Résumé

Fred Astaire (10 mai 1899 - 22 juin 1987) était un danseur, acteur, chanteur, chorégraphe et présentateur de télévision américain. Il est largement considéré comme le plus grand danseur de l'histoire du cinéma.

Sa carrière sur scène, puis au cinéma et à la télévision, a duré 76 ans au total. Il a joué dans plus de 10 comédies musicales de Broadway et du West End, a réalisé 31 films musicaux, quatre émissions spéciales pour la télévision et de nombreux enregistrements. En tant que danseur, il se distinguait par son sens du rythme, son perfectionnisme et son sens de l'innovation. Son partenariat de danse le plus mémorable a été celui avec Ginger Rogers, avec laquelle il a partagé la vedette dans une série de dix comédies musicales hollywoodiennes à l'époque du cinéma hollywoodien classique, dont Top Hat (1935), Swing Time (1936) et Shall We Dance (1937). Parmi les autres films notables dans lesquels Astaire a gagné en popularité et porté le genre des claquettes à un nouveau niveau, citons Holiday Inn (1942), Easter Parade (1948), The Band Wagon (1953), Funny Face (1957) et Silk Stockings (1957). L'American Film Institute a désigné Astaire comme la cinquième plus grande star masculine du cinéma hollywoodien classique dans 100 Years... 100 étoiles.

1899-1916 : Début de vie et carrière

Fred Astaire est né Frederick Austerlitz le 10 mai 1899 à Omaha, dans le Nebraska, fils de Johanna "Ann" (1878-1975) et de Friedrich "Fritz" Emanuel Austerlitz, aux États-Unis : Frederic Austerlitz (1868-1923). La mère d'Astaire est née aux États-Unis d'immigrants allemands luthériens originaires de Prusse orientale et d'Alsace. Le père d'Astaire est né à Linz, en Autriche, de parents catholiques romains convertis du judaïsme.

Le père d'Astaire, Fritz Austerlitz, est arrivé à New York à l'âge de 25 ans, le 26 octobre 1893, à Ellis Island. Fritz cherchait du travail dans le domaine de la brasserie et s'est installé à Omaha, dans le Nebraska, où il a été employé par la Storz Brewing Company. La mère d'Astaire rêvait de fuir Omaha grâce aux talents de ses enfants. La sœur aînée d'Astaire, Adele, était une danseuse et une chanteuse instinctive dès son enfance. Johanna prévoit un "numéro de frère et sœur", courant à l'époque dans le vaudeville, pour ses deux enfants. Bien que Fred ait d'abord refusé les leçons de danse, il a facilement imité les pas de sa grande sœur et s'est mis au piano, à l'accordéon et à la clarinette.

Lorsque leur père a perdu son emploi, la famille a déménagé à New York en janvier 1905 pour lancer la carrière de show-business des enfants. Ils commencent à se former à l'Alvieni Master School of the Theatre and Academy of Cultural Arts. La mère de Fred et Adele leur a suggéré de changer leur nom en "Astaire", car elle trouvait que "Austerlitz" rappelait la bataille d'Austerlitz. La légende familiale attribue le nom à un oncle qui s'appelait "L'Astaire".

Ils ont appris à danser, à parler et à chanter pour se préparer à développer un numéro. Leur premier numéro s'intitule Juvenile Artists Presenting an Electric Musical Toe-Dancing Novelty. Fred portait un chapeau haut de forme et une queue de pie dans la première partie et un costume de homard dans la seconde. Dans une interview, la fille d'Astaire, Ava Astaire McKenzie, a fait remarquer qu'ils mettaient souvent Fred dans un chapeau haut de forme pour le faire paraître plus grand. En novembre 1905, le numéro de gaffe a débuté à Keyport, dans le New Jersey, dans un "théâtre d'essai". Le journal local écrit : "Les Astaire sont le plus grand numéro d'enfants du vaudeville."

Grâce aux qualités de vendeur de leur père, Fred et Adele décrochent un contrat important et jouent sur le circuit Orpheum dans le Midwest, l'Ouest et certaines villes du Sud des États-Unis. Rapidement, Adele a grandi d'au moins trois pouces de plus que Fred, et le couple a commencé à avoir l'air incongru. La famille décide de faire une pause de deux ans dans le show-business pour laisser le temps suivre son cours et éviter les ennuis avec la Gerry Society et les lois sur le travail des enfants de l'époque. En 1912, Fred devient épiscopalien. La carrière de la fratrie Astaire reprend avec des fortunes diverses, mais avec de plus en plus d'habileté et de brio, car ils commencent à intégrer les claquettes dans leurs routines. La danse d'Astaire a été inspirée par Bill "Bojangles" Robinson et John "Bubbles" Sublett. Avec le danseur de vaudeville Aurelio Coccia, ils ont appris le tango, la valse et d'autres danses de salon popularisées par Vernon et Irene Castle. Certaines sources affirment que les frères et sœurs Astaire sont apparus dans un film de 1915 intitulé Fanchon, the Cricket, avec Mary Pickford, mais les Astaire ont toujours démenti.

