Resumé

Milton Ernest "Robert" Rauschenberg (22. oktober 1925 - 12. maj 2008) var en amerikansk maler og grafiker, hvis tidlige værker foregreb Pop Art-bevægelsen. Rauschenberg er kendt for sine Combines (1954-1964), en gruppe kunstværker, der inkorporerede hverdagsgenstande som kunstmaterialer, og som udviskede forskellene mellem maleri og skulptur. Rauschenberg var både maler og billedhugger, men han arbejdede også med fotografi, grafik, papirfremstilling og performance.

Rauschenberg modtog adskillige priser i løbet af sin næsten 60-årige kunstneriske karriere. Blandt de mest fremtrædende var den internationale store pris i maleri ved den 32. Venedigbiennale i 1964 og den nationale kunstmedalje i 1993.

Rauschenberg boede og arbejdede i New York City og på Captiva Island, Florida, indtil sin død den 12. maj 2008.

Rauschenberg blev født som Milton Ernest Rauschenberg i Port Arthur, Texas, som søn af Dora Carolina (født Matson) og Ernest R. Rauschenberg. Hans far var af tysk og Cherokee-afstamning og hans mor var af hollandsk afstamning. Hans far arbejdede for Gulf States Utilities, et lys- og kraftværksselskab. Hans forældre var fundamentalistiske kristne. Han havde en lillesøster ved navn Janet Begneaud.

Som 18-årig blev Rauschenberg optaget på University of Texas i Austin, hvor han begyndte at studere farmakologi, men han droppede ud kort tid efter på grund af kursusarbejdet - han vidste ikke på dette tidspunkt, at han var ordblind - og fordi han ikke ville dissekere en frø i biologiundervisningen. Han blev indkaldt til den amerikanske flåde i 1944. Med base i Californien tjente han som neuropsykiatrisk tekniker på et flådehospital, indtil han blev udskrevet i 1945 eller 1946.

Rauschenberg studerede efterfølgende på Kansas City Art Institute og Académie Julian i Paris, Frankrig, hvor han mødte sin kunststuderende kollega Susan Weil. På det tidspunkt ændrede han også sit navn fra Milton til Robert. I 1948 indskrev Rauschenberg sig sammen med Weil på Black Mountain College i North Carolina.

I Black Mountain opsøgte Rauschenberg Josef Albers, en af grundlæggerne af Bauhaus i Tyskland, som han havde læst om i august 1948 i Time Magazine. Han håbede, at Albers' strenge undervisningsmetoder kunne dæmme op for hans sædvanlige sjusk. Albers' indledende designkurser var baseret på en streng disciplin, der ikke tillod "uindflydelse på eksperimenter".

Rauschenberg blev med sine egne ord "Albers' nar, det fremragende eksempel på det, han ikke talte om". Selv om Rauschenberg betragtede Albers som sin vigtigste lærer, fandt han en mere kompatibel sensibilitet hos John Cage, en etableret komponist af avantgarde-musik. Ligesom Rauschenberg havde Cage bevæget sig væk fra sin instruktør Arnold Schönbergs disciplinære lære til fordel for en mere eksperimentel tilgang til musikken. Cage gav Rauschenberg tiltrængt støtte og opmuntring i de tidlige år af hans karriere, og de to forblev venner og kunstneriske samarbejdspartnere i årtier fremover.

Fra 1949 til 1952 studerede Rauschenberg sammen med Vaclav Vytlacil og Morris Kantor på Art Students League i New York, hvor han mødte kunstnerkollegerne Knox Martin og Cy Twombly.

Rauschenberg giftede sig med Susan Weil i sommeren 1950 i Weil-familiens hjem i Outer Island, Connecticut. Deres eneste barn, Christopher, blev født den 16. juli 1951. De to gik fra hinanden i juni 1952 og blev skilt i 1953. Derefter havde Rauschenberg romantiske forhold med blandt andre kunstnerkolleger Cy Twombly og Jasper Johns. Hans partner i de sidste 25 år af sit liv var kunstneren Darryl Pottorf,

I 1970'erne flyttede han ind i NoHo på Manhattan i New York City.

Rauschenberg købte Beach House, sin første ejendom på Captiva Island, den 26. juli 1968. Ejendommen blev dog ikke hans permanente bolig før efteråret 1970.

Rauschenberg døde af hjertesvigt den 12. maj 2008 på Captiva Island i Florida.

Rauschenbergs tilgang blev undertiden kaldt "neodadaistisk", en betegnelse han delte med maleren Jasper Johns. Rauschenberg erklærede som bekendt, at "maleriet vedrører både kunst og liv", og han ønskede at arbejde "i kløften mellem de to". Ligesom mange af sine dadaistiske forgængere satte Rauschenberg spørgsmålstegn ved sondringen mellem kunstgenstande og hverdagsgenstande, og hans brug af readymade-materialer gentog de intellektuelle spørgsmål, som Marcel Duchamps Fountain (1917) rejste. Duchamps dadaistiske indflydelse kan også ses i Jasper Johns' malerier af mål, tal og flag, som var velkendte kulturelle symboler: "ting, som sindet allerede kender".

På Black Mountain College eksperimenterede Rauschenberg med en række forskellige kunstneriske medier, herunder grafik, tegning, fotografi, maleri, skulptur og teater, og hans værker var ofte en kombination af disse. Han skabte sine Night Blooming-malerier (1951) på Black Mountain ved at trykke småsten og grus ind i sort pigment på lærred. Allerede samme år lavede han i samarbejde med Susan Weil i sin lejlighed i New York blåtryk af hele kroppen, som "de håber at kunne omsætte til skærm- og tapetdesigns".

Fra efteråret 1952 til foråret 1953 rejste Rauschenberg til Italien og Nordafrika sammen med sin kunstnerkollega og partner Cy Twombly. Der skabte han collager og små skulpturer, herunder Scatole Personali og Feticci Personali, af fundne materialer. Han udstillede dem på gallerier i Rom og Firenze. Til Rauschenbergs overraskelse blev en del af værkerne solgt; mange af dem, der ikke blev solgt, smed han i floden Arno efter forslag fra en kunstkritiker, der anmeldte udstillingen.

Da han vendte tilbage til New York i 1953 begyndte Rauschenberg at skabe skulpturer med fundne materialer fra kvarteret på Lower Manhattan, såsom metalskrot, træ og snor, som han fandt i sit kvarter. I løbet af 1950'erne forsørgede Rauschenberg sig selv ved at designe vinduesudstillinger for Tiffany & Co. og Bonwit Teller, først sammen med Susan Weil og senere i samarbejde med Jasper Johns under pseudonymet Matson Jones.

I en berømt hændelse fra 1953 bad Rauschenberg den abstrakt ekspressionistiske maler Willem de Kooning om en tegning med det udtrykkelige formål at slette den som en kunstnerisk erklæring. Dette konceptuelle værk, der fik titlen Erased de Kooning Drawing, blev udført med den ældre kunstners samtykke.

I 1961 udforskede Rauschenberg en lignende konceptuel tilgang ved at præsentere en idé som selve kunstværket. Han blev inviteret til at deltage i en udstilling i Galerie Iris Clert i Paris, hvor kunstnere skulle præsentere portrætter af galleriejer Clert. Rauschenbergs bidrag bestod af et telegram, hvori han erklærede: "Dette er et portræt af Iris Clert, hvis jeg siger det".

I 1962 begyndte Rauschenbergs malerier at inkorporere ikke kun fundne genstande, men også fundne billeder. Efter et besøg i Andy Warhols atelier samme år begyndte Rauschenberg at bruge en silketrykproces, som normalt er forbeholdt kommercielle reproduktionsmidler, til at overføre fotografier til lærred. De serigrafiske malerier, der blev lavet mellem 1962 og 1964, fik kritikere til at identificere Rauschenbergs arbejde med popkunst.

