Streszczenie

Alberto Burri (włoska wymowa: ) był włoskim artystą wizualnym, malarzem, rzeźbiarzem i lekarzem mieszkającym w Città di Castello. Jest kojarzony z materią europejskiego nieformalnego ruchu artystycznego i opisał swój styl jako polimaterialistyczny. Miał powiązania z przestrzennością Lucio Fontany i, wraz z Antonim Tàpiesem, wpływ na odrodzenie sztuki powojennego montażu w Ameryce (Robert Rauschenberg), podobnie jak w Europie.

W kolumnie "Przeceniane i niedoceniane" publikowanej przez amerykański magazyn o sztuce ARTnews, nazwisko Alberto Burriego jest często wymieniane. Carolyn-Christov-Bakargiev wspomina o nim na przykład w numerze ze stycznia 2005 roku.

Jeśli spojrzeć na magazyny z lat pięćdziesiątych, Burri dzielił tę samą platformę z większością amerykańskich ekspresjonistów abstrakcyjnych, ale z jakiegoś powodu popadł w niemal całkowite zapomnienie. Burri jest niezwykle ważny w tym powojennym okresie i wpływowy na arenie międzynarodowej... Nie sądzę, by w Hiszpanii pojawił się Antoni Tàpies, gdyby nie Burri.

Alberto Burri urodził się 12 marca 1915 roku w Città di Castello, w Umbrii, jako syn Pietro Burriego, toskańskiego handlarza winem i Caroliny Torreggiani, umbryjskiej nauczycielki w szkole podstawowej. W 1935 r. Burri uczęszczał do rządowego liceum w Arezzo, mieszkając jako pensjonariusz w pensjonacie, a jak odnotowano w jego szkolnych raportach, uczył się klasyki w prywatnej szkole w Città di Castello. Po powrocie z Afryki Północnej Burri i jego młodszy brat Vittorio zostali zapisani do szkoły medycznej w Perugii, a po afrykańskiej przygodzie Burri zdecydował, że chce specjalizować się w chorobach tropikalnych. Burri ukończył szkołę medyczną w 1940 roku, a 12 października tego samego roku, dwa dni po przystąpieniu Włoch do II wojny światowej, z przedwczesnym dobrowolnym doświadczeniem w wojnie włosko-etiopskiej, został następnie powołany do służby wojskowej i wysłany do Libii jako medyk bojowy. Akta wojskowe pokazują, że w ciągu 20 dni od tego rozkazu Burri otrzymał tymczasowe zwolnienie, aby umożliwić mu ukończenie stażu medycznego i uzyskanie dyplomu uprawniającego do wykonywania zawodu lekarza. Burri twierdził, że studiował historię sztuki, ponieważ chciał być w stanie zrozumieć dzieła sztuki, które go otaczały. Studiował również grekę, język, w którym stał się biegły, a później w życiu był w stanie czytać i cieszyć się klasyczną literaturą grecką. W dniu 8 maja 1943 r. jednostka, do której należał, została schwytana przez Brytyjczyków w Tunezji, a następnie przekazana Amerykanom i przeniesiona do Hereford w Teksasie w obozie jenieckim mieszczącym około 3000 włoskich oficerów, gdzie zaczął malować. Po wyzwoleniu w 1946 roku przeniósł się do Rzymu i poświęcił się wyłącznie malarstwu; jego pierwsza indywidualna wystawa odbyła się w Galerii La Margherita w 1947 roku. Następnie wystawiał w Marlborough Gallery w Nowym Jorku i w Gallery de France w Paryżu.

Pozbawiony możliwości wykonywania zawodu lekarza, Burri miał możliwość wyboru zajęcia w czasie wolnym dzięki stowarzyszeniu YMCA. Korzystając z ograniczonej ilości materiałów dostępnych w obozie, zajął się malarstwem, w wieku prawie 30 lat i bez żadnych akademickich referencji. W międzyczasie tragiczna śmierć jego młodszego brata Vittorio na froncie rosyjskim w 1943 roku wywarła na niego silny wpływ. Odcinając się od reszty świata i przedstawiając figuratywne tematy na grubych chromatycznych znakach, stopniowo realizował pragnienie porzucenia zawodu lekarza na rzecz malarstwa.

