Σύνοψη

Ο Γκούσταβ Κλιμτ (Baumgarten, σημερινό τμήμα της Βιέννης, 14 Ιουλίου 1862 - Βιέννη, 6 Φεβρουαρίου 1918) ήταν Αυστριακός συμβολιστής ζωγράφος, τοιχογράφος και σχεδιαστής. Θεωρείται το σημαντικότερο μέλος της Σέσιον της Βιέννης, της οποίας υπήρξε και πρόεδρος για κάποιο διάστημα. Χαρακτηριστικό των μεταγενέστερων έργων του, με τα οποία έγινε περισσότερο γνωστός, είναι ο "διακοσμητικός διακοσμητισμός" (στα οποία συχνά δούλευε με φύλλα χρυσού) και ο υποβλητικός ερωτικός συμβολισμός. Έγινε ιδιαίτερα διάσημος για τα πορτρέτα γυναικών και τα αλληγορικά έργα του, αλλά ζωγράφισε επίσης μεγάλο αριθμό τοπίων. Η τέχνη του Κλιμτ δημιουργήθηκε κατά τη διάρκεια μιας καλλιτεχνικής χρυσής εποχής στη Βιέννη της Belle Epoque και συχνά συνδέεται με τα κινήματα Jugendstil και Art Nouveau. Το έργο του θεωρείται παράδειγμα της έντασης που υπήρχε εκείνη την εποχή μεταξύ του συντηρητισμού και της επιθυμίας για πρόοδο.

Κατά τη διάρκεια της belle époque, η Βιέννη, ως πρωτεύουσα της Αυστροουγγαρίας, θεωρούνταν μια δυναμική, κοσμοπολίτικη μητρόπολη με περίπου δύο εκατομμύρια κατοίκους. Εκεί ζούσαν άνθρωποι από όλα τα μέρη της αυτοκρατορίας και από όλες τις φυλές και γλώσσες. Η προϊούσα εκβιομηχάνιση δημιούργησε μια ισχυρή και πλούσια μεσαία τάξη, καθιστώντας την πόλη κέντρο κομψότητας, πολυτέλειας και ψυχαγωγίας. Ξεκίνησαν οικοδομικά έργα μεγάλης κλίμακας, όπως η κατασκευή της Ringstrasse, η οποία απέκλεισε το κέντρο από τα προάστια. Μέσα σ' αυτό, έλαβε χώρα η "Εποχή του δαχτυλιδιού", με τους μεγάλους χορούς, τα αριστοκρατικά σαλόνια, τα βαλς του Γιόχαν Στράους Τζούνιορ και το μπιντερμαγιέρ.

Ταυτόχρονα, στη Βιέννη του fin de siècle παρατηρήθηκε μια πολιτιστική κρίση, η οποία συνδεόταν με την παρακμή της Αυστροουγγρικής Αυτοκρατορίας. Ήταν μια πόλη γεμάτη παράδοξα, όπου διοργανώνονταν λαμπεροί χοροί και διατηρούνταν οι παραδόσεις για να συγκαλύψουν τις αναδυόμενες αλλαγές ("νεωτερικότητα"), αλλά όπου οι κοινωνικές αντιθέσεις γίνονταν όλο και πιο αισθητές. Γύρω στο 1900, αυτό το πεδίο έντασης μεταξύ της συντήρησης και της ανάγκης για πρόοδο αποδείχθηκε εξαιρετικό έδαφος για μια ολόκληρη γενιά καλλιτεχνών, ποιητών, αρχιτεκτόνων και επιστημόνων, που άνοιγαν νέους δρόμους στο κατώφλι ενός νέου αιώνα. Μεταξύ αυτών ήταν οι συνθέτες Γκούσταβ Μάλερ και Άρνολντ Σένμπεργκ, ο συγγραφέας Άρθουρ Σνίτσλερ, ο ψυχαναλυτής Σίγκμουντ Φρόιντ, ο φιλόσοφος Λούντβιχ Βιτγκενστάιν και διάφοροι καλλιτέχνες, όπως ο Όσκαρ Κοκόσκα, ο Έγκον Σίλε και ο Γκούσταβ Κλιμτ. Ο Κλιμτ, ειδικότερα, μπόρεσε να χρησιμοποιήσει το έργο του για να γεφυρώσει δύο αιώνες, τον παλιό και τον νέο κόσμο.

Εκπαιδευμένος και ξεκινώντας ως ακαδημαϊκός ζωγράφος, που αγαπήθηκε επίσης ως προσωπογράφος των ανώτερων τάξεων, ο Κλιμτ έκανε μια ριζική ρήξη με την παράδοση στα μισά της ζωής του, αναζητώντας την ανανέωση. Ως ο σημαντικότερος εμπνευστής του κινήματος της Σέσιον, επέλεξε ένα εντελώς προσωπικό και ατομικό στυλ, το οποίο αποτελούσε σύνθεση ενός πλήθους επιρροών, όπως η διακοσμητική τέχνη, η ιαπωνική χαρακτική, η αισθητική τέχνη των προραφαηλιτών και η συμβολιστική τέχνη, συμπεριλαμβανομένης της τέχνης του Ολλανδού Jan Toorop και του Βέλγου Fernand Khnopff.

Με αυτόν τον τρόπο, δημιούργησε μια εξαιρετικά προσωπική αισθητική ομορφιά, που μοιάζει με το Jugendstil, αλλά, σε γενικές γραμμές, δεν κατατάσσεται σαφώς σε κάποιο κίνημα.

Παρά την εξέχουσα θέση του στον καλλιτεχνικό κόσμο της Βιέννης, ο Κλιμτ ήταν και παρέμεινε ένας μάλλον άκαμπτος, λιγομίλητος, εσωστρεφής, σχεδόν ντροπαλός άνθρωπος. Σπάνια έπαιρνε το στυλό στο χέρι ("Δεν έχω ταλέντο στο να μιλάω ή να γράφω, ειδικά όταν πρέπει να πω κάτι για τον εαυτό μου ή τη δουλειά μου"). Επίσης, δεν άφησε πραγματικές αυτοπροσωπογραφίες ("Δεν ενδιαφέρομαι για τον εαυτό μου ως θέμα για τους πίνακές μου, αλλά μόνο για τους άλλους, ιδίως για τις γυναίκες"). Τα έργα του επίσης δεν λένε σχεδόν τίποτα για τον ίδιο ως άτομο, εκτός από τον ανδροπρεπή σεξουαλικό προσανατολισμό του και το εμμονικό ενδιαφέρον του για το αντίθετο φύλο.

