Streszczenie

Alfred Stieglitz HonFRPS (1 stycznia 1864 - 13 lipca 1946) był amerykańskim fotografem i promotorem sztuki nowoczesnej, który w ciągu swojej 50-letniej kariery odegrał kluczową rolę w uczynieniu fotografii akceptowaną formą sztuki. Oprócz fotografii, Stieglitz był znany z nowojorskich galerii sztuki, które prowadził na początku XX wieku, gdzie wprowadził wielu awangardowych artystów europejskich do USA. Był żonaty z malarką Georgią O'Keeffe.

Stieglitz urodził się w Hoboken, New Jersey, jako pierwszy syn niemieckich imigrantów żydowskich Edwarda Stieglitza (1833-1909) i Hedwig Ann Werner (1845-1922). Jego ojciec był porucznikiem w armii Unii i pracował jako handlarz wełną. Miał pięcioro rodzeństwa: Florę (1865-1890), bliźniaków Juliusa (1867-1937) i Leopolda (1867-1956), Agnes (1869-1952) i Selmę (1871-1957). Alfred Stieglitz, widząc bliskie relacje bliźniaków, zapragnął w dzieciństwie mieć własną bratnią duszę.

Stieglitz uczęszczał do Charlier Institute, chrześcijańskiej szkoły w Nowym Jorku, w 1871 roku. W następnym roku jego rodzina zaczęła spędzać lato nad jeziorem George w górach Adirondack, tradycja ta trwała do dorosłości Stieglitza.

Aby zakwalifikować się do przyjęcia do City College of New York, Stieglitz został zapisany do szkoły publicznej na młodszy rok szkoły średniej, ale stwierdził, że edukacja nie jest wystarczająca. W 1881 roku Edward Stieglitz sprzedał swoją firmę za 40 000 dolarów i przeniósł swoją rodzinę do Europy na kilka lat, aby jego dzieci mogły otrzymać lepsze wykształcenie. Alfred Stieglitz zapisał się do Gimnazjum Realnego w Karlsruhe. W następnym roku Alfred Stieglitz studiował budowę maszyn w Technische Hochschule w Berlinie. Zapisał się na zajęcia z chemii prowadzone przez Hermanna Wilhelma Vogla, naukowca i badacza, który pracował nad procesami chemicznymi do wywoływania zdjęć. U Vogla Stieglitz znalazł zarówno wyzwanie naukowe, jak i ujście dla swoich rosnących zainteresowań artystycznych i kulturalnych. Otrzymywał dodatek w wysokości 1200 dolarów (równowartość 33 695 dolarów w 2021 roku) miesięcznie.

W 1884 r. rodzice wrócili do Ameryki, ale 20-letni Stieglitz pozostał w Niemczech i zbierał książki o fotografii i fotografach w Europie i USA. Kupił swój pierwszy aparat fotograficzny, kliszę 8 × 10 i podróżował po Holandii, Włoszech i Niemczech. Robił zdjęcia krajobrazów i robotników na wsi. Fotografia, jak później napisał, "zafascynowała mnie, najpierw jako zabawka, potem jako pasja, a następnie jako obsesja."

Dzięki samodzielnym studiom uznał fotografię za formę sztuki. W 1887 roku napisał swój pierwszy artykuł "A Word or Two about Amateur Photography in Germany" dla nowego magazynu The Amateur Photographer. Następnie pisał artykuły na temat technicznych i estetycznych aspektów fotografii dla magazynów w Anglii i Niemczech.

W 1887 r. zdobył pierwsze miejsce za fotografię The Last Joke, Bellagio, w konkursie Amateur Photographer. W następnym roku zdobył zarówno pierwszą, jak i drugą nagrodę w tym samym konkursie, a jego reputacja zaczęła się rozprzestrzeniać, gdy kilka niemieckich i brytyjskich magazynów fotograficznych opublikowało jego prace.

W 1890 roku jego siostra Flora zmarła podczas porodu i Stieglitz wrócił do Nowego Jorku.

Nowy Jork i Camera Club (1891-1901)

Stieglitz uważał się za artystę, ale odmawiał sprzedaży swoich zdjęć. Jego ojciec kupił dla niego małą firmę fotograficzną, aby mógł zarabiać na życie w wybranym przez siebie zawodzie. Ponieważ wymagał wysokiej jakości zdjęć i płacił swoim pracownikom wysokie pensje, Photochrome Engraving Company rzadko przynosiła zyski. Regularnie pisał do magazynu The American Amateur Photographer. Zdobywał nagrody za swoje zdjęcia na wystawach, w tym na wspólnej wystawie Boston Camera Club, Photographic Society of Philadelphia i Society of Amateur Photographers of New York.

Pod koniec 1892 r. Stieglitz kupił swój pierwszy aparat trzymany w ręku - Folmer and Schwing 4×5 plate film camera, którym wykonał dwa ze swoich najbardziej znanych zdjęć, Winter, Fifth Avenue i The Terminal. Wcześniej używał aparatu na klisze 8×10, który wymagał statywu.

Stieglitz zyskał sławę dzięki swojej fotografii i artykułom w czasopismach o tym, że fotografia jest formą sztuki. Wiosną 1893 roku został współredaktorem czasopisma The American Amateur Photographer. Aby uniknąć wrażenia stronniczości w swoich opiniach i ponieważ Photochrome drukował teraz fotograwiury dla magazynu, Stieglitz odmówił pobierania wynagrodzenia. Pisał większość artykułów i recenzji w magazynie i był znany zarówno z treści technicznych, jak i krytycznych.

16 listopada 1893 roku 29-letni Stieglitz poślubił 20-letnią Emmeline Obermeyer, siostrę swojego bliskiego przyjaciela i współpracownika biznesowego Joe Obermeyera oraz wnuczkę piwowara Samuela Liebmanna. Pobrali się w Nowym Jorku. Stieglitz napisał później, że nie kochał Emmy, jak ją powszechnie nazywano, kiedy się pobrali i że ich małżeństwo nie zostało skonsumowane przez co najmniej rok. Córka bogatego właściciela browaru, odziedziczyła pieniądze po swoim ojcu. Stieglitz żałował decyzji o poślubieniu Emmy, gdyż nie podzielała ona jego artystycznych i kulturalnych zainteresowań. Biograf Stieglitza Richard Whelan podsumował ich związek mówiąc, że Stieglitz "miał do niej gorzką urazę za to, że nie została jego bliźniaczką". Przez całe swoje życie Stieglitz utrzymywał fetysz młodszych kobiet.

