Sammanfattning

John Martin Feeney (1 februari 1894 - 31 augusti 1973), känd som John Ford, var en amerikansk filmregissör och marinofficer. Han betraktas allmänt som en av de viktigaste och mest inflytelserika filmskaparna i sin generation. Ford använde sig ofta av inspelning på plats och vida tagningar, där hans karaktärer var inramade mot en vidsträckt, hård och skrovlig naturterräng.

Han fick sex Oscar, varav fyra för bästa regissör för The Informer (1935), The Grapes of Wrath (1940), How Green Was My Valley (1941) och The Quiet Man (1952). Han är känd för västernfilmer som Stagecoach (1939), My Darling Clementine (1946), Rio Grande (1950), The Searchers (1956) och The Man Who Shot Liberty Valance (1962).

Under sin mer än 50-åriga karriär regisserade Ford mer än 140 filmer (även om de flesta av hans stumfilmer nu är försvunna). Fords arbete var mycket uppskattat av sina kollegor, och Akira Kurosawa, Orson Welles och Ingmar Bergman utnämnde honom till en av de största regissörerna genom tiderna.

Ford föddes som John Martin "Jack" Feeney (även om han senare ofta angav sina förnamn som Seán Aloysius, ibland med efternamnet O'Feeny eller Ó Fearna; en irländsk motsvarighet till Feeney) i Cape Elizabeth, Maine, som son till John Augustine Feeney och Barbara "Abbey" Curran, den 1 februari 1894 (även om han ibland sa 1895 och det datumet felaktigt finns inskrivet på hans gravsten). Hans far, John Augustine, föddes i Spiddal, Barbara Curran föddes på Aranöarna, i staden Kilronan på ön Inishmore (Inis Mór). John A. Feeneys mormor, Barbara Morris, sades tillhöra en fattig gren av en familj av irländsk adel, Morrises of Spiddal (som för närvarande leds av Lord Killanin).

John Augustine och Barbara Curran anlände till Boston respektive Portland i maj och juni 1872. De lämnade in en ansökan om att gifta sig den 31 juli 1875 och blev amerikanska medborgare fem år senare, den 11 september 1880. Familjen John Augustine Feeney bodde på Sheridan Street, i det irländska området Munjoy Hill i Portland, Maine, och hans far hade en mängd olika småjobb för att försörja familjen - jordbruk, fiske, arbetare för gasbolaget, salongsinnehavare och rådman. John och Barbara fick elva barn: Mamie (Bridget, 1883-1884), Barbara, född och död 1888, Edward, född 1889, Josephine, född 1891, Hannah (och Daniel, född och död 1896 (eller 1898).

Feeney gick på Portland High School i Portland, Maine, där han spelade som fullback och defensive tackle. Han fick smeknamnet "Bull" på grund av, sägs det, det sätt på vilket han sänkte sin hjälm och gick till attack mot linjen. En pub i Portland heter Bull Feeney's till hans ära. Han flyttade senare till Kalifornien och började 1914 arbeta med filmproduktion samt skådespeleri för sin äldre bror Francis och antog "Jack Ford" som yrkesnamn. Förutom krediterade roller uppträdde han okrediterat som en klanmedlem i D. W. Griffiths film The Birth of a Nation från 1915.

Han gifte sig med Mary McBride Smith den 3 juli 1920 och fick två barn. Hans dotter Barbara var gift med sångaren och skådespelaren Ken Curtis från 1952 till 1964. Äktenskapet mellan Ford och Smith varade livet ut trots olika problem, varav ett var att Ford var katolik medan hon var en icke-katolsk frånskild kvinna. Vilka svårigheter som orsakades av detta är oklart eftersom nivån på Fords engagemang i den katolska tron är omtvistad. En annan belastning var Fords många utomäktenskapliga förhållanden.

Ford började sin filmkarriär efter att ha flyttat till Kalifornien i juli 1914. Han följde i fotspåren av sin tolv år äldre och mångkunniga storebror Francis Ford, som hade lämnat hemmet flera år tidigare och arbetat i vaudeville innan han blev filmskådespelare. Francis spelade i hundratals stumfilmer för filmskapare som Thomas Edison, Georges Méliès och Thomas Ince och blev så småningom en framstående Hollywoodskådespelare, manusförfattare och regissör med ett eget produktionsbolag (101 Bison) på Universal.

Ford började arbeta i sin brors filmer som assistent, hantverkare, stuntman och tillfällig skådespelare, ofta som dubbelgångare för sin bror, som han liknade mycket. Francis gav sin yngre bror sin första skådespelarroll i The Mysterious Rose (november 1914). Trots ett ofta kämpigt förhållande hade Jack inom tre år avancerat till att bli Francis chefsassistent och arbetade ofta som hans kameraman. När Jack Ford fick sitt första genombrott som regissör hade Francis profil sjunkit och han slutade snart därefter att arbeta som regissör.

Ett anmärkningsvärt drag i Fords filmer är att han använde sig av ett "stock company" av skådespelare, i mycket högre grad än många regissörer. Många kända stjärnor medverkade i minst två eller flera Ford-filmer, däribland Harry Carey Sr. (stjärnan i 25 av Fords stumfilmer), Will Rogers, John Wayne, Henry Fonda, Maureen O'Hara, James Stewart, Woody Strode, Richard Widmark, Victor McLaglen, Vera Miles och Jeffrey Hunter. Många av hans birollsskådespelare medverkade i flera Ford-filmer, ofta under flera decennier, däribland Ben Johnson, Chill Wills, Andy Devine, Ward Bond, Grant Withers, Mae Marsh, Anna Lee, Harry Carey Jr, Ken Curtis, Frank Baker, Dolores del Río, Pedro Armendáriz, Hank Worden, John Qualen, Barry Fitzgerald, Arthur Shields, John Carradine, O. Z. Whitehead och Carleton Young. Kärnmedlemmarna i denna utvidgade "trupp", däribland Ward Bond, John Carradine, Harry Carey Jr, Mae Marsh, Frank Baker och Ben Johnson, var informellt kända som John Ford Stock Company.

På samma sätt hade Ford långa arbetsrelationer med sitt produktionsteam, och många av hans medarbetare arbetade med honom i flera decennier. Han gjorde många filmer med samma viktiga medarbetare, däribland producenten och affärspartnern Merian C. Cooper, manusförfattarna Nunnally Johnson, Dudley Nichols och Frank S. Nugent, samt filmfotograferna Ben F. Reynolds, John W. Brown och George Schneiderman (som tillsammans filmade de flesta av Fords stumfilmer), Joseph H. August, Gregg Toland, Winton Hoch, Charles Lawton Jr., Bert Glennon, Archie Stout och William H. Clothier. De flesta av Fords efterkrigsfilmer redigerades av Jack Murray fram till dennes död 1961. Otho Lovering, som först hade arbetat med Ford på Stagecoach (1939), blev Fords huvudredaktör efter Murrays död.

Den tysta eran

Under sitt första decennium som regissör arbetade Ford med dussintals filmer (inklusive många westernfilmer), men endast tio av de mer än sextio stumfilmer han gjorde mellan 1917 och 1928 finns fortfarande kvar i sin helhet. Kopior av flera av Fords stumfilmer som man tidigare trodde var försvunna har dock återupptäckts i utländska filmarkiv under de senaste åren. 2009 återupptäcktes en samling av 75 stumfilmer från Hollywood i New Zealand Film Archive, bland dem fanns den enda bevarade kopian av Fords stumfilmskomedi Upstream från 1927. Filmen restaurerades i Nya Zeeland av Academy of Motion Picture Arts & Sciences innan den återvände till USA, där den fick en "repremiär" på Samuel Goldwyn Theater i Beverly Hills den 31 augusti 2010, med en nybeställd filmmusik av Michael Mortilla.

Under hela sin karriär var Ford en av de flitigaste regissörerna i Hollywood, men han var utomordentligt produktiv under sina första år som regissör - han gjorde tio filmer 1917, åtta 1918 och femton 1919 - och han regisserade sammanlagt 62 kort- och långfilmer mellan 1917 och 1928, även om han inte fick någon filmkredit i de flesta av sina tidigaste filmer.

Det råder viss osäkerhet om vem som var Fords första film som regissör - filmskribenten Ephraim Katz noterar att Ford kan ha regisserat den fyrdelade filmen Lucille the Waitress redan 1914 - men de flesta källor anger att hans regidebut var den stumma tvåfilmaren The Tornado, som släpptes i mars 1917. Enligt Fords egen berättelse fick han jobbet av Universalchefen Carl Laemmle som ska ha sagt: "Ge Jack Ford jobbet - han skriker bra". The Tornado följdes snabbt av en rad två- och tre-reeler "quickies" - The Trail of Hate, The Scrapper, The Soul Herder och Cheyenne's Pal - som gjordes inom loppet av några månader och som vanligtvis spelades in på bara två eller tre dagar. The Soul Herder är också anmärkningsvärd som början på Fords fyraåriga och 25-filiga samarbete med den erfarne författaren och skådespelaren Harry Carey, som (tillsammans med Fords bror Francis) tidigt hade ett starkt inflytande på den unge regissören och som var en av de viktigaste influenserna på den rollfigur som Fords skyddsling John Wayne fick. Careys son Harry "Dobe" Carey Jr, som också blev skådespelare, var en av Fords närmaste vänner under senare år och medverkade i många av hans mest berömda westerns.

Fords första långfilmsproduktion var Straight Shooting (augusti 1917), som också är hans tidigaste fullständiga film som regissör och en av endast två filmer som finns kvar från hans tjugofem filmer tillsammans med Harry Carey. När de gjorde filmen ignorerade Ford och Carey studioordernas order och lämnade in fem rullar i stället för två, och det var bara tack vare Carl Laemmles ingripande som filmen undgick att klippas bort vid sin första premiär, även om den senare klipptes ner till två rullar vid återutgivningen i slutet av 1920-talet. Fords sista film från 1917, Bucking Broadway, ansågs länge vara försvunnen, men 2002 upptäcktes den enda kända överlevande kopian i det franska nationella centret för kinematografi, och den har sedan dess restaurerats och digitaliserats.

Ford regisserade cirka 36 filmer under tre år för Universal innan han 1920 flyttade till William Fox-studion, där hans första film var Just Pals (1920). Hans film Cameo Kirby från 1923, med filmidolen John Gilbert i huvudrollen - en annan av de få överlevande stumfilmerna från Ford - var hans första regissörskredit under namnet "John Ford", snarare än "Jack Ford", som han tidigare hade varit krediterad.

Fords första stora framgång som regissör var det historiska dramat Järnhästen (1924), en episk skildring av byggandet av den första transkontinentala järnvägen. Det var en stor, lång och svår produktion som filmades på plats i Sierra Nevada. Logistiken var enorm - två hela städer byggdes upp, det fanns 5 000 statister, 100 kockar, 2 000 järnvägsarbetare, ett kavalleriregemente, 800 indianer, 1 300 bisonhundar, 2 000 hästar, 10 000 nötkreatur och 50 000 ägodelar, inklusive den ursprungliga diligensen som användes av Horace Greeley, Wild Bill Hickoks derringerpistol och repliker av loken "Jupiter" och "119" som möttes vid Promontory Summit när de två ändarna av linjen förenades den 10 maj 1869.

