Resumé

Louise Joséphine Bourgeois (25. december 1911 - 31. maj 2010) var en fransk-amerikansk kunstner. Selv om hun er bedst kendt for sine store skulpturer og installationer, var Bourgeois også en produktiv maler og grafiker. Hun udforskede en række forskellige temaer i løbet af sin lange karriere, herunder hjemlighed og familien, seksualitet og kroppen samt døden og det ubevidste. Disse temaer er forbundet med begivenheder fra hendes barndom, som hun betragtede som en terapeutisk proces. Selv om Bourgeois udstillede sammen med de abstrakte ekspressionister, og hendes værker har meget til fælles med surrealismen og den feministiske kunst, var hun ikke formelt tilknyttet en bestemt kunstnerisk bevægelse.

Tidligt liv

Bourgeois blev født den 25. december 1911 i Paris, Frankrig. Hun var det mellemste barn af tre børn født af forældrene Joséphine Fauriaux og Louis Bourgeois. Hendes forældre ejede et galleri, der primært handlede med antikke gobeliner. Et par år efter hendes fødsel flyttede familien ud af Paris og oprettede et værksted for restaurering af gobeliner under deres lejlighed i Choisy-le-Roi, hvor Bourgeois udfyldte de mønstre, hvor de var blevet slidte. Den nederste del af gobelinerne var altid beskadiget, hvilket som regel skyldtes figurernes fødder og dyrenes poter.

I 1930 blev Bourgeois optaget på Sorbonne for at studere matematik og geometri, fag, som hun værdsatte for deres stabilitet, idet hun sagde: "Jeg fik ro i sindet, kun gennem studiet af regler, som ingen kunne ændre."

Hendes mor døde i 1932, mens Bourgeois studerede matematik. Hendes mors død inspirerede hende til at opgive matematikken og begynde at studere kunst. Hun fortsatte med at studere kunst ved at deltage i klasser, hvor der var brug for oversættere til engelsktalende studerende, især fordi oversættere ikke skulle betale undervisningsafgift. I en af disse klasser så Fernand Léger hendes arbejde og fortalte hende, at hun var billedhugger og ikke maler. Bourgeois tog et job som docent, hvor hun ledede rundvisninger på Musée du Louvre.

Bourgeois blev uddannet fra Sorbonne i 1935. Hun begyndte at studere kunst i Paris, først på École des Beaux-Arts og École du Louvre, og efter 1932 på de uafhængige akademier i Montparnasse og Montmartre, såsom Académie Colarossi, Académie Ranson, Académie Julian, Académie de la Grande Chaumière og hos André Lhote, Fernand Léger, Paul Colin og Cassandre. Bourgeois havde et ønske om at få førstehåndserfaring og besøgte ofte atelierer i Paris, hvor han lærte teknikker af kunstnerne og hjalp til med udstillinger.

I 1938 åbnede hun sit eget galleri i et lokale ved siden af sin fars tapetgalleri, hvor hun viste værker af kunstnere som Eugène Delacroix, Henri Matisse og Suzanne Valadon, og hvor hun mødte den amerikanske kunstprofessor Robert Goldwater som gæst og kunde. De blev gift og flyttede til USA (den ene blev adopteret. Ægteskabet varede indtil Goldwaters død i 1973.

Bourgeois bosatte sig i New York City med sin mand i 1938. Hun fortsatte sin uddannelse på Art Students League of New York, hvor hun studerede maleri under Vaclav Vytlacil og også lavede skulpturer og grafikker. "Det første maleri havde et gitter: gitteret er en meget fredfyldt ting, fordi intet kan gå galt ... alt er komplet. Der er ikke plads til bekymring ... alt har en plads, alt er velkommen."

Bourgeois indarbejdede disse selvbiografiske referencer i sin skulptur Quarantania I, som er udstillet i Cullen Sculpture Garden på Museum of Fine Arts i Houston.

