Streszczenie

Ellsworth Kelly (31 maja 1923 - 27 grudnia 2015) był amerykańskim malarzem, rzeźbiarzem i grafikiem związanym z hard-edge painting, Color Field painting i minimalizmem. Jego prace pokazują skromne techniki podkreślające linię, kolor i formę, podobne do prac Johna McLaughlina i Kennetha Nolanda. Kelly często stosował jaskrawe kolory. Mieszkał i pracował w Spencertown w Nowym Jorku.

Kelly urodził się jako drugi z trzech synów Allana Howe Kelly i Florence Rose Elizabeth (Githens) Kelly w Newburgh, New York, około 60 mil na północ od Nowego Jorku. Jego ojciec był dyrektorem firmy ubezpieczeniowej o pochodzeniu szkocko-irlandzkim i niemieckim. Jego matka była byłą nauczycielką pochodzącą z Walijskich i Pensylwańskich Niemiec. Jego rodzina przeniosła się z Newburgha do Oradell w stanie New Jersey, miasta liczącego prawie 7,5 tysiąca mieszkańców. Jego rodzina mieszkała w pobliżu Oradell Reservoir, gdzie jego ojcowska babcia wprowadziła go w ornitologię, gdy miał osiem lub dziewięć lat.

Tam rozwinął swoją pasję do formy i koloru. Szczególnie silny wpływ na twórczość Kelly'ego przez cały okres jego kariery miał John James Audubon. Autor Eugene Goossen spekulował, że dwu- i trójkolorowe obrazy (takie jak Three Panels: Red Yellow Blue, I 1963), z których Kelly jest tak dobrze znany, można przypisać jego obserwacji ptaków i studiowaniu dwu- i trójkolorowych ptaków, które tak często widywał w młodym wieku. Kelly powiedział, że jako młody chłopak często przebywał sam i stał się w pewnym sensie "samotnikiem". Miał lekkie zacięcie, które utrzymywało się w jego nastoletnich latach.

Kelly uczęszczał do szkoły publicznej, gdzie na zajęciach plastycznych kładziono nacisk na materiały i starano się rozwijać "wyobraźnię artystyczną". Ten program nauczania był typowy dla szerszego trendu w szkolnictwie, który wyłonił się z progresywnych teorii edukacyjnych promowanych przez Columbia University's Teacher's College, w którym wykładał amerykański modernistyczny malarz Arthur Wesley Dow. Chociaż jego rodzice niechętnie wspierali kształcenie artystyczne Kelly'ego, jego szkolna nauczycielka, Dorothy Lange Opsut, zachęcała go do dalszych działań. Ponieważ rodzice płacili tylko za wykształcenie techniczne, Kelly studiował najpierw w Pratt Institute na Brooklynie, do którego uczęszczał od 1941 roku aż do powołania do wojska w Nowy Rok 1943.

Po wstąpieniu do amerykańskiej służby wojskowej w 1943 roku Kelly poprosił o przydział do 603 Batalionu Kamuflażu Inżynierów, który przyjął wielu artystów. Został przyjęty do służby w Fort Dix, New Jersey i wysłany do Camp Hale, Colorado, gdzie trenował z oddziałami narciarzy górskich. Nigdy wcześniej nie jeździł na nartach. Sześć do ośmiu tygodni później został przeniesiony do Fort Meade w stanie Maryland. Podczas II wojny światowej służył wraz z innymi artystami i projektantami w jednostce zwodzącej, znanej jako The Ghost Army. Żołnierze Ghost używali nadmuchiwanych czołgów, ciężarówek i innych elementów podstępu, aby wprowadzić w błąd siły Osi co do kierunku i rozmieszczenia sił alianckich. Jego ekspozycja na wojskowy kamuflaż w czasie służby stała się częścią jego podstawowego szkolenia artystycznego. Kelly służył w jednostce od 1943 roku do końca europejskiej fazy wojny.

