Streszczenie

Solomon "Sol" LeWitt (9 września 1928 - 8 kwietnia 2007) był amerykańskim artystą związanym z różnymi ruchami, w tym sztuką konceptualną i minimalizmem.

LeWitt zyskał sławę pod koniec lat 60. dzięki swoim rysunkom ściennym i "strukturom" (termin, który preferował zamiast "rzeźb"), ale był płodny w szerokim zakresie mediów, w tym rysunku, druku, fotografii, malarstwa, instalacji i książek artystycznych. Od 1965 roku był tematem setek wystaw indywidualnych w muzeach i galeriach na całym świecie. Pierwsza biografia artysty, Sol LeWitt: A Life of Ideas, autorstwa Lary Bloom, została wydana przez Wesleyan University Press wiosną 2019 roku.

LeWitt urodził się w Hartford, Connecticut, w rodzinie żydowskich imigrantów z Rosji. Jego ojciec zmarł, gdy miał 6 lat. Matka zabierała go na zajęcia plastyczne do Wadsworth Atheneum w Hartford. Po otrzymaniu dyplomu BFA na Syracuse University w 1949 roku, LeWitt podróżował do Europy, gdzie miał okazję zapoznać się z malarstwem Old Master. Niedługo potem służył w wojnie koreańskiej, najpierw w Kalifornii, potem w Japonii, a w końcu w Korei. LeWitt przeniósł się do Nowego Jorku w 1953 roku i założył studio na Lower East Side, w starym osiedlu Żydów aszkenazyjskich przy Hester Street. W tym czasie studiował w School of Visual Arts, jednocześnie kontynuując swoje zainteresowanie projektowaniem w magazynie Seventeen, gdzie wykonywał pastele, mechanizmy i fotostaty. W 1955 roku przez rok był grafikiem w biurze architekta I.M. Pei. W tym czasie LeWitt odkrył również prace XIX-wiecznego fotografa Eadwearda Muybridge'a, którego badania nad sekwencją i ruchem były dla niego bardzo ważne. Te doświadczenia, w połączeniu z początkową pracą jako nocny recepcjonista i urzędnik, którą podjął w 1960 roku w Museum of Modern Art (MoMA) w Nowym Jorku, wpłynęły na późniejszą twórczość LeWitta.

W MoMA współpracownikami LeWitta byli m.in. koledzy artyści Robert Ryman, Dan Flavin, Gene Beery i Robert Mangold, a także przyszła krytyczka sztuki i pisarka Lucy Lippard, która pracowała jako sekretarka w bibliotece. Słynna wystawa kurator Dorothy Canning Miller "Sixteen Americans" z 1960 roku, na której znalazły się prace Jaspera Johnsa, Roberta Rauschenberga i Franka Stelli, wywołała falę emocji i dyskusji wśród społeczności artystów, z którymi LeWitt był związany. LeWitt przyjaźnił się także z Hanne Darboven, Evą Hesse i Robertem Smithsonem.

LeWitt uczył w kilku nowojorskich szkołach, w tym na New York University i School of Visual Arts, pod koniec lat 60. W 1980 roku LeWitt wyjechał z Nowego Jorku do Spoleto we Włoszech. Po powrocie do Stanów Zjednoczonych w późnych latach 80. LeWitt uczynił z Chester, Connecticut, swoje główne miejsce zamieszkania. Zmarł w wieku 78 lat w Nowym Jorku z powodu powikłań nowotworowych.

LeWitt uważany jest za twórcę zarówno sztuki minimalnej, jak i konceptualnej. Jego płodna dwu- i trójwymiarowa twórczość obejmuje rysunki na ścianach (ponad 1200 z nich zostało wykonanych), setki prac na papierze rozciągających się na struktury w postaci wież, piramid, form geometrycznych i progresji. Prace te mają różne rozmiary, od książek i instalacji wielkości galerii do monumentalnych dzieł plenerowych. Pierwsze seryjne rzeźby LeWitta powstały w latach 60. i wykorzystywały modułową formę kwadratu w układach o różnej złożoności wizualnej. W 1979 roku LeWitt brał udział w projektowaniu utworu Dance Company Lucindy Childs.