Σωματικά, ο Κλιμτ ήταν ένας κάπως μικρόσωμος, σωματώδης, αλλά ταυτόχρονα μυώδης άνδρας. Είχε δυνατή φωνή και ήταν γνωστός για το συχνά επίπεδο χιούμορ του, μια εικόνα που ερχόταν σε σαφή αντίθεση με τους εκλεπτυσμένους, κομψούς πίνακες που παρήγαγε. Παρόλο που βρέθηκε στο επίκεντρο της προσοχής του κόσμου της τέχνης από νεαρή ηλικία, παρέμεινε προσκολλημένος στην καθημερινή του ρουτίνα. Έζησε όλη του τη ζωή με τη μητέρα του και τις δύο ανύπαντρες αδελφές του, πήγαινε καθημερινά το πρωί στο κοντινό του εργαστήριο, όπου διατηρούσε αρκετές γάτες, και επέστρεφε κάθε βράδυ αυστηρά στην ώρα του, αν και αργά, για το δείπνο. Στη συνέχεια έφαγε σιωπηλά μεγάλες ποσότητες και πήγε για ύπνο στο μικρό, λιτά επιπλωμένο υπνοδωμάτιό του. "Είμαι πεπεισμένος ότι δεν είμαι ένα ιδιαίτερα ενδιαφέρον άτομο", είπε κάποτε για τον εαυτό του: "Δεν έχω τίποτα το ιδιαίτερο. Είμαι απλώς ένας ζωγράφος που δουλεύει μέρα με τη μέρα και από νωρίς μέχρι αργά". Μόνο μια φορά έσπασε τις συνήθειές του, βγαίνοντας το βράδυ για να παίξει με κάποιους φίλους του. Σχεδόν κάθε χρόνο πήγαινε διακοπές στο Attersee.

Το μόνο αντισυμβατικό πράγμα για τον Κλιμτ ήταν η ερωτική του ζωή. Είχε τακτικά σύντομους έρωτες με μοντέλα που πόζαραν γι' αυτόν και περπατούσε συνεχώς (μισόγυμνος) στο στούντιό του. Είχε τουλάχιστον τρία, αλλά πιθανότατα πολύ περισσότερα παιδιά με τα μοντέλα του, μερικές φορές πολλά ταυτόχρονα. Επιπλέον, μοιραζόταν τακτικά το κρεβάτι του με κυρίες από τους ανώτερους βιεννέζικους κύκλους που πόζαραν γι' αυτόν, γεγονός που του χάρισε - παρά τη θέλησή του - τη φήμη του γυναικά. Η πιο μόνιμη σχέση του ήταν με την Emilie Flöge, κουνιάδα του αδελφού του και ταλαντούχα μοδίστρα. Η ακριβής φύση της σχέσης τους, φιλία ή ειδύλλιο, δεν έχει αποσαφηνιστεί ποτέ πλήρως- η σχέση τους δεν ήταν ποτέ επίσημη. Ο Flöge ήταν επίσης υπεύθυνος για ένα άλλο αντισυμβατικό στοιχείο της προσωπικότητας του Klimt, δηλαδή τα ρούχα του. Και οι δύο, εμπνευσμένοι από την ιαπωνική κουλτούρα, φορούσαν συνήθως φαρδιά ρούχα, ο Κλιμτ συνήθως έναν μακρύ μπλε τουνίκ με φλατ σανδάλια από κάτω. Αυτό που είναι εντυπωσιακό είναι η αντίθεση αυτών των άμορφων υφασμάτων με τα εξαιρετικά κομψά ρούχα των μοντέλων που ζωγράφισε.

Έτη κατάρτισης

Ο Κλιμτ γεννήθηκε γιος ενός χαράκτη χρυσού και μιας μουσικά προικισμένης μητέρας, το δεύτερο από επτά παιδιά, τρία αγόρια και τέσσερα κορίτσια. Ήδη από την παιδική του ηλικία έδειξε ιδιαίτερο ταλέντο στο σχέδιο. Από το 1876 έως το 1883 σπούδασε με υποτροφία στο Πανεπιστήμιο Εφαρμοσμένων Τεχνών της Βιέννης, το μοναδικό του είδους του στην Ευρώπη εκτός από την Αγγλία. Παρακολούθησε μαθήματα διακοσμητικού σχεδίου, στη συνέχεια επέλεξε την κατεύθυνση του αρχιτεκτονικού σχεδίου και ταυτόχρονα έμαθε την τέχνη της "αισθητικής βελτίωσης" ενός προϊόντος, η οποία εκείνη την εποχή ήταν πλήρως εναρμονισμένη με το γούστο της πλούσιας φιλελεύθερης αστικής τάξης.

Κατά τη διάρκεια της φοίτησης του Κλιμτ στην ακαδημία, το μάθημα επικρίθηκε ότι επικεντρωνόταν υπερβολικά στο καθαρό σχέδιο και στη δουλοπρεπή αντιγραφή παραδειγμάτων, χωρίς να διεγείρει την καλλιτεχνική δημιουργία. Κατά τη διάρκεια των σπουδών του, ο ίδιος ο Κλιμτ ακολουθούσε αυστηρά παραδείγματα από την κλασική ιστορία της τέχνης, μια τάση που αργότερα θα παρέμενε αναγνωρίσιμη στο έργο του.

Ακόμη και κατά τη διάρκεια των σπουδών του, το 1880, ο Κλιμτ και τα μικρότερα αδέλφια του, ο Ερνστ και ο Γκέοργκεν, σχημάτισαν τον φίλο του Φραντς Ματς, οι οποίοι επίσης φοιτούσαν στην ακαδημία τεχνών και χειροτεχνίας, τη λεγόμενη "Εταιρεία Καλλιτεχνών", δουλεύοντας από ένα κοινό εργαστήριο στην Sandwirtgasse. Έλαβαν παραγγελίες για την κατασκευή θεάτρων και σκηνικών στη Βιέννη, η οποία ήταν μια προσοδοφόρα αγορά εκείνη την εποχή. Ο ίδιος ο Κλιμτ επικεντρώθηκε σε νατουραλιστικούς πίνακες, συχνά τοιχογραφίες, επηρεασμένος έντονα από τον συντηρητικό ακαδημαϊκό ιστορικό ζωγράφο Χανς Μάκαρτ.