À l'âge de 14 ans, Fred assume les responsabilités musicales de leur spectacle. Il rencontre George Gershwin pour la première fois en 1916, alors qu'il travaille en tant que compositeur pour la maison d'édition musicale de Jerome H. Remick. Fred était déjà à la recherche de nouvelles idées de musique et de danse. Leur rencontre fortuite allait affecter profondément les carrières des deux artistes. Astaire est toujours à l'affût de nouveaux pas sur le circuit et commence à démontrer sa quête incessante de nouveauté et de perfection.

1917-1933 : Carrière sur scène à Broadway et à Londres

Les Astaire font leur entrée à Broadway en 1917 avec Over the Top, une revue patriotique, et se produisent également à cette époque pour les troupes américaines et alliées. Ils ont enchaîné avec plusieurs autres spectacles. À propos de leur travail dans The Passing Show de 1918, Heywood Broun écrit : " Dans une soirée où il y avait une abondance de bonnes danses, Fred Astaire s'est distingué... ". Lui et sa partenaire, Adele Astaire, ont fait une pause dans le spectacle en début de soirée avec une belle danse aux membres lâchés."

L'étincelle et l'humour d'Adele ont attiré une grande partie de l'attention, en partie grâce à la préparation minutieuse de Fred et à une chorégraphie de soutien très pointue. Elle donne toujours le ton de leur spectacle. Mais à cette époque, les talents de danseur d'Astaire commencent à surpasser ceux de sa soeur.

Au cours des années 1920, Fred et Adele se produisent à Broadway et sur la scène londonienne. Ils sont acclamés par le public des deux côtés de l'Atlantique dans des spectacles tels que The Bunch and Judy (1922) de Jerome Kern, Lady, Be Good (1924) et Funny Face (1927) de George et Ira Gershwin, et plus tard dans The Band Wagon (1931). Les claquettes d'Astaire étaient alors reconnues comme étant parmi les meilleures. Par exemple, Robert Benchley écrit en 1930 : "Je ne pense pas que je vais plonger la nation dans la guerre en affirmant que Fred est le plus grand danseur de claquettes du monde". Pendant son séjour à Londres, Fred étudie le piano à la Guildhall School of Music aux côtés de son ami et collègue Noël Coward et, en 1926, il est l'un des juges du concours "Charleston (dance) Championship of the World" au Royal Albert Hall, où Lew Grade est déclaré vainqueur.

Après la fin de Funny Face, les Astaire se rendent à Hollywood pour un essai (aujourd'hui perdu) chez Paramount Pictures, mais Paramount les juge inadaptés au cinéma.

Ils se séparent en 1932 lorsqu'Adèle épouse son premier mari, Lord Charles Cavendish, le deuxième fils du 9e duc de Devonshire. Fred a ensuite connu le succès seul à Broadway et à Londres avec Gay Divorce (transformé plus tard en film The Gay Divorcee) tout en considérant les offres d'Hollywood. La fin du partenariat est traumatisante pour Astaire mais le stimule à élargir son champ d'action.

Libéré des contraintes frère-sœur de l'ancien couple et travaillant avec sa nouvelle partenaire Claire Luce, Fred crée une danse romantique en couple sur "Night and Day" de Cole Porter, qui avait été écrite pour Gay Divorce. Luce déclare qu'elle a dû l'encourager à adopter une approche plus romantique : "Allez, Fred, je ne suis pas ta soeur, tu sais" :  6 Le succès de la pièce de théâtre est dû à ce numéro, et lorsqu'il a été recréé dans The Gay Divorcee (1934), la version cinématographique de la pièce, il a marqué le début d'une nouvelle ère dans la danse filmée : 23, 26, 61 Récemment, des séquences filmées prises par Fred Stone d'Astaire jouant dans Gay Divorce avec le successeur de Luce, Dorothy Stone, à New York en 1933 ont été découvertes par la danseuse et historienne Betsy Baytos et représentent maintenant les plus anciennes séquences connues d'Astaire.

1933-1939 : Astaire et Ginger Rogers à la RKO

Selon le folklore hollywoodien, un rapport de test d'écran sur Astaire pour RKO Radio Pictures, aujourd'hui perdu avec le test, aurait dit : "Ne sait pas chanter. Ne sait pas jouer. Chauve. Peut danser un peu". Le producteur des films Astaire-Rogers, Pandro S. Berman, a affirmé qu'il n'avait jamais entendu cette histoire dans les années 1930 et qu'elle n'est apparue que des années plus tard. 7 Astaire a par la suite apporté des précisions, insistant sur le fait que le rapport indiquait : "Ne sait pas jouer. Légèrement chauve. Peut aussi danser." Quoi qu'il en soit, le test était clairement décevant, et David O. Selznick, qui avait signé Astaire à la RKO et commandé le test, a déclaré dans un mémo : " Je ne suis pas sûr de l'homme, mais j'ai l'impression, malgré ses énormes oreilles et sa mauvaise ligne de menton, que son charme est si énorme qu'il passe même dans ce misérable test. "  7

Cependant, cela n'a pas affecté les plans de RKO pour Astaire. Ils le prêtent pour quelques jours à la MGM en 1933 pour ses débuts significatifs à Hollywood dans le film musical à succès Dancing Lady. Dans ce film, il apparaît en tant que lui-même en train de danser avec Joan Crawford. De retour à la RKO, il obtient la cinquième place après la quatrième place de Ginger Rogers dans le film Flying Down to Rio de Dolores del Río en 1933. Dans une critique, le magazine Variety attribue son succès massif à la présence d'Astaire :

