Streszczenie

Francis Picabia (pełne nazwisko Francisco María Martínez Picabia della Torre; 22 stycznia 1879, Paryż - 30 listopada 1953, Paryż) był francuskim malarzem awangardowym, grafikiem i publicystą, reżyserem teatralnym, scenarzystą, aktorem i dyplomatą.

Francis Picabia zyskał sławę jako ekscentryczny artysta, który nie podpisywał się pod żadnym dogmatem politycznym czy stylistycznym. Miał duży wpływ na sztukę współczesną, zwłaszcza dadaizm i surrealizm.

Francisco María Martínez Picabia della Torre, zwany Franciszkiem Picabią (czasem pisany Picabia), urodził się w Paryżu z matki Francuzki i ojca Hiszpana. Ojciec Franciszka Picabii pracował najpierw na Kubie w przemyśle cukrowniczym, a później w ambasadzie kubańskiej we Francji w służbie dyplomatycznej. To właśnie w Paryżu poznał przyszłą matkę Franciszka. Jego matka, Marie Cecile Davan, należała do zamożnej paryskiej burżuazji. Zmarła, gdy przyszły artysta i poeta miał 5 (według innych źródeł - 7) lat.

Francis Picabia miał elastyczną, otwartą osobowość i bardzo zmienny, choleryczny temperament. Gwałtowne wahania temperamentu i tonu twórczego przeradzały się niekiedy w długotrwałą depresję lub neurasteniczne wybuchy gniewu, ujawniające się zwykle w środowisku rodzinnym. W ciągu całego życia Picabia wielokrotnie zmieniał styl twórczy oraz upodobania osobiste i estetyczne. Pod tym względem można go uznać za swoistego rekordzistę. Jeśli policzyć w kolejności wszystkie transformacje jego stylu, kierunku, stylu pisania, a nawet ideologii, otrzymamy nie mniej niż siedem, (a nawet dziesięć) dramatycznych zwrotów. Być może pod tym względem Francis Picabia przewyższa nawet swojego bardziej znanego współczesnego i kolegę artystę, Pabla Picassa.

Gdy miał szesnaście lat, jego ojciec potajemnie zaproponował jeden z jego pejzaży jury na Salon de l'Artiste Française w Paryżu. Ku zaskoczeniu rodziny i samego młodego malarza, obraz został przyjęty, a nawet zauważony. To zachęciło Picabię do poważnego zajęcia się malarstwem.

W latach 1895-1896 Francis Picabia pobierał lekcje w Ecole des Arts Décoratifs w Paryżu u Emberta i Cormona i w swoim pierwszym stylu malował dobre, typowo francuskie pejzaże, jakby kontynuując w kierunku impresjonistycznym słynne prace Camille'a Corota. Po 1899 roku Picabia wystawiał na Salon des Independents i wkrótce ugruntował swoją pozycję w paryskich kręgach artystycznych jako impresjonista. Impresjonizm Picabiego nie trwał jednak długo. Już w 1902 roku, po podróży do Hiszpanii, zainteresowania artystyczne Picabiego zaczęły stopniowo przesuwać się w kierunku kolorowego i krzykliwego ("hiszpańskiego") stylu fowistycznego.

Znajomość z Marcelem Duchampem w 1910 roku miała decydujący wpływ na dalszy rozwój osobowości i twórczości Francisa Picabiusa. Od fowizmu przez stosunkowo krótki okres przed wojną z Niemcami, przeszedł najpierw do kubizmu, oraz abstrakcji geometrycznej. Najbardziej znany obraz Picabii z tego czasu, Dancer on an Atlantic Cruise (1913), jest dokumentem nie tylko abstrakcyjnego stylu Picabii, ale także jego długiego (ponad trzyletniego) wyjazdu do Nowego Jorku. Picabia w ogóle w swoim życiu miał zwyczaj opuszczania miejsca wojny. Swoje nowe abstrakcyjne kubistyczne obrazy wystawia na Armory Show (Nowy Jork, 1913), co przynosi mu dalszą sławę. Jednak i na tym Picabia nie poprzestaje. W latach 1915-1917, przez wszystkie trzy lata życia w Nowym Jorku, utrzymuje bliskie kontakty z artystami awangardowymi i wraz z Duchampem przewodzi nowojorskiej sekcji ruchu dadaistycznego. Jednak już dwa lata później po raz kolejny paradoksalnie zmienia swój styl. Tym razem, porzucając abstrakcję geometryczną, Francis Picabia nie wybiera już istniejącego stylu czy ruchu. Maluje cykl oryginalnych kompozycji artystycznych, które stały się najbardziej rozpoznawalnym i znakiem firmowym jego osobistego stylu malarskiego. Konwencjonalnie można je nazwać "mechanicznymi" lub "antropomorficznymi rysunkami". Malując kopie rysunków technicznych i dodając nieoczekiwane, często żywe i pozbawione znaczenia szczegóły, Picabia nadał im paradoksalne cechy form ludzkich. Takie są na przykład jego najsłynniejsze prace: Parada miłości (1917), Córka urodzona bez matki (1917) i Dziecko z gaźnikiem (1919). Żywe "mechanomorficzne" rysunki Francisa Picabii są pełne prowokacji, dadaistycznego epatowania i sarkazmu, pokazują zarówno bezsensowność, jak i potęgę ludzkiej percepcji, zdolnej do wszczepiania realnych obrazów w każdą, najbardziej abstrakcyjną czy absurdalną formę. To właśnie te prace Picabii wydają się być najbliższe i najbardziej adekwatne do jego twórczej osobowości, która paradoksalnie i bezpośrednio przejawiała się w jego życiu i twórczości.