Fords bror Eddie ingick i besättningen och de bråkade ständigt; vid ett tillfälle ska Eddie enligt uppgift ha "gett sig på gubben med ett hackspettskaft". Det fanns bara en kort synopsis skriven när inspelningen började och Ford skrev och spelade in filmen dag för dag. Produktionen blev försenad på grund av det ständigt dåliga vädret och den intensiva kylan, och cheferna på Fox krävde upprepade gånger resultat, men Ford rev antingen sönder telegrammen eller höll upp dem och lät stuntskytten Edward "Pardner" Jones skjuta hål genom avsändarens namn. Trots trycket att stoppa produktionen stödde studiobossen William Fox till slut Ford och lät honom slutföra filmen. Hans satsning lönade sig rejält - The Iron Horse blev en av de mest inkomstbringande filmerna under decenniet, med över 2 miljoner US-dollar världen över, jämfört med en budget på 280 000 dollar.

Ford gjorde ett brett utbud av filmer under denna period och han blev välkänd för sina västernfilmer, men genren förlorade snabbt sin attraktionskraft för de stora studiorna i slutet av 1920-talet. Fords sista stumfilmwestern var 3 Bad Men (1926), som utspelade sig under Dakotas landrushen och som spelades in i Jackson Hole, Wyoming och i Mojaveöknen. Det skulle dröja tretton år innan han gjorde sin nästa western, Stagecoach, 1939.

Under 1920-talet var Ford också ordförande för Motion Picture Directors Association, en föregångare till dagens Directors Guild of America.

Talkies: 1928-1939

Ford var en av pionjärerna inom ljudfilmer; han spelade in Fox första sång som sjöngs på filmduken för sin film Mother Machree (denna film är också känd som den första Ford-filmen där den unge John Wayne medverkade (som okrediterad statist) och han dök upp som statist i flera av Fords filmer under de följande två åren. Hangman's House (1928) är dessutom anmärkningsvärd eftersom den innehåller John Waynes första bekräftade framträdande på filmduken i en Ford-film, då han spelar en upphetsad åskådare under hästkapplöpningssekvensen.

Precis innan studion övergick till talfilm gav Fox ett kontrakt till den tyske regissören F.W. Murnau och hans film Sunrise: A Song of Two Humans (1927), som fortfarande är mycket uppskattad av kritikerna, hade en stark effekt på Ford. Murnaus inflytande kan ses i många av Fords filmer från slutet av 1920-talet och början av 1930-talet - Four Sons (1928), spelades in i några av de överdådiga kulisser som fanns kvar från Murnaus produktion.

I november samma år regisserade Ford Fox' första dramatiska featurette med enbart talande film, Napoleon's Barber (1928), en 3-reeler som nu anses vara en förlorad film. Napoleon's Barber följdes av hans två sista stumfilmer Riley the Cop (som båda släpptes med synkroniserad musik och ljudeffekter, den sistnämnda är numera försvunnen (även om Tag Gallaghers bok uppger att den enda överlevande kopian av Strong Boy, en 35 mm nitratkopia, ryktades finnas i en privat samling i Australien). The Black Watch (1929), ett äventyr från kolonialarmén som utspelar sig i Khyberpasset med Victor McLaglen och Myrna Loy i huvudrollerna, är Fords första helt talande film. 1954 gjordes en ny film av Henry King som King of the Khyber Rifles.

Fords produktion var ganska konstant från 1928 till början av andra världskriget; han gjorde fem filmer 1928 och sedan antingen två eller tre filmer varje år från 1929 till och med 1942. Tre filmer släpptes 1929 - Strong Boy, The Black Watch och Salute. Hans tre filmer 1930 var Män utan kvinnor, Born Reckless och Up the River, som är anmärkningsvärd som debutfilm för både Spencer Tracy och Humphrey Bogart, som båda kontrakterades av Fox på Fords rekommendation (den sistnämnda, anpassad efter Sinclair Lewis roman och med Ronald Colman och Helen Hayes i huvudrollerna, innebar Fords första Oscars erkännande, med fem nomineringar, inklusive bästa film.

Fords legendariska effektivitet och hans förmåga att skapa filmer som kombinerar konstfullhet med stark kommersiell attraktionskraft gav honom allt större berömmelse. År 1940 var han erkänd som en av världens främsta filmregissörer. Hans växande prestige återspeglades i hans lön - 1920, när han flyttade till Fox, fick han 300-600 dollar i veckan. När hans karriär tog fart i mitten av tjugotalet ökade hans årsinkomst avsevärt. Han tjänade nästan 134 000 dollar 1929 och tjänade över 100 000 dollar per år varje år mellan 1934 och 1941. 1938 tjänade han svindlande 220 068 dollar - mer än dubbelt så mycket som den amerikanska presidentens lön vid den tiden (även om detta fortfarande var mindre än hälften av inkomsten för Carole Lombard, Hollywoods bäst betalda stjärna på 1930-talet, som vid den tiden tjänade omkring 500 000 dollar per år).

Eftersom filmproduktionen påverkades av depressionen gjorde Ford två filmer vardera 1932 och 1933 - Air Mail (för Universal) med en ung Ralph Bellamy och Flesh (för MGM) med Wallace Beery. År 1933 återvände han till Fox för Pilgrimage och Doctor Bull, den första av hans tre filmer med Will Rogers.

Första världskrigets ökendrama The Lost Patrol (1934), baserat på Philip MacDonalds bok Patrol, var en överlägsen nyinspelning av stumfilmen Lost Patrol från 1929. Victor McLaglen spelade Sergeanten - rollen spelades av hans bror Cyril McLaglen i den tidigare versionen - tillsammans med Boris Karloff, Wallace Ford, Alan Hale och Reginald Denny (som senare grundade ett företag som tillverkade radiostyrda målflygplan under andra världskriget). Det var en av Fords första stora succéer i ljudåldern - den rankades av både National Board of Review och New York Times som en av de tio bästa filmerna det året och fick en Oscarsnominering för sin medryckande Max Steiner-musik. Den följdes senare samma år av The World Moves On med Madeleine Carroll och Franchot Tone och den mycket framgångsrika Judge Priest, hans andra film med Will Rogers, som blev en av årets mest inkomstbringande filmer.

Fords första film 1935 (gjord för Columbia) var komedin The Whole Town's Talking med Edward G. Robinson och Jean Arthur, som släpptes i Storbritannien som Passport to Fame, och den fick beröm av kritikerna. Steamboat Round The Bend var hans tredje och sista film med Will Rogers; det är troligt att de skulle ha fortsatt att arbeta tillsammans, men deras samarbete avbröts av Rogers för tidiga död i en flygkrasch i maj 1935, vilket förödde Ford.

Ford bekräftade sin position i toppskiktet av amerikanska regissörer med Murnau-influerade dramat The Informer (1935) med Victor McLaglen i huvudrollen. Filmen fick mycket beröm av kritikerna, nominerades för bästa film, gav Ford sin första Oscar för bästa regissör och hyllades på den tiden som en av de bästa filmerna som någonsin gjorts, även om dess rykte har minskat avsevärt jämfört med andra kandidater som Citizen Kane eller Fords egen senare The Searchers (1956).

Den politiskt laddade filmen The Prisoner of Shark Island (1936) - som innebar att den långvariga "Stock Company"-spelaren John Carradine debuterade hos Ford - utforskade den föga kända historien om Samuel Mudd, en läkare som blev indragen i konspirationen kring mordet på Abraham Lincoln och sattes i ett fängelse till havs för att ha behandlat den skadade John Wilkes Booth. Andra filmer från den här perioden är bland annat söderhavsmelodin The Hurricane (1937) och den lättsamma Shirley Temple-filmen Wee Willie Winkie (1937), som båda hade en amerikansk bruttointäkt på mer än 1 miljon dollar första året i USA. Under inspelningen av Wee Willie Winkie lät Ford bygga upp omfattande kulisser på Iverson Movie Ranch i Chatsworth, Kalifornien, en ranch med många inspelningar som mest förknippas med serier och B-västernfilmer, som tillsammans med Monument Valley skulle bli en av regissörens föredragna inspelningsplatser och en plats som Ford skulle återvända till under de kommande åren för Stagecoach och Vredens vindruvor.

I den längre reviderade versionen av Directed by John Ford som visades på Turner Classic Movies i november 2006 medverkar regissörerna Steven Spielberg, Clint Eastwood och Martin Scorsese, som menar att den rad klassiska filmer som Ford regisserade mellan 1936 och 1941 delvis berodde på en intensiv sex månader lång utomäktenskaplig affär med Katharine Hepburn, stjärnan i Mary of Scotland (1936), ett elisabetanskt kostymdrama.

1939-1941

Stagecoach (1939) var Fords första västernfilm sedan 3 Bad Men från 1926, och den var hans första med ljud. Orson Welles hävdade att han såg Stagecoach fyrtio gånger som förberedelse för att göra Citizen Kane. Den är fortfarande en av de mest beundrade och imiterade av alla Hollywoodfilmer, inte minst på grund av den klimaxartade scenen med en hästhoppningsscen som utförs av stuntmannen Yakima Canutt.

Dudley Nichols och Ben Hecht manuskriptet baserades på en berättelse av Ernest Haycox som Ford hade sett i tidningen Collier's och han köpte rättigheterna till filmen för endast 2 500 dollar. Produktionschefen Walter Wanger uppmanade Ford att anställa Gary Cooper och Marlene Dietrich för huvudrollerna, men accepterade till slut Fords beslut att ge Claire Trevor rollen som Dallas och en nästan okänd, hans vän John Wayne, rollen som Ringo.

När Ford gjorde Stagecoach mötte han fördomar inom branschen om den numera förlegade genren som han hade hjälpt till att göra så populär. Även om lågbudgetvesternsfilmer och serier fortfarande producerades i stort antal av "Poverty Row"-studiorna, hade genren fallit i onåd hos de stora studiorna under 1930-talet och de betraktades i bästa fall som B-klassiga "pulp"-filmer. Därför skickade Ford runt projektet i Hollywood i nästan ett år och erbjöd det utan framgång till både Joseph Kennedy och David O. Selznick innan han slutligen kom i kontakt med Walter Wanger, en oberoende producent som arbetade via United Artists.

Stagecoach är betydelsefull av flera skäl - den sprängde branschens fördomar genom att bli både en kritisk och kommersiell succé, och spelade in över 1 miljon US-dollar det första året (mot en budget på knappt 400 000 dollar), och dess framgång (tillsammans med 1939 års westernfilmer Destry Rides Again med James Stewart och Marlene Dietrich, Cecil B. DeMilles Union Pacific med Joel McCrea och Michael Curtiz' Dodge City med Erroll Flynn) återupplivade den dödsdömda genren och visade att westernfilmer kunde vara "intelligenta, konstfulla, bra underhållning - och lönsamma". Filmen nominerades till sju Oscars, bland annat för bästa film och bästa regissör, och vann två Oscars för bästa biroll (Thomas Mitchell) och bästa filmmusik. Stagecoach blev den första i serien av sju klassiska Ford-västernfilmer som filmades på plats i Monument Valley, med ytterligare material som spelades in på en annan av Fords favoritfilmplatser, Iverson Movie Ranch i Chatsworth, Kalifornien, där han hade filmat en stor del av Wee Willie Winkie två år tidigare. Ford blandade skickligt Iverson och Monument Valley för att skapa filmens ikoniska bilder av den amerikanska västern.