Mellemste år

For Bourgeois repræsenterede de tidlige 1940'ere vanskelighederne ved overgangen til et nyt land og kampen for at komme ind i udstillingsverdenen i New York City. Hendes værker i denne periode var bygget af skrot og drivtømmer, som hun brugte til at udskære opretstående træskulpturer. Urenhederne i træet blev derefter camoufleret med maling, hvorefter søm blev brugt til at opfinde huller og ridser i forsøget på at skildre en følelse. Den sovende figur er et sådant eksempel, som viser en krigsfigur, der ikke er i stand til at se den virkelige verden i øjnene på grund af sin sårbarhed. Gennem hele sit liv blev Bourgeois' værker skabt på baggrund af genbesøg i sin egen urolige fortid, da hun fandt inspiration og midlertidig katarsis i sine barndomsår og det misbrug, hun blev udsat for fra sin far. Langsomt udviklede hun mere kunstnerisk selvtillid, selv om hendes mellemste år er mere uigennemsigtige, hvilket måske skyldes, at hun fik meget lidt opmærksomhed fra kunstverdenen på trods af sin første soloudstilling i 1945. I 1951 døde hendes far, og hun blev amerikansk statsborger.

I 1954 blev Bourgeois medlem af American Abstract Artists Group sammen med flere samtidige kunstnere, bl.a. Barnett Newman og Ad Reinhardt. På dette tidspunkt blev hun også venner med kunstnerne Willem de Kooning, Mark Rothko og Jackson Pollock. Som en del af American Abstract Artists Group gik Bourgeois fra træ og opretstående strukturer til marmor, gips og bronze, mens hun undersøgte emner som frygt, sårbarhed og tab af kontrol. Denne overgang var et vendepunkt. Hun omtalte sin kunst som en serie eller sekvens, der er tæt forbundet med dage og omstændigheder, og beskrev sit tidlige arbejde som frygten for at falde, som senere blev til kunsten at falde og den endelige udvikling som kunsten at hænge derinde. Hendes konflikter i det virkelige liv gav hende mulighed for at autentificere sine erfaringer og kampe gennem en unik kunstform. I 1958 flyttede Bourgeois og hendes mand ind i et rækkehus på West 20th Street i Chelsea på Manhattan, hvor hun boede og arbejdede resten af sit liv.

Selv om hun afviste, at hendes kunst var feministisk, var Bourgeois' emne det feminine. Værker som Femme Maison (1946-1947), Torso selvportræt (1963-1964) og Arch of Hysteria (1993) viser alle den feminine krop. I slutningen af 1960'erne blev hendes billedsprog mere eksplicit seksuelt, da hun udforskede forholdet mellem mænd og kvinder og de følelsesmæssige konsekvenser af sin urolige barndom. Seksuelt eksplicitte skulpturer som Janus Fleuri (1968) viser, at hun ikke var bange for at bruge den kvindelige form på nye måder. Hun udtalte: "Mit arbejde omhandler problemer, der ligger før kønnet," skrev hun. "Eksempelvis er jalousi hverken mandlig eller kvindelig." Med feminismens fremmarch fandt hendes arbejde et bredere publikum. På trods af denne påstand blev Femme Maison i 1976 vist på forsiden af Lucy Lippards bog From the Center: Feminist Essays on Women's Art og blev et ikon for den feministiske kunstbevægelse.

Senere i livet

I 1973 begyndte Bourgeois at undervise på Pratt Institute, Cooper Union, Brooklyn College og New York Studio School of Drawing, Painting and Sculpture. Fra 1974 til 1977 arbejdede Bourgeois på School of Visual Arts i New York, hvor hun underviste i grafik og skulptur. Hun underviste også i mange år i de offentlige skoler i Great Neck, Long Island.

I begyndelsen af 1970'erne afholdt Bourgeois sammenkomster kaldet "Sunday, bloody Sundays" i sit hjem i Chelsea. Disse saloner var fyldt med unge kunstnere og studerende, hvis værker blev kritiseret af Bourgeois. Bourgeois' skånselsløse kritik og hendes tørre humor førte til, at disse møder blev navngivet. Bourgeois inspirerede mange unge studerende til at lave kunst, der var feministisk i sin natur. Louises mangeårige ven og assistent, Jerry Gorovoy, har dog udtalt, at Louise betragtede sit eget arbejde som "præ-kønsligt".

Bourgeois sluttede sig til aktivister og blev medlem af Fight Censorship Group, et feministisk anti-censur-kollektiv, som blev grundlagt af kunstnerkollegaen Anita Steckel. I 1970'erne forsvarede gruppen brugen af seksuelle billeder i kunstværker. Steckel argumenterede: "Hvis den erigerede penis ikke er sund nok til at komme på museer, bør den heller ikke anses for sund nok til at komme på kvinder".