Od abstrakcji do materii

Gdy Burri powrócił do Włoch 27 lutego 1946 roku, jego decyzja zderzyła się z poważną recesją po II wojnie światowej i niezadowoleniem jego rodziców. Przeprowadził się do Rzymu jako gość skrzypka i kompozytora Annibale Bucchi, kuzyna jego matki, który zachęcał go do aktywności malarskiej.

Podczas pobytu w Rzymie miał okazję nawiązać kontakt z nielicznymi, ale bardzo aktywnymi instytucjami zajmującymi się malarstwem, które po wojnie tworzyły nową platformę dla sztuk wizualnych.

Pozostał artystą powściągliwym, nieustannie pracującym i tworzącym, początkowo w małym studiu przy Via Margutta, ale często się wyprowadzającym. Milton Gendel - amerykański dziennikarz, który odwiedził pracownię Burriego w 1954 roku - relacjonował później: "Studio ma grube ściany, jest pobielone, schludne i ascetyczne; jego prace to 'krew i ciało', zaczerwienione podarte tkaniny, które wydają się być paralelą do zacierania ran, których Burri doświadczył w czasie wojny".

Pierwsza indywidualna wystawa dzieł figuratywnych Burriego odbyła się 10 lipca 1947 roku w galerii-księgarni La Margherita w Rzymie, zaprezentowana przez poetów Leonardo Sinisgalli i Libero De Libero. Jednak produkcja artystyczna Burriego ostatecznie przekształciła się w formy abstrakcyjne przed końcem tego samego roku, użycie tempery w małym formacie wynikało z wpływu takich artystów jak Jean Dubuffet i Joan Miró, którego studio odwiedził Burri podczas podróży do Paryża zimą 1948 roku.

Poszukiwania artystyczne Burriego stały się w krótkim czasie osobiste, w latach 1948-1950 zaczął eksperymentować z użyciem niezwykłych, "niekonwencjonalnych" materiałów, takich jak smoła, piasek, cynk, pumeks i pył aluminiowy, a także klej z polichlorku winylu, ten ostatni materiał został podniesiony do tego samego znaczenia, co kolory olejne. Podczas tej artystycznej transformacji malarz pokazał swoją wrażliwość na mieszany typ abstrakcji Enrico Prampoliniego, centralnej postaci włoskiej sztuki abstrakcyjnej. Niemniej jednak Burri poszedł o krok dalej w swoich Catrami (Tars), przedstawiając smołę nie jako zwykły materiał kolażowy, ale jako rzeczywisty kolor, który - poprzez różne jasne i nieprzezroczyste odcienie w monochromatycznej czerni - wtopił się w całość obrazu.

Jego "Nero 1" (Black 1) z 1948 roku został później uznany przez artystę za kamień milowy jego malarstwa i ustanowił przewagę czarnego monochromu, który będzie utrzymywany jako bliska tożsamość przez całą jego karierę, obok bieli, od serii Bianchi (Whites) 1949-50, i czerwieni.

Kolejna seria Muffe (Formy) dosłownie przedstawiała spontaniczne reakcje zastosowanych materiałów, umożliwiając materii "ożycie" w kroplach i konkrecjach, które odtwarzały efekty i wygląd prawdziwej formy. W niektórych dziełach z tego samego okresu, które nazwał Gobbi (Garbusy), Burri skupił się na przestrzennej interakcji obrazu, osiągając kolejny oryginalny rezultat dzięki włączeniu gałęzi drzew z tyłu płótna, co przesunęło dwuwymiarowość w kierunku przestrzeni trójwymiarowej.

W 1949 roku krytyk Christian Zervos opublikował zdjęcie Catrame (wystawione w Paryżu rok wcześniej) w renomowanym Cahiers d'art.

Pomimo pokrewieństwa Burriego z nieformalizmem i jego przyjaźni z Ettore Colla, która zbliżyła Alberto do Gruppo Origine (założonej i rozwiązanej w 1951 roku przez samego Colla, Mario Balocco i Giuseppe Capogrossiego), artystyczne poszukiwania malarza wydawały się coraz bardziej samotne i niezależne.

