Streszczenie

Agnes Bernice Martin RCA (22 marca 1912 - 16 grudnia 2004) była amerykańską malarką abstrakcyjną. Jej twórczość została zdefiniowana jako "esej dyskrecji na temat zamknięcia i ciszy". Chociaż często jest uważana lub określana jako minimalistka, Martin uważała się za abstrakcyjną ekspresjonistkę i była jednym z czołowych praktyków ekspresjonizmu abstrakcyjnego w XX wieku. W 1998 r. otrzymała National Medal of Arts od National Endowment for the Arts. W 2004 roku została wybrana do Królewskiej Kanadyjskiej Akademii Sztuk Pięknych.

Agnes Bernice Martin urodziła się w 1912 r. jako jedno z czworga dzieci szkockich prezbiteriańskich farmerów w Macklin w Saskatchewan. Od 1919 r. dorastała w Vancouver: 237 W 1931 r. przeprowadziła się do Stanów Zjednoczonych, aby pomóc swojej ciężarnej siostrze Mirabell w Bellingham w stanie Waszyngton: 237 Wolała amerykańskie szkolnictwo wyższe i w 1950 r. została obywatelką amerykańską. Martin studiowała w Western Washington University College of Education w Bellingham w stanie Waszyngton, a następnie uzyskała tytuł licencjata (1942) w Teachers College na Uniwersytecie Columbia. Mieszkając w Nowym Jorku, Martin zainteresowała się sztuką nowoczesną i zetknęła się z takimi artystami jak Arshile Gorky (1904-1948), Adolph Gottlieb (1903-1974) i Joan Miró (1893-1983). Uczęszczała na liczne zajęcia studyjne w Teachers College i zaczęła poważnie rozważać karierę artystki.

W 1947 roku wzięła udział w Letniej Szkole Polowej Uniwersytetu Nowego Meksyku w Taos w Nowym Meksyku: 237 Po wysłuchaniu wykładów buddyjskiego uczonego Zen D. T. Suzuki na Columbii, zainteresowała się myślą azjatycką, nie jako dyscypliną religijną, ale jako kodeksem etycznym, praktycznym sposobem na przejście przez życie. Kilka lat po ukończeniu studiów Martin rozpoczęła naukę na Uniwersytecie Nowego Meksyku w Albuquerque, gdzie prowadziła również kursy artystyczne, po czym wróciła na Uniwersytet Columbia, aby uzyskać tytuł magistra sztuki współczesnej (1952). Przeprowadziła się do Nowego Jorku w 1957 roku i zamieszkała w lofcie w Coenties Slip na dolnym Manhattanie: 238 Coenties Slip był także domem dla kilku innych artystów i ich pracowni. Istniało silne poczucie wspólnoty, chociaż każdy miał własne praktyki i temperamenty artystyczne. Coenties Slip był także przystanią dla społeczności queer w latach sześćdziesiątych. Spekuluje się, że w tym czasie Martin był romantycznie związany z artystką Lenore Tawney (1907-2007). Agnes Martin, pionierka swoich czasów, nigdy publicznie nie wyraziła swojej seksualności, ale została opisana jako "homoseksualistka w ukryciu". Biografia Agnes Martin z 2018 roku: Pioneer, Painter, Icon opisuje kilka romantycznych relacji między Martin a innymi kobietami, w tym dealerką Betty Parsons. Często stosowała feministyczne spojrzenie, gdy krytykowała prace innych artystów. Jaleh Mansoor, historyk sztuki, stwierdził, że Martin była "być może zbyt zaangażowana w feministyczną relację z praktyką, aby ją uprzedmiotowić i oznaczyć jako taką". Warto zauważyć, że sama Martin nie identyfikowała się jako feministka, a nawet raz powiedziała dziennikarzowi New Yorkera w wywiadzie, że jej zdaniem "ruch kobiecy zawiódł".

