Σύνοψη

Ο Joan Miró i Ferrà († 25 Δεκεμβρίου 1983 στην Πάλμα) ήταν Ισπανοκαταλανός ζωγράφος, γραφίστας, γλύπτης και κεραμίστας.

Βασισμένος στη λαϊκή τέχνη της Καταλονίας, τα πρώιμα έργα του παρουσιάζουν επιρροές από τον κυβισμό και τον φωβισμό. Από τις αρχές έως τα μέσα της δεκαετίας του 1920, έκανε τη θεμελιώδη υφολογική αλλαγή στο Παρίσι, επηρεασμένος από τα επικρατούντα εκεί καλλιτεχνικά κινήματα του ντανταϊσμού και του υπερρεαλισμού, τα οποία τον οδήγησαν μακριά από τον αναπαραστατισμό. Ως εκπρόσωπος του κλασικού μοντερνισμού, ο Μιρό είναι ένας από τους πιο δημοφιλείς καλλιτέχνες του 20ού αιώνα με τα ευφάνταστα εικαστικά του μοτίβα. Τα μαγικά του σύμβολα του φεγγαριού, των αστεριών, του πουλιού, του ματιού και της γυναίκας είναι από τα πιο γνωστά στοιχεία της τέχνης του. Το ενοχλητικό ύστερο έργο, όπως η σειρά Toiles brûlées ("Καμένοι καμβάδες"), ήταν μια σκηνοθετημένη καταστροφή, μια διαμαρτυρία κατά της εμπορευματοποίησης της τέχνης και μια έκφραση του αιτήματός του να "δολοφονήσει τη ζωγραφική". Στο δημόσιο χώρο, για παράδειγμα, οι κεραμικοί τοίχοι του κοσμούν το κτίριο της UNESCO στο Παρίσι και το Μουσείο Wilhelm Hack στο Ludwigshafen am Rhein- μνημειακά γλυπτά του έχουν τοποθετηθεί σε πλατείες στη Βαρκελώνη και το Σικάγο, μεταξύ άλλων.

Παιδική ηλικία και εκπαίδευση

Ο Joan Miró γεννήθηκε στη Βαρκελώνη το 1893, γιος του χρυσοχόου και ωρολογοποιού Miquel Miró i Adzerias από την Cornudella de Montsant και της συζύγου του Dolors Ferrà di Oromí, κόρης επιπλοποιού από την Πάλμα. Γεννήθηκε στην Passatge del Credit 4, στην παλιά πόλη της Βαρκελώνης, όπου ο πατέρας του διατηρούσε κατάστημα χρυσοχοΐας και ωρολογοποιίας.

Ξεκίνησε να ζωγραφίζει από παιδί - τα πρώτα σωζόμενα σχέδια χρονολογούνται από το 1901 - και συνάντησε την απόρριψη του μικροαστού πατέρα του, ο οποίος δεν είχε κατανόηση για αυτή τη δραστηριότητα. Αφού αναγκάστηκε να εγκαταλείψει το Γυμνάσιο το 1907 λόγω κακών βαθμών, ο Μιρό άρχισε εμπορική μαθητεία μετά από αίτημα του πατέρα του, αλλά μέχρι το 1910 παρακολουθούσε επίσης μαθήματα τέχνης στην ακαδημία τέχνης "La Llotja" στη Βαρκελώνη, όπου είχε διδάξει ο πατέρας του Πάμπλο Πικάσο, ο José Ruiz Blasco Picasso, και όπου ο ίδιος ο Πάμπλο Πικάσο είχε φοιτήσει εννέα χρόνια νωρίτερα. Δάσκαλοί του εκεί ήταν ο Modest Urgell και ο Josep Pascó.

Από το 1910 έως το 1911, ο Miró εργάστηκε αρχικά ως λογιστής στο φαρμακείο Dalmau Oliveras S.A. Μετά από μια νευρική κατάρρευση και μια κρίση τύφου, εγκατέλειψε το εμπορικό επάγγελμα και μετακόμισε στο νεοαποκτηθέν αγρόκτημα της οικογένειάς του στο Mont-roig del Camp κοντά στην Tarragona για να αναρρώσει. Η αντίσταση στην καλλιτεχνική εκπαίδευση εξασθένησε και ο Miro επιτράπηκε να εγγραφεί στην ιδιωτική σχολή τέχνης "Escola d'Art" του Francesc Galí, στην οποία φοίτησε από το 1912 έως το 1915. Ο Γκαλί θεωρούσε τον μαθητή του εξαιρετικά προικισμένο, όπως εξήγησε στον πατέρα του κατά τη διάρκεια μιας από τις εβδομαδιαίες επισκέψεις του. Ο Galí εισήγαγε τους μαθητές του στη σύγχρονη γαλλική τέχνη και στην αρχιτεκτονική του Antoni Gaudí, του διάσημου μοντερνιστή καλλιτέχνη της Βαρκελώνης.

Το 1912 επισκέφθηκε μια έκθεση κυβιστικής ζωγραφικής στην γκαλερί Dalmau της γενέτειράς του, όπου γνώρισε τα έργα των Marcel Duchamp, Albert Gleizes, Juan Gris, Marie Laurencin, Fernand Léger και Jean Metzinger. Από το 1913 έως το 1918 ο Miró παρακολούθησε την ελεύθερη ακαδημία σχεδίου του "Cercle Artístic de Sant Lluc". Αυτό απαιτούσε την απομάκρυνση από τον μοντερνισμό και την επιστροφή στον κλασικισμό, λαμβάνοντας υπόψη τη μεσογειακή κληρονομιά- οι πρωτοποριακοί καλλιτέχνες έγιναν δεκτοί μόνο σε περιορισμένο βαθμό.

Πρώτος Παγκόσμιος Πόλεμος - η πρώτη ατομική έκθεση του Μιρό το 1918

Μετά το ξέσπασμα του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου, ο Μιρό έπρεπε να υπηρετήσει τη στρατιωτική του θητεία από το 1915. Όσοι μπορούσαν να το αντέξουν οικονομικά συνήθιζαν να εξαγοράζουν τη στρατιωτική τους θητεία εκείνη την εποχή- ο πατέρας, ωστόσο, πλήρωνε μόνο ένα σχετικά μικρό ποσό, το οποίο ήταν τουλάχιστον αρκετό για να συντομεύσει τη στρατιωτική θητεία του γιου σε συνολικά δέκα μήνες, κατανεμημένους σε πολλά χρόνια. Ο Μιρό κατά καιρούς απελπιζόταν για το έργο του: "Δεν είχα τα εικαστικά μέσα για να εκφραστώ και γι' αυτό ένιωθα δυστυχισμένος. Μερικές φορές, απελπισμένος όπως ήμουν, χτυπούσα το κεφάλι μου στον τοίχο", τον ανέφερε αργότερα ο Michel Leiris. Την ίδια χρονιά, ο Miró δημιούργησε το πρώτο του εργαστήριο μαζί με τον E. C. Ricart στην Calle Baja de San Pedro 51 στη Βαρκελώνη. Το 1916 γνώρισε τον έμπορο τέχνης Josep Dalmau, ο οποίος έγινε πλέον προστάτης του, και ένα χρόνο αργότερα τον Maurice Raynal και τον Francis Picabia, του οποίου το περιοδικό 391, που ιδρύθηκε το 1917, εισήγαγε τον Miró στον ντανταϊσμό. Την ίδια χρονιά άρχισε να ενδιαφέρεται για τη σύγχρονη ποίηση. Είδε για πρώτη φορά τα εικονογραφικά ποιήματα του Guillaume Apollinaire, ο οποίος επινόησε για πρώτη φορά τον όρο υπερρεαλισμός το 1917, στο λογοτεχνικό περιοδικό Nord-Sud, το οποίο εξέδιδε ο Pierre Reverdy. Το έργο του Μιρό τα επόμενα χρόνια επηρεάστηκε επίσης έντονα από τους Φωβικούς και τους Γάλλους κυβιστές. Τον Φεβρουάριο του 1918, η πρώτη ατομική έκθεση του Μιρό πραγματοποιήθηκε στην Galerías Dalmau στη Βαρκελώνη, με 60 τοπία και νεκρές φύσεις. Την ίδια χρονιά, μαζί με τους Ricart, J. F. Ràfols, Francesc Domingo, Rafael Sala - αργότερα προστέθηκε και ο Josep Llorens i Artigas - ίδρυσε την Ομάδα Courbet (Agrupació Courbet), που πήρε το όνομά της από τον Gustave Courbet, τον ριζοσπαστισμό του οποίου θαύμαζαν. Η ονομασία σήμαινε την επιθυμία τους να θεωρηθούν προοδευτικοί καλλιτέχνες στη Βαρκελώνη και να ξεπεράσουν το καταλανικό κλασικιστικό καλλιτεχνικό κίνημα Noucentisme. Ωστόσο, οι κοινές τους εκθέσεις με ζωηρά, πολύχρωμα έργα δεν είχαν μεγάλη επιτυχία.