Kelly skorzystał z G.I. Bill, aby w latach 1946-47 studiować w School of the Museum of Fine Arts w Bostonie, gdzie korzystał z kolekcji muzeum, a następnie w École nationale supérieure des Beaux-Arts w Paryżu. Podczas pobytu w Bostonie wystawiał w swojej pierwszej zbiorowej wystawie w Boris Mirski Gallery i prowadził zajęcia artystyczne w Norfolk House Center w Roxbury. Podczas pobytu w Paryżu Kelly ugruntował swoją estetykę. Rzadko uczęszczał na zajęcia, ale zanurzał się w bogatych zasobach artystycznych stolicy Francji. W 1948 roku wysłuchał wykładu Maxa Beckmanna o francuskim artyście Paulu Cézanne i jeszcze w tym samym roku przeniósł się do Paryża. Spotkał tam Amerykanów Johna Cage'a i Merce Cunningham, eksperymentujących odpowiednio z muzyką i tańcem; francuskiego surrealistycznego artystę Jeana Arpa oraz abstrakcyjnego rzeźbiarza Constantina Brâncuși, którego uproszczenia naturalnych form wywarły na nim trwały wpływ. Doświadczenie odwiedzania artystów takich jak Alberto Magnelli, Francis Picabia, Alberto Giacometti i Georges Vantongerloo w ich pracowniach było transformujące.

Po sześciu latach pobytu za granicą Kelly nadal słabo radził sobie z językiem francuskim i sprzedał tylko jeden obraz. W 1953 roku został wyeksmitowany z pracowni i w następnym roku wrócił do Ameryki. Zainteresował się nim po przeczytaniu recenzji wystawy Ad Reinhardta, artysty, z którego twórczością czuł się związany. Po powrocie do Nowego Jorku stwierdził, że świat sztuki jest "bardzo trudny". Chociaż Kelly jest obecnie uważany za istotnego innowatora i współtwórcę amerykańskiego ruchu artystycznego, wielu osobom trudno było znaleźć związek między sztuką Kelly'ego a dominującymi trendami stylistycznymi. W maju 1956 roku Kelly miał swoją pierwszą nowojorską wystawę w galerii Betty Parsons. Jego sztuka była uważana za bardziej europejską niż popularna w tym czasie w Nowym Jorku. Ponownie pokazał się w jej galerii jesienią 1957 roku. Trzy z jego prac: Atlantic, Bar i Painting in Three Panels, zostały wybrane do i pokazane na wystawie Whitney Museum of American Art, "Young America 1957". Jego prace zostały uznane za radykalnie odmienne od prac pozostałych dwudziestu dziewięciu artystów. Szczególną uwagę zwrócił na przykład Painting in Three Panels, w którym krytycy kwestionowali wówczas stworzenie przez niego dzieła z trzech płócien. Na przykład Michael Plante powiedział, że częściej niż w przypadku innych prac Kelly'ego, jego wielopanelowe dzieła były ciasne ze względu na ograniczenia instalacyjne, co zmniejszało interakcję między dziełami a architekturą pomieszczenia.

Kelly w końcu przeniósł się z Coenties Slip, gdzie czasami dzielił studio z koleżanką i przyjaciółką Agnes Martin, na dziewiąte piętro wieżowca studyjnego

Kelly wyjechał z Nowego Jorku do Spencertown w 1970 roku, a w 1984 roku dołączył do niego jego partner, fotograf Jack Shear. Od 2001 roku aż do śmierci Kelly pracował w studio o powierzchni 20 000 stóp kwadratowych w Spencertown, zrekonfigurowanym i rozbudowanym przez architekta Richarda Gluckmana. Kelly i Shear przeprowadzili się w 2005 roku do rezydencji, którą dzielili do śmierci malarza, pokrytego drewnem domu w stylu kolonialnym, zbudowanego około 1815 roku. Shear pełni funkcję dyrektora Ellsworth Kelly Foundation. W 2015 roku Kelly podarował Blanton Museum of Art na Uniwersytecie Teksańskim w Austin swoją koncepcję projektu budynku dla miejsca kontemplacji. Zatytułowany Austin, kamienny budynek o powierzchni 2715 stóp kwadratowych - w którym znajdują się okna z kolorowego szkła, totemiczna rzeźba z drewna oraz panele z czarno-białego marmuru - jest jedynym budynkiem zaprojektowanym przez Kelly'ego i stanowi jego najbardziej monumentalne dzieło. Austin, który Kelly zaprojektował trzydzieści lat wcześniej, został otwarty w lutym 2018 roku.