Πρώιμο έργο

Το πρώιμο έργο του Κλιμτ αποτελούνταν κυρίως από πίνακες που φιλοτεχνήθηκαν κατόπιν παραγγελίας. Στα δέκα χρόνια που μεσολάβησαν μεταξύ της αποφοίτησής του το 1883 και της δεκαετίας που ακολούθησε, δημιούργησε κυρίως τοιχογραφίες, κυρίως στην καλλιτεχνική κολεκτίβα με τον Frans Matsch και τον αδελφό του Ernst. Κατά τη διάρκεια των σπουδών τους, τους ανατέθηκε να διακοσμήσουν το παλάτι Sturay στη Βιέννη, καθώς και το Κρατικό Θέατρο του Reichenberg και το Δημοτικό Θέατρο του Karlsbad, μεταξύ άλλων. Το ταλέντο του Κλιμτ είναι ιδιαίτερα εμφανές στον πίνακα Idylle του 1884, εμπνευσμένο από τον Μάκαρτ και τον Μιχαήλ Άγγελο, για το Kunsthistorisches Museum. Το 1886 η κολεκτίβα λαμβάνει μια μεγάλη επίσημη παραγγελία για να ζωγραφίσει τα αετώματα και τις οροφές του πρόσφατα ολοκληρωμένου Burgtheater στη Βιέννη, όπου απεικονίζουν την ιστορία των τεχνών από την κλασική αρχαιότητα έως τον Σαίξπηρ. Εργάστηκαν για την παραγγελία αυτή επί δύο χρόνια, ενώ στη συνέχεια ο ίδιος και ο Matsch δημιούργησαν επίσης έναν πολύ επαινετό πίνακα του εσωτερικού του παλιού Burgtheater για το δημοτικό συμβούλιο της Βιέννης, με μια φωτογραφικά ακριβή αναπαράσταση του κοινού. Το 1890 έλαβε αυτοκρατορικό βραβείο για το έργο του αυτό. Λίγο αργότερα, έγινε επίτιμο μέλος τόσο του Πανεπιστημίου του Μονάχου όσο και του Πανεπιστημίου της Βιέννης, γεγονός που υπογραμμίζει τη μεγάλη εκτίμηση για τα πρώιμα παραδοσιακά ακαδημαϊκά έργα του.

Σε αυτά τα πρώτα έργα, ωστόσο, ο Κλιμτ σταδιακά απομακρύνθηκε από τους φίλους του και τη σχολική του εκπαίδευση. Δεν ήταν πλέον ικανοποιημένος με τα κλασικά μοτίβα. Προσθέτει όλο και περισσότερο φωτογραφικά και ρεαλιστικά πορτρέτα και εισάγει σύγχρονα στοιχεία, όπως στο Θέατρο στην Ταορμίνα. Παράλληλα, διαφοροποιούσε όλο και περισσότερο τις τεχνικές του, ιδίως στα διακοσμητικά μέρη. Αυτές οι ιδιαιτερότητες σηματοδοτούν στην πραγματικότητα την αρχή της καλλιτεχνικής ανανέωσης που θα χαρακτηρίσει το μετέπειτα έργο του. Χωρίς να απαρνείται τα κλασικά θέματα, προδίδει μια υφολογική εξέλιξη προς τον συμβολικό διακοσμητισμό που θα γίνει το μανιφέστο του. Το 1892, μάλιστα, διακήρυξε ρητά τον στόχο του να εκσυγχρονίσει το καλλιτεχνικό σύστημα σε μια διεθνή έκθεση μουσικής και θεάτρου, συνδεόμενος με την ίδρυση της Secession του Μονάχου λίγο νωρίτερα. Με το θάνατο του αδελφού του Ernst από φυματίωση το 1892, η συλλογικότητα έλαβε επίσημα τέλος.

Πρώιμα πορτρέτα

Η επιτυχία του Κλιμτ ως ζωγράφου διακοσμήσεων στο πλαίσιο της κολεκτίβας καλλιτεχνών σήμαινε ότι έγινε εξαιρετικά δημοφιλής στη βιεννέζικη αστική τάξη και ως ζωγράφος πορτρέτων. Ιδιαίτερα στα τέλη της δεκαετίας του 1890 και λίγο μετά την αλλαγή του αιώνα, θα δημιουργήσει μια ολόκληρη σειρά από πορτρέτα για παραγγελία, στα οποία διακρίνονται ολοένα και περισσότερο στοιχεία της νέας καλλιτεχνικής φιλοσοφίας του. Ωστόσο, σε αυτά τα πρώιμα πορτρέτα η αναγνωρισιμότητα του εικονιζόμενου παραμένει πρωταρχική απαίτηση, διατηρώντας έτσι την επαφή με το επικρατούν αστικό γούστο. Ο Κλιμτ ήταν ένας από τους πρώτους στη Βιέννη που ζωγράφισε πολλά πορτρέτα από φωτογραφίες, γεγονός που προκάλεσε πολλές συζητήσεις. Το αποτέλεσμα ήταν μια υπερρεαλιστική αναπαράσταση, η οποία στη συνέχεια συνδυαζόταν συχνά με κλασικά στοιχεία στην κορνίζα, τα οποία αποτελούσαν πάντα σημαντικό μέρος των πορτρέτων του Κλιμτ.

Ορισμένα από τα πορτρέτα του Κλιμτ αυτής της περιόδου αποκαλύπτουν πλήρως την ανάγκη για πειραματισμό και την αναζήτηση νέων μορφών, που χαρακτήριζε την τέχνη του Σεχσιονισμού. Ένα χαρακτηριστικό παράδειγμα είναι η γνωστή του Judith I από το 1901. Η ακαδημαϊκή και συνεπώς η απαίτηση της πιστής ομοιότητας εγκαταλείπεται και η απεικόνιση του χώρου αντικαθίσταται προσεκτικά από μια διακοσμητική επεξεργασία της επιφάνειας, η οποία θα γίνει χαρακτηριστική για το μετέπειτα έργο του. Ενσωμάτωσε επίσης όλο και περισσότερο υποβλητικούς-ερωτικούς συμβολισμούς στα έργα του. Η Margaret Stonborough-Wittgenstein, μια από τις πιο επιφανείς κυρίες της βιεννέζικης αριστοκρατίας, λέγεται ότι πόζαρε γυμνή για το πορτρέτο της, και μετά ο Klimt την τύλιξε με ένα μακρύ λευκό νυφικό. Στους πίνακες της σχολής του, από την ίδια περίοδο, το ερωτικό - και επομένως η ρήξη με την παράδοση - έρχεται ακόμη πιο έντονα στο προσκήνιο.