Rzeźba

Na początku lat 60. LeWitt po raz pierwszy zaczął tworzyć swoje "struktury", termin, którym określał swoje trójwymiarowe prace. Częste stosowanie przez niego otwartych, modułowych struktur wywodzi się z sześcianu, formy, która wpłynęła na myślenie artysty od momentu, gdy po raz pierwszy został artystą. Po stworzeniu wczesnego korpusu prac składającego się z drewnianych obiektów o zamkniętej formie, mocno lakierowanych ręcznie, w połowie lat 60. "zdecydował się całkowicie usunąć skórę i odsłonić strukturę". Ta szkieletowa forma, radykalnie uproszczony otwarty sześcian, stała się podstawowym budulcem trójwymiarowej twórczości artysty. W połowie lat 60. LeWitt zaczął pracować z otwartym sześcianem: dwanaście identycznych elementów liniowych połączonych w ośmiu narożnikach tworzyło strukturę szkieletową. Od 1969 roku wiele z jego modularnych struktur było tworzonych na dużą skalę, z aluminium lub stali przez producentów. Kilka z sześcianowych struktur LeWitta stało na poziomie oczu. W tej skali artysta wprowadził cielesną proporcję do swojej podstawowej jednostki rzeźbiarskiej.

Po wczesnych eksperymentach LeWitt ustalił standardową wersję dla swoich modułowych sześcianów, około 1965 roku: negatywna przestrzeń pomiędzy belkami miała stać się pozytywną przestrzenią samego materiału rzeźbiarskiego w stosunku 8,5:1, czyli 17 2 {\i0} . Materiał miałby być również pomalowany na biało zamiast na czarno, aby uniknąć "ekspresyjności" czarnego koloru wcześniejszych, podobnych prac. Zarówno proporcje, jak i kolor były arbitralnymi wyborami estetycznymi, ale po ich podjęciu zostały konsekwentnie wykorzystane w kilku pracach, które są typowe dla prac LeWitta w stylu "kostki modułowej". Muzea, w których znajdują się egzemplarze prac LeWitta o kształcie kostki modułowej, opublikowały propozycje lekcji dla szkół podstawowych, które mają zachęcić dzieci do badania matematycznych właściwości dzieł sztuki.

Od połowy lat 80. LeWitt komponował niektóre swoje rzeźby z ułożonych w stosy bloków żużlowych, wciąż generując wariacje w ramach narzuconych sobie ograniczeń. W tym czasie zaczął pracować z betonowymi blokami. W 1985 roku w parku w Bazylei powstał pierwszy cementowy Cube. Od 1990 roku LeWitt wymyślił wiele wariantów wieży, która miała być zbudowana z betonowych bloków. Prace LeWitta z końca lat 90., w których artysta odchodzi od dobrze znanego mu słownictwa form geometrycznych, wyraźnie wskazują na rosnące zainteresowanie artysty nieco przypadkowymi krzywoliniowymi kształtami i mocno nasyconymi kolorami.

W 2007 roku LeWitt wymyślił 9 Towers, sześcian wykonany z ponad 1000 jasnych cegieł, które mierzą po pięć metrów z każdej strony. Został on zainstalowany w Centrum Sztuki Kivik w Lilla Stenshuvud w Szwecji w 2014 roku.

Rysunki ścienne

W 1968 roku LeWitt zaczął tworzyć zestawy wytycznych lub prostych schematów dla swoich dwuwymiarowych prac rysowanych bezpośrednio na ścianie, wykonywanych najpierw grafitem, potem kredką, później kolorowym ołówkiem, a w końcu bogatymi w chromatykę rozmyciami tuszu indyjskiego, jasnej farby akrylowej i innych materiałów. Od czasu, gdy stworzył dzieło sztuki na inauguracyjny pokaz Paula Cooper Gallery w 1968 roku, wystawę na rzecz Studenckiego Komitetu Mobilizacyjnego do Zakończenia Wojny w Wietnamie, tysiące rysunków LeWitta zostało zainstalowanych bezpośrednio na powierzchniach ścian. W latach 1969-1970 LeWitt stworzył cztery "Serie rysunków", które prezentowały różne kombinacje podstawowego elementu, który rządził wieloma jego wczesnymi rysunkami ściennymi. W każdej z serii zastosował inny system zmian do każdej z dwudziestu czterech możliwych kombinacji kwadratu podzielonego na cztery równe części, z których każda zawierała jeden z czterech podstawowych rodzajów linii stosowanych przez LeWitta (pionowa, pozioma, ukośna lewa i ukośna prawa). W rezultacie otrzymujemy cztery możliwe permutacje dla każdej z dwudziestu czterech oryginalnych jednostek. System zastosowany w Rysunkach Serii I LeWitt określił mianem "Rotacji", w Rysunkach Serii II zastosował system nazwany "Lustrem", w Rysunkach Serii III - "Lustrem Krzyżowym i Odwrotnym", a w Rysunkach Serii IV - "Odwrotnym Krzyżowym".

