Streszczenie

Roy Fox Lichtenstein (27 października 1923 - 29 września 1997) był amerykańskim artystą pop. W latach sześćdziesiątych, obok między innymi Andy'ego Warhola, Jaspera Johnsa i Jamesa Rosenquista, stał się czołową postacią nowego ruchu artystycznego. Jego prace definiowały założenia pop artu poprzez parodię. Zainspirowany komiksem, Lichtenstein tworzył precyzyjne kompozycje, które dokumentowały, a jednocześnie parodiowały, często w sposób żartobliwy. Na jego twórczość wpływ miała popularna reklama i styl komiksowy. Jego prace były uważane za "zakłócające". Określił pop art jako "nie 'amerykańskie' malarstwo, ale właściwie malarstwo przemysłowe". Jego obrazy były wystawiane w Leo Castelli Gallery w Nowym Jorku.

Whaam! i Drowning Girl są powszechnie uważane za najbardziej znane prace Lichtensteina. Drowning Girl, Whaam!, i Look Mickey są uważane za jego najbardziej wpływowe prace. Jego najdroższym dziełem jest Masterpiece, które zostało sprzedane za 165 milionów dolarów w styczniu 2017 roku.

Lichtenstein urodził się w niemiecko-żydowskiej rodzinie z wyższej klasy średniej w Nowym Jorku. Jego ojciec, Milton, był maklerem nieruchomości, matka, Beatrice (z domu Werner), zajmowała się domem. Wychowywał się na nowojorskiej Upper West Side i do dwunastego roku życia uczęszczał do szkoły publicznej. Następnie uczęszczał do nowojorskiej Dwight School, którą ukończył w 1940 roku. Lichtenstein najpierw zainteresował się sztuką i projektowaniem jako hobby, poprzez szkołę. Był zapalonym fanem jazzu, często chodził na koncerty w Apollo Theater w Harlemie. Często rysował portrety muzyków grających na swoich instrumentach. W ostatnim roku szkoły średniej, 1939, Lichtenstein zapisał się na letnie zajęcia w Art Students League of New York, gdzie pracował pod okiem Reginalda Marsha.

Lichtenstein opuścił Nowy Jork, aby studiować na Uniwersytecie Stanowym w Ohio, który oferował kursy studyjne i stopień naukowy w zakresie sztuk pięknych. Studia przerwała trzyletnia służba w wojsku w czasie i po II wojnie światowej w latach 1943-1946. Po odbyciu szkoleń językowych, inżynierskich i pilotażowych, które zostały anulowane, służył jako sanitariusz, rysownik i artysta.

Lichtenstein wrócił do domu, by odwiedzić umierającego ojca i został zwolniony z wojska z prawem do G.I. Bill. Powrócił na studia w Ohio pod okiem jednego ze swoich nauczycieli, Hoyta L. Shermana, który, jak się powszechnie uważa, miał znaczący wpływ na jego późniejszą twórczość (Lichtenstein nazwał później nowe studio, które ufundował na OSU, Hoyt L. Sherman Studio Art Center).

Lichtenstein rozpoczął studia na Ohio State i został zatrudniony jako instruktor sztuki, którą to funkcję pełnił z przerwami przez następne dziesięć lat. W 1949 roku Lichtenstein otrzymał tytuł magistra sztuk pięknych na Ohio State University.

W 1951 roku Lichtenstein miał swoją pierwszą indywidualną wystawę w Carlebach Gallery w Nowym Jorku. W tym samym roku przeniósł się do Cleveland, gdzie pozostał przez sześć lat, choć często wracał do Nowego Jorku. W tym czasie, w przerwach między malowaniem, podejmował się tak różnych zajęć jak rysownik czy dekorator okien. Jego twórczość w tym czasie oscylowała między kubizmem a ekspresjonizmem. W 1954 roku urodził się jego pierwszy syn, David Hoyt Lichtenstein, obecnie autor tekstów piosenek. Drugi syn, Mitchell Lichtenstein, urodził się w 1956 roku.

W 1957 roku przeniósł się z powrotem do stanu Nowy Jork i ponownie zaczął uczyć. W tym czasie przyjął styl abstrakcyjnego ekspresjonizmu, będąc późno nawróconym na ten styl malarstwa. W 1958 roku Lichtenstein zaczął wykładać w stanie Nowy Jork na State University of New York at Oswego. Mniej więcej w tym czasie zaczął włączać do swoich abstrakcyjnych prac ukryte wizerunki postaci z kreskówek, takich jak Myszka Miki i Królik Bugs.