Rauschenberg havde eksperimenteret med teknologi i sine kunstværker siden de tidlige Combines værker fra midten af 1950'erne, hvor han undertiden brugte fungerende radioer, ure og elektriske ventilatorer som skulpturelle materialer. Senere udforskede han sin interesse for teknologi, mens han arbejdede sammen med forskeren Billy Klüver fra Bell Laboratories. Sammen realiserede de nogle af Rauschenbergs mest ambitiøse teknologibaserede eksperimenter, såsom Soundings (1968), en lysinstallation, der reagerede på omgivende lyd. I 1966 lancerede Klüver og Rauschenberg officielt Experiments in Art and Technology (E.A.T.), en nonprofitorganisation, der blev oprettet for at fremme samarbejdet mellem kunstnere og ingeniører. I 1969 inviterede NASA Rauschenberg til at overvære opsendelsen af Apollo 11. Som reaktion på denne skelsættende begivenhed skabte Rauschenberg sin Stoned Moon-serie af litografier. Her kombinerede han diagrammer og andre billeder fra NASA's arkiver med sine egne tegninger og håndskrevne tekster.

Fra 1970 arbejdede Rauschenberg fra sit hjem og atelier i Captiva i Florida. De første værker, han skabte i sit nye atelier, var Cardboards (1971-72) og Early Egyptians (1973-74), hvor han brugte lokale materialer som karton og sand. Hvor hans tidligere værker ofte havde fremhævet bybilleder og -materialer, foretrak Rauschenberg nu effekten af naturlige fibre, som findes i stof og papir. Han trykte på tekstiler ved hjælp af sin solvent-transferteknik for at lave Hoarfrost (sidstnævnte havde store strækninger af collageret stof på træpaneler). Rauschenberg skabte sin Jammer-serie (1975-76) ved hjælp af farverige stoffer, der var inspireret af hans rejse til Ahmedabad i Indien, en by, der er berømt for sine tekstiler. Den billedløse enkelhed i Jammer-serien er en slående kontrast til de billedfyldte Hoarfrosts og den grumsethed, der kendetegner hans tidligste værker, som han lavede i New York City.

Internationale rejser blev en central del af Rauschenbergs kunstneriske proces efter 1975. I 1984 annoncerede Rauschenberg starten på sin Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI) i FN. ROCI-projektet, der næsten udelukkende blev finansieret af kunstneren, bestod af en syvårig turné til ti lande rundt om i verden. Rauschenberg tog fotografier hvert sted og lavede kunstværker inspireret af de kulturer, han besøgte. De resulterende værker blev vist på en lokal udstilling i hvert land. Rauschenberg donerede ofte et kunstværk til en lokal kulturinstitution.

Fra midten af 1980'erne fokuserede Rauschenberg på at silketrykse billeder på en række forskelligt behandlede metaller, såsom stål og spejlbelagt aluminium. Han skabte mange serier af såkaldte "metalmalerier", bl.a: Borealis (1988-92), Urban Bourbons (1988-1996), Phantoms (1991) og Night Shades (1991). Desuden fortsatte Rauschenberg i løbet af 1990'erne med at bruge nye materialer, mens han stadig arbejdede med mere rudimentære teknikker. Som en del af hans engagement i de nyeste teknologiske innovationer overførte han i sin sene maleri-serie digitale inkjetfotografiske billeder til en række forskellige maletryk. Til sine Arcadian Retreats (1996) overførte han billeder til våd fresko. I overensstemmelse med sit engagement i miljøet anvendte Rauschenberg biologisk nedbrydelige farvestoffer og pigmenter og vand i stedet for kemikalier i overførslen.