Niezwykle wolny i niezależny w duchu, bliski w charakterze i cechach osobowości Guillaume'owi Apollinaire'owi i Marcelowi Duchampowi, z rozbawieniem można prześledzić, jak Francis Picabia najpierw otwarcie waśnił się i sprzeciwiał, a potem wspierał, a nawet przewodził ruchowi dadaistycznemu podczas specjalnie podejmowanych "propagandowych" podróży do Nowego Jorku, Barcelony i Zurychu. W ten sam sposób rozwijała się jego twórczość. Jego dadaistyczne artykuły są uznawane za druzgocące i błyskotliwe, awangardowy almanach "391", który założył w Nowym Jorku, a który następnie wydawał w Zurychu i Paryżu do 1924 roku, a także jego abstrakcyjne obrazy sprzed I wojny światowej i "mechanomorficzne" rysunki, przypominające jakieś dziwne rysunki przyszłości, stały się nie tylko rozpoznawalne, ale i ikoniczne w historii sztuki początku XX wieku.

Po fazie dadaistycznej, w której wraz z Tristanem Tzarą należał do uznanych liderów, (1914-1920) Francis Picabia dokonał w 1921 roku kolejnego ostrego zwrotu i dołączył do bezpośrednich przeciwników (a zarazem zwolenników) dadaistów - surrealistów. Regularnie nękały go depresje, z których zmuszony był leczyć się pigułkami kakodylu (bardzo bawi go to słowo), które również głęboko zakorzeniły się w jego sztuce okresu paryskiego. W tym czasie Picabia porzuca swój "mechaniczny" styl, przez kilka lat nie maluje w oleju i przechodzi głównie do technik kolażu i obiektu surrealistycznego. Są to jego "Słomkowy kapelusz" (1921), "Malarstwo kakodylowe" (1922) i "Kobieta z zapałkami" (1923). W tym okresie jednym z najwyższych osiągnięć Francisa Picabii jest, o dziwo, nie czyste malarstwo, ale balet i film "Relache" ("Intermission" lub "Spektakl odwołany"), zrealizowany wspólnie z błyskotliwym awangardowym kompozytorem Ericiem Satie i pączkującym młodym reżyserem René Clairem...

Około 1927 roku w twórczości Picabii rozpoczyna się styl "obrazów przezroczystych", w których otwarcie eksperymentuje i poszukuje różnych sposobów zniekształcania perspektywy. Zestawiając ze sobą wielowymiarowe twarze, postacie i przedmioty, przeplata je w linearnych nakładkach przestrzennych, próbując osiągnąć efekt oszukania wzroku lub gry stereoskopowych ruchów planarnych. W obrazach tych duże przezroczyste sylwetki złożone z linii mogą być nałożone na mały i szczegółowy malowany pejzaż, tworząc efekt szczególnego "surrealizmu przestrzennego", nie spotykanego u żadnego innego malarza surrealistycznego. Ten styl obejmuje obrazy "On i jego cień" (1928), "Sfinks" (1929) i "Medea" (1929).Surrealistyczny okres Francis Picabia zaczyna stopniowo zanikać i przychodzi na "nie" do początku lat 30-tych. Jednak jego stylistyczna metamorfoza również się na tym nie kończy.

W połowie lat 30. Picabia odchodzi od przezroczystych obrazów na rzecz surowych, brutalnych obrazów w stylu amatorskiego pseudoklasycyzmu. Parodiując lub powielając manierę grafików, Picabia przechodzi do stylu niemal całkowicie kiczowatego. Maluje dziesiątki aktów, alegorii, portretów, a nawet klasycznych scen biblijnych o celowo kiczowatym wyglