Streszczenie

Barnett Newman (29 stycznia 1905, Nowy Jork - 4 lipca 1970, Nowy Jork) był amerykańskim malarzem. Jest jednym z najważniejszych przedstawicieli ekspresjonizmu abstrakcyjnego i jednym z pierwszych malarzy Colorfield Painting.

Dzieciństwo

Barnett Newman urodził się w domu swojej rodziny przy 480 Cherry Street na Lower East Side of Manhattan w Nowym Jorku 29 stycznia 1905 roku. Jego rodzice, Abraham i Anna (urodzeni, odpowiednio, w 1874 i 1882 roku) byli żydowskimi imigrantami z polskiego miasta Łomża.

Ojciec zarabiał na życie sprzedając części do maszyn do szycia pracownikom fabryk odzieżowych. Barnett Newman miał czterech braci i siostry. Najstarszy zmarł w niemowlęctwie, co czyniło Barnetta najstarszym z rodzeństwa. Abraham Newman założył przemysłową firmę odzieżową. Jego biznes dobrze prosperował i w 1915 roku rodzina Newmanów przeniosła się na Belmont Avenue, do dzielnicy klasy średniej w Bronksie. Tam Barnett cieszył się dzieciństwem wypełnionym sportem i lekcjami gry na fortepianie.

Newmanowie byli syjonistami, a dzieci uczęszczały do National Hebrew School w Bronksie. Oprócz zajęć w szkole, dzieci są uczone w domu przez młodych Żydów z Europy.

Adolescencja

W latach 1919-1923 Barnett Newman uczył się w DeWitt Clinton High School. Newman wspominał później, że regularnie wagarował w szkole, by bawić się w pobliskim Metropolitan Museum of Art.

Podczas pierwszego roku w szkole średniej Newman szukał drugiego imienia, które stało się Benedictem, pochodną jego hebrajskiego imienia Baruch. Później nazywano go "Barney", a następnie "B.B.". Newman użył dodatkowego "B" w swoim podpisie, którego używał do końca życia na wszystkich oficjalnych dokumentach.

Jako senior w szkole średniej, Newman pracował nad swoim rysunkiem na zajęciach sześć dni w tygodniu w Art Students League. Został nagrodzony, gdy jego znacznie przepracowany rysunek został wybrany na wystawie najlepszych prac studenckich.

W tej szkole, w latach 1923-1927, Newman poznał Adolpha Gottlieba, który już wcześniej rozpoczął swoje życie jako artysta, ponieważ Gottlieb porzucił szkołę średnią w 1921 roku, aby studiować sztukę i zwiedzić Europę. Zostali przyjaciółmi i regularnie odwiedzali Metropolitan Museum of Art.

Po ukończeniu szkoły średniej Newman zapisał się na New York University, gdzie studiował filozofię. Pisał artykuły do szkolnej gazety The Campus oraz do studenckiego magazynu literackiego The Lavander. Opublikował na przykład recenzję Rogera Frya. Podczas studiów zaprzyjaźnił się z Aaronem Siskindem, artystą, który później stał się znanym fotografem.

W latach 30. namalował prace, które podobno były ekspresjonistyczne, ale wszystkie zniszczył. Następnie został pisarzem i krytykiem sztuki, organizując wystawy i pisząc wstępy do katalogów. Później został członkiem Uptown Group.

Po studiach

W 1927 roku ojciec Newmana zaproponował mu dołączenie do dobrze prosperującego rodzinnego biznesu, aby zaoszczędzić pieniądze na niepewną przyszłość artysty. Barnett Newman zgodził się i dołączył do niego jeden z jego braci.

W 1929 roku, kiedy w październiku następuje krach na giełdzie, rodzinna firma odzieżowa przeżywa kryzys. Podczas gdy jego brat opuścił firmę, Barnett Newman pozostał na miejscu, aby spróbować pomóc ojcu uratować firmę. Ale biznes nadal upada. Barnett opuszcza firmę i próbuje zostać nauczycielem sztuki w nowojorskim systemie szkół publicznych. Został zastępczym nauczycielem sztuki zarabiając 7,50$ dziennie.

Poprzez swojego przyjaciela, Gottlieba, poznał w latach 30. malarza Miltona Avery'ego. Stali się centrum grupy młodych artystów, którzy często spotykali się w domu Miltona Avery'ego, aby studiować ich prace i dyskutować o literaturze. W tym okresie Newman i Gottlieb mieszkali razem.

Kilka lat później Newman przedstawił wraz z przyjacielem manifest zatytułowany "The Need for Public Action by Men of Culture", który składał się z trzech części: szerszej edukacji, większego uznania dla rzemiosła i wspierania życia kulturalnego.

W 1934 r. Newman zaprzyjaźnił się z Annalee Greenhouse, z którą dzielił i cieszył się muzyką. Jakiś czas później została jego żoną.

W 1935 roku podjął pracę, którą wykonał jako student, dotyczącą obrony praw urzędników (nauczycieli, śmieciarzy itp.), którą nazwał "Odpowiedź" i napisał: "Książki, które polecamy" i promulgował takie książki jak Etyka Spinozy, Republika Platona oraz tekst lustrzany zatytułowany: "Książki, które potępiamy" i cytował dzieła Marksa lub Lenina.

Jego kariera nauczycielska

30 czerwca 1936 roku Annalee i Barnett wzięli ślub. Para chciała przenieść się do Maine, ale względy finansowe zmusiły ich do powrotu do pracy nauczycielskiej w Nowym Jorku.

W kwietniu 1937 roku Newman dowiedział się, że nie zdał egzaminu na nauczyciela sztuki w pełnym wymiarze godzin. Egzamin zdał z zaledwie 15% skutecznością. Nadal pracował jako nauczyciel zastępczy, zarabiając niecałe 1400 dolarów rocznie, bez płatnych urlopów i ubezpieczenia od bezrobocia. Mimo to zarabiał lepiej niż jego przyjaciele Gottlieb czy Rothko, którzy byli malarzami do prac federalnych finansowanych przez Work Progress Administration (WPA). W tym samym roku jego ojciec doznał ataku serca i przeszedł na emeryturę. Barnett Newman postanowił postawić firmę w stan likwidacji finansowej. W tym samym czasie Barnett pomagał ojcu swojej żony w batalii prawnej dotyczącej fałszerstwa egzaminacyjnego. Barnett zwierzał się później, że ten okres był najmniej bogaty w pracę, mówił: "Czułem, że mam poważniejsze problemy: mojego ojca, jej ojca."

W styczniu 1938 roku przystąpił do egzaminu konkursowego na nauczyciela języka angielskiego w szkole średniej. Nie zdał i skupił się na egzaminie na nauczyciela plastyki. Tym razem jego wynik wyniósł 33% za umiejętności akwarelowe, co nie było wystarczające. Z ramienia Towarzystwa Sztuk Pięknych przypuścił szturm na komisję egzaminacyjną. Uzyskał poparcie znanych artystów, takich jak Max Weber, Thomas Hart Benton i Rockwell Kent. Zorganizował wystawę prac odrzuconych przez jury i nazwał ją: "Czy potrafimy rysować? Jury mówi NIE", a wśród nich znalazł się obraz Webera. Wystawa ta przyciągnęła zwiedzających i media. Następnie pozwolono Newmanowi i jego siostrze na ponowne przystąpienie do egzaminu. Newman po raz kolejny nie zdał.

W 1939 roku Annalee dostała stałą pracę nauczyciela w szkole średniej w Queens (William Cullen Bryant School).

Akwarela Newmana zatytułowana "Country Studio" była częścią wystawy sztuki zorganizowanej przez członków Art Teachers' Association w marcu 1940 roku. Akwarela ta jest niemal podobna do kampanii: "Can we draw?", która pojawiła się dwa lata wcześniej. W październiku tego samego roku Newman postanowił zrezygnować z niektórych prowadzonych przez siebie wieczornych zajęć z sitodruku. Kontynuował swoje zainteresowanie naukami przyrodniczymi. Brał udział w kursach w Amerykańskim Muzeum Historii Naturalnej i został wybrany na członka stowarzyszonego Amerykańskiego Związku Ornitologów. Latem Barnett i Annalee studiowali ptaki i życie morskie w Maine, a następnie uczestniczyli w kursach botaniki i ornitologii na Uniwersytecie Cornell w Ithaca w Nowym Jorku.

Kariera artystyczna

W 1943 roku Barnett Newman napisał przedmowę do katalogu pierwszej wystawy AMA - American Modern Artists. Wystawa ta była protestem przeciwko Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku z powodu wykluczenia sztuki nowoczesnej ze swoich wystaw. W 1945 roku poświęcił się kilku pismom, które zostaną opublikowane post mortem, takim jak: "The Plasma Image", esej demaskujący jego idee dotyczące sztuki abstrakcyjnej. W tym samym roku Newman i jego żona dowiedzieli się, że część rodziny została deportowana przez nazistów. W tym czasie zaprzyjaźnili się z Tonym Smithem, architektem i artystą, który pomagał mu w organizacji wystaw. Pod koniec tego samego roku Newman dołączył do artystów wystawiających na wystawie Betty Parsons. Była to pierwsza wystawa Newmana od czasu pokazu w 1940 roku z udziałem jego przyjaciół, członków Art Teachers Association.

W 1947 roku Newman poznał Jacksona Pollocka i Lee Krashnera. Newman i Pollock nawiązali silną przyjaźń. Pollock był artystą, który wystawiał swoje prace na ostatniej wystawie "Art of This Century" stworzonej przez Peggy Guggenheim. Przyjaciółka Newmana, Betty Parson, dodała później Pollocka do artystów, których wystawiała w swojej galerii. Newman w tym samym roku przygotował wydarzenie w galerii Betty Parson, gdzie wystawił swoje prace: Gea i Euclidian Abyss.

W czerwcu 1947 roku zmarł ojciec Newmana. Pod koniec roku szkolnego Newman porzucił pracę i małżeństwo, by żyć z wyłącznych dochodów Annalee, swojej żony. Newman napisał esej zatytułowany The First Man Was an Artist. Esej ten ukazał się w pierwszym numerze Tiger's Eye, małego magazynu o sztuce. Wniósł duży wkład pisząc na temat "Dlaczego maluję", na który powiedział: "Artysta maluje, żeby mieć na co patrzeć, czasem musi pisać, żeby mieć też co czytać". W tym samym roku jego praca Euclidian Abyss została wystawiona przez Abstract and Surrealist American Art w Art Institute of Chicago w listopadzie 1947 roku. Obraz ten był pierwszą sprzedażą Newmana. Obraz został zakupiony przez kolekcjonerów w Connecticut.

W następnym roku, 1948, Newman namalował Onement I. Obraz ten należy uznać za przełomowy w jego karierze, kolejne dwa lata miały być najbardziej produktywne w jego życiu. Onement I jest częścią serii Onement, wraz z Onement II i Onement III. Wczesną jesienią William Baziotes, David Hare, Robert Motherwell i Mark Rothko założyli szkołę artystyczną. Newman zaproponował nazwę szkoły - Artist's Subjects, aby podkreślić znaczenie przedmiotu w sztuce abstrakcyjnej.

W 1949 roku Newman wykonał siedemnaście prac w tym samym roku, co było najbardziej produktywne w jego karierze. W styczniu Newman dołączył do wydziału przedmiotów artystycznych. Małżeństwo Newmanów pomagało w organizowaniu wykładów dla szkoły. Mimo popularności, szkoła została zamknięta w maju 1949 roku.

W 1950 roku Newman miał swoją pierwszą indywidualną wystawę w galerii Betty Parsons. Zaraz po tej pierwszej wystawie Barnett Newman powiedział na sesji artystycznej w Studio 35: "W pewnym sensie tworzymy świat na nasz obraz". Wykorzystując swój talent pisarski, Newman walczył o wzmocnienie swojego nowego wizerunku jako artysty i o promocję swoich prac. Ale recenzje były w większości negatywne. ARTNews pisze: "Newman jest po to, by szokować, ale nie jest po to, by szokować burżuazję - to już było. On lubi szokować innych artystów. Tylko jeden obraz (End of Silence) został sprzedany znajomym jego żony. Po wystawie zysk Newmana wyniósł 84,14 dolarów.

Wraz z siedemnastoma innymi artystami Newman napisał list protestujący przeciwko Metropolitan Museum of Art i jego negatywnemu spojrzeniu na sztukę nowoczesną. List ten ukazał się w New York Times 22 maja 1950 roku i wywołał lawinę artykułów redakcyjnych w lokalnych i krajowych publikacjach. W tym samym roku powstała jego pierwsza rzeźba Here I, wykonana z drewna i gipsu. Artysta zastanawiał się nad pionowością i podkreślił ją w tej pracy z brązu. W tym samym roku powstał również Dziki, który jest długim, wąskim płótnem. Jego powierzchnia jest pomalowana na pomarańczowo, a krawędź na szaroniebiesko.

W kwietniu 1951 roku Newman wystawił się po raz drugi w galerii Betty Parsons. To właśnie na tej wystawie po raz pierwszy pojawił się obraz o wymiarach 5,40 m długości i 2,40 m szerokości - Vir Heroicus Sublimis. Niestety, krytycy ponownie go potępili i żaden z obrazów nie został sprzedany. W końcu wycofał swoje prace z galerii i zaprzestał w niej działalności. Ten obraz stanie się później jego najsłynniejszym dziełem.

W eseju zatytułowanym "Feelings is all", który ukazał się w 1952 roku, krytyk Clement Greenberg z opóźnieniem uznał prace Newmana z lat 1950 i 1951 na swoich wystawach i potępił jego krytyków. Oświadczył: "Newman jest bardzo ważnym i oryginalnym artystą". W kwietniu 1952 roku Newman został wykluczony z Museum of Modern Art, które pokazywało piętnastu amerykańskich artystów, w tym wielu jego przyjaciół, takich jak Pollock i Rothko. To wydarzenie głęboko zraniło Newmana. W katalogu wystawy można przeczytać: "Dla mojego przyjaciela Barnetta Newmana, który również powinien być reprezentowany na tej wystawie".

W czerwcu 1953 roku odkupił część swoich prac. Oświadczył, że chce usunąć wszystkie te "małe" obrazy z widoku publicznego. Działanie to jest reprezentatywne dla pragnienia Newmana, aby wycofać się z oficjalnego świata sztuki. Nie wystawiał ponownie aż do 1955 roku.

W 1955 roku Newman osiągnął wiek pięćdziesięciu lat i choć jego żona podjęła drugą pracę, sytuacja finansowa pary była niepewna. Małżonkowie zaciągali pożyczki i zastawiali kosztowności. W tym samym roku krytyk Clement Greenberg pochwalił sztukę Newmana, określając ją jako "głęboką i szczerą", ale także stwierdzając, że jest on uczniem Stilla i że jego prace są bardzo podobne do prac jego przyjaciela Rothko. To ostatnie stwierdzenie głęboko zirytowało Newmana. Można zacytować choćby jego list z 9 kwietnia 1955 roku "List do Sidneya Janisa: - To prawda, że Rothko przemawia do walczącego. On jednak walczy, by podporządkować sobie świat Filistynów. Moja walka z burżuazyjnym społeczeństwem przekonała mnie do jego całkowitego odrzucenia."

Z okazji dziesiątej rocznicy istnienia galerii Betty Parsons wystawił jedną ze swoich prac "Horizon Light". Była to jego pierwsza publiczna wystawa od 1951 roku. Potem, do 1957 roku, nie tworzył żadnych obrazów, a jeśli już, to je porzucał. Jego przyjaciel, Jackson Pollock, pokazuje pracownię Newmana Benowi Hellerowi, młodemu kolekcjonerowi, który kupuje dwa obrazy "Adam" i "Królowa nocy I" za 3.500 dolarów. Niedługo potem Jackson Pollock ginie w wypadku samochodowym na Long Island, co bardzo dotknęło małżeństwo Newmanów.

W czerwcu 1957 roku Newman został włączony do wystawy Minneapolis Institute of Arts. Jednak jego kłopoty z krytykami trwały nadal: "Najgłupszą rzeczą na wystawie jest Barnett Newman z Vir Heroicus Sublimis". Kilka miesięcy później, pod koniec roku, Newman doznał ataku serca i był hospitalizowany przez sześć tygodni.

Potem, w 1958 roku, pomagał żonie, matce i siostrze w swoim mieszkaniu i malował bardzo niewiele, w tym dwa obrazy, które później nazwano Pierwszą stacją i Drugą stacją. Obrazy te były pierwszymi z długiej serii zatytułowanej Droga Krzyżowa. Później Ben Heller, młody kolekcjoner, zaprosił Alfreda Barra i Dorothy Miller z Museum of Modern Art do odwiedzenia pracowni Newmana. Cztery z jego obrazów, Abraham, Concord, Horizon Light i Adam, zostały następnie wystawione na zasadzie objazdu w Museum of Modern Art, a on sam udał się do Mediolanu, Madrytu, Berlina, Amsterdamu, Brukseli, Paryża i Londynu, wracając do Nowego Jorku w następnym roku.

Podczas podróży służbowej w 1959 roku Arnold Rudlinger, szwajcarski historyk sztuki i dyrektor muzeum, który stał się jednym z pionierów sztuki amerykańskiej w Europie, zobaczył pracę Newmana zatytułowaną Day Before One. Kupił ją i stał się pierwszą osobą posiadającą publiczną kolekcję z dziełem Newmana. Później MoMA poszło w jego ślady i stało się pierwszym amerykańskim muzeum posiadającym dzieło Newmana.

Barnett Newman miał wtedy wystawę zorganizowaną przez Clementa Greenberga, krytyka sztuki i doradcę galerii. Krytyka pozostała wroga, ale wystawa zainteresowała młodsze pokolenie nowojorskich artystów, dla których była to pierwsza okazja do zobaczenia jego prac. W sierpniu 1959 roku para Newmanów wyjechała do Kanady, gdzie Barnett prowadził letnie warsztaty dla kanadyjskich artystów. Stał się on bardzo wpływowy dla tych młodych artystów, z których wielu wyjechało potem do Nowego Jorku. Jeden z nich, rzeźbiarz Robert Murray, powiedział później: "Pomógł nam z naszą prowincjonalną paranoją... Sprawił, że bycie artystą wydawało się ważne".

W 1960 roku uzupełnił surowe płótna czarną farbą. W tym momencie zaczął myśleć o drodze krzyżowej jako o cyklu. Pracował nad nim przez następne sześć lat. Będzie też pracował nad pracami graficznymi, których nie robił od jedenastu lat. Wykonał serię dwudziestu dwóch rysunków tuszem o wymiarach 4,20 m na 3 m. W styczniu 1961 roku obraz Vir Heroicus Sublimis kupił Ben Heller. Innymi sprzedanymi w tym samym roku obrazami były L'Errance i Onement VI.

W lutym Barnett Newman popada w głęboką depresję po nagłej śmierci swojego młodszego brata, George'a. Aby wyrwać go z tej sytuacji, jego przyjaciel Cleve Gray zaprasza go do udziału w projekcie litografii w Pratt Institute Graphic Art Center. Było to jego pierwsze doświadczenie z grafiką. Niedługo potem namalował obraz dedykowany bratu George'owi w kolorach ecru i czarnym, Surgit la lumière (Dla George'a).

W styczniu 1962 roku odrzucił zaproszenia na ważne wydarzenia, takie jak Gallery of Modern Art w Waszyngtonie i impreza "Geometric Abstraction" w Whitney Museum of American Art w Nowym Jorku. W tym samym roku powstał obraz zatytułowany The Third. Z pomocą Roberta Murraya, Newman wziął udział w odlewie ze swoją rzeźbą z 1950 roku Here I (To Marcia) w Modern Art Foundry w Queens. Został on nazwany na cześć Marcii Weisman, która namawiała go na odlew.

23 października 1962 roku Newman i De Kooning zorganizowali wystawę swoich prac w galerii Tony'ego Smitha. Fale krytyki były ostatecznie na korzyść Newmana, a on sam został teraz ogłoszony jednym z "najbardziej niezwykłych żyjących dziś artystów".

W 1963 roku magazyn Vogue opublikował błyskotliwy esej biograficzny Harolda Rosenberga zatytułowany "Barnett Newman, człowiek kontrowersji i duchowej wielkości". Później Newman został zachęcony przez Williama Liebermana, kuratora grafiki w Museum of Modern Art, do wykonywania litografii. To właśnie wtedy Newman postanowił stworzyć "książkę", czyli zbiór litografii. Pracował nad czterema kamieniami w swojej pracowni. Jego praca stała się serią procesów litograficznych o nazwie "Cantos" wydanych przez ULAE. Zakończył swój projekt w 1964 roku 14 "Cantos", ale później zdecydował, że potrzebne są jeszcze cztery ryciny, co dało w sumie osiemnaście. Był zachwycony tą liczbą, która po hebrajsku (chai) oznacza również życie. Dla niego są one jak muzyczne pieśni, które dedykuje swojej żonie Annalee. Następnie namalował Siódmą stację, Ósmą stację, Dziewiątą stację i Be II, które zamykają cykl Drogi Krzyżowej, wystawiony przez Guggenheima w Nowym Jorku. We wrześniu Annalee przechodzi na emeryturę. Teraz spędza dni z Barnettem w studio.

W 1965 roku prace Newmana znalazły się na dwóch imprezach celebrujących koniec ekspresjonizmu abstrakcyjnego w Filadelfii, The Decisive Years: 1943-1953 oraz w Los Angeles, New York School, The First Generation: Paintings of the 1940s and 1950s. W tym samym roku Newman wykonał w Treitel Gratz Company kolejną stalową rzeźbę Here II, która uzupełniała Here I. Kilka miesięcy później kurator Walter Hopps wskazał Newmana jako centralną postać w grupie artystów, których wybrał do pawilonu USA na ósmym Biennale w São Paulo. Pozostała szóstka artystów była o dwadzieścia lat młodsza od Newmana. Są to Billy Al Bengston, Larry Bell, Robert Irwin, Donald Judd, Larry Poons i Frank Stella. Na życzenie artysty siedem obrazów i dwie rzeźby zostały zaprezentowane poza konkursem. Tym wydarzeniem Newman oczarował dziennikarzy. Zdobył podziw architekta Oscara Niemeyera i słynnego piłkarza Pelé. Ale zaimponował też artystom z São Paulo swoją wiedzą z zakresu historii sztuki.

20 kwietnia 1966 roku w Guggenheim w Nowym Jorku odbyła się wystawa samych prac Newmana, w tym obrazów drogi krzyżowej. Te "stacje" zyskały uwagę daleko poza zwykłymi granicami świata sztuki i jego prace były wystawiane na całym świecie, szczególnie w Europie. Kontynuował pracę w odlewni Treitel Gratz, gdzie wykonał rzeźbę z Cortenu i stali nierdzewnej o nazwie Be III. W tym samym roku wykonał również swój pierwszy obraz z użyciem kolorów podstawowych, który miał być podstawą serii czterech obrazów Who's Afraid of Red, Yellow and Blue uzupełnionych akrylami. W tym samym roku wykonał kilka obrazów, w tym jeden o długości około 5 metrów Voice of Fire, który został wykorzystany w amerykańskim pawilonie na Światowych Targach w Montrealu w 1967 roku, jeden z jego najbardziej imponujących obrazów.

W sierpniu 1967 roku Newman został zaproszony do wygłoszenia referatu na temat duchowego wymiaru sztuki współczesnej na pierwszym Międzynarodowym Kongresie Religii, Architektury i Sztuk Wizualnych w Nowym Jorku. W swoim wystąpieniu Newman stwierdził: "Dla prawdziwego artysty liczy się rozróżnienie między miejscem a nie-miejscem; a im większe dzieło sztuki, tym większe będzie to uczucie. A to uczucie jest podstawowym wymiarem duchowym". Wkrótce potem Newman rozpoczął współpracę z North Haven Foundry w Connecticut, która specjalizowała się w produkcji dużych dzieł sztuki. Newman wykonał monumentalną rzeźbę Broken Obelisk, która była później wystawiana w wielu galeriach sztuki. Pracując nad swoim obeliskiem, Newman rozważał pomysł trójkątnego obrazu.

W listopadzie 1967 r. Newmanowie przyjeżdżają do Europy na otwarcie "The Poetry of Vision" w Dublinie, wystawy sztuki współczesnej i antycznej, na której znalazły się m.in. Who's Afraid of Red, Yellow and Blue II, Queen of the Night II i Now II. 21 grudnia 1967 roku Newman podpisuje w New York Review of Books list otwarty protestujący przeciwko antysemityzmowi w Związku Radzieckim.

W styczniu 1968 roku para przyjechała do Paryża, aby Newman mógł wziąć udział w konferencji ku czci Charlesa Baudelaire'a i odbył pierwszą wizytę w Luwrze. 28 kwietnia Newman przyjmuje posadę wykładowcy na Uniwersytecie w Bridgeport w stanie Connecticut. W tym samym roku Newman wykonuje obraz poświęcony światłu swojej matki Anny. Był to największy obraz, jaki Newman kiedykolwiek wykonał i pierwszy, który został rozpięty i zamontowany bezpośrednio na ścianie pracowni. Kilka miesięcy później protestuje przeciwko burmistrzowi Chicago Daley'owi i brutalnym działaniom policji w sprawie usunięcia pracy Gea z wystawy w Chicago i tworzy plany rzeźby zatytułowanej Mayor Daley's Outhouse, ale nie starczyło mu czasu na jej ukończenie.

25 marca 1969 roku Newman otworzył swoją pierwszą galerię, M. Knoedler and Company, w której miał pokazać swoje prace z lat 60. Cztery prace Who's Afraid of Red, Yellow and Blue cieszyły się dużym powodzeniem, podobnie jak Now II, Anna's Light i dwa trójkątne obrazy, które właśnie ukończył, Jericho i Chartres. Następnie pojawiła się pierwsza opublikowana monografia Newmana napisana przez Thomasa Hessa.

Praca Newmana jest kontrowersyjna, ale powszechnie chwalona przez dziedzinę. Negatywne recenzje krytyków nie pozostawiają wątpliwości co do znaczenia Newmana. Jego wystawy przyciągały tyle samo uwagi, co odbywające się w tym samym roku muzealne retrospektywy Willema de Kooninga i Davida Smitha. W tym samym roku zrealizował obraz Zim Zum I, który pierwotnie miał mieć 3,60 m wysokości, ale został zredukowany do 2,40 m, aby można go było przewieźć do Tokio na wystawę w skansenie Hakoone.

Dziesięć obrazów i trzy rzeźby Newmana z lat 1946-1969 znalazły się na nowojorskiej wystawie Painting and Sculpture 1940-1970, zorganizowanej przez Henry'ego Geldzahlera dla Metropolitan Museum of Art. Jeszcze w tym samym roku Newman rozpoczął plany dużych retrospektywnych wystaw, które miały być zorganizowane przez Thomasa Hessa m.in. w Tate Gallery w Londynie, Grand Palais w Paryżu, MoMA w Nowym Jorku i Stedelijk Museum w Amsterdamie.

W styczniu 1970 roku Newman przyczynił się do obchodów stulecia Metropolitan Museum of Art, gdzie napisał: "Zawsze miałem niesmak, a nawet pogardę dla reprodukcji i fotografii dzieł sztuki, nawet moich własnych prac. Mogę się tylko cieszyć, że moja edukacja artystyczna nie pochodziła z badania fotografii i superprodukcji slajdów ani nawet od nauczycieli, ale od samego siebie w obliczu rzeczywistości.

17 maja 1970 roku Brandeis University w Waltham, Massachusetts uhonorował twórczość Newmana Medalem za Twórczość w Dziedzinie Malarstwa.