Διαμονή σε Παρίσι και Mont-roig del Camp

Τον Μάρτιο του 1919, ο Μιρό ταξίδεψε για πρώτη φορά στο Παρίσι για λίγους μήνες, όπου επισκέφθηκε τον Πάμπλο Πικάσο στο εργαστήριό του. Ο τελευταίος απέκτησε μια αυτοπροσωπογραφία ζωγραφισμένη εκείνη τη χρονιά από τον νεότερο συμπατριώτη του. Δημιούργησε την πρώτη του αφίσα για το περιοδικό L'Instant, και θα ακολουθήσουν πολλές ακόμα. Στα τέλη του 1920, μετακόμισε σε ένα στούντιο στην οδό Blomet 45 στο Παρίσι- σύντομα έγινε φίλος με τον γείτονά του, André Masson. Ζούσαν σε πενιχρές συνθήκες, αλλά σε αντίθεση με τον Masson, ο Miró ντυνόταν αστικά, επέλεγε λευκά παπούτσια για να βγει έξω και φορούσε μονόκλ σαν να είχε αναλάβει την εταιρεία του πατέρα του. Τον προσέλκυσε η μητρόπολη της τέχνης, αλλά παρέμεινε πάντα κοντά στην καταλανική του πατρίδα. Έτσι, ο Miró ζούσε εναλλάξ στο Mont-roig del Camp της Ισπανίας το καλοκαίρι και στο Παρίσι το χειμώνα, όπου συναντήθηκε με τους ποιητές Max Jacob, Pierre Reverdy και Tristan Tzara και συμμετείχε στις δραστηριότητες του Dada.

Το 1921, ο Josep Dalmau οργάνωσε την πρώτη ατομική έκθεση του Miró στο Παρίσι, η οποία παρουσιάστηκε στην "Galerie la Licorne". Καθώς ήταν ανεπιτυχής, οι υλικές του δυσκολίες δεν μπόρεσαν να αποτραπούν. Δύο χρόνια αργότερα, γνωρίστηκε με τον Χένρι Μίλερ, του οποίου το βιβλίο Το χαμόγελο στο πόδι της σκάλας θα εικονογραφούσε αργότερα, και με τον Έρνεστ Χέμινγουεϊ, ο οποίος, όπως και ο Μίλερ, βρισκόταν στο Παρίσι εκείνη την εποχή- ο Χέμινγουεϊ δανείστηκε χρήματα για να αγοράσει το 1925 τον πίνακα του Μιρό Η φάρμα (1921).

Το 1927 ο Miró μετακόμισε σε ένα στούντιο στο Les Fusains στην οδό Tourlaque 22 στη Μονμάρτη και είχε γείτονες, μεταξύ άλλων, τους Hans Arp, Paul Éluard, Max Ernst και René Magritte. Το 1928 γνώρισε τους γλύπτες Constantin Brâncuși, Alberto Giacometti και Alexander Calder- με τους δύο τελευταίους τον συνέδεε μια ισόβια φιλία, η οποία αντανακλάται στα έργα του Miró και του Calder - για παράδειγμα, και οι δύο καλλιτέχνες δημιούργησαν σειρές με τίτλο "Αστερισμοί" τη δεκαετία του 1940, με τον Calder να χρησιμοποιεί ξύλο και μέταλλο και τον Miró γκουάς. Ο Μιρό επισκέφθηκε την Ολλανδία εκείνη τη χρονιά και, εμπνευσμένος από τους Ολλανδούς δασκάλους, ξεκίνησε μια σειρά πινάκων με τίτλο Intérieurs hollandais. Το 1929, μετά από πρόταση του Joan Miró, ο Σαλβαδόρ Νταλί προσχώρησε στην ομάδα των Σουρεαλιστών στο Παρίσι. Τον Οκτώβριο του 1929, ο Miró παντρεύτηκε στην Πάλμα την Pilar Juncosa Iglesias (1904-1995), που καταγόταν από την Πάλμα ντε Μαγιόρκα. Το ζευγάρι πήρε ένα διαμέρισμα στην οδό François Mouton στο Παρίσι. Το 1930 γεννήθηκε στη Βαρκελώνη η κόρη του Maria Dolors. Λόγω της παγκόσμιας οικονομικής κρίσης, ο έμπορος τέχνης του Μιρό, ο Pierre Loeb, δεν ήταν πλέον σε θέση να αγοράσει τους πίνακές του, οπότε από το 1932 ο έμπορος τέχνης Pierre Matisse στη Νέα Υόρκη τον ανέλαβε με συμβόλαιο.

Ισπανικός Εμφύλιος Πόλεμος - Δεύτερος Παγκόσμιος Πόλεμος

Όταν ξέσπασε ο ισπανικός εμφύλιος πόλεμος το 1936, ο Miró εγκατέλειψε το Mont-roig μέχρι το 1940 και έζησε αποκλειστικά στο Παρίσι. Τον Μάιο του 1936, ο Miró εκπροσωπήθηκε μαζί με τους Pablo Picasso, Alberto Giacometti, Salvador Dalí, Meret Oppenheim, Yves Tanguy, Hans Arp και Max Ernst στην έκθεση "Exposition surréaliste d'objets" που σχεδίασε ο André Breton και οργάνωσε ο παρισινός έμπορος τέχνης Charles Ratton. Στην έκθεση εκτέθηκαν σουρεαλιστικά αντικείμενα που είχαν υλοποιηθεί ειδικά για την έκθεση αυτή, τα οποία ο Ratton ενσωμάτωσε "στις προθήκες του σύμφωνα με την υπερρεαλιστική ιδέα μιας συλλογικής, ασυνείδητης δημιουργικότητας, μαζί με εθνολογικό υλικό, έργα ψυχικά ασθενών, παράξενα ορυκτά, περίεργα αντικείμενα που βρέθηκαν και παρόμοια πράγματα". Ένα μήνα αργότερα, ο Miró συμμετείχε με 15 έργα στην έκθεση "Fantastic Art, Dada, Surrealism" στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης και στη "Διεθνή Έκθεση Σουρεαλιστών" που διοργάνωσε ο Roland Penrose από τις 11 Ιουνίου έως τις 4 Ιουλίου 1936 στις New Burlington Galleries του Λονδίνου.

Για το ισπανικό περίπτερο της Παγκόσμιας Έκθεσης του 1937 στο Παρίσι, ο Miró εξέθεσε τον μνημειώδη πίνακά του Le faucheur (Ο θεριστής ή Καταλανός χωρικός), που σήμερα θεωρείται χαμένος, μαζί με την Guernica του Picasso και το Mercury Fountain του Calder, και σχεδίασε μια αφίσα για την έκθεση με τίτλο Aidez l'Espagne. Το 1938, συμμετείχε στην "Exposition Internationale du Surréalisme" στην Galerie Beaux-Arts στο Παρίσι.

Μετά την κατάληψη της Γαλλίας από τα γερμανικά στρατεύματα κατά τη διάρκεια του Β' Παγκοσμίου Πολέμου το 1940, ο Joan Miró επέστρεψε στην πατρίδα του, την Ισπανία, από το καταφύγιό του στο Varengeville-sur-Mer, όπου περνούσε τους καλοκαιρινούς μήνες από το 1938, και έζησε αρχικά στην Πάλμα ντε Μαγιόρκα και από το 1942 στη Βαρκελώνη, στο σπίτι όπου γεννήθηκε. Το 1944, έτος θανάτου της μητέρας του, άρχισε να ασχολείται με την κεραμική με τον φίλο του, τον Καταλανό κεραμίστα Josep Llorens i Artigas, τον οποίο γνώριζε από τη Βαρκελώνη. Ο Artigas, ο οποίος είχε επίσης συνεργαστεί με τον Raoul Dufy και τον Albert Marquet, είχε οδηγήσει τον Miró στην κεραμική. Δημιούργησε επίσης τις πρώτες φιγούρες μικρότερου μεγέθους, οι οποίες χυτεύτηκαν σε μπρούντζο το 1950.

Ο Μιρό ταξίδεψε για πρώτη φορά στις Ηνωμένες Πολιτείες το 1947 για να σχεδιάσει μια τοιχογραφία για το Terrace Plaza Hotel (από το 1965 Terrace Hilton Hotel) στο Σινσινάτι. Δούλεψε πάνω σε αυτό για εννέα μήνες σε ένα στούντιο στη Νέα Υόρκη, κατά τη διάρκεια του οποίου γνώρισε τον Clement Greenberg και τον Jackson Pollock. Την ίδια χρονιά, έλαβε μέρος στην έκθεση "Le Surréalisme en 1947: Exposition internationale du surréalisme" στην Galerie Maeght, στο Παρίσι, που διοργανώθηκε από τον André Breton και τον Marcel Duchamp. Ο Μιρό επέστρεψε στο Παρίσι το 1948, όπου άνοιξε μια έκθεση με τα κεραμικά γλυπτά του στην Galerie Maeght. Ο κατάλογος της έκθεσης περιλάμβανε κείμενα του Tristan Tzara, του φίλου του, του μόδιστρου και προστάτη Joan Prats i Vallès, και του Paul Éluard. Το 1950 χάραξε τις πρώτες του ξυλογραφίες στη Βαρκελώνη.

Κατοικία στη Μαγιόρκα από το 1956

Το 1956, ο Miró μετέφερε τη μόνιμη κατοικία του στην Cala Major, μια διοικητική περιοχή της Πάλμα. Η κατοικία Son Abrines είχε σχεδιαστεί και κατασκευαστεί από τον κουνιάδο του Miró, τον αρχιτέκτονα Enrique Juncosa Iglesias (1902-1975). Μαζί με τον Artigas, είχε δημιουργήσει προηγουμένως δύο ανάγλυφα τοίχου μεγάλης κλίμακας (Moon Wall και Sun Wall) για το κτίριο της UNESCO στο Παρίσι, για τα οποία οι δύο καλλιτέχνες τιμήθηκαν με το Διεθνές Βραβείο Guggenheim του 1958. Με το ποσό των 10.000 δολαρίων ΗΠΑ, ο Μιρό απέκτησε την παρακείμενη εξοχική κατοικία Son Boter, η οποία αρχικά σχεδιάστηκε ως εργαστήριο γλυπτικής, αλλά με την πάροδο του χρόνου έγινε η δεύτερη κατοικία του στούντιό του.

Ο Miró ανέθεσε στον αρχιτέκτονα Josep Lluís Sert, φίλο του καλλιτέχνη, να χτίσει ένα νέο εργαστήριο στο χώρο αυτό το 1956. Ο διευθυντής της Μεταπτυχιακής Σχολής Σχεδιασμού του Πανεπιστημίου Χάρβαρντ θεωρήθηκε εκπρόσωπος της ευρωπαϊκής πρωτοπορίας στην αρχιτεκτονική. Ο Sert δημιούργησε έναν ποιητικό και λειτουργικό χώρο στον οποίο ο Miró μπορούσε να κορυφώσει την καλλιτεχνική του διαδικασία. Ο Miró είχε ήδη εκφράσει την ιδέα ενός μεγάλου εργαστηρίου το 1938 στο αυτοβιογραφικό κείμενο "Ονειρεύομαι ένα μεγάλο εργαστήριο" στο περιοδικό Le XXe Siècle:

Τα επόμενα χρόνια εργάστηκε κυρίως σε γλυπτά. Το 1959, επισκέφθηκε για δεύτερη φορά τις Ηνωμένες Πολιτείες για μια μεγάλη αναδρομική έκθεση του Miró στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης. Το 1960, συνεργάστηκε με τον Artigas σε μια τοιχογραφία για το Πανεπιστήμιο του Χάρβαρντ και ταξίδεψε στις Ηνωμένες Πολιτείες για τρίτη φορά το 1961. Συμμετείχε στις εκθέσεις Alexander Calder - Miró και The Art of Assemblage, αμφότερες στη Νέα Υόρκη. Την ίδια χρονιά δημοσιεύτηκε στο Παρίσι μια εκτενής βιογραφία του Jacques Dupin, πάνω στην οποία ο Dupin και ο Miró εργάζονταν από το 1957.

Το 1964 άνοιξε το Fondation Maeght στο Saint-Paul-de-Vence. Το κτίριο ήταν και πάλι ένα σχέδιο του Sert- πολυάριθμα κεραμικά γλυπτά, που δημιουργήθηκαν σε συνεργασία με τον Artigas και τον γιο του Joan Gardy Artigas, και ένας λαβύρινθος του Miró, που ολοκληρώθηκε το 1968, αποτελούν μέρος της έκθεσης. Το 1968, τα 75α γενέθλιά του γιορτάστηκαν με μια σειρά από αφιερώματα, ιδίως με μια έκθεση από το Fondation Maeght.

"Miró otro"

Το 1969, μια ομάδα νέων Ισπανών αρχιτεκτόνων οργάνωσε μια έκθεση με τίτλο Miró otro στο σπίτι του συλλόγου τους στη Βαρκελώνη. Διαμαρτύρονταν κατά των αρχών του Φράνκο που ήθελαν να χρησιμοποιήσουν τον ζωγράφο, αλλά και κατά των σχεδιαστών και των ζωγράφων αφισών που είχαν αρχίσει να λεηλατούν και να χυδαίνουν το ρεπερτόριο του Μιρό. Ο Μιρό ζωγράφισε επιθετικές εικόνες στα τζάμια τη νύχτα πριν από τα εγκαίνια για να καταστήσει σαφές ότι δεν μπορούσε να αγοραστεί, και τις έπλυνε ξανά τρεις ημέρες αργότερα. Ο Louis Aragon αφιέρωσε ένα τεύχος του λογοτεχνικού περιοδικού Les Lettres françaises στην έκθεση του "άλλου Miró".

Το 1970, δημιούργησε δύο τοιχογραφίες για δημόσιους χώρους, η πρώτη για την Παγκόσμια Έκθεση στην Οσάκα και η δεύτερη, από κεραμικά, για το αεροδρόμιο της Βαρκελώνης. Ένα χρόνο αργότερα, ο Miró ξεκίνησε τη δημιουργία ενός ιδρύματος, τα κτίρια του οποίου στη Βαρκελώνη σχεδιάστηκαν επίσης από τον Sert. Άνοιξε το 1975 με την ονομασία Fundació Joan Miró.

Τα τελευταία χρόνια

Ανησυχώντας ότι το δημιουργικό του περιβάλλον θα μπορούσε να ξεχαστεί ή να εξαφανιστεί εντελώς ως αποτέλεσμα της έντονης οικοδομικής δραστηριότητας που ξεκίνησε το 1956 μετά την έναρξη της εισροής τουριστών στη Μαγιόρκα, ο Miró δώρισε μέρος της ιδιοκτησίας του στο δημοτικό συμβούλιο της Πάλμα. Με βάση αυτή τη δωρεά, το δεύτερο ίδρυμα, το Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca, ιδρύθηκε το 1981. Βρίσκεται στην Cala Major, όπου έζησε και εργάστηκε ο Miró. Τα κίνητρα του Miró για το δεύτερο ίδρυμα φαίνονται στο ακόλουθο απόσπασμα:

Τα 90ά γενέθλια του καλλιτέχνη στις 20 Απριλίου 1983 γιορτάστηκαν παγκοσμίως με μια σειρά από εκθέσεις, εκδόσεις και αφιερώματα. Το Δημοτικό Συμβούλιο της Βαρκελώνης αφιέρωσε μια εβδομάδα τιμής στον Μιρό, την Semana de homenaje à Joan Miró, κατά τη διάρκεια της οποίας εγκαινιάστηκε επίσημα το μνημειώδες γλυπτό Γυναίκα και πουλί στην Plaça de l'Escorxador. Το έργο ανατέθηκε από το δημοτικό συμβούλιο το 1981.

Στις 25 Δεκεμβρίου του ίδιου έτους, ο Joan Miró πέθανε στην Πάλμα ντε Μαγιόρκα και κηδεύτηκε στον οικογενειακό τάφο στο κοιμητήριο Montjuïc της Βαρκελώνης στις 29 Δεκεμβρίου. Η μοναχοκόρη του, Maria Dolors Miró Juncosa, επίτιμη πρόεδρος των Ιδρυμάτων Miró στη Βαρκελώνη και την Πάλμα, πέθανε στα τέλη Δεκεμβρίου 2004 σε ηλικία 74 ετών.

Ο Μιρό δημιούργησε μεγάλο αριθμό έργων. Στη μακρά καλλιτεχνική του ζωή, δημιούργησε περίπου 2000 ελαιογραφίες, 500 γλυπτά, 400 κεραμικά και 5000 κολάζ και σχέδια. Το γραφιστικό του έργο περιλαμβάνει περίπου 3.500 έργα, συμπεριλαμβανομένων λιθογραφιών και χαρακτικών, τα περισσότερα από τα οποία τυπώθηκαν σε μικρές εκδόσεις.

Ζωγραφική, γραφικά, κολάζ

Μεταξύ 1912 και 1915, όταν ο Miró εγγράφηκε στην ιδιωτική σχολή τέχνης "Escola d'Art" του Francesc Galí, πέρασε τον περισσότερο χρόνο του ζωγραφίζοντας στο Mont-roig del Camp. Δημιούργησε τοπία στο ύφος του Φωβισμού, αλλά "με αρκετά ζοφερά, γήινα χρώματα, τα οποία απογύμνωσε από τη βαρύτητα του υλικού και ανανέωσε με την έννοια ενός ποιητικού ρεαλισμού". Χρησιμοποίησε τη λαϊκή και καταλανική τέχνη ως πηγές για τη ζωγραφική του, ενώ ασχολήθηκε και με τη σύγχρονη τέχνη. Για παράδειγμα, η νεκρή φύση του Wall Clock and Lantern έδειξε την επιρροή του Paul Cézanne, του Vincent van Gogh και του Henri Matisse. Η νεκρή φύση του 1917, Nord-Sud, παραπέμπει με το εικαστικό της περιεχόμενο στη λαϊκή τέχνη, τη λογοτεχνία και τη γαλλική πρωτοπορία, καθώς παρουσιάζει έναν τόμο του Γκαίτε και ένα διπλωμένο τεύχος του Nord-Sud, ενός περιοδικού για τον Νταντά και τον Σουρεαλισμό, δίπλα σε ένα κεραμικό, ένα κλουβί πουλιού και ένα λουλούδι. Ο πίνακας του 1920, Το τραπέζι (νεκρή φύση με κουνέλι), δείχνει ζώα όπως το κουνέλι, έναν κόκορα και ένα ψάρι, καθώς και πιπεριές, κρεμμύδια και αμπελόφυλλα πάνω σε ένα κυβιστικά ζωγραφισμένο τραπέζι σε αντίθεση. Ο πίνακας La Masía, αγγλ. The Farm (1921)

Η μετάβαση στον υπερρεαλισμό έγινε σχετικά απότομα γύρω στο 1924, αν και ο Μιρό ανέπτυξε τη δική του, αδιαμφισβήτητη ζωγραφική γλώσσα. Όπως ακριβώς θεωρούσε ότι ο κυβισμός ήταν ένα στάδιο εκμάθησης, το ίδιο ένιωθε και για τον υπερρεαλισμό, ειδικά από τη στιγμή που απέρριπτε κατηγορηματικά και τα δύο καλλιτεχνικά κινήματα ως πολύ ιδεολογικά και "και τα δύο δόγματα ως καλλιτεχνικά πολύ περιοριστικά". Στον πίνακα "Αρόσιμη γη" (1923)

Το 1924 και το 1925, δημιούργησε μια σειρά από "ποιήματα-εικόνες", όπως τα αποκαλούσε ο Μιρό, μεταξύ των οποίων και τα Αστέρια στο φύλο των σαλιγκαριών από το 1925. Την ίδια περίοδο, ως αποτέλεσμα της επιρροής του Σουρεαλισμού στο ασυνείδητο, δημιούργησε τον πίνακα Καρναβάλι του Αρλεκίνου (1924).

