ray Milland. Han är en lömska och beräknande dandy, en före detta professionell tennisspelare (en aktivitet som hjälten

Hitchcock utnyttjar skickligt pjäsens inte mindre smarta knep och när filmen släpptes hyllades The Crime Was Almost Perfect som en "stor" Hitchcock.

Vid tiden för inspelningen av The Crime was Almost Perfect skrev Lew Wasserman, Hitchcocks agent, på ett kontrakt om nio filmer med Paramount, varav den första skulle bli en adaption av en novell av Cornell Woolrich - en pseudonym till William Irish - med titeln It Had to be a Murder, som skulle bli Rear Window (1954). För att skriva manuskriptet anlitade Hitchcock John Michael Hayes, en före detta journalist, som också skulle komma att samarbeta vid skrivandet av hans tre följande filmer.

I Rear Window spelar James Stewart och återigen Kelly huvudrollerna; i birollerna finns Thelma Ritter och Raymond Burr. Historien utspelar sig i New York. En fotograf (Stewart, en karaktär baserad på Robert Capa), som efter en olycka har gips och sitter i rullstol, blir besatt av att observera invånarna i en byggnad som är åtskild från hans egen genom en innergård. Så småningom börjar han misstänka att en av dessa grannar (Burr) har dödat hans fru och från och med nu försöker han få både sin modellflickvän (Kelly) och en poliskompis (Wendell Corey) att dela hans rädsla. Så småningom gör han det, och The Rope spelas in nästan helt och hållet i ett litet utrymme, fotografens lilla lägenhet, som ändå har en imponerande utsikt över gården och byggnaden mittemot. Hitchcock använder närbilder av Stewarts ansikte för att visa karaktärens reaktioner på allt han bevittnar, från road voyeurism vid till synes oskyldiga scener, till hans hjälplösa skräck när han ser sin fästmö, som har brutit sig in i den misstänkta lägenheten, hotad av den förmodade mördarens plötsliga och oväntade ankomst.

När filmen släpptes blev den en stor succé och fick fyra Oscarsnomineringar, bland annat för bästa regissör, men ingen.

Hitchcock hade ännu inte släppt Rear Window och var redan upptagen med ett annat projekt. Paramount bad honom att regissera filmatiseringen av To Catch a Thief, en roman av David Dodge. Regissören var mycket nöjd med Hayes som manusförfattare och anlitade honom igen. Hayes var dock inte alls bekant med södra Frankrike, vilket regissören genast rättade till:

I slutet av april 1954 var manuset klart och inspelningen började i början av maj.

Hitchcocks tredje och sista film med Grace Kelly, To Catch a Thief (1955) är en kriminalkomedi som utspelar sig på den franska rivieran och har Cary Grant i huvudrollen. John Williams var återigen med i rollistan, tillsammans med fransmännen Brigitte Auber och Charles Vanel (som inte talade engelska). Grant spelar John Robie, känd som "the Cat", en berömd "pensionerad" inbrottstjuv som blir huvudmisstänkt i en serie rån på Rivieran. En amerikansk arvtagerska (Kelly) avslöjar mysteriet om hans sanna identitet, försöker förföra honom med sina egna juveler och erbjuder sig till och med att hjälpa honom i hans kriminella planer ...

Premiären ägde rum i New York den 15 augusti 1955. Enligt regissören är La Main au collet en "lätt film". Detta var kritikernas allmänna åsikt, men de pekade också på filmens styrkor och charm. Publiken är mycket nöjd. "Trots den uppenbara åldersskillnaden mellan Grant och Kelly och en ganska tunn handling, garanterar det kvicka manuset (fullt av dubbla betydelser) och skådespelarnas godmodiga prestationer i slutändan att filmen blir en kommersiell succé." Detta var det sista samarbetet mellan Hitchcock och Grace Kelly, eftersom hon gifte sig med prins Rainier av Monaco 1956, vilket tvingade henne att avsluta sin skådespelarkarriär.

År 1955 var också Hitchcocks debut i amerikansk tv via sitt produktionsbolag Shamley Productions, med en serie mer eller mindre makabra berättelser som producerades för CBS och som bar hans namn: Alfred Hitchcock Presents. Hitchcock producerade 268 avsnitt (varav han regisserade 18) mellan året då programmet skapades och 1962 och presenterade det själv. Från 1962 till 1965 bytte serien namn till Suspicion för 93 avsnitt.

Regissören gav dock inte upp sin filmkarriär. 1950 hade han läst Jack Trevor Historys roman The Trouble with Harry. Innan han åkte för att filma The Trouble with Harry bad han Hayes att arbeta med filmatiseringen. Rättigheterna köptes för 11 000 dollar, trots att Paramounts läsarkommitté fyra år tidigare hade gett romanen ett negativt omdöme, då de ansåg att humorn var för tunn, lite bisarr och karaktärerna lite för utomjordiska.

Men Vem dödade Harry? följer vägen för en död kropp, som en liten pojke först snubblar över. Pojken springer för att leta efter sin mamma. Samtidigt upptäcker en gammal jägare kroppen och tror att han har dödat honom. Andra personer som konfronteras med den döda kroppen tror i sin tur att de har något att göra med dess tillstånd; av olika skäl begravs och grävs liket upp flera gånger. Hitchcock var upptagen med inspelningen av The Hound och kunde inte ta hand om skådespelarna. Herbert Coleman, hans medproducent, tog hand om rollbesättningen, och Shirley MacLaine, för vilken detta var det första framträdandet på vita duken, och John Forsythe valdes ut för de två huvudrollerna. Filmen spelades in delvis på plats i Vermont och delvis i studion i Hollywood. Harry var också första gången som kompositören Bernard Herrmann arbetade med en Hitchcock-film.

Hitchcock anförtrodde sig till François Truffaut:

När filmen släpptes var regissören redan upptagen med att göra sin nästa film, som hade hans fulla uppmärksamhet. Paramount visste inte vad de skulle göra med Harry och marknadsförde honom inte ens. I USA var filmen av måttligt intresse för allmänheten. I Europa däremot fick den ett mycket gott mottagande, särskilt i Storbritannien och Frankrike, där den fick mycket positiva recensioner och till och med stannade kvar på biograferna i sex månader.

Den makabra humorn i "Men vem dödade Harry" återfinns på tv i de introduktioner och slutsatser som mästaren själv ger i varje avsnitt av sin serie Alfred Hitchcock Presents.

I slutet av 1954 hade Hitchcock just avslutat sin fjärde film på sjutton månader, men en paus var utesluten. Han tänkte på en av sina succéer från den brittiska perioden, The Man Who Knew Too Much (1934), som han redan 1941 hade övervägt att göra en ny version av, när han hade kontrakt med Selznick. Slutligen, för första och sista gången i sin karriär, bestämde han sig för att göra en remake av sin egen film.

För att skriva omgången av Mannen som visste för mycket vände sig Hitchcock återigen till Hayes. Regissören, som bad manusförfattaren att inte se originalet, berättade helt enkelt historien: en spion mördas och berättar för en läkare, som han träffat dagen innan, att en attack förbereds. Läkaren och hans fru blir indragna i en internationell konspiration och tvingas hålla tyst för att rädda sin son som hålls som gisslan. Hitchcock erbjöd huvudrollen till James Stewart, för vilken detta var det tredje samarbetet med regissören, efter The Rope och Rear Window. När det gäller hustruns roll, en före detta sångerska i filmen, gavs den till Doris Day, som Hitchcock hade upptäckt några år tidigare i Storm Warning. Filmen spelades in i London och Marrakech. När det gäller musiken fick Herrmann återigen hjälp; man kunde se honom dirigera Londons symfoniorkester under den uppslitande slutscenen i Royal Albert Hall.

De sista bilderna togs i Paramount Studios i juli 1955. Filmen blev den mest inkomstbringande filmen 1956. Låten Whatever Will Be, Will Be, skriven av Jay Livingston och Ray Evans, vann Oscar för bästa originalsång och blev en stor hit för Doris Day. Om den andra versionen av Mannen som visste för mycket skulle Hitchcock senare säga:

The Wrong Man (1957) var Hitchcocks sista film för Warner Bros.

The False Guilty är inte en thriller utan ett drama som bygger på en sann historia, ett justitiemord som rapporterades av Life Magazine 1953. Ämnet behandlas på ett realistiskt, nästan dokumentärt sätt. Henry Fonda spelar en musiker på Stork Club i New York som misstas för den som utfört flera rån på samma försäkringsbolag. Han arresteras för ett brott som han är oskyldig till. Hans fru (Vera Miles, som gör sitt första framträdande i en film av regissören) uppmanar honom att bevisa sin oskuld innan rättegången äger rum, men hon klarar inte av att stå ut med den stress som situationen innebär och faller, på ett sätt som verkar vara oåterkalleligt, i en depression. Regissören ger The False Guilty en särskild plats och ersätter sin vanliga cameo med en introduktion av honom själv med voice-over i början av filmen:

Liksom i Tystnadens lag, en annan av regissörens "seriösa" filmer, frammanas katolicismen: vissa bilder visar den falska gärningsmannens rosenkrans, och det är efter en bön av den senare framför Kristusbilden som den riktiga gärningsmannen avslöjas. Filmen fick ett blandat mottagande av publiken. Hitchcock berättade senare för Truffaut att han drevs till att göra filmen av sin livslånga rädsla för polisen, vilket återspeglas i många scener, bland annat en där Fondas karaktär förklarar sin prövning för sin son, vilket i omvänd ordning är ett eko av en traumatisk episod som regissören upplevde som barn.

Några år tidigare hade Hitchcock intresserat sig för romanen Celle qui n'était plus av fransmännen Pierre Boileau och Thomas Narcejac, men boken hade undgått hans uppmärksamhet och till slut var det Henri-Georges Clouzot som förde den till film, under titeln Les Diaboliques, som släpptes 1955. Efter The False Guilty tänkte Hitchcock anpassa From the Dead, ett annat verk av paret.

När han skrev det som skulle bli Cold Sweat (Vertigo, 1958) fick han vända sig till inte mindre än tre författare innan han var nöjd med manuskriptet. Den sista av dessa, Samuel Taylor, skulle senare erkänna att han hade arbetat utan att läsa det första manuset eller ens den ursprungliga romanen, utan hade helt enkelt följt regissörens instruktioner för att koncentrera sig på huvudpersonen. Regissören anställde James Stewart som den manliga huvudrollen. För rollen som den hemsökande unga kvinnan ville Hitchcock till en början ha Vera Miles, vars prestation i hans tidigare film hade varit utmärkt, men eftersom hon var gravid tvingades hon tacka nej. Studion hittade sedan en ersättare för henne i Kim Novak, som fick en av sina bästa roller här.

Även om den handlar om ett mord är Cold Sweat inte i egentlig mening en kriminalfilm, utan, enligt regissören själv, "en kärlekshistoria med en märklig atmosfär". Stewart är Scottie, en före detta polisutredare som lider av akrofobi och som blir alltmer besatt av en mystisk ung kvinna (Novak) som han leds av att följa. Scotties oöverstigliga svindel och besatthet leder till en tragedi. Senare träffar han en annan ung kvinna som har en slående likhet med den försvunna kvinnan. Filmen slutar utan ett lyckligt slut. Filmen hade premiär i Spanien på filmfestivalen i San Sebastian, där Hitchcock fick silverkonjaken. Även om Cold Sweat ofta anses vara en klassiker idag fick den negativa recensioner och ett ljummet mottagande av allmänheten när den släpptes, och markerade det sista samarbetet mellan James Stewart och regissören. Filmen anses nu av många vara en av regissörens bästa filmer och är en av de främsta filmerna under decenniet i Sight and Sound's lista över decenniets bästa filmer. Tillsammans med Psycho var den en av Brian De Palmas favoritreferenser för hans filmiska omläsning av Hitchcocks verk under 1970- och 1980-talen.

1958 fick Hitchcock veta att hans fru Alma hade bröstcancer. Året därpå medverkade han i Tactic, ett tv-program om förebyggande av bröstcancer. Alma botades genom en experimentell behandling.

Hitchcock hade vid det laget filmat i många delar av USA, och tre framgångsrika filmer följde, som alla anses vara bland hans bästa filmer: North by Northwest (1959) och The Birds (1963). Den förstnämnda tar upp temat om "allmogen" som fångas upp i en spiral, orättvist åtalas och tvingas rentvå sitt namn så gott han kan.

I North By Northwest spelar Cary Grant Roger Thornhill, en reklamchef på Madison Avenue som bara har haft ett möte med sin excentriska mor, och som genom en kombination av omständigheter plötsligt blir måltavla för en mystisk organisation. Han träffar den attraktiva blondinen Eve Kendall (Eva Marie Saint) som förför honom innan hon leder honom in i en fälla... Originalmanuset skrevs av Ernest Lehman. För slutscenen fick Hitchcock idén att använda Mount Rushmore, en skyddad plats, som scen. Den 17 september 1958 fick han äntligen tillstånd från det amerikanska inrikesministeriet att använda modeller av de berömda skulpturerna som föreställer fyra presidenters ansikten. Filmens eftertexter (ett område där Hitchcock hade gjort sin debut), liksom för Cold Sweat, utformades av grafikern Saul Bass, och Herrmann, som sedan Harry hade blivit Hitchcocks ordinarie kompositör, skrev under vad som skulle bli en av hans mest berömda filmmusik.

Decenniet inleddes med två filmer som allmänt anses vara höjdpunkten i regissörens konst, Psycho (1960) och The Birds (1963). Filmerna som följde var mindre personliga och kanske också mindre ambitiösa. Åldern började ta ut sin rätt, filmen var i kris på grund av televisionen i hemmen och Hitchcock hade förlorat två av sina närmaste medarbetare: Bernard Herrmann, kompositören, och Robert Burks, filmfotografen. De filmer som gjordes efter No Springtime for Marnie (1964) hade inte samma dimension som filmerna från regissörens "guldålder".

För att skriva Psycho, som skulle bli en av höjdpunkterna i regissörens filmografi och av vissa anses vara hans mästerverk, vände sig Hitchcock till Joseph Stefano, en nybörjare på manuskriptskrivande. Det börjar med att Marion Crane (Janet Leigh), som är anställd av ett försäkringsbolag och som är indragen i en svår kärleksaffär, stjäl några pengar och agerar på ett infall. Hon flyr i sin bil, som hon byter in mot en begagnad bil efter att ha stoppats av en polis. Hon överraskas av ett åskväder och bestämmer sig för att tillbringa natten på ett motell, där gästerna verkar ha övergivits och där hon träffar ägaren, Norman Bates (Anthony Perkins), en ung man som är sympatisk men reagerar lite märkligt. Han bor med sin överdrivet besittningslystna mamma i ett gammalt hus i närheten. Hans samtal med Norman övertygar Marion att lämna tillbaka de stulna pengarna. Medan hon duschar mördas den unga kvinnan brutalt och våldsamt i en berömd scen. När det väl är fastställt att pengarna och den unga kvinnan har försvunnit ger sig en privatdetektiv (Martin Balsam) och Marions älskare och syster (Vera Miles) ut för att hitta henne... Patricia Hitchcock, regissörens dotter, spelar också en liten roll. För filmen skrev Herrmann återigen ett mycket inspirerat musikstycke, som följer bilderna (särskilt knivhuggen) och förutser tittarens känslor perfekt. För att marknadsföra filmen insisterade Hitchcock på att biljettkassan, i motsats till tidigare praxis, inte skulle släppa in fler personer när filmen väl hade börjat, vilket samtidigt hade som effekt att väcka allmänhetens nyfikenhet.

När filmen släpptes i USA fick den ett dåligt mottagande av kritikerna, som ansåg att den inte kunde mäta sig med The Hitchcock Thriller, Cold Sweats, North by Northwest och andra Hitchcockfilmer. Den troliga orsaken till detta är att journalisterna inte tyckte om att se filmen på bio. Filmen mottogs dock väl av publiken och spelade in 40 000 000 dollar. Vissa tittare, som var vana vid att se en ganska rolig Alfred Hitchcock på tv, chockades av filmens oväntade våld. Hitchcock, som var tvungen att förklara sig, sa i en intervju att Psycho var "bara ett skämt". Samtidigt gladde han sig åt dess framgång. I Europa hyllades filmen av både kritiker och publik. Det oöverträffade våldet i duschscenen, hjältinnans brutala försvinnande efter bara några scener, de oskyldiga liv som förkortas av en galen mördare, allt detta är karakteristiskt för Psycho och kopierades senare i många skräckfilmer. (Se nedan, inflytande på genrefilmer)

Efter att ha slutfört Psycho gick Hitchcock till Universal, som han gjorde alla sina andra filmer för.

Hitchcock hade stora svårigheter att hitta ett nytt ämne. Han började arbeta med Joseph Stefano på manuset till No Springtime for Marnie, en film som skulle innebära att regissörens favoritskådespelerska Grace Kelly skulle återvända till filmduken: trots att hon hade blivit prinsessa av Monaco var hon till en början beredd att tacka ja, men till slut avböjde hon erbjudandet. Besviken men inte avskräckt vände sig regissören till att för sin 49:e långfilm anpassa The Birds, en novell av Daphne du Maurier som publicerades 1952 i kvinnotidningen Good Housekeeping. Först tänkte han göra en Alfred Hitchcock-film av det, men efter att ha hört att en kvinna i Kalifornien faktiskt hade blivit attackerad av fåglar bestämde han sig, trots svårigheterna och säkert delvis på grund av dem, för att göra det till ämnet för sin nästa långfilm.

Om The Birds kommer regissören att säga:

Stefano, som då producerade serien Beyond the Real, var inte tillgänglig, så Hitchcock letade efter en annan författare. Efter att ha övervägt flera kandidater, bland annat Ray Bradbury, vände sig regissören till Evan Hunter (som skulle bli känd under pseudonymen Ed McBain), som genast tackade ja. Framgången med Psycho trots avsaknaden av stora stjärnor gjorde att Hitchcock även skulle klara sig utan dem för The Birds. Efter flera försök med flera skådespelerskor valde han till slut en okänd, Tippi Hedren, för huvudrollen. Från och med då anslöt hon sig till Ingrid Bergman och Grace Kelly i den slutna kretsen av "Hitchcock-blondiner". Hennes partner är Rod Taylor, Suzanne Pleshette och Jessica Tandy. Filmen börjar i en fågelbutik med ett slumpmässigt möte och en förförelse mellan en tidningsdirektörs dotter, Melanie Daniels (Hedren), och en advokat, Mitch Brenner (Taylor). Den senare vill ge sin lillasyster ett par turturduvor. Efter episoden bestämmer sig Melanie impulsivt för att träffa mannen igen, trots att mötet gick ganska dåligt. Melanie bor faktiskt med sin mor och syster i ett isolerat hus på en liten ö i Bodega Bay, en plats ganska långt från hennes hem. Snart blir platsen måltavla för fågelattacker av alla slag, vars orsak inte förklaras i filmen, "utan tvekan för att understryka de okända krafternas mysterium".

Regissören har en mycket bekvämare budget än för sin tidigare film, 2 500 000 dollar, pengar som främst kommer att användas till specialeffekter, som är föremål för särskild omsorg. Sekvenserna där fåglarna attackerade krävde hundratals tagningar, där verkliga scener blandades med animation. Inspelningen började den 5 mars 1962 och allt var minutiöst planerat eftersom Hitchcock inte gillade exteriörer, eftersom det var svårt att kontrollera ljuset och ljudet i synnerhet. I ljudspåret ersattes musiken av effekter som bland annat bestod av inspelningar av fågelkvitter och vingslag, som Herrmann övervakade distributionen av i de olika scenerna. Med en stor budget och en film som han själv ansåg vara "den viktigaste" kunde Hitchcock inte göra någon besviken.

The Birds visades för första gången vid öppnandet av filmfestivalen i Cannes 1963, utanför det officiella urvalet. Publiken lämnade filmvisningen chockad: "Det är inte frigivningen av några duvor som är godmodiga eller charmen hos Tippi Hedren som kan mildra det skräckintryck som uppstod vid visningen av hennes film The Birds. I USA spelade filmen in totalt 11 403 559 dollar, vilket inte var lika bra som förväntat, men det var tillräckligt för att lugna regissören. The Birds var den 16:e mest populära filmen 1963. Idag anses filmen vara en klassiker inom skräckfilmen.

Psycho och The Birds är särskilt kända för sina ovanliga soundtracks, båda orkestrerade av Bernard Herrmann. De skrikiga strängarna i den första mordscenen i Psycho var en nyhet på den tiden. I "The Birds" däremot har man valt bort konventionella musikinstrument och använder istället ett elektroniskt producerat soundtrack, som endast förstärks av skolbarnens ensamkommande sång strax före attacken mot den riktiga skolan i Bodega Bay. Det bör också noteras att Santa Cruz senare angavs vara den plats där fågelfenomenet först uppstod. Dessa filmer anses vara Hitchcocks sista stora filmer. Vissa kritiker, som Robin Wood och Donald Spoto, anser dock att No Springtime for Marnie, som släpptes 1964, är ett av Hitchcocks viktigaste verk, och andra, som Claude Chabrol, anser att Frenzy är orättvist underskattad.

När hans hälsa försämrades var Hitchcock tvungen att minska sin produktion under de två sista decennierna av sin karriär. Han har gjort två spionerier som utspelar sig i det kalla kriget. Den första, Torn Curtain (1966), har Paul Newman och Julie Andrews i huvudrollerna.

The Torn Curtain utspelar sig huvudsakligen i DDR, med Paul Newman och Julie Andrews i huvudrollerna. Den markerar det ganska sorgliga slutet på det tolvåriga samarbetet mellan Hitchcock och kompositören Bernard Herrmann. Hitchcock var missnöjd med Herrmanns musik och ersatte honom så småningom med John Addison. Filmen släpptes i USA den 27 juli 1966.

Den 5 november kommer Le Cinéma selon Hitchcock, utgiven av Éditions Robert Laffont, att finnas i bokhandeln i Paris. I den här boken, som är resultatet av en rad intervjuer med François Truffaut, kritiker och själv regissör, berättar Hitchcock om sitt sätt att arbeta.

Hitchcocks nästa film, Topaz, var anpassad efter en roman av Leon Uris (författare till Exodus).

Berättelsen börjar i Danmark och fortsätter i USA, Kuba och Frankrike. Frederick Stafford anlitades för huvudrollen; resten av den ganska brokiga rollbesättningen bestod av John Forsythe och fransmännen Dany Robin, Claude Jade, Michel Subor, Philippe Noiret och Michel Piccoli. I slutet av inspelningen gjordes som vanligt provvisningar som visade sig vara katastrofala: filmen ansågs oftast för lång och tråkig och slutet, en duell mellan Devereaux (Stafford) och Granville (Piccoli), var löjligt. Som ett resultat av detta klipptes vissa scener bort, andra förkortades, andra påskyndades, och två valfria slut erbjöds: det ena visar Devereaux gå ombord på ett flygplan och Granville gå ombord på ett annat plan på väg till Sovjetunionen, och det andra, som är ganska platt, visar, eller snarare antyder (skådespelarna är inte längre tillgängliga för att spela in andra scener), Granvilles självmord: en man ses smyga in i ett hus och sedan hörs ett skott. Det var detta senare slut som bibehölls i 1969 års biografversion. National Board of Review gav ändå Hitchcock priset för bästa regissör för denna film.

Liksom The Torn Curtain fick The Vise ett blandat mottagande av kritikerna.

1970-talet

Efter misslyckandet med The Torn Curtain och The Vise återvände Hitchcock till framgång 1972 med Frenzy, som spelades in i Storbritannien. År 1976 fick Family Plot kritikerkommentarer.

Den grundläggande berättelsen är en återanvändning av en av hans stumfilmssuccéer, The Lodger. Richard Blaney (Jon Finch), en lynnig och lättretlig bartender, blir huvudmisstänkt i fallet "Tie Murders", där den verkliga gärningsmannen är hans vän Bob Rusk (Barry Foster), en fruktförsäljare.

Den här gången gör Hitchcock de "oskyldiga" och de "onda" till tvillingar i stället för att ställa dem mot varandra, vilket var fallet i Strangers on a Train. Endast en av dem har dock brutit barriären och blivit en mördare. För första gången tar Hitchcock upp de tidigare tabubelagda ämnena nakenhet och grovt språk i en av sina filmer. Han visar också en sällsynt sympati för kommissarien och en rolig aspekt av hans privatliv. Frenzy blev en stor framgång och intäkterna översteg Psychos intäkter.

Vissa biografer har påpekat att Hitchcock alltid tänjde på censurens gränser och ofta lyckades lura den man som länge hade ansvaret för att upprätthålla Hays-koden i Hollywood: Joseph Breen. Vid många tillfällen lyckades Hitchcock faktiskt smyga in subtila anspelningar på det som censuren fördömde fram till mitten av 1960-talet i sina filmer. Enligt Patrick McGilligan lät sig Breen och andra vanligtvis inte luras av dessa övertoner och var i själva verket lika roade av dem som de var oroade över de "oundvikliga slutsatser" som bara kunde dras av vissa scener. Det var inte förrän i The Torn Curtain som Hitchcock äntligen kunde inkludera handlingselement som tidigare varit förbjudna i amerikanska filmer, och detta förblev fallet under resten av hans karriär.

1974, samma år som han drabbades av en hjärtattack och tvingades bära en pacemaker, hölls en hyllning till regissörens karriär den 29 april av Film Society i New Yorks Lincoln Center.

Family Plot (1976) var den sista filmen som gjordes av Hitchcock, som var nästan åttio år gammal.

Filmen följer äventyren med Madame Blanche Tyler (Barbara Harris), ett falskt medium, och hennes taxichaufför som älskar henne (Bruce Dern), som fortfarande har för avsikt att tjäna pengar på hennes så kallade krafter. William Devane, Karen Black och Cathleen Nesbitt finns också med i rollistan. Detta är den enda Hitchcock-filmen där John Williams har skrivit musiken. Filmen, med ett felfri manus av Lehman, är konsekvent rolig och känns som en begåvad ung nykomling.

På ett sätt som förmodligen inte är obetydligt slutar Family Plot med en blinkning som via Blanche riktar sig till filmens åskådare och, kan man tänka sig, till åskådarna av alla "mästarens" filmer.

I början av 1970-talet funderade Hitchcock på att göra en film, The Short Night, baserad på historien om spionen George Blake som 1966 rymde från ett fängelse i London och sedan flydde till Sovjetunionen.

Han förvärvade rättigheterna till två böcker om historien. Hitchcocks relation med James Costigan, den första manusförfattaren som anlitades för projektet, var ganska stormig; regissören sparkade honom och anlitade sin tidigare medarbetare Ernest Lehman, författare till manuskriptet till North By Northwest och Family Plot. Lehman skrev flera versioner av berättelsen, men ingen av dem var tillfredsställande för Hitchcock, och de två vännerna blev osams. Hitchcock vände sig sedan till Norman Lloyd, en annan tidigare medarbetare och vän, men det gick inte bättre. Efter att ha arbetat ensam med filmatiseringen under en tid gick Hitchcock med på att samarbeta med en fjärde manusförfattare, David Freeman, som tog sig an uppgiften i slutet av 1978.

Mellan december 1978 och maj 1979 träffades Hitchcock och Feeman regelbundet i regissörens kontor på Universal Studios. Direktörens försämrade hälsa gjorde Feemans arbete svårt. Hitchcock led av artrit. Det orsakade honom intensiv smärta i knäna, utan tvekan för att lindra hans lidande. Regissörens moraliska svårigheter förvärras av oron för hans hustru Almas hälsa. Precis när manuset höll på att bli färdigt fick Hitchcock veta att American Film Institute (AFI) ville ge honom en utmärkelse för sitt livsverk. Hitchcock, som inte alls var smickrad, såg detta som ett förebud om sin död och fick panik. Han gick ändå till ceremonin.

Den 3 januari 1980 fick han besök av den brittiska konsuln som kom för att meddela att han utnämnts till riddare av det brittiska imperiet. Efter sin riddartitel beslöt Hitchcock på ett mycket dåligt sätt att sluta filma The Short Night för gott; han informerade Universal direkt och Hitchcocks kontor stängdes. Manuset till The Short Night publicerades så småningom i en bok om regissörens sista dagar. Hitchcock stannade hemma ett tag, men återvände sedan till studion då och då.

Alfred Hitchcock dog den 29 april 1980 vid 80 års ålder i sitt hem Bel Air i Los Angeles, Kalifornien, av njursvikt. Han dog i sömnen, omgiven av sin familj. Han efterlämnar sin hustru Alma Reville, deras enda dotter Patricia och tre barndöttrar Mary Alma, Teresa och Kathleen. Kroppen kremeras. En ceremoni utan kista hölls i den katolska kyrkan Good Shepherd i Beverly Hills.

Alfred Hitchcocks aska kommer att spridas i Stilla havet.

Under sina tidiga år påverkades Alfred Hitchcock mycket av teatern, förutom av filmen. Hans allra första filmer var i själva verket mestadels adaptioner av pjäser. Han anförtrodde ofta framgångsrika dramatiker att skriva sina manuskript. Liksom många engelsmän var han också mycket förtjust i detektiv- och mysterielitteratur (Poe var en av hans favoritförfattare) och en fan av olika händelser (särskilt Dr Crippens historia fascinerade honom). Som tonåring deltog han ofta i rättegångar i Old Bailey och kunde, vilket han senare hävdade, läsa upp stora delar av berömda fallbeskrivningar.

När det gäller film har Alfred Hitchcock själv hävdat att han påverkats av tysk stumfilm, expressionistisk film eller post-expressionistisk film. Bland de regissörer som påverkade honom fanns Friedrich Wilhelm Murnau - på 1920-talet deltog Hitchcock i inspelningen av De sista människorna i Tyskland - och Fritz Lang, vars verk han nämner som influenser, De tre ljusen (enligt Claude Chabrol beror en stor del av Hitchcocks arbete också på Spionerna (1928). Dessa influenser är inte bara märkbara i några av Hitchcocks stumfilmer, som The Lodger (1927), utan även i många av hans senare verk. Ett konkret exempel på Murnaus inflytande är sekvensen i Dawn (1927) där "mannen", efter att ha gått genom en skog, går till "kvinnan från staden", vilket i efterhand påminner om den inledande sekvensen i Rebecca (Hitchcocks smak för sekvenser i synnerhet, och teknik i allmänhet, kommer otvivelaktigt från Murnau). Ett konkret exempel på Langs inflytande: i början av Den förbannade (1931) väntar mamman på sin lilla flicka och väntar desperat på att hon ska komma tillbaka på trappan. En av bilderna visar en strikt vertikal vy av trapporna, vilket kan jämföras med de två scenerna som visar uppstigningen till kyrktornet i Cold Sweat (1958).

Enligt vissa kritiker kan Cecil B. DeMille ses som ett annat stort inflytande på Hitchcock. När Hitchcock inledde sin filmkarriär var DeMille en av de viktigaste regissörerna inom världskonsten. DeMille var uppfinnaren av vad som kallas "omgiftekomedier", där gifta par separeras och sedan återförenas. Hitchcocks komedi Matrimonial Joys (1941) bygger på detta mönster, som också återfinns i några av "spänningsmästarens" andra filmer, där paren krockar innan de återförenas (North by Northwest, 1959...). Utöver detta ett konkret exempel på DeMilles inflytande på Hitchcock - eller är det en slags hyllning?  - i den andra delen av den stumma versionen av De tio budorden (1923), närmare bestämt i scenen som visar mordet på den spetälska "vampyren" som har flytt från ön Molokai, när hon befinner sig bakom en gardin som hon klamrar sig fast vid när berättelsens "Kain" skjuter på henne. Scenen avslutas med en bild av gardinen som gradvis faller ner när kvinnan faller ihop, en bild som man ser i den berömda duschscenen i Psycho (1960) (se även logotypen nedan).

Skriva

När han fick frågan om sitt arbete förklarade Hitchcock: "Författaren och jag planerar hela manuset in i minsta detalj, och när vi är klara är allt som återstår att göra att spela in filmen. Det är faktiskt först när man går in i studion som man kommer in i kompromisszonen. I själva verket är det författaren som har den bästa rollbesättningen, eftersom han inte behöver ta hand om skådespelare och allt annat." I en intervju från 1969 säger Hitchcock: "Så snart manuskriptet är klart kan jag lika gärna låta bli att göra filmen alls... Jag har ett mycket visuellt sinne. Jag har ett mycket visuellt sinne, och i mitt huvud visualiserar jag en film ända fram till slutklippningen. Jag skriver ner allt detta i detalj i manuskriptet och när jag sedan filmar tittar jag inte alls på det. Jag kan den utantill, precis som det inte är nödvändigt för en dirigent att titta på partituret... När man är klar med manuskriptet är filmen perfekt. Men under tillverkningen förlorar man kanske fyrtio procent av sin ursprungliga uppfattning."

I Hitchcocks filmer skrivs ofta manuskriptet utifrån scenidéer. Till exempel paraplyscenen eller vindkraftsscenen i Correspondent 17 (1940), som Hitchcock tänkte ut innan han ens tänkte på historien eller karaktärerna, eller scenen med det sprutande flygplanet i North By Northwest (1959), som kom från idén, eller utmaningen, att en spännande scen skulle utspelas, inte som vanligt, på en instängd, kvävande plats, utan i ett helt öppet, tomt utrymme i det öppna landet. Berättelserna i de filmer där karaktärerna utvecklas på kända platser (Frihetsgudinnan i Fifth Column (1942), FN:s högkvarter eller Mount Rushmore i North by Northwest...) är alltså på något sätt och delvis en förevändning för att använda dessa platser som miljö. David Freeman, den siste manusförfattaren som samarbetade med Hitchcock, var till en början ganska förvirrad över regissörens metod: "Först bestämmer man vad karaktärerna ska göra, sedan ger man dem karaktärsdrag som gör deras beteende trovärdigt. Hitchcock kritiserades i flera år för att han betonade formen framför innehållet. Hans arbetssätt bekräftade denna kritik. Tricket var att hans analys av karaktärerna var så grundlig och genomträngande att det räckte för att ge dem liv i hans filmer.

Narrativa processer

För att förklara vad en "MacGuffin" är berättar regissören ofta samma roliga historia:

"MacGuffin" är en viktig del av handlingen, materiell eller inte, oftast mystisk, som i själva verket bara tjänar som en förevändning för att utveckla scenariot och som dessutom inte har någon egentlig betydelse. Termen sägs ha använts för första gången av Angus MacPhail, Hitchcocks manusförfattare och vän. Hitchcock och hans manusförfattare skulle använda sig av processen i många filmer. "MacGuffin" är ibland, kanske på ett demonstrativt sätt, ganska bisarrt. I en intervju med Truffaut sade Hitchcock om filmen North By Northwest: "Den bästa McGuffin vi använde, och med bästa menar jag den mest tomma, den mest meningslösa och den mest absurda, är den som förekommer i North By Northwest... McGuffin är reducerad till sitt enklaste uttryck: ingenting alls.

I The 39 Steps (1935) är "MacGuffin" en serie planer som spioner har stulit och som i själva verket består av några få meningar som Memory har behållit; i A Woman Disappears (in Correspondent 17) (1940) är det en klausul i ett avtal som en nederländsk politiker tydligen är den enda som känner till; i The Chained Ones (1946) är det en kemisk förening som är gömd i vinflaskor. En av "MacGuffins" i North By Northwest (1959) består av mikrofilmer gömda i en statyett som innehåller "regeringshemligheter". Detta är den enda förklaring som vi får... Hitchcock såg detta som sin bästa "MacGuffin", "den mest obefintliga, den mest hånfulla". MacGuffins betydelse minskar successivt under filmens gång tills den ibland inte har någon betydelse alls, eftersom tittaren dras in i karaktärerna och deras sätt att reagera på de händelser som skapas av processen.

Enligt vissa finns den första "MacGuffin" i Hitchcocks film redan i The Lodger (1927), med karaktären "Avenger", mördaren, som aldrig syns på filmduken. En annan "MacGuffin"-karaktär är naturligtvis den mystiska Kaplan i North By Northwest, som helt enkelt inte existerar. I den här filmen kan scenen med diskussionen mellan de amerikanska agenterna till och med ses som en projektion av ett möte mellan regissören och författarna där de diskuterar vilken vändning de ska ta i berättelsen. Den person som spelas av Leo G. Carroll, som verkar ge instruktioner, representerar då på sätt och vis manusförfattaren, i vilken en ny idé till ett äventyr har uppstått, som han kommer som ett "himmelskt sändebud", i själva verket, för att föreslå hjälten.

Hitchcock roade sig alltid när författare eller producenter argumenterade om den exakta karaktären av MacGuffin, som han gjorde med The Chained Ones; han sa: "Folk som argumenterar om MacGuffin gör det för att de är oförmögna att analysera karaktärerna.

Jean Douchet anser att spänningen är "den viktigaste definitionen av Hitchcocks arbete" och definierar den som "utspädningen av en nutid som fångas mellan två motsatta möjligheter i en nära förestående framtid". Enligt Douchet "uppstår ångest genom att aktörerna eller åskådarna är splittrade, slits mellan hoppet om frälsning och rädslan för det oåterkalleliga mellan liv och död. Den är alltså en funktion av konfliktens längd, av dess utbredning. Det skärper vår tidsuppfattning.

Spänning måste skiljas från överraskning eller chock. I Hitchcocks filmer uppnås spänningen genom en klyfta mellan vad tittaren vet och vad karaktären ser. Åskådarens ångestfyllda förväntningar kan sedan förstärkas med hjälp av accentuerad musik, ljuseffekter, skuggor... I skräckfilmer består överraskningseffekten (chock) av att något eller en karaktär dyker upp, ofta skrämmande, när varken "hjälten" eller tittaren förväntar sig det. Men i Hitchcocks filmer ökar åskådarens ångest i takt med att faran, som "hjälten" är omedveten om, blir allt tydligare; publiken undrar vad som kommer att hända när hotet slutligen uppfattas av den person som de identifierar sig med. De flesta av Hitchcocks thrillers bygger på denna effekt.

Till exempel i Rear Window (Jeffries sover vid den tidpunkten. När inspektör Arbogast går uppför trapporna till Norman Bates hus i Psycho (1960) ser tittaren dörren på glänt och är ensam om att förutse mordet. Cold Sweat (1958) är också särskilt viktig eftersom tittaren får veta Judys sanna identitet och hela komplotten mot Scottie i en tillbakablick i början av filmens andra halva. Tittaren lämnas därför i ovisshet om hur händelserna kommer att sluta.

I en intervju från 1967 svarade Hitchcock på frågan varför han aldrig gjorde komedier: "Men alla filmer jag gör är komedier."

Hitchcocks thrillerfilmer är för det mesta fyllda av humoristiska inslag. Regissören, som själv alltid förbryllade kritikerna med sin oförbätterliga skämtsamhet, ansåg att spänningen inte kunde upprätthållas under hela filmen och att stunder av andrum måste byggas in i berättelsen. Även om det finns flera scener med ganska godmodig komik, till exempel i början av De 39 stegen (1935) eller de komiska spådomsscenerna i Family Plot (1976), handlar Hitchcocks humor ofta om sexualitet och död (svart humor). I den första kategorin finner vi till exempel i De 39 stegen scenen där representanter i kvinnliga underkläder väcker en prästs något desperata blick, eller scenen där hjältens hand är fastkedjad vid en ung kvinnas hand och följer henne när hon tar av sig sina strumpor, eller i början av Kallsvett (1958) scenen där man diskuterar en revolutionerande behå som utformats av en flygingenjör. I den senare finner vi bland annat de jordnära kommentarerna från Stella, sjuksköterskan i Rear Window (1954), om vad mördaren kan ha gjort med sitt offers kropp, eller polisens fru i Frenzy (1972) som funderar över Babs lik medan hon äter. Vem dödade Harry? (1955) är däremot en komedi som helt och hållet ägnar sig åt makaber humor.

Storyboards och filminspelning

Majoriteten av kommentatorerna har genom åren varit övertygade om att Hitchcocks filmer till stor del var "storyboardade" in i minsta detalj. Det har sagts att han aldrig ens brydde sig om att titta genom en kameralins, eftersom han inte såg någon mening med att göra det, även om reklambilder visar honom göra det. Det fungerade också som en ursäkt för att han aldrig behövde ändra sina filmer från det sätt som han ursprungligen hade tänkt sig dem. Om en studio bad honom att göra det kunde han hävda att filmen redan var filmad på ett sätt och att det inte fanns några andra tagningar att ta hänsyn till.

Denna syn på Hitchcock som en regissör som förlitade sig mer på förproduktion än på att regissera utmanades dock i boken Hitchcock at Work, skriven av Bill Krohn, en amerikansk korrespondent för Les Cahiers du cinéma. Efter att ha undersökt flera manuskriptrevisioner, anteckningar som utbytts mellan Hitchcock och annan produktionspersonal, och efter att ha studerat storyboards och annat produktionsmaterial, konstaterade Krohn att Hitchcocks arbete ofta avvek från manuskriptet som det var skrivet eller från filmens ursprungliga koncept. Han påpekade att myten om Hitchcocks storyboards, som ofta återges av generationer av kommentatorer av hans filmer, till stor del hade upprätthållits av Hitchcock själv eller av studions reklamavdelning. Ett mycket bra exempel är den berömda scenen med sprutning på majsfältet i North By Northwestern, som sägs inte ha varit storyboardad från början. Det var först efter att scenen spelats in som reklamavdelningen skulle ha bett Hitchcock att göra storyboards för att marknadsföra filmen, och Hitchcock skulle i sin tur ha anlitat en tecknare för att återge scenerna i detalj.

Även när storyboards gjordes var scenen som spelades in mycket annorlunda. Krohns omfattande analys av inspelningen av Hitchcock-klassiker som Notorious visar att regissören var tillräckligt flexibel för att ändra filmens utformning under tiden som den gjordes. Ett annat exempel som Krohn ger är den amerikanska nyinspelningen av Mannen som visste för mycket, som började spelas in utan ett slutgiltigt manus och överskred schemat, vilket, som Krohn påpekar, inte var ovanligt och hände med många andra Hitchcockfilmer, bland annat Strangers on a Train och Stranglehold. Även om regissören ägnade mycket tid åt att förbereda alla sina filmer var han fullt medveten om att produktionsprocessen i verkligheten ofta avvek från de bästa planerna, och han var flexibel för att anpassa sig till förändringar och produktionsbehov, eftersom hans filmer inte undgick de vanliga nyckfullheterna som ofta förekommer vid de flesta inspelningar, och inte heller de rutiner som ofta användes vid den tiden.

Krohns arbete belyser också Hitchcocks vana att i allmänhet filma scenerna i kronologisk ordning, en vana som Krohn påpekar ofta var orsaken till att många av hans filmer överskred budgeten och tiden, och som framför allt skilde sig från det vanliga Hollywoodsättet under studiosystemets tid. Lika viktigt är Hitchcocks tendens att ta alternativa tagningar av vissa scener. Det var inte nödvändigtvis för att ge klipparen möjlighet att forma filmen på det sätt han (eller hon) ville (ofta under producentens ledning) som filmerna filmades från olika vinklar, utan det återspeglade snarare Hitchcocks tendens att lämna valen till sig själv i klipprummet, där han vanligtvis, efter att ha tittat på rushes, gav råd till sina klippare. Enligt Krohn motsäger denna information, tillsammans med många andra uppgifter som framkommit i hans forskningsarbete i Hitchcocks personliga arkiv och manuskriptrevisioner, bilden av en filmskapare som alltid hade kontroll över sina filmer och vars uppfattning om sina verk inte förändrades när de gjordes, vilket, enligt Krohn, har förblivit den gamla centrala myten om Hitchcock.

Platser för inspelning

Hitchcock, som var en stor perfektionist, var noga med att välja de platser där han spelade in sina filmer och scener.

I Shadow of a Doubt valde Hitchcock den lilla, idylliska och charmiga staden Santa Rosa för att förstärka den oskyldiga aspekten hos hans karaktärer och den kriminella aspekten hos farbror Charlie. 1958 valde han San Francisco för att spela in sin nästa långfilm, Cold Sweat. I North By Northwest tog han ett tomt fält för att filma den mytomspunna flygplansscenen. Detta tomma utrymme gör det möjligt för Hitchcock att visa hur oväntad och absurd situationen är.

Hitchcock och hans artister

Hitchcocks förhållande till sina skådespelare och skådespelerskor citeras ofta med orden "Skådespelare är boskap". Enligt Hitchcock själv sa han detta redan i slutet av 1920-talet, i samband med scenskådespelare som då snuvade på filmen. Enligt Michael Redgrave var det dock under inspelningen av A Woman Disappears som regissören gjorde denna kommentar. Uttrycket gav upphov till en incident 1941, under produktionen av Matrimonial Joys: Carole Lombard lät för att överraska regissören föra några kvigor till den plats där scenerna skulle spelas in med namnen på Lombard, Robert Montgomery och Gene Raymond, filmens stjärnor, skrivna på dem... Vid premiären av sin sista film, Family Plot, gjorde Hitchcock en liten rättelse: "Det är en uppenbar lögn. Jag har aldrig sagt något sådant. Det är mycket oförskämt. Jag har säkert sagt att skådespelare ska 'behandlas som boskap'."

Faktum är att mycket av Hitchcocks påstådda ovilja mot skådespelare har överdrivits. Hitchcock, som ansåg att skådespelare borde koncentrera sig på sina roller och låta regissörer och författare sköta berättelsen och behandlingen av karaktärerna, tolererade helt enkelt inte "The Method"-metoden. Han sa i en intervju att "skådespelaren i The Method är okej på teatern eftersom han har ett fritt utrymme att röra sig på. Men när det gäller att visa en bild av ansiktet och en bild av vad han ser måste det finnas en viss disciplin. För Hitchcock var skådespelarna, liksom rekvisitan, bara delar av filmen, eller åtminstone var de tvungna att betrakta kameran som en fullvärdig partner i spelet.

Under inspelningen av Lifeboat sa Walter Slezak, som spelar nazistkaptenen, att Hitchcock uppfattade skådespeleriets mekanik bättre än någon annan han kände. Det går inte heller att förneka att i nästan alla Hitchcocks filmer, åtminstone under den amerikanska perioden, ger skådespelarna, långt ifrån att bara vara marionetter, sitt fulla mått av talang, vilket tyder på att regissören hade ett verkligt kunnande, även när det gäller att regissera skådespelare, och det kan bara vittna om den sympati han kände för dem. Till exempel förnekades Joan Fontaine, syster till Olivia de Havilland, innan hon fick sina Oscars i Rebecca och Suspicion, all talang. Dessutom är vissa skådespelare numera kända som sådana endast på grund av sin insats i en Hitchcock-film, inte bara på grund av regissörens rykte, utan på grund av den komposition de fick leverera, vilket var en väsentlig del av filmens framgång (Kelly i sina tre filmer med regissören, Leigh och Perkins i Psycho, Hedren i Fåglarna, och många andra, även i små roller...). Hitchcock stimulerade helt enkelt talang.

År 2016 rapporterade skådespelerskan Tippi Hedren om sexuella övergrepp av Hitchcock.

Tekniska utmaningar och innovationer

Hitchcock verkade njuta av de tekniska utmaningarna i filmskapandet.

I Lifeboat (1944) utspelar sig hela filmen ombord på en liten båt, men han lyckades ändå med sin filmteknik undvika monotona upprepningar och hitta en lösning för sin karaktäristiska cameo, vilket var svårt på grund av den trånga inspelningsplatsen: han dyker upp i en fiktiv tidskrift som en av rollfigurerna läser, på ett foto i en annons för en bantningsprodukt... På samma sätt utspelar sig handlingen i Window on the Courtyard (1954) i en enda lägenhet och visar endast vad man ser utifrån från fönstret.

I The House of Dr Edwardes (1945) krävde två tagningar som visar en subjektiv synvinkel att man byggde en gigantisk hand av trä som skulle tillhöra karaktären vars synvinkel kameran intar, och att man byggde proportionerligt stora rekvisita som handen håller i: ett mjölkglas som faktiskt är lika stort som en hink, och en gigantisk träpistol. För att skapa en nyhet och dramatisk effekt färgades den bild som markerar scenens höjdpunkt rött på den svartvita filmen på vissa kopior av filmen.

The Rope (1948) var en annan teknisk utmaning. Filmen ger intryck av att ha spelats in i en enda tagning. I verkligheten består den av tio tagningar som var och en varar mellan fyra och en halv och tio minuter, tio minuter är den maximala längd som en dåvarande kamera kunde ha. Vissa övergångar mellan övergången från en rulle till en annan kamoufleras av ett mörkt föremål som under en tid fyller hela fältet. Dessa punkter användes av Hitchcock för att dölja klippningen, och nästa tagning skulle börja med kameran i exakt samma position.

I Cold Sweat (1958) används en kamerateknik som utvecklats av Irmin Roberts, en teknik som andra regissörer har imiterat och återanvänt många gånger, och som ger intrycket av en förlängd bild. Effekten uppnås genom att flytta kameran i motsatt riktning mot zoomen. Denna effekt har kallats "kompenserad spårningsbild", "dolly zoom" eller "Vertigo-effekten".

Ren film

"Hitchcock är en av filmhistoriens största formuppfinnare. Kanske är det bara Murnau och Eisenstein som kan jämföras med honom i detta avseende. Från denna form har ett helt moraliskt universum utvecklats, i enlighet med dess stränghet. Formen förskönar inte innehållet utan skapar det. Hela Hitchcock finns i denna formel.

- Slutsats av boken Hitchcock av Éric Rohmer och Claude Chabrol, 1957.

Teman och karaktärer

Hitchcock var särskilt intresserad av temat om den felaktigt anklagade, orättvist åtalade och tvingade att rentvå sitt namn. Bland Hitchcocks "klassiker" är The 39 Steps (1935) en av de första som tar upp detta ämne, skriven av Charles Bennett, och som regissören skulle göra flera varianter av under sin karriär, fram till North By Northwest 1959 och till och med Frenzy 1972. Temat finns dock redan i viss utsträckning i fyra tidigare stumfilmer som gjordes mellan 1925 och 1928: The Mountain Eagle (en försvunnen film), The Golden Hair, Downhill och The Past Does Not Die. Nästan alla är dramer, och endast den sistnämnda är en thriller. Temat är uppenbarligen kristendomen, som framträder tydligare i Tystnadens lag (1952) och Den falska skulden (1956). Mer prosaiskt förklarade Hitchcock dock att "temat med den orättvist anklagade mannen ger publiken en större känsla av fara, eftersom de lättare kan föreställa sig att de befinner sig i hans situation än i den där den skyldige mannen flyr".

Hitchcock hade ett svårt förhållande till kvinnor under sin barndom och ungdomstid. Han var ett ensamt barn. Senare skulle han säga att han vid tjugo års ålder bara vagt förstod de mekaniska aspekterna av sex. I hans filmer är kvinnofigurerna ofta de mörkaste. Å ena sidan representerar unga kvinnor med mörkt hår ofta ondska. Dessutom är moderfiguren, som ofta är närvarande, oftast porträtterad i ett ganska osmickrande ljus. Detta kan ses i The Birds, där modern är rädd för att bli övergiven av sin son, och i Psycho når detta förhållande sin höjdpunkt.

Hitchcocks hjältinnor är vanligtvis iskalla blondiner som till en början har den ideala kvinnans profil, men som så snart de väcks av passion eller fara reagerar på ett mer sensuellt, animaliskt och till och med kriminellt sätt. Den "Hitchcockska blondinen" är subversiv jämfört med de geniala Hollywoodblondinerna. En anekdot i detta sammanhang är betydelsefull: när Marilyn Monroe i mitten av 1950-talet bad studion att få arbeta med regissören vägrade Hitchcock och sa att han inte uppskattade kvinnor som hade "sex i ansiktet"...

Det är värt att notera att i The Lodger (1927), som Hitchcock betraktade som sin första "riktiga" film, är Avengers offer alla unga blonda kvinnor (vilket motiverar filmens franska titel). Daisy (June Tripp), filmens hjältinna, dotter till paret som gömmer den misstänkte unge mannen och som den senare, trots en viss tvetydighet i fråga om sin sexuella läggning, till slut blir kär i. Även om hon också är blondin, har hon dock inte alla de egenskaper som en blondin har enligt Hitchcock.

Prototypen var i själva verket Anny Ondra, som spelade huvudrollen under Hitchcock i The Manxman och Blackmail, två stumfilmer från 1929, varav den andra skulle bli regissörens första talfilm. På grund av sin tjocka brytning - hon var tysk, av polskt ursprung - måste Ondra dubbas för ljudversionen. En essä av skådespelerskan för denna version har bevarats, där Hitchcock syns och hörs ställa lite fräcka frågor till henne, som hon svarar på med en blick av både chock och underhållning. I Blackmail spelar hon fästmö till en polis som dödar en målare efter att han försöker misshandla henne. Det verkar som om den hitchcockska blondinen först och främst är föremål för en fetischliknande fascination för regissören, vilket framgår av hur hon framträder i vissa av hans senare filmer: I både Cold Sweats och North by Northwest visar vissa tagningar henne, med en envishet som man inte kan undgå att lägga märke till, som föremål för ett bildverk, som rent prosaiskt skulle kunna kallas "Mystisk blondin i profil med blicken åt höger" eller, bättre, "Mystisk blondin i vänsterprofil". ..

I The 39 Steps (1935) upptäcker vi en annan blondin, spelad av Madeleine Carroll, som hjälten, en oskyldig förföljd och desperat man, presenterar sig för med en brinnande kyss, men hon tvekar inte att fördöma honom. Senare i filmen finner hon sig bokstavligen fastkedjad vid hjälten, som slutligen övertygar henne. Carroll skulle spela med i en annan Hitchcock-film, Four of Spies, året därpå.

I Rear Window (1954) riskerar Lisa (Grace Kelly) sitt liv genom att bryta sig in i Lars Thorwalds lägenhet, medan Francie (återigen Grace Kelly) i The Hound (1955) erbjuder sig att hjälpa en inbrottstjuv som är "pensionerad" men som hon tror fortfarande är aktiv. I Cold Sweat (1958) är Judy (Kim Novak), förklädd till blondin, medbrottsling i ett mord. I North By Northwest (1959) leder den blonda Eve Kendall (spelad av Eva Marie Saint) hjälten Roger Thornhill, som hon är förälskad i, in i klorna på dem som försöker döda honom. I The Birds (1963) anklagas Melanie Daniels (Tippi Hedren) vid ett tillfälle för att ha orsakat den oförklarliga katastrofen genom sin blotta närvaro.

I No Springtime for Marnie (1964) är titelpersonen (återigen Hedren) kleptoman och frigid. I början av filmen, i en scen som på ett slående sätt visar tre kvinnliga karaktärer från tre olika generationer som alla har blont hår - Marnies mamma, Marnie själv och en liten granne - hörs Marnies mamma märkligt nog kritisera sin dotter för att hon bleker sitt hår: "För blont hår ser alltid ut som om en kvinna försöker locka till sig en man. Män och ett bra namn hör inte ihop. Män och ett bra namn går inte ihop"...)

Men det bästa exemplet är Psycho där Janet Leighs olyckliga karaktär stjäl 40 000 dollar innan hon faller offer för en psykopat som lever isolerad från samhället.

Vissa kritiker och Hitchcockforskare, särskilt Donald Spoto och Roger Ebert, är överens om att Cold Sweat är regissörens mest personliga film, och även hans mest avslöjande, eftersom den handlar om besattheten hos en man som "skulpterar" en kvinna till den han vill ha. Cold Sweat utforskar regissörens intresse för förhållandet mellan sexualitet och död på ett mindre omvägen sätt och på ett bredare sätt än någon av hans andra filmer.

Några av Hitchcocks filmer visar karaktärer som har ett problematiskt förhållande till sin mamma.

I The Chained Ones (1946) är Sebastian (Claude Rains), den "onda killen", uppenbarligen dominerad av sin mor (Leopoldine Konstantin), som med rätta är misstänksam mot sin blivande svärdotter (Ingrid Bergman). Modern är ganska överraskande här: hon framställs som en auktoritär, manlig ledare med en cigarett "i munnen". När han känner att det går dåligt för honom och att situationen håller på att bli oundviklig förlitar sig sonen, som verkar vara i fyrtioårsåldern och som återigen har blivit en liten, fåfäng pojke, helt på henne, och i sista stund visar hon sig vara kapabel att snabbt avstå från allt för att han ska kunna leva. Bruno, "skurken" i Strangers on a Train (1951), hatar sin far till den grad att han vill döda honom, men har ett mycket nära förhållande till sin mor (Marion Lorne), som snart visar sig vara halvt galen, vilket innebär att hon förmodligen är halvt involverad i sin sons kärlek och galenskap. I North By Northwest (1959) är Roger Thornhill (spelad av Cary Grant) en "fångad oskyldig" vars mamma (Jessie Royce Landis) skrattar åt honom när han berättar för henne att mystiska personer är ute efter att döda honom. I The Birds (1963) attackeras Rod Taylors rollfigur av hatiska fåglar, precis när han får chansen att befria sig själv från en besittande mor (Jessica Tandy). Mördaren i Frenzy (1972) känner inget annat än hat mot kvinnor, alla "horor", med undantag för sin mor, som han tycks idolisera, och de kvinnor som han tycker om och som han bara kan döda...

Men det bästa exemplet är naturligtvis Norman Bates och hans mer än problematiska förhållande till sin mor i Psycho (1960), en mor som han behåller och förkroppsligar, som är och som inte är.

Mönster och föremål

I några få bilder, som vanligtvis visar enkla föremål, lyckas Hitchcock placera en karaktär och förklara hans eller hennes personlighet. I The Crime Was Almost Perfect (1954) anges känslorna hos den rollfigur som Kelly spelar redan i början av filmen genom färgen på hennes klänning, vit när hon kysser sin make och sedan knallröd när hon gör detsamma med sin älskare.

Detta är ännu tydligare i regissörens nästa film, i början av Rear Window (1954). Efter att ha visat oss Jeffries (Stewart) med gipsat ben och dömd till rullstol (en dedikation på gipset anger för övrigt att han är "sympatisk"), går kameran vidare till föremål som inte bara påminner om vad som har hänt honom, utan också om hans förflutna och vad som då är i fokus för hans tankar: En trasig kamera, foton som hänger på väggen och som först visar olyckor, sedan scener av någon form av konflikt och slutligen negativet till ett foto av en kvinna, vars positiva bild sedan syns på omslaget synligt ovanför en hög med tidskrifter. Betydelsen av dessa bilder kommer att bli tydligare under filmens gång. Det stora dilemma som karaktären står inför vid denna tidpunkt (innan han bevittnar en misstänkt scen) är huruvida han ska fortsätta sitt förhållande med kvinnan (en modell) som han är förälskad i, men som han ändå känner att hon kan hålla honom tillbaka i sin äventyrslust.

I Psycho (1960) är Janet Leighs rollfigur före rånet, som kommer att få tragiska konsekvenser för henne, klädd i vita underkläder, och när hon sedan planerar sitt dåd ser vi henne bära svarta underkläder. Hon flyr i en svart bil, som hon byter ut mot en ljus bil när samvetskvalet börjar gnaga henne (filmen är för övrigt i svartvitt).

I många scener i sina filmer använder regissören ljuskällor (ljus, lampor, ljuskronor etc.) på ett mycket speciellt sätt.

Det kanske mest slående exemplet finns i The Paradine Trial (1947) med sekvensen av det faktiska mötet mellan advokaten (Gregory Peck) och den som till slut visar sig vara hans rival (Louis Jourdan). Sekvensen är i sig själv en del av ett slags "kapitel" eller "pivotscen" - en scen som är komponerad nästan matematiskt och med stor symbolisk komplexitet: en tågresa till och från detta möte, den verkliga utlösaren - vars början och slut signaleras av två bilder som var och en visar ett träd, den ena nästan identisk med den andra, förutom att bilden är omvänd. Under dialogen mellan de två männen syns de på skärmen "i sällskap" med en massiv lampa som genom kamerans rörelser tycks röra sig överraskande ovanför dem, mellan dem, under dem eller bredvid dem, och som verkar spela en roll, som en tredje aktör. Senare i filmen, efter rättegångsscenen, som följs av en stillbild som visar en staty som symboliserar rättvisa, förs ett samtal under en måltid mellan domaren (Charles Laughton) och hans fru, iscensatt med ljus.

I början av Fifth Column (1942) sitter modern (Dorothy Peterson), vars enda son just har dött i ett mordförsök och som hjälten (Robert Cummings) - den hotade "oskyldige" - har kommit för att trösta, vid ett bord mellan fyra släckta ljus, två på ena sidan och två på den andra, medan en lampa bakom henne kastar sitt ljus diffust uppåt. Den blinde mannens hus (Vaughan Glaser), där den "oskyldige" sedan kommer på sin resa, är fyllt med ett stort antal mestadels släckta ljus, lampor och ljus med obrutna vekar som aldrig har använts. Det som modern och den blinde mannen har gemensamt är att de "instinktivt" försvarar de "oskyldiga", vilket inte är fallet med hjältinnan (Priscilla Lane) som, trots att hon är dotter till den blinde mannen, upprepade gånger tvivlar på de "oskyldigas" integritet.

I Window on the Courtyard (1954) visas Grace Kellys rollfigur vid ett tillfälle mellan två ljus som först släcks och sedan tänds. I samma film ser man henne tända tre lampor efter varandra och samtidigt säga högt, som om hon skulle säga en magisk formel, de tre ord som utgör hennes eget namn. I början av North By Northwest (1959), under Thornhills (Cary Grant) första konfrontation med fiender som han inte anade att han hade, ser vi karaktären Vandamm (han talar, och hans gestalt, som genom processen blir spöklik, får ett särskilt hotfullt utseende.

Hitchcocks sista film, Family Plot (1976), avslutas med en scen där det "skräpiga" mediumet (Barbara Harris) oförklarligt - och oförklarligt - upptäcker en ädelsten gömd bland kristallpärlorna som pryder en ljuskrona (en hänvisning till mediumets kristallkula, som också är en central del av filmens eftertexter).

I The Lodger anländer hyresgästen till hemmet efter ett strömavbrott. När mamman öppnar dörren för att upptäcka vem som står bakom den, avslöjar skenet från ett ljus som tändes i det ögonblicket att han är den troligen eftersökta mördaren.

Dessa element är uppenbart symboliska och hänvisar, medvetet eller omedvetet från regissörens sida, till grundläggande teman inom kristendomen. Denna religion behandlas mer direkt i Tystnadens lag (1953), även om den kan betraktas som en förevändning, eller i Den falska skulden (1956), även om syftet verkar vara att bara återge en "sann historia" på ett så troget sätt som möjligt... I The False Guilty är det efter att den "oskyldige" har bett inför Kristi avbild som den riktiga gärningsmannen dyker upp. På samma sätt som i De 39 stegen (1935) räddas den "oskyldige" av en bönbok som tillhör en bigott och löjlig bonde och som råkar finnas i hans ficka.

I Psycho tycks två närbilder av ögon reagera på varandra: Norman Bates, som spionerar på Marion genom ett litet hål i väggen och gömd bakom en tavla, och den döda Marion, voyeurens offer, som är vidöppen men obelyst. Ögon är motiv i den mystiska minnesförlustens dröm (som levandegörs med hjälp av målaren Salvador Dalí) i The House of Dr Edwardes.

I många av Hitchcocks filmer finns det scener med trappor. I The Almost Perfect Crime är nyckeln gömd under mattan som täcker en trappa. I Cold Sweat är trapporna själva ett centralt element, eftersom det är huvudpersonens oförmåga att klättra uppför dem till slutet - och det faktum att han till slut gör det - som orsakar dramatiken. I Psycho dödas inspektör Arbogast på trappan som leder upp till platsen där han tror att han kan hitta lösningen på mysteriet. I Family Plot utspelar sig slutscenen också på en trappa som hjälten tar sin tillflykt till när det onda paret dyker upp, och det är precis ovanför trappan som ljuskronan där ädelstenen är gömd är placerad.

Transporter spelar en särskild roll i många av Hitchcocks filmer. Bilden av ett tåg som rusar genom en tunnel i slutet av North By Northwestern har ofta setts som en symbol för den sexuella handlingen (och det var regissörens uttalade avsikt). Tåget, med samma innebörd, är en plats där vissa möten äger rum: Suspicion och Strangers on the North-Express börjar med en förförelsescen på ett tåg. Bilen verkar spela en liknande roll: särskilt i Le Grand Alibi, Les Enchaînés... Den långa svanssekvensen i Cold Sweats, som är ursprunget till hjältens besatthet av den mystiska unga blonda kvinnan, och den långa scenen där Marion ses i två på varandra följande bilar, som ett förspel till hennes brutala död i Psycho, kan därför få en särskild betydelse.

Hitchcock var självmedveten om sin vikt, ett arv från sin far som också gillade god mat. Flera skådespelare och medlemmar av filmteamet berättar att Hitchcock bjöd in dem på middag för att lära känna varandra bättre, men att de pratade mer om mat och vin än om den pågående filmen.

I hans filmer spelar maten en viktig roll. Den berömda kyssscenen i The Chained Ones (1946) varvas med prat om kyckling. I Rear Window (1954) ses Lisa som en perfekt kvinna och Jeffries verkar erkänna detta när hon ger honom sin måltid, som har kommit direkt från en topprestaurang: "Perfekt, som vanligt". Inbjudan till middag är ofta ett uttryck för en karaktärs önskan att föra relationen till den andra vidare: till exempel har John "katten" och Frances en picknick, Scottie bjuder Judy på middag och Mitch bjuder Melanie i The Hound (1955), Cold Sweat (1958) respektive The Birds (1963), och en romantisk relation kan börja. Mat ökar Norman Bates' begär efter Marion Crane i Psycho (1960) när han ger henne smörgåsar för att prata med henne. Men det finns många exempel på scener med mat i Hitchcocks filmer...