Le point principal de Flying Down to Rio est la promesse à l'écran de Fred Astaire ... Il est assurément un pari après celui-ci, car il est nettement sympathique à l'écran, le micro est clément avec sa voix et en tant que danseur, il reste dans une classe à part. Cette dernière observation ne sera pas une nouveauté pour la profession, qui admet depuis longtemps qu'Astaire commence à danser là où les autres s'arrêtent.. :  7

Ayant déjà été lié à sa sœur Adele sur scène, Astaire était initialement très réticent à faire partie d'une autre équipe de danse. Il écrit à son agent : "Je veux bien faire un autre film avec elle, mais pour ce qui est de cette idée d'"équipe", c'est "out" ! Je viens de réussir à vivre un partenariat et je ne veux pas être dérangé par un autre" :  8 Cependant, il se laisse convaincre par l'attrait public apparent du couple Astaire-Rogers. Ce partenariat, ainsi que les chorégraphies d'Astaire et d'Hermès Pan, ont contribué à faire de la danse un élément important de la comédie musicale hollywoodienne.

Astaire et Rogers tournent neuf films ensemble à la RKO. Parmi ceux-ci, citons Flying Down to Rio (1933), The Gay Divorcee (1934), Roberta (1935, dans lequel Astaire démontre également ses talents souvent négligés de pianiste avec un solo fougueux sur "I Won't Dance"), Top Hat (1935), Follow the Fleet (1936), Swing Time (1936), Shall We Dance (1937), Carefree (1938) et The Story of Vernon and Irene Castle (tous ces films ont apporté un certain prestige et un sens artistique que tous les studios convoitaient à l'époque. Leur partenariat les a tous deux élevés au rang de vedettes ; comme Katharine Hepburn l'aurait dit, "Il lui donne de la classe et elle lui donne du sex-appeal" :  134 Astaire recevait un pourcentage des bénéfices des films, ce qui était rare dans les contrats des acteurs à cette époque.

Astaire a révolutionné la danse au cinéma en ayant une autonomie complète sur sa présentation. On lui attribue deux innovations importantes dans les premières comédies musicales : 23, 26. Tout d'abord, il a insisté pour qu'une caméra travelling filme une chorégraphie en aussi peu de plans que possible, généralement avec seulement quatre à huit plans, tout en gardant les danseurs en vue à tout moment. Cela donnait l'illusion d'une caméra presque immobile filmant une danse entière en un seul plan. Astaire a fait une boutade célèbre : "Soit la caméra danse, soit c'est moi qui danse" :  420 Astaire a maintenu cette politique depuis The Gay Divorcee en 1934 jusqu'à son dernier film musical Finian's Rainbow en 1968, lorsque le réalisateur Francis Ford Coppola l'a désavoué.

Le style des séquences de danse d'Astaire permettait au spectateur de suivre les danseurs et la chorégraphie dans leur intégralité. Ce style différait de manière frappante de celui des comédies musicales de Busby Berkeley. Les séquences de ces comédies musicales étaient remplies de plans aériens extravagants, de dizaines de coupes pour des prises rapides et de zooms sur des parties du corps telles qu'une rangée de bras ou de jambes.

La deuxième innovation d'Astaire concerne le contexte de la danse ; il tenait absolument à ce que toutes les chansons et les danses fassent partie intégrante de l'intrigue du film. Au lieu d'utiliser la danse comme un spectacle, comme le faisait Busby Berkeley, Astaire l'utilisait pour faire avancer l'intrigue. En général, un film d'Astaire comprend au moins trois danses standard. L'une d'elles était un solo d'Astaire, qu'il appelait son "solo de chaussettes". Une autre est un numéro de danse comique en couple. Enfin, il incluait un numéro de danse romantique en couple.

Les commentateurs de danse Arlene Croce, : 146-147 et John Mueller : 8, 9 considèrent que Rogers a été le meilleur partenaire de danse d'Astaire, un point de vue partagé La critique de cinéma Pauline Kael adopte une position plus neutre, tandis que le critique de cinéma du magazine Time Richard Schickel écrit "La nostalgie entourant Rogers-Astaire tend à blanchir les autres partenaires".

Mueller résume les capacités de Rogers comme suit :

Ginger Rogers s'est distinguée parmi les partenaires d'Astaire non pas parce qu'elle était supérieure aux autres en tant que danseuse, mais parce que, en tant qu'actrice compétente et intuitive, elle était suffisamment réservée pour comprendre que le jeu ne s'arrêtait pas lorsque la danse commençait... la raison pour laquelle tant de femmes ont fantasmé sur le fait de danser avec Fred Astaire est que Ginger Rogers a donné l'impression que danser avec lui était l'expérience la plus excitante qui soit.

Selon Astaire, "Ginger n'avait jamais dansé avec un partenaire avant Flying Down to Rio. Elle a beaucoup fait semblant. Elle ne savait pas faire de claquettes et ne savait pas faire ceci ou cela... mais Ginger avait du style et du talent et s'améliorait au fur et à mesure. Elle est devenue telle qu'au bout d'un moment, tous les autres danseurs qui ont dansé avec moi avaient l'air faux." À la page 162 de son livre Ginger : Salute to a Star, l'auteur Dick Richards cite Astaire disant à Raymond Rohauer, conservateur de la New York Gallery of Modern Art, "Ginger était brillamment efficace. Elle faisait en sorte que tout fonctionne pour elle. En fait, elle rendait les choses très bien pour nous deux et c'est à elle que revient la plus grande partie du mérite de notre succès."

En 1976, l'animateur de talk-show britannique Sir Michael Parkinson demande à Astaire quel est son partenaire de danse préféré. Au début, Astaire a refusé de répondre. Mais, finalement, il dit : "Excusez-moi, je dois dire que Ginger était certainement, euh, euh, la seule. Vous savez, la partenaire la plus efficace que j'ai eue. Tout le monde le sait."

Rogers a décrit les normes intransigeantes d'Astaire s'étendant à l'ensemble de la production : "Il lui arrive de penser à une nouvelle ligne de dialogue ou à un nouvel angle pour l'histoire... On ne sait jamais à quelle heure de la nuit il va appeler et se mettre à déblatérer avec enthousiasme sur une nouvelle idée...". Pas de flânerie au travail sur un film d'Astaire, et pas d'économies de bouts de chandelle" :  16

Malgré leur succès, Astaire ne voulait pas que sa carrière soit liée exclusivement à un partenariat. Il négocie avec la RKO pour se lancer seul dans A Damsel in Distress en 1937 avec une Joan Fontaine inexpérimentée et non dansante, mais sans succès. Il revient pour tourner deux autres films avec Rogers, Carefree (1938) et The Story of Vernon and Irene Castle (1939). Bien que les deux films aient obtenu des revenus bruts respectables, ils ont tous deux perdu de l'argent en raison de l'augmentation des coûts de production, 410 et Astaire a quitté RKO, après avoir été qualifié de " poison pour le box-office " par les Independent Theatre Owners of America. Astaire retrouve Rogers en 1949 chez MGM pour leur dernière sortie, The Barkleys of Broadway, le seul de leurs films ensemble à être tourné en Technicolor.

1940-1947 : Holiday Inn, retraite anticipée

Astaire quitte la RKO en 1939 pour travailler en free-lance et saisir de nouvelles opportunités cinématographiques, avec des résultats mitigés mais généralement réussis. Tout au long de cette période, Astaire continue d'apprécier l'apport de ses collaborateurs chorégraphiques. Contrairement aux années 1930 où il travaillait presque exclusivement avec Hermes Pan, il exploite les talents d'autres chorégraphes pour innover continuellement. Sa première partenaire de danse post-Ginger est la redoutable Eleanor Powell, considérée comme la danseuse à claquettes la plus exceptionnelle de sa génération. Ils ont joué dans Broadway Melody en 1940, dans lequel ils ont exécuté un célèbre numéro de danse prolongé sur la chanson "Begin the Beguine" de Cole Porter. Dans son autobiographie Steps in Time, Astaire a fait remarquer : "Elle les posait comme un homme, pas de trucs de ricky-ticky-sissy avec Ellie. Elle a vraiment assommé une danse à claquettes dans une classe à part."

Il joue aux côtés de Bing Crosby dans Holiday Inn (1942) et plus tard dans Blue Skies (1946). Mais, malgré l'énorme succès financier des deux films, il aurait été insatisfait des rôles où il perdait la fille au profit de Crosby. Le premier film est mémorable pour sa danse solo virtuose sur "Let's Say it with Firecrackers". Le second film présente "Puttin' On the Ritz", un numéro de chant et de danse novateur qui lui est indissociable. Parmi les autres partenaires de cette période figure Paulette Goddard dans Second Chorus (1940), dans lequel il dirigeait l'orchestre d'Artie Shaw.

Il a fait deux films avec Rita Hayworth. Le premier film, You'll Never Get Rich (1941), catapulte Hayworth au rang de star. Dans ce film, Astaire intègre pour la troisième fois des idiomes de danse latino-américains dans son style (le premier étant avec Ginger Rogers dans le numéro "The Carioca" de Flying Down to Rio (1933) et le second, toujours avec Rogers, était la danse "Dengozo" de The Story of Vernon and Irene Castle (1939)). Son deuxième film avec Hayworth, You Were Never Lovelier (1942), connaît le même succès. Il présente un duo sur la chanson "I'm Old Fashioned" de Kern, qui devient la pièce maîtresse de l'hommage rendu à Astaire par le New York City Ballet en 1983, sous la direction de Jerome Robbins. Il apparaît ensuite aux côtés de Joan Leslie, âgée de dix-sept ans, dans le drame de guerre The Sky's the Limit (1943). Il y présente "One for My Baby" d'Arlen et Mercer tout en dansant sur le comptoir d'un bar dans une routine sombre et troublée. Astaire a chorégraphié ce film seul et a obtenu un succès modeste au box-office. Il s'agit d'un changement notable pour Astaire par rapport à son personnage habituel, charmant et joyeux à l'écran, qui a dérouté les critiques contemporains.

Sa partenaire suivante, Lucille Bremer, apparaît dans deux véhicules somptueux, tous deux réalisés par Vincente Minnelli. La fantaisie Yolanda and the Thief (1945) mettait en scène un ballet surréaliste d'avant-garde. Dans la revue musicale Ziegfeld Follies (1945), Astaire danse avec Gene Kelly sur la chanson de Gershwin "The Babbit and the Bromide", une chanson qu'Astaire avait introduite avec sa sœur Adele en 1927. Alors que Follies est un succès, Yolanda est un échec au box-office.

Toujours peu sûr de lui et croyant que sa carrière commençait à s'essouffler, Astaire a surpris son public en annonçant sa retraite pendant la production de son film suivant Blue Skies (1946). Il a désigné "Puttin' on the Ritz" comme sa danse d'adieu. Après avoir annoncé sa retraite en 1946, Astaire s'est concentré sur ses intérêts dans les courses de chevaux et a fondé en 1947 les Fred Astaire Dance Studios, qu'il a ensuite vendus en 1966.

1948-1957 : Films de la MGM et deuxième retraite

La retraite d'Astaire ne dure pas longtemps. Il revient sur le grand écran pour remplacer Gene Kelly, blessé, dans Easter Parade (1948) aux côtés de Judy Garland, Ann Miller et Peter Lawford. Il enchaîne avec une dernière réunion avec Rogers (remplaçant Judy Garland) dans The Barkleys of Broadway (1949). Ces deux films relancent la popularité d'Astaire et en 1950, il joue dans deux comédies musicales. Three Little Words avec Vera-Ellen et Red Skelton est pour la MGM. Let's Dance avec Betty Hutton est prêté à la Paramount. Si Three Little Words a bien marché au box-office, Let's Dance a été une déception financière. Royal Wedding (1951) avec Jane Powell et Peter Lawford connaît un grand succès, mais The Belle of New York (1952) avec Vera-Ellen est un désastre pour la critique et le box-office. The Band Wagon (1953) reçoit des critiques élogieuses de la part des critiques et attire des foules énormes. Cependant, en raison de son coût élevé, il n'a pas réussi à faire de bénéfices lors de sa première sortie.

Peu après, Astaire, comme les autres stars restantes de la MGM, est libéré de son contrat en raison de l'arrivée de la télévision et de la réduction de la production cinématographique. En 1954, Astaire est sur le point de commencer à travailler sur une nouvelle comédie musicale, Daddy Long Legs (1955) avec Leslie Caron à la 20th Century Fox. Puis, sa femme Phyllis tombe malade et meurt subitement d'un cancer du poumon. Astaire est tellement endeuillé qu'il veut arrêter le film et propose de payer les coûts de production de sa poche. Cependant, Johnny Mercer, le compositeur du film, et les dirigeants du studio Fox le convainquent que travailler serait la meilleure chose pour lui. Daddy Long Legs n'a que modérément bien marché au box-office. Son film suivant pour Paramount, Funny Face (1957), l'associe à Audrey Hepburn et Kay Thompson. Malgré la somptuosité de la production et les bons commentaires des critiques, il ne parvient pas à rentrer dans ses frais. De même, le projet suivant d'Astaire - sa dernière comédie musicale chez MGM, Silk Stockings (1957), dans lequel il partage l'affiche avec Cyd Charisse - perd également de l'argent au box-office.

Par la suite, Astaire a annoncé qu'il se retirait de la danse au cinéma. Son héritage à ce moment-là était de 30 films musicaux en 25 ans.

1957-1981 : Spécialités télévisées, rôles sérieux

Astaire ne se retire pas complètement de la danse. Il réalise une série de quatre émissions spéciales musicales pour la télévision en 1958, 1959, 1960 et 1968, qui remportent un Emmy Award. Chacune de ces émissions mettait en vedette Barrie Chase, avec qui Astaire a connu une nouvelle période de créativité en matière de danse. Le premier de ces programmes, An Evening with Fred Astaire (1958), a remporté neuf Emmy Awards, dont ceux de la "meilleure performance individuelle d'un acteur" et du "meilleur programme individuel de l'année". Il s'agit également de la première émission importante à être préenregistrée sur bande vidéo couleur. Astaire a remporté l'Emmy de la meilleure performance unique d'un acteur. Ce choix a suscité une controverse, car beaucoup estimaient que sa danse dans l'émission spéciale n'était pas le type d'"interprétation" pour lequel le prix avait été conçu. À un moment donné, Astaire a proposé de rendre le prix, mais l'Académie de la télévision a refusé de l'envisager. Une restauration du programme a valu un Emmy technique en 1988 à Ed Reitan, Don Kent et Dan Einstein. Ils ont restauré la bande vidéo d'origine, en transférant son contenu dans un format moderne et en comblant les trous où la bande s'était détériorée avec des séquences en kinescope.

Astaire a joué le rôle de Julian Osborne, un personnage qui ne danse pas, dans le drame de la guerre nucléaire On the Beach (1959). Il a été nommé pour le Golden Globe du meilleur acteur dans un second rôle pour sa performance, mais a perdu contre Stephen Boyd dans Ben-Hur. Astaire est apparu dans des rôles de non-danseurs dans trois autres films et plusieurs séries télévisées entre 1957 et 1969.

Le dernier grand film musical d'Astaire fut Finian's Rainbow (1968), réalisé par Francis Ford Coppola. Astaire se défait de sa cravate blanche et de sa queue de pie pour jouer le rôle d'un voyou irlandais qui croit que s'il enterre un vase d'or dans l'ombre de Fort Knox, l'or se multipliera. La partenaire de danse d'Astaire était Petula Clark, qui jouait la fille sceptique de son personnage. Il se décrivait comme nerveux à l'idée de chanter avec elle, tandis qu'elle disait être inquiète à l'idée de danser avec lui. Le film a connu un succès modeste, tant au box-office que chez les critiques.