Martin publicznie cierpiała na schizofrenię, choć nie było to udokumentowane aż do 1962 roku. Raz nawet zdecydowała się na terapię elektrowstrząsami w szpitalu Bellevue w Nowym Jorku. Martin miała wsparcie swoich przyjaciół z Coenties Slip, którzy zebrali się po jednym z jej epizodów, aby skorzystać z pomocy szanowanego psychiatry, który jako kolekcjoner sztuki był przyjacielem społeczności. Jednak jej walka była w dużej mierze prywatna i indywidualna, a pełny wpływ choroby psychicznej na jej życie nie jest znany.

Martin opuścił Nowy Jork nagle w 1967 roku, znikając ze świata sztuki, by żyć samotnie. Po osiemnastu miesiącach spędzonych na kempingu w Kanadzie i zachodnich Stanach Zjednoczonych, Martin osiedliła się w Mesa Portales, niedaleko Kuby w Nowym Meksyku (1968-1977). Wynajęła 50-akrową posiadłość i prowadziła proste życie w domu z cegły, który zbudowała dla siebie, dodając przez lata cztery inne budynki. W tych latach nie malowała, aż do 1971 roku, kiedy skontaktował się z nią kurator Douglas Crimp, który był zainteresowany zorganizowaniem jej pierwszej indywidualnej wystawy niekomercyjnej. Następnie Martin zaczęła pisać i wykładać na różnych uniwersytetach na temat swojej pracy. Powoli odnowiło się także zainteresowanie Martin malarstwem. Zwróciła się do Pace Gallery w sprawie swoich prac, a założyciel galerii Arne Glimcher (ur. 1938) został jej dealerem na całe życie. W końcu była w stanie posiadać własną nieruchomość, przeniosła się do Galisteo w Nowym Meksyku, gdzie mieszkała do 1993 roku: 240 Zbudowała tam również dom z cegły, nadal wybierając surowy styl życia. Chociaż nadal wolała samotność i mieszkała sama, Martin była bardziej aktywna w świecie sztuki, dużo podróżując i wystawiając w Kanadzie, Stanach Zjednoczonych i na arenie międzynarodowej. W 1993 roku przeniosła się do rezydencji dla emerytów w Taos w Nowym Meksyku, gdzie mieszkała aż do śmierci w 2004 roku. 242

Wiele z jej obrazów nosi pozytywne nazwy, takie jak Happy Holiday (1999) i I Love the Whole World (2000). W wywiadzie z 1989 roku, omawiając swoje życie i malarstwo, Agnes Martin powiedziała: "Piękno i doskonałość są tym samym. Nigdy nie występują bez szczęścia".

Jej twórczość jest najbardziej związana z Taos, a niektóre z jej wczesnych prac są wyraźnie inspirowane pustynnym środowiskiem Nowego Meksyku. Jednak silny wpływ wywarło na nią również jej młode wychowanie na wiejskich terenach Kanady, w szczególności na rozległych i spokojnych preriach Saskatchewan. Choć określała się jako amerykańska malarka, nigdy nie zapomniała o swoich kanadyjskich korzeniach, powracając tam po opuszczeniu Nowego Jorku w 1967 roku, a także podczas swoich rozległych podróży w latach siedemdziesiątych. Niektóre z wczesnych prac Martin zostały opisane jako uproszczone pola rolników, a sama Martin pozostawiła swoją twórczość otwartą na interpretację, zachęcając do porównań jej nieupiększonych, monochromatycznych płócien do krajobrazów.

Przeprowadziła się do Nowego Jorku na zaproszenie artysty

W 1976 roku nakręciła swój pierwszy film, Gabriel, 78-minutowy pejzaż przedstawiający małego chłopca idącego na spacer. Drugi film, Captivity, nigdy nie został ukończony po tym, jak artystka wyrzuciła wstępnie pocięty materiał na miejskie wysypisko śmieci.

Według sfilmowanego wywiadu z nią, który ukazał się w 2003 roku, przeprowadziła się z Nowego Jorku dopiero wtedy, gdy powiedziano jej, że wynajmowany przez nią loft nie jest jej własnością.

Oprócz kilku autoportretów i kilku akwarelowych pejzaży, wczesne prace Martin obejmowały biomorficzne obrazy w stonowanych kolorach wykonane, gdy artystka otrzymała stypendium na pracę w Taos w latach 1955-1957. Starała się jednak odszukać i zniszczyć obrazy z lat, gdy stawiała pierwsze kroki w abstrakcji.

Martin chwalił Marka Rothko za to, że "osiągnął zero, aby nic nie stało na drodze do prawdy". Podążając za jego przykładem, Martin również ograniczyła się do najbardziej redukcyjnych elementów, aby zachęcić do postrzegania doskonałości i podkreślić transcendentną rzeczywistość. Jej charakterystyczny styl został zdefiniowany przez nacisk na linię, siatki i pola niezwykle subtelnych kolorów. Szczególnie w swoich przełomowych latach na początku lat 60. tworzyła kwadratowe płótna o wymiarach 6 × 6 stóp, które były pokryte gęstymi, drobnymi i miękko zarysowanymi grafitowymi siatkami. Na wystawie Systemic Painting w Muzeum Solomona R. Guggenheima w 1966 roku, siatki Martin zostały uznane za przykłady sztuki minimalistycznej i zostały powieszone wśród prac takich artystów jak Sol LeWitt, Robert Ryman i Donald Judd. Choć minimalistyczne w formie, obrazy te były jednak zupełnie inne w duchu od innych minimalistycznych odpowiedników, zachowując drobne wady i wyraźne ślady ręki artysty; unikała intelektualizmu, faworyzując to, co osobiste i duchowe. Jej obrazy, wypowiedzi i wpływowe pisma często odzwierciedlały zainteresowanie filozofią Wschodu, zwłaszcza taoistyczną. Ze względu na dodatkowy wymiar duchowy jej prac, który stawał się coraz bardziej dominujący po 1967 roku, wolała być klasyfikowana jako abstrakcyjna ekspresjonistka.

Przed przeprowadzką do Nowego Meksyku Martin pracowała wyłącznie w czerni, bieli i brązie. Ostatni obraz przed porzuceniem kariery i opuszczeniem Nowego Jorku w 1967 roku, Trumpet, oznaczał odejście, ponieważ pojedynczy prostokąt ewoluował w ogólną siatkę prostokątów. W tym obrazie prostokąty zostały narysowane ołówkiem na nierównych warstwach szarej, półprzezroczystej farby. W 1973 roku powróciła do tworzenia sztuki i stworzyła portfolio 30 serigrafii, On a Clear Day. Podczas pobytu w Taos wprowadziła do swoich siatek jasne pastele, kolory, które mieniły się w zmieniającym się świetle. Później Martin zmniejszyła skalę swoich charakterystycznych kwadratowych obrazów 72 × 72 do 60 × 60 cali i przeniosła swoją pracę na pasma eterycznych kolorów. Kolejnym odejściem była modyfikacja, jeśli nie udoskonalenie, struktury siatki, której Martin używała od późnych lat pięćdziesiątych. Na przykład w Untitled No. 4 (1994) można było zobaczyć delikatne prążki linii ołówka i podstawowe kolory rozcieńczonej farby akrylowej zmieszanej z gesso. Linie, które obejmowały ten obraz, nie zostały zmierzone linijką, ale raczej intuicyjnie zaznaczone przez artystę. W latach 90. symetria często ustępowała miejsca różnym szerokościom poziomych pasów.

Lawrence Alloway zauważył, że Martin należy do pierwszego pokolenia stylu ekspresjonizmu abstrakcyjnego, co jest znaczące i "pokazuje jej zaangażowanie w podniosłą tematykę" oraz jej zdolność do "przekształcania jej w język malarski, który nadaje pracom aurę cichej godności".

Od czasu jej pierwszej indywidualnej wystawy w 1958 roku, prace Martin były przedmiotem ponad 85 wystaw indywidualnych i dwóch retrospektyw, w tym przeglądu Agnes Martin, zorganizowanego przez Whitney Museum of American Art w Nowym Jorku, który później podróżował na Jamajkę (1992-94) i Agnes Martin: Paintings and Drawings 1974-1990 zorganizowaną przez Stedelijk Museum w Amsterdamie, a następnie we Francji i Niemczech (1991-92). W 1998 roku Muzeum Sztuk Pięknych w Santa Fe w Nowym Meksyku zorganizowało wystawę Agnes Martin Works on Paper. W 2002 roku Menil Collection w Houston zorganizowało wystawę Agnes Martin: The Nineties and Beyond. W tym samym roku Harwood Museum of Art na Uniwersytecie Nowego Meksyku w Pandorze zorganizowało wystawę Agnes Martin: Paintings from 2001, a także sympozjum honorujące Martin z okazji jej 90. urodzin.

Oprócz udziału w międzynarodowych wystawach zbiorowych, takich jak Biennale w Wenecji (1997, 1980, 1976), Whitney Biennale (1995, 1977) i Documenta, Kassel, Niemcy (1972), Martin otrzymała wiele wyróżnień, w tym nagrodę za całokształt twórczości w imieniu Women's Caucus for Art of the College Art Association (nagroda gubernatora za doskonałość i osiągnięcia w sztuce przyznana przez gubernatora Gary'ego Johnsona, Santa Fe, Nowy Meksyk (Narodowy Medal Sztuki przyznany przez prezydenta Billa Clintona i National Endowment for the Arts (Złoty Lew za wkład w sztukę współczesną na Biennale w Wenecji (Nagroda Alexeja von Jawlensky'ego przyznana przez miasto Wiesbaden, Niemcy (i wybór do Amerykańskiej Akademii i Instytutu Sztuki i Literatury w Nowym Jorku (1989).

Od jej śmierci w 2004 roku nadal organizowane są wystawy, w tym Agnes Martin: Closing the Circle, Early and Late 10 lutego 2006 - 04 marca 2006 w Pace Gallery. Inne wystawy odbyły się w Nowym Jorku, Zurychu, Londynie, Dublinie, Edynburgu, Cambridge (Anglia), Aspen, Albuquerque, Kolumbii Brytyjskiej w Kanadzie. W 2012 roku Harwood Museum of Art w Taos, w stanie Nowy Meksyk, na Uniwersytecie Nowego Meksyku rozpoczęło wystawę zatytułowaną Agnes Martin Before the Grid na cześć stulecia jej urodzin. Wystawa ta była pierwszą, która skupiała się na twórczości i życiu Martin przed 1960 rokiem. Wystawa koncentrowała się na wielu, nigdy wcześniej nie widzianych pracach Martin stworzonych w Columbia, Coentis Slip i wczesnych latach w Nowym Meksyku. Była to również pierwsza wystawa poświęcona zmaganiom Martina ze zdrowiem psychicznym, seksualnością i ważnym relacjom Martina z Adem Reinhardtem. W 2015 roku Tate Modern przeprowadziła retrospektywę jej życia i kariery od lat 50. do jej ostatniej pracy w 2004 roku, która po wystawie w Londynie będzie podróżować do innych muzeów. W Muzeum Sztuki Uniwersytetu Michigan Martin została zaprezentowana na wystawie Reductive Minimalism: Women Artists in Dialogue, 1960-2014, która od października 2014 do stycznia 2015 roku prezentowała obok siebie dwie generacje sztuki minimalistycznej. W wystawie wzięły udział Anne Truitt, Mary Corse oraz współczesne artystki Shirazeh Houshiary i Tomma Abts.

Brała również udział w wystawie White on the White: Color, Scene, and Space w Muzeum Sztuki Współczesnej w Hiroszimie. Od października 2015 r. do kwietnia 2016 r. Martin brała udział w wystawie Opening the Box: Unpacking Minimalism w The George Economou Collection w Atenach, obok Dana Flavina i Donalda Judda. W latach 2015-2017 miała liczne wystawy indywidualne, w tym w Aspen Art Museum w Aspen Colorado, Tate Modern w Londynie, K20, Kunstsammlung Nordhein-Westfalen w Düsseldorfie, Los Angeles County Museum of Art (LACMA) w Los Angeles, Solomon R. Guggenheim Museum w Upper East Side, w Pałacu Gubernatorów, Muzeum Historii Nowego Meksyku w Santa Fe. Od lutego 2017 r. do sierpnia 2017 r. brała udział w trwającej wystawie Intuitive Progression w Fisher Landau Center for Art w Long Island City w Nowym Jorku.

W 2016 roku w Muzeum Solomona R. Guggenheima w Nowym Jorku zaprezentowano retrospektywną wystawę jej prac z lat 1950-2004. W 2016 roku brała również udział w wystawie Dansaekhwa and Minimalism Exhibition w Blum & Poe w Los Angeles, a wcześniej w wystawie zatytułowanej Aspects of Minimalism: Selections from East End Collections w Guild Hall Museum w East Hampton w Nowym Jorku.

Brała również udział w wystawie Making Space: Women Artists and Postwar Abstraction w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Midtown w Nowym Jorku, która rzucała światło na artystki tworzące po II wojnie światowej i przed rozpoczęciem ruchu feministycznego. Wystawa trwała od kwietnia 2017 roku do sierpnia 2017 roku i prezentowała prace Lee Krasner, Helen Frankenthaler, Joan Mitchell, Lygii Clark, Gego, Magdaleny Abakanowicz, Louise Bourgeois i Evy Hesse.

Prace Martina można znaleźć w najważniejszych kolekcjach publicznych w Stanach Zjednoczonych, w tym w New Mexico Museum of Art, Santa Fe, NM; Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY; The Chinati Foundation, Marfa, TX; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington, D.C.; Los Angeles Museum of Contemporary Art; The Menil Collection, Houston, TX; Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork; The Museum of Modern Art, Nowy Jork; National Gallery of Art, Washington, D. C.; Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City; San Francisco Museum of Modern Art; Solomon R. Guggenheim Museum of Art, Hartmart, Nowy Jork; Wadsworth Atheneum Museum of Art, Houston, TX; Wadsworth Atheneum Museum of Art, Hartmart, Nowy Jork. C.; Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City; San Francisco Museum of Modern Art; Solomon R. Guggenheim Museum, Nowy Jork; Wadsworth Atheneum Museum of Art, Hartford; Walker Art Center, Minneapolis; Whitney Museum of American Art, Nowy Jork; i Des Moines Art Center, Des Moines, IA, między innymi. Jej prace znajdują się w stałej kolekcji Dia Art Foundation w Beacon w stanie Nowy Jork.

Międzynarodowe zbiory prac Martina obejmują Tate w Londynie i Magasin 3 Stockholm Konsthall w Sztokholmie.

W 2007 roku obraz Martina Loving Love (2000) został sprzedany za 2,95 miliona dolarów w Christie's w Nowym Jorku. W 2015 roku Untitled #7 (1984), biały akrylowy obraz z geometrycznymi liniami ołówka, został sprzedany za 4,2 miliona dolarów w Phillips w Nowym Jorku. W 2016 roku jej Orange Grove został sprzedany na aukcji za 13,7 miliona dolarów, w tym samym roku, w którym Guggenheim zorganizował retrospektywę jej prac.

Martin stała się inspiracją dla młodszych artystów, od Evy Hesse po Ellen Gallagher.

Jej wizerunek znajduje się na kultowym plakacie z 1972 roku Some Living American Women Artists autorstwa Mary Beth Edelson.