Wznieść się na wyżyny

W 1960 roku zaczął wykładać na Rutgers University, gdzie był pod silnym wpływem Allana Kaprowa, który również był wykładowcą na tej uczelni. To środowisko pomogło ponownie rozbudzić jego zainteresowanie proto-popowymi obrazami. W 1961 roku Lichtenstein rozpoczął swoje pierwsze popowe obrazy, wykorzystując wizerunki z kreskówek i techniki wywodzące się z wyglądu komercyjnego druku. Faza ta trwała do 1965 roku i obejmowała wykorzystanie obrazów reklamowych sugerujących konsumpcjonizm i prowadzenie domu. Jego pierwszym dziełem, w którym zastosował na dużą skalę postacie o twardych krawędziach i kropki Ben-Day, było Look Mickey (1961, National Gallery of Art, Washington, D.C.). Praca ta powstała w wyniku wyzwania rzuconego przez jednego z jego synów, który wskazał na komiks z Myszką Miki i powiedział: "Założę się, że nie potrafisz malować tak dobrze jak ten, co, tato?". W tym samym roku stworzył sześć innych prac z rozpoznawalnymi postaciami z opakowań po gumach i komiksów.

W 1961 roku Leo Castelli zaczął wystawiać prace Lichtensteina w swojej galerii w Nowym Jorku. Lichtenstein miał swój pierwszy indywidualny pokaz w galerii Castelli w 1962 roku; cała kolekcja została kupiona przez wpływowych kolekcjonerów, zanim jeszcze pokaz został otwarty. Grupa obrazów powstałych w latach 1961-1962 skupiała się na samotnych przedmiotach domowych, takich jak trampki, hot-dogi i piłki golfowe. We wrześniu 1963 roku wziął urlop od stanowiska nauczyciela w Douglass College w Rutgers.

Jego prace były inspirowane komiksami przedstawiającymi wojenne i romantyczne historie "W tamtym czasie" - wspominał później Lichtenstein - "interesowało mnie wszystko, co mogłem wykorzystać jako temat, który był silny emocjonalnie - zazwyczaj miłość, wojna lub coś, co było silnie naładowane i emocjonalny temat, który miał być przeciwieństwem usuniętych i celowych technik malarskich".

Okres najwyższego profilu w Lichtensteinie

To właśnie w tym czasie Lichtenstein zaczął znajdować sławę nie tylko w Ameryce, ale na całym świecie. Przeprowadził się z powrotem do Nowego Jorku, aby być w centrum sceny artystycznej i zrezygnował z Rutgers University w 1964 roku, aby skoncentrować się na malarstwie. Lichtenstein używał farb olejnych i Magna (wczesny akryl) w swoich najbardziej znanych pracach, takich jak Drowning Girl (1963), która została przywłaszczona z głównej historii w DC Comics Secret Hearts nr 83, narysowanej przez Tony'ego Abruzzo. (Drowning Girl obecnie wisi w Museum of Modern Art, Nowy Jork.) Drowning Girl charakteryzuje się również grubymi konturami, odważnymi kolorami i kropkami Ben-Day, jakby stworzonymi przez reprodukcję fotograficzną. O swoich pracach Lichtenstein powiedziałby, że abstrakcyjni ekspresjoniści "kładli rzeczy na płótnie i reagowali na to, co zrobili, na pozycje kolorów i rozmiary. Mój styl wygląda zupełnie inaczej, ale natura nakładania linii jest w zasadzie taka sama; moje po prostu nie wyglądają kaligraficznie, jak Pollocka czy Kline'a."

Lichtenstein nie próbował odtwarzać swoich obiektów, lecz zajmował się sposobem ich przedstawiania przez mass media. Nigdy jednak nie traktował siebie zbyt poważnie, mówiąc: "Myślę, że moja praca różni się od komiksów - ale nie nazwałbym jej transformacją; nie sądzę, by cokolwiek przez to rozumiano, było ważne dla sztuki". Kiedy prace Lichtensteina zostały po raz pierwszy wystawione, wielu ówczesnych krytyków sztuki zakwestionowało ich oryginalność. Jego prace były ostro krytykowane jako wulgarne i puste. Tytuł artykułu w magazynie Life w 1964 roku pytał: "Czy to najgorszy artysta w USA?". Lichtenstein odpowiadał na takie twierdzenia, oferując odpowiedzi takie jak: "Im bliżej moja praca jest oryginału, tym bardziej groźna i krytyczna jest jej treść. Jednak moja praca jest całkowicie przekształcona w tym sensie, że mój cel i percepcja są zupełnie inne. Myślę, że moje obrazy są krytycznie przekształcone, ale trudno byłoby to udowodnić za pomocą jakiejkolwiek racjonalnej linii argumentacji." Omówił doświadczanie tej ciężkiej krytyki w wywiadzie dla April Bernard i Mimi Thompson w 1986 roku. Sugerując, że czasami trudno było być krytykowanym, Lichtenstein powiedział: "Nie wątpię, kiedy faktycznie maluję, to krytyka sprawia, że się zastanawiasz, to robi."