Na początku 1894 roku Stieglitz i jego żona wybrali się w opóźniony miesiąc miodowy do Francji, Włoch i Szwajcarii. Podczas podróży Stieglitz intensywnie fotografował, tworząc niektóre ze swoich wczesnych słynnych zdjęć, takich jak A Venetian Canal, The Net Mender i A Wet Day on the Boulevard, Paris. Podczas pobytu w Paryżu Stieglitz poznał francuskiego fotografa Roberta Demachy'ego, który stał się jego korespondentem i współpracownikiem na całe życie. W Londynie Stieglitz poznał założycieli The Linked Ring, George'a Davisona i Alfreda Horsleya Hintona, którzy pozostali jego przyjaciółmi i współpracownikami przez większość życia.

Jeszcze w tym samym roku, po powrocie, Stieglitz został jednogłośnie wybrany na jednego z dwóch pierwszych amerykańskich członków The Linked Ring. Stieglitz uznał to uznanie za impuls, którego potrzebował, aby zintensyfikować swoją działalność na rzecz promocji fotografii artystycznej w Stanach Zjednoczonych. W tym czasie w Nowym Jorku istniały dwa kluby fotograficzne: Society of Amateur Photographers i New York Camera Club. Stieglitz zrezygnował z pracy w Photochrome Company oraz jako redaktor American Amateur Photographer i spędził większość 1895 roku na negocjacjach dotyczących połączenia obu klubów.

W maju 1896 roku obie organizacje połączyły się tworząc The Camera Club of New York. Mimo propozycji objęcia stanowiska prezesa organizacji, został wiceprezesem. Opracował programy dla klubu i był zaangażowany we wszystkie aspekty organizacji. Powiedział dziennikarzowi Theodore'owi Dreiserowi, że chciałby "uczynić klub tak dużym, jego pracę tak wyróżniającą się, a jego autorytet tak ostateczny, że może zadowalająco wykorzystać swój wielki prestiż, aby wymusić uznanie dla indywidualnych artystów bez i w jego murach."

Stieglitz przekształcił dotychczasowy biuletyn Camera Clubu w magazyn - Camera Notes - i otrzymał pełną kontrolę nad nowym wydawnictwem. Jego pierwszy numer ukazał się w lipcu 1897 roku. Wkrótce został uznany za najlepszy magazyn fotograficzny na świecie. Przez następne cztery lata Stieglitz używał Camera Notes do obrony swojej wiary w fotografię jako formę sztuki, umieszczając artykuły na temat sztuki i estetyki obok odbitek czołowych amerykańskich i europejskich fotografów. Krytyk Sadakichi Hartmann napisał "wydawało mi się, że fotografia artystyczna, Camera Club i Alfred Stieglitz to tylko trzy nazwy dla jednej i tej samej rzeczy."

Kontynuował również wykonywanie własnych fotografii. Pod koniec 1896 roku ręcznie wykonał fotograwiury do pierwszego portfolio swoich prac, Picturesque Bits of New York and Other Studies. W dalszym ciągu wystawiał się na pokazach w Europie i USA, a w 1898 roku zyskał solidną reputację jako fotograf. Za swoją ulubioną odbitkę, Winter - Fifth Avenue, otrzymał 75 dolarów (równowartość 2 443 dolarów w 2021 roku). Dziesięć odbitek Stieglitza zostało wybranych w tym samym roku na pierwszy Philadelphia Photographic Salon, gdzie poznał, a następnie zaprzyjaźnił się z Gertrude Käsebier i Clarence'em H. White'em.

27 września 1898 roku urodziła się córka Stieglitza, Katherine "Kitty". Korzystając ze spadku po Emmy, para zatrudniła guwernantkę, kucharkę i pokojówkę. Stieglitz pracował w takim samym tempie jak przed narodzinami córki, w związku z czym para przeważnie prowadziła osobne życie pod jednym dachem.

W listopadzie 1898 roku grupa fotografów z Monachium w Niemczech zorganizowała wystawę swoich prac w połączeniu z pokazem grafik takich artystów jak Edvard Munch i Henri de Toulouse-Lautrec. Nazwali się oni "Secesjonistami" - termin ten Stieglitz podchwycił zarówno ze względu na jego artystyczne, jak i społeczne znaczenie. Cztery lata później użył tej samej nazwy dla nowo powstałej grupy fotografów obrazkowych, którą zorganizował w Nowym Jorku.

W maju 1899 roku Stieglitz otrzymał indywidualną wystawę, składającą się z osiemdziesięciu siedmiu odbitek, w Camera Club. Wysiłek związany z przygotowaniami do tej wystawy, w połączeniu z ciągłymi staraniami o produkcję Camera Notes, odbił się na zdrowiu Stieglitza. Aby go odciążyć, zatrudnił swoich przyjaciół Josepha Keileya i Dalleta Fugeuta, którzy nie byli członkami Camera Clubu, jako współredaktorów Camera Notes. Wielu starszych członków Klubu, zdenerwowanych tą ingerencją osób z zewnątrz, nie wspominając o własnej malejącej obecności w wydawnictwie Klubu, rozpoczęło aktywną kampanię przeciwko autorytetowi redakcyjnemu Stieglitza. Stieglitz spędził większość 1900 roku na szukaniu sposobów na przechytrzenie tych wysiłków, wplątując się w długotrwałe walki administracyjne.

Jednym z nielicznych wydarzeń tego roku było zapoznanie Stieglitza z nowym fotografem, Edwardem Steichenem, na Pierwszym Salonie Fotograficznym w Chicago. Steichen, pierwotnie malarz, wniósł do fotografii wiele ze swoich artystycznych instynktów. Obaj stali się dobrymi przyjaciółmi i współpracownikami.