John Wayne hade goda skäl att vara tacksam för Fords stöd; Stagecoach gav skådespelaren det genombrott i karriären som förhöjde honom till internationell stjärnstatus. Under 35 år medverkade Wayne i 24 av Fords filmer och tre tv-avsnitt. Ford anses ha spelat en viktig roll i formandet av Waynes bild på skärmen. I ett brev där hon berättade om erfarenheterna från filmproduktionen citerade rollperson Louise Platt Ford när hon sa följande om Waynes framtid inom filmen: "Han kommer att bli den största stjärnan någonsin eftersom han är den perfekta "allmogen"."

Stagecoach markerade början på den mest konsekventa framgångsrika fasen i Fords karriär - på bara två år mellan 1939 och 1941 skapade han en rad klassiska filmer som vann många Oscar. Fords nästa film, biografin Young Mr Lincoln (1939) med Henry Fonda i huvudrollen, var mindre framgångsrik än Stagecoach, fick liten kritisk uppmärksamhet och vann inga priser. Den var ingen stor kassasuccé även om den hade en respektabel inhemsk bruttointäkt första året på 750 000 dollar, men Fordforskaren Tag Gallagher beskriver den som "ett djupare, mer mångfasetterat verk än Stagecoach ... (som) i efterhand verkar vara en av de finaste förkrigsfilmerna".

Drums Along the Mohawk (det var också Fords första film i färg och innehöll manuskriptbidrag av William Faulkner. Filmen blev en stor kassasuccé, spelade in 1,25 miljoner dollar under sitt första år i USA och gav Edna May Oliver en Oscarsnominering för bästa kvinnliga biroll för sin prestation.

Trots sin kompromisslösa humanistiska och politiska hållning blev Fords filmatisering av John Steinbecks Vredens druvor (manus av Nunnally Johnson och fotograferad av Gregg Toland) både en stor kassasuccé och en stor kritikerframgång, och den betraktas fortfarande allmänt som en av de bästa Hollywoodfilmerna från den tiden. Den berömda kritikern Andrew Sarris beskrev den som den film som förvandlade Ford från "en berättare på filmduken till Amerikas filmiska poet laureate". Fords tredje film på ett år och hans tredje film i rad med Fonda, spelade in 1,1 miljoner dollar i USA under sitt första år och vann två Oscar - Fords andra Oscar för bästa regi och bästa kvinnliga biroll för Jane Darwells fantastiska rollgestaltning av Ma Joad. Under produktionen återvände Ford till Iverson Movie Ranch i Chatsworth, Kalifornien, för att filma ett antal viktiga bilder, bland annat den centrala bilden som visar migrantfamiljens första fullständiga bild av Kaliforniens bördiga jordbruksmark, som representerades av San Fernando Valley sett från Iverson Ranch.

Vredens druvor följdes av två mindre framgångsrika och mindre kända filmer. The Long Voyage Home (1940) gjordes, liksom Stagecoach, tillsammans med Walter Wanger genom United Artists. Filmen, som är anpassad efter fyra pjäser av Eugene O'Neill, skrevs av Dudley Nichols och Ford i samråd med O'Neill. Även om den inte blev någon större succé (den spelade in endast 600 000 dollar under sitt första år), fick den mycket beröm av kritikerna och nominerades till sju Oscars - bästa film, bästa manus (Nichols), bästa musik (Richard Hageman), bästa foto (Gregg Toland), bästa klippning (Sherman Todd), bästa effekter (stillbilder från filmen prydde hans hem) och O'Neill ska ha älskat filmen och visat den regelbundet.

Tobacco Road (1941) var en lantlig komedi skriven av Nunnally Johnson, anpassad från Jack Kirklands långlivade scenversion av Erskine Caldwells roman. I huvudrollen spelades veteranskådespelaren Charley Grapewin och i birollerna ingick Fords stamgäster Ward Bond och Mae Marsh, med Francis Ford i en okrediterad biroll. Den är också anmärkningsvärd för de framtida stjärnorna Gene Tierneys och Dana Andrews tidiga framträdanden på filmduken. Även om den inte var särskilt uppskattad av vissa kritiker - Tag Gallagher ägnar den bara ett kort stycke i sin bok om Ford - var den ganska framgångsrik i kassan och spelade in 900 000 dollar första året. Filmen förbjöds i Australien.

Fords sista film innan USA gick in i andra världskriget var hans filmatisering av How Green Was My Valley (1941), med Walter Pidgeon, Maureen O'Hara och Roddy McDowell i sin karriärskapande roll som Huw. Manuset skrevs av Philip Dunne efter Richard Llewellyns bästsäljande roman. Den var ursprungligen planerad som ett fyra timmar långt epos som skulle konkurrera med Borta med vinden - enbart filmrättigheterna kostade Fox 300 000 dollar - och skulle ha spelats in på plats i Wales, men detta övergavs på grund av de tunga tyska bombningarna av Storbritannien. Ett sökande efter platser i södra Kalifornien resulterade i att kulisserna för byn byggdes på Crags Country Club (senare Fox ranch, nu kärnan i Malibu Creek State Park). En annan rapporterad faktor var Fox-chefernas nervositet inför berättelsens fackföreningsvänliga ton. William Wyler var ursprungligen anlitad för att regissera, men han lämnade projektet när Fox beslutade att filma den i Kalifornien; Ford anlitades i hans ställe och produktionen sköts upp i flera månader tills han blev tillgänglig. Producenten Darryl F. Zanuck hade ett starkt inflytande över filmen och fattade flera viktiga beslut, bland annat idén att låta karaktären Huw berätta filmen med voice-over (då ett nytt koncept) och beslutet att Huws karaktär inte skulle åldras (Tyrone Power var ursprungligen tänkt att spela den vuxne Huw).

How Green Was My Valley blev en av de största filmerna 1941. Den nominerades till tio Oscars, bland annat för bästa biroll (Sara Allgood), bästa klippning, bästa manus, bästa musik och bästa ljud, och den vann fem Oscars - bästa regissör, bästa film, bästa biroll (Donald Crisp), bästa svartvita filmfotografering (Arthur C. Miller) och bästa konstnärliga ledning.

Krigsåren

Under andra världskriget var Ford chef för den fotografiska enheten vid Office of Strategic Services och gjorde dokumentärer för flottan. Han utnämndes till befälhavare i den amerikanska flottans reservstyrka. Enligt Searching for John Ford "koncentrerade sig Ford och hans män till stor del på hemliga fotografiska uppdrag för OSS". År 1961 sade Ford till en tidskrift: "Vårt jobb var att fotografera både för arkiv och för vår underrättelsebedömning, gerillas, sabotörers och motståndsrörelsers arbete." Han vann ytterligare två Oscars under denna tid, en för den halvdokumentära filmen The Battle of Midway (1942) och en för propagandafilmen December 7: The Movie (1943). Ford filmade det japanska angreppet på Midway från kraftverket på Sand Island och skadades i vänster arm av en kulspruta från ett maskingevär.

Ford var också närvarande på Omaha Beach på D-dagen. Han korsade Engelska kanalen på USS Plunkett (DD-431), som ankrade utanför Omaha Beach klockan 0600. Han observerade den första vågen som landade på stranden från fartyget och landade själv på stranden senare tillsammans med ett team av kameramän från kustbevakningen som filmade slaget från bakom strandhinder, med Ford som ledare för verksamheten. Filmen redigerades i London, men mycket lite släpptes till allmänheten. Ford förklarade i en intervju 1964 att den amerikanska regeringen var "rädd för att visa så många amerikanska förluster på skärmen" och tillade att all D-dagsfilm "fortfarande finns i färg i ett lager i Anacostia nära Washington, D.C.". Trettio år senare rapporterade historikern Stephen E. Ambrose att Eisenhower Center inte hade kunnat hitta filmen. En film som delvis stämmer överens med Fords beskrivning grävdes fram av U.S. National Archives 2014. Andra forskare hävdar att Ford inte personligen landade på Omaha Beach på D-dagen (han anlände snarare en dag eller två senare) och att John Fords D-dagsfilmer i stort sett är en "lögnhistoria".

Ford blev så småningom en av de främsta rådgivarna till OSS-chefen William Joseph Donovan. Enligt uppgifter som offentliggjordes 2008 citerades Ford av sina överordnade för mod, då han tog en position för att filma ett uppdrag som var "ett uppenbart och klart mål". Han överlevde "en kontinuerlig attack och sårades" medan han fortsatte att filma, står det i en rekommendation i hans akt. År 1945 skrev Ford affidavits som vittnade om integriteten hos de filmer som togs för att dokumentera förhållandena i nazisternas koncentrationsläger.

Hans sista krigsfilm var They Were Expendable (MGM, 1945), en berättelse om USA:s katastrofala nederlag i Filippinerna, berättad ur en PT-båtsskvadrons och dess befälhavares synvinkel. Ford skapade en roll för den återhämtade Ward Bond, som behövde pengar. Även om han sågs i hela filmen gick han aldrig förrän de satte in en del där han sköts i benet. Under resten av filmen kunde han använda en krycka under den sista marschen. Ford förklarade upprepade gånger att han ogillade filmen och att han aldrig hade sett den, och klagade över att han hade tvingats göra den, även om den starkt förespråkades av filmskaparen Lindsay Anderson. Den släpptes flera månader efter krigsslutet och var bland årets 20 största kassasuccéer, även om Tag Gallagher noterar att många kritiker felaktigt har hävdat att den förlorade pengar.

Karriär efter kriget

Efter kriget förblev Ford officer i den amerikanska flottans reservstyrka. Han återvände till aktiv tjänstgöring under Koreakriget och befordrades till konteramiral samma dag som han lämnade tjänsten.

Ford regisserade sexton spelfilmer och flera dokumentärer under decenniet mellan 1946 och 1956. Precis som under hans förkrigskarriär växlade hans filmer mellan (relativa) kassaflops och stora framgångar, men de flesta av hans senare filmer gav en solid vinst, och Fort Apache, The Quiet Man, Mogambo och The Searchers tillhörde alla de 20 största kassasuccéerna under sina respektive år.

Fords första efterkrigsfilm My Darling Clementine (Fox, 1946) var en romantiserad återberättelse av den ursprungliga westernlegenden om Wyatt Earp och skottlossningen vid O.K. Corral, med exteriörsekvenser filmade på plats i den visuellt spektakulära (men geografiskt olämpliga) Monument Valley. I filmen återförenades Ford med Henry Fonda (som Earp) och Victor Mature spelade en av sina bästa roller som den konsumtionsbenägna, Shakespeare-älskande Doc Holliday, Ward Bond och Tim Holt spelade bröderna Earp, Linda Darnell spelade den hetsiga salongstjejen Chihuahua, Walter Brennan gjorde en stark insats (i en sällsynt skurkroll) som den giftiga Old Man Clanton, Jane Darwell och John Ireland gjorde ett tidigt framträdande på filmduken som Billy Clanton. I motsats till raden av framgångar 1939-1941 vann den inga större amerikanska priser, även om den fick ett silverband för bästa utländska film 1948 av det italienska nationella syndikatet för filmjournalister, och den var en solid ekonomisk framgång och spelade in 2,75 miljoner dollar i USA och 1,75 miljoner dollar internationellt under det första året som den släpptes.

Ford vägrade tacka nej till ett lukrativt kontrakt som Zanuck på 20th Century Fox erbjöd honom och som skulle ha garanterat honom 600 000 dollar per år, och han startade som oberoende regissör och producent och gjorde många av sina filmer under den här perioden med Argosy Pictures Corporation, som var ett partnerskap mellan Ford och hans gamla vän och kollega Merian C. Cooper. Ford och Cooper hade tidigare varit involverade i det distinkta Argosy Corporation, som grundades efter framgången med Stagecoach (Argosy Corporation producerade en film, The Long Voyage Home (1940), innan andra världskriget kom emellan. The Fugitive (1947), återigen med Fonda i huvudrollen, var Argosy Pictures första projekt. Det var en lös adaption av Graham Greenes The Power and the Glory, som Ford ursprungligen hade tänkt göra på Fox före kriget, med Thomas Mitchell som prästen. Filmen spelades in på plats i Mexiko och fotograferades av den framstående mexikanska filmfotografen Gabriel Figueroa (som senare arbetade med Luis Buñuel). I birollerna ingick Dolores del Río, J. Carrol Naish, Ward Bond, Leo Carrillo och Mel Ferrer (som gjorde sin filmdebut) samt en grupp med huvudsakligen mexikanska statister. Ford ansåg enligt uppgift att detta var hans bästa film, men den gick relativt dåligt jämfört med sin föregångare och spelade in endast 750 000 dollar under sitt första år. Den orsakade också en spricka mellan Ford och manusförfattaren Dudley Nichols som ledde till att deras mycket framgångsrika samarbete tog slut. Greene själv hade en särskild motvilja mot denna adaption av hans verk.

Fort Apache (Argosy

Under det året hjälpte Ford också sin vän och kollega Howard Hawks, som hade problem med sin aktuella film Red River (med John Wayne i huvudrollen) och Ford ska ha gett många redigeringsförslag, bland annat om att använda en berättare. Fort Apache följdes av en annan western, 3 Godfathers, en nyinspelning av en stumfilm från 1916 med Harry Carey i huvudrollen (som Fords version var tillägnad), som Ford själv redan 1919 hade gjort en nyinspelning av som Marked Men, också med Carey och som ansågs förlorad. I filmen spelade John Wayne, Pedro Armendáriz och Harry "Dobe" Carey Jr (i en av sina första stora roller) som tre laglösa som räddar ett barn efter att hans mor (Mildred Natwick) dött under förlossningen, med Ward Bond som sheriffen som förföljer dem. Det återkommande temat om uppoffring återfinns också i The Outcasts of Poker Flat, Three Godfathers, The Wallop, Desperate Trails, Hearts of Oak, Bad Men, Men without Women.

1949 återvände Ford kortvarigt till Fox för att regissera Pinky. Han förberedde projektet men arbetade bara en dag innan han blev sjuk, förmodligen av bältros, och Elia Kazan ersatte honom (även om Tag Gallagher menar att Fords sjukdom var en förevändning för att lämna filmen, som Ford inte gillade).

Hans enda färdigställda film det året var den andra delen av hans kavalleritrilogi, She Wore a Yellow Ribbon (Argosy

Fords första film 1950 var den udda militärkomedin When Willie Comes Marching Home, med Dan Dailey och Corinne Calvet i huvudrollerna, med William Demarest, från Preston Sturges "stock company", och med tidiga (okrediterade) framträdanden av Alan Hale Jr. och Vera Miles. Den följdes av Wagon Master, med Ben Johnson och Harry Carey Jr i huvudrollerna, som är särskilt anmärkningsvärd som den enda Ford-film sedan 1930 som han själv skrev manus till. Den anpassades senare till den långvariga TV-serien Wagon Train (med Ward Bond i titelrollen fram till sin plötsliga död 1960). Även om den gjorde betydligt mindre affärer än de flesta av hans andra filmer under denna period, nämnde Ford Wagon Master som sin personliga favorit bland alla sina filmer och sade till Peter Bogdanovich att den "kom närmast det jag hade hoppats uppnå".

Rio Grande (Republic, 1950), den tredje delen av "Kavallerietrilogin", hade John Wayne och Maureen O'Hara i huvudrollerna och Waynes son Patrick Wayne gjorde sin filmdebut (han medverkade i flera senare Ford-filmer, bland annat The Searchers). Filmen gjordes på begäran av Republic Pictures, som krävde en lönsam western som villkor för att stödja Fords nästa projekt, The Quiet Man. Rio Grande, som är ett bevis på Fords legendariska effektivitet, spelades in på bara 32 dagar, med endast 352 tagningar från 335 kamerauppställningar, och den blev en solid framgång och spelade in 2,25 miljoner dollar under sitt första år.

Republics oro försvann efter den genomslagskraftiga succén med The Quiet Man (Republic, 1952), ett projekt som Ford hade velat göra sedan 1930-talet (och som han nästan hade gjort 1937 med ett oberoende kooperativ som hette Renowned Artists Company). Filmen blev hans hittills mest inkomstbringande film och spelade in nästan 4 miljoner dollar bara i USA under det första året och placerade sig bland de tio bästa filmerna på kassan under sitt år. Den nominerades till sju Oscars och gav Ford sin fjärde Oscar för bästa regissör samt en andra Oscar för bästa filmfotografi till Winton Hoch. Den följdes av What Price Glory? (1952), ett drama om första världskriget, den första av två filmer som Ford gjorde med James Cagney (Mister Roberts var den andra) som också gjorde bra affärer på kassan (2 miljoner dollar).

The Sun Shines Bright (1953), Fords första bidrag till filmfestivalen i Cannes, var en västernkomedi med Charles Winninger i rollen som Judge Priest, som blev känd av Will Rogers på 1930-talet. Ford hänvisade senare till den som en av sina favoriter, men den fick ett dåligt mottagande och klipptes drastiskt (från 90 till 65 minuter) av Republic strax efter att den släppts, och vissa borttagna scener anses nu vara förlorade. Den gick dåligt i kassan och misslyckandet bidrog till Argosy Pictures kollaps.

Fords nästa film var romansäventyret Mogambo (MGM, 1953), en lösryckt nyinspelning av den berömda filmen Red Dust från 1932. Filmen spelades in på plats i Afrika, fotograferades av den brittiske filmfotografen Freddie Young och hade Fords gamle vän Clark Gable i huvudrollen tillsammans med Ava Gardner, Grace Kelly (som ersatte en sjuk Gene Tierney) och Donald Sinden. Även om produktionen var svår (vilket förvärrades av den irriterande närvaron av Gardners dåvarande make Frank Sinatra) blev Mogambo en av de största kommersiella succéerna i Fords karriär, med den högsta inhemska bruttointäkten första året för någon av hans filmer (den återupplivade också Gables sviktande karriär och gav Gardner och Kelly (som enligt ryktena hade en kortvarig affär med Gable under inspelningen av filmen) nomineringar till Oscars för bästa kvinnliga skådespelare och bästa kvinnliga biroll.

1955 gjorde Ford det mindre kända West Point-dramat The Long Gray Line för Columbia Pictures, den första av två Ford-filmer där Tyrone Power medverkade, som ursprungligen skulle spela den vuxna Huw i How Green Was My Valley redan 1941. Senare under 1955 anlitades Ford av Warner Bros för att regissera marinkomedin Mister Roberts med Henry Fonda, Jack Lemmon, William Powell och James Cagney i huvudrollerna, men det uppstod en konflikt mellan Ford och Fonda, som hade spelat huvudrollen på Broadway under de senaste sju åren och som var tveksam till Fords regi. Under ett trepartsmöte med producenten Leland Hayward för att försöka reda ut problemen blev Ford rasande och slog Fonda på käken, varvid han slogs genom rummet, en handling som skapade en varaktig klyfta mellan dem. Efter händelsen blev Ford alltmer morös, han drack mycket och drog sig till slut tillbaka till sin yacht, Araner, och vägrade äta eller träffa någon. Produktionen lades ner i fem dagar och Ford nyktrade till, men kort därefter fick han en sprucken gallblåsa, vilket krävde en akut operation, och han ersattes av Mervyn LeRoy.

Ford gjorde också sina första försök på TV 1955 och regisserade två halvtimmes dramer för nätverks-TV. Sommaren 1955 gjorde han Rookie of the Year (med manus av Frank S. Nugent, med Fords stamgäster John och Pat Wayne, Vera Miles och Ward Bond, med Ford själv i inledningen). I november gjorde han The Bamboo Cross (med Jane Wyman i huvudrollen och en asiatisk-amerikansk rollbesättning samt Stock Company-veteranerna Frank Baker och Pat O'Malley i mindre roller.

Ford återvände till den stora duken med The Searchers (Warner Bros, 1956), den enda västernfilm han gjorde mellan 1950 och 1959, som nu allmänt anses vara inte bara en av hans bästa filmer, utan också av många som en av de bästa westernfilmerna och en av de bästa rollprestationerna i John Waynes karriär. Filmen, som spelades in i Monument Valley, handlar om den förbittrade inbördeskrigsveteranen Ethan Edwards som tillbringar flera år med att leta efter sin systerdotter som kidnappades av comancher som ung flicka. I birollerna ingick Jeffrey Hunter, Ward Bond, Vera Miles och den stigande stjärnan Natalie Wood. Det var Hunters första film för Ford. Den var mycket framgångsrik vid sin första premiär och blev en av årets 20 bästa filmer med en intäkt på 4,45 miljoner dollar, även om den inte fick någon Oscar-nominering. Dess rykte har dock ökat kraftigt under de mellanliggande åren - den utsågs till den största westernfilmen genom tiderna av American Film Institute 2008 och placerade sig även på 12:e plats på institutets lista från 2007 över de 100 bästa filmerna genom tiderna. The Searchers har utövat ett stort inflytande på film och populärkultur - den har inspirerat (och citerats direkt av) många filmskapare, bland annat David Lean och George Lucas, Waynes karaktärsord "That'll be the day" inspirerade Buddy Holly att skriva sin berömda hitlåt med samma namn, och den brittiska popgruppen The Searchers tog också sitt namn från filmen.

The Searchers åtföljdes av en av de första "making of"-dokumentärerna, ett fyradelat reklamprogram som skapades för avsnittet "Bakom kameran" i den veckovisa TV-showen Warner Bros. Presents, (studions första satsning på TV) som sändes på ABC-nätverket 1955-56. De fyra avsnitten presenterades av Gig Young och innehöll intervjuer med Jeffrey Hunter och Natalie Wood samt bilder från bakom kulisserna som spelades in under filmens tillblivelse.

The Wings of Eagles (MGM, 1957) var en fiktionaliserad biografi om Fords gamle vän, flygaren Frank "Spig" Wead, som blev manusförfattare och som hade skrivit manus till flera av Fords tidiga ljudfilmer. I huvudrollerna syns John Wayne och Maureen O'Hara, med Ward Bond som John Dodge (en karaktär baserad på Ford själv). Den följdes av en av Fords minst kända filmer, The Growler Story, en 29 minuter lång dramatiserad dokumentärfilm om USS Growler. Den gjordes för den amerikanska flottan och filmades av Pacific Fleet Command Combat Camera Group. Ward Bond och Ken Curtis medverkade i filmen tillsammans med riktig flottpersonal och deras familjer.

Fords nästa två filmer skiljer sig något från resten av hans filmer när det gäller produktionen, och han tog ingen lön för något av dem. The Rising of the Moon (Warner Bros, 1957) var en "omnibus"-film i tre delar som spelades in på plats på Irland och som byggde på irländska noveller. Den gjordes av Four Province Productions, ett företag som grundades av den irländske magnaten Lord Killanin, som nyligen hade blivit ordförande för Internationella olympiska kommittén och som Ford var släkt med på långt håll. Killanin var också den egentliga (men icke-krediterade) producenten av The Quiet Man. Filmen lyckades inte få tillbaka sina kostnader och tjänade mindre än hälften (100 000 dollar) av sin negativa kostnad på drygt 256 000 dollar och väckte en del kontroverser på Irland.

Båda Fords filmer från 1958 gjordes för Columbia Pictures och båda var betydande avvikelser från Fords vanliga filmer. Gideon's Day (med titeln Gideon of Scotland Yard i USA) anpassades efter en roman av den brittiske författaren John Creasey. Det är Fords enda polisgenrefilm och en av de få Fordfilmer som utspelar sig i 1950-talets nutid. Den spelades in i England med en brittisk rollbesättning med Jack Hawkins i spetsen, som Ford (ovanligt nog) hyllade som "den finaste dramatiska skådespelare som jag har arbetat med". Den fick dålig marknadsföring av Columbia, som endast distribuerade den i svartvitt, trots att den spelades in i färg, och den misslyckades också med att gå med vinst under sitt första år, då den bara tjänade in 400 000 dollar jämfört med sin budget på 453 000 dollar.

The Last Hurrah (Columbia, 1958), som återigen utspelar sig i 1950-talets nutid, hade Spencer Tracy i huvudrollen, som hade gjort sitt första filmframträdande i Fords Up The River 1930. Tracy spelar en åldrande politiker som kämpar i sin sista kampanj, med Jeffrey Hunter som hans brorson. Katharine Hepburn ska ha underlättat ett närmande mellan de två männen, vilket avslutade en långvarig fejd, och hon övertygade Tracy om att ta huvudrollen, som ursprungligen hade erbjudits Orson Welles (men som avvisades av Welles agent utan hans vetskap, till hans stora förtret). Filmen gjorde betydligt bättre affärer än någon av Fords två föregående filmer och spelade in 950 000 dollar det första året, även om skådespelaren Anna Lee uppgav att Ford var "besviken på filmen" och att Columbia inte hade tillåtit honom att övervaka redigeringen.

Korea: Fords andra dokumentärfilm om Koreakriget (1959) gjordes för det amerikanska försvarsdepartementet som en orienteringsfilm för amerikanska soldater som var stationerade där.

Den följdes av hans sista film under detta årtionde, The Horse Soldiers (Mirisch Company-United Artists, 1959), en starkt fiktionaliserad berättelse om inbördeskriget med John Wayne, William Holden och Constance Towers i huvudrollerna. Även om Ford förklarade sig missnöjd med projektet blev filmen en kommersiell succé, den öppnade på första plats och placerade sig bland årets 20 största kassasuccéer. Den spelade in 3,6 miljoner dollar under sitt första år och gav Ford sitt högsta arvode någonsin - 375 000 dollar plus 10 % av bruttointäkterna. Produktionen var enligt uppgift svår för regissören och skådespelarna, och den drabbades av betydande kostnadsöverskridanden, vilket förvärrades av de oöverträffade lönerna till Holden och Wayne (750 000 dollar plus 20 % av den totala vinsten vardera). Wayne kämpade också för att hjälpa sin fru Pilar att övervinna sitt barbituratberoende, vilket kulminerade med hennes självmordsförsök när paret var på inspelning tillsammans i Louisiana. Fords problem kulminerade i och med stuntmannen Fred Kennedys tragiska död, som fick en dödlig nackfraktur när han utförde ett hästfall under den klimatiska stridsscenen. Ford var förkrossad av olyckan och förlorade intresset för filmen och flyttade produktionen tillbaka till Hollywood. Han skrotade också det planerade slutet, som skildrade Marlowes triumferande intåg i Baton Rouge, och avslutade i stället filmen med Marlowes farväl till Hannah Hunter och korsningen och rivningen av bron.

De senaste åren, 1960-1973

Under sina sista år var Ford förföljd av en försämrad hälsa, vilket till stor del berodde på decennier av tungt drickande och rökande, och förvärrades av de sår han ådrog sig under slaget vid Midway. Särskilt hans syn började snabbt försämras och vid ett tillfälle förlorade han för en kort tid sin syn helt och hållet. Hans fantastiska minne började också svikta, vilket gjorde att han allt oftare fick förlita sig på assistenter. Hans arbete begränsades också av den nya regimen i Hollywood, och han hade svårt att få många projekt gjorda. På 1960-talet hade han blivit indelad som en westernregissör och klagade över att han nu fann det nästan omöjligt att få stöd för projekt inom andra genrer.

Sergeant Rutledge (Ford Productions-Warner Bros, 1960) var Fords sista kavallerifilm. Den utspelar sig på 1880-talet och berättar historien om en afroamerikansk kavallerist (spelad av Woody Strode) som felaktigt anklagas för att ha våldtagit och mördat en vit flicka. Den marknadsfördes felaktigt som en spänningsfilm av Warners och blev ingen kommersiell framgång. Under 1960 gjorde Ford sin tredje TV-produktion, The Colter Craven Story, ett entimmesavsnitt av nätverks-TV-serien Wagon Train, som innehöll material från Fords Wagon Master (som serien var baserad på). Han besökte också inspelningen av The Alamo, som producerades, regisserades av och hade John Wayne i huvudrollen, där hans inblandning fick Wayne att skicka ut honom för att filma andra scener som aldrig användes (eller var avsedda att användas) i filmen.

I Two Rode Together (Ford Productions-Columbia, 1961) spelade James Stewart och Richard Widmark tillsammans med Shirley Jones och Stock Company-stamgästerna Andy Devine, Henry Brandon, Harry Carey Jr, Anna Lee, Woody Strode, Mae Marsh och Frank Baker, med ett tidigt framträdande på filmduken av Linda Cristal, som senare spelade en huvudroll i tv-serien The High Chaparral. Filmen var en rättvis kommersiell framgång och spelade in 1,6 miljoner dollar under sitt första år.

The Man Who Shot Liberty Valance (Ford Productions-Paramount, 1962) nämns ofta som den sista stora filmen i Fords karriär. John Wayne och James Stewart har John Wayne i huvudrollerna, och i birollerna finns huvudrollsinnehavaren Vera Miles, Edmond O'Brien som en pratglad tidningsutgivare, Andy Devine som den odugliga sheriffen Appleyard, Denver Pyle, John Carradine och Lee Marvin i en huvudroll som den brutale Valance, med Lee Van Cleef och Strother Martin som hans hantlangare. Den är också känd som den film där Wayne oftast använde sitt varumärke "Pilgrim" (hans smeknamn för James Stewarts karaktär). Filmen var mycket framgångsrik och spelade in över 3 miljoner dollar under det första året, även om huvudrollsinnehavarna var svåra att trovärdiggöra - karaktärerna Stewart (då 53 år) och Wayne (då 54 år) kunde antas vara i 20-årsåldern med tanke på omständigheterna, och Ford övervägde enligt uppgift att ge Stewart en yngre skådespelare, men fruktade att det skulle framhäva Waynes ålder. Även om det ofta hävdas att budgetrestriktioner gjorde det nödvändigt att spela in större delen av filmen på ljudscener på Paramount-området, visar studions bokföring att detta var en del av filmens ursprungliga konstnärliga koncept, enligt Fords biograf Joseph McBride. Enligt Lee Marvin i en filmad intervju hade Ford kämpat hårt för att spela in filmen i svartvitt för att framhäva hans användning av skuggor. Ändå var det en av Fords dyraste filmer med 3,2 miljoner dollar.

Efter att ha avslutat Liberty Valance anlitades Ford för att regissera inbördeskrigsdelen av MGM:s episka film How The West Was Won, den första icke-dokumentära filmen som använde Cinerama bredduksprocessen. I Fords avsnitt medverkade George Peppard med Andy Devine, Russ Tamblyn, Harry Morgan som Ulysses S. Grant och John Wayne som William Tecumseh Sherman. Wayne hade redan spelat Sherman i ett avsnitt från 1960 av TV-serien Wagon Train som Ford regisserade till stöd för seriens stjärna Ward Bond, "The Coulter Craven Story", till vilken han tog med sig större delen av sitt aktiebolag. Även 1962 regisserade Ford sin fjärde och sista TV-produktion, Flashing Spikes, en basebollhistoria som gjordes för Alcoa Premiere-serien med James Stewart, Jack Warden, Patrick Wayne och Tige Andrews i huvudrollerna, med Harry Carey Jr. och ett långt överraskningsframträdande av John Wayne, som i eftertexterna fakturerades som "Michael Morris", vilket han också hade gjort för avsnittet om Wagon Train som Ford regisserade.

Donovan's Reef (Paramount, 1963) var Fords sista film med John Wayne. Filmen spelades in på Hawaii-ön Kauai (som var en fiktiv ö i Franska Polynesien) och var en moralpjäs förklädd till en actionkomedi som på ett subtilt men skarpt sätt tog upp frågor om rasism, företags medvetskap, girighet och amerikanska föreställningar om samhällelig överlägsenhet. I birollerna ingick Lee Marvin, Elizabeth Allen, Jack Warden, Dorothy Lamour och Cesar Romero. Filmen var också Fords sista kommersiella framgång och spelade in 3,3 miljoner dollar mot en budget på 2,6 miljoner dollar.