Όπως και ο Paul Klee, ο Joan Miró γοητεύτηκε από τον αριθμό ως επίσημη γλώσσα και σύμβολο. Από τα μέσα της δεκαετίας του 1920 και μετά, ο αριθμός εμφανίζεται στα έργα του, με πιο χαρακτηριστικό τον πίνακα 48 από το 1927. Ο Miró είχε εμμονή με αυτόν τον αριθμό- γιατί τον έβλεπε ως αριθμό σπιτιού στην απέναντι πλευρά του δρόμου σε ένα κτίριο κάθε φορά που έβγαινε από το διαμέρισμά του στο Παρίσι στην οδό Blomet 45. Στον πίνακα L'Addition (Το τιμολόγιο) του 1925, σύμφωνα με τον Hubertus Gaßner, οι αριθμοί αντιπροσωπεύουν "τη συστηματική κρυπτογράφηση μιας λογοτεχνικής πηγής". Η ακολουθία των αριθμών που εμφανίζονται πάνω δεξιά μπροστά από τον θολό χρωματικό χώρο παραπέμπει στο μυθιστόρημα του Alfred Jarry Le Surmâle (Ο υπεράνθρωπος), που δημοσιεύτηκε το 1902. Η καταμέτρηση του Μιρό αναφέρεται στην "καταμέτρηση των ερωτικών πράξεων του 'Υπερμάχου' που έχει βαλθεί να σπάσει το ρεκόρ συνεχούς ύπνου με περισσότερους από εβδομήντα οργασμούς σε ένα πείραμα". Ο Klee και ο Miró δεν συναντήθηκαν ποτέ προσωπικά, αλλά ο Miró είχε δει τους πίνακες του Klee σε μια έκθεση στην Galerie Pierre στο Παρίσι το 1925 και άρχισε να τους εκτιμά. Τόσο ο Klee όσο και ο Miró έχουν συχνά επικριθεί με τον χαρακτηρισμό "παιδαριώδης". Γείτονας από το 1927 και μετά ήταν ο Hans Arp, του οποίου το έργο με τις καμπύλες οργανικές μορφές επηρέασε επίσης τον Miró. Ένα παράδειγμα είναι το Landscape (The Hare) του ίδιου έτους. Οι μορφές αυτές, ως περιγράμματα ή ως έγχρωμα πεδία, συνόδευσαν τον Μιρό σε όλη την περαιτέρω καλλιτεχνική του πορεία.

Το 1924 και από το 1928 έως το 1929, κατά τη διάρκεια μιας σύντομης φάσης κατά την οποία ο Miró θέλησε να εγκαταλείψει εντελώς τη ζωγραφική, ο καλλιτέχνης δημιούργησε μια σειρά από έργα με κολλάζ, ένα από τα οποία είναι το Papier collée του 1929. Από αυτό το κολάζ, που δημιουργήθηκε από πίσσα, λαδόκολλα και υπολείμματα ταπετσαρίας, μόνο δύο άλλα παρόμοια έργα υπάρχουν στο έργο του Miró, που δημιουργήθηκαν με τα ίδια υλικά και περίπου το ίδιο σχήμα: ένα πορτρέτο του Georges Auric, που εκτίθεται τώρα στο Kunsthaus της Ζυρίχης, και ένα έργο που ανήκε επί μακρόν στον υπερρεαλιστή ποιητή Georges Hugnet (1906-1974). Από το 1931 και μετά, ο Miró τροποποίησε περαιτέρω τα κολλάζ και, μαζί με τον Willi Baumeister, ίδρυσε τη λεγόμενη υλική εικόνα, "χρησιμοποιώντας άμμο, γύψο και κονίαμα για να δώσουν στους πίνακές τους ένα ανάγλυφο, τραχύ, πλαστικό αποτέλεσμα".

Αυτό ήταν το όνομα που έδωσε ο Miró στους πίνακες που ο ίδιος αποκαλούσε από το 1934 και μετά. Αιτία ήταν οι αβέβαιες πολιτικές συνθήκες στην Ισπανία και η άνοδος του φασισμού. Σε μια σειρά από 15 παστέλ σε βελούδινο χαρτί, απεικόνιζε άτομα που είχαν παραμορφωθεί από τον πόνο, σαστισμένα, κτηνώδη, κυρίως γυναίκες. Το 1935 δημιούργησε την υλική ζωγραφική Strick und Personen I, η οποία αποτελεί συνέχεια τόσο των κολάζ όσο και των Wilde Bilder. Το πραγματικό τυλιγμένο σχοινί που εφαρμόζεται στον πίνακα είναι ένα σύμβολο βίας. Ο Man Ray έγραψε στην αυτοβιογραφία του ότι η χρήση του σχοινιού είχε να κάνει με μια απειλή απαγχονισμού του Miró στο στούντιο του Max Ernst, όταν ο Miró επέμενε να παραμένει σιωπηλός παρά το γεγονός ότι του ζητήθηκε να συμμετάσχει σε μια συζήτηση. Ο πίνακας Χελιδόνι, που ολοκληρώθηκε στις αρχές του 1934

Αμέσως πριν και κατά την έναρξη του ισπανικού εμφυλίου πολέμου (1936-39), ο οποίος συνέχισε να επηρεάζει το έργο του καλλιτέχνη, ο Joan Miró δημιούργησε τη σειρά 27 πινάκων Pintures damunt masonita (καθημερινά μοτίβα όπως ένα παπούτσι, ψωμί, ένα μήλο τρυπημένο από ένα πιρούνι που μοιάζει με όπλο) μεταξύ Ιουλίου και Οκτωβρίου 1936, η οποία ανήκει ακόμα στην "άγρια φάση", που μοιάζει με αποκαλυπτικό όραμα. Ο μνημειακός πίνακας Le faucheur (Ο θεριστής), ο οποίος έχει χαθεί, και η αφίσα Aidez l'Espagne (Βοηθήστε την Ισπανία), και οι δύο με επαναστατικά μοτίβα κατά των φασιστών πραξικοπηματιών του στρατηγού Φρανσίσκο Φράνκο, δημιουργήθηκαν για την Παγκόσμια Έκθεση στο Παρίσι το 1937. Η μεταξοτυπία πωλήθηκε για ένα φράγκο, ενώ τα έσοδα πήγαν στη δημοκρατική κυβέρνηση της Μαδρίτης. Ακολούθησαν οι εργασίες για τη σειρά Barcelona, 50 λιθογραφίες σε μαύρο χρώμα, που δημιουργήθηκαν με επιθετικό τρόπο από το 1939-1945 και εκδόθηκαν από τον Joan Prats, μακροχρόνιο φίλο του Miró και προστάτη των τεχνών στην περιοχή της Βαρκελώνης.

Μεταξύ του 1940 και του 1942, ο Joan Miró δημιούργησε τη σειρά Αστερισμοί σε 23 φύλλα, γκουάς στα οποία μεγαλύτερες μορφές, που συχνά αναπαριστούν γυναίκες και πουλιά, είναι ενσωματωμένες μέσα σε ένα πυκνό ιστό από κυκλικούς δίσκους και γραμμικά σημεία. Η σειρά, με την πρωτότυπη all-over δομή της με τα επαναλαμβανόμενα στοιχεία της και τη χρήση του αυτόματου σχεδίου, επηρέασε σημαντικά την ανάπτυξη της αμερικανικής τέχνης στη Σχολή της Νέας Υόρκης. Τα αποτελέσματα με τη σειρά τους αποτέλεσαν αργότερα πηγή έμπνευσης για τον Miró. Όσον αφορά τους αστερισμούς, ωστόσο, υπήρξαν επίσης κατηγορίες ότι ο Miró δημιούργησε με αυτή τη σειρά "αβλαβή" και ένα "στερεότυπο αθωότητας" σε δύσκολους καιρούς. Ο Ανρί Ματίς - οι ζωγράφοι γνώριζαν και σέβονταν ο ένας τον άλλον - έπρεπε επίσης να υπομείνει παρόμοιες κατηγορίες ως "διακοσμητής" και "οργανωτής των χρωματιστών επιφανειών". Όπως και ο Matisse, ο Miró απελευθέρωσε το χρώμα στην επιφάνεια στους αστερισμούς και χρησιμοποίησε το μαύρο ως χρώμα, αλλά σε αντίθεση με τον Matisse, ήθελε να θέσει την επιφάνεια σε κίνηση με την πληθώρα των μορφών και των σημείων. Τα έργα του Ματίς ήταν πιο εύκολο να αναγνωριστούν.

Από το 1955 έως το 1959 ο Miró αφιερώθηκε εξ ολοκλήρου στην κεραμική, ενώ επανήλθε στη ζωγραφική μόνο το 1960. Δημιούργησε σειρές σε λευκό φόντο, καθώς και το τρίπτυχο Bleu I, II, III από το 1961, το οποίο είναι σχεδόν εξ ολοκλήρου μονοχρωματικό μπλε και θυμίζει κάπως τους πίνακες του Yves Klein. Μετά την εφαρμογή του μπλε χρώματος, διέκοψε τον χρωματικό χώρο με ελεγχόμενο τρόπο με μινιμαλιστικά σημάδια, γραμμές, τελείες και πινελιές, εφαρμόζοντας τα χρώματα με τη "σύνεση της χειρονομίας ενός Ιάπωνα τοξότη" (Miró). Οι πίνακες αυτοί θυμίζουν τα έργα του Miró γύρω στο 1925, όταν δημιουργούσε μονοχρωματικούς πίνακες, όπως ο Danseuse II (Χορεύτρια ΙΙ), με λίγες ενσυναισθητικές πινελιές. "Για μένα είναι σημαντικό να επιτυγχάνω τη μέγιστη δυνατή ένταση με την ελάχιστη δυνατή προσπάθεια. Ως εκ τούτου, το κενό γίνεται όλο και πιο σημαντικό στους πίνακές μου", ήταν η δήλωσή του σχετικά με αυτά τα έργα.

Στα τέλη της δεκαετίας του 1960, ο Miró ζωγράφισε μια ολόκληρη σειρά από πίνακες μεγάλου μεγέθους με τον τίτλο Lettres et Chiffres attirés par une étincelle (Γράμματα και αριθμοί που προσελκύονται από μια σπίθα). Σε έναν ζωγραφικό μαρμαρωμένο χρωματικό χώρο, τοποθέτησε, παρόμοια με το L'Addition, απομονωμένα, μινιμαλιστικά, επαναλαμβανόμενα λετριστικά και αριθμητικά σύμβολα - που μαρτυρούν το ενδιαφέρον του Miró για τη συγκεκριμένη ποίηση και τη σειριακή μουσική - σε αντίθεση με τα προηγούμενα, πολύ λίγα κρυπτογραφήματα, όπως το Τ ή το 9, τα οποία "χαράζουν, σαν στο σύμπαν, γύρω από την αλλόχρωμη κηλίδα, τη σπίθα του τίτλου".

Μια σειρά πέντε τμημάτων, οι καμένοι καμβάδες (Toiles brûlées) του 1973, εξέφρασε την οργή του Miró ενάντια στην εμπορευματοποίηση της τέχνης. Κατέστρεψε εν μέρει τον κονιορτοποιημένο καμβά δουλεύοντάς τον με έναν καυστήρα αερίου, γυρίζοντας τον πίνακα δεξιά και αριστερά καθώς καιγόταν πριν τον σβήσει. Ζωγραφισμένος την ίδια χρονιά, ο Μάιος του 1968, με τα ίχνη από σκασμένα σακουλάκια μπογιάς, τα αποτυπώματα των χεριών του Miró και τα έντονα χρώματα, μοιάζει με νεκρολογία των φοιτητικών ταραχών του 1968 στο Παρίσι. Ο Miró δημιούργησε επίσης τον πίνακα Γυναίκα με τρία μαλλιά και πουλιά, ο οποίος επανέφερε το ζωγραφικό του ύφος από τη δεκαετία του 1925 έως τη δεκαετία του 1930. Το ύστερο έργο χαρακτηρίζεται από τον χρωματισμό του με λίγα καθαρά χρώματα και έντονη χρήση του μαύρου. Το 1979 τυπώθηκε μια σειρά 18 έγχρωμων λιθογραφιών με τον τίτλο Hommage a Gaudí. Τα τελευταία χρόνια της ζωής του αφιερώθηκε επίσης στην παλιά καταλανική τέχνη της καλλιτεχνικής επεξεργασίας ταπισερί και σχεδίασε σκηνικά.

Ανάμεσα στα πολυάριθμα βιβλία καλλιτεχνών που δημιούργησε ο Miró από τη δεκαετία του 1930, ένα παράδειγμα είναι το εικονογραφημένο ποίημα του Paul Éluard που εκδόθηκε το 1958. Έχει τίτλο A toute épreuve, εκδόθηκε από τον Gérald Cramer, Γενεύη, και περιέχει 80 κυρίως έγχρωμες ξυλογραφίες του Miró. Θεωρείται το πιο όμορφο εικονογραφημένο βιβλίο του. Η έκδοση πωλήσεων ήταν 80 αντίτυπα. Το ποίημα του Paul Éluard τυπώθηκε για πρώτη φορά το 1930 στην Édition Surréalistes στο Παρίσι.

Αντικείμενα, γλυπτά, κεραμικά, ταπισερί

Από το 1928 και μετά, δημιούργησε τα πρώτα μεγαλύτερα και μικρότερα σουρεαλιστικά γλυπτά και αντικείμενα, τα λεγόμενα "Peinture-objets", καθώς και το "Sculpture-objet" του 1931, το οποίο αποτελείται από ένα μπλοκ ξύλου και εν μέρει ζωγραφισμένα αντικείμενα που βρέθηκαν πάνω του, όπως ένα κομμάτι φελλό, ένα κοχύλι χτένι και ένα σιδερένιο δαχτυλίδι. Από το 1931, ο Miró, όπως και οι υπερρεαλιστές καλλιτέχνες Max Ernst, Salvador Dalí, René Magritte και Yves Tanguy, επικεντρώθηκε στο αντικείμενο που βρέθηκε, το objet trouvé. Η αντικειμενοειδής συναρμογή ύψους 180 εκατοστών με τίτλο Personnage από το 1931 (καταστράφηκε), μια μεγάλη μαύρη ομπρέλα που στεφανώνει ένα έπιπλο με ένα μεγάλο ραβδωτό πέος, προσέλκυσε μεγάλη προσοχή στην έκθεση στο Salon des Indépendants, με το κοινό της εποχής να επαινεί την "απροκάλυπτα ερωτική αναφορά", όπως έκανε και με τα μεταγενέστερα τρισδιάστατα έργα του καλλιτέχνη.

Από το 1966 και μετά, ο Miró δημιούργησε μεγαλύτερα γλυπτά σε μπρούντζο, ακολουθώντας τις μορφές που είχε επινοήσει 20 χρόνια νωρίτερα. Το πρώτο γλυπτό του καλλιτέχνη είναι το Oiseau solaire (Ηλιακό πουλί) και χρονολογείται από εκείνο το έτος. Ένα χρόνο αργότερα, δημιούργησε γλυπτά χυτά σε μπρούντζο από αντικείμενα που βρήκε και ζωγράφισε. Ορισμένα έργα, όπως το Insect Woman (1969), θυμίζουν τα γλυπτά του Alberto Giacometti με την τραχιά επιφάνειά τους. Ο Miró δημιούργησε γλυπτά από σκυρόδεμα για την Esplanade de la Défense στο Παρίσι το 1978 και από το 1979 έως το 1980 εργάστηκε πάνω σε ένα εικονιστικό μοντέλο για ένα έγχρωμο γλυπτό ύψους δεκαπέντε μέτρων στο Central Park της Νέας Υόρκης. Ακολούθησαν και άλλα γλυπτά σε δημόσιους χώρους. Το μνημειώδες γλυπτό Chicago του Miró, που αρχικά ονομαζόταν The Sun, the Moon and a Star, έχει ύψος περίπου δώδεκα μέτρα και είναι κατασκευασμένο από τα υλικά ατσάλι, σύρμα, χαλκό, σκυρόδεμα και κεραμικά πλακίδια. Το έργο, που βρίσκεται όχι μακριά από το γλυπτό Chicago Picasso του 1967 στο Σικάγο, παρουσιάστηκε στις 21 Απριλίου 1981. Το 1982 ακολούθησαν άλλα μνημειακά γλυπτά, το Dona i Ocell (Γυναίκα και πουλί) στη Βαρκελώνη και το Personnage et oiseaux (Φιγούρα και πουλιά) στη Βοστώνη.

Μαζί με τον Josep Llorens i Artigas, ο Miró δούλεψε πάνω σε κεραμικά και κεραμικά αγγεία από το 1944 και μετά, με τον Artigas να επιλέγει τον πηλό και να παράγει τα χρώματα που ο Miró εφάρμοζε στο γάνωμα. Εκτελέστηκαν δέκα αγγεία, πέντε από τα οποία εκτέθηκαν στην γκαλερί Pierre Matisse στη Νέα Υόρκη το 1947. Άρχισε επίσης να ειδικεύεται στην παραγωγή χαρακτικών. Από το 1954 έως το 1958, η εργασία με αυτά τα μέσα ήταν ο κύριος τομέας της δραστηριότητάς του. Με τον Artigas και τον γιο του Joan Gardy-Artigas, ο Miró δημιούργησε έναν μνημειώδη κεραμικό τοίχο για το κτίριο της UNESCO στο Παρίσι. Χρειάστηκαν τρία χρόνια μετά την ανάθεση του 1955 για να ολοκληρώσουν το έργο. Αποτελείται από δύο μέρη: Ο τοίχος του ήλιου έχει ύψος 3 μέτρα και μήκος 15 μέτρα, ενώ ο μικρότερος τοίχος της σελήνης έχει το μισό μήκος, 7,5 μέτρα, για το ίδιο ύψος. Ο Miró έγραψε για τον σχεδιασμό του, ο οποίος ήταν εμπνευσμένος από τις σπηλαιογραφίες της Altamira που είχε επισκεφθεί το 1957 και το πάρκο Güell του Gaudí:

Σήμερα, ο βραβευμένος από την UNESCO με το βραβείο Guggenheim κεραμικός τοίχος δεν βρίσκεται πλέον σε εξωτερικό χώρο, αλλά περιβάλλεται από ένα κέλυφος κτιρίου για να προστατεύεται από τις καιρικές συνθήκες. Άλλοι κεραμικοί τοίχοι μεγάλων διαστάσεων βρίσκονται, για παράδειγμα, στο Fondation Maeght (ένας άλλος τοίχος Miró κοσμεί το Μουσείο Wilhelm Hack στο Ludwigshafen, που ολοκληρώθηκε το 1979, ενώ το 1980 ακολούθησε ένας τοίχος για το Συνεδριακό Κέντρο της Μαδρίτης. Το 1983, τη χρονιά του θανάτου του, δημιουργήθηκε ένας κεραμικός τοίχος στη γενέτειρά του, την Πάλμα, που βρίσκεται στο "Parc de la Mar" μπροστά από τον καθεδρικό ναό La Seu.

Το 1974, ο Miró δημιούργησε μια ταπισερί για το Παγκόσμιο Κέντρο Εμπορίου στη Νέα Υόρκη. Αρχικά είχε απορρίψει την παραγγελία, αλλά στη συνέχεια ασχολήθηκε με την τεχνική της ύφανσης και παρήγαγε άλλα έργα αυτού του είδους. Η ταπισερί έπεσε θύμα της τρομοκρατικής επίθεσης της 11ης Σεπτεμβρίου 2001 και ήταν ένα από τα πιο ακριβά έργα τέχνης που καταστράφηκαν από την επίθεση στους Δίδυμους Πύργους. Για την ολοκλήρωση και τα εγκαίνια του Fundació Joan Miró το 1975, ο καλλιτέχνης δώρισε αρκετά από τα σχέδια, τους πίνακες, τα κεραμικά και τα γραφικά του και "δημιούργησε μια μεγάλη περίτεχνη ταπισερί ειδικά για το Fundació Με πειραματικό τρόπο δημιουργήθηκαν τα Sobreteixims, υφασμάτινα εικαστικά έργα στα οποία ενσωματώνονται ζωγραφική και αντικείμενα. Επομένως, μοιάζουν περισσότερο με κολάζ ή γλυπτική. Το 1977 ακολούθησε ένα μεγάλο χαλί για την Εθνική Πινακοθήκη της Ουάσιγκτον σε συνεργασία με τον Josep Royo.

Σκηνικά και κοστούμια, βιτρό παράθυρα

Ήδη από το 1926, ο Miró συνεργάστηκε με τον Max Ernst για τη διακόσμηση του μπαλέτου Romeo et Juliette, που παρουσιάστηκε από τα Ballets Russes, και το 1932 δημιούργησε τη διακόσμηση και τα κοστούμια για το Jeux d'enfants, με μουσική του Georges Bizet και χορογραφία του Léonide Massine. Το 1978, ο Miro επέστρεψε στο θεατρικό έργο όταν υλοποίησε μαριονέτες και μάσκες του Mori el Merma για το Claca Teatre, μετά το Ubu Roi του Alfred Jarry. Η πρώτη παράσταση πραγματοποιήθηκε στο Gran Teatre del Liceu της Βαρκελώνης. Το 1981, δημιούργησε σκηνικά και κοστούμια για το μπαλέτο παντομίμας Miro, l'uccello luce με κείμενο του Jacques Dupin.

Στα μέσα της δεκαετίας του 1970, ο Miró αφιερώθηκε σε ένα νέο μέσο. Το 1976, μαζί με τον υαλουργό Charles Marcq, δημιούργησε τρία υαλοστάσια για το παρεκκλήσι Saint Frambourg στο Senlis, το οποίο χρονολογείται από τον 12ο αιώνα. Ακολούθησαν έξι ακόμη παράθυρα για το Fondation Maeght στο Saint-Paul de Vence το 1979.

Τα εικαστικά σύμβολα του Miró

Στο έργο του Μιρό, σύμβολα όπως το σαλιγκάρι, η γυναίκα, το λουλούδι και το αστέρι περιγράφουν τους βασικούς τομείς της πανίδας, του ανθρώπου, της χλωρίδας και του σύμπαντος, με τους οποίους ο Joan Miró ασχολήθηκε καθ' όλη τη διάρκεια της ζωής του.

Το 1925 ζωγράφισε το Étoiles en des sexes d'escargot (Αστέρια στο φύλο των σαλιγκαριών), μια εικόνα-ποίημα. Το θολό φόντο της ώχρας της εικόνας "δίνει την εντύπωση μιας ονειρικής απροσδιόριστης χωρικότητας". Ένα μαύρο αστέρι που αιωρείται στην επάνω δεξιά γωνία της εικόνας, με την ουρά του στραμμένη προς τα κάτω, περικλείεται από μια κόκκινη κυκλική γραμμή στην οποία εισχωρεί από κάτω ένα μαύρο τραπεζοειδές σχήμα. Στην επάνω αριστερή πλευρά της εικόνας απεικονίζεται μια "υποψία ελαφρών σύννεφων" σε μπλε χρώμα σε μια "κυκλική κίνηση γραφής" και η επιγραφή Étoiles en des sexes d'escargot. Το ωχρό φόντο του πίνακα διατρέχεται από "ακανόνιστα σχήματα σαν σκοτεινές σκιές ή υφέρποντα ίχνη". Στο έργο του Miró, οι σπίθες της ουράς του κομήτη συμβολικά κυρίως ερμηνεύονται ως αρσενικοί σπόροι, "οι οποίοι ξεδιπλώνουν την αμφισημία τους στο πεδίο αναφοράς ενός σεξουαλικού σύμπαντος ή μιας σεξουαλικότητας που επεκτείνεται στο κοσμικό" ως "σημάδια".

Από τη δεκαετία του 1930, τα σύμβολα που χρησιμοποίησε ο Miró σε διάφορα υλικά, όπως αστέρια, κομήτες, ήλιοι, φεγγάρια ως σημάδια του σύμπαντος, παραμένουν σχεδόν αμετάβλητα. Εκτός από αυτά τα σύμβολα, υπάρχουν έντομα, σκάλες ως σημάδι διαφυγής, φλεγόμενες καρδιές, ανδρικά και γυναικεία γεννητικά όργανα. Τα τελευταία αντιπροσωπεύονται συχνά από την αράχνη, το μάτι, το αυγό, μεταξύ άλλων. Τα σεξουαλικά μέρη του σώματος απεικονίζουν την επιθυμία ως την κινητήρια ενέργεια της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας. Το πιο συχνό μοτίβο στους πίνακες του Miró είναι το Femme et oiseau (Γυναίκα και πουλί), όπου το πουλί εκφράζει την επιθυμία. Συχνά απεικονίζεται ως μισοφέγγαρο και έτσι θυμίζει το χαρακτηριστικό της ελληνικής θεάς του κυνηγιού και της γονιμότητας Άρτεμις (ρωμαϊκά: Diana).

"Δολοφονία της ζωγραφικής"

Δεν είναι ακριβώς γνωστό πότε επινοήθηκε ο συχνά αναφερόμενος όρος του Miró "assassinat de la peinture" ("δολοφονία της ζωγραφικής"). Το μόνο βέβαιο είναι ότι του είχε ήδη αποδοθεί στο βιβλίο του Maurice Raynal για τη γαλλική ζωγραφική που εκδόθηκε το 1927 και μπορεί να θεωρηθεί στο πλαίσιο της ντανταϊστικής ιδέας για την τέχνη. Έτσι, στην Πρώτη Διεθνή Έκθεση Νταντά το 1920, υπήρχε μια αφίσα με την επιγραφή: Η τέχνη είναι νεκρή. Ζήτω η τέχνη της μηχανής του Tatlin. Ο Μιρό πρόσθεσε τον όρο "δολοφονία" στη δήλωση, ένδειξη της περιφρόνησής του για τις συμβατικές μεθόδους ζωγραφικής που ήταν σύμφωνες με τις ιδέες της αστικής τάξης, την οποία εξέφραζε από τη δεκαετία του 1930. Αντίθετα, στο πνεύμα της ανανέωσης, θέλησε να "δολοφονήσει τη ζωγραφική" με το έργο του και τα εικαστικά στοιχεία που ανέπτυξε.

Εκείνη την εποχή, ο καλλιτέχνης ασχολήθηκε κυρίως με την αναγνώριση των κατασκευών (Constructions, ως ενίσχυση των κολάζ) σε αντίθεση με τη συμβατική ζωγραφική, η οποία είχε βρει το δρόμο της στα σαλόνια της ανώτερης μεσαίας τάξης ως διακοσμητικό σύμβολο κύρους. Στη συνομιλία αυτή, ο Μιρό συνέχισε να λέει: "Η ζωγραφική βρίσκεται σε παρακμή από την εποχή των σπηλαίων", κάτι που ο βιογράφος του Μιρό Ζακ Ντιπέν εφάρμοσε στον καλλιτέχνη, επειδή γι' αυτόν ο Μιρό είχε πέσει σε κρίση γύρω στο 1930-1932 και είχε φτάσει σε ένα χαμηλό σημείο στην τέχνη του. Ο Dupin θεωρούσε τα κολάζ και τα μοντάζ εκείνης της εποχής συμβολικούς αυτοακρωτηριασμούς, αντι-ζωγραφική. Αυτό δεν αναφερόταν μόνο στα αντικείμενα, όπως πλεκτά, ξύλο ή παπούτσια κούκλας, που ο Miró ενσωμάτωσε στους πίνακές του, αλλά και στα διάφορα υλικά, όπως φωτογραφίες, άμμος ή βελούδινο χαρτί ως φόντο.