Z powodu ciągłego napięcia związanego z prowadzeniem Camera Club, w następnym roku załamał się w pierwszym z kilku załamań psychicznych. Większość lata spędził w rodzinnym domu w Lake George, Oaklawn, dochodząc do siebie. Po powrocie do Nowego Jorku ogłosił swoją rezygnację z funkcji redaktora Camera Notes.

Sesja fotograficzna i praca z aparatem (1902-1907)

Fotografka Eva Watson-Schütze namawiała go do zorganizowania wystawy, która byłaby oceniana wyłącznie przez fotografów, którzy w przeciwieństwie do malarzy i innych artystów znali się na fotografii i jej właściwościach technicznych. W grudniu 1901 roku został zaproszony przez Charlesa DeKaya z National Arts Club do zorganizowania wystawy, w której Stieglitz miałby "pełną władzę podążania za własnymi skłonnościami". W ciągu dwóch miesięcy Stieglitz zebrał kolekcję odbitek z bliskiego kręgu swoich przyjaciół, którą w hołdzie monachijskim fotografom nazwał Photo-Secession. Stieglitz nie tylko deklarował secesję od ogólnych ograniczeń artystycznych epoki, ale w szczególności od oficjalnego nadzoru Camera Club. Wystawa została otwarta w Arts Clubie na początku marca 1902 roku i odniosła natychmiastowy sukces.

Zaczął formułować plan wydawania całkowicie niezależnego magazynu fotografii obrazkowej, który miałby realizować artystyczne standardy Photo-Secessionist. Do lipca całkowicie zrezygnował z funkcji redaktora Camera Notes, a miesiąc później opublikował prospekt nowego czasopisma, które nazwał Camera Work. Był zdecydowany, że będzie to "najlepsza i najbardziej wystawna z publikacji fotograficznych". Pierwszy numer ukazał się cztery miesiące później, w grudniu 1902 roku, i podobnie jak wszystkie kolejne numery zawierał piękne, ręcznie rysowane fotograwiury, krytyczne teksty o fotografii, estetyce i sztuce oraz recenzje i komentarze na temat fotografów i wystaw. Camera Work był "pierwszym czasopismem fotograficznym, które miało być wizualnie ukierunkowane".

Stieglitz był perfekcjonistą, co widać w każdym aspekcie Camera Work. Rozwinął sztukę druku fotograwiurowego, wymagając bezprecedensowo wysokich standardów dla odbitek w Camera Work. Wizualna jakość odbitek była tak wysoka, że kiedy zestaw odbitek nie dotarł na wystawę Photo-Secession w Brukseli, zamiast niego powieszono wybór odbitek z magazynu. Większość widzów zakładała, że patrzy na oryginalne fotografie.

Przez cały rok 1903 Stieglitz publikował Camera Work i pracował nad wystawą swoich prac oraz prac fotosekcjonistów, jednocześnie radząc sobie ze stresem życia domowego. Luksemburski fotograf amerykański Edward Steichen, który później będzie kuratorem przełomowej wystawy The Family of Man, był najczęściej przedstawianym fotografem w magazynie. Fuguet, Keiley i Strauss, trzej współpracownicy Stieglitza w Camera Notes, zabrali go ze sobą do Camera Work. Później powiedział, że sam indywidualnie zapakował i wysłał około 35 000 egzemplarzy Camera Work w trakcie jego publikacji.

W 1904 roku Stieglitz był ponownie wyczerpany psychicznie i fizycznie i postanowił zabrać rodzinę do Europy w maju. Zaplanował wyczerpujący harmonogram wystaw, spotkań i wycieczek i załamał się prawie po przybyciu do Berlina, gdzie spędził ponad miesiąc na rekonwalescencji. Większość reszty 1904 roku spędził na fotografowaniu Niemiec, podczas gdy jego rodzina odwiedzała tamtejszych krewnych. W drodze powrotnej do USA Stieglitz zatrzymał się w Londynie i spotkał się z liderami Linked Ring, ale nie udało mu się przekonać ich do założenia w Ameryce oddziału ich organizacji (ze Stieglitzem jako dyrektorem).

25 listopada 1905 roku na Piątej Alei otwarto "Małe Galerie Fotografii", w których znalazło się sto odbitek autorstwa trzydziestu dziewięciu fotografów. Steichen polecił i zachęcił Stieglitza, po jego powrocie z Europy, do wynajęcia trzech pokoi naprzeciwko mieszkania Steichena, które zdaniem pary byłyby idealne do wystawiania fotografii. Galeria odniosła natychmiastowy sukces, w pierwszym sezonie odwiedziło ją prawie piętnaście tysięcy osób, a co ważniejsze, sprzedaż odbitek wyniosła prawie 2800 dolarów. Ponad połowę tej sprzedaży stanowiły prace przyjaciela Steichena, który miał mieszkanie w tym samym budynku.

Stieglitz nadal koncentrował swoje wysiłki na fotografii, kosztem rodziny. Emmy, która miała nadzieję, że pewnego dnia zdobędzie miłość Stieglitza, nadal dawała mu kieszonkowe ze swojego spadku.

W październikowym numerze Camera Work z 1906 roku jego przyjaciel Joseph Keiley stwierdził: "Dziś w Ameryce dokonała się prawdziwa bitwa, dla której powołano Photo-Secession - poważne uznanie fotografii jako dodatkowego medium ekspresji obrazowej".

Dwa miesiące później 42-letni Stieglitz poznał 28-letnią artystkę Pamelę Colman Smith, która chciała pokazać w jego galerii swoje rysunki i akwarele. Zdecydował się pokazać jej prace, ponieważ uważał, że "wysoce pouczające będzie porównanie rysunków i fotografii w celu oceny możliwości i ograniczeń fotografii". Jej wystawa została otwarta w styczniu 1907 roku, a do galerii przyszło znacznie więcej gości niż na którykolwiek z poprzednich pokazów fotografii, a wkrótce wszystkie wystawione prace zostały sprzedane. Stieglitz, mając nadzieję na wykorzystanie popularności wystawy, sfotografował jej prace i wydał osobne portfolio swoich platynowych odbitek jej prac.