De hvide malerier, de sorte malerier og de røde malerier

I 1951 skabte Rauschenberg sin White Painting-serie i den tradition for monokromatisk maleri, der blev etableret af Kazimir Malevich, som reducerede maleriet til dets mest essentielle kvaliteter for at opnå en oplevelse af æstetisk renhed og uendelighed. White Paintings blev vist i Eleanor Wards Stable Gallery i New York i efteråret 1953. Rauschenberg brugte almindelig hvid husmaling og malerruller til at skabe glatte, usmykkede overflader, der ved første øjekast fremstår som et tomt lærred. I stedet for at opfatte dem som indholdsløse beskrev John Cage imidlertid de hvide malerier som "lufthavne for lys, skygger og partikler"; overflader, der afspejlede sarte atmosfæriske forandringer i rummet. Rauschenberg sagde selv, at de blev påvirket af de omgivende forhold, "så man næsten kunne se, hvor mange mennesker der er i rummet". Ligesom de hvide malerier blev de sorte malerier fra 1951-1953 udført på flere paneler og var overvejende ensfarvede værker. Rauschenberg påførte mat og blank sort maling på teksturerede underlag af avispapir på lærred, idet han lejlighedsvis lod avispapiret forblive synligt.

I 1953 havde Rauschenberg bevæget sig fra White Painting og Black Painting-serien til den skærpede ekspressionisme i sin Red Painting-serie. Han betragtede rødt som "den sværeste farve" at male med og tog udfordringen op ved at dryppe, klistre og presse lag af rødt pigment direkte på lærredsunderlag, der omfattede mønstret stof, avispapir, træ og søm. De komplekse materielle overflader i de røde malerier var forløbere for Rauschenbergs velkendte Combine-serie (1954-1964).

Kombinerer

Rauschenberg indsamlede kasserede genstande i New Yorks gader og bragte dem tilbage til sit atelier, hvor han integrerede dem i sit arbejde. Han hævdede, at han "ville have noget andet end det, jeg selv kunne lave, og jeg ville bruge overraskelsen og det kollektive og generøse i at finde overraskelser". Så selve objektet blev ændret af dets kontekst, og derfor blev det en ny ting."

Rauschenbergs kommentar om kløften mellem kunst og liv er udgangspunktet for en forståelse af hans bidrag som kunstner. Han så den potentielle skønhed i næsten alt; han sagde engang: "Jeg har virkelig ondt af folk, der synes, at ting som sæbefade, spejle eller colaflasker er grimme, for de er omgivet af den slags ting hele dagen lang, og det må gøre dem ulykkelige." Hans Combine-serie gav hverdagsobjekter en ny betydning ved at bringe dem ind i kunstens sammenhæng sammen med traditionelle malematerialer. Combines eliminerede grænserne mellem kunst og skulptur, så begge dele var til stede i et enkelt kunstværk. Selv om "Combines" teknisk set henviser til Rauschenbergs værker fra 1954 til 1964, fortsatte Rauschenberg med at bruge hverdagsobjekter som tøj, aviser, byaffald og pap i hele sin kunstneriske karriere.

Hans overgangsstykker, der førte til skabelsen af Combines, var Charlene (1954) og Collection (1954).

Kritikerne betragtede oprindeligt Combines ud fra deres formelle kvaliteter: farve, tekstur og komposition. 1960'ernes formalistiske synspunkt blev senere tilbagevist af kritikeren Leo Steinberg, som sagde, at hver Combines var "en receptoroverflade, hvorpå objekter er spredt ud, hvorpå data er indtastet". Ifølge Steinberg havde horisontaliteten i det, som han kaldte Rauschenbergs "flatbed picture plane", erstattet maleriets traditionelle vertikalitet og dermed muliggjort de unikt materialebundne overflader i Rauschenbergs værker.