I 1978 fik Bourgeois af General Services Administration til opgave at skabe Facets of the Sun, hendes første offentlige skulptur. Værket blev installeret uden for en føderal bygning i Manchester, New Hampshire. Bourgeois fik sin første retrospektive udstilling i 1982 på Museum of Modern Art i New York City. Indtil da havde hun været en perifer figur i kunsten, hvis arbejde blev mere beundret end hyldet. I et interview med Artforum, der fandt sted samtidig med åbningen af hendes retrospektiv, afslørede hun, at billedsproget i hendes skulpturer var helt selvbiografisk. Hun delte med verden, at hun gennem sin kunst tvangsmæssigt gennemlevede det traume, hun oplevede, da hun som barn opdagede, at hendes engelske guvernante også var hendes fars elskerinde.

I 1989 lavede Bourgeois en tørnåle-ætsning, Mud Lane, af det hjem, hun havde i Stapleton, Staten Island, som hun behandlede som et skulpturelt miljø snarere end som et beboelsesrum.

Bourgeois havde endnu en retrospektiv udstilling i 1989 på Documenta 9 i Kassel, Tyskland. I 1993, da Royal Academy of Arts afholdt sin omfattende oversigt over amerikansk kunst i det 20. århundrede, fandt arrangørerne ikke Bourgeois' værk af væsentlig betydning til at indgå i oversigten. Denne oversigt blev imidlertid kritiseret for mange udeladelser, og en kritiker skrev, at "hele dele af den bedste amerikanske kunst er blevet udraderet" og påpegede, at meget få kvinder var medtaget. I 2000 blev hendes værker udvalgt til at blive vist ved åbningen af Tate Modern i London. I 2001 udstillede hun på Eremitagemuseet.

I 2010, det sidste år af sit liv, brugte Bourgeois sin kunst til at tale for ligestilling for lesbiske, bøsser, biseksuelle og transseksuelle (LGBT). Hun skabte værket I Do, der forestiller to blomster, der vokser ud af én stilk, til fordel for den almennyttige organisation Freedom to Marry. Bourgeois har sagt: "Alle bør have ret til at gifte sig. At forpligte sig til at elske nogen for evigt er en smuk ting." Bourgeois har en fortid som aktivist for LGBT-ligestilling, idet han i 1993 skabte kunstværker for aids-aktivistorganisationen ACT UP.

Død

Bourgeois døde af hjertesvigt den 31. maj 2010 på Beth Israel Medical Center på Manhattan. Wendy Williams, der er direktør for Louise Bourgeois Studio, meddelte hendes død. Hun var fortsat med at skabe kunstværker indtil sin død, og hendes sidste værker blev færdiggjort ugen før.

New York Times skrev, at hendes værker "deler en række gentagne temaer, der er centreret om den menneskelige krop og dens behov for pleje og beskyttelse i en skræmmende verden".

Hendes mand, Robert Goldwater, døde i 1973. Hun efterlod sig to sønner, Alain Bourgeois og Jean-Louis Bourgeois. Hendes første søn, Michel, døde i 1990.

Femme Maison

Femme Maison (1946-47) er en serie malerier, hvor Bourgeois udforsker forholdet mellem en kvinde og hjemmet. I værkerne er kvindernes hoveder blevet erstattet af huse, hvilket isolerer deres kroppe fra omverdenen og holder deres sind indendørs. Dette tema går hånd i hånd med den moderne kunsts dehumanisering.

Faderens ødelæggelse

Destruction of the Father (1974) er en biografisk og psykologisk undersøgelse af faderens og hans afkoms magtdominans. Værket er en installation i kødfarvede farver i et blødt og livmoderlignende rum. Destruction of the Father, der er lavet af gips, latex, træ, stof og rødt lys, var det første værk, hvor hun brugte bløde materialer i stor skala. Når man træder ind i installationen, står man som beskuer i efterdønningerne af en forbrydelse. I en stiliseret spisestue (med den dobbelte virkning af et soveværelse) har de abstrakte blob-lignende børn af en overmodig far gjort oprør, myrdet og spist ham.