Τοιχογραφίες της Σχολής

Ήδη από το 1894, ο Klimt και ο Matsch ανέλαβαν να δημιουργήσουν μια σειρά από πίνακες οροφής για το αμφιθέατρο του νέου Πανεπιστημίου της Βιέννης, με θέμα "ο θρίαμβος του φωτός επί του σκότους", με στόχο μια κλασική εξύμνηση των ορθολογιστικών επιστημών. Ωστόσο, στην τελική επεξεργασία, μεταξύ 1899 και 1907, των τριών "πινάκων της σχολής" που του ανατέθηκαν, της Φιλοσοφίας, της Ιατρικής και της Νομικής, παρουσιάζει μια σύνθεση της κοσμοθεωρίας του που είναι εντελώς δική του. Επηρεασμένος από τον Friedrich Nietzsche και τον Sigmund Freud, εκφράζει τη σύγχυση του σύγχρονου ανθρώπου μέσα από θέματα ταμπού, όπως η ασθένεια, η φθορά και κυρίως ο ερωτισμός. Ούτε η φιλοσοφία, ούτε η ιατρική, ούτε η νομολογία μπορούν να κάνουν τον άνθρωπο πιο ευτυχισμένο, είναι το μήνυμά του. Αυτή η αρνητική νοηματοδότηση, ποτισμένη με ερωτισμό, τον μετέτρεψε από έναν προηγουμένως διάσημο καλλιτέχνη σε μια εξαιρετικά αμφιλεγόμενη φιγούρα στη Βιέννη. Από την πρώτη παρουσίαση το 1900, ο αστικός Τύπος τον κατηγόρησε για "πορνογραφία" και "διαστροφή", αλλά αυτό δεν τον έπεισε. Λίγο αργότερα, αποφάσισε να μην παράγει άλλα έργα για δημόσια παραγγελία. Με τον πίνακα Χρυσόψαρο του 1902, τον οποίο αρχικά ονόμασε "Στους κριτικούς μου" και ο οποίος προοριζόταν ως απάντηση στην κριτική, επιβεβαίωσε την πορεία που είχε επιλέξει.

Οι πίνακες της σχολής εθνικοποιήθηκαν κατά τη διάρκεια του Β' Παγκοσμίου Πολέμου και αποθηκεύτηκαν μαζί με άλλα 13 έργα του Κλιμτ στο Schloss Immendorf κοντά στο χωριό Wullersdorf. Στο τέλος του πολέμου, το κάστρο πυρπολήθηκε από τις γερμανικές μονάδες SS που υποχωρούσαν και τα έργα χάθηκαν. Με εξαίρεση μια λεπτομέρεια από το Medizin (Hygeia), παραμένουν μόνο ασπρόμαυρες φωτογραφίες.

Απόσχιση

Το 1897, ο Κλιμτ βοήθησε στην ίδρυση της Secession της Βιέννης. Η Secession αποτελούνταν από μια ομάδα νέων καλλιτεχνών που ανήκαν προηγουμένως στην κλασική-παραδοσιακή ένωση "Künstlerhaus" και οι οποίοι αντιτάχθηκαν στους παλαιότερους επαγγελματίες αδελφούς τους. Επιδίωξαν να συνδεθούν με άλλα κινήματα Secession στο Βερολίνο και το Μόναχο, αλλά και, για παράδειγμα, με συμβολιστικές ομάδες όπως η Les XX στις Βρυξέλλες και, στην περίπτωση του Klimt, ιδίως με το έργο του Fernand Khnopff και του Jan Toorop. Ο πίνακας Nixen του Κλιμτ από το 1899 δείχνει την πρώιμη επιρροή αυτών των συμβολιστών ζωγράφων και θεωρείται πρόδρομος του μετέπειτα οριστικού του στυλ.

Ο Κλιμτ έγινε ο πρώτος πρόεδρος της Secession της Βιέννης. Άλλα μέλη της πρώτης ώρας ήταν οι Koloman Moser, Josef Hoffmann, Joseph Maria Olbrich, Max Kurzweil, Wilhelm Bernatzik και Otto Wagner. Αργότερα, πρωτοπόροι καλλιτέχνες όπως ο Egon Schiele και ο Oskar Kokoschka θα ενταχθούν επίσης στο κίνημα - ή στα απομεινάρια του. Στόχος της Secession ήταν να δώσει ευκαιρίες σε νέους καλλιτέχνες διαφόρων μοντερνιστικών στυλ να εκθέσουν τα έργα τους. Επικεντρώθηκε επίσης στην αρχιτεκτονική, το γραφιστικό και βιομηχανικό σχέδιο και άλλες μορφές τέχνης. Μια ιδανική εικόνα βρέθηκε στο "Gesamtkunstwerk": μια καλλιτεχνικά αρμονική συγχώνευση πολλών μορφών τέχνης, με κοινωνική λειτουργία. Η νεωτερικότητα ορίστηκε ως μια εντελώς νέα καλλιτεχνική μορφή που δεν εντάσσεται σε κανένα προηγούμενο στυλ.

Από το 1898 έως τα τέλη του 1903 εκδόθηκε το περιοδικό τους "Ver Sacrum" (Άγια Άνοιξη), με πολλές εικονογραφήσεις του Klimt, ο οποίος ήταν επίσης μέλος της συντακτικής επιτροπής. Το "Ver Sacrum", ως το φερέφωνο του κινήματος Secession, θα γινόταν το λίκνο της Art Nouveau. Οι εκθέσεις γίνονταν στο κτίριο Secession, που σχεδίασε ο Olbrich το 1898, κοντά στην Karlplatz. Η πρώτη πραγματοποιήθηκε το 1898, όπου εκτέθηκε και ο Toorop. Το 1900, έργα του Klimt και άλλων μελών της Secession εκτέθηκαν στην Παγκόσμια Έκθεση του Παρισιού.