W Wall Drawing #122, po raz pierwszy zainstalowanym w 1972 roku w Massachusetts Institute of Technology w Cambridge, praca zawiera "wszystkie kombinacje dwóch przecinających się linii, umieszczonych losowo, z użyciem łuków z rogów i boków, linii prostych, nie prostych i łamanych", co daje 150 unikalnych par, które rozwijają się na ścianach galerii. LeWitt dalej rozwijał ten temat, tworząc takie wariacje jak Wall Drawing #260 w Museum of Modern Art, New York, który systematycznie przebiega przez wszystkie możliwe dwuczęściowe kombinacje łuków i linii. Wymyślony w 1995 roku Wall Drawing #792: Black rectangles and squares podkreśla wczesne zainteresowanie LeWitta krzyżowaniem się sztuki i architektury. Zajmująca dwa piętra Barbara Gladstone Gallery w Brukseli praca składa się z różnych kombinacji czarnych prostokątów, tworzących nieregularny wzór przypominający siatkę.

LeWitt, który pod koniec lat 70. przeprowadził się do Spoleto we Włoszech, przypisuje swoje przejście od grafitowego ołówka lub kredki do żywych rozmyć tuszem spotkaniu z freskami Giotta, Masaccia i innych wczesnych malarzy florenckich. Pod koniec lat 90. i na początku XXI wieku tworzył akrylowe rysunki ścienne o dużym nasyceniu barw. Chociaż ich formy są krzywoliniowe, zabawne i wydają się niemal przypadkowe, są one również rysowane zgodnie z dokładnym zestawem wytycznych. Na przykład pasma mają standardową szerokość, a żaden kolorowy fragment nie może dotykać innego fragmentu w tym samym kolorze.

W 2005 roku LeWitt rozpoczął serię rysunków ściennych "scribble", nazwanych tak, ponieważ wymagały od rysowników wypełnienia obszarów ściany poprzez bazgranie grafitem. Bazgranie odbywa się w sześciu różnych gęstościach, które są zaznaczane na diagramach artysty, a następnie odwzorowywane sznurkiem na powierzchni ściany. Gradacja gęstości bazgrania tworzy kontinuum tonalne, które sugeruje trójwymiarowość. Największy rysunek ścienny, Wall Drawing #1268, można oglądać w Albright-Knox Art Gallery.

Zgodnie z zasadą działania, rysunki ścienne LeWitta są zazwyczaj wykonywane przez osoby inne niż sam artysta. Nawet po jego śmierci ludzie nadal wykonują te rysunki. Dlatego w ostateczności korzystałby z zespołów asystentów do tworzenia takich prac. Sam LeWitt pisząc o tworzeniu rysunków ściennych zauważył w 1971 roku, że "każdy człowiek inaczej rysuje linię i każdy inaczej rozumie słowa". Od 1968 roku do swojej śmierci w 2007 roku LeWitt stworzył ponad 1270 rysunków ściennych. Rysunki ścienne, wykonywane na miejscu, istnieją zazwyczaj przez czas trwania wystawy; następnie są niszczone, co nadaje pracy w jej fizycznej formie efemeryczną jakość. Mogą być instalowane, usuwane i ponownie instalowane w innym miejscu tyle razy, ile wymaga tego wystawa. Po przeniesieniu w inne miejsce liczba ścian może ulec zmianie tylko przy zachowaniu proporcji pierwotnego schematu.

Stałe murale LeWitta można znaleźć m.in. w AXA Center, Nowy Jork (The Swiss Re headquarters Americas w Armonk, Nowy Jork, Atlanta City Hall, Atlanta (the Walter E. Washington Convention Center, Washington, DC (the Albright-Knox Art Gallery, Buffalo (the Columbus Circle Subway Station, New York; The Jewish Museum (the Green Center for Physics at MIT, Cambridge (the Wadsworth Atheneum; and John Pearson's House, Oberlin, Ohio. Ostatni publiczny rysunek ścienny artysty, Wall Drawing #1259: Loopy Doopy (Springfield) (2008), znajduje się w United States Courthouse w Springfield, Massachusetts (zaprojektowany przez architekta Moshe Safdie). Wall Drawing #599: Circles 18 (1989) - byk z koncentrycznych okręgów w naprzemiennych pasmach żółci, błękitu, czerwieni i bieli - został zainstalowany w holu Jewish Community Center, Nowy Jork, w 2013 roku.