4 lipca 1970 roku, w wieku sześćdziesięciu pięciu lat, Barnett Newman zmarł na atak serca w swojej pracowni w pobliżu obrazu Who's Afraid of Red, Yellow, and Blue IV. W jego pracowni znajduje się również niedokończone płótno o wymiarach 5,40 m na 2,40 m, płótno w kształcie trójkąta prostokątnego oraz trzy jego ukończone, ale bez tytułu prace.

Pierwsze prace

W latach czterdziestych jego styl był raczej surrealistyczny, a potem stał się bardziej dojrzały. Charakteryzuje się on obszarami koloru oddzielonymi cienkimi pionowymi liniami, zipami, jak je nazywa. W jego pierwszych pracach z tymi zipami pola barwne nie są jednolite, ale później kolory są czyste i płaskie.

W 1947 roku w galerii Betty Parson wystawił dwie prace - Gea i Euclidian Abyss. Na czarnym tle pojawiają się pionowe, żółte linie, które nie do końca są pionowe, co staje się coraz bardziej istotne w jego twórczości. Te suwaki wyznaczają osobliwość artysty i pozostaną stałym elementem w karierze Newmana.

Sam uważał, że pełną dojrzałość swojego stylu osiągnął w 1948 roku serią Onement. Są to prace z bordowym tłem i pionowymi suwakami w innych kolorach. Prowokują one wstrząsy i emocje u widza. Newman powiedział o tych pracach: "Istnieją specyficzne i odrębne transformacje uczuć, których można doświadczyć przed każdym obrazem".

W niektórych obrazach z lat 50., takich jak The Wild, który ma dwa i pół metra długości i cztery centymetry szerokości, zamek błyskawiczny jest obecny, jeśli nie sama praca. Newman wykonał również kilka rzeźb, w tym Here I, które są w zasadzie trójwymiarowymi reprezentacjami zamków błyskawicznych.

W 1951 roku wystawił Vir Heroicus Sublimis, który stał się później jego najsłynniejszym dziełem. Ilość zamków i ich regularność nadaje obrazowi symetrię, w wyniku czego czerwona płaskość wydaje się prosta.

Chociaż obrazy Newmana wydają się być czysto abstrakcyjne, a wiele z nich było pierwotnie bez tytułu, nazwy, które później im nadał, odnoszą się do konkretnych tematów, często o tematyce żydowskiej. Na przykład dwie prace z początku lat 50. noszą imię Adam, a potem także Uriel (1954) i Abraham (1949), bardzo ciemny obraz, który z pewnością nosi imię biblijnego patriarchy, ale był także imieniem ojca Newmana, który zmarł w 1947 roku. Newman wyraża pewien mistycyzm tytułami swoich dzieł. Adam", pierwsze imię biblijnej postaci, bliskie jest adom, czyli czerwień, i dam, czyli krew. Ten utrzymany w czerwonej tonacji obraz jest wynikiem żydowskiej tożsamości Newmana, którą bardzo się przejmował, zwłaszcza w czasie okropności II wojny światowej, Holokaustu. Powiedział: "Kiedy Hitler pustoszył Europę, czy mogliśmy wyrazić siebie malując ładną, nagą dziewczynę leżącą na kanapie? Na to pytanie odpowiedział abstrakcją.

Seria obrazów zawierających wariacje beżu z czarnymi pionowymi pasami, Droga Krzyżowa (1958-1964), rozpoczęła się wkrótce po tym, jak Newman doszedł do siebie po ataku serca i jest postrzegana jako punkt kulminacyjny kariery. Cykl nosi podtytuł Lema sabachthani - "Dlaczego mnie opuściłeś? - słowa wypowiedziane przez Chrystusa na krzyżu. Newman uważa, że jego słowa mają uniwersalne znaczenie. Seria była również postrzegana jako pomnik ofiar Holocaustu. Newman chciał wyrazić uniwersalną tragedię i przemoc w odniesieniu do pasji.

Późne prace

Późniejsze prace Newmana, takie jak seria Who's Afraid of Red, Yellow and Blue, która jest wykonana w całości z kolorów podstawowych, a zamki błyskawiczne nadają całemu obrazowi dynamikę. Prace te są wykonane z czystych, żywych kolorów, często na dużych płótnach - Anna's Light (1968), nazwany ku pamięci jego matki, która zmarła w 1965 roku, jest największy, osiem metrów czterdzieści na dwa metry siedemdziesiąt. Newman pod koniec życia pracował również nad nieprostokątnymi płótnami, takimi jak Chartres (1969), które jest trójkątne, a następnie powrócił do rzeźby, wykonując kilka prac w polerowanej stali. Jego późniejsze obrazy wykonane są raczej farbą akrylową niż olejną, jak we wcześniejszych pracach. Spośród jego rzeźb największy i najbardziej znany jest Broken Obelisk, przedstawiający odwrócony do góry nogami obelisk, którego czubek spoczywa na czubku piramidy.