Sacchi i pojawienie się Amerykanów

Począwszy od 1952 roku Burri osiągnął silną, osobistą charakterystykę dzięki Sacchi (Worki), dziełom sztuki uzyskanym bezpośrednio z tkaniny jutowej szeroko rozpowszechnianej przez Plan Marshalla: kolor prawie całkowicie zniknął, pozostawiając przestrzeń dla materiału powierzchniowego, tak aby malarstwo zbiegło się z jego materią w całkowitej autonomii, ponieważ nie było już oddzielenia między powierzchnią malarską a jej formą.

Formalna elegancja artystyczna i równowaga przestrzenna uzyskana dzięki aerodynamicznym parom, kraterom, rozdarciom, nakładającym się warstwom kolorów i różnym formom, odróżniały sztukę Burriego, opartą na uważnych refleksjach i precyzyjnych obliczeniach, od impulsywnych gestów, które charakteryzowały malarstwo akcji w tym samym okresie.

Burri zaproponował wstępne spojrzenie na te osobliwe elementy w 1949 roku, z SZ1 (akronim od Sacco di Zucchero 1 oznaczający Worek Cukru, 1): obecność części amerykańskiej flagi zawartej w dziele sztuki antycypowała wykorzystanie tego samego tematu przez pop-art. Jednak w przypadku Burriego nie było żadnych społecznych ani symbolicznych implikacji, a jedynym prawdziwym celem była formalna i chromatyczna równowaga obrazu.

Sacchi Burriego nie spotkały się ze zrozumieniem publiczności i zostały uznane za skrajnie odległe od pojęcia sztuki. W 1952 roku, roku jego pierwszego udziału w wystawie na Biennale w Wenecji, Sacks zatytułowane Lo Strappo (The Rip) i Rattoppo (Patch) zostały odrzucone.

Ponownie, w 1959 roku włoski parlament zażądał usunięcia jednego z dzieł malarza z Galleria Nazionale d'Arte Moderna w Rzymie.

Twórczość Burriego spotkała się z innym, pozytywnym odbiorem w 1953 roku, kiedy James Johnson Sweeney (dyrektor Muzeum Solomona R. Guggenheima) odkrył obrazy Burriego w Galerii Obelisco w Rzymie, a następnie zaprezentował prace artysty w Stanach Zjednoczonych na zbiorowej wystawie reprezentującej nowe europejskie tendencje artystyczne. Spotkanie to zaowocowało przyjaźnią na całe życie, a Sweeney stał się aktywnym orędownikiem sztuki Burriego w wiodących amerykańskich muzeach i napisał pierwszą monografię artysty w 1955 roku. W tym samym roku Robert Rauschenberg dwukrotnie odwiedził studio malarza: pomimo różnic językowych między dwoma artystami, które uniemożliwiały im rozmowę, wizyty Rauschenberga stanowiły istotny wkład w tworzenie jego Combine Paintings.

Silny związek Burriego ze Stanami Zjednoczonymi stał się oficjalny, gdy poznał Minsę Craig (1928-2003), amerykańską tancerkę baletową (uczennicę Marthy Graham) i choreografkę, którą poślubił 15 maja 1955 roku w Westport w stanie Connecticut. Trzymali się razem przez całe życie.

Przyjęcie ognia

Po kilku sporadycznych próbach, w latach 1953-54 Burri przeprowadził starannie zaplanowany eksperyment z ogniem, poprzez małe spalenia na papierze, które posłużyły jako ilustracje do tomiku wierszy Emilio Villi. Poeta był jednym z pierwszych, którzy zrozumieli rewolucyjny potencjał artystyczny malarza, pisząc o nim od 1951 roku i współpracując z nim przy książkach artystycznych. Później wspominał wspólną wizytę na polu naftowym (do reportażu z 1955 roku dla magazynu "Civiltà delle Macchine") jako silny wpływ na zainteresowanie artysty wykorzystaniem ognia.

Procedura przyjęta dla Combustioni (Spalania) przeszła z papieru na Legni (Lasy) około 1957 roku, w cienkich arkuszach forniru drewnianego przymocowanych do płótna i innych podpór.