Optræden og dans

Rauschenberg begyndte at udforske sin interesse for dans efter at være flyttet til New York i begyndelsen af 1950'erne. Han blev først udsat for avantgarde-dans og performancekunst på Black Mountain College, hvor han deltog i John Cages Theatre Piece No. 1 (1952), der ofte betragtes som den første Happening. Han begyndte at designe kulisser, lys og kostumer for Merce Cunningham og Paul Taylor. I begyndelsen af 1960'erne var han involveret i de radikale danseteatereksperimenter i Judson Memorial Church i Greenwich Village, og han koreograferede sin første forestilling, Pelican (1963), for Judson Dance Theater i maj 1963. Rauschenberg var tæt ven med Cunningham-affilierede dansere, herunder Carolyn Brown, Viola Farber og Steve Paxton, som alle var med i hans koreograferede værker. Rauschenbergs fuldtidsforbindelse med Merce Cunningham Dance Company ophørte efter dets verdensturné i 1964. I 1966 skabte Rauschenberg forestillingen Open Score som en del af 9 Evenings: Theatre and Engineering i 69th Regiment Armory i New York. Serien var medvirkende til dannelsen af Experiments in Art and Technology (E.A.T.).

I 1977 mødtes Rauschenberg, Cunningham og Cage igen som samarbejdspartnere for første gang i tretten år for at skabe Travelogue (1977), hvor Rauschenberg bidrog med kostume- og scenografi. Rauschenberg koreograferede ikke sine egne værker efter 1967, men han fortsatte med at samarbejde med andre koreografer, bl.a. Trisha Brown, i resten af sin kunstneriske karriere.

Kommissioner

Gennem hele sin karriere designede Rauschenberg adskillige plakater til støtte for de sager, der var vigtige for ham. Da han i 1965 af magasinet Life fik til opgave at visualisere et moderne Inferno, tøvede han ikke med at give udtryk for sin vrede over Vietnamkrigen og andre aktuelle samfundspolitiske spørgsmål, herunder racistisk vold, nynazisme, politiske mord og økologiske katastrofer.

I 1969 bestilte Metropolitan Museum of Art i New York City Rauschenberg til at skabe et værk til ære for museets 100-års jubilæum. Han erfarede, at museets oprindelige mål var beskrevet i et certifikat fra 1870 og skabte sit "Centennial Certificate" på baggrund af dette objekt med billeder af nogle af museets mest kendte værker og signaturer fra bestyrelsen på det tidspunkt. Der findes eksemplarer af Centennial Certificate på mange museer og i private samlinger.

Den 30. december 1979 trykte Miami Herald 650.000 eksemplarer af sit søndagsblad Tropic med en forside designet af Rauschenberg. I 1983 vandt han en Grammy Award for sit albumdesign til Talking Heads' album Speaking in Tongues. I 1986 blev Rauschenberg af BMW bedt om at male en BMW 635 CSi i fuld størrelse til den sjette udgave af det berømte BMW Art Car Project. Rauschenbergs bil var den første bil i projektet, der indeholdt reproduktioner af værker fra Metropolitan Museum of Art, New York, samt hans egne fotografier.

I 1998 bestilte Vatikanet et værk af Rauschenberg til ære for jubilæumsåret 2000, som skulle udstilles i Padre Pio Liturgisalen i San Giovanni Rotondo, Italien. Rauschenberg arbejdede med temaet den sidste dom og skabte The Happy Apocalypse (1999), en seks meter lang maquette. Den blev i sidste ende afvist af Vatikanet med den begrundelse, at Rauschenbergs afbildning af Gud som en parabolantenne var en uhensigtsmæssig teologisk reference.

Rauschenberg havde sin første soloudstilling i Betty Parsons Gallery i foråret 1951. I 1953, da han var i Italien, blev han bemærket af Irene Brin og Gaspero del Corso, og de arrangerede hans første europæiske udstilling i deres berømte galleri i Rom. I 1953 inviterede Eleanor Ward Rauschenberg til at deltage i en fælles udstilling med Cy Twombly på Stable Gallery. På sin anden soloudstilling i New York i Charles Egan Gallery i 1954 præsenterede Rauschenberg sine Red Paintings (1953-1953) og Combines (1954-1964). Leo Castelli arrangerede en soloudstilling af Rauschenbergs Combines i 1958. Det eneste salg var Castellis eget køb af Bed (1955), som nu er i samlingen på Museum of Modern Art i New York.