I sin essä om regissören analyserar Jean Douchet drickande, ätande och rökning i Hitchcocks filmer och utvecklar en teori om "absorption" som han tar upp genom att säga: "Det är inte gratis att filmmakaren, vars matsmältningsproblem är uppenbart i den godmodiga rundheten hos hans egen person, är den film där äta, dricka och röka har en så viktig plats att inget annat filmiskt verk, inte ens Renoirs, en annan berömd gourmet, kan konkurrera med det. Det är därför ingen överraskning att det i Hitchcocks filmer alltid är under en måltid som hjälten får ta del av den mörka hemligheten.

Det är intressant att notera att ett av regissörens mest populära "skämt" kopplar ihop mat och död, som i måltiden som serveras över en koffert med ett lik i The Rope (1948), eller den måltid vars huvudrätt är mordvapnet i Lamb to the Slaughter (1958) - ett avsnitt av Alfred Hitchcocks serie som Roald Dahl anpassade efter en av sina noveller -, eller vissa humoristiska passager i Rear Window (1954), Who Killed Harry? (1955) eller Frenzy (1972)...

En villig åskådare

Hitchcock gör sina filmer för tittaren och han gillar att leka med tittarens oundvikligen voyeuristiska och potentiellt "onda" sida.

I The Stranger on the North-Express (1951) skapar det parallella montaget mellan å ena sidan "skurkens" mödosamma resa till brottsplatsen för att lämna en tändare som skulle kunna kompromettera "hjälten" och å andra sidan tennismatchen som "hjälten" måste vinna så snabbt som möjligt för att ha en chans att hindra "skurken", hans verkliga motståndare, från att genomföra sin plan, en oroväckande spänning hos åskådaren, När "skurken" kämpar för att nå tändaren som han klumpigt tappat ner i en fönsterbrunn, önskar tittaren att han ändå skulle lyckas hämta den. Idén med tennismatchen är intressant i detta avseende, liksom tidigare i filmen bilden av Bruno (den "onda killen"), den enda i publiken som inte vänder på huvudet för att följa bollens bana: den "onda killen" är säker på sin sida, eller snarare, han har ingen sida; man kan observera att han inte tittar i riktning mot någon av spelarna, utan rakt fram: kameran, och därmed åskådaren,...

I många av sina andra filmer får Hitchcock ibland tittaren att nästan omedvetet stödja "skurkens" sida. I The Crime Was Almost Perfect (1954) blir vi lite besvikna, mitt i spänningen, när vi ser hur den machiavelliske mannens planer på att göra sig av med sin fru (den förtjusande Grace Kelly) inte går enligt planerna: att mordet kanske inte kommer att äga rum eftersom mannens klocka har stannat och att telefonkiosken från vilken han tänker ringa det ödesdigra telefonsamtalet är ockuperad. I Psycho (1960) hoppas vi att Norman Bates inte ska glömma dagboken som kan göra honom misstänkt, och senare, när han vill köra bilen med kroppen av den kvinna som ursprungligen presenterades som hjältinnan in i ett träsk, och fordonet tvekar ett ögonblick att sjunka, känner vi en viss lättnad tillsammans med honom när kistbilen plötsligt slutar att sjunka. På samma sätt önskar vi i Frenzy (1972) att galningen skulle lyckas hitta den nål som skulle kunna förråda honom och som sitter fast i den av döden stela handen på hans offer Babs...

En kommentar till detta fenomen formuleras på sätt och vis i Window on the Courtyard (1954), där voyeurens "hjältes" fönster, som liknar en biografduk, placerar betraktaren i samma position som han själv. Betraktaren reflekteras tillbaka till honom genom Jeffries och Lisas oroliga önskningar, och som Lisa säger: "Vi är besvikna för att en man inte mördade sin fru"; samtidigt fördömer hon beteendet, som om det vore en oundviklig del av den mänskliga naturen, bara med en "principiell" skam. Åskådaren vill ha ett offer och en mördare eftersom han vill ha action. Hitchcock gör tittaren, trots honom själv, till mördarens medbrottsling.

Cameos

En cameo är en känd persons dolda (ofta tysta) framträdande i en film. Hitchcock uppträdde för första gången i The Lodger (1926) eftersom han tyckte att det var trevligt att själv balansera en förgrund (han sitter med ryggen mot ett litet skrivbord framför ett fönster i ett nyhetsrum). Senare blev hans cameos en lek för tittaren, och detta kan ses i alla hans senare filmer. Snart inser han dock att detta smygande uppträdande kan leda till att handlingen distraheras, så han dyker upp först i början av filmen, så att tittarna inte längre väntar på honom och kan koncentrera sig helt på handlingen. Men i Les Enchainés dyker han upp två gånger: först i början av filmen på ca 2 min 30 (en förbipasserande framför huset) och sedan i mitten av filmen på ca 64 min 30 (en gäst som dricker ett glas champagne).

Hitchcocks cameos avslöjar en ganska paradoxal karaktär. Han var besatt av sitt utseende och förlorade aldrig ett tillfälle att visa sig, till skillnad från andra mycket diskreta regissörer. Detta är en del av hans komiska humor som ofta präglar hans filmer. Hitchcocks utseende i sina filmer kan ses som hans signatur, och det är förmodligen möjligt att hitta en betydelse i vad hans karaktär gör i detta utseende i förhållande till det verk som det är infogat i.

Affischer

Regissörens höga krav och detaljrikedom gällde även alla affischer för hans filmer. Hitchcock föredrog att arbeta med tidens främsta talanger - grafiska formgivare som Bill Gold och Saul Bass - och lät dem revidera sina kopior otaliga gånger tills han kände att den enda bilden på affischen representerade hela hans film på ett korrekt sätt.

Logotyp och tema

I eftertexterna till Alfred Hitchcock-serien visas en teckning av Hitchcocks knubbiga profil, schematiskt men mycket igenkännbart, med temat från Charles Gounods begravningsmarsch för en marionett. Karikatyren är i själva verket ett självporträtt, vars första version publicerades i en dagstidning redan 1923, och som inspirerats av Cecil B. DeMille, som hade ritat en medaljong i hans gestalt som fanns med i eftertexterna till hans filmer från 1919. När det gäller Gounods lilla melodi var det på Bernard Herrmanns inrådan som den valdes för att illustrera serien. Denna teckning och denna musik var då, och kommer att vara det under lång tid framöver, tillräckliga för att framkalla regissören.

Les Cahiers du cinéma, Hitchcock

I Frankrike på 1950-talet var vissa kritiker på Cahiers du cinéma de första som betraktade Hitchcocks filmer som konstnärliga verk och som marknadsförde dem som sådana. Hitchcock var en av de första filmskaparna som dessa kritiker, de framtida ledarna för den nya vågen, tillämpade sin "författarpolitik" på, som betonade regissörens konstnärliga auktoritet i filmskapandeprocessen. Ett första möte med Hitchcock ägde rum 1954, under inspelningen av La Main au collet. I oktober publicerade Les Cahiers, på initiativ av Claude Chabrol och François Truffaut och mot redaktör André Bazins motstånd, ett specialnummer om regissören (nr 39, vol. VII). Tre år senare, 1957, publicerade Éric Rohmer och Claude Chabrol en av de första monografierna om Hitchcock.

1966 publicerade François Truffaut Le Cinéma enligt Hitchcock, resultatet av en serie intervjuer med "spänningens mästare" mellan den 13 och 18 augusti 1962 på Universals kontor. Vissa anser att detta verk är den bästa boken med intervjuer, eller till och med den bästa boken som någonsin skrivits om film.

Oscars

Fyra av hans filmer var nominerade för bästa film, men endast Rebecca vann (med tanke på att denna Oscar endast nominerar och belönar producenter):

Alfred Hitchcock nominerades fem gånger som bästa regissör, men vann aldrig en Oscar, förutom ett hederspris. Totalt var 16 av Hitchcocks filmer nominerade till Oscars i alla kategorier, varav endast sex gav regissören en nominering i sin egen rätt:

Antalet nomineringar (inklusive vinnare) för de sexton filmerna uppgick till femtio. Miklós Rózsa vann Oscar för bästa musik för The House of Dr. Edwardes och Joan Fontaine vann Oscar för bästa skådespelerska för sin roll i Suspicion; hon var den enda av alla skådespelare som fick denna utmärkelse för en roll i en film regisserad av Hitchcock.

Hedersbetygelser och hyllningar

1967 fick Hitchcock Irving G. Thalberg Memorial Award.

I säsong 4 av Epic Rap Battles of History tar Alfred Hitchcock upp kampen mot regissörskollegan, författaren och producenten Steven Spielberg.

År 1971 utnämndes han till riddare av hederslegionen.

Alfred Hitchcocks profil förekommer, tillsammans med andra filmmyter, i eftertexterna till Blake Edwards film When the Pink Panther Tangle (1976), som ingår i serien Pink Panther.

Alfred Hitchcock är, tillsammans med James Whale och senare George Lucas, en av de få regissörer som Mel Brooks parodierar. High Anxiety (1977) är tillägnad Hitchcock och hänvisar till flera av hans filmer och filmer.

1979 mottog Hitchcock American Film Institute (AFI) Lifetime Achievement Award.

Hitchcock utnämndes till Knight Commander of the Order of the British Empire av drottning Elizabeth II i samband med nyårshyllningen 1980. Även om han hade antagit amerikanskt medborgarskap 1956 förblev han brittisk medborgare och kunde därför använda titeln Sir. Hitchcock dog bara fyra månader senare, den 29 april, innan han officiellt kunde få titeln.

Postuma utmärkelser

Vid School of Cinematic Arts vid University of Southern California (USC) har en professur för studier av amerikansk film uppkallats efter Alma och Alfred Hitchcock: Alma and Alfred Hitchcock Chair for the Study of American Film.

Sedan 1991 har den brittiska filmfestivalen Dinard (Ille-et-Vilaine, Bretagne) delat ut ett pris som är uppkallat efter regissören. I staden finns också en bronsstaty av "spänningens mästare" som påminner om filmen The Birds. Den invigdes den 8 oktober 2009 och ersätter en gammal Hitchcock-staty av gips och harts.

Den 13 augusti 1999, i samband med 100-årsminnet av regissörens födelse, hölls en rad hyllningar till honom i London, Los Angeles och New York.

Hitchcocks verk citeras också regelbundet av kritiker och filmfolk i rankningen av "bästa film". Sex filmer finns upptagna i National Film Registry: Cold Sweats, Rear Window, North by Northwest, Shadow of a Doubt, Notorious och Psycho. Alla dessa filmer, med undantag för Shadow of a Doubt och Notorious, ingick i AFI Top 100 1998 och i 2007 års uppdatering av den listan.