... fortæller det fangne publikum, hvor fantastisk han er, alle de vidunderlige ting han har gjort, alle de onde mennesker han har nedgjort i dag. Men det fortsætter dag efter dag. Der er tragedie i luften. En gang for ofte har han sagt sin del. Han er uudholdeligt dominerende, selv om han sandsynligvis ikke selv er klar over det. Der vokser en slags vrede, og en dag besluttede min bror og jeg: "Tiden er inde! Vi greb ham, lagde ham på bordet og dissekerede ham med vores knive. Vi skilte ham fra hinanden og parterede ham, vi skar hans penis af. Og han blev til mad. Vi spiste ham op ... han blev likvideret på samme måde, som han likviderede børnene.

Exorcisme i kunsten

I 1982 udstillede Museum of Modern Art i New York City den ukendte kunstner Louise Bourgeois' værker. Hun var 70 år gammel og var en kunstner med blandede medier, der arbejdede på papir og med metal, marmor og knogler fra dyreskeletter. Familietraumer i barndommen "fremkaldte en eksorcisme i kunsten", og hun forsøgte desperat at rense sin uro ud gennem sit arbejde. Hun følte, at hun kunne komme i kontakt med spørgsmål om kvindelig identitet, kroppen og den splittede familie, længe før kunstverdenen og samfundet betragtede dem som emner, der kunne udtrykkes i kunsten. Dette var Bourgeous' måde at finde sit centrum på og stabilisere sin følelsesmæssige uro. New York Times sagde dengang, at "hendes værk er ladet med ømhed og vold, accept og trods, ambivalens og overbevisning".

Celler

Da Bourgeois var i 80'erne, producerede hun to serier af lukkede installationer, som hun kaldte Cells. Mange af dem er små indhegninger, hvor beskueren opfordres til at kigge indad på arrangementer af symbolske genstande; andre er små rum, som beskueren inviteres til at træde ind i. I celleværkerne bruger Bourgeois tidligere skulpturelle former, fundne genstande samt personlige genstande, som har en stærk personlig følelsesmæssig ladning for kunstneren.

Cellerne omslutter psykologiske og intellektuelle tilstande, primært følelser af frygt og smerte. Bourgeois udtalte, at cellerne repræsenterer "forskellige typer smerte; fysisk, følelsesmæssig og psykologisk, mental og intellektuel ... Hver celle omhandler en frygt. Frygt er smerte ... Hver celle omhandler voyeurens nydelse, spændingen ved at se og blive set på".

Maman

I slutningen af 1990'erne begyndte Bourgeois at bruge edderkoppen som et centralt billede i sin kunst. Maman, der er mere end ni meter høj, er en skulptur af stål og marmor, som der efterfølgende blev støbt seks bronzestøbninger af. Den optrådte første gang som en del af Bourgeois' bestilling af The Unilever Series til Tate Moderns Turbine Hall i 2000, og for nylig blev skulpturen installeret i Qatar National Convention Centre i Doha, Qatar. Hendes største edderkoppeskulptur med titlen Maman er over 9,1 m høj og er blevet opstillet mange steder i verden. Det er den største edderkoppeskulptur, som Bourgeois nogensinde har lavet. Maman hentyder desuden til moderens styrke med metaforer om at spinde, væve, pleje og beskyttelse. Det fremherskende edderkoppemotiv i hendes værker har givet hende kælenavnet Spiderwoman.

Spider er en ode til min mor. Hun var min bedste veninde. Ligesom en edderkop var min mor en væver. Min familie beskæftigede sig med restaurering af gobeliner, og min mor var ansvarlig for værkstedet. Ligesom edderkopper var min mor meget klog. Edderkopper er venlige tilstedeværelser, der spiser myg. Vi ved, at myggene spreder sygdomme og derfor er uønskede. Så edderkopper er hjælpsomme og beskyttende, ligesom min mor.

Fragile huse

Bourgeois's Maisons fragiles

Trykkeri

Bourgeois' grafik blomstrede i de tidlige og sene faser af hendes karriere: i 1930'erne og 1940'erne, da hun først kom til New York fra Paris, og igen fra 1980'erne, da hendes arbejde begyndte at blive bredt anerkendt. Tidligt lavede hun tryk hjemme på en lille presse eller på det berømte værksted Atelier 17. Denne periode blev efterfulgt af en lang pause, da Bourgeois vendte sin opmærksomhed fuldt ud mod skulpturen. Først da hun var i halvfjerdserne begyndte hun at lave grafik igen, først tilskyndet af forlag, der udgav tryksager. Hun opstillede sin gamle presse og tilføjede en anden, samtidig med at hun arbejdede tæt sammen med trykkere, der kom til hendes hus for at samarbejde. Herefter fulgte en meget aktiv fase af grafikken, der varede indtil kunstnerens død. I løbet af sit liv skabte Bourgeois ca. 1.500 trykte kompositioner.