Gouaches

W latach 80., zwłaszcza po podróży do Włoch, LeWitt zaczął używać gwaszu, nieprzejrzystej farby na bazie wody, do tworzenia swobodnie płynących abstrakcyjnych prac w kontrastujących kolorach. Stanowiły one znaczące odejście od reszty jego praktyki, gdyż prace te tworzył własnoręcznie. Gwasze LeWitta często tworzone są w seriach opartych na określonym motywie. W przeszłości były to m.in. nieregularne formy, krzywe równoległe, faliste pociągnięcia pędzla i siatki przypominające sieć.

Chociaż ta luźno oddana kompozycja mogła być wizualnym odejściem od jego wcześniejszych, bardziej zgeometryzowanych prac, to jednak pozostawała w zgodzie z jego pierwotną intencją artystyczną. LeWitt pieczołowicie wykonywał własne odbitki ze swoich gwaszowych kompozycji. W 2012 roku doradca artystyczny Heidi Lee Komaromi była kuratorem wystawy "Sol LeWitt: Works on Paper 1983-2003", ukazującej różnorodność technik, które LeWitt stosował na papierze w ostatnich dekadach swojego życia.

Książki artystyczne

Od 1966 roku zainteresowanie LeWitta seryjnością doprowadziło do powstania ponad 50 książek artystycznych w ciągu całej jego kariery; wiele z nich przekazał później do biblioteki Wadsworth Athenaeum. W 1976 roku LeWitt pomógł założyć Printed Matter, Inc, przestrzeń artystyczną typu for-profit w dzielnicy Tribeca w Nowym Jorku wraz z innymi artystami i krytykami Lucy Lippard, Carol Androcchio, Amy Baker (Sandback), Edit DeAk, Mike Glier, Nancy Linn, Walterem Robinsonem, Ingrid Sischy, Pat Steir, Mimi Wheeler, Robin White i Ireną von Zahn. LeWitt był znaczącym innowatorem gatunku "książki artysty", terminu, który został ukuty dla wystawy z 1973 roku kuratorowanej przez Dianne Perry Vanderlip w Moore College of Art and Design w Filadelfii.

Printed Matter była jedną z pierwszych organizacji zajmujących się tworzeniem i dystrybucją książek artystycznych, włączając w to self-publishing, małe wydawnictwa oraz sieci i kolektywy artystów. Dla LeWitta i innych, Printed Matter służyło również jako system wsparcia dla awangardowych artystów, równoważąc swoją rolę jako wydawcy, przestrzeni wystawowej, przestrzeni handlowej i centrum społecznościowego dla śródmiejskiej sceny artystycznej, w tym sensie naśladując sieć aspirujących artystów, którą LeWitt znał i cieszył się nią jako pracownik Muzeum Sztuki Nowoczesnej.

Architektura i kształtowanie krajobrazu

LeWitt współpracował z architektem Stephenem Lloydem, aby zaprojektować synagogę dla jego kongregacji Beth Shalom Rodfe Zedek; konceptualizował "zwiewny" budynek synagogi, z płytką kopułą podtrzymywaną przez "wybujałe drewniane belki dachowe", hołd dla drewnianych synagog Europy Wschodniej.

W 1981 roku LeWitt został zaproszony przez Fairmount Park Art Association (obecnie znane jako Association for Public Art) do zaproponowania publicznego dzieła sztuki dla miejsca w Fairmount Park. Wybrał długą, prostokątną działkę znaną jako Reilly Memorial i przesłał rysunek z instrukcjami. Zainstalowany w 2011 roku projekt Lines in Four Directions in Flowers składa się z ponad 7000 roślin ułożonych w strategicznie skonfigurowanych rzędach. W swojej pierwotnej propozycji artysta zaplanował instalację z sadzonek kwiatów w czterech różnych kolorach (białym, żółtym, czerwonym i niebieskim) w czterech równych prostokątnych obszarach, w rzędach w czterech kierunkach (pionowym, poziomym, ukośnym w prawo i w lewo) obramowanych wiecznie zielonymi żywopłotami o wysokości około 2', przy czym każdy blok kolorystyczny składa się z czterech do pięciu gatunków, które kwitną kolejno.