Διάζωμα Μπετόβεν

Στα μάτια του Κλιμτ και των καλλιτεχνών της Σέσιον, μόνο η τέχνη έχει τη δύναμη να εξυψώνει τους ανθρώπους. Με βάση αυτή την πεποίθηση, δούλεψαν πάνω σε ένα "Gesamtkunstwerk" στο δικό τους κτίριο της Secession για τη δέκατη τέταρτη έκθεσή τους το 1902. Επρόκειτο για ένα αφιέρωμα στον Μπετόβεν, με το γλυπτό του Max Klinger Beethoven στο κέντρο του. Ο Γιόζεφ Χόφμαν σχεδίασε το εσωτερικό και ο Κλιμτ ζωγράφισε γύρω του τη λεγόμενη ζωφόρο Μπετόβεν. Η εκτέλεση της μουσικής του Μπετόβεν επρόκειτο να προσφέρει μια συνθετική εμπειρία.

Η ζωφόρος του Μπετόβεν αποτελείται από τρία μέρη: ο πρώτος πίνακας στον επιμήκη τοίχο απέναντι από την είσοδο απεικονίζει "την επιθυμία για ευτυχία", ο δεύτερος, στον στενό τοίχο, "τις εχθρικές δυνάμεις" και ο τρίτος, στον δεύτερο επιμήκη τοίχο, "την εκπλήρωση της επιθυμίας για ευτυχία μέσω της ποίησης". Η διάταξη των έργων λαμβάνει υπόψη το χώρο και τις διακοσμημένες επιφάνειες από στόκο. Χαρακτηριστική για τον Klimt είναι η χρήση διαφόρων υλικών, όπως το χρώμα καζεΐνης, ο στόκος και η επιχρύσωση. Οι γραμμές και τα στολίδια ανεξαρτητοποιούνται στη ζωγραφική με έναν εκτεταμένο, μερικές φορές σχεδόν αφηρημένο τρόπο.

Στο έργο αυτό, ο Κλιμτ βρήκε μια θετική απάντηση στην αρνητικότητα των πινάκων της σχολής, με τους οποίους εξακολουθούσε να ασχολείται εκείνη την εποχή. Ωστόσο, η αντίδραση του κοινού ήταν ακόμη απορριπτική. Το μήνυμα δεν περνούσε σχεδόν καθόλου και ήταν κυρίως η εξωτερική "ασχήμια" και η σεξουαλικότητα που προσέλκυαν την προσοχή.

Ομάδα αναρρίχησης, ζωφόρος Stoclet

Το 1905, η Secession διασπάστηκε μεταξύ των διακοσμητικών "Stilists" και των "Nurmaler" (μόνο ζωγράφοι). Ο Klimt εγκατέλειψε την ένωση και, μαζί με τους Hoffmann, Moll, Wagner και Moser, σχημάτισε τη λεγόμενη ομάδα Klimt. Λίγο μετά το χωρισμό αυτό, ο Βέλγος βιομήχανος Adolphe Stoclet ανέθεσε στον Klimt και τον Hoffmann να κατασκευάσουν και να σχεδιάσουν μια ανακτορική κατοικία στις Βρυξέλλες, για την οποία ο Klimt θα δημιουργούσε τις διακοσμήσεις τοίχων. Το σημείο εκκίνησης ήταν ότι θα έπρεπε να υπάρξει και πάλι αλληλεπίδραση μεταξύ των τεχνών: της αρχιτεκτονικής, της γλυπτικής και της ζωγραφικής. Σε εννέα πίνακες, ο Κλιμτ επεξεργάστηκε και πάλι έναν κύκλο ζωής, αλλά αυτή τη φορά σαφώς πιο χαρούμενο από ό,τι στη ζωφόρο του Μπετόβεν. Η ζωφόρος του Stocklet είναι κατεξοχήν διακοσμητική, με εκτεταμένη χρήση τεχνικών ψηφιδωτού και φύλλου χρυσού, που θα γινόταν υποδειγματική για το έργο του αυτή την περίοδο. Η διαρρύθμιση είναι σύμφωνη με τον κυβικό σχεδιασμό του σπιτιού του Hoffmann. Θεματικά, ενσωματώνει πολλά συγκεκαλυμμένα αλλά και φανερά σύμβολα, εκφράζοντας συχνά τη χαρά της ζωής. Στο επίκεντρο του έργου βρίσκεται το δέντρο της ζωής, το οποίο απεικονίζεται στο κέντρο των δύο μεγαλύτερων πάνελ, περιτριγυρισμένο από στυλιζαρισμένα πουλιά και πεταλούδες, καθώς και μαύρες συμβολικές μορφές. Η αλληλένδετη δομή αποτελεί προοίμιο για μια σειρά από μεταγενέστερα έργα στα οποία η ένωση και η διαπλοκή των δύο φύλων θα είναι επίσης κεντρικής σημασίας.

Kunstschau, Χρυσή περίοδος

Κορυφαία στιγμή στην ιστορία της Klimtgroep ήταν η έκθεση του 1908, που ονομάστηκε "Kunstschau". Πραγματοποιήθηκε σε ένα νέο κτιριακό συγκρότημα, για το οποίο ο Hoffmann παρείχε το αρχιτεκτονικό πλαίσιο. Η έκθεση σε 54 αίθουσες ήταν η μεγαλύτερη που έγινε ποτέ στη Βιέννη και στο σύνολό της επιβεβαίωσε τον αρχικό στόχο της Secession για το Gesamtkunstwerk, μια επικοινωνιακή συνολική έννοια ικανή να αλλάξει την καθημερινή ζωή. Η έκθεση Κλιμτ στην αίθουσα 22, ένας χώρος σχεδιασμένος από τον Kolomon Moser, προσέλκυσε μακράν τη μεγαλύτερη προσοχή και αποκαλέστηκε στις κριτικές ως "καθεδρικός ναός της σύγχρονης τέχνης". Εκθέτει δεκαέξι πίνακες, μεταξύ των οποίων τα Die drei Lebensalter der Frau, Danaë, τα πορτρέτα Adele Bloch-Bauer I και Fritza Riedler, μερικά τοπία, δύο εκδοχές των Wasserschlangen και Der Kuss. Αποτελούν κορυφαίες στιγμές αυτού που αργότερα θα ονομαζόταν "Χρυσή Περίοδος": έργα εκτελεσμένα με γραφική τελειότητα και με υπερβολική διακόσμηση, κυρίως με πολλά φύλλα χρυσού, που θυμίζουν βυζαντινές εικόνες. Ειδικά στα γυναικεία πορτρέτα του, αυτός ο "αυτοκρατορικός" χρυσός ενισχύει τη βασιλική αξιοπρέπεια των μοντέλων και δίνει μια σχεδόν ιερή λάμψη σε ορισμένα αντικείμενα. Ο ερωτισμός είναι το κεντρικό θέμα. Οι γυναίκες που απεικονίζονται έρχονται σε αντίθεση με τις ψυχρές, απόμακρες αριστοκρατικές γυναίκες, μέσα από τις οποίες λάμπει μια έντονη ερωτική λάμψη, που ενισχύεται από τα πλούσια διακοσμητικά σύμβολα. Στο έργο του Danaë από το 1907, για παράδειγμα, απεικονίζει την απόλυτη και απομονωμένη εμπειρία της γυναικείας σεξουαλικότητας. Συνδεδεμένα με το αδιαμφισβήτητο θέμα του ερωτισμού, ωστόσο, τα έργα του Κλιμτ αφορούν κυρίως τη μοίρα του άνδρα, ο οποίος εξ ορισμού ακολουθεί τη γυναίκα, συχνά με την ιδιότητα της μοιραίας γυναίκας. Ο τρόπος με τον οποίο θα πρέπει να θεωρηθεί αυτή η σχέση αρσενικού-θηλυκού παραμένει μυστηριώδης. Εν ολίγοις, αποκαλούσε τα έργα του "αινίγματα της ζωής".