I 1990 besluttede Bourgeois at donere hele sit arkiv af trykte værker til The Museum of Modern Art. I 2013 lancerede museet online-kataloget "Louise Bourgeois: The Complete Prints & Books". Webstedet fokuserer på kunstnerens kreative proces og placerer Bourgeois' tryk og illustrerede bøger i sammenhæng med hendes samlede produktion ved at inkludere relaterede værker i andre medier, der omhandler de samme temaer og billeder.

Temaer

Et af temaerne i Bourgeois' værker er barndomstraumer og skjulte følelser. Efter at Louises mor var blevet syg af influenza, begyndte Louises far at have affærer med andre kvinder, især med Sadie, Louises engelsklærerinde. Han tog elskerinder med hjem og var utro foran hele sin familie. Louise var meget opmærksom og klar over situationen. Dette var begyndelsen til kunstnerens engagement i dobbeltmoral i forbindelse med køn og seksualitet, som kom til udtryk i mange af hendes værker. Hun husker, at hendes far gentagne gange sagde "jeg elsker dig" til hendes mor på trods af utroskab. "Han var ulven, og hun var den rationelle hare, der tilgav og accepterede ham, som han var." Hendes værk Cell: You Better Grow Up fra 1993, der er en del af hendes Cell-serie, taler direkte til Louises barndomstraumer og den usikkerhed, der omgav hende. Give or Take fra 2002 er defineret af skjulte følelser og repræsenterer det intense dilemma, som mennesker står over for i løbet af deres liv, når de forsøger at finde en balance mellem at give og tage. Dette dilemma er ikke kun repræsenteret af skulpturens form, men også af det tunge materiale, som værket er lavet af.

Moderskabet er et andet tilbagevendende tema i Bourgeois' værker. Det var hendes mor, der opmuntrede Bourgeois til at tegne, og som inddrog hende i tapetserervirksomheden. Bourgeois anså sin mor for at være intellektuel og metodisk, og det gennemgående motiv af edderkoppen i hendes værker repræsenterer ofte hendes mor. Forestillingen om en edderkop, der spinder og væver sit net, er en direkte henvisning til hendes forældres tapetforretning og kan også ses som en metafor for hendes mor, der reparerer ting.

Bourgeois har udforsket begrebet kvindelighed ved at udfordre de patriarkalske normer og lave kunstværker om moderskab snarere end at vise kvinder som muser eller idealer. Hun er blevet beskrevet som "den feministiske kunsts modvillige helt". Louise Bourgeois havde en feministisk tilgang til sit værk, der lignede kunstnerkolleger som Agnes Martin og Eva Hesse, og som var mindre drevet af det politiske, men snarere lavede værker, der trak på deres erfaringer med køn og seksualitet, og som på en naturlig måde beskæftigede sig med kvindespørgsmål.

Arkitektur og hukommelse er vigtige elementer i Bourgeois' arbejde. Bourgeois' værker har en meget organisk, biologisk og reproduktiv fornemmelse; de henleder opmærksomheden på selve værket. Louise beskriver arkitektur som et visuelt udtryk for hukommelse, eller hukommelse som en form for arkitektur. Den erindring, som indgår i mange af hendes værker, er en opfundet erindring - om hendes fars død eller eksorcisme. Den opdigtede erindring er vævet sammen med hendes virkelige erindringer, herunder at hun boede over for et slagteri og hendes fars affære. For Louise repræsenterede hendes far skade og krig, forøgelse af sig selv og nedvurdering af andre og vigtigst af alt en mand, der repræsenterede forræderi. Hendes værk Cell (Three White Marble Spheres) fra 1993 taler om frygt og fangenskab. Spejlene indeni viser en ændret og forvrænget virkelighed.