Jego najbardziej znanym obrazem jest prawdopodobnie Whaam! (1963, Tate Modern, Londyn), jeden z najwcześniejszych znanych przykładów pop-artu, zaadaptowany z komiksowego panelu narysowanego przez Irva Novicka w numerze All-American Men of War z 1962 roku. Obraz przedstawia samolot myśliwski odpalający rakietę w kierunku wrogiego samolotu, z czerwono-żółtą eksplozją. Komiksowy styl potęguje użycie onomatopeicznego napisu "Whaam!" oraz podpis w ramce "I pressed the fire control ... and ahead of me rockets blazed through the sky ...". Ten dyptyk jest duży w skali, mierząc 1,7 x 4,0 m (5 ft 7 in x 13 ft 4 in). Whaam nawiązuje do komiksowych motywów niektórych wcześniejszych obrazów i jest częścią korpusu prac o tematyce wojennej stworzonych między 1962 a 1964 rokiem. Jest to jeden z jego dwóch znaczących dużych obrazów o tematyce wojennej. Został zakupiony przez Tate Gallery w 1966 roku, po wystawie w Leo Castelli Gallery w 1963 roku, i (obecnie w Tate Modern) do dziś pozostaje w ich kolekcji. W 1968 roku przedsiębiorca z Darmstadt Karl Ströher nabył kilka znaczących prac Lichtensteina, takich jak: Pielęgniarka (1964), Kompozycje I (1964), Podnieśliśmy się powoli (1964) i Żółte i zielone pociągnięcia pędzla (1966). Po kilkuletnim wypożyczeniu w Hessiches Landesmuseum Darmstadt, dyrektor założyciel Museum für Moderne Kunst Frankfurt, Peter Iden, był w stanie nabyć w 1981 roku łącznie 87 prac, przede wszystkim amerykański Pop Art i Minimal Art dla powstającego do 1991 roku muzeum.

Lichtenstein zaczął eksperymentować z rzeźbą około 1964 roku, wykazując się talentem do formy, który kłócił się z uporczywą płaskością jego obrazów. W pracach Głowa dziewczyny (1964) i Głowa z czerwonym cieniem (1965) współpracował z ceramiczką, która wyrzeźbiła formę głowy z gliny. Lichtenstein nakładał następnie glazurę, tworząc ten sam rodzaj motywów graficznych, które wykorzystywał w swoich obrazach; nakładanie czarnych linii i kropek Ben-Day na trójwymiarowe obiekty powodowało spłaszczenie formy.

Większość najbardziej znanych prac Lichtensteina to stosunkowo bliskie, ale nie dokładne kopie paneli komiksowych, tematu, który w dużej mierze porzucił w 1965 roku, choć w późniejszych dekadach sporadycznie włączał komiksy do swoich prac na różne sposoby. Panele te zostały pierwotnie narysowane przez takich artystów komiksowych jak Jack Kirby oraz artystów DC Comics: Russa Heatha, Tony'ego Abruzzo, Irva Novicka i Jerry'ego Grandenettiego, którzy rzadko otrzymywali jakiekolwiek uznanie. Jack Cowart, dyrektor wykonawczy Fundacji Lichtensteina, kwestionuje pogląd, że Lichtenstein był kopistą, mówiąc: "Prace Roya były zachwytem nad graficznymi formułami i kodyfikacją sentymentów, które zostały wypracowane przez innych. Panele były zmieniane w skali, kolorze, obróbce i w ich implikacjach. Nie ma dokładnej kopii." krytycznie odnosili się do wykorzystywania przez Lichtensteina komiksowych obrazów i dzieł sztuki, szczególnie w zakresie, w jakim to wykorzystanie było postrzegane jako poparcie protekcjonalnego spojrzenia na komiks przez główny nurt sztuki; rysownik Art Spiegelman stwierdził, że "Lichtenstein zrobił dla komiksu ni mniej ni więcej, jak Andy Warhol dla zupy".

Prace Lichtensteina oparte na powiększonych panelach z komiksów wywołały szeroką debatę na temat ich wartości jako sztuki. Sam Lichtenstein przyznał: "Nominalnie kopiuję, ale tak naprawdę odtwarzam skopiowaną rzecz w innych warunkach. Czyniąc to, oryginał zyskuje zupełnie inną fakturę. To nie są grube czy cienkie pociągnięcia pędzla, to kropki, płaskie kolory i nieugięte linie." Eddie Campbell napisał na blogu, że "Lichtenstein wziął maleńki obrazek, mniejszy niż dłoń, wydrukowany czterema kolorowymi tuszami na papierze gazetowym i wysadził go do konwencjonalnych rozmiarów, przy których 'sztuka' jest tworzona i wystawiana i wykończył go farbą na płótnie." W odniesieniu do Lichtensteina, Bill Griffith powiedział kiedyś: "Jest sztuka wysoka i jest sztuka niska. A potem jest sztuka wysoka, która potrafi wziąć sztukę niską, wprowadzić ją w kontekst sztuki wysokiej, przywłaszczyć ją i wynieść w coś innego."