Στα μέσα του 1909 οργανώθηκε μια δεύτερη Kunstschau, η οποία θα ήταν η τελευταία έκθεση της ομάδας Κλιμτ. Συμμετείχαν επίσης οι Egon Schiele και Oskar Kokoschka. Ο Klimt εξέθεσε, μεταξύ άλλων, δύο εκδοχές των έργων Die Hoffnung και Judith II.

Τοπία

Ο Κλιμτ είναι κυρίως γνωστός για τα διακοσμητικά του έργα με γυναικείες μορφές, αλλά ζωγράφισε επίσης πολλά τοπία: σχεδόν το ένα τέταρτο των πινάκων του είναι αφιερωμένο σε αυτό το θέμα. Είναι εντυπωσιακό ότι η αλληγορία δεν παίζει σχεδόν καθόλου ρόλο στα τοπία του. Πρόκειται κυρίως για έργα περισυλλογής και στοχασμού, με επιρροές από τον ιμπρεσιονισμό, συχνά τετράγωνα σε σχήμα, στατικά, χωρίς κίνηση, και επικεντρωμένα κυρίως στην ηρεμία και την αρμονία.

Τα πρώιμα τοπία του Κλιμτ, που χρονολογούνται γύρω στο 1900, παρουσιάζουν πολλά διάσπαρτα, απλωμένα δέντρα και αποπνέουν μελαγχολία και μοναξιά. Μετά από αυτή την περίοδο, η αποστασιοποίηση μειώνεται και παρουσιάζει κυρίως την ανθισμένη ομορφιά των κήπων, των λουλουδιών και των φρούτων, συμπυκνωμένα σε μια πολύχρωμη δισδιάστατη κουρτίνα χρωμάτων. Πρόκειται για επίπεδα διακοσμητικά μοτίβα που, κατά κάποιον τρόπο, αποκλείουν τον θεατή. Δείχνουν ελάχιστα την ανθρώπινη δραστηριότητα, ο ουρανός και τα σύννεφα είναι επίσης ελάχιστα ζωγραφισμένα, αλλά η προσοχή προσελκύεται κυρίως από μια στατική αναπαράσταση αργά αναπτυσσόμενων φυσικών στοιχείων, στα οποία ούτε ο καιρός ούτε η πρόσπτωση του φωτός προκαλούν κάποια σημαντική αλλαγή.

Πολλά από τα τοπία του Κλιμτ δημιουργήθηκαν κατά τη διάρκεια των διακοπών του στο Attersee, τις οποίες περνούσε εκεί με την οικογένεια Flöge. Λένε κάτι για την υποτιθέμενη μικροαστική του φύση και, σύμφωνα με τα δικά του λόγια, βρήκε κίνητρο στην καθημερινότητα και την ανάγκη του να έχει μια κανονική απασχόληση κατά τη διάρκεια αυτών των διαμονών. Επιπλέον, είναι ένας καθρέφτης του εσωτερικού του εαυτού, μια αντανάκλαση που δεν έχει καμία σχέση με προκατασκευασμένες ιδέες, όπως πρέσβευε η Secession και αργότερα η ομάδα Klimt. Έτσι, ήταν επίσης μια μορφή αντίθεσης στη δική του σκέψη.

Σχέδια

Ήδη κατά τη διάρκεια της ζωής του, και ακόμη και σήμερα, υπάρχουν κριτικοί τέχνης που θεωρούν τα σχέδια του Κλιμτ μεταξύ των καλύτερων του έργου του. Κατά τη διάρκεια της ζωής του, ωστόσο, ήταν ελάχιστα γνωστά στο ευρύ κοινό, κυρίως λόγω του προφανώς ερωτικού τους περιεχομένου. Μόνο ένας μικρός αριθμός δημοσιεύτηκε, για παράδειγμα στο περιοδικό Ver Sacrum. Μόλις το 1984 η Astrid Strobl δημιούργησε μια ολοκληρωμένη επισκόπηση των 3000 σωζόμενων σχεδίων.

Κατά τη διάρκεια της εκπαίδευσής του, ο Κλιμτ είχε ήδη ξεχωρίσει λόγω του εξαιρετικού ταλέντου του στο σχέδιο. Από την περίοδο αυτή έχουν διασωθεί διάφορες μελέτες με μολύβι, ιδίως ανδρικών γυμνών. Επιπλέον, καθ' όλη τη διάρκεια της καριέρας του έκανε αμέτρητες προκαταρκτικές μελέτες για τους πίνακές του, μερικές φορές περισσότερες από τριάντα, οι οποίες συχνά μπορούν να θεωρηθούν από μόνες τους έργα τέχνης. Συχνά ζωγράφιζε τα γυναικεία μοντέλα του γυμνά καθώς περπατούσαν στο στούντιό του, συχνά αρκετές κάθε φορά, ακόμη και όταν τελικά απεικονίζονταν ντυμένες στον καμβά.

Σήμερα, η φήμη του Κλιμτ ως μεγάλου καλλιτέχνη οφείλεται κυρίως στα ερωτικά του σχέδια, τα οποία συχνά ξεπερνούν τα όρια της πορνογραφίας. Ενώ το ερωτικό περιεχόμενο των πινάκων του ήταν συχνά τυλιγμένο σε ένα συμβολικό περιεχόμενο, αυτό δεν συμβαίνει στα σχέδιά του. Πρόκειται για προκλητικές απεικονίσεις μοιραίων, μη ιδανικών γυναικών, σε τολμηρές πόζες ή με ανοιχτά πόδια, που ικανοποιούν τον εαυτό τους ή βρίσκονται σε λεσβιακή ή ετεροφυλόφιλη αγκαλιά.