Seksualitet er utvivlsomt et af de vigtigste temaer i Louise Bourgeois' værker. Forbindelsen mellem seksualitet og skrøbelighed eller usikkerhed er også stærk. Det er blevet hævdet, at dette skyldes hendes barndomserindringer og hendes fars affærer. I Spiral Woman fra 1952 kombineres Louises fokus på kvindelig seksualitet og tortur med hinanden. De bøjede ben- og armmuskler antyder, at Spiralkvinden stadig er ovenpå, selv om hun bliver kvalt og hængt. I In and Out fra 1995 bruges kolde metalmaterialer til at forbinde seksualitet med vrede og måske endda fangenskab.

Spiralen i hendes værker viser den farlige søgen efter usikker ligevægt, uheldsfri permanent forandring, forvirring, svimmelhed, hvirvelvind. Der ligger det på samme tid positive og negative, både fremtid og fortid, opbrud og tilbagevenden, håb og forfængelighed, plan og erindring.

Louise Bourgeois' værk er drevet af bekendelser, selvportrætter, erindringer og fantasier fra et rastløst væsen, der gennem sin skulptur søger en fred og en orden, som hun manglede i hele sin barndom.

Samarbejde

Dette samarbejde fandt sted over en periode på to år med den britiske kunstner Tracey Emin. Værket blev udstillet i London måneder efter Bourgeois' død i 2010. Motivet består af billeder af mænd og kvinder. Selv om de virker seksuelle, viser det en lille kvindelig figur, der hylder en gigantisk mandlig figur, som en gud. Louise Bourgeois lavede akvarellerne, og Tracey Emin lavede tegningen ovenpå. Det tog Emin to år at beslutte, hvordan hun skulle finde ud af, hvad hun ville bidrage med i samarbejdet. Da hun vidste, hvad hun skulle gøre, blev hun færdig med alle tegningerne på en dag, og hun mener, at hver eneste af dem fungerede perfekt. I Lost You handler om at miste børn, om at miste livet. Bourgeois måtte begrave sin søn som forælder. For hende handler svigt ikke kun om at miste sin mor, men også sin søn. På trods af aldersforskellen mellem de to kunstnere og forskellene i deres arbejde fungerede samarbejdet blidt og let.

Bibliografi

Blandt de vigtigste af hendes værker kan nævnes følgende.

I løbet af sin karriere kendte Bourgeois mange af sine vigtigste samlere, såsom Ginny Williams, Agnes Gund, Ydessa Hendeles og Ursula Hauser. Andre private samlinger med bemærkelsesværdige Bourgeois-værker omfatter Goetz-samlingen i München.

Bourgeois begyndte at arbejde med galleristen Paule Anglim i San Francisco i 1987, Karsten Greve i Paris i 1990 og Hauser & Wirth i 1997. Hauser & Wirth har været det vigtigste galleri for hendes ejendom. Andre, såsom Kukje Gallery i Seoul og Xavier Hufkens i Bruxelles, fortsætter med at handle med hendes værker.

I 2011 blev et af Bourgeois' værker med titlen Spider solgt for 10,7 millioner dollars, hvilket var en ny rekordpris for kunstneren på en auktion og den højeste pris, der blev betalt for et værk af en kvinde på det tidspunkt. I slutningen af 2015 blev værket solgt på en anden Christie's-auktion for 28,2 millioner dollars.

Louise Bourgeois i The Museum of Fine Arts, Houston: https:

Kilder

1. Louise Bourgeois
2. Louise Bourgeois
3. ^ Christiane., Weidemann (2008). 50 women artists you should know. Larass, Petra., Klier, Melanie, 1970–. Munich: Prestel. ISBN 978-3-7913-3956-6. OCLC 195744889.
4. Elle a acquis la nationalité américaine en 1955[3]
5. The truth is that Freud did nothing for artists, or for the artist’s problem, the artist’s torment – to be an artist involves some suffering. That’s why artists repeat themselves – because they have no access to a cure
6. https://www.findagrave.com/cgi-bin/fg.cgi?page=gr&GRid=53102684
7. «Louise Bourgeois, 1911-2010». theartnewspaper. 4 de junio de 2010. Archivado desde el original el 14 de julio de 2014. Consultado el 8 de julio de 2014.
8. Louise Bourgeois – Video bei Youtube (französisch)
9. Andrea Schweers: Louise Bourgeois. In: FemBio – Frauen Biografieforschung. Abgerufen am 18. Juni 2018.
10. Rachel Cooke: She'll put a spell on you. In: The Guardian. 14. Oktober 2007. (englisch)