Η επαναστατική στάση του Miró απέναντι στην εμπορευματοποιημένη τέχνη αυξανόταν με την ηλικία και έφτασε στο αποκορύφωμά της το 1973 με την πενταμερή σειρά Καμένοι καμβάδες. Σε αυτούς τους πίνακες μεγάλων διαστάσεων, δεν δίστασε (όπως ο Ιταλός ζωγράφος Lucio Fontana) να κόψει ολόκληρες επιφάνειες με το φλόγιστρο. Σε συνέντευξή του στον Santiago Amon, που δημοσιεύτηκε στην εφημερίδα El País, Semanal τον Ιούνιο του 1978, ο Miró απάντησε στην ερώτηση σχετικά με τα κίνητρά του για αυτή την ωμή τεχνική:

Αναπαραστάσεις συγχρόνων

Ο Σαλβαδόρ Νταλί, για τον οποίο ο κατά εννέα χρόνια μεγαλύτερός του Μιρό παρείχε τις επαφές με τους εμπόρους τέχνης Pierre Loeb και Camille Goemanns που ήταν σημαντικές για την καλλιτεχνική σκηνή του Παρισιού από το 1927 και μετά, εισήχθη δύο χρόνια αργότερα από τον συμπατριώτη του στον εσωτερικό κύκλο των υπερρεαλιστών γύρω από τον André Breton. Ο Νταλί περιέγραψε τον πίνακα του Μιρό ως "πολύ μεγαλοπρεπή για τον ηλίθιο κόσμο των καλλιτεχνών και των διανοουμένων μας". Τον παρουσίασε ως έναν καινοτόμο της τέχνης συγκρίσιμο μόνο με τον Πικάσο- γι' αυτόν, ενσάρκωνε την "ώσμωση μεταξύ σουρεαλισμού και πραγματικότητας, απεριόριστα μυστηριώδης, ικανός να μας αιχμαλωτίσει με την πιο ζωντανή ένταση μακρινών και στοιχειωμένα μαγικών δημιουργιών".

Ο υπερρεαλιστής Αντρέ Μπρετόν, ο οποίος στις αρχές της δεκαετίας του 1920 είχε ακόμη περιγράψει τον Μιρό ως παιδικό, αργότερα τον θεώρησε ζωγράφο του καθαρού αυτοματισμού και έγραψε το 1967 στο έργο του Surrealism and Painting: "Ίσως ακριβώς γι' αυτόν τον λόγο μπορεί να θεωρηθεί ο πιο "υπερρεαλιστής" από εμάς Κανείς δεν είναι τόσο επιδέξιος όσο αυτός στο να ενώνει το αταίριαστο, είναι τόσο αδιάφορος στο να καταστρέψει κάτι που δεν τολμάμε καν να δούμε να καταστρέφεται".

Ο κριτικός τέχνης Κλέμεντ Γκρίνμπεργκ, ο οποίος είχε γνωρίσει τον Μιρό κατά τη διάρκεια της παραμονής του στη Νέα Υόρκη το 1947, περιέγραψε το έργο του ως υπερβολικά διακοσμητικό, ωστόσο είχε δώσει στον κόσμο ένα μάθημα "χρώματος". Η τέχνη αυτή ανήκε στη σφαίρα του γκροτέσκου, όπως την όρισε ο θεωρητικός της τέχνης του 19ου αιώνα John Ruskin: "Αποτελείται από δύο στοιχεία, το ένα γελοίο, το άλλο τρομακτικό". Κατά συνέπεια, το έργο του Miró θα μπορούσε να καταταγεί στο αστείο γκροτέσκο του Ruskin, καθώς το έβρισκε σε όλα χιουμοριστικό και όχι τρομακτικό. Τον περιέγραψε ως έναν κοντό, συμπαγή, μάλλον σιωπηλό άνδρα με κομμένα μαλλιά, χλωμό δέρμα, γρήγορα μάτια και κινήσεις. Ήταν ελαφρώς νευρικός και ταυτόχρονα απρόσωπος στην παρέα των ξένων. Το ερώτημα είναι τι θα μπορούσε να φέρει αυτόν τον αστό στη σύγχρονη ζωγραφική, στο Rive Gauche και στον υπερρεαλισμό.

Ο Antoni Tàpies, Καταλανός όπως και ο Miró, αλλά από μια νεότερη γενιά καλλιτεχνών, έγραψε το 1969 με θαυμασμό ότι ο Miró είχε ανακαλύψει ξανά την αγνότητα και την αθωότητα της ημέρας της δημιουργίας απελευθερώνοντάς την από το έρμα της νεότητας: "Απέναντι σε ένα σύμπαν που δημιουργήθηκε και κυβερνάται από θεούς, ο Miró μας παρουσίασε την αέναη ορμητικότητα, την μεταβαλλόμενη και άπειρη ροή της φύσης. Απέναντι στους αναλλοίωτους νόμους, τοποθέτησε τους ρυθμούς- απέναντι στην καταπιεστική, γεμάτη ταμπού στενότητα, τη φωτεινότητα του ανοιχτού χώρου. Απέναντι στην τερατώδη αλαζονεία των εξουσιαστών, έδειξε ότι είμαστε όλοι ίσοι, επειδή είμαστε όλοι φτιαγμένοι από τη φωτιά των άστρων. Για να αναπτυχθούν τα πράγματα και να γίνουν καλύτερα, η αγάπη πρέπει να διαπερνά τα πάντα, μας είπε".

Επιρροή στον αφηρημένο εξπρεσιονισμό

Τη δεκαετία του 1940 σημειώθηκε μια καλλιτεχνική στροφή στις Ηνωμένες Πολιτείες, η οποία, μετά από χρόνια κοινωνικά επικριτικού αμερικανικού ρεαλισμού, οδήγησε σε μια νέα αρχή - "την επιθυμία να ξεκινήσουμε από το μηδέν" (Barnett Newman) - τον αφηρημένο εξπρεσιονισμό. Καλλιτέχνες όπως ο Barnett Newman, ο Jackson Pollock, ο Mark Rothko, ο Clyfford Still και ο Franz Kline βρήκαν τα πρότυπά τους στους Miró, Masson και Max Ernst, στον ελεγχόμενο ψυχικό αυτοματισμό τους, στην καθοδηγούμενη τύχη, όχι απαραίτητα στις τεχνικές τους. Οι ελεύθερες χρωματικές διαβαθμίσεις του Miró από τη δεκαετία του 1920 επηρέασαν ιδιαίτερα τον Pollock. Στη δεκαετία του 1960, ο Miró εμπνέεται με τη σειρά του από τα Action Paintings του Pollock και τον αφηρημένο εξπρεσιονισμό των Rothko και Robert Motherwell, για παράδειγμα στο τρίπτυχο Blue I-III (ωστόσο, οι μορφές του Miró, παρά την έντονη αναγωγή τους, οφείλονται στη φύση και όχι σε αφηρημένες οντότητες. Ο Μιρό ενέπνευσε επίσης καλλιτέχνες όπως ο Ιρλανδοαμερικανός ζωγράφος Matt Lamb και ο Arshile Gorky, η Σχολή της Νέας Υόρκης με τον αφηρημένο εξπρεσιονισμό της και ο Αμερικανός ζωγράφος Robert Motherwell.

Ταινίες για τον Miró

Κατά τα έτη 1971 έως 1974 γυρίστηκαν ντοκιμαντέρ, τα οποία συγκεντρώθηκαν σε DVD από την Edition Maeght το 2005. Το Lithographie d'une affiche είναι μια δεκαοκτάλεπτη έγχρωμη ταινία του Clovis Prévost με τη συνεργασία του Carles Santos, γυρισμένη το 1971 σε ένα στούντιο της εταιρείας εκτυπώσεων "Arte" στο Παρίσι. Η κάμερα καθορίζει τη διαδικασία ανάπτυξης για τη βελτίωση μιας λιθογραφίας. Το 1973 ακολούθησε το Miró Sculpteur. Αυτή η ταινία, πάλι από τον Clovis Prévost, δείχνει το έργο πάνω στο γλυπτό L'oiseau au plumage rougeâtre annonce l'apparition de la femme éblouissante de beauté. Τα γυρίσματα πραγματοποιήθηκαν στο στούντιο του χυτηρίου Clémenti στη Meudon. Διάρκεια της ταινίας: 38 λεπτά. Miró parle είναι το όνομα της εικοσιεξάλεπτης ταινίας των Prévost και Santos που γυρίστηκε στο στούντιο του Joan Miró, Son Boter, στην Πάλμα το 1974. Η συνέντευξη διεξήχθη από τους Carles Santos και Pere Portabella. Ο Miró μιλάει για τη ζωή και το έργο του, τονίζοντας τη σημασία του Παρισιού και της οδού Blomet στη ζωή του, όπου γνώρισε τον Masson και τους σουρεαλιστές ποιητές που του άνοιξαν νέες πόρτες για το έργο του.

Το 1978 γυρίστηκε το ντοκιμαντέρ Miró: Theatre Of Dreams υπό τη διεύθυνση του Robin Lough. Η ταινία, η οποία διαρκεί κάτι λιγότερο από μία ώρα, δείχνει τον 85χρονο καλλιτέχνη στη δουλειά του και στο σπίτι του στην Πάλμα- σε συνεντεύξεις με τον βιογράφο του Roland Penrose, περιγράφει τις αναμνήσεις του από συναδέλφους του καλλιτέχνες όπως ο Πικάσο, ο Μπρετόν, ο Ερνστ, ο Μασόν και ο Τανγκουί και αναφέρει τη συμμετοχή του στην παραγωγή της καταλανικής θεατρικής ομάδας "La Claca".