Astaire continue à jouer dans les années 1970. Il apparaît à la télévision dans le rôle du père du personnage de Robert Wagner, Alexander Mundy, dans It Takes a Thief. Dans le film The Towering Inferno (1974), il a dansé avec Jennifer Jones et a reçu sa seule nomination aux Oscars, dans la catégorie du meilleur acteur dans un second rôle. Il a prêté sa voix au facteur narrateur S.D Kluger dans la série Rankin

En 1978, il partage l'affiche avec Helen Hayes dans un téléfilm bien accueilli, A Family Upside Down, dans lequel ils jouent le rôle d'un couple de personnes âgées confrontées à une santé défaillante. Astaire a remporté un Emmy Award pour sa performance. Il fait une apparition remarquée dans la série télévisée de science-fiction Battlestar Galactica en 1979, dans le rôle de Caméléon, le père possible de Starbuck, dans "The Man with Nine Lives", un rôle écrit pour lui par Donald P. Bellisario. Astaire a demandé à son agent de lui obtenir un rôle dans Galactica en raison de l'intérêt de ses petits-enfants pour la série et les producteurs ont été ravis de l'opportunité de créer un épisode entier pour le mettre en scène. Cet épisode marque la dernière fois qu'il danse à l'écran, dans ce cas avec Anne Jeffreys. Il a joué neuf rôles différents dans The Man in the Santa Claus Suit en 1979. Son dernier film est l'adaptation en 1981 du roman Ghost Story de Peter Straub. Ce film d'horreur a également été le dernier pour deux de ses partenaires d'acteurs les plus importants, Melvyn Douglas et Douglas Fairbanks Jr.

Astaire était un danseur virtuose, capable, lorsqu'on le lui demandait, de transmettre un esprit d'aventure léger ou une émotion profonde. Sa maîtrise technique et son sens du rythme étaient étonnants. Longtemps après la fin des prises de vue du numéro de danse solo "I Want to Be a Dancin' Man" pour le film The Belle of New York (1952), il a été décidé que l'humble costume d'Astaire et le décor de scène usé étaient inadéquats et la séquence entière a été refaite. Le documentaire de 1994 That's Entertainment ! III montre les deux représentations côte à côte en écran partagé. Image par image, les deux représentations sont identiques, jusque dans les moindres gestes.

L'exécution d'un numéro de danse par Astaire était appréciée pour son élégance, sa grâce, son originalité et sa précision. Il s'inspire de diverses influences, dont les claquettes et autres rythmes noirs, la danse classique et le style élevé de Vernon et Irene Castle. Son style de danse, reconnaissable entre tous, a grandement influencé le style de danse de salon américain Smooth et a établi des normes par rapport auxquelles les films musicaux de danse ultérieurs seront jugés. Il a appelé son approche éclectique "style hors-la-loi", un mélange imprévisible et instinctif d'art personnel. Ses danses sont économiques et pourtant infiniment nuancées. Comme l'a déclaré Jerome Robbins, "la danse d'Astaire semble si simple, si désarmante, si facile, et pourtant la sous-structure, la façon dont il place les pas sur, par-dessus ou contre la musique, est si surprenante et inventive" :  18 Astaire a également observé :

L'élaboration des pas est un processus très compliqué, un peu comme l'écriture musicale. Il faut penser à des pas qui s'enchaînent les uns aux autres, et toute la danse doit avoir un schéma intégré. Si la danse est bonne, il ne doit pas y avoir un seul mouvement superflu. Elle doit atteindre un point culminant et s'arrêter! : 15

Bien qu'Astaire ait été le principal chorégraphe de tous ses numéros de danse, il accueillait volontiers l'apport de ses collaborateurs, et notamment de son principal collaborateur, Hermes Pan. Mais l'historien de la danse John Mueller estime qu'Astaire a agi en tant que chorégraphe principal pour ses solos et ses danses en couple tout au long de sa carrière. Il note que le style de danse d'Astaire était cohérent dans les films ultérieurs réalisés avec ou sans l'aide de Pan. En outre, Astaire a chorégraphié toutes les routines de sa carrière à Broadway avec sa sœur Adele. Plus tard dans sa carrière, il s'est montré un peu plus enclin à accepter la direction de ses collaborateurs. Toutefois, cela se limitait presque toujours à de longues séquences fantaisistes, ou "ballets de rêve".

Parfois, Astaire s'attribuait conjointement le mérite de la chorégraphie ou de la direction de la danse, mais il laissait généralement le mérite de l'écran à son collaborateur. Cela peut donner l'impression tout à fait trompeuse qu'Astaire se contentait d'exécuter les chorégraphies des autres. Plus tard dans sa vie, il a admis : "J'ai dû en faire la plupart moi-même".