W 1994 roku Harwood Museum of Art w Taos, część Uniwersytetu Nowego Meksyku, ogłosiło, że wyremontuje swój budynek w stylu Pueblo i poświęci jedno skrzydło pracom Martina. Galeria została zaprojektowana zgodnie z życzeniem artysty, aby pomieścić podarowane przez Martina siedem dużych obrazów bez tytułu wykonanych w latach 1993-1994. Firma architektoniczna z Albuquerque, Kells & Craig, zaprojektowała ośmiokątną galerię z okulusem zainstalowanym nad głową i czterema żółtymi ławkami Donalda Judda umieszczonymi bezpośrednio pod okulusem. Dar obrazów oraz projekt i budowa galerii były negocjowane i nadzorowane przez Roberta M. Ellisa, ówczesnego dyrektora Harwood i bliskiego przyjaciela Martin. Dziś Agnes Martin Gallery przyciąga odwiedzających z całego świata i jest porównywana przez naukowców do Chapelle du Rosaire de Vence (kaplicy Matisse'a), kaplicy Corbusiera Notre Dame du Haut w Ronchamp i kaplicy Rothko w Houston.

Filmy o Martinie

Utwór Redbird (1995) kompozytora Johna Zorna został zainspirowany i zadedykowany Martinowi.

Wendy Beckett, w swojej książce American Masterpieces, powiedziała o Martin: "Agnes Martin często mówi o radości; postrzega ją jako pożądany stan całego życia. Kto by się z nią nie zgodził? Nikt, kto na poważnie spędził czas przed obrazem Agnes Martin, pozwalając, by jej spokój się komunikował, przyjmując jej niewytłumaczalne i niewysłowione szczęście, nigdy nie był rozczarowany. Dzieło zachwyca nie tylko delikatnością, ale i wigorem, a ta moc i wizualne zainteresowanie to coś, czego trzeba doświadczyć".

Wiersz poety Hugh Behm-Steinberga "Gridding, after some sentences by Agnes Martin" omawia wzory w świecie przyrody, tworzy paralelę między pisaniem i malowaniem, a kończy się wierszem o podziwie poety dla twórczości Martin.

Jej twórczość zainspirowała Google doodle w 102. rocznicę jej urodzin, 22 marca 2014 roku. Doodle czerpie kolorystyczne wskazówki z późnych prac Agnes Martin, które charakteryzują się miękkimi krawędziami, stonowanymi kolorami i wyraźnie poziomymi pasami, przekształconymi w sześć pionowych pasków, po jednym na każdą literę logo Google.

Piosenka "Agnes Martin" amerykańskiego zespołu rockowego Screaming Females, pochodząca z ich albumu All at Once, jest odą do artystki.

Źródła

1. Agnes Martin
2. Agnes Martin
3. ^ a b c "Exhibition folder: Agnes Martin". Stockholm: Magasin III: Museum & Foundation for Contemporary Art. Retrieved October 6, 2015.
4. ^ a b c d e f Spence, Rachel (June 5, 2015). "Agnes Martin: the quiet American". Financial Times. ISSN 0307-1766. Archived from the original on 2022-12-10. Retrieved October 5, 2015.
5. Agnes Martin // Brockhaus Enzyklopädie (нем.)
6. 1 2 https://data.bnf.fr/ark:/12148/cb12337783q
7. ^ (EN) Agnes Martin, su Magasin III. URL consultato il 15 aprile 2021.
8. ^ a b Princenthal N., Agnes Martin: Her Life and Art, Thames & Hudson, 2015.
9. ^ (EN) Systemic Painting, su The Guggenheim Museums and Foundation. URL consultato il 19 aprile 2021.
10. ^ Agnes Martin | Artista | Collezione Peggy Guggenheim, su www.guggenheim-venice.it. URL consultato il 19 aprile 2021.
11. New Deal Films (Memento vom 29. Januar 2016 im Internet Archive), abgerufen am 17. April 2024.
12. Guggenheim Collection (Memento vom 16. Juli 2012 im Internet Archive)
13. Dia Art Foundation (Memento vom 27. September 2011 im Internet Archive)
14. Whitney Museum of American Art (Memento vom 30. April 2012 im Internet Archive)