Cheyenne Autumn (Warner Bros, 1964) var Fords episka farväl till västvärlden, som han offentligt förklarade vara en elegi till indianerna. Det var hans sista western, hans längsta film och den dyraste filmen i hans karriär (4,2 miljoner dollar), men den lyckades inte täcka sina kostnader vid biljettförsäljningen och förlorade cirka 1 miljon dollar redan vid den första premiären. Den allstjärniga rollbesättningen leddes av Richard Widmark, med Carroll Baker, Karl Malden, Dolores del Río, Ricardo Montalbán, Gilbert Roland, Sal Mineo, James Stewart som Wyatt Earp, Arthur Kennedy som Doc Holliday, Edward G. Robinson, Patrick Wayne, Elizabeth Allen, Mike Mazurki och många av Fords trogna stockkompani, inklusive John Carradine, Ken Curtis, Willis Bouchey, James Flavin, Danny Borzage, Harry Carey Jr, Chuck Hayward, Ben Johnson, Mae Marsh och Denver Pyle. William Clothier nominerades till en Oscar för bästa filmfotografi och Gilbert Roland nominerades till en Golden Globe för bästa biroll för sin roll som Cheyenne-äldret Dull Knife.

1965 påbörjade Ford arbetet med Young Cassidy (MGM), ett biografiskt drama baserat på den irländske dramatikern Seán O'Caseys liv, men han blev sjuk i början av produktionen och ersattes av Jack Cardiff.

Fords sista färdigställda långfilm var 7 Women (MGM, 1966), ett drama som utspelar sig omkring 1935 och handlar om missionärskvinnor i Kina som försöker skydda sig mot en barbarisk mongolisk krigsherre. Anne Bancroft tog över huvudrollen från Patricia Neal, som drabbades av en nästan dödlig stroke två dagar efter inspelningen. I birollerna ingick Margaret Leighton, Flora Robson, Sue Lyon, Mildred Dunnock, Anna Lee, Eddie Albert, Mike Mazurki och Woody Strode, med musik av Elmer Bernstein. Tyvärr blev filmen en kommersiell flopp och spelade bara in ungefär hälften av sin budget på 2,3 miljoner dollar. Ovanligt för Ford var att den spelades in i kontinuitet för att förbättra prestationerna, och han exponerade därför ungefär fyra gånger så mycket film som han brukade spela in. Anna Lee minns att Ford var "absolut charmig" mot alla och att det enda större uppbrottet kom när Flora Robson klagade på att skylten på hennes omklädningsrumsdörr inte innehöll hennes titel ("Dame") och som ett resultat av detta blev Robson "fullständigt sönderslagen" av Ford inför skådespelarna och filmteamet.

Fords nästa projekt, The Miracle of Merriford, skrotades av MGM mindre än en vecka innan inspelningen skulle ha börjat. Hans sista färdigställda verk var Chesty: A Tribute to a Legend, en dokumentärfilm om den mest dekorerade amerikanska marinkårssoldaten, general Lewis B. Puller, med John Wayne som berättare, som gjordes 1970 men inte släpptes förrän 1976, tre år efter Fords död.

Fords hälsa försämrades snabbt i början av 1970-talet. 1970 fick han en bruten höft som gjorde att han satt i rullstol. Han var tvungen att flytta från sitt hem i Bel Air till ett enplanshus i Palm Desert, Kalifornien, nära Eisenhower Medical Center, där han behandlades för magcancer. Screen Directors Guild anordnade en hyllning till Ford i oktober 1972, och i mars 1973 hedrade American Film Institute honom med sitt första pris för livsverk vid en ceremoni som tv-sändes över hela landet, och president Richard Nixon befordrade Ford till fullmäktigeledamot och överlämnade presidentens frihetsmedalj till honom.

Enligt Fords långvariga partner och vän John Wayne kunde Ford ha fortsatt att regissera filmer. Han berättade för Roger Ebert 1976:

Fram till de allra sista åren av sitt liv ... Pappy kunde ha regisserat en annan film, och en jäkligt bra sådan. Men de sa att Pappy var för gammal. Han var aldrig för gammal. I Hollywood nuförtiden står de inte bakom en kille. De vill hellre göra en jävla legend av honom och sedan göra sig av med honom.

Ford dog den 31 augusti 1973 i Palm Desert och begravningen hölls den 5 september i Hollywoods kyrka Sacramento Sacramento. Han begravdes på Holy Cross Cemetery i Culver City, Kalifornien.

Personlighet

Ford var känd för sin intensiva personlighet och sina många egenheter och excentriciteter. Från början av trettiotalet och framåt bar han alltid mörka glasögon och en plåster över vänster öga, vilket bara delvis var för att skydda hans dåliga syn. Han var en inbiten piprökare och när han filmade tuggade han på en linne näsduk - varje morgon gav hans fru honom ett dussin färska näsdukar, men i slutet av en dags filmning var hörnen på alla näsdukar söndertuggade. Han lät alltid spela musik på inspelningsplatsen och tog rutinmässigt en paus för att dricka te (Earl Grey) mitt på eftermiddagen varje dag under inspelningen. Han avskräcker från att prata och ogillade okvädningsord på inspelningsplatsen; om det användes, särskilt inför en kvinna, skulle det vanligtvis resultera i att den som gjorde sig skyldig till detta kastades bort från produktionen. Han drack sällan under inspelningen av en film, men när produktionen avslutades låste han ofta in sig i sitt arbetsrum, endast insvept i ett lakan, och gick ut i en ensam dryckesrusning i flera dagar, följt av rutinmässig ånger och ett löfte att aldrig dricka igen. Han var ytterst känslig för kritik och blev alltid särskilt upprörd över varje jämförelse mellan hans arbete och sin äldre bror Francis. Han deltog sällan i premiärer eller prisceremonier, även om hans Oscars och andra utmärkelser stolt visades upp på spiselkransen i hans hem.

Det fanns ibland rykten om hans sexuella preferenser, och i sin självbiografi "Tis Herself" från 2004 minns Maureen O'Hara att hon såg Ford kyssa en berömd manlig skådespelare (som hon inte namngav) på hans kontor på Columbia Studios.

Han var känd för att vara stökig och hans arbetsrum var alltid fullt av böcker, papper och kläder. Han köpte en helt ny Rolls-Royce på 1930-talet, men åkte aldrig i den eftersom hans fru Mary inte ville låta honom röka i den. Hans egen bil, en sönderslagen Ford roadster, var så förfallen och skräpig att han en gång kom för sent till ett studiomöte eftersom vakten vid studioporten inte trodde att den riktige John Ford skulle köra en sådan bil och vägrade släppa in honom.

Ford var också ökänd för sin antipati mot studiobestyrare. Vid en tidig film för Fox sägs han ha beordrat en vakt att hålla studiobossen Darryl F. Zanuck borta från inspelningsplatsen, och vid ett annat tillfälle tog han med sig en chef framför teamet, ställde honom i profil och meddelade: "Det här är en biträdande producent - titta noga, för ni kommer inte att få se honom på den här filmen igen". Under inspelningen av Rio Grande 1950 besökte producenten Herbert Yates och Republic-chefen Rudy Ralston inspelningsplatsen och när Yates pekade på tiden (klockan var 10.00) och frågade när Ford tänkte börja filma, skällde Ford ut honom: "Så fort du försvinner från min inspelningsplats!" Under middagen ska Ford ha rekryterat skådespelaren Alberto Morin för att maskera sig som en oduglig fransk servitör, som fortsatte att spilla soppa över dem, bryta sönder tallrikar och orsaka allmänt kaos, men de två cheferna insåg tydligen inte att de var offer för ett av Fords practical jokes.

Hans stolthet och glädje var hans yacht, Araner, som han köpte 1934 och som han under årens lopp lade ner hundratusentals dollar på reparationer och förbättringar. Den blev hans främsta tillflyktsort mellan filmerna och en mötesplats för hans närmaste vänner, däribland John Wayne och Ward Bond.

Ford var mycket intelligent, lärd, känslig och sentimental, men för att skydda sig själv i Hollywoods mördande atmosfär odlade han bilden av en "hård, tvåfingrad, hårt drickande irländsk jävel". En berömd händelse, som bevittnades av Fords vän, skådespelaren Frank Baker, illustrerar på ett slående sätt spänningen mellan den offentliga personligheten och den privata mannen. Under depressionen blev Ford - som då var en mycket förmögen man - påhoppad utanför sitt kontor av en före detta Universal-skådespelare som var utblottad och behövde 200 dollar för en operation av sin fru. När mannen berättade om sina olyckor verkade Ford bli rasande och till åskådarnas förskräckelse kastade han sig över mannen, slog honom till golvet och skrek "Hur vågar du komma hit så här? Vem tror du att du är för att tala till mig på detta sätt?" innan han stormade ut ur rummet. När den skakade gamle mannen lämnade byggnaden såg Frank Baker hur Fords affärsansvarige Fred Totman mötte honom vid dörren, där han gav mannen en check på 1 000 dollar och gav Fords chaufför i uppdrag att köra honom hem. Där väntade en ambulans som skulle köra mannens fru till sjukhuset där en specialist, som flögs in från San Francisco på Fords bekostnad, utförde operationen. Något senare köpte Ford ett hus åt paret och gav dem pension på livstid. När Baker berättade historien för Francis Ford förklarade han att den var nyckeln till hans brors personlighet:

Om den gamle skådespelaren hade fortsatt att prata skulle folk ha insett vilken mjukis Jack är. Han hade inte kunnat stå ut med den sorgliga historien utan att bryta ihop. Han har byggt upp en hel legend av tuffhet runt sig själv för att skydda sin mjukhet.

I boken Wayne and Ford, The Films, the Friendship, and the Forging of an American Hero av Nancy Schoenberger, analyserar författaren den kulturella påverkan som den maskulinitet som porträtteras i Fords filmer har. I en intervju med Portland Magazine säger Schoenberger: "När det gäller att Ford och Wayne "ändrade på konventionerna för vad en 'man' är idag" tror jag att Ford, som växte upp med bröder som han avgudade, i en tuff värld av boxare, drickare och roustabouts, fann sitt djupaste tema i manlig kamratskap, särskilt inom militären, en av de få platser där män kan uttrycka sin kärlek till andra män. Men han var intresserad av män som agerar hjältemodigt, så den mest machoaktiva killen var inte alltid den mest hjältemodiga. McLaglen presenterade ofta den komiska sidan av den blåstaskiga maskuliniteten. Ford tog fram Waynes ömhet såväl som hans hårdhet, särskilt i Stagecoach."

Allmän stil

Ford hade många distinkta stilistiska kännetecken och en rad tematiska frågor och visuella och ljudmässiga motiv återkommer i hela hans arbete som regissör. Filmjournalisten Ephraim Katz sammanfattade några av de viktigaste dragen i Fords arbete i sin artikel i Collins Film Encyclopedia:

Av alla amerikanska regissörer hade Ford förmodligen den tydligaste personliga visionen och den mest konsekventa visuella stilen. Hans idéer och karaktärer är, som många andra saker som är märkta som "amerikanska", bedrägligt enkla. Hans hjältar ... kan tyckas vara ensamma, utanför det etablerade samhället, som i allmänhet talar genom handling snarare än genom ord. Men deras konflikt med samhället förkroppsligar större teman i den amerikanska erfarenheten.