Mimo że prace Lichtensteina oparte na komiksach zyskały pewną akceptację, wciąż pojawiają się obawy ze strony krytyków, którzy twierdzą, że Lichtenstein nie przypisywał sobie zasług, nie płacił żadnych tantiem ani nie starał się o pozwolenie od oryginalnych artystów lub właścicieli praw autorskich. W wywiadzie dla dokumentu BBC Four w 2013 roku, Alastair Sooke zapytał artystę komiksowego Dave'a Gibbonsa, czy uważa Lichtensteina za plagiatora. Gibbons odpowiedział: "Powiedziałbym 'copycat'. Na przykład w muzyce nie możesz po prostu zagwizdać cudzej melodii lub wykonać cudzej melodii, nieważne jak źle, bez uznania i zapłaty dla oryginalnego artysty. To znaczy, że to jest 'WHAAM! by Roy Lichtenstein, after Irv Novick'". Sam Sooke utrzymuje, że "Lichtenstein przekształcił dzieło Novicka na wiele subtelnych, ale kluczowych sposobów."

Założyciel czasopisma, wykładowca City University London i doktor University College London, Ernesto Priego zauważa, że nieumieszczanie przez Lichtensteina informacji o oryginalnych twórcach jego komiksów było odzwierciedleniem decyzji National Periodical Publications, poprzednika DC Comics, o pomijaniu jakichkolwiek informacji o swoich pisarzach i artystach:

Poza ucieleśnieniem kulturowego uprzedzenia wobec komiksów jako nośników sztuki, przykłady takie jak zawłaszczenie przez Lichtensteina słownictwa komiksowego podkreślają znaczenie uwzględnienia formatu publikacji przy definiowaniu komiksu, a także ekonomię polityczną implikowaną przez określone typy publikacji historycznych, w tym przypadku amerykański komiks głównego nurtu. W jakim stopniu National Periodical Publications (później DC) było odpowiedzialne za odrzucenie roli Kanighera i Novicka jako artystów na własnych prawach poprzez nieprzyznanie im pełnego kredytu autorskiego w samej publikacji?"

Ponadto Campbell zauważa, że był czas, kiedy artyści komiksowi często odmawiali atrybucji za swoje prace.

W opublikowanej w 1998 roku relacji Novick powiedział, że poznał Lichtensteina w wojsku w 1947 roku i jako jego przełożony odpowiedział na płaczliwe skargi Lichtensteina na przydzielone mu nędzne zadania, polecając mu lepszą pracę. Jean-Paul Gabilliet zakwestionował tę relację, twierdząc, że Lichtenstein opuścił armię rok przed czasem, w którym według Novicka miał miejsce incydent. Bart Beaty, zauważając, że Lichtenstein przywłaszczył sobie Novicka do prac takich jak Whaam! i Okay Hot-Shot, Okay!, twierdzi, że historia Novicka "wydaje się być próbą osobistego umniejszenia" bardziej znanego artysty.

W 1966 roku Lichtenstein odszedł od swoich słynnych obrazów z początku lat 60. i rozpoczął serię Modern Paintings, obejmującą ponad 60 obrazów i towarzyszących im rysunków. Używając charakterystycznych kropek Ben-Day oraz geometrycznych kształtów i linii, Lichtenstein stworzył niekonsekwentne, wyzywające obrazy ze znanych struktur architektonicznych, wzorów zapożyczonych z Art Déco i innych subtelnie sugestywnych, często sekwencyjnych motywów. Seria Modern Sculpture z lat 1967-8 nawiązywała do motywów z architektury Art Déco.

Późniejsza praca

Na początku lat 60. Lichtenstein reprodukował arcydzieła Cézanne'a, Mondriana i Picassa, zanim w 1965 roku rozpoczął serię Brushstrokes. Lichtenstein powracał do tego tematu w późniejszym okresie swojej kariery, tworząc prace takie jak "Sypialnia w Arles", które powstały na podstawie "Sypialni w Arles" Vincenta van Gogha.

W 1970 roku Lichtenstein otrzymał zlecenie od Los Angeles County Museum of Art (w ramach programu Art and Technology rozwijanego w latach 1967-1971) na realizację filmu. Z pomocą Universal Film Studios artysta wymyślił i wyprodukował Trzy pejzaże, film o morskich krajobrazach, bezpośrednio związany z serią kolaży z motywami krajobrazowymi, które stworzył w latach 1964-1966. Choć Lichtenstein planował wyprodukowanie 15 filmów krótkometrażowych, trzyekranowa instalacja - zrealizowana wspólnie z nowojorskim niezależnym filmowcem Joelem Freedmanem - okazała się jedynym przedsięwzięciem artysty w tym medium.