Steerage, 291 i sztuka nowoczesna (1907-1916)

Późną wiosną 1907 roku Stieglitz współpracował przy serii eksperymentów fotograficznych ze swoim przyjacielem Clarence'em H. White'em. Wykonali kilkadziesiąt zdjęć dwóch ubranych i nagich modelek i wydrukowali wybrane przy użyciu nietypowych technik, w tym tonowania, woskowania i rysowania na odbitkach platynowych. Według Stieglitza pozwoliło to przezwyciężyć "niemożność wykonania pewnych rzeczy przez aparat fotograficzny."

Zarobił mniej niż 400 dolarów za rok z powodu malejących subskrypcji Camera Work i niskiej marży zysku galerii. Przez lata Emmy utrzymywała ekstrawagancki styl życia, który obejmował pełnoetatową guwernantkę dla Kitty i drogie europejskie wakacje. Pomimo obaw ojca o jego rosnące problemy finansowe, rodzina Stieglitzów i ich guwernantka po raz kolejny popłynęli za Atlantyk.

Podczas podróży do Europy Stieglitz zrobił zdjęcie, które jest uznawane nie tylko za jego znak rozpoznawczy, ale także za jedną z najważniejszych fotografii XX wieku. Skierował swój aparat na pasażerów niższej klasy w dziobie statku i uchwycił scenę, którą zatytułował The Steerage. Przez cztery lata nie opublikował ani nie wystawił tego zdjęcia.

Podczas pobytu w Europie Stieglitz zobaczył pierwszy komercyjny pokaz procesu fotografii kolorowej Autochrome Lumière i wkrótce eksperymentował z nim w Paryżu wraz ze Steichenem, Frankiem Eugene i Alvinem Langdonem Coburnem. Trzy z Autochromów Steichena zabrał ze sobą do Monachium, aby wykonać czterokolorowe reprodukcje do umieszczenia w przyszłym wydaniu Camera Work.

Poproszono go o rezygnację z członkostwa w Camera Club, ale dzięki protestom innych członków przywrócono mu status dożywotniego członka. Tuż po tym, jak zaprezentował przełomowy pokaz rysunków Auguste'a Rodina, problemy finansowe zmusiły go do zamknięcia Małych Galerii na krótki okres, do lutego 1908 roku, kiedy to zostały ponownie otwarte pod nową nazwą "291".

Stieglitz celowo przeplatał wystawy tego, co wiedział, że będzie sztuką kontrowersyjną, jak np. seksualne rysunki Rodina, z tym, co Steichen nazwał "sztuką zrozumiałą", oraz z fotografiami. Intencją było "nawiązanie dialogu, który umożliwiłby odwiedzającym zobaczenie, przedyskutowanie i zastanowienie się nad różnicami i podobieństwami pomiędzy artystami wszystkich rang i typów: pomiędzy malarzami, rysownikami, rzeźbiarzami i fotografami; pomiędzy artystami europejskimi i amerykańskimi; pomiędzy starszymi lub bardziej uznanymi postaciami i młodszymi, nowszymi praktykami". W tym samym okresie National Arts Club zorganizował "Specjalną wystawę sztuki współczesnej", na której znalazły się fotografie Stieglitza, Steichena, Käsebiera i White'a wraz z obrazami Mary Cassatt, Williama Glackensa, Roberta Henriego, Jamesa McNeilla Whistlera i innych. Uważa się, że była to pierwsza duża wystawa w USA, w której fotografowie byli traktowani na równi z malarzami.

Przez większość 1908 i 1909 roku Stieglitz spędzał czas na tworzeniu pokazów na 291 i publikowaniu Camera Work. W tym okresie nie powstały żadne fotografie, które znalazłyby się w definitywnym katalogu jego prac, Alfred Stieglitz: The Key Set.

W maju 1909 roku zmarł ojciec Stieglitza, Edward, który w swoim testamencie zapisał synowi znaczącą wówczas sumę 10 000 dolarów (równowartość 301 593 dolarów w 2021 roku). Stieglitz wykorzystał ten nowy zastrzyk gotówki, aby utrzymać swoją galerię i Camera Work w biznesie przez następne kilka lat.

W tym okresie Stieglitz poznał Mariusa de Zayas, energicznego i charyzmatycznego artystę z Meksyku, który stał się jednym z jego najbliższych współpracowników, pomagając zarówno przy wystawach w galerii, jak i przedstawiając Stieglitzowi nowych artystów w Europie. W miarę jak rosła reputacja Stieglitza jako promotora europejskiej sztuki nowoczesnej, wkrótce zgłosiło się do niego kilku nowych amerykańskich artystów, którzy chcieli pokazać swoje prace. Stieglitz był zaintrygowany ich nowoczesną wizją, w ciągu kilku miesięcy Alfred Maurer, John Marin i Marsden Hartley mieli swoje prace wiszące na ścianach 291.

W 1910 roku Stieglitz został zaproszony przez dyrektora Albright Art Gallery do zorganizowania dużego pokazu najlepszych dzieł współczesnej fotografii. Chociaż ogłoszenie o otwartym konkursie na wystawę zostało wydrukowane w Camera Work, to fakt, że Stieglitz będzie za nią odpowiedzialny, wywołał nową serię ataków na niego. W artykule redakcyjnym w czasopiśmie American Photography twierdzono, że Stieglitz nie potrafi już "dostrzec wartości pracy fotograficznej o wartości artystycznej, która nie jest zgodna z określonym stylem, tak charakterystycznym dla wszystkich wystaw pod jego patronatem. Pół pokolenia temu szkoła ta była postępowa i wyprzedzała swoje czasy. Dziś nie jest postępowa, lecz stanowi siłę reakcyjną najgroźniejszego typu."

Stieglitz napisał do kolegi fotografa George Seeley "Reputacja, nie tylko Photo-Secession, ale fotografii jest zagrożona, a ja zamierzam zebrać wszystkie siły dostępne, aby wygrać dla nas." Wystawa została otwarta w październiku i zawierała ponad 600 fotografii. Krytycy na ogół chwalili piękne walory estetyczne i techniczne prac. Jego krytycy stwierdzili jednak, że zdecydowana większość odbitek na wystawie pochodziła od tych samych fotografów, których Stieglitz znał od lat i których prace wystawiał na 291. Ponad pięćset odbitek pochodziło od zaledwie trzydziestu siedmiu fotografów, wśród których byli Steichen, Coburn, Seeley, White, F. Holland Day i sam Stieglitz.

W styczniowym wydaniu Camera Work z 1911 r. Stieglitz, lekceważąc to, co postrzegał jako komercję, przedrukował recenzję z wystawy w Buffalo z lekceważącymi słowami na temat zdjęć White'a i Käsebiera. White nigdy nie wybaczył Stieglitzowi. Założył własną szkołę fotografii, a Käsebier i White byli współzałożycielami "Pictorial Photographers of America".

Przez cały 1911 i początek 1912 roku Stieglitz organizował przełomowe wystawy sztuki nowoczesnej na 291 i promował nową sztukę wraz z fotografią na łamach Camera Work. Latem 1912 roku był tak zafascynowany sztuką niefotograficzną, że opublikował numer Camera Work (sierpień 1912) poświęcony wyłącznie Matisse'owi i Picasso.

Pod koniec 1912 roku malarze Walter Pach, Arthur B. Davies i Walt Kuhn zorganizowali wystawę sztuki nowoczesnej, a Stieglitz wypożyczył na nią kilka dzieł sztuki nowoczesnej z 291. Zgodził się również na wpisanie go na listę honorowych wiceprezesów wystawy wraz z Claude Monetem, Odilonem Redonem, Mabel Dodge i Isabellą Stewart Gardner. W lutym 1913 roku w Nowym Jorku otwarto przełomowy Armory Show i wkrótce sztuka nowoczesna stała się głównym tematem dyskusji w całym mieście. Popularność wystawy postrzegał jako potwierdzenie słuszności pracy, którą sponsorował w 291 przez ostatnie pięć lat. W lokalu 291 zorganizował wystawę własnych fotografii, która odbyła się w tym samym czasie co Armory Show. Później napisał, że umożliwienie ludziom oglądania zarówno fotografii, jak i nowoczesnego malarstwa w tym samym czasie "dało studentom i publiczności najlepszą okazję do lepszego zrozumienia miejsca i celu tych dwóch mediów."

W styczniu 1914 roku zmarł jego najbliższy przyjaciel i współpracownik Joseph Keiley, co sprawiło, że przez wiele tygodni był zrozpaczony. Wybuch I wojny światowej zaniepokoił go również z kilku powodów. Martwił się o bezpieczeństwo rodziny i przyjaciół w Niemczech. Musiał znaleźć nowego drukarza dla fotograwiur do Camera Work, które przez wiele lat były drukowane w Niemczech. Wojna spowodowała znaczne spowolnienie amerykańskiej gospodarki, a sztuka stała się dla wielu ludzi luksusem. Pod koniec roku Stieglitz walczył o utrzymanie przy życiu zarówno 291, jak i Camera Work. W październiku opublikował kwietniowy numer Camera Work, ale minie ponad rok, zanim będzie miał czas i środki na wydanie kolejnego numeru.

W międzyczasie przyjaciele Stieglitza: de Zayas, Paul de Haviland i Agnes Meyer przekonali go, że rozwiązaniem jego problemów jest podjęcie zupełnie nowego projektu, czegoś, co ponownie zaangażuje go w jego zainteresowania. Wydał nowe czasopismo, nazwane od jego galerii 291, które miało być uosobieniem kultury awangardowej. Choć był to estetyczny triumf, okazał się finansową katastrofą i po dwunastu numerach przestał się ukazywać.

W tym okresie Stieglitz coraz bardziej intrygował się bardziej nowoczesną estetyką wizualną fotografii. Stał się świadomy tego, co działo się w awangardowym malarstwie i rzeźbie i stwierdził, że piktorializm nie reprezentował już przyszłości - był przeszłością. Był pod wpływem malarza Charlesa Sheelera i fotografa Paula Stranda. W 1915 roku Strand, który od wielu lat przyjeżdżał na pokazy do 291, przedstawił Stieglitzowi nową wizję fotografii, którą uosabiały śmiałe linie codziennych form. Stieglitz jako jeden z pierwszych dostrzegł piękno i wdzięk stylu Stranda i dał mu dużą wystawę w 291. Poświęcił też jego fotografiom prawie cały ostatni numer Camera Work.

W styczniu 1916 roku Stieglitzowi pokazano portfolio rysunków węglem autorstwa młodej artystki o imieniu Georgia O'Keeffe. Stieglitz był tak zafascynowany jej sztuką, że bez spotkania z O'Keeffe, ani nawet uzyskania jej zgody na pokazanie swoich prac, zaplanował wystawienie jej prac na wystawie 291. O'Keeffe usłyszała o tym po raz pierwszy od innego przyjaciela, który zobaczył jej rysunki w galerii pod koniec maja tego samego roku. W końcu spotkała Stieglitza po wizycie w 291 i skarceniu go za pokazanie jej prac bez jej zgody.

Wkrótce potem O'Keeffe poznała Paula Stranda i przez kilka miesięcy wymieniała z nim coraz bardziej romantyczne listy. Kiedy Strand powiedział swojemu przyjacielowi Stieglitzowi o swojej nowej tęsknocie, Stieglitz odpowiedział opowiadając Strandowi o swoim własnym zauroczeniu O'Keeffe. Stopniowo zainteresowanie Stranda słabło, a Stieglitz eskalował. Do lata 1917 roku on i O'Keeffe pisali do siebie "swoje najbardziej prywatne i skomplikowane myśli", i było jasne, że rozwija się coś bardzo intensywnego.

Rok 1917 oznaczał koniec jednej epoki w życiu Stieglitza i początek kolejnej. Po części ze względu na zmieniającą się estetykę, zmieniające się czasy spowodowane wojną, a także z powodu rosnącego związku z O'Keeffe, nie miał już zainteresowania ani środków, aby kontynuować to, co robił przez ostatnią dekadę. W ciągu kilku miesięcy rozwiązał to, co pozostało z Photo-Secession, zaprzestał wydawania Camera Work i zamknął drzwi 291. Było też dla niego jasne, że jego małżeństwo z Emmy dobiegło końca. W końcu znalazł "swoją bliźniaczkę" i nic nie stało na przeszkodzie, by stworzyć związek, którego pragnął przez całe życie.