Ο Μιρό στην αγορά τέχνης

Τα έργα του Joan Miró φτάνουν συχνά σε υψηλές τιμές σε δημοπρασίες: 29 εκατομμύρια ευρώ είχε επιτευχθεί για το Étoile Bleue στον οίκο Sotheby's στο Λονδίνο στις 19 Ιουνίου 2012. Αυτή τη στιγμή είναι η υψηλότερη τιμή που έχει καταβληθεί ποτέ για έργο του Μιρό και έτσι συμπεριλήφθηκε στους 50 ακριβότερους πίνακες ζωγραφικής στον κόσμο.

Η δημοτικότητα των έργων του ενθαρρύνει τους πλαστογράφους να προσφέρουν "γνήσιους Mirós". Υπολογίζεται ότι στις κατηγορίες των γραφικών έργων το 40-50% των πλαστογραφιών προσφέρεται στην αγορά τέχνης- για τις ελαιογραφίες το ποσοστό αυτό είναι περίπου δέκα τοις εκατό μικρότερο. Οι καλλιτέχνες του κλασικού μοντερνισμού ευνοούνται για πλαστογραφία. Εκτός από τον Σαλβαδόρ Νταλί, έργα των Πάμπλο Πικάσο, Joan Miró και Marc Chagall βρίσκονται στην κορυφή του καταλόγου των πλαστογραφιών.

Ο Miró στην καθημερινή ζωή και στη μουσική

Ο Μιρό ήθελε να προσεγγίσει με το έργο του ανθρώπους που ενδιαφέρονταν για την τέχνη, γι' αυτό και παρήγαγε σειρές εκτυπώσεων στο Saint-Paul-de-Vence και στη Βαρκελώνη από τα τέλη της δεκαετίας του 1950 και μετά. Ακόμη και σήμερα, τα έργα του καλλιτέχνη είναι τόσο δημοφιλή που προσφέρονται πολλές εκτυπώσεις με εικόνες των έργων του, καθώς και παζλ, όπως για παράδειγμα το παζλ 1000 τεμαχίων με το έργο Ο χορός του Αρλεκίνου. Τα μοτίβα Miró κοσμούν πιάτα, κούπες και φλιτζάνια από πορσελάνη. Οι λάτρεις των αρωμάτων μπορούν να αγοράσουν το άρωμα "Miró", το οποίο προσφέρεται σε δύο αρώματα. Το καπάκι της φιάλης και η συσκευασία θυμίζουν τα μοτίβα του καλλιτέχνη.

Το 1966 σχεδίασε το εξώφυλλο του άλμπουμ Cançons de la roda del temps για τον Raimon, έναν από τους σημαντικότερους συστημικούς τραγουδοποιούς της Nova Cançó.

Το τρίτο μεγαλύτερο πιστωτικό ίδρυμα της Ισπανίας, η la Caixa, χρησιμοποιεί ένα εταιρικό λογότυπο από το 1980, έναν μπλε αστερία με μια κίτρινη και μια κόκκινη κουκκίδα, παρμένο από ένα έργο του Joan Miró. Το λογότυπο "ESPAÑA", που σχεδιάστηκε το 1983, χρησιμοποιείται σήμερα από το ισπανικό τουριστικό γραφείο "Turespaña" ως διακριτικό σήμα. Δείχνει έναν ήλιο, ένα αστέρι και την επιγραφή "ESPAÑA".

Το "Miró Quartet" ιδρύθηκε το 1995. Το επαγγελματικό κουαρτέτο εγχόρδων εδρεύει στο Όστιν του Τέξας. Τα μέλη του είναι οι Daniel Ching, βιολί, Sandy Yamamoto, βιολί, John Largess, βιόλα και Joshua Gindele, βιολοντσέλο.

Μουσεία και ιδρύματα που σχετίζονται με τον Miró

Το 1975, το Fundació Joan Miró - Centre d'Estudis d'Art Contemporani, το κτίριο του οποίου στη Βαρκελώνη σχεδιάστηκε από τον Josep Lluís Sert, άνοιξε τις πόρτες του στο κοινό. Εκεί εκτίθεται μεγάλος αριθμός πινάκων ζωγραφικής, γλυπτών, ταπισερί και λιθογραφιών. Μεταβαλλόμενες παρουσιάσεις μοντέρνας τέχνης συμπληρώνουν το έργο του Miró. Η ιδέα για το ίδρυμα αυτό ανάγεται στον παιδικό φίλο του καλλιτέχνη Joan Prats i Vallès, ο οποίος έθεσε τα θεμέλια της σημερινής συλλογής με μια εκτεταμένη δωρεά.

Το 1981 ιδρύθηκε το δεύτερο ίδρυμα, το Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca. Το στούντιο Son Boter, το εργαστήριο που κατασκεύασε ο Sert, και ένα μουσείο που χτίστηκε το 1992 από τον αρχιτέκτονα Rafael Moneo ως έδρα του ιδρύματος στην Cala Major, ένα προάστιο της Πάλμα, στο οποίο εκτίθενται 2500 έργα του καλλιτέχνη, μπορούν να προβληθούν στο πλαίσιο της έκθεσης. Το πρώην σπίτι του Μιρό, Son Abrines, είναι σήμερα ιδιωτικό και δεν είναι επισκέψιμο.

Από το 2004, το Κέντρο Joan Miró στο Mont-roig del Camp προσφέρει την ευκαιρία να γνωρίσετε το σύνολο του έργου του Miró μέσω του Mont-roig - αν και αποκλειστικά μέσω ζωντανών αντιγράφων. Έργα του βρίσκονται σε μουσεία σε όλο τον κόσμο. Το κέντρο βρίσκεται στην παλιά εκκλησία του Mont-roig del Camp, την Esglesia Vella. Ο καλλιτέχνης το ζωγράφισε το 1919 στον πίνακά του Poble i església de Mont-roig (Χωριό και εκκλησία του Mont-roig). Στο Centro Miró υπάρχει ένα φυλλάδιο με τα εικαστικά θέματα των πρώτων έργων του Miró που έχουν ως θέμα το Montroig. Οι τοποθεσίες από τις οποίες ζωγράφισε είναι σημειωμένες με μεγάλες πινακίδες γύρω από το χωριό.

Βραβείο Joan Miró

Από το 2007, το Fundació Joan Miró, μαζί με το Fundació Caixa Girona, απονέμει κάθε δύο χρόνια το βραβείο Joan Miró, αξίας 70.000 ευρώ. Το πρώτο βραβείο απονεμήθηκε στον Ólafur Elíasson το 2007, ενώ ακολούθησαν η Ελβετίδα καλλιτέχνης Pipilotti Rist το 2009, η Mona Hatoum το 2011, η Roni Horn το 2013, ο Ignasi Aballí το 2015, ο Kader Attia το 2017 και η Nalini Malani το 2019.

Από το 1961 έως το 1986, διεξήχθη στη Βαρκελώνη ετήσιος διαγωνισμός για το μη προικισμένο Premio Internacional de Dibujo Joan Miró (Βραβείο Ζωγραφικής Joan Miró), μαζί με έκθεση έργων του νικητή και των φιναλίστ.

Ο γαλλικός και ο γερμανικός τίτλος ακολουθούν τη βιογραφία του Μιρό του Janis Mink. Στα μουσεία, οι τίτλοι αποδίδονται συχνά στην τοπική γλώσσα, για παράδειγμα στα αγγλικά ή στα καταλανικά.

Ορισμένα από τα μικρότερα γλυπτά που παρουσιάζονται εδώ χρησίμευσαν αργότερα ως πρότυπα για μνημειακά γλυπτά.

Μια επιλογή από κολάζ μπορείτε να βρείτε στον ιστότοπο του Αμερικανικού Ινστιτούτου Συντήρησης.

Πηγές

1. Ζουάν Μιρό
2. Joan Miró
3. La date du mariage de ses parents demeure inconnue.
4. En 1920, selon le Bénézit, en mars 1921, selon Jacques Dupin.
5. El Segador signifie en catalan « le Faucheur ». La toile mesure 550 × 365 cm.
6. a b Ortrud Westheider: Joan Miró. Ein Leben unter Dichtern. In: Marion Ackermann (Vorw.): Miró. Malerei als Poesie. Bucerius Kunst Forum, Hamburg, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf (Hrsg.), Hirmer, München 2015, ISBN 978-3-7774-2396-8, S. 216.
7. a b La gran enciclopèdia en català: Volumen 13 (22004) Barcelona, Edicions 62, ISBN 84-297-5441-5
8. a b Hugnet, Georges, «Joan Miró ou l'enfance de l'art.» Cahiers d'Art núm. 7-8 6ème. année, París, pp. 335-340.
9. ^ "Miró, Joan" (US) and "Miró, Joan". Oxford Dictionaries UK English Dictionary. Oxford University Press.[dead link]
10. ^ "Miró". Merriam-Webster Dictionary. Retrieved 2 June 2019.
11. ^ "Joan Miro | Biography, Paintings, Style, & Facts". Encyclopedia Britannica. Retrieved 5 July 2020.
12. ^ M. Rowell, Joan Mirό: Selected Writings and Interviews (London: Thames & Hudson, 1987) pp. 114–116.
13. ^ a b Victoria Combalia, "Miró's Strategies: Rebellious in Barcelona, Reticent in Paris", from Joan Miró: Snail Woman Flower Star, Prestel 2008