W tym samym okresie Burri pracował również nad Ferri (Żelazkami), kreacjami wykonanymi z metalowych arkuszy ciętych i spawanych palnikiem, aby uzyskać ogólną równowagę elementów. Najbardziej znane zastosowanie tej procedury zostało osiągnięte w Plastiche (Tworzywa sztuczne) w latach sześćdziesiątych, kiedy stopniowa otwartość krytyków na sztukę Burriego pojawiła się również we Włoszech.

Palnik był tylko pozornie destrukcyjnym urządzeniem. Rzeczywiście, kratery modelowane przez płomień na celofanie, czarnym, czerwonym lub przezroczystym plastiku lub w serii Bianchi Plastica (Biały Plastik), w której przezroczysty plastik kładzie się na białym lub czarnym podłożu, były lekko kierowane przez dmuchanie malarza. Równowaga materii została w ten sposób ponownie podkreślona, z jednej strony w swego rodzaju "sprzeciwie" wobec przypadkowości płomienia, a z drugiej w próbie "zdominowania przypadku", nieodłącznie związanego z filozofią Burriego.

Od Cretto do Cellotex

Od 1963 roku Burri i jego żona zaczęli spędzać zimy w Los Angeles. Malarz stopniowo odciął się od społeczności artystycznej miasta, głęboko koncentrując się na własnej pracy. Podczas powtarzających się podróży do Parku Narodowego Doliny Śmierci, artysta odnalazł w naturalnym pękaniu pustyni wizualny bodziec, który doprowadził go, począwszy od 1973 roku, do stworzenia Cretti (Pęknięcia), rozwijając wykorzystanie efektu spękanej farby z jego dzieł z lat 1940.

Stosując specjalną mieszankę kaolinu, żywic i pigmentu, malarz wysuszył jego powierzchnię ciepłem pieca. Burri zatrzymał proces ogrzewania w pożądanym momencie za pomocą warstwy kleju PVA, uzyskując w ten sposób większe i mniejsze efekty pękania, które zawsze były zrównoważone dzięki rozległej wiedzy chemicznej malarza.

Burri powielił procedurę zastosowaną w Cretti, czarną lub białą, również w rzeźbie, na dużych przedłużeniach na Uniwersytecie Kalifornijskim w Los Angeles i Neapolu (Museo di Capodimonte) Grandi Cretti (Duże pęknięcia) wykonane z wypalanej gliny (oba 49 x 16) i, co najważniejsze, w rozległym cementowym pokryciu Cretto di Burri w Gibellina, na ruinach starego małego sycylijskiego miasteczka zniszczonego przez trzęsienie ziemi w 1968 roku. Rozpoczęte w 1984 roku i przerwane w 1989 roku dzieło zostało ukończone w 2015 roku, w setną rocznicę urodzin artysty. Jest to jedno z największych dzieł sztuki, jakie kiedykolwiek zrealizowano, rozciągające się na powierzchni około 85 000 metrów kwadratowych. Jego biała betonowa powłoka rozciąga się nad miastem, podążając za starą mapą ulic w długich arteriach i korytarzach, po których można chodzić, symbolicznie przywracając zdewastowane miasto do życia.

W latach siedemdziesiątych sztuka Burriego stopniowo przechodziła do szerszych wymiarów, a retrospektywy następowały po sobie na całym świecie. Przykładem może być wielka wystawa indywidualna, która w latach 1977-78 przemierzyła Stany Zjednoczone i zakończyła się w Muzeum Solomona R. Guggenheima w Nowym Jorku.

W cyklu obrazów Il Viaggio (Podróż) z 1979 roku Burri odtworzył, poprzez dziesięć monumentalnych kompozycji, kluczowe momenty swojej twórczości.

Uprzywilejowanym materiałem w tej fazie jest Celotex (autor dodał l do jego nazwy), przemysłowa mieszanka skrawków drewna i klejów, bardzo często używana do produkcji płyt izolacyjnych. Do tej pory malarz używał tego materiału w swoich poprzednich pracach od wczesnych lat 50. jako wsparcia dla swoich acetatowych i akrylowych prac.