O'Keeffe i sztuka nowoczesna (1918-1924)

Na początku czerwca 1918 roku O'Keeffe przeprowadziła się z Teksasu do Nowego Jorku, po tym jak Stieglitz obiecał, że zapewni jej spokojne studio, w którym będzie mogła malować. W ciągu miesiąca zrobił jej pierwsze z wielu nagich zdjęć w mieszkaniu swojej rodziny podczas nieobecności żony Emmy, ale ona wróciła, gdy ich sesja jeszcze trwała. Od pewnego czasu podejrzewała, że coś się między nimi dzieje i kazała mu przestać się z nią spotykać albo wynosić. Stieglitz wyszedł i natychmiast znalazł miejsce w mieście, gdzie mógł zamieszkać razem z O'Keeffe. Przez ponad dwa tygodnie spali osobno. Pod koniec lipca byli już razem w jednym łóżku, a w połowie sierpnia, gdy odwiedzili Oaklawn "byli jak dwoje zakochanych nastolatków". Kilka razy dziennie wbiegali po schodach do swojej sypialni, tak spragnieni miłości, że w trakcie biegu zaczynali zdejmować z siebie ubrania."

Gdy tylko opuścił ich mieszkanie, Emmy zmieniła zdanie. Z powodu opóźnień prawnych spowodowanych przez Emmy i jej braci, minęło jeszcze sześć lat zanim rozwód został sfinalizowany. W tym czasie Stieglitz i O'Keeffe nadal mieszkali razem, choć ona sama od czasu do czasu wyjeżdżała, by tworzyć sztukę. Stieglitz wykorzystał czas spędzony osobno, aby skoncentrować się na swojej fotografii i promocji sztuki nowoczesnej.

O'Keeffe była muzą, której Stieglitz zawsze pragnął. W latach 1918-1925 obsesyjnie fotografował O'Keeffe, co było najbardziej płodnym okresem w jego życiu. W tym okresie stworzył ponad 350 odbitek O'Keeffe, które przedstawiały szeroki zakres jej charakteru, nastrojów i piękna. Wykonał wiele zbliżeń części jej ciała, zwłaszcza dłoni, zarówno pojedynczo, jak i w pobliżu twarzy czy włosów. Biografka O'Keeffe, Roxanna Robinson, stwierdza, że jej "osobowość była kluczowa dla tych fotografii; to właśnie ją, podobnie jak jej ciało, Stieglitz rejestrował."

W 1920 roku Stieglitz został zaproszony przez Mitchella Kennerly'ego z Anderson Galleries w Nowym Jorku do przygotowania dużej wystawy swoich fotografii. Na początku 1921 roku zawiesił pierwszą od 1913 roku indywidualną wystawę swoich fotografii. Spośród 146 odbitek, które zaprezentował, tylko 17 było wcześniej widzianych. Czterdzieści sześć z nich przedstawiało O'Keeffe, w tym wiele aktów, ale na żadnej z nich nie została ona zidentyfikowana jako modelka. To właśnie w katalogu do tej wystawy Stieglitz złożył swoją słynną deklarację: "Urodziłem się w Hoboken. Jestem Amerykaninem. Fotografia jest moją pasją. Poszukiwanie Prawdy moją obsesją". Mniej znane jest to, że warunkował tę deklarację następującymi po niej słowami:

UWAGA: W powyższym OŚWIADCZENIU nie pojawiają się następujące, szybko stające się "przestarzałe", pojęcia: SZTUKA, NAUKA, PIĘKNO, RELIGIA, każdy ISM, ABSTRAKCJA, FORMA, PLASTYCZNOŚĆ, OBIEKTYWNOŚĆ, SUBIEKTYWNOŚĆ, STARE MASTERS, SZTUKA NOWOCZESNA, PSYCHOANALIZA, AESTETYKA, FOTOGRAFIA OBRAZOWA, DEMOKRACJA, CEZANNA, "291", PROHIBICJA. Termin PRAWDA wkradł się, ale może go wyrzucić każdy.

W 1922 roku Stieglitz zorganizował duży pokaz obrazów i akwafort Johna Marina w Anderson Galleries, a następnie wielką aukcję blisko dwustu obrazów ponad czterdziestu amerykańskich artystów, w tym O'Keeffe. Pobudzony tym zajęciem, rozpoczął jedno ze swoich najbardziej twórczych i niezwykłych przedsięwzięć - fotografowanie serii studiów chmur po prostu dla ich formy i piękna. Powiedział:

Chciałem fotografować chmury, aby dowiedzieć się, czego nauczyłem się przez czterdzieści lat o fotografii. Poprzez chmury wyłożyć moją filozofię życia - pokazać, że (sukces) moich fotografii (był) spowodowany nie tematem - nie specjalnymi drzewami czy twarzami, czy wnętrzami, specjalnymi przywilejami - chmury były dla wszystkich...

Pod koniec lata stworzył serię, którą nazwał "Music - A Sequence of Ten Cloud Photographs". W ciągu następnych dwunastu lat wykonał setki zdjęć chmur bez żadnych punktów odniesienia dotyczących lokalizacji czy kierunku. Są one powszechnie uznawane za pierwsze celowo abstrakcyjne fotografie i pozostają jednymi z jego najmocniejszych zdjęć. Fotografie te później określił mianem Ekwiwalentów.

Matka Stieglitza, Hedwig, zmarła w listopadzie 1922 roku, a on sam, podobnie jak w przypadku ojca, pogrzebał swój żal w pracy. Spędził czas z Paulem Strandem i jego nową żoną Rebeccą (Beck), przejrzał prace innego nowicjusza Edwarda Westona i zaczął organizować nowy pokaz prac O'Keeffe. Jej wystawa została otwarta na początku 1923 roku, a Stieglitz spędził większość wiosny na marketingu jej prac. Ostatecznie dwadzieścia jej obrazów sprzedano za ponad 3000 dolarów. Latem O'Keeffe po raz kolejny wyjechała na południowy zachód, a Stieglitz przez pewien czas był sam z Beckiem Strandem nad jeziorem George. Zrobił jej serię nagich zdjęć i wkrótce stał się nią zauroczony. Mieli krótki fizyczny romans, zanim O'Keeffe wróciła jesienią. O'Keeffe mogła stwierdzić, co się stało, ale ponieważ nie widziała w nowym kochanku Stieglitza poważnego zagrożenia dla ich związku, pozwoliła, by sprawy przycichły. Sześć lat później miała swój własny romans z Beckiem Strandem w Nowym Meksyku.