Kelly zmarł w Spencertown w stanie Nowy Jork 27 grudnia 2015 roku, w wieku 92 lat.

Malowanie

Podczas pobytu w Paryżu Kelly nadal malował figury, ale już w maju 1949 roku powstały pierwsze obrazy abstrakcyjne. Obserwując, jak światło rozprasza się na powierzchni wody, namalował Sekwanę (1950), złożoną z czarno-białych prostokątów ułożonych przez przypadek. W 1951 roku rozpoczął cykl ośmiu kolaży zatytułowany Spectrum Colors Arranged by Chance I to VIII. Tworzył je za pomocą ponumerowanych kartek papieru, z których każda odnosiła się do koloru, jednego z osiemnastu różnych odcieni umieszczonych na siatce o wymiarach 40 na 40 cali. W każdym z ośmiu kolaży zastosował inny proces.

Odkrycie przez Kelly'ego w 1952 roku późnych dzieł Moneta dało mu nową swobodę malarskiej wypowiedzi: zaczął pracować w bardzo dużych formatach, zgłębiał koncepcje seryjności i monochromatyczności obrazu. Jako malarz pracował odtąd wyłącznie w trybie abstrakcyjnym. Do końca lat 50. w jego malarstwie akcentowano kształt i bryły planarne (często przyjmując nierektylne formaty). Jego twórczość z tego okresu stanowi również użyteczny pomost od awangardowej amerykańskiej abstrakcji geometrycznej lat 30. i początku 40. do minimalizmu i sztuki redukcyjnej połowy lat 60. i 70. Na przykład reliefowy obraz Kelly'ego Blue Tablet (1962) został włączony do kluczowej wystawy Toward a New Abstraction w Muzeum Żydowskim w 1963 roku.

W latach 60. zaczął pracować z płótnami o nieregularnych kątach. Yellow Piece (1966), pierwsze ukształtowane płótno artysty, reprezentuje przełomowe zerwanie Kelly'ego z prostokątną podstawą i redefinicję figury malarskiej.

W latach 70. do jego repertuaru dołączyły kształty zakrzywione. Green White (1968) to debiut trójkąta w twórczości Kelly'ego, kształtu, który powraca w całej jego karierze; obraz składa się z dwóch odrębnych monochromatycznych płócien o różnych kształtach, które są zainstalowane na sobie: duży, odwrócony, zielony trapez jest umieszczony pionowo nad mniejszym białym trójkątem, tworząc nową geometryczną kompozycję. kompozycję.

Po wyjeździe z Nowego Jorku do Spencertown w 1970 roku wynajął były teatr w pobliskim miasteczku Chatham, co pozwoliło mu pracować w pracowni bardziej przestronnej niż wszystkie, które wcześniej zajmował. Po roku pracy w tym miejscu Kelly rozpoczął serię 14 obrazów, które stały się Serią Chatham. Każdy z nich ma formę odwróconej litery "E" i składa się z dwóch połączonych płócien, z których każde jest monochromatyczne w innym kolorze. Dzieła różnią się proporcjami i paletą barw; starannie zwrócono uwagę na rozmiar każdego panelu i wybrany kolor, aby osiągnąć równowagę i kontrast między nimi.

Większa seria dwunastu prac, którą Kelly rozpoczął w 1972 roku i nie ukończył do 1983 roku, Gray została pierwotnie pomyślana jako antywojenna wypowiedź i jest pozbawiona koloru. W 1979 roku użył krzywych w dwukolorowych obrazach wykonanych z oddzielnych paneli.

W późniejszych obrazach Kelly wydestylował swoją paletę i wprowadził nowe formy. W każdej pracy zaczynał od prostokątnego płótna, które starannie zamalowywał wieloma warstwami białej farby; na wierzchu umieszczał kształtne płótno, w większości zamalowane na czarno.

W odniesieniu do własnej twórczości Kelly powiedział w wywiadzie z 1996 roku: "Myślę, że to, czego wszyscy chcemy od sztuki, to poczucie stałości, przeciwstawienia się chaosowi codziennego życia. To oczywiście złudzenie. Płótno gnije. Farba zmienia kolor. Ale ty wciąż próbujesz zamrozić świat, jakbyś mógł sprawić, że będzie on trwał wiecznie. W pewnym sensie to, co próbowałem uchwycić, to rzeczywistość fluktuacji, utrzymać sztukę jako sytuację otwartą, niekompletną, dotrzeć do uniesienia widzenia."

Kelly komentuje: "Zdałam sobie sprawę, że nie chcę komponować obrazów ... chciałam je znaleźć. Czułem, że moja wizja wybiera rzeczy istniejące w świecie i przedstawia je. Dla mnie najbardziej interesujące było badanie percepcji. Było tak wiele do zobaczenia, a wszystko to wyglądało dla mnie fantastycznie."

Litografie i rysunki

Kelly wykonywał rysunki roślin i kwiatów od końca lat 40. Ailanthus (1948) jest pierwszym rysunkiem roślinnym, który wykonał w Bostonie, Hyacinth (1949) był pierwszym, który zrobił będąc w Paryżu. Od 1949 roku, mieszkając w Paryżu (pod wpływem Henri Matisse'a i Jeana Arpa) zaczął rysować proste formy roślin i wodorostów. Studia roślinne to w większości konturowe rysunki liści, łodyg i kwiatów, wykonane czystymi pociągnięciami ołówka lub pióra i wyśrodkowane na kartce.

Grafiką zajął się zgodnie w połowie lat 60., kiedy to w paryskim Maeght Éditeur zrealizował Suitę dwudziestu siedmiu litografii (1964-66). Powstała wówczas jego pierwsza grupa litografii roślin. Od 1970 roku współpracował głównie z Gemini G.E.L. Jego pierwsza seria 28 litografii transferowych, zatytułowana Suita litografii roślin, zapoczątkowała korpus, który rozrósł się do 72 odbitek i niezliczonych rysunków liści. W 1971 roku ukończył cztery edycje druków i edycję wielokrotnego lustrzanego Concorde'a w Gemini G.E.L. Jego Purpurowy

Rzeźba

Chociaż Kelly jest bardziej znany ze swoich obrazów, przez cały okres swojej kariery zajmował się również rzeźbą. W 1958 roku Kelly stworzył jedną ze swoich pierwszych rzeźb w drewnie, Concorde Relief I (1958), skromną płaskorzeźbę ścienną z wiązu, która bada wizualną grę i równowagę pomiędzy dwoma prostokątnymi formami nałożonymi na siebie, z których najwyższa ma usunięte prawe i lewe górne rogi. W ciągu swojej kariery wykonał 30 rzeźb w drewnie. Od 1959 roku tworzył wolnostojące rzeźby składane. Seria Rocker rozpoczęła się w 1959 roku po przypadkowej rozmowie Kelly'ego z Agnes Martin, która mieszkała pod nim na Coenties Slip na Dolnym Manhattanie. Bawiąc się papierową pokrywą z kubka do kawy, Kelly wyciął i złożył fragment okrągłego obiektu, który następnie położył na stole i kołysał w przód i w tył. Wkrótce potem skonstruował swoją pierwszą rzeźbę w kształcie koła - Pony. Tytuł odnosi się do dziecięcego konika hobbystycznego z zakrzywionymi podpórkami bujaków.

W 1973 roku Kelly zaczął regularnie tworzyć duże rzeźby plenerowe. Kelly zrezygnował z malowanych powierzchni, wybierając w zamian nielakierowaną stal, aluminium lub brąz, często w konfiguracjach przypominających totemy, takich jak Curve XXIII (1981). Podczas gdy totemiczne formy jego wolnostojących rzeźb mogą mierzyć do 15 stóp wysokości, jego płaskorzeźby ścienne mogą mieć ponad 14 stóp szerokości. Rzeźba Kelly'ego "opiera się na przestrzeganiu absolutnej prostoty i przejrzystości formy". W przypadku rzeźb z lat osiemdziesiątych, w tym okresie pobytu w Spencertown, artysta po raz pierwszy poświęcił tyle samo energii swoim rzeźbom, co malarstwu, i w procesie tym wyprodukował ponad sześćdziesiąt procent ze swoich całkowitych 140 rzeźb. Kelly tworzył swoje dzieła, wykorzystując kolejne pomysły w różnych formach. Mógł zacząć od rysunku, wzmocnił rysunek, aby stworzyć druk, wziął druk i stworzył wolnostojący kawałek, który został następnie wykonany w rzeźbie. Jego rzeźby mają być całkowicie proste i można je szybko obejrzeć, często jednym spojrzeniem. Widz obserwuje gładkie, płaskie powierzchnie, które są odosobnione od przestrzeni, która je otacza. To poczucie płaskości i minimalizmu sprawia, że trudno odróżnić pierwszy plan od tła. Blue Disc Kelly'ego został włączony do kluczowej wystawy w Jewish Museum w Nowym Jorku w 1966 roku, zatytułowanej Primary Structures, obok wielu znacznie młodszych artystów, którzy dopiero zaczynali pracę z minimalnymi formami.

Styl

William Rubin zauważył, że "rozwój Kelly'ego był zdecydowanie wewnętrznie ukierunkowany: nie był ani reakcją na Abstrakcyjny Ekspresjonizm, ani wynikiem dialogu z jego współczesnymi." Wiele jego obrazów składa się z jednego (zwykle jasnego) koloru, a niektóre płótna mają nieregularny kształt, czasami nazywane są "ukształtowanymi płótnami". Jakość linii widoczna w jego obrazach i w formie ukształtowanych płócien jest bardzo subtelna i sugeruje perfekcję. Widać to w pracy Block Island Study (1959).

Wpływy

Jako źródło powagi jego prac sugeruje się wojskowe pochodzenie Kelly'ego. Podczas służby w armii Kelly był narażony na wpływ kamuflażu, którym posługiwał się jego konkretny batalion. To nauczyło go posługiwania się formą i cieniem, a także konstruowania i dekonstruowania tego, co widzialne. Było to fundamentalne dla jego wczesnej edukacji jako artysty. Ralph Coburn, przyjaciel Kelly'ego z Bostonu, zapoznał go z techniką automatycznego rysunku podczas wizyty w Paryżu. Kelly przyjął tę technikę tworzenia obrazu bez patrzenia na kartkę papieru. Techniki te pomogły Kelly'emu rozluźnić swój styl rysowania i poszerzyły jego akceptację tego, co uważał za sztukę. Podczas ostatniego roku pobytu w Paryżu Kelly był chory i cierpiał na depresję; Sims uważał, że miało to wpływ na dominację czerni i bieli w tym okresie.

Podziw Kelly'ego dla Henri Matisse'a i Pablo Picasso jest widoczny w jego twórczości. Dzięki ich inspiracji nauczył się patrzeć na rzeczy na różne sposoby i pracować w różnych mediach. Piet Mondrian wpłynął na nieobiektywne formy, których używał zarówno w swoich obrazach jak i rzeźbach. Kelly był pod pierwszym wpływem sztuki i architektury epoki romańskiej i bizantyjskiej podczas studiów w Paryżu. Wprowadzenie do surrealizmu i neoplastycyzmu wpłynęło na jego twórczość i spowodowało, że zaczął testować abstrakcję form geometrycznych.

Curating

W 2014 roku Kelly zorganizował pokaz rysunków Matisse'a w Mount Holyoke College Art Museum w South Hadley, Massachusetts. W 2015 roku był kuratorem "Moneta

W 1990 roku Kelly był kuratorem wystawy "Artist's Choice: Ellsworth Kelly Fragmentation and the Single Form", w Museum of Modern Art.

W 1956 roku poznał Roberta Indiana, który zamieszkał w tym samym budynku i zostali partnerami. Kelly stał się jego mentorem. Rozstali się około 1964 roku. Jednym z powodów było używanie przez Indianę słów w swoich obrazach, a Kelly uznał taką technikę za niegodną sztuki wysokiej.

Od 1984 roku aż do śmierci Kelly mieszkał ze swoim mężem, fotografem Jackiem Shearem, który pełni funkcję dyrektora Ellsworth Kelly Foundation.

Pierwsza indywidualna wystawa Kelly'ego odbyła się w Galerie Arnaud w Paryżu w 1951 roku. Jego pierwsza indywidualna wystawa w Nowym Jorku odbyła się w Betty Parsons Gallery w 1956 roku. W 1957 roku pokazał prace na wystawie zbiorowej w Ferus Gallery, Los Angeles. W 1959 roku został włączony do przełomowej wystawy Museum of Modern Art, Sixteen Americans. Kelly został zaproszony do pokazania na Biennale w São Paulo w 1961 roku. Jego prace były później włączone do documenta w 1964, 1968, 1977, 1992. Sala jego obrazów znalazła się na Biennale w Wenecji w 2007 roku.

Pierwsza retrospektywa Kelly'ego odbyła się w Museum of Modern Art w 1973 roku. Od tego czasu jego twórczość została doceniona na licznych wystawach retrospektywnych, w tym na wystawie rzeźby w Whitney Museum of American Art w Nowym Jorku w 1982 roku; na wystawie prac na papierze i pokazie jego prac graficznych, które podróżowały po Stanach Zjednoczonych i Kanadzie w latach 1987-88; oraz na retrospektywie kariery w 1996 roku zorganizowanej przez Solomon R. Guggenheim Museum, która podróżowała do Museum of Contemporary Art w Los Angeles, Tate Gallery w Londynie i Haus der Kunst w Monachium. Od tego czasu indywidualne wystawy prac Kelly'ego odbyły się w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku (1998), Fogg Art Museum w Cambridge (1999), San Francisco Museum of Modern Art (1988

W 1993 roku Galerie nationale du Jeu de Paume w Paryżu zorganizowała wystawę "Ellsworth Kelly: The French Years, 1948-54", opartą na związkach artysty z miastem, która powędrowała do National Gallery of Art w Waszyngtonie; w 2008 roku Musée d'Orsay uhonorowało Kelly'ego wystawą "Correspondences: Paul Cézanne Ellsworth Kelly". Haus der Kunst wystawił w 2012 roku pierwszą kompleksową retrospektywę czarno-białych prac Kelly'ego.

Z okazji 90. urodzin artysty w 2013 roku National Gallery of Art w Waszyngtonie zorganizowała wystawę jego grafik, Barnes Foundation w Filadelfii zestawiła w jednym pokazie pięć rzeźb, Phillips Collection w Waszyngtonie wystawiła jego obrazy panelowe, a Museum of Modern Art otworzyło pokaz "Chatham Series".

Wybrane wystawy indywidualne

W 1957 roku Kelly otrzymał zlecenie na wykonanie 65-stopowej rzeźby ściennej dla Transportation Building w Penn Center w Filadelfii, która była jego największą pracą do tej pory. W dużej mierze zapomniana, rzeźba zatytułowana Sculpture for a Large Wall (1957) została ostatecznie zdemontowana. Od tego czasu Kelly zrealizował wiele publicznych zleceń, w tym Wright Curve (1966), stalową rzeźbę przeznaczoną do stałej instalacji w Guggenheim's Peter B. Lewis Theater; mural dla siedziby UNESCO w Paryżu w 1969 roku; Curve XXII (zlecenie I. M. Pei dla budynku Raffles City w Singapurze; Tryptyk Houston, pionowe płaszczyzny z brązu zamontowane na wysokim betonie w Museum of Fine Arts, Houston, w 1986 roku; Totem (the Dallas Panels - rzeźba z 1989 roku dla siedziby Nestlé w Vevey w Szwajcarii; Gaul (dwuczęściowy pomnik dla United States Holocaust Memorial Museum, Washington, D.C, w 1993 roku; oraz wielkoformatowe panele berlińskie dla Deutscher Bundestag, Berlin, w 1998 roku. Dla budynku sądu Stanów Zjednoczonych im. Johna Josepha Moakleya (projekt Henry'ego N. Cobba) w Bostonie zaprojektował The Boston Panels, 21 genialnie kolorowych paneli aluminiowych zainstalowanych w centralnej rotundzie jako pojedyncze dzieło w całym budynku.