Następnie Cellotex został wykorzystany do cyklicznych serii pomyślanych jako poliptyk o dominującej i wyraźnej strukturze geometrycznej, poprzez niezwykle cienkie, porysowane odcienie lub zestawienia gładkich i szorstkich części, takich jak Orsanmichele (1981), lub w czarnych monochromatycznych wariacjach, takich jak Annottarsi (Up to Nite, 1985), a także w wielokolorowych formach, takich jak Sestante (Sextant, 1983) lub hołd dla złota mozaik Rawenny w jego ostatniej serii Nero e Oro (Black and Gold).

Cała twórczość Burriego została przez autora pomyślana jako nierozerwalna całość formy i przestrzeni, zarówno w malarstwie, jak i w rzeźbie. Przykładem jest powtarzający się motyw archiwolty, oglądany w prostej formie w malarstwie i w perspektywie w takich żelaznych rzeźbach jak Teatro Scultura - dzieło prezentowane na Biennale w Wenecji w 1984 roku - oraz w serii Ogive z 1972 roku w ceramice.

Silną ciągłość prac rzeźbiarskich Burriego z jego malarstwem można również dostrzec w pracach ceramicznych Grandi Cretti w Los Angeles UCLA i Neapolu Capodimonte (z pomocą długoletniego współpracownika ceramika Massimo Baldellego) lub w Grande Ferro (Duże żelazo) wystawionym w Perugii z okazji spotkania artysty z Josephem Beuysem w 1980 roku.

Large Cretto w Gibellinie nie należy do kategorii sztuki lądowej, ale posiada cechy łączące architekturę, rzeźbę i przestrzeń. Inne rzeźby na żelazie znajdują się na stałe w muzeach Città di Castello, Rawenny, Celle (Pistoia), Perugii i Mediolanu, gdzie obracające się skrzydła Teatro Continuo (Teatru Ciągłego) są zarówno prawdziwą przestrzenią sceniczną, jak i rzeźbą, wykorzystującą park Zamku Sforzów jako naturalne tło.

Zestawy teatralne

Teatr odgrywał uprzywilejowaną rolę w twórczości Burriego. Malarz pracował na polu prozy, baletu i opery, choć były to pojedyncze interwencje. W 1963 roku Burri zaprojektował scenografię do Spirituals, baletu Mortona Goulda w mediolańskiej La Scali. Plastiche malarza podkreślały dramatyczną siłę takich sztuk jak adaptacja sceniczna Ignazio Silone z 1969 roku w San Miniato (Piza) oraz Tristan i Iseult, wystawiona w 1975 roku w Teatro Regio w Turynie.

W 1973 roku Burri zaprojektował scenografię i kostiumy do baletu November Steps, wymyślonego przez jego żonę Minsę Craig, z muzyką autorstwa Toru Takemitsu. Balet współgrał z wczesnym przykładem sztuki wizualnej w postaci klipu filmowego przedstawiającego stopniowe powstawanie Cretti.

Burri nigdy nie uważał grafiki za sztukę drugorzędną w stosunku do malarstwa. Intensywnie uczestniczył w eksperymentowaniu z nowymi technikami druku, takimi jak reprodukcja Combustioni z 1965 roku - w której małżeństwu Valterowi i Eleonorze Rossi doskonale udało się naśladować efekt spalania na papierze - lub nieregularne wgłębienia Cretti (1971) z tymi samymi drukarzami.

Dalsze innowacje można znaleźć w jedwabnych ekranach Sestante (1987-89) - z pomocą starego przyjaciela i współpracownika Burriego, Nuvolo - do serii Mixoblack (1988), stworzonej we współpracy z warsztatem drukarskim Mixografia z Los Angeles, wykorzystującym marmurowy pył i piasek do tworzenia powierzchni drukarskich z pewnymi trójwymiarowymi efektami teksturowymi.

Znamienny jest fakt, że Burri wykorzystał pieniądze z nagrody Feltrinelli Prize za grafikę - przyznanej mu w 1973 roku przez Accademia dei Lincei - do promowania i wspierania renowacji fresków Luki Signorellego w małym oratorium San Crescentino, zaledwie kilka kilometrów od wiejskiego domu Burriego w Città di Castello; kolejny przykład tego, jak nowoczesność i współczesność są mentalnie bliskie w sztuce Burriego.