W 1924 roku rozwód Stieglitza został ostatecznie zatwierdzony przez sędziego, a w ciągu czterech miesięcy on i O'Keeffe pobrali się w małej, prywatnej ceremonii w domu Marina. Pojechali do domu bez przyjęcia czy miesiąca miodowego. O'Keeffe powiedziała później, że pobrali się, aby pomóc ukoić problemy córki Stieglitza, Kitty, która w tym czasie była leczona w sanatorium z powodu depresji i halucynacji. Przez resztę życia ich związek był, jak to określiła biografka Benita Eisler, "zmową ... systemem układów i kompromisów, milcząco uzgodnionych i realizowanych w większości bez wymiany słów". Woląc unikać konfrontacji w większości spraw, O'Keeffe była głównym agentem zmowy w ich związku."

W kolejnych latach O'Keeffe spędzała większość czasu na malowaniu w Nowym Meksyku, podczas gdy Stieglitz rzadko opuszczał Nowy Jork, z wyjątkiem letnich pobytów w rodzinnej posiadłości ojca w Lake George w Adirondacks, jego ulubionym miejscu na wakacje. O'Keeffe powiedziała później, że "Stieglitz był hipochondrykiem i nie mógł być dalej niż 50 mil od lekarza".

Pod koniec 1924 roku Stieglitz przekazał 27 fotografii do Boston Museum of Fine Arts. Był to pierwszy przypadek, kiedy duże muzeum włączyło fotografie do swojej stałej kolekcji. W tym samym roku został nagrodzony przez Królewskie Towarzystwo Fotograficzne Medalem Postępu za postępy w fotografii i otrzymał honorowe członkostwo Towarzystwa.

The Intimate Gallery i An American Place (1925-1937)

W 1925 roku Stieglitz został zaproszony przez Anderson Galleries do przygotowania jednej z największych wystaw sztuki amerykańskiej, zatytułowanej Alfred Stieglitz Presents Seven Americans: 159 Paintings, Photographs, and Things, Recent and Never Before Publicly Shown by Arthur G. Dove, Marsden Hartley, John Marin, Charles Demuth, Paul Strand, Georgia O'Keeffe and Alfred Stieglitz. Podczas trzytygodniowej wystawy sprzedano tylko jeden mały obraz O'Keeffe.

Wkrótce potem Stieglitz otrzymał propozycję dalszego korzystania z jednej z sal w Anderson Galleries, którą wykorzystał na serię wystaw niektórych z tych samych artystów z pokazu Seven Americans. W grudniu 1925 roku otworzył swoją nową galerię, "The Intimate Gallery", którą ze względu na jej niewielkie rozmiary nazwał "The Room". W ciągu następnych czterech lat zorganizował szesnaście pokazów prac Marina, Dove'a, Hartleya, O'Keeffe'a i Stranda oraz indywidualne wystawy Gastona Lachaise'a, Oscara Bluemnera i Francisa Picabii. W tym czasie Stieglitz nawiązał współpracę z wpływowym kolekcjonerem nowej sztuki Duncanem Phillipsem, który zakupił kilka prac poprzez The Intimate Gallery.

W 1927 roku Stieglitz zauroczył się 22-letnią Dorothy Norman, która była wówczas wolontariuszką w galerii, i zakochali się w sobie. Norman była mężatką i miała dziecko, ale do galerii przychodziła prawie codziennie.

O'Keeffe przyjęła propozycję Mabel Dodge, by wyjechać na lato do Nowego Meksyku. Stieglitz wykorzystał ten czas, by zacząć fotografować Norman, a także zaczął uczyć ją technicznych aspektów druku. Kiedy Norman urodziła drugie dziecko, była nieobecna w galerii przez około dwa miesiące, zanim wróciła na stałe. W krótkim czasie zostali kochankami, ale nawet po tym, jak ich fizyczny romans osłabł kilka lat później, nadal pracowali razem, gdy O'Keeffe nie było w pobliżu, aż do śmierci Stieglitza w 1946 roku.

Na początku 1929 roku Stieglitz dowiedział się, że budynek, w którym mieścił się Pokój, zostanie zburzony jeszcze w tym roku. Po ostatnim pokazie prac Demutha w maju, ten wycofał się na lato do Lake George, wyczerpany i przygnębiony. The Strands zebrało prawie szesnaście tysięcy dolarów na nową galerię dla Stieglitza, który zareagował ostro, mówiąc, że nadszedł czas, by "młodzi" wykonali część pracy, którą on sam dźwigał przez tyle lat. Choć Stieglitz w końcu przeprosił i przyjął ich hojność, incydent ten stał się początkiem końca ich długiej i bliskiej relacji.

Późną jesienią Stieglitz wrócił do Nowego Jorku. 15 grudnia, dwa tygodnie przed swoimi sześćdziesiątymi piątymi urodzinami, otworzył "An American Place", największą galerię, jaką kiedykolwiek kierował. Mieściła się w niej pierwsza ciemnia, jaką miał w mieście. Wcześniej wypożyczał inne ciemnie lub pracował tylko wtedy, gdy był w Lake George. Przez następne 16 lat kontynuował grupowe lub indywidualne pokazy swoich przyjaciół: Marina, Demutha, Hartleya, Dove'a i Stranda. O'Keeffe otrzymywała co najmniej jedną dużą wystawę rocznie. Zaciekle kontrolował dostęp do jej prac i nieustannie ją promował, nawet gdy krytycy wystawiali jej niezbyt przychylne recenzje. Często w tym czasie widywali się tylko latem, kiedy w jej domu w Nowym Meksyku było zbyt gorąco, ale pisali do siebie niemal co tydzień z zapałem bratniej duszy.