Η ερμηνεία των ερωτικών σχεδίων του Κλιμτ υπερβαίνει την προσωπική του εμμονή με τον ερωτισμό και την ηδονοβλεψία. Απέναντι στη φεμινιστική απόρριψη, τονίζεται η χειραφετητική πτυχή, δηλαδή η γυναίκα που μπορεί να διαθέτει ανεξάρτητα τη σεξουαλικότητά της, απομονωμένη, απογυμνωμένη από κάθε διάσταση του χρόνου και του χώρου. Ο ερωτισμός παρουσιάζεται ως ο μόνος τομέας στον οποίο μπορεί να επιτευχθεί η απόλυτη ανεξαρτησία. Ο άνδρας παραμένει σε απόσταση, δεν συμμετέχει: ως καλλιτέχνης, διατηρεί απόσταση και αυτοέλεγχο. Από την άλλη πλευρά, δεν είναι το θηλυκό εν γένει που ενδιαφέρει τον Κλιμτ, αλλά το συγκεκριμένο σώμα που αντιλαμβάνεται και που τον εξιτάρει, ανεξάρτητα από την περαιτέρω ψυχολογική ή κοινωνική πραγματικότητα. Ωστόσο, πρόκειται πάντα για μια αλληλεπίδραση στην οποία, σύμφωνα με τα λόγια του ιστορικού τέχνης Werner Hofmann, "η δύναμη του ανθρώπου περιορίζεται και μετατρέπεται σε έναν διάλογο του δούναι και λαβείν".

Όψιμα έργα

Το φθινόπωρο του 1909, ο Κλιμτ πραγματοποίησε ένα ταξίδι σπουδών στην Πράγα, το Παρίσι και τη Μαδρίτη, όπου προσανατολίστηκε στη μοντέρνα τέχνη, η οποία τότε κυριαρχούνταν ακόμη έντονα από τους ιμπρεσιονιστές και τους μεταϊμπρεσιονιστές. Το ταξίδι αυτό σηματοδότησε το τέλος της "χρυσής" διακοσμητικής περιόδου του. Επιστρέφοντας στη Βιέννη, ζωγράφισε το ιμπρεσιονιστικό πορτρέτο Dame mit Hut und Federboa, αλλά αυτή η αλλαγή ύφους θα ήταν βραχύβια. Αμέσως μετά την ολοκλήρωσή του, άρχισε να ενδιαφέρεται και πάλι για το στολίδι, από το 1912 κυρίως με ανατολίτικες επιρροές. Το έργο του έγινε πιο αισιόδοξο, πιο πολύχρωμο, λιγότερο σκοτεινό και επίσης χωρίς μελαγχολική τραγωδία ή αλληγορικές αναφορές στην κοινωνική πραγματικότητα. Οι γυναίκες που απεικονίζει μοιάζουν να τοποθετούνται σε ένα είδος ονειρικού κόσμου, μια λυκόφως των αισθήσεων που δεν θα λυτρωθεί με την αφύπνιση. Το ουσιαστικό και το υπαινικτικό κάνουν χώρο για μια μεγαλύτερη τυπική ελευθερία. Ακόμη περισσότερο από ό,τι στο παρελθόν, ο άνθρωπος είναι απών. Στιλιστικά, η πινελιά είναι λιγότερο άκαμπτη και πιο γραφική. Ωστόσο, το διακοσμητικό και η τάση για το ερωτικό, ως το απόλυτο αίσθημα ευτυχίας που προέρχεται από τη φύση, παραμένουν.

Ο Κλιμτ εργαζόταν πάντα στη Βιέννη, όπου πολλοί συνάδελφοί του έφυγαν για το εξωτερικό. Οι αρχικοί θαυμαστές του Schiele και Kokoschka ακολούθησαν νέους δρόμους προς μια πιο ωμή, εξπρεσιονιστική τέχνη, γεγονός που έθεσε τον ρόλο του Klimt ως μεγάλου καινοτόμου σε προοπτική. "Πηγαίνουν προς μια διαφορετική κατεύθυνση", είπε σχετικά, "δεν ξέρω αν εξακολουθώ να μετράω". Παρόλο που η φήμη του αυξανόταν διεθνώς, επίσης μετά από μερικές επιτυχημένες διεθνείς εκθέσεις (Βερολίνο 1909, Βενετία 1910, Ρώμη 1911, Βουδαπέστη 1913), και παρά την αναγόρευσή του σε επίτιμο διδάκτορα του τοπικού πανεπιστημίου, το ύφος του απορρίφθηκε από τους βιεννέζους κριτικούς ως ξεπερασμένο. Ωστόσο, κατηγορήθηκε για το γεγονός ότι οι αλλαγές στον κόσμο και η ταραγμένη εποχή του Α' Παγκοσμίου Πολέμου έμοιαζαν να τον έχουν προσπεράσει εντελώς, πράγμα που στην πραγματικότητα συνέβαινε.

Τον Φεβρουάριο του 1918, ο Κλιμτ πέθανε από πνευμονία, σε ηλικία 55 ετών, αφήνοντας πολλά έργα ημιτελή στο εργαστήριό του. Ενταφιάστηκε στο Hietzinger Friedhof της Βιέννης. Η υπογραφή του είναι σμιλεμένη στην πέτρα. Με τον θάνατό του (όπως και με τους θανάτους των Egon Schiele, Kolomon Moser και Otto Wagner αργότερα την ίδια χρονιά), η ακμή της βιεννέζικης τέχνης, που είχε διαρκέσει περίπου δύο δεκαετίες, έφτασε στο οριστικό τέλος της.

Ο Κλιμτ συγκαταλέγεται πλέον στους μεγαλύτερους μοντερνιστές στην ιστορία της τέχνης και συχνά αναφέρεται στην ίδια λογική με καλλιτέχνες όπως ο Πάμπλο Πικάσο, ο Πιέτ Μοντριαν και ο Σαλβαδόρ Νταλί. Το έργο του είναι ευρέως ορατό στη σημερινή κοινωνία (και όχι μόνο στη Δύση), στη διαφήμιση, στην αφισοκόλληση, αλλά και ως διακοσμητικό μοτίβο σε αμέτρητα σκεύη, κύπελλα, βάζα, πλακάκια κ.ο.κ., μια εξέλιξη που συνάδει με τους στόχους του Gesamtkunstwerk που ο ίδιος επέλεξε.