Alberto Burri zmarł bezdzietnie 13 lutego 1995 roku w Nicei, na Riwierze Francuskiej, gdzie przeprowadził się ze względu na łatwość życia i rozedmę płuc.

Tuż przed śmiercią malarz został odznaczony Legią Honorową i Orderem Zasługi Republiki Włoskiej, a także honorowym członkiem Amerykańskiej Akademii Sztuki i Literatury. Jego seria grafik Oro e Nero (Złoto i czerń) została podarowana przez artystę między innymi w Galerii Uffizi we Florencji w 1994 roku, kiedy to już zaczął być uważany bardziej za artystę "klasycznego" niż "współczesnego".

Sztuka Alberto Burriego wzbudziła zainteresowanie wielu współczesnych artystów, od Lucio Fontany i Giorgio Morandiego po Jannisa Kounellisa, Michelangelo Pistoletto i Anselma Kiefera, którzy wielokrotnie uznawali wielkość Burriego - a w niektórych przypadkach jego wpływ.

Fundacja i muzea

Zgodnie z wolą malarza, Fondazione Palazzo Albizzini została założona w Città di Castello w 1978 roku w celu ochrony praw autorskich do prac Burriego. Pierwszą kolekcją muzealną, zainaugurowaną w 1981 roku, jest ta znajdująca się wewnątrz renesansowego budynku mieszkalnego Albizzini. XV-wieczny dom patrycjuszy, należący do mecenasów Wesela Dziewicy Rafaela, został odnowiony przez architektów Alberto Zanmattiego i Tiziano Sarteanesiego zgodnie z własnymi planami Burriego.

Druga kolekcja to dawna suszarnia tytoniu Città di Castello, struktura przemysłowa stopniowo opuszczana w latach 60. i zainaugurowana w 1990 roku, rozciągająca się na powierzchni 11 500 metrów kwadratowych. Obecnie struktura zawiera całość dużych cykli malarskich artysty, monumentalne rzeźby, a od marca 2017 r. całą produkcję graficzną malarza.

Czarny wygląd zewnętrzny struktury i szczególne adaptacje przestrzeni stanowią ostatnią próbę Burriego stworzenia całościowego dzieła sztuki, zgodnie z ideą równowagi formalnej i psychologicznej, do której nieustannie dążył.

Alberto Burri jest uznawany za radykalnego innowatora drugiej połowy XX wieku, jako prekursor rozwiązań znalezionych przez takie ruchy artystyczne jak Arte Povera, Neo-Dada, Nouveau réalisme, Postminimalizm i sztuka procesualna, pozostawiając wiele krytycznych interpretacji i metodologicznych interpretacji jego twórczości.

W swojej monografii z 1963 roku Cesare Brandi podkreślił istotę malarstwa Burriego i jego odrzucenie zarówno dekoracyjnych detali, jak i prowokacji historycznych awangard (np. futuryzmu), preferując nowe podejście poprzez koncepcję "malarstwa niemalowanego".

Z drugiej strony, Enrico Crispolti interpretował wykorzystanie materiału przez Burriego z egzystencjalnego punktu widzenia - podobnie jak James Johnson Sweeney w pierwszej monografii Burriego opublikowanej w 1955 roku - sugerując krytykę pewnego powojennego dryfu etycznego.

Pierre Restany uważał go za "szczególny przypadek" w historii minimalizmu, będąc "monumentalnym outsiderem i genialnym prekursorem w tym samym czasie". Maurizio Calvesi przez lata przyjmował psychoanalityczną lekturę, odnajdując w jego sztuce "wartości etyczne", identyfikując jednocześnie renesansowe korzenie ojczyzny Burriego: Piero della Francesca zainspirowałby Burriego poczuciem przestrzeni i powagi mas, które malarz następnie przeniósł na spalone lasy lub zużyte worki.