W 2004 roku rzeźba Six Curved Walls została zainstalowana na zboczu wzgórza Crouse College na kampusie Uniwersytetu Syracuse. Rzeźba z betonowych bloków składa się z sześciu pofałdowanych ścian, każda o wysokości 12 stóp i rozciąga się na długości 140 stóp. Rzeźba została zaprojektowana i wykonana z okazji inauguracji Nancy Cantor jako 11. kanclerza Uniwersytetu Syracuse.

Od początku lat 60. wraz z żoną, Carol Androccio, zgromadził prawie 9000 dzieł sztuki poprzez zakupy, w transakcjach z innymi artystami i dealerami lub jako prezenty. W ten sposób nabył prace około 750 artystów, w tym Flavina, Rymana, Hanne Darboven, Evy Hesse, Donalda Judda, On Kawary, Kazuko Miyamoto, Carla Andre, Dana Grahama, Hansa Haacke, Gerharda Richtera i innych. W 2007 roku na wystawie "Selections from The LeWitt Collection" w Weatherspoon Art Museum zgromadzono około 100 obrazów, rzeźb, rysunków, grafik i fotografii, wśród nich prace Andre, Alice Aycock, Bernda i Hilli Becherów, Jana Dibbetsa, Jackie Ferrary, Gilberta i George'a, Alexa Katza, Roberta Mangolda, Brice'a Mardena, Mario Merza, Shirin Neshat, Pat Steir i wielu innych artystów.

Prace LeWitta zostały po raz pierwszy wystawione publicznie w 1964 roku na zbiorowej wystawie kuratorowanej przez Dana Flavina w Kaymar Gallery w Nowym Jorku, a następnie w 1965 roku w John Daniels Gallery Dana Grahama, gdzie odbył się jego pierwszy indywidualny pokaz. W 1966 roku wziął udział w wystawie "Primary Structures" w Muzeum Żydowskim w Nowym Jorku (kluczowa wystawa, która pomogła zdefiniować ruch minimalistyczny), przedstawiając otwarty modułowy sześcian bez tytułu, składający się z 9 elementów. W tym samym roku został włączony do wystawy "10" w Dwan Gallery w Nowym Jorku. Następnie został zaproszony przez Haralda Szeemanna do udziału w wystawie "When Attitude Becomes Form" w Kunsthalle Bern w Szwajcarii w 1969 roku. Zapytany w 1993 roku o tamte lata LeWitt powiedział: "Zdecydowałem, że sprawię, że kolor lub forma ustąpią i będę postępował w sposób trójwymiarowy."

Gemeentemuseum w Hadze zaprezentowało jego pierwszą retrospektywną wystawę w 1970 roku, a następnie jego twórczość została pokazana w dużej retrospektywie w połowie kariery w Museum of Modern Art w Nowym Jorku w 1978 roku. W 1972 r.

W 2006 roku w Dia:Beacon pokazano Drawing Series... LeWitta, który poświęcony był rysunkom artysty konceptualnego z lat 70. Rysownicy i asystenci rysowali bezpośrednio na ścianach za pomocą grafitu, kolorowego ołówka, kredki i kredy. Prace oparte były na złożonych zasadach LeWitta, które eliminowały ograniczenia płótna dla bardziej rozbudowanych konstrukcji.

"Sol LeWitt: A Wall Drawing Retrospective", współpraca pomiędzy Yale University Art Gallery (YUAG), MASS MoCA (Massachusetts Museum of Contemporary Art) i Williams College Museum of Art (WCMA) otworzyła się dla publiczności w 2008 roku w MASS MoCA w North Adams, Massachusetts. Wystawa będzie prezentowana przez 25 lat i mieści się w trzypiętrowym zabytkowym budynku młyna o powierzchni 27,000 stóp kwadratowych (2,500 m2) w sercu kampusu MASS MoCA, w pełni odrestaurowanym przez Brunera.

Ponadto artysta był tematem wystaw w P.S. 1 Contemporary Center, Long Island City (Addison Gallery of American Art, Andover (i Wadsworth Atheneum Museum of Art, Hartford (Incomplete Cubes), które podróżowały do trzech muzeów sztuki w Stanach Zjednoczonych. W chwili śmierci LeWitt zorganizował właśnie retrospektywę swojej twórczości w Allen Memorial Art Museum w Oberlin, Ohio. W Neapolu Sol LeWitt. L'artista e i suoi artisti została otwarta w Museo Madre 15 grudnia 2012 roku i potrwa do 1 kwietnia 2013 roku.