W 1932 roku Stieglitz zorganizował w The Place czterdziestoletnią retrospektywę 127 swoich prac. Zawarł tam wszystkie swoje najsłynniejsze fotografie, ale celowo wybrał też ostatnie zdjęcia O'Keeffe, która z powodu lat spędzonych w południowo-zachodnim słońcu wyglądała starzej niż na swoje czterdzieści pięć lat, w porównaniu z portretami Stieglitza jego młodego kochanka Normana. Był to jeden z niewielu przypadków, kiedy publicznie zachował się złośliwie wobec O'Keeffe, a mogło to być wynikiem ich coraz bardziej intensywnych sporów na osobności o jego kontrolę nad jej sztuką.

Jeszcze w tym samym roku zorganizował pokaz prac O'Keeffe obok amatorskich obrazów na szkle Becky Strand. Nie opublikował katalogu wystawy, co Strandowie odebrali jako zniewagę. Paul Strand nigdy nie wybaczył tego Stieglitzowi. Powiedział: "Dzień, w którym wszedłem do Photo-Secession 291 w 1907 roku był wielkim momentem w moim życiu... ale dzień, w którym wyszedłem z An American Place w 1932 roku był nie mniej dobry. To było świeże powietrze i osobiste wyzwolenie od czegoś, co stało się, przynajmniej dla mnie, drugorzędne, skorumpowane i bez znaczenia."

W 1936 roku Stieglitz na krótko powrócił do swoich fotograficznych korzeni, montując jedną z pierwszych wystaw zdjęć Ansela Adamsa w Nowym Jorku. Wystawa odniosła sukces, a David McAlpin kupił osiem zdjęć Adamsa. Dwa lata później zorganizował również jeden z pierwszych pokazów prac Eliota Portera. Stieglitz, uważany za "ojca chrzestnego współczesnej fotografii", zachęcał Todda Webba do wypracowania własnego stylu i zanurzenia się w medium.

W następnym roku Cleveland Museum of Art zorganizowało pierwszą dużą wystawę prac Stieglitza poza jego własną galerią. Upewniając się, że każda odbitka jest doskonała, doprowadził się do wyczerpania. O'Keeffe spędziła większość tego roku w Nowym Meksyku.

Ostatnie lata (1938-1946)

Na początku 1938 roku Stieglitz doznał poważnego ataku serca, jednego z sześciu ataków wieńcowych lub anginowych, które dotknęły go w ciągu następnych ośmiu lat, a każdy z nich coraz bardziej go osłabiał. Podczas jego nieobecności galerią zarządzała Dorothy Norman. Od wiosny do jesieni tego okresu O'Keeffe przebywała w swoim domu w Southwest.

Latem 1946 roku Stieglitz doznał śmiertelnego udaru i zapadł w śpiączkę. O'Keeffe wróciła do Nowego Jorku i zastała Dorothy Norman w jego szpitalnym pokoju. Wyszła, a O'Keeffe była przy nim, gdy zmarł. Zgodnie z jego życzeniem, w prostym pogrzebie wzięło udział dwudziestu najbliższych przyjaciół i członków rodziny. Stieglitz został skremowany, a wraz z siostrzenicą Elizabeth Davidson, O'Keeffe zabrała jego prochy nad jezioro George i "położyła go tam, gdzie mógł usłyszeć wodę". Dzień po pogrzebie O'Keeffe przejęła kontrolę nad An American Place.

Stieglitz wykonał w ciągu swojej kariery ponad 2500 montowanych fotografii. Po jego śmierci O'Keeffe zebrała zestaw najlepszych jej zdaniem fotografii, które osobiście montował. W niektórych przypadkach dołączyła nieco inne wersje tego samego obrazu, a te serie są bezcenne dla ich wglądu w estetyczną kompozycję Stieglitza. W 1949 roku podarowała National Gallery of Art w Waszyngtonie pierwszą część tego, co nazwała "kluczowym zestawem" 1 317 fotografii Stieglitza. W 1980 roku dodała do tego zbioru kolejne 325 fotografii Stieglitza, na których ją sfotografował, w tym wiele aktów. Obecnie liczący 1 642 fotografie zbiór jest największą, najbardziej kompletną kolekcją prac Stieglitza. W 2002 roku National Gallery wydała dwutomowy, liczący 1 012 stron katalog, w którym zreprodukowano kompletny zestaw kluczy wraz ze szczegółowymi adnotacjami na temat każdej fotografii.

W 2019 roku Galeria Narodowa opublikowała zaktualizowane, internetowe wydanie zestawu kluczy Alfreda Stieglitza.

Źródła

1. Alfred Stieglitz
2. Alfred Stieglitz
3. ^ a b c d e f g h i j k l m n o Richard Whelan (1995). Alfred Stieglitz: A Biography. NY: Little, Brown. pp. 11–22, 214, 281, 369–371, 382, 400. ISBN 0316934046.
4. ^ Alfred Stieglitz. Camera Work. The Complete Photographs 1903–1917. Taschen TMC Art. 1997. p. 8.
5. À la fin de la guerre civile, son père en est un vétéran[1].
6. Les élèves de l'Institut Charlier devaient parler et écrire en français.
7. Afin d’éviter le monde académique américain de l’époque, particulièrement antisémite[4].
8. Phyllis Rose rapporte que pour cette prise de vue, Stieglitz s’était posté à un angle de rue, avait repéré les lignes et l’angle qu’il souhaitait, puis attendu trois heures l'apparition du véhicule, qui animerait la composition.
9. The Net Mender, évocateur du style de Millet, voir sur Wikimedia Commons :
10. 1 2 https://data.bnf.fr/ark:/12148/cb119255674
11. Das Bild, Buchreihe LIFE Die Photographie, neu bearbeitete Ausgabe, Amsterdam 1982, Seite 12
12. Wolfgang Baier: Quellendarstellungen zur Geschichte der Fotografie. 2. Auflage, Schirmer/Mosel, München 1980, ISBN 3-921375-60-6, S. 533
13. Alfred Stieglitz. Abgerufen am 20. Dezember 2015.
14. Alfred Stieglitz/Georgia O'Keeffe Archive, beinecke.library.yale.edu, abgerufen am 19. Januar 2013