Również w 1970 roku Lichtenstein kupił dawną wozownię w Southampton na Long Island, zbudował na niej studio i spędził resztę lat 70. we względnym odosobnieniu. W latach 70. i 80. jego styl zaczął się rozluźniać, a on sam rozszerzył to, co robił wcześniej. W 1969 roku Lichtenstein rozpoczął serię obrazów Mirrors. W 1970 roku, kontynuując serię Luster, rozpoczął pracę nad tematem entablatur. Entablatures składały się z pierwszej serii obrazów w latach 1971-1972, następnie z drugiej serii w latach 1974-76, oraz publikacji serii druków reliefowych w 1976 roku. Artysta stworzył serię "Artists Studios", która zawierała elementy jego poprzednich prac. Znamiennym przykładem jest Artist's Studio, Look Mickey (1973, Walker Art Center, Minneapolis), które zawiera pięć innych wcześniejszych prac, dopasowanych do sceny.

Podczas podróży do Los Angeles w 1978 roku Lichtenstein zafascynował się kolekcją niemieckich ekspresjonistycznych druków i ilustrowanych książek prawnika Roberta Rifkinda. Zaczął tworzyć prace zapożyczające elementy stylistyczne z obrazów ekspresjonistów. The White Tree (1980) przywołuje liryczne pejzaże Der Blaue Reiter, a Dr. Waldmann (1980) przypomina Dr. Mayer-Hermann (1926) Otto Dixa. Małe rysunki kolorowym ołówkiem posłużyły jako szablony do drzeworytów, medium ulubionego przez Emila Nolde i Maxa Pechsteina, a także Dixa i Ernsta Ludwiga Kirchnera. Również pod koniec lat 70. styl Lichtensteina został zastąpiony przez bardziej surrealistyczne prace, takie jak Pow Wow (1979, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen). Główna seria surrealistyczno-popowych obrazów z lat 1979-1981 oparta jest na motywach rdzennie amerykańskich. Prace te obejmują zarówno Amerind Figure (1981), stylizowaną rzeźbę naturalnej wielkości przypominającą opływowy słup totemowy z czarnego patynowanego brązu, jak i monumentalny wełniany gobelin Amerind Landscape (1979). Prace "indiańskie" czerpały swoje tematy, podobnie jak pozostałe części serii surrealistycznej, ze sztuki współczesnej i innych źródeł, w tym książek o wzornictwie Indian amerykańskich z niewielkiej biblioteki Lichtensteina.

Obrazy, rzeźby i rysunki Lichtensteina z okresu od 1972 roku do wczesnych lat 80-tych, dotyczące martwej natury, obejmują różnorodne motywy i tematy, w tym te najbardziej tradycyjne, jak owoce, kwiaty i wazy. W 1983 roku Lichtenstein wykonał dwa plakaty antyapartheidowe, zatytułowane po prostu "Against Apartheid". W serii Reflection, powstałej w latach 1988-1990, Lichtenstein ponownie wykorzystał własne motywy z poprzednich prac. Wnętrza (1991-1992) to seria prac przedstawiających banalne środowiska domowe, inspirowanych reklamami mebli, które artysta znajdował w książkach telefonicznych lub na billboardach. Inspirując się monochromatycznymi grafikami Edgara Degasa, prezentowanymi w 1994 roku na wystawie w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku, motywy z serii Pejzaże w stylu chińskim są tworzone za pomocą symulowanych kropek Bendaya i konturów bloków, oddanych w twardym, żywym kolorze, z usuniętymi wszelkimi śladami ręki. W pracach Lichtensteina z lat 90., jak np. w kolażu do aktu z czerwoną koszulą (1995), powraca akt.

Oprócz obrazów i rzeźb Lichtenstein wykonał także ponad 300 grafik, głównie w technice sitodruku.

Komisje

W 1969 roku Lichtenstein otrzymał od Guntera Sachsa zlecenie na stworzenie Kompozycji oraz Ledy i Łabędzia, do Pop Artowego apartamentu sypialnianego kolekcjonera w Palace Hotel w St. Moritz. Pod koniec lat 70. i w latach 80. Lichtenstein otrzymał duże zamówienia na prace w miejscach publicznych: rzeźby Lamp (26-stopowy Brushstrokes in Flight (pięciopiętrowy Mural with Blue Brushstroke (i El Cap de Barcelona (1992) w Barcelonie. W 1994 roku Lichtenstein stworzył 53-stopowy, emaliowany na metalu Times Square Mural na stacji metra Times Square. W 1977 r. otrzymał od BMW zlecenie na pomalowanie wyścigowej wersji BMW 320i z grupy 5 w ramach trzeciej odsłony projektu BMW Art Car. Logo DreamWorks Records było jego ostatnim ukończonym projektem. "Nie zajmuję się robieniem czegoś takiego (logo korporacji) i nie zamierzam robić tego ponownie" - pozwala Lichtenstein. "Ale znam Mo Ostina i Davida Geffena i wydawało mi się to interesujące".