Wykonał też serię litografii 18 Cantos (1963-64), które według Newmana przywołują muzykę. W jego dorobku jest też kilka akwafort. Swoje prace dedykuje żonie Annalee.

W 1962 roku wykonał duże pomarańczowe płótno z dwoma żółtymi zipami, The Third. O tej pracy Newman powiedział: "Czuję, że moje zamki błyskawiczne nie dzielą moich obrazów. Czuję, że robią dokładnie odwrotnie, jednoczą całość.

Newman jest powszechnie uważany za Abstrakcyjnego Ekspresjonistę, na podstawie jego pracy w Nowym Jorku w latach 50-tych, gdzie on i inni Abstrakcyjni Ekspresjoniści rozwinęli abstrakcyjny styl, który nie miał nic wspólnego ze sztuką europejską. Jednak odrzucenie przez niego ekspresyjnego sposobu malowania pędzlem, stosowanego przez innych abstrakcyjnych ekspresjonistów, takich jak Clyfford Still i Mark Rothko, oraz stosowanie płaskich obszarów koloru na dobrze zdefiniowanych powierzchniach, może czynić go prekursorem artystów ruchów Hard Edge Painting, Colorfield Painting i Minimalizm (sztuka), takich jak Frank Stella.

Newman przez większość życia nie osiągnął wielkiego sukcesu jako artysta, pozostając w cieniu barwnych postaci, takich jak Jackson Pollock. Wpływowy krytyk Clement Greenberg pisał o nim entuzjastyczne prace, ale dopiero pod koniec życia zaczęto się nad nim poważnie zastanawiać. Mimo to wpłynął na wielu młodych malarzy.

Newman zawsze podkreślał, że widzowie muszą oglądać jego prace z bliska, aby zostać otulonymi przez gęste kolory. Jego obrazy muszą dawać widzowi poczucie zatopienia się w czystym kolorze. Jego sztuka jest abstrakcyjna, totalna i bezkompromisowa. Powiedział: "Mówi się, że doprowadziłem malarstwo abstrakcyjne do granic jego możliwości, podczas gdy dla mnie jest oczywiste, że zrobiłem tylko nowy początek.

Newman zmarł w Nowym Jorku na atak serca w 1970 roku.

Źródła

1. Barnett Newman
2. Barnett Newman
3. (en) Le Uptown Group sur Wikipedia anglophone.
4. Élément tiré de http://www.warholstars.org/abstractexpressionism/timeline/abstractexpressionism33b.html
5. Citation tirée de http://www.philamuseum.org/micro_sites/exhibitions/newman/artist/chronology.shtml
6. Barnett Newman Selected Writings and Interviews, (ed.) by John P. O'Neill, pgs.: 240-241, University of California Press, 1990.
7. Barnett Newman Selected Writings and Interviews, (éd.) by John P. O'Neill, p. 201, University of California Press, 1990.
8. ^ Sylvester, David (1998). The Grove Book of Art Writing. New York, NY: Grove Press. p. 537. ISBN 0802137202. Barnet Newman:"The painting should give man a sense of place: that he knows he's there, so he's aware of himself. In that sense he relates to me when I made the painting because in that sense I was there...[Hopefully] you [have] a sense of your own scale [standing in front of the painting]...To me that sense of place has not only a sense of mystery but also has a sense of metaphysical fact. I have come to distrust the episodic, and I hope that my painting has the impact of giving someone, as it did me, the feeling of his own totality, of his own separateness, of his own individuality and the same time of his connection to others, who are also separate."
9. ^ Barbara Hess (2005). Abstract Expressionism. Taschen. p. 40. ISBN 978-382282970-7
10. ^ John P. O'Neill, ed. (1990). Barnett Newman Selected Writings and Interviews. University of California Press. pp. 240–241. ISBN 9780520078178.
11. ^ John P. O'Neill, ed. (1990). Barnett Newman Selected Writings and Interviews. University of California Press. p. 201. ISBN 9780520078178.
12. ^ Cotkin, G. (2005). Existential America. United Kingdom: Johns Hopkins University Press. p. 83. ISBN 9780801882005.
13. https://www.moma.org/artists/4285
14. Barnett Newman Selected Writings and Interviews, (ed.) por John P. O'Neill, págs.: 240-241, University of California Press, 1990.
15. Barnett Newman Selected Writings and Interviews, (ed.) por John P. O'Neill, pág.: 201, University of California Press, 1990).
16. Ramírez Domínguez, J.A., «Las tendencias artísticas desde 1945», en Historia del Arte, Ed. Anaya, 1986; pág. 844
17. https://www.moma.org/artists/4285