I motsats till sin samtida Alfred Hitchcock använde Ford aldrig storyboards, utan komponerade sina bilder helt och hållet i huvudet, utan någon skriftlig eller grafisk skiss av de bilder han skulle använda. Han var också en av de första filmskaparna som uppmuntrade sina manusförfattare och skådespelare att förbereda en fullständig bakgrundshistoria för sina karaktärer. Han hatade långa utläggnings-scener och var känd för att riva ut sidor ur ett manus för att klippa bort dialog. Under inspelningen av Mogambo, när filmens producent Sam Zimbalist ifrågasatte att han var tre dagar försenad, svarade Ford genom att riva ut tre sidor ur manuskriptet och förklara "Vi håller tidtabellen", och han filmade faktiskt aldrig dessa sidor. Under inspelningen av Drums Along the Mohawk undvek Ford på ett snyggt sätt utmaningen att filma en stor och dyr stridsscen - han lät Henry Fonda improvisera en monolog samtidigt som han fick frågor från bakom kameran om stridens förlopp (ett ämne som Fonda var väl insatt i) och klippte sedan helt enkelt bort frågorna.

Han var relativt sparsam med kamerarörelser och närbilder och föredrog statiska medellånga eller långa tagningar, med sina aktörer inramade mot dramatiska vyer eller interiörer belysta i en expressionistisk stil, även om han ofta använde sig av panorering och ibland använde sig av en dramatisk dolly-in (t.ex. John Waynes första framträdande i Stagecoach). Ford är berömd för sina spännande spårningsbilder, t.ex. apachejaktsekvensen i Stagecoach eller attacken mot comanche-lägret i The Searchers.

Återkommande visuella motiv är tåg och vagnar - många Ford-filmer börjar och slutar med ett länkande fordon, t.ex. ett tåg eller en vagn som anländer och lämnar - dörröppningar, vägar, blommor, floder, sammankomster (han använde också gestikulerande motiv i många filmer, särskilt när han kastar föremål och tänder lampor, tändstickor eller cigaretter). Om en dödsdömd karaktär visas spela poker (t.ex. Liberty Valance eller revolvermannen Tom Tyler i Stagecoach) är den sista handen han spelar "dödshanden" - två åttor och två ess, varav ett spader ess - som kallas så eftersom Wild Bill Hickok sägs ha haft denna hand när han mördades. Många av hans ljudfilmer innehåller tolkningar eller citat av hans favoritsång "Shall We Gather at the River?", som till exempel den parodiska användningen av den för att understryka de inledande scenerna i Stagecoach, när den prostituerade Dallas blir utkastad ur staden av lokala matronor. Karaktärsnamn återkommer också i många Ford-filmer - namnet Quincannon används till exempel i flera filmer, bland annat The Lost Patrol, Rio Grande, She Wore A Yellow Ribbon och Fort Apache, John Waynes karaktär heter "Kirby Yorke" i både Fort Apache och Rio Grande, och namnen Tyree och Boone återkommer också i flera Ford-filmer.

Nya arbeten om Fords skildringar av indianer har visat att hans indiankaraktärer, i motsats till vad många tror, har en rad olika typer av fientliga och sympatiska bilder, från Järnhästen till Cheyenne Autumn. I hans skildring av navajo i Wagon Master ingår att karaktärerna talar navajospråket. Det utmärkande för Fords västernfilmer med indiantema är att hans indianska karaktärer alltid förblev åtskilda och avskilda från det vita samhället.

Ford var legendarisk för sin disciplin och effektivitet vid inspelningen och var ökänd för att vara extremt tuff mot sina skådespelare, ofta hånade, skrek och mobbade han dem; han var också ökänd för sina ibland sadistiska skämt. Alla skådespelare som var dumma nog att kräva stjärnbehandling fick ta emot hela kraften av hans obevekliga hån och sarkasm. En gång kallade han John Wayne för en "stor idiot" och slog till och med Henry Fonda. Henry Brandon (som spelade Chief Scar i The Searchers) kallade Ford för "den enda man som kunde få John Wayne att gråta". Han förminskade också Victor McLaglen, och vid ett tillfälle rapporterades han ha brölat genom megafonen: "Vet du, McLaglen, att Fox betalar dig 1200 dollar i veckan för att göra saker som jag kan få vilket barn som helst från gatan att göra bättre?". Stock Company-veteranen Ward Bond var enligt uppgift en av de få skådespelare som var okänslig för Fords hån och sarkasmer. Sir Donald Sinden, som då var kontraktsstjärna för Rank Organisation i Pinewood Studios när han spelade huvudrollen i Mogambo, var inte den ende som fick lida av John Fords ökända beteende. Han minns: "Tio vita jägare var utstationerade till vår enhet för att skydda oss och för att ge oss nytt kött. Bland dem fanns Marcus, Lord Wallscourt, en förtjusande man som Ford behandlade avskyvärt - ibland mycket sadistiskt. I Fords ögon kunde den stackars mannen inte göra någonting rätt och han blev ständigt utskälld inför hela enheten (på sätt och vis tog han ibland bort mig). Ingen av oss kunde förstå orsaken till denna fruktansvärda behandling, som den käre vänlige mannen inte på något sätt förtjänade. Själv var han helt vilsen. Flera veckor senare fick vi reda på orsaken genom Fords svåger: innan han emigrerade till Amerika hade Fords farfar varit arbetare på den dåvarande lord Wallscourts gods på Irland: Ford ville nu ge sin egen hämnd till sin ättling. Ingen charmerande syn." "Vi var nu tvungna att återvända till MGM-British Studios i London för att spela in alla interiörscener. Någon måste ha påpekat för Ford att han hade varit grundligt otrevlig mot mig under hela inspelningen och när jag anlände till min första arbetsdag fann jag att han hade låtit måla upp ett stort anslag med stora bokstäver vid ingången till vår ljudscen där det stod BE KIND TO DONALD WEEK. Han höll vad han lovade - i exakt sju dagar. Den åttonde dagen rev han ner skylten och återgick till sitt normala mobbningsbeteende."

Ford gav vanligtvis sina skådespelare få uttryckliga anvisningar, även om han ibland gick igenom en scen själv, och skådespelarna förväntades notera varje subtil handling eller manér; om de inte gjorde det, tvingade Ford dem att upprepa scenen tills de gjorde rätt, och han skällde ofta ut och nedvärderade dem som inte uppnådde den önskade prestationen. I The Man Who Shot Liberty Valance körde Ford igenom en scen med Edmond O'Brien och slutade med att han släppte sin hand över ett räcke. O'Brien märkte detta men ignorerade det medvetet och lade handen på räcket i stället. Ford ville inte uttryckligen korrigera honom och han fick enligt uppgift O'Brien att spela scenen fyrtiotvå gånger innan skådespelaren gav efter och gjorde det på Fords sätt.

Trots hans ofta svåra och krävande personlighet erkände många skådespelare som arbetade med Ford att han fick fram det bästa i dem. John Wayne påpekade att "ingen kunde hantera skådespelare och personal som Jack". Dobe Carey konstaterade att "Han hade en egenskap som fick alla att nästan ta livet av sig för att behaga honom. När man kom till inspelningsplatsen kände man genast att något speciellt skulle hända. Man kände sig helt plötsligt andligt andligt uppvaktad." Carey tillskriver Ford inspirationen till Careys sista film, Comanche Stallion (2005).

Fords favoritplats för sina westernfilmer var Monument Valley i södra Utah. Även om området i allmänhet inte var lämpligt geografiskt som plats för hans intriger, gjorde områdets uttrycksfulla visuella inverkan det möjligt för Ford att definiera bilderna av den amerikanska västern med några av de vackraste och mest kraftfulla filmsekvenser som någonsin filmats, i filmer som Stagecoach, The Searchers och Fort Apache. Ett anmärkningsvärt exempel är den berömda scenen i She Wore a Yellow Ribbon där kavalleritruppen fotograferas mot en annalkande storm. Man har också undersökt hur klassiska westernkonstnärer som Frederic Remington och andra har påverkat filmerna. Fords suggestiva användning av området för sina västernfilmer har definierat bilderna av den amerikanska västern så kraftfullt att Orson Welles en gång sa att andra filmskapare vägrade att filma i regionen av rädsla för plagiat.

Ford filmade vanligtvis bara det material han behövde och filmade ofta i sekvenser, vilket minimerade arbetet för hans filmklippare. Fords teknik att klippa i kameran gjorde det möjligt för honom att behålla den kreativa kontrollen under en period då regissörer ofta hade lite att säga till om när det gällde slutredigeringen av sina filmer. Ford noterade:

Jag ger dem inte mycket film att spela med. Eastman brukade faktiskt klaga på att jag exponerade så lite film. Jag klipper i kameran. Om du annars ger dem mycket film tar "kommittén" över. Då börjar de jonglera med scenerna och ta bort det ena och sätta in det andra. Det kan de inte göra med mina bilder. Jag klipper i kameran och det är allt. Det finns inte mycket film kvar på golvet när jag är klar.

Ford vann sammanlagt fyra Oscars, alla för bästa regi, för filmerna The Informer (1935), The Grapes of Wrath (1940), How Green Was My Valley (1941) och The Quiet Man (1952) - ingen av dem var en westernfilm (i de två sistnämnda medverkade även Maureen O'Hara, "hans favoritskådespelerska"). Han nominerades också som bästa regissör för Stagecoach (1939). Han regisserade senare två dokumentärer, The Battle of Midway och December 7, som båda vann priset för bästa dokumentärfilm, även om priset inte vanns av honom. Ford innehar än i dag rekordet för flest Oscars för bästa regissör, då han vunnit priset vid fyra tillfällen. William Wyler och Frank Capra kommer på andra plats efter att ha vunnit priset tre gånger. Ford var den första regissören som vann pris för bästa regissör i rad, 1940 och 1941. Denna bedrift upprepades senare av Joseph L. Mankiewicz exakt tio år senare, när han vann pris för bästa regissör i rad 1950 och 1951. Som producent fick han också en nominering för bästa film för The Quiet Man. 1955 och 1957 tilldelades Ford The George Eastman Award, som delas ut av George Eastman House för framstående bidrag till filmkonsten. Han var den första mottagaren av American Film Institute Life Achievement Award 1973. Samma år tilldelades Ford Presidential Medal of Freedom av president Richard Nixon.

Ford regisserade 10 olika skådespelare som fick Oscarsnomineringar: Victor McLaglen, Thomas Mitchell, Edna May Oliver, Jane Darwell, Henry Fonda, Donald Crisp, Sara Allgood, Ava Gardner, Grace Kelly och Jack Lemmon. McLaglen, Mitchell, Darwell, Crisp och Lemmon vann en Oscar för en av sina roller i en av Fords filmer.

Den 5 december 1971 sändes en tv-special med Ford, John Wayne, James Stewart och Henry Fonda på CBS med titeln The American West of John Ford, med klipp från Fords karriär varvat med intervjuer av Wayne, Stewart och Fonda, som också turades om att vara berättare för den timslånga dokumentären.

2007 släppte Twentieth Century Fox Ford at Fox, en DVD-box med 24 av Fords filmer. Richard Corliss från Time Magazine utnämnde den till en av de tio bästa dvd-skivorna 2007 och placerade den på plats 1.