Uznanie

Lichtenstein otrzymał liczne tytuły doktora honoris causa m.in. z George Washington University (1996), Bard College, Royal College of Art (1993), Ohio State University (1987), Southampton College (1980), California Institute of the Arts (1977). Zasiadał również w zarządzie Brooklyn Academy of Music.

W 2023 roku na znaczkach USPS Forever pojawi się 5 obrazów Lichtensteina: Standing Explosion (Red), Modern Painting I, Still Life with Crystal Bowl, Still Life with Goldfish oraz Portrait of a Woman. Derry Noyes był dyrektorem artystycznym i projektantem serii znaczków.

W 1949 roku Lichtenstein poślubił Isabel Wilson, która wcześniej była żoną artysty z Ohio Michaela Sarisky'ego. Jednak brutalne zimy w Upstate odbiły się na Lichtensteinie i jego żonie, po tym jak w 1958 roku zaczął wykładać na State University of New York w Oswego. Para sprzedała dom rodzinny w Highland Park w New Jersey w 1963 roku i rozwiodła się w 1965 roku.

Lichtenstein poślubił swoją drugą żonę, Dorothy Herzkę, w 1968 roku. Pod koniec lat 60. wynajęli dom w Southampton w Nowym Jorku, który Larry Rivers kupił za rogiem swojego domu. Trzy lata później kupili powozownię z 1910 roku wychodzącą na ocean przy Gin Lane. Od 1970 roku aż do śmierci Lichtenstein dzielił swój czas między Manhattan i Southampton. Miał również dom na wyspie Captiva.

W 1991 roku Lichtenstein rozpoczął romans z piosenkarką Ericą Wexler, która stała się muzą dla jego serii Nudes, w tym "Nudes with Beach Ball" z 1994 roku. Ona miała 22 lata, a on 68. Romans trwał do 1994 roku i zakończył się, gdy Wexler wyjechała do Anglii z przyszłym mężem Andy Partridge'em z XTC. Według Wexlera, Lichtenstein i jego żona Dorothy mieli porozumienie i oboje mieli znaczące inne osoby oprócz swojego małżeństwa.

Lichtenstein zmarł na zapalenie płuc 29 września 1997 roku w New York University Medical Center, gdzie był hospitalizowany od kilku tygodni, cztery tygodnie przed swoimi 74 urodzinami. Przeżyła go druga żona, Dorothy Herzka, oraz synowie z pierwszego małżeństwa, David i Mitchell.

Pop art wciąż ma wpływ na XXI wiek. Pop Art from the Collection zawiera szeroki wybór sitodruków Andy'ego Warhola i Roya Lichtensteina, a także asortyment polaroidowych fotografii Warhola, znanych jako czołowe postacie ruchu Pop Art lat 60. i 70. Warhol i Lichtenstein są znani z badania relacji pomiędzy sztuką piękną, reklamą i konsumpcjonizmem. Lichtenstein i Andy Warhol zostali wykorzystani w trasie koncertowej U2 w 1997 i 1998 roku PopMart Tour oraz na wystawie w 2007 roku w British National Portrait Gallery.

Wśród wielu innych dzieł sztuki utraconych w atakach na World Trade Center 11 września 2001 roku, w późniejszym pożarze zniszczony został obraz z serii The Entablature Lichtensteina.

Jego praca Crying Girl była jednym z dzieł sztuki ożywionych w Nocy w Muzeum: Battle of the Smithsonian.

W 1964 roku Lichtenstein został pierwszym Amerykaninem, który wystawił się w Tate Gallery w Londynie, z okazji wystawy "'54-'64: Painting and Sculpture of a Decade". W 1967 roku odbyła się jego pierwsza muzealna wystawa retrospektywna w Pasadena Art Museum w Kalifornii. W tym samym roku odbyła się jego pierwsza indywidualna wystawa w Europie w muzeach w Amsterdamie, Londynie, Bernie i Hanowerze. Lichtenstein brał później udział w documentas IV (1968) i VI w (1977). Lichtenstein miał swoją pierwszą retrospektywę w Guggenheim Museum w 1969 roku, zorganizowaną przez Diane Waldman. Drugą retrospektywę Lichtensteina Guggenheim zaprezentował w 1994 roku. Lichtenstein został pierwszym żyjącym artystą, który miał indywidualną wystawę rysunku w Museum of Modern Art od marca do czerwca 1987 roku. Ostatnie retrospektywy obejmują "All About Art" z 2003 roku, Louisiana Museum of Modern Art, w Danii (która podróżowała dalej do Hayward Gallery, Londyn, Museo Reina Sofia, Madryt, i San Francisco Museum of Modern Art, do 2005 roku); oraz "Classic of the New", Kunsthaus Bregenz (2005), "Roy Lichtenstein: Meditations on Art" Museo Triennale, Mediolan (2010, podróżowała do Museum Ludwig, Kolonia). Pod koniec 2010 roku The Morgan Library & Museum pokazało Roy Lichtenstein: The Black-and-White Drawings, 1961-1968. Kolejna duża retrospektywa została otwarta w Art Institute of Chicago w maju 2012 roku, a w 2013 roku trafiła do National Gallery of Art w Waszyngtonie, Tate Modern w Londynie i Centre Pompidou w Paryżu. 2013:Roy Lichtenstein, Olyvia Fine Art. 2014: Roy Lichtenstein: Intimate Sculptures, The FLAG Art Foundation. Roy Lichtenstein: Opera Prima, Civic Gallery of Modern and Contemporary Arts, Turyn. 2018: Wystawa w The Tate Liverpool, Merseyside, Wielka Brytania.