Fréquemment, une séquence de danse était construite autour de deux ou trois idées clés, parfois inspirées par ses pas ou par la musique elle-même, suggérant une humeur ou une action particulière... :  20 Caron a déclaré que lorsque Kelly dansait près du sol, elle avait l'impression de flotter avec Astaire. De nombreuses chorégraphies étaient construites autour d'un "gimmick", comme la danse sur les murs dans Royal Wedding ou la danse avec ses ombres dans Swing Time. Lui ou son collaborateur pensait à ces routines plus tôt et les gardait pour la bonne situation. Ils passaient des semaines à créer toutes les séquences de danse dans un local de répétition isolé avant le début du tournage. Ils travaillaient avec un pianiste de répétition (souvent le compositeur Hal Borne) qui, à son tour, communiquait les modifications aux orchestrateurs musicaux.

Son perfectionnisme était légendaire, mais son insistance incessante à répéter et à refaire les prises était un fardeau pour certains. Lorsque l'heure du tournage d'un numéro approchait, Astaire répétait pendant deux semaines supplémentaires et enregistrait le chant et la musique. Une fois tous les préparatifs terminés, le tournage proprement dit se déroulait rapidement, ce qui permettait de réduire les coûts. Astaire se tourmentait pendant le processus, demandant fréquemment à ses collègues d'accepter son travail. Comme l'a déclaré Vincente Minnelli, "Il manque de confiance au plus haut point parmi tous les gens du monde. Il ne veut même pas aller voir ses rushes... Il pense toujours qu'il n'est pas bon" :  16 Comme Astaire l'a lui-même observé, "Je n'ai encore jamais réussi quelque chose à 100%. Pourtant, ce n'est jamais aussi mauvais que je le pense" :  16

Michael Kidd, le co-chorégraphe d'Astaire sur le film The Band Wagon de 1953, a constaté que sa propre préoccupation concernant la motivation émotionnelle derrière la danse n'était pas partagée par Astaire. Kidd a raconté plus tard : "La technique était importante pour lui. Il disait : 'Faisons les pas. On ajoutera les regards plus tard".

Bien qu'il se considère avant tout comme un amuseur, son talent artistique lui vaut l'admiration de danseurs du XXe siècle tels que Gene Kelly, George Balanchine, les Nicholas Brothers, Mikhail Baryshnikov, Margot Fonteyn, Bob Fosse, Gregory Hines, Rudolf Nureyev, Michael Jackson et Bill Robinson. Balanchine l'a comparé à Bach, le décrivant comme "le danseur le plus intéressant, le plus inventif, le plus élégant de notre époque", tandis que pour Baryshnikov, il était "un génie... un danseur classique comme je n'en ai jamais vu de ma vie". Et de conclure : "Aucun danseur ne peut regarder Fred Astaire et ne pas savoir que nous aurions tous dû exercer un autre métier."

Extrêmement modeste quant à ses capacités de chanteur (il a souvent prétendu qu'il ne savait pas chanter, mais les critiques l'ont classé parmi les meilleurs), Astaire a introduit certaines des chansons les plus célèbres du Great American Songbook, en particulier celles de Cole Porter : "Night and Day" dans Gay Divorce ("Isn't This a Lovely Day ?", "Cheek to Cheek" et "Top Hat, White Tie and Tails" d'Irving Berlin dans Top Hat (et "Change Partners" dans Carefree (1938). Il a d'abord présenté "The Way You Look Tonight" de Jerome Kern dans Swing Time (1936), "They Can't Take That Away from Me" des Gershwin dans Shall We Dance (1937), "A Foggy Day" et "Nice Work if You Can Get it" dans A Damsel in Distress (1937), "One for My Baby" de Johnny Mercer dans The Sky's the Limit (et "This Heart of Mine" de Harry Warren et Arthur Freed dans Ziegfeld Follies (1946).

Astaire a également co-introduit un certain nombre de classiques de la chanson via des duos de chansons avec ses partenaires. Par exemple, avec sa sœur Adele, il présente conjointement les chansons des Gershwin "I'll Build a Stairway to Paradise" dans Stop Flirting (1923), "Fascinating Rhythm" dans Lady, Be Good (1924), "Funny Face" dans Funny Face (1927) et, en duo avec Ginger Rogers, il présente "I'm Putting All My Eggs in One Basket" d'Irving Berlin dans Follow the Fleet (1936), Pick Yourself Up " et " A Fine Romance " de Jerome Kern dans Swing Time (1936), ainsi que " Let's Call the Whole Thing Off " des Gershwin dans Shall We Dance (et, avec Jack Buchanan, Oscar Levant et Nanette Fabray, il a interprété " That's Entertainment ! "d'Arthur Schwartz et Howard Dietz, tiré de The Band Wagon (1953).

Bien qu'il possède une voix légère, il était admiré pour son lyrisme, sa diction et son phrasé - la grâce et l'élégance si prisées dans sa danse semblaient se refléter dans son chant, une capacité de synthèse qui a conduit Burton Lane à le décrire comme "le plus grand interprète musical du monde" :  21 Irving Berlin considérait Astaire comme l'égal de tous les interprètes masculins de ses chansons - "aussi bon que Jolson, Crosby ou Sinatra, pas nécessairement à cause de sa voix, mais pour sa conception de la projection d'une chanson." Jerome Kern le considérait comme l'interprète masculin suprême de ses chansons21, et Cole Porter et Johnny Mercer admiraient également son traitement unique de leurs œuvres. Et si George Gershwin était quelque peu critique à l'égard des capacités de chant d'Astaire, il lui a écrit nombre de ses chansons les plus mémorables : 123, 128. À son apogée, Astaire était cité dans les textes des auteurs-compositeurs Cole Porter, Lorenz Hart et Eric Maschwitz et continue d'inspirer les auteurs-compositeurs modernes.