W 2013 roku Ellsworth Kelly otrzymał zlecenie na wykonanie pracy "Spectrum VIII" (ukończonej w 2014 roku) wielkoskalowego, wielopanelowego obrazu służącego jako kurtyna do Audytorium zaprojektowanego przez Franka Gehry'ego w Fundacji Louis Vuitton, Paryż. Zob. "Ellsworth Kelly", Francesca Pietropaolo ed., Cahiers de la Fondation, no.1, (Paris: Fondation Louis Vuitton, 2014).

Dwupanelowy Blue Black (2001), wysoki na 28 stóp i wykonany z malowanego aluminium o strukturze plastra miodu, został zamówiony dla Pulitzer Arts Foundation w St. Louis, a duży brąz Untitled (2005) został zamówiony specjalnie na dziedziniec Phillips Collection. W 2005 roku Kelly otrzymał zlecenie na wykonanie jedynej pracy site-specific dla skrzydła Modern Instytutu Sztuki w Chicago autorstwa Renzo Piano. Stworzył White Curve, największą rzeźbę ścienną, jaką kiedykolwiek wykonał, która jest wystawiana od 2009 roku. W 2008 roku Kelly zainstalował Berlin Totem, 40-stopową rzeźbę ze stali nierdzewnej, na dziedzińcu Ambasady Stanów Zjednoczonych w Berlinie.

W 1986 roku Kelly wymyślił swój pierwszy wolnostojący budynek dla prywatnego kolekcjonera, ale nigdy nie został on zrealizowany. Dopiero w 2015 roku Blanton Museum of Art nabyło jego projekt kamiennego budynku o powierzchni 2.715 stóp kwadratowych, w tym 14 czarno-białych paneli marmurowych i okien z kolorowego szkła, planując zbudować go na terenie muzeum przy University of Texas, Austin. Budynek został otwarty dla publiczności 18 lutego 2018 roku. Dzieło sztuki i architektury, Austin, jest uważane za kulminację kariery Kelly'ego.

Kelly otrzymał zlecenie na stworzenie dużej rzeźby plenerowej w 1968 roku dla Empire State Plaza Art Collection Nelsona A. Rockefellera w Albany, NY. Rzeźba zatytułowana Yellow Blue została zainspirowana scenerią Empire State Plaza i jest największą stojącą rzeźbą Kelly'ego o wysokości dziewięciu stóp i prawie szesnastu stopach średnicy. Yellow Blue była jego pierwszą stalową rzeźbą i pozostaje jedyną do tej pory wykonaną z malowanej stali.

W 1957 roku Whitney Museum of American Art zakupiło obraz Atlantic, który przedstawiał dwa białe łuki przypominające fale na tle jednolitej czerni; był to pierwszy zakup muzealny Kelly'ego. Dziś jego prace znajdują się w wielu kolekcjach publicznych, m.in. w Centre Pompidou w Paryżu, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía w Madrycie, Governor Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza Art Collection w Albany w stanie Nowy Jork i Tate Modern w Londynie. W 1999 roku San Francisco Museum of Modern Art ogłosiło, że zakupiło 22 prace, obrazy, płaskorzeźby ścienne i rzeźby, autorstwa Ellswortha Kelly'ego. Zostały one wycenione na ponad 20 milionów dolarów. W 2003 roku Menil Collection otrzymała Tablicę Kelly'ego, 188 oprawionych prac na papierze, w tym szkice, rysunki robocze i kolaże. Do godnych uwagi prywatnych kolekcjonerów należą między innymi Eli Broad i Gwyneth Paltrow.

Kelly otrzymał również liczne tytuły honorowe, między innymi od Bard College (Uniwersytet Harvarda, Cambridge (i Williams College (2005).