W 1996 roku National Gallery of Art w Waszyngtonie stała się największym pojedynczym repozytorium prac artysty, kiedy Lichtenstein przekazał 154 grafiki i 2 książki. Art Institute of Chicago posiada w swojej stałej kolekcji kilka ważnych prac Lichtensteina, w tym Brushstroke with Spatter (1966) i Mirror No. 3 (Six Panels) (1971). Osobiste zbiory wdowy po Lichtensteinie, Dorothy Lichtenstein, oraz Fundacji Roya Lichtensteina liczone są w setkach. W Europie Museum Ludwig w Kolonii posiada jeden z najobszerniejszych zbiorów Lichtensteina z Takka Takka (1962), Nurse (1964), Compositions I (1964), obok frankfurckiego Museum für Moderne Kunst z We rose up slowly (1964) i Yellow and Green Brushstrokes (1966). Poza Stanami Zjednoczonymi i Europą, National Gallery of Australia's Kenneth Tyler Collection posiada bogate zbiory grafik Lichtensteina, liczące ponad 300 prac. Łącznie w obiegu znajduje się około 4500 prac.

Po śmierci artysty w 1997 roku, w 1999 roku powstała Fundacja Roya Lichtensteina. W 2011 roku zarząd fundacji uznał, że korzyści z uwierzytelnienia przewyższają ryzyko przedłużających się procesów sądowych.

Pod koniec 2006 roku fundacja wysłała kartkę świąteczną z obrazem Electric Cord (1961), który zaginął od 1970 roku, po tym jak został wysłany przez Galerię Leo Castelli do konserwatora sztuki Daniela Goldreyera. Kartka zachęcała do zgłaszania wszelkich informacji na temat miejsca jego pobytu. W 2012 roku Fundacja potwierdziła autentyczność dzieła, gdy pojawiło się ono w magazynie w Nowym Jorku.

W latach 2008-2012, po śmierci fotografa Harry'ego Shunka w 2006 roku, Fundacja Lichtensteina nabyła kolekcję materiałów fotograficznych wykonanych przez Shunka i jego Jánosa Kendera oraz prawa autorskie fotografów. W 2013 roku fundacja przekazała trofeum Shunka-Kendera pięciu instytucjom - Getty Research Institute w Los Angeles; Museum of Modern Art w Nowym Jorku; National Gallery of Art w Waszyngtonie; Centre Pompidou w Paryżu; oraz Tate w Londynie - co umożliwi każdemu z nich dostęp do części pozostałych.

Od lat 50. prace Lichtensteina były wystawiane w Nowym Jorku i innych miejscach u Leo Castelli w jego galerii i w Castelli Graphics, a także u Ileany Sonnabend w jej galerii w Paryżu oraz w Ferus Gallery, Pace Gallery, Gagosian Gallery, Mitchell-Innes & Nash, Mary Boone, Brooke Alexander Gallery, Carlebach, Rosa Esman, Marilyn Pearl, James Goodman, John Heller, Blum Helman, Hirschl & Adler, Phyllis Kind, Getler Pall, Condon Riley, 65 Thompson Street, Holly Solomon i Sperone Westwater Galleries między innymi. Leo Castelli Gallery reprezentowała Lichtensteina na wyłączność od 1962 roku, kiedy to indywidualna wystawa artysty została wyprzedana przed otwarciem.

Począwszy od 1962 roku w Leo Castelli Gallery w Nowym Jorku odbywały się regularne wystawy prac artysty. Gagosian Gallery wystawia prace Lichtensteina od 1996 roku.

Big Painting No. 6 (1965) stał się najwyżej wycenioną pracą Lichtensteina w 1970 roku. Podobnie jak cała seria Brushstrokes, tematem obrazu jest proces malowania Abstrakcyjnej Ekspresji poprzez zamaszyste pociągnięcia pędzla i krople, ale rezultatem uproszczenia Lichtensteina, który wykorzystuje tło w postaci kropek Ben-Day, jest reprezentacja mechanicznego

Obraz Lichtensteina "Torpedo ... Los! (1963) został sprzedany w Christie's za 5,5 mln dolarów w 1989 roku, co było wówczas rekordową sumą, czyniąc go jednym z zaledwie trzech żyjących artystów, którzy przyciągnęli tak ogromne kwoty. W 2005 roku In the Car został sprzedany za rekordową wówczas kwotę 16,2 mln dolarów (10 mln funtów).