Astaire est un auteur de chansons, dont "I'm Building Up to an Awful Letdown" (écrite avec le parolier Johnny Mercer) atteint la quatrième place au hit-parade de 1936. Il a enregistré sa propre chanson "It's Just Like Taking Candy from a Baby" avec Benny Goodman en 1940 et a nourri toute sa vie l'ambition de devenir un compositeur de chansons populaires à succès.

En 1952, Astaire enregistre The Astaire Story, un album en quatre volumes avec un quintet dirigé par Oscar Peterson. L'album, produit par Norman Granz, donne un aperçu musical de la carrière d'Astaire. The Astaire Story a ensuite remporté le Grammy Hall of Fame Award en 1999, un prix spécial décerné par les Grammy pour récompenser les enregistrements qui ont au moins vingt-cinq ans et qui ont une "importance qualitative ou historique".

Toujours impeccablement habillé, il a été surnommé, avec Cary Grant, "l'acteur le mieux habillé". Astaire est resté une icône de la mode masculine même à un âge avancé, évitant son chapeau haut de forme, sa cravate blanche et sa queue de pie, qu'il détestait. Au lieu de cela, il préférait un style décontracté et désinvolte composé de vestes sport, de chemises de couleur et de pantalons - ces derniers étant généralement soutenus par l'utilisation distinctive d'une vieille cravate ou d'un foulard en soie à la place de la ceinture.

Astaire épousa en 1933 Phyllis Potter, âgée de 25 ans (anciennement Phyllis Livingston Baker), une mondaine new-yorkaise née à Boston et ancienne épouse d'Eliphalet Nott Potter III (1906-1981), malgré les objections de sa mère et de sa sœur. La mort de Phyllis d'un cancer du poumon, à l'âge de 46 ans, mit fin à vingt et un ans de mariage heureux et laissa Astaire dévasté. Astaire tenta d'abandonner le film Daddy Long Legs (1955), qu'il était en train de tourner, offrant de payer les coûts de production à ce jour, mais fut persuadé de rester.

En plus du fils de Phyllis Potter, Eliphalet IV (connu sous le nom de Peter), les Astaire ont eu deux enfants. Le fils des Astaire, Fred Jr. (né en 1936), a joué avec son père dans le film Midas Run et est devenu plus tard pilote de charter et éleveur. La fille des Astaire, Ava Astaire (née en 1942), continue de promouvoir l'héritage de son père.

Intensément privé, Fred Astaire était rarement vu sur la scène sociale d'Hollywood. Il consacrait plutôt son temps libre à sa famille et à ses passe-temps, parmi lesquels les courses de chevaux, la batterie, la composition de chansons et le golf. Il était très ami avec David Niven, Randolph Scott, Clark Gable et Gregory Peck. Niven le décrivait comme "un lutin-timide, toujours chaleureux, avec un penchant pour les blagues d'écolier". En 1946, son cheval Triplicate a remporté la Hollywood Gold Cup et le San Juan Capistrano Handicap. Il est resté physiquement actif jusqu'à l'âge de 80 ans. Il s'est mis au skateboard à la fin de ses soixante-dix ans et a été nommé membre à vie de la National Skateboard Society. À soixante-dix-huit ans, il s'est cassé le poignet gauche en faisant de la planche à roulettes dans son allée. Il s'intéressait également à la boxe et aux vrais crimes.

Le 24 juin 1980, à l'âge de 81 ans, il se marie en secondes noces. Robyn Smith, de 45 ans sa cadette, était une jockey qui a couru pour Alfred Gwynne Vanderbilt Jr. (elle a également fréquenté Vanderbilt dans les années 1970), et est apparue sur la couverture de Sports Illustrated le 31 juillet 1972.

La vie d'Astaire n'a jamais été représentée au cinéma. Il a toujours refusé l'autorisation de telles représentations, déclarant : "Peu importe ce qu'ils m'offrent - et les offres arrivent tout le temps - je ne vendrai pas". Le testament d'Astaire comprenait une clause demandant qu'une telle représentation n'ait jamais lieu ; il a commenté : "Elle est là parce que je n'ai aucun désir particulier de voir ma vie mal interprétée, ce qui serait le cas." Le 5 décembre 2021, Tom Holland a annoncé qu'il incarnerait Astaire dans un prochain biopic, ce qui a suscité des critiques en raison de la clause.

Astaire est mort d'une pneumonie le 22 juin 1987, à l'âge de 88 ans. Son corps est enterré au cimetière Oakwood Memorial Park à Chatsworth, en Californie. L'une de ses dernières demandes a été de remercier ses fans pour leurs années de soutien.

Films, comédie musicale

Performances avec *Ginger Rogers (10), **Rita Hayworth (2), ***Bing Crosby (2), ****Vera-Ellen (2), *****Cyd Charisse (2).Toutes les performances avec un { }, indiquent la seule apparition de l'interprète en tant que partenaire d'Astaire.

Films, non-musicaux

*Performances avec son partenaire de danse Barrie Chase (7)

Sources

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2. Fred Astaire
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