År 2008 finns fyra Hitchcockfilmer med bland de tio bästa filmerna genom tiderna i kategorin "Mystery" i en topp 10 som sammanställts av samma institution. Dessa filmer är Cold Sweat (nr 1), Rear Window (nr 3), North by Northwest (nr 7) och The Crime Was Almost Perfect (nr 9). 1999 publicerade British Film Institute (BFI) en lista över de 100 bästa brittiska filmerna (The BFI 100), där två av hans filmer ingick: The 39 Steps (nr 4) och A Woman Disappears (nr 35). När det gäller allmänhetens uppskattning fanns i maj 2010 inte mindre än elva Hitchcockfilmer på IMDb:s topp 250-lista: Rear Window (nr 20), Psycho (nr 22), North by Northwest (nr 32), Cold Sweat (), Rebecca (nr 97), Strangers on a Train (nr 123), Notorious (nr 128), The Crime was Almost Perfect (nr 195), Shadow of a Doubt (nr 208), The Rope (nr 217) och A Woman Disappears (nr 248). Detta är ett bevis, om inte på betydelsen, så åtminstone på verkets relativa hållbarhet.

Inflytande i film

Hitchcocks innovationer och visioner har påverkat ett stort antal filmskapare (t.ex. Truffaut och Chabrol, men också Roman Polanski och Steven Spielberg), producenter och skådespelare. Detta inflytande har framför allt bidragit till att regissörerna tenderar att kontrollera de konstnärliga aspekterna av sina filmer trots producenterna.

Bland andra "hyllningar" som kan ha gjorts till honom har Hitchcock gett upphov till två ganska unika fall i filmhistorien: en filmskapare, Brian De Palma, som baserar en del av sitt verk på en annan filmskapare, och en filmskapare, Gus Van Sants, remake, så att säga, av en annan filmskapares verk.

Inflytande på genrefilmer

Hitchcock hade ett enormt inflytande på utvecklingen av vissa filmgenrer, främst med två av hans filmer: Psycho (1960) och The Birds (1963), som gjordes när han var i sextioårsåldern. Den förstnämnda är bland annat ursprunget till slasherfilmen, en undergenre av skräckfilmer där en psykopatisk mördare eliminerar karaktärerna i berättelsen en efter en, och den sistnämnda är ursprunget till katastroffilmen, särskilt en hel serie filmer med dödliga djur.

Psycho är en uttalad referens för John Carpenters Halloween (1978) och har gett upphov till en hel rad filmer, från Tobe Hoopers The Texas Chainsaw Massacre (1974) - vars berättelse också verkar ha inspirerats av Ed Geins - till Wes Cravens Scream (1996), och vidare, inklusive Cunninghams Friday the 13th (1980) och Cravens Nightmare on the Rails (1984). De flesta av dessa filmer, liksom Psycho själv, kommer att få uppföljare, ibland ganska många.

The Birds är en av de första katastroffilmerna, även om begreppet är lämpligare för filmer som handlar om möjliga katastrofer, i alla fall mer vanliga än en massiv fågelattack. Man skulle kunna säga att den skapar en subgenre innan genren i sig existerar, en subgenre där man kan placera en film som Steven Spielbergs "Hajen" (1975) och många andra, ofta av mycket mer tvivelaktig kvalitet. Några av ingredienserna i Birds återfinns i de flesta katastroffilmer: beskrivningen av en personlig berättelse - ofta är de personliga berättelserna flerfaldiga i senare, "klassiska" katastroffilmer - beskrivningen av ett samhälle och dess reaktioner på katastrofen samt beskrivningen, i flera chockerande scener, av själva katastrofen. Jaws ligger mycket nära den modell som erbjuds av The Birds. Båda filmerna är adaptioner av litterära verk, men valet av element som återfinns på skärmen är nästan identiskt: i "Käftar": beskrivning av Chief Brodys familj (jfr Melanie, Mitch och hans mor), av samhället Amity (jfr Bodega Bay) - med, i båda filmerna, en örfil i ansiktet: Melanie ger den i "Fåglar" och Brody tar emot den i "Käftar" - och scener med starka känslor som destilleras successivt under hela filmens gång.

Med Psycho och tio år tidigare The Great Alibi (1950) var Hitchcock också föregångare till det som under 1990- och 2000-talen nästan skulle bli en egen genre: "slutspelsfilmen".

De Palma-exegesen

Bland senare regissörer var den som studerade Hitchcocks arbete mest ingående Brian De Palma, åtminstone i början av sin karriär, som beskrevs som "den moderna mästaren i spänning". Det var till att börja med efter att ha sett Cold Sweats som Brian De Palma lade sina lovande vetenskapliga studier åt sidan för att övergå till film. I sina egna filmer nöjer sig De Palma inte med att imitera Hitchcock, som är blek eller till och med briljant, utan han återupptar honom och erbjuder en särskild tolkning. Han fokuserar på tre verk: Rear Window, Cold Sweat och Psycho. De Palmas filmer skiljer sig från Hitchcocks genom att de gjordes vid en tidpunkt då de strikta begränsningarna för representation eller till och med frammaning av sexualitet hade lättats avsevärt i den amerikanska filmen. De är därför ofta späckade med erotiska scener som medvetet syftar till att väcka betraktaren, och de tar direkt upp teman som sexuell otillfredsställelse, exhibitionism, transidentitet, pornografi, till och med impotens och fetischism. Voyeurismen utnyttjas visserligen, men utforskas i flera olika avseenden, särskilt när det gäller förhållandet till medier av alla slag. Temat dubbelgångare är också en ständig fråga i De Palmas verk, liksom i Hitchcocks.

De Palmas första referens till Alfred Hitchcock är ganska indirekt, med Sisters of the Blood (1973), Obsession (1976) och Carrie at the Devil's Ball (Carrie, 1976). Den första, med musik av Bernard Herrmann, innehåller anspelningar på Rear Window - och till och med ett nästan "bokstavligt" citat från den - och, liksom Psycho, utforskar temat dubbel och delad personlighet genom fallet med en ung kvinna som blir schizofren efter sin siamesiska systers död. Obsession (1976, manus av Paul Schrader efter en berättelse av De Palma) bygger på en omläsning av Cold Sweats och innehåller temat incest. Kompositören av filmmusiken är återigen Herrmann. När det gäller Carrie är det en adaption av en Stephen King-roman. De effekter som används är dock uppenbart inspirerade av de effekter som Hitchcock använde, särskilt i Psycho, som hyllas genom namnet på Carries skola, Bates High School. I jämförelse med Hitchcocks filmer går Carrie dock på en starkare linje, med humoristiska sekvenser - bestraffningsövningarna på idrottsplatsen, inpassningen - som gränsar till det groteska och, som klimax, en lång sekvens av fruktansvärd spänning, nästan överdramatiserad, fram till den sista andetaget. Symboliken, som finns på ett subtilt sätt i Hitchcocks film, är lika närvarande i De Palmas film, men på ett mer uppenbart sätt, särskilt med bilden av den "korsfästa" mamman som påminner om Sankt Sebastian, eller de hundratals ljusen som kan ses i hela huset när Carrie, efter balen, förödmjukelsen och hämnden, återvänder hem. Carrie och hennes mammas hus är förmodligen inte helt orelaterat till Norman Bates (och hans mammas) hus. När det gäller musiken är Donaggio direkt inspirerad av Herrmanns användning av musiken i Psycho.

Manuset till Dressed to Kill (1980) bygger på en kombination av Cold Sweats och Psycho. Liksom Cold Sweats fortsätter filmen efter introduktionen av karaktärerna med en lång förförelsesekvens, som påminner om en uppvaktning, som till stor del äger rum på ett museum och under vilken inga ord utbyts. Liksom Psycho avslutas filmen med en vetenskapligt likartad presentation av mördarens personlighet och motiv. Det är konflikterna om sin sexuella identitet som gör att mördaren i Pulsions har en kluven personlighet. Body Double (1984) är en ny version av Rear Window och Cold Sweat. Den kvinnliga huvudrollen spelas av Melanie Griffith, dotter till Tippi Hedren. Filmen är inte bara en underhållning, utan också en reflektion över filmen och dess konstgjorda verk (som filmens titel delvis antyder: "dubbeln"), liksom över sexuella brister (voyeurism, exhibitionism, till och med fetischism), i samband med 1980-talet, med videons framväxt, den relativa populariseringen av gore-filmen och utvecklingen av den pornografiska industrin.

I dessa filmer använder sig De Palma också av split screen, ett förfarande som Hitchcock aldrig använde sig av, men som motsvarar sekvenser i The Rope eller No Springtime for Marnie, där tittaren ges möjlighet att se två samtidiga scener, varav den ena kan påverka den andra. I De Palmas filmer har effekten dock inte alltid samma funktion; den liknar mer fönstren i Rear Window, eller är avsedd att orsaka ett slags illamående yrsel, att "frossa" i bilder.

Van Sants Psycho

I Gus Van Sants Psycho (1998) används samma bilder som i originalet, men filmen är i färg. Van Sant förklarar: "Det är mer en replik än en remake. Det är nästan som om vi skulle göra en kopia av Mona Lisa eller Davids staty. Filmen blev dock ett kommersiellt misslyckande.

Inflytande i litteraturen

Vissa författare, till exempel Robert Arthur Jr. och William Arden, har använt Alfred Hitchcocks karaktär (med hans samtycke) i sina ungdomsromaner: The Three Young Detectives. Denna saga handlar om unga pojkar som undersöker mystiska händelser och sponsras av Alfred Hitchcock själv, som förekommer i de flesta av romanerna, i inledningen och avslutningen. Denna romanserie har översatts i Frankrike av Claude Voilier, Vladimir Volkoff och L-M Antheyres och har publicerats av Hachette i samlingarna Bibliothèque verte och Livre de poche.

Alfred Hitchcock har regisserat totalt 54 långfilmer för biografen, eller 53 om man bortser från Mary, en version av Murder som spelades in med tyska skådespelare. Den första är faktiskt The Garden of Pleasure, inte Number Thirteen, som förblev oavslutad och det som filmades av den verkar vara förlorat idag. Mountain Eagle, Hitchcocks andra film, anses också vara försvunnen. Utpressning finns i två versioner: en tyst och en talande. The Crime Was Almost Perfect finns i 2D - den enda versionen som finns på DVD - och visades vid premiären och vid några tillfällen därefter i 3D. Alfred Hitchcock har också regisserat tjugo avsnitt av tv-serier, med en längd på mellan en halv och en timme.

De tre första rullarna av filmen The White Shadow, som man trodde var försvunna, hittades i augusti 2011 i Nya Zeeland. Detta är de tidigaste kända bilderna av "Master of Suspense". På denna tidiga film skulle han ha varit manusförfattare, scenograf, redigerare och assistent till regissören.

I tabellen nedan listas Alfred Hitchcocks insatser inom film och tv. När det gäller Hitchcocks tidiga verk omfattar tabellen filmer där han medverkade, främst de som regisserades av Graham Cutts. När det gäller tv, särskilt serien Alfred Hitchcock Presents, ingår endast avsnitt som regisserats av Hitchcock själv. Verken är ordnade kronologiskt i den ordning de först presenterades offentligt (biograf) eller sändes första gången (TV), i ett försök att spegla regissörens kreativa väg så nära som möjligt.

Källor

1. Alfred Hitchcock
2. Alfred Hitchcock