W 2010 roku jego stylizowany na kreskówkę obraz z 1964 roku Ohhh...Alright..., należący wcześniej do Steve'a Martina, a później do Steve'a Wynna, został sprzedany za rekordową kwotę 42,6 mln dolarów (26,7 mln funtów) na aukcji w Christie's w Nowym Jorku.

I Can See the Whole Room...and There's Nobody in It!" Lichtensteina, oparty na rysunku Williama Overgarda z 1961 roku do komiksowej historii Steve'a Ropera, przedstawia mężczyznę wyglądającego przez dziurę w drzwiach. (1961) przedstawia mężczyznę wyglądającego przez dziurę w drzwiach. Został sprzedany przez kolekcjonerkę Courtney Sale Ross za 43 miliony dolarów, czyli dwukrotnie więcej niż wynosiła jego wycena, na aukcji Christie's w Nowym Jorku w 2011 roku; mąż sprzedającej, Steve Ross, nabył go na aukcji w 1988 roku za 2,1 miliona dolarów. Obraz ma wymiary cztery stopy na cztery stopy i jest wykonany w technice grafitowej i olejnej.

Komiksowy obraz Śpiąca dziewczyna (1964) z kolekcji Beatrice i Phillipa Gersh ustanowił w 2012 roku w Sotheby's nowy rekord Lichtensteina - 44,8 mln dolarów.

W październiku 2012 roku jego obraz Electric Cord (1962) został zwrócony wdowie po Leo Castellim, Barbarze Bertozzi Castelli, po tym jak zaginął na 42 lata. Castelli wysłał obraz do czyszczenia przez konserwatora sztuki w styczniu 1970 roku i nigdy nie otrzymał go z powrotem. Zmarł w 1999 roku. W 2006 roku Fundacja Roya Lichtensteina opublikowała wizerunek obrazu na swojej świątecznej kartce z życzeniami i poprosiła środowisko artystyczne o pomoc w jego odnalezieniu. Obraz został odnaleziony w magazynie w Nowym Jorku, po tym jak był wystawiony w Bogocie w Kolumbii.

W 2013 roku obraz Kobieta z kwiecistym kapeluszem ustanowił kolejny rekord w wysokości 56,1 mln dolarów, gdyż został zakupiony przez brytyjskiego jubilera Laurence'a Graffa od amerykańskiego inwestora Ronalda O. Perelmana.

Szczytem tego wyniku była w 2015 roku sprzedaż Nurse za 95,4 mln dolarów na aukcji Christie's.

W styczniu 2017 roku Masterpiece zostało sprzedane za 165 milionów dolarów. Wpływy z tej sprzedaży zostaną przeznaczone na stworzenie funduszu na rzecz reformy wymiaru sprawiedliwości w sprawach karnych.

Cytaty

Biograficzne:

Prace:

Inne:

Źródła

1. Roy Lichtenstein
2. Roy Lichtenstein
3. ^ "Roy Lichtenstein Biography". roylichtenstein.com/. Retrieved September 27, 2022.
4. ^ a b c d e f g h i j k l Bell, Clare. "The Roy Lichtenstein Foundation – Chronology". Archived from the original on June 6, 2013. Retrieved November 12, 2007.
5. ^ Arnason, H., History of Modern Art: Painting, Sculpture, Architecture, New York: Harry N. Abrams, Inc. 1968.
6. a b Schocktherapie mit Pop. In: Der Spiegel. Nr. 41, 1997 (online).
7. Meisterwerke der Kunst Malerei von A-Z. Isis Verlag, Chur 1994, S. 441, OCLC 525342282.
8. Tintin Reading est une œuvre créée par Roy Lichtenstein au début des années 1990, à l'origine pour illustrer la couverture de Tintin in the New World. A Romance, un roman de Frederic Tuten (en)[18]. Ce livre comportera également un frontispice du peintre[19]. C'est la seconde fois que Lichtenstein illustre une couverture de cet auteur, après celle de 1971 pour la nouvelle The Adventures of Mao on the Long March[20]. Le peintre utilise la technique caractéristique des points ben-day qu'il affectionne depuis 1961 pour représenter Tintin assis dans une pièce lisant son journal avec son chien Milou proche, le tableau de Matisse, La Danse en décor de fond[21] et un couteau passant derrière le personnage de bande dessinée. L'onomatopée « CRAC » y est dessiné venant de derrière la porte, rappelant le tableau Crak! de 1963. L'affiche Tintin Reading, en Gravure offset, est publiée la première fois à Bruxelles pour une rétrospective Tintin au Palais des beaux-arts de Bruxelles.
9. Roy Lichtenstein // Encyclopædia Britannica (англ.)
10. https://lichtensteinfoundation.org/biography/