Rauschenbergs første retrospektive udstilling i sin karriere blev arrangeret af Jewish Museum i New York i 1963. I 1964 blev han en af de første amerikanske kunstnere, der vandt den internationale store maleripris på Venedig Biennalen (Mark Tobey og James Whistler havde tidligere vundet maleripriserne i henholdsvis 1895 og 1958). En retrospektiv udstilling midt i karrieren blev arrangeret af National Collection of Fine Arts (nu Smithsonian American Art Museum) i Washington, D.C., og den rejste rundt i USA mellem 1976 og 1978.

I 1990'erne blev der afholdt en retrospektiv udstilling på Solomon R. Guggenheim Museum i New York (1997), som rejste til museer i Houston, Köln og Bilbao i 1999. En udstilling af Combines blev præsenteret på Metropolitan Museum of Art, New York (rejste til Museum of Contemporary Art, Los Angeles, Centre Georges Pompidou, Paris, og Moderna Museet, Stockholm, indtil 2007). Rauschenbergs første posthume retrospektive udstilling blev vist på Tate Modern (udstillingen blev vist på Museum of Modern Art, New York, og San Francisco Museum of Modern Art frem til 2017).

Andre udstillinger omfatter: Robert Rauschenberg: Jammers, Gagosian Gallery, London (A Visual Lexicon, Leo Castelli Gallery (Rauschenberg i Kina, Ullens Center for Contemporary Art, Beijing (og Rauschenberg: The 1

Rauschenberg troede stærkt på kunstens magt som en katalysator for social forandring. Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI) startede i 1984 som et forsøg på at skabe international dialog og øge den kulturelle forståelse gennem kunstneriske udtryk. En ROCI-udstilling blev vist på National Gallery of Art, D.C., i 1991, som afslutning på en turné i ti lande: Mexico, Chile, Venezuela, Kina, Tibet, Japan, Cuba, U.S.S.S.R., Tyskland og Malaysia.

I 1970 oprettede Rauschenberg et program kaldet Change, Inc. med henblik på at uddele engangstilskud på op til 1.000 dollars til billedkunstnere på baggrund af økonomiske behov. I 1990 oprettede Rauschenberg Robert Rauschenberg Foundation (RRF) for at fremme bevidstheden om de sager, han gik op i, såsom fred i verden, miljø og humanitære spørgsmål. I 1986 modtog Rauschenberg Golden Plate Award fra American Academy of Achievement. Han blev tildelt den nationale kunstmedalje af præsident Bill Clinton i 1993. I 2000 blev Rauschenberg hædret med amfAR's Award of Excellence for Artistic Contributions to the Fight Against AIDS.

RRF ejer i dag mange værker af Rauschenberg fra alle perioder af hans karriere. I 2011 præsenterede fonden i samarbejde med Gagosian Gallery The Private Collection of Robert Rauschenberg med udvalgte værker fra Rauschenbergs personlige kunstsamling. Indtægterne fra udstillingen bidrog til at finansiere fondens filantropiske aktiviteter. I 2011 lancerede fonden også sit "Artist as Activist"-projekt og inviterede kunstneren Shepard Fairey til at fokusere på et emne efter eget valg. Det oplagede værk, som han lavede, blev solgt for at rejse midler til Coalition for the Homeless. RRF fortsætter med at støtte nye kunstnere og kunstorganisationer med legater og filantropiske samarbejder hvert år. RRF har flere residency-programmer, der finder sted på fondens hovedkvarter i New York og på den afdøde kunstners ejendom på Captiva Island i Florida.

I 2013 placerede Dale Eisinger fra Complex Open Score (1966) på syvendepladsen på sin liste over de største performancekunstværker gennem tiderne.