Prace LeWitta znajdują się w najważniejszych kolekcjach muzealnych, w tym: Tate Modern, Londyn, the Van Abbemuseum, Eindhoven, National Museum of Serbia w Belgradzie, Centre Georges Pompidou, Paryż, Hallen für Neue Kunst Schaffhausen, Szwajcaria, Australian National Gallery, Canberra, Australia, Guggenheim Museum, the Museum of Modern Art, Nowy Jork, Dia:Beacon, The Jewish Museum na Manhattanie, Pérez Art Museum Miami, Floryda, MASS MoCA, North Adams, Massachusetts Institute of Technology List Art Center's Public Art Collection, Cambridge, National Gallery of Art, Washington D. C., oraz Hirshhorn Museum and Sculpture Garden. Wzniesienie przez Sol LeWitta Piramidy Podwójnego Negatywu w Europos Parkas w Wilnie na Litwie było znaczącym wydarzeniem w historii sztuki w epoce po upadku muru berlińskiego.

Sol LeWitt był jedną z głównych postaci swoich czasów; przekształcił proces tworzenia sztuki poprzez zakwestionowanie fundamentalnej relacji pomiędzy ideą, subiektywnością artysty i dziełem sztuki, które dana idea może wytworzyć. Podczas gdy w latach 60. wielu artystów podważało nowoczesne koncepcje oryginalności, autorstwa i artystycznego geniuszu, LeWitt zaprzeczał, że podejścia takie jak minimalizm, konceptualizm i sztuka procesu były jedynie techniczne lub ilustrowały filozofię. W swoich Paragrafach o sztuce konceptualnej LeWitt twierdził, że sztuka konceptualna nie jest ani matematyczna, ani intelektualna, lecz intuicyjna, ponieważ złożoność związana z przekształceniem idei w dzieło sztuki jest obarczona nieprzewidywalnością. W sztuce LeWitta nie chodzi o pojedynczą rękę artysty; to idea stojąca za każdym dziełem przewyższa samo dzieło. Na początku XXI wieku prace LeWitta, zwłaszcza rysunki ścienne, zostały docenione przez krytyków za ich ekonomiczną przenikliwość. Choć skromne - większość z nich istnieje jako proste instrukcje na kartce papieru - rysunki mogą być wykonywane wielokrotnie, w dowolnym miejscu na świecie, bez konieczności angażowania się artysty w ich produkcję.

Jego rekord aukcyjny w wysokości 749 000 dolarów został ustanowiony w 2014 roku za pracę gwasz na tekturze "Wavy Brushstroke" (1995) w Sotheby's w Nowym Jorku.

Źródła

1. Sol LeWitt
2. Sol LeWitt
3. ^ McNay, Michael. "Obituary: Sol LeWitt: American artist whose treatment of forms and colours defied critical analysis". The Guardian, April 11, 2007. Accessed April 17, 2011.
4. ^ Bloom, Lary (April 16, 2019). Sol LeWitt: A Life of Ideas. Wesleyan University Press. ISBN 9780819578709.
5. ^ Sol Lewitt, su guggenheim-venice.it.
6. ^ Settimanale Tgr Rai - Sol Lewitt e Spoleto, su youtube.com, 22 febbraio 2016. URL consultato il 9 marzo 2016.
7. ^ Cecilia Metelli, Oltre il Festival dei Due Mondi: le mostre, alcuni dei protagonisti e il loro rapporto con gli artisti attivi a Spoleto negli anni settanta, in Spoleto Contemporanea, 2016, p. 14. URL consultato il 21 marzo 2016 (archiviato dall'url originale il 3 aprile 2016).
8. (en) Lois Kernaghan, Marilyn Smulders, Daniel Baird, « Nova Scotia College of Art and Design University », sur thecanadianencyclopedia.ca, L'Encyclopédie canadienne, 9 décembre 2016 (consulté le 14 octobre 2022).
9. (en) Jayne Wark, « Conceptual Lithography at the Nova Scotia College of Art and Design », Journal of Canadian Art History, no 30,‎ 2009, p. 71.
10. Ghislain Mollet-Viéville, Art minimal & conceptuel, Genève, Skira, 1995, 127 p. (ISBN 2-605-00283-7), p. 52
11. in "Paragraphs on Conceptual Art", Artforum vol.5 no 10 juin 1967; traduction Solange Schnall.
12. Int. NY Times: Sol LeWitt, American master of conceptual art, dies at 78.