Η αξία του έργου του Κλιμτ υπερβαίνει το διακοσμητικό και πρέπει να αναζητηθεί στα πρωταρχικά του θέματα: τις πρωταρχικές ενέργειες της γέννησης, της θνητότητας, του έρωτα και ιδιαίτερα του ερωτισμού. "Όλη η τέχνη είναι ερωτική", ήταν μια διάσημη ρήση του Κλιμτ, που αναφερόταν στην καταπιεσμένη επίδραση της σεξουαλικότητας ως πηγή κάθε δημιουργικής παρόρμησης. Στην ανοιχτότητα με την οποία αναζήτησε εικόνες για τη ζωή των ορμών και της σεξουαλικότητας, μπορεί να αναζητηθεί ένας παραλληλισμός με το έργο του σύγχρονου του Sigmund Freud, ο οποίος, όπως και ο ίδιος, αναζήτησε έμπνευση στην κλασική αρχαιότητα. Η ομορφιά (των γυναικών) και η φθορά τρίβονται συνεχώς η μία πάνω στην άλλη. Η δύναμη του έργου του έγκειται στην ένταση μεταξύ του παρακμιακού χαρακτήρα του fin de siècle και της νεωτεριστικής καινοτομίας, η οποία εξακολουθεί να ελκύει ακόμη και σήμερα.

Τις πρώτες δεκαετίες μετά το θάνατό του, τα έργα του Κλιμτ παρέμειναν αρκετά άγνωστα στο ευρύ κοινό, εν μέρει επειδή οι πίνακές του δυσκολεύονταν να αποκτήσουν πρόσβαση στα μεγάλα διεθνή μουσεία. Παρ' όλα αυτά, η εικόνα που υπήρχε γι' αυτόν για μεγάλο χρονικό διάστημα, δηλαδή η εικόνα ενός συκοφαντημένου και παρεξηγημένου καλλιτέχνη, δεν δικαιώθηκε ποτέ. Ήδη κατά τη διάρκεια της ζωής του, παρά την αντίσταση των συντηρητικών κύκλων ενάντια στα ερωτικά του θέματα, έγινε διάσημος καλλιτέχνης και ακόμη και μετά το θάνατό του δεν εξαφανίστηκε ποτέ στη λήθη. Στη δεκαετία του 1960, ωστόσο, υπήρξε μια πλήρης επανανακάλυψη, με όλες τις πτυχές του έργου του να αναδεικνύονται στη συνέχεια. Με τον καταιγισμό εκθέσεων γύρω από τη χιλιετία και τον εορτασμό των 150ων γενεθλίων του το 2012 και της 100ης επετείου του θανάτου του το 2018, η φήμη του ανέβηκε στο επίπεδο των μεγάλων. Η επιρροή του στη σύγχρονη ζωγραφική δεν μπορεί να υποτιμηθεί. Ο πολιτισμολόγος Jacques Le Rider συνόψισε την επιρροή του Κλιμτ στη σύγχρονη ζωγραφική ως "φόρο τιμής στη μητριαρχία που κυριαρχεί στη σύγχρονη ζωγραφική".

Στις δημοπρασίες και στο εμπόριο έργων τέχνης, τα έργα του Κλιμτ συγκεντρώνουν σήμερα τιμές στην υψηλότερη κατηγορία. Η Oprah Winfrey, για παράδειγμα, απέκτησε το Πορτρέτο της Adèle Bloch-Bauer II για 88 εκατομμύρια δολάρια σε δημοπρασία του Christie's το 2006, για να το πουλήσει ξανά το 2016 σε Κινέζο ιδιώτη για 150 εκατομμύρια δολάρια. Το πορτρέτο της Adèle Bloch-Bauer I έπιασε 135 εκατομμύρια δολάρια στην ίδια δημοπρασία το 2006. Και τα δύο πορτραίτα της Adèle Bloch-Bauer εξακολουθούν να εμφανίζονται σε πολυάριθμους καταλόγους με τους ακριβότερους πίνακες ζωγραφικής όλων των εποχών.

Τον Δεκέμβριο του 2019, πίσω από τον τοίχο της Galleria d'arte moderna Ricci Oddi ανακτήθηκε ο πίνακας Portrait of a lady που είχε κλαπεί από το μουσείο της Piacenza το 1997. Μετά από έρευνα, αποδείχθηκε ότι ο καμβάς ήταν στην πραγματικότητα ένα υπερβαμμένο έργο. Η αξία εκτιμάται σε δεκάδες εκατομμύρια ευρώ.

Ο Κλιμτ πέθανε από την ισπανική γρίπη.

Πηγές

1. Γκούσταφ Κλιμτ
2. Gustav Klimt
3. Во время реставрационных работ в 1977 году под полупрозрачным красочным слоем обнаружилось первоначальное курьёзное изображение Эрнста Климта, непринуждённо прислонившимся к пилястре с сигаретой в правой руке.
4. Ставку, на которую претендовал Климт, получил консервативный польский художник Казимир Похвальский.
5. В 1918 году здание было переоборудовано под жилье и продано. В настоящее время отремонтировано и доступно для публики.
6. Большинство пейзажных эскизов предположительно было уничтожено пожаром в квартире Эмилии Флёге в 1945 году.
7. В немецком языке нем. Sonnenblume — „подсолнечник, подсолнух“ — существительное женского рода.
8. zie Sol Garcia Galland, blz. 7.
9. Zie Payne, inleiding.
10. Zie Sol Garcia Galland, blz. 9.
11. Paragraaf samenvattend naar Sol Galland Garcia, blz. 6-10.
12. Gottfried Fliedl: Gustav Klimt 1862–1918. Benedikt Taschen Verlag, Köln 1994, S. 77 ff.
13. Nr. 41, Mitte Mai 1900, S. 18 f.
14. Ordentliche Mitglieder des Deutschen Künstlerbundes seit der Gründung 1903 / Klimt, Gustav. (Memento vom 4. März 2016 im Internet Archive) auf: kuenstlerbund.de, abgerufen am 14. September 2015.
15. ^ Fliedl 1994, p. 14. The most important element of his fame is his reputation as a master of eroticism.
16. ^ Sabarsky 1983, p. 18.