Niedawno pozycja Burriego została przewartościowana dzięki dużej retrospektywnej wystawie Alberto Burri: The Trauma of Painting kuratorowanej przez Emily Braun dla Muzeum Solomona R. Guggenheima oraz zbiorowej wystawie Burri Lo spazio di Materia tra Europa e USA z 2016 r. pod redakcją obecnego prezesa Fundacji Bruno Corà, która podkreśliła radykalną zmianę w tradycyjnym malarstwie zachodnim i nowoczesnym kolażu wprowadzonym przez Burriego, skupiając się jednocześnie na jego "psychologicznym" odzyskaniu żywej równowagi formalnej klasycznego malarstwa.

Wśród wielu historycznych odczytań, osąd Giulio Carlo Argana (napisany w katalogu Biennale w Wenecji w 1960 roku) pozostaje emblematyczny: "W przypadku Burriego musimy mówić o obalonym Trompe-l'œil, ponieważ nie jest to już malarstwo symulujące rzeczywistość, ale rzeczywistość symulująca malarstwo".

Kariera Burriego rozpoczęła się w Rzymie od pierwszej indywidualnej wystawy w 1947 roku w księgarni La Margherita, należącej do Irene Brin, gdzie w następnym roku zaprezentował swoje pierwsze abstrakcyjne prace. Brin i jej mąż Gaspero del Corso założyli Obelisco Gallery, pierwszą galerię sztuki otwartą w powojennym Rzymie, w której w 1952 roku odbyła się indywidualna wystawa Muffe e Neri (Molds and Blacks), a w 1957 roku pierwsza Combustions. Pierwsza wystawa Burriego z Sacchi została zaprezentowana przez poetę Emilio Villa w Origine Foundation w 1952 roku, jako potwierdzenie jego coraz bardziej oryginalnej produkcji. Ferri (Żelazka) odbyły się w Galleria Blu w Mediolanie.

Od 1953 roku Burri regularnie wystawiał swoje prace w Stanach Zjednoczonych, w Allan Frumkin Gallery (Chicago), Stable Gallery i Martha Jackson Gallery w Nowym Jorku. W tym samym roku dyrektor i kurator Muzeum Guggenheima James Johnson Sweeney włączył Burriego do przełomowej wystawy Młodzi malarze europejscy: A Selection, dzięki której jego twórczość znalazła się w centrum uwagi społeczności międzynarodowej.

Początkowo chwiejna relacja Burriego z Biennale w Wenecji osiągnęła punkt zwrotny w 1960 roku, kiedy Giulio Carlo Argan zaproponował mu pierwszą indywidualną wystawę. W 1962 roku Cesare Brandi zaprezentował Plastiche w Marlborough Fine Art w Rzymie. Mniej więcej w tym czasie i w następnej dekadzie odbyły się pierwsze antologiczne retrospektywy, takie jak wystawy indywidualne w Musée National d'Art Moderne w Paryżu (1972), w Świętym Klasztorze Franciszka z Asyżu (1975) oraz wielka podróżująca wystawa, która rozpoczęła się w UCLA's Frederick S. Wight Gallery w Los Angeles, przeniosła się do Marion Koogler McNay Art Institute w San Antonio (Teksas) i zakończyła w 1978 roku w Muzeum Solomona R. Guggenheima.

Od 1979 roku duże cykle obrazów na celulozie zdominowały całą późniejszą produkcję Burriego, która została zaprojektowana dla dużych przestrzeni, takich jak katedry (jak cykl z 1981 roku we Florencji zatytułowany Gli Orti) lub dawne kompleksy przemysłowe, takie jak byłe stocznie Giudecca Isle w Wenecji, gdzie wystawił chromatyczną serię Sestante. W 1994 roku Burri zaprezentował cykl zatytułowany Burri The Athens Polyptych. Architektura z kaktusem na wystawie kuratorowanej przez Giuliano Serfafiniego w Galerii Narodowej (Ateny), a następnie we Włoskim Instytucie Kultury w Madrycie (1995).

Pośmiertna wystawa antologiczna w Palazzo delle Esposizioni (Rzym) w 1996 roku została z powodzeniem powtórzona w Lenbachhaus (Monachium) i w Centrum Sztuk Pięknych w Brukseli. W latach 2015-16 duża wystawa retrospektywna The Trauma of Painting zorganizowana przez Emily Braun w Solomon R. Guggenheim Museum w Nowym Jorku (później w Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen w Düsseldorfie w 2016 r.) przyciągnęła wiele uwagi do sztuki malarza.