En staty av Ford i Portland, Maine föreställer honom sittande i en regissörsstol. Statyn, som är gjord av New York-skulptören George M. Kelly, gjuten vid Modern Art Foundry, Astoria, New York, och beställd av filantropen Linda Noe Laine från Louisiana, avtäcktes den 12 juli 1998 vid Gorham's Corner i Portland, Maine, USA, som en del av en hyllning till Ford som senare även innefattade att Auditoriet vid Portland High School döptes om till John Ford Auditorium.

2019 släppte Jean-Christophe Klotz dokumentärfilmen John Ford, l'homme qui inventa l'Amérique, om hans inflytande på legenden om den amerikanska västern i filmer som Stagecoach (1939), Vredens druvor (1940), Mannen som sköt Liberty Valance (1962) och Cheyenne Autumn (1964).

Academy Film Archive har bevarat ett antal av John Fords filmer, bland annat How Green Was My Valley, The Battle of Midway, Drums Along the Mohawk, Sex Hygiene, Torpedo Squadron 8 och Four Sons.

Oscars

Tidigt i livet var Fords politik konventionellt progressiv; hans favoritpresidenter var demokraterna Franklin D. Roosevelt och John F. Kennedy samt republikanen Abraham Lincoln. Men trots dessa tendenser trodde många att han var republikan på grund av hans långa samröre med skådespelarna John Wayne, James Stewart, Maureen O'Hara och Ward Bond.

Fords inställning till McCarthyism i Hollywood uttrycks i en berättelse av Joseph L. Mankiewicz. En fraktion inom Directors Guild of America, ledd av Cecil B. DeMille, hade försökt göra det obligatoriskt för varje medlem att skriva under en lojalitetsed. Det pågick en viskningskampanj mot Mankiewicz, som då var ordförande för Guild, där man hävdade att han hade kommunistiska sympatier. Vid ett viktigt möte i Guild talade DeMilles grupp i fyra timmar tills Ford talade mot DeMille och föreslog en förtroendeomröstning för Mankiewicz, som godkändes. Hans ord spelades in av en stenograf:

Jag heter John Ford. Jag gör westernfilmer. Jag tror inte att det finns någon i det här rummet som vet mer om vad den amerikanska publiken vill ha än Cecil B. DeMille - och han vet verkligen hur man ger dem det ... Men jag gillar inte dig, C.B. Jag gillar inte vad du står för och jag gillar inte vad du har sagt här i kväll.

Mankiewiczs version av händelserna ifrågasattes 2016, då man upptäckte domstolsprotokollet som släpptes som en del av Mankiewicz-arkivet. Mankiewiczs redogörelse ger Ford ensam äran att sänka DeMille. Berättelsen har flera förskönande inslag. DeMilles åtgärd att avskeda Mankiewicz hade orsakat en storm av protester. DeMille fick i princip ta emot en störtflod av attacker från många talare under hela mötet och såg vid ett tillfälle ut att uteslutas ur gillets styrelse.

Vid denna tidpunkt tog Ford ordet. Han inledde sitt anförande med att han tog ställning för att försvara styrelsen. Han hävdade att han hade en personlig roll i en förtroendeomröstning för Joseph Mankiewicz. Han krävde sedan att politiken i Guild skulle upphöra och att den skulle fokusera på arbetsvillkoren igen. Ford berättade för mötet att gillet bildades för att "skydda oss mot producenterna". Ford argumenterade mot att "sprida nedsättande information om en regissör, oavsett om han är kommunist, slår sin svärmor eller slår hundar". Ford ville att debatten och mötet skulle avslutas eftersom hans fokus låg på gillets enighet. Han menade att Mankiewicz hade förtalats och förtjänade en ursäkt. Hans sista avsnitt var att stödja DeMille mot ytterligare krav på hans avgång. Fords ord om DeMille var: "Och jag tycker att några av de anklagelser som framfördes här i kväll var ganska oamerikanska. Jag menar att en grupp män har gett sig på den troligen mest framstående i vårt yrke. Jag håller inte med C.B. DeMille. Jag beundrar honom. Jag tycker inte om honom, men jag beundrar honom. Allt han sa i kväll hade han rätt att säga. Jag gillar inte att höra anklagelser mot honom." Han avslutade med att "vädja" till medlemmarna att behålla DeMille.

Ford fruktade att DeMilles utträde kunde ha orsakat att kroppen upplöstes. Hans andra åtgärd var att få hela styrelsen att avgå, vilket räddade ansiktet för DeMille och gjorde det möjligt att lösa frågan utan påtvingade avgångar. Nästa dag skrev Ford ett brev till stöd för DeMille och ringde sedan till honom, där Ford beskrev DeMille som "en magnifik figur" som stod så långt över det "jävla packet av råttor".

Vid ett hett och mödosamt möte försvarade Ford en kollega som utsattes för ständiga attacker från sina kollegor. Han såg farorna med att utesluta DeMille. Ford stirrade ner hela mötet för att se till att DeMille stannade kvar i gillet. Senare erbjöd han sedan sin egen avgång - tillsammans med hela styrelsen - för att se till att gillet inte bröt samman och lät DeMille gå utan att förlora ansiktet.

Med tiden blev Ford dock mer offentligt allierad med det republikanska partiet och förklarade sig själv som "Maine-republikan" 1947. Han sade att han röstade på Barry Goldwater i det amerikanska presidentvalet 1964 och stödde Richard Nixon 1968 och blev en anhängare av Vietnamkriget. År 1973 tilldelades han frihetsmedaljen av president Nixon, vars kampanj han offentligt hade stött.

1952 hoppades Ford på att Robert Taft skulle få en

År 1966 stödde han Ronald Reagan i guvernörsvalet och återigen vid omvalet 1970.

Ford anses allmänt vara en av Hollywoods mest inflytelserika filmskapare. Han listades som den sjätte mest inflytelserika regissören genom tiderna av Flickside. Nedan följer några av de personer som direkt påverkades av Ford eller som beundrade hans arbete:

I december 2011 inrättade Irish Film & Television Academy (IFTA) i samarbete med John Ford Estate och det irländska ministeriet för konst, kulturarv och Gaeltacht "John Ford Ireland" för att fira John Fords arbete och arv. Den irländska akademin förklarade att de genom John Ford Ireland hoppas kunna lägga grunden för att hedra, undersöka och lära sig av John Fords arbete och arv, som allmänt anses vara en av de viktigaste och mest inflytelserika filmskaparna i sin generation.

Symposium

Det första John Ford Ireland Symposium hölls i Dublin, Irland den 7-10 juni 2012. Symposiet, som var utformat för att hämta inspiration från och fira Fords pågående inflytande på den samtida filmen, innehöll ett mångsidigt program av evenemang, inklusive en serie filmvisningar, masterclasses, paneldiskussioner, offentliga intervjuer och en utomhusvisning av The Searchers.

Bland gästerna fanns Dan Ford, John Fords sonson; kompositören Christopher Caliendo ledde den hyllade RTÉ Concert Orchestra som framförde hans musik till Fords The Iron Horse, som inledde fyradagarsarrangemanget; författaren och biografen Joseph McBride höll symposiets öppningsföreläsning; Regissörerna Peter Bogdanovich, Stephen Frears, John Boorman, Jim Sheridan, Brian Kirk, Thaddeus O'Sullivan och Sé Merry Doyle deltog i ett antal evenemang. De irländska författarna Patrick McCabe, Colin Bateman, Ian Power och Eoghan Harris undersökte Fords verk ur ett manusförfattarperspektiv, Joel Cox höll en mästarklass i redigering och kompositörer och musiker, bland annat David Holmes och Kyle Eastwood, diskuterade filmmusik.

John Ford Ireland Film Symposium hölls återigen i Dublin sommaren 2013.

John Ford-priset

Clint Eastwood mottog det första John Ford-priset i december 2011. Utmärkelsen delades ut till Eastwood vid en mottagning i Burbank, Kalifornien, av Michael Collins, Irlands ambassadör i USA, Dan Ford, John Fords sonson, och Áine Moriarty, verkställande direktör för Irish Film & Television Academy (IFTA).

När han tog emot priset sa Eastwood: "Han var verkligen en pionjär inom amerikansk filmproduktion och jag växte upp med hans filmer. Hans västernfilmer hade ett stort inflytande på mig, vilket jag tror att de hade på alla. När jag arbetade med Sergio Leone för flera år sedan i Italien var hans favoritregissör John Ford och han talade mycket öppet om detta inflytande. Jag vill tacka alla som är här från Irish Academy, John Fords familj och tack till John Ford Ireland."

Ford tilldelades Legion of Merit med Combat "V", Air Medal, Navy and Marine Corps Commendation Medal med Combat "V", Presidential Medal of Freedom, China Service Medal, American Defense Service Medal med tjänstestjärna, American Campaign Medal, European-African-Middle Eastern Campaign Medal med tre kampanjstjärnor, kampanjmedaljen i Asien och Stilla havet, också med tre kampanjstjärnor, segermedaljen från andra världskriget, Navy Occupation Service Medal, National Defense Service Medal med tjänstestjärna, Korean Service Medal med en kampanjstjärna, Order of National Security Merit Samil Medal, Distinguished Pistol Shot Ribbon (1952-1959), och den belgiska Leopoldorden.

Arkivmaterial

Kritik

Officiell webbplats

Källor

1. John Ford
2. John Ford
3. ^ Gallagher, Tag John Ford: The Man and his Films (University of California Press, 1984), 'Preface'
4. ^ a b "Classic Ford. A John Ford Retrospective, Part I". Harvard Film Archive. February 6, 2010. Retrieved January 7, 2024.
5. ^ a b c d e f g h Davis, Ronald L. (1995). John Ford: Hollywood's old master. The Oklahoma Western Biographies. University of Oklahoma Press. ISBN 978-0-8061-2916-7.
6. Gallagher, 1986, p. 10.
7. Gallagher, 1986, p. 14.
8. Gallagher, 1986, p. 15.
9. Bogdanovich, 1971, p. 49.
10. Ford a toujours prétendu avoir comme nom de naissance Sean Aloysius O'Feeney (Aloysius est le prénom d'emprunt qu'il choisit pour sa confirmation), mais son acte de baptême montre que John Ford s'appelait bien John Martin Feeney[1].
11. Prononciation en anglais américain retranscrite selon la norme API.
12. Par exemple : son combat contre le nazisme et le maccarthysme, ainsi que ses réserves lors de la guerre de Corée et de la guerre du Viêt Nam. Il est également l'un des premiers réalisateurs à traiter dans ses films les Indiens avec respect et humanité, sans oublier d'évoquer la ségrégation raciale avec Le Sergent noir.
13. ^ O. Welles-P.Bogdanovich, Io, Orson Welles - Baldini&Castoldi 1996, pag. 59 e seg.
14. ^ Eyman, Scott, Print the Legend: The Life and Times of John Ford, New York, Simon & Schuster, 1999. ISBN 0-684-81161-8
15. ^ K. Everson: Forgotten Ford in «Focus on Film», n° 6, London 1971
16. ^ (EN) http://www.medaloffreedom.com/JohnFord.htm