I 2010 blev Studio Painting (1960-61), en af Rauschenbergs Combines, der oprindeligt blev anslået til 6-9 millioner dollars, købt fra Michael Crichtons samling for 11 millioner dollars hos Christie's i New York. I 2019 solgte Christie's silketrykmaleriet Buffalo II (1964) for 88,8 millioner dollars, hvilket slog kunstnerens tidligere rekord.

Lobbyarbejde for kunstneres videresalgsafgifter

I begyndelsen af 1970'erne pressede Rauschenberg den amerikanske kongres til at vedtage et lovforslag, der skulle kompensere kunstnere, når deres værker blev videresolgt på det sekundære marked. Rauschenberg tog kampen op for kunstneres videresalgsrettigheder (droit de suite), efter at taxibaronen Robert Scull havde solgt en del af sin samling af abstrakt ekspressionistiske og popkunstværker for 2,2 millioner dollars. Scull havde oprindeligt købt Rauschenbergs malerier Thaw (ca. ti år senere solgte Scull værkerne for 85.000 og 90.000 dollars på en auktion i 1973 hos Sotheby Parke Bernet i New York.

Rauschenbergs lobbyarbejde blev belønnet i 1976, da Californiens guvernør Jerry Brown underskrev loven California Resale Royalty Act of 1976. Efter sejren i Californien fortsatte kunstneren med at arbejde for en landsdækkende lovgivning om videresalgsafgifter.

Kilder

1. Robert Rauschenberg
2. Robert Rauschenberg
3. ^ Marlena Donohue (November 28, 1997). "Rauschenberg's Signature on the Century". Christian Science Monitor. Archived from the original on July 7, 2006. Rauschenberg's mammoth career retrospective at the Solomon R. Guggenheim Museum (and other New York sites) from Sept. 19 to Jan. 7, 1998… along with longtime friends pre-Pop painter Jasper Johns and the late conceptual composer John Cage, Rauschenberg pretty much defined the technical and philosophic art landscape and its offshoots after Abstract Expressionism.
4. ^ "The Century's 25 Most Influential Artists". ARTnews. May 1999 – via askART.com. Born with the name Milton Rauschenberg in Port Arthur, Texas, Robert Rauschenberg became one of the major artists of his generation and is credited along with Jasper Johns of breaking the stronghold of Abstract Expressionism. Rauschenberg was known for assemblage, conceptualist methods, printmaking, and willingness to experiment with non-artistic materials—all innovations that anticipated later movements such as Pop Art, Conceptualism, and Minimalism.
5. Helmut Schneider: Zeichnungen von Robert Rauschenberg in Tübingen: Irgendwo zwischen Kunst und Leben. In: Die Zeit. 25. Mai 1979, ISSN 0044-2070 (zeit.de [abgerufen am 23. Februar 2020]).
6. First Time Painting wurde in den 60er Jahren von Karl Ströher erworben, kam dann 1981 mit dem von der Stadt Frankfurt für das Museum für Moderne Kunst erworbenen Konvolut der Ströher Sammlung als Leihgabe an das MMK und wurde von den Ströher Erben schließlich an die Sammlung Marx verkauft.
7. Peter Iden, Rolf Lauter: Bilder für Frankfurt. Bestandskatalog des Museums für Moderne Kunst. München 1985, S. 191f. ISBN 978-3-7913-0702-2
8. ^ Explore Modern Art | Multimedia | Interactive Features | Robert Rauschenberg's Erased de Kooning Drawing, su sfmoma.org, SFMOMA. URL consultato il 20 marzo 2011 (archiviato dall'url originale il 6 gennaio 2011).
9. Il changea de prénom une fois adulte.
10. Walter Hopps, Robert Rauschenberg: The Early 1950's, (ISBN 0-940619-07-5)
11. Stuart Preston, The New York Times, December 19, 1954.
12. http://www.queerculturalcenter.org/Pages/KatzPages/KatzLoversPt2.html
13. Les Abattoirs, « Daniel Cordier, une vie à travers l'art » (consulté le 27 mars 2020)