Na zakończenie setnej rocznicy urodzin Alberto Burriego, wystawa zatytułowana Burri Lo spazio di materia tra Europa e USA, której kuratorem był Bruno Corà, ustanowiła porównanie między epigonami sztuki materialnej XX wieku. Wystawa odbyła się w Città di Castello, w przestrzeni wystawienniczej dawnej suszarni tytoniu, w której od 2017 roku znajduje się kolekcja grafik malarza.

Na londyńskiej aukcji prac z prywatnej kolekcji Sotheby's na północy Włoch, Combustione legno (1957) Burriego zostało sprzedane za 3,2 miliona funtów w 2011 roku. 11 lutego 2014 roku Christie's ustanowiło rekord artysty dziełem Combustione Plastica, sprzedanym za 4 674 500 funtów (szacowany zakres od 600 000 do 800 000 funtów). Praca (podpisana i datowana na odwrocie) wykonana z plastiku, akrylu i spalenizny (4 stopy x 5 stóp) została wykonana w latach 1960-1961.

Rekord artysty został ustanowiony w 2016 roku w Londynie, kiedy to podczas wieczoru poświęconego przez Sotheby's współczesnemu Sacco e Rosso z 1959 roku, dzieło zostało sprzedane za ponad 9 milionów funtów, podwajając tym samym poprzedni rekord.

Sztuka Alberto Burriego zainspirowała wielu włoskich reżyserów, w tym Michelangelo Antonioniego, który czerpał inspirację z badań nad materiałami malarza do swojej Czerwonej pustyni z 1964 roku.

Kompozytor Salvatore Sciarrino napisał hołd dla upamiętnienia śmierci malarza w 1995 roku, zamówiony przez Festival delle Nazioni w Città di Castello. Na ten sam festiwal dawne suszarnie tytoniu stały się scenerią kompozycji Alvina Currana w 2002 roku.

Large Cretto w Gibellina funkcjonowało kilkakrotnie jako sceneria dla Festiwalu Orestiadi oraz jako sceneria dla występu artystów Giancarlo Neri i Roberta Del Naja (Massive Attack) w 2015 roku. Balet November Steps z 1973 roku, ze scenografią i kostiumami Burriego, został ponownie zaproponowany w 2015 roku przez Muzeum Guggenheima w Nowym Jorku. W 2016 roku choreograf Virgilio Sieni stworzył dzieło Quintetti sul Nero, inspirowane umbryjskim mistrzem. W 2017 roku John Densmore (The Doors) wystąpił przed Grande Nero Cretto (Dużym Czarnym Pęknięciem) na UCLA w Los Angeles podczas wydarzenia Burri Prometheia.

Przez lata projektanci mody czerpali inspirację z Burri, od Roberto Capucci, z jego ubraniem Omaggio a Burri z 1969 roku, które ma asymetryczne elementy odtwarzające efekty Cretti, aż po Laurę Biagiotti w jej (ostatniej) kolekcji z 2017 roku.

W 1987 roku Burri stworzył oficjalne plakaty Mistrzostw Świata FIFA 1990. Festiwal Jazzowy w Umbrii wykorzystał serię Sestante do plakatu edycji 2015, świętując stulecie urodzin artysty.

Źródła

1. Alberto Burri
2. Alberto Burri
3. ^ Brandi 1963. Originally painting signified for Burri a catharsis through action, occasioned by his situation as prisoner of war without sympathy for either of the struggle's main antagonists. The practice of medicine would have represented for him the survival of a past which the course of the events had definitely cut off.
4. ^ Ico Parisi (a cura di), Operazione Arcevia. Comunità esistenziale, Como, Nani, 1976.
5. ^ Operazione Arcevia, su operazionearcevia.com. URL consultato il 25 agosto 2016 (archiviato dall'url originale il 26 agosto 2016).
6. ^ [1]
7. «Petra Noordkamp». www.petranoordkamp.nl. Consultado el 8 de abril de 2020.
8. Alberto Burri: The Trauma of Painting. October 9, 2015–January 6, 2016 (Memento vom 12. Dezember 2015 im Internet Archive)