Znaczki pocztowe Kelly

United States Postal Service ogłosił w styczniu 2019 roku, że zestaw znaczków honorujących dzieło Kelly'ego zostanie wydany w 2019 roku. Komunikat prasowy USPS uznaje Kelly'ego za pioniera "charakterystycznego stylu abstrakcji opartego na rzeczywistych elementach zredukowanych do ich istotnych form." Reprezentowanych jest dziesięć prac, w tym Yellow White, Colors for a Large Wall, Blue Red Rocker, Spectrum I, South Ferry, Blue Green, Orange Red Relief (dla Delphine Seyrig), Meschers, Red Blue i Gaza. Zestaw znaczków zostanie wydany 31 maja 2019 roku.

W 1956 roku dealerka Betty Parsons zaproponowała mu po raz pierwszy wystawę indywidualną. W 1965 roku, po prawie dekadzie współpracy z Parsons, zaczął wystawiać w Sidney Janis Gallery. W latach 70. i 80. jego pracami zajmowali się wspólnie Leo Castelli i Blum Helman w Nowym Jorku. W 1992 roku związał się z Matthew Marks Gallery w Nowym Jorku i Los Angeles oraz z Anthony d'Offay Gallery w Londynie. Fasada galerii Marksa w Los Angeles została zainspirowana Study for Black and White Panels, kolażem, który wykonał mieszkając w Paryżu w 1954 roku, oraz obrazem Black Over White. Od 1964 roku produkował grafiki i rzeźby na zamówienie w Gemini G.E.L. w Los Angeles i Tyler Graphics Ltd pod Nowym Jorkiem.

W 2014 roku obraz Kelly'ego Red Curve (1982) sprzedał się na aukcji za 4,5 mln dolarów w Christie's New York. Ten rekord aukcyjny dla dzieła Ellswortha Kelly'ego został ustanowiony przez 13-częściowy obraz Spectrum VI (1969), który sprzedał się za 5,2 miliona dolarów na aukcji Sotheby's New York, Contemporary Art Evening, 14 listopada 2007 roku.

W listopadzie 2019 roku Christie's ustanowił rekord aukcyjny dla artysty pracą Red Curve VII, sprzedaną za 9,8 mln dolarów.

Źródła

1. Ellsworth Kelly
2. Ellsworth Kelly
3. ^ a b c d e f g h i Goossen, E.C. Ellsworth Kelly, Greenwich, CT: New York Graphic Society, 1973.
4. Goossen, E.C. Ellsworth Kelly, Greenwich, CT: New York Graphic Society, 1973.
5. a b Ruiz, Enrique Andrés (20 de noviembre de 2018). «Nueva luz sobre París». El País. ISSN 1134-6582. Consultado el 20 de noviembre de 2018.
6. Ellsworth Kelly // Brockhaus Enzyklopädie (нем.) / Hrsg.: Bibliographisches Institut & F. A. Brockhaus, Wissen Media Verlag
7. 1 2 3 4 5 6 7 8 Goossen, E.C. Ellsworth Kelly. — Greenwich, CT: New York Graphic Society, 1973.
8. 1 2 3 4 5 Coplans, John. Ellsworth Kelly. — New York: H.N. Abrams, 1972.
9. Holland Cotter, « Ellsworth Kelly, Artist Who Mixed European Abstraction Into Everyday Life, Dies at 92 », The New York Times,‎ 27 décembre 2015 (ISSN 0362-4331, lire en ligne, consulté le 28 décembre 2015).
10. a b c d e f et g Philippe Dagen, « La mort d’Ellsworth Kelly, maître des couleurs et des sensations », Le Monde,‎ 28 décembre 2015 (lire en ligne)
11. a b et c « Kelly Ellsworth (1923-2015) », sur Encyclopædia Universalis
12. Judicaël Lavrador, « Ellsworth Kelly, abstraction faite », Libération,‎ 28 décembre 2015 (lire en ligne)
13. « Exposition : Ellsworth Kelly, géomètre de la couleur », Le Monde,‎ 27 août 2018 (lire en ligne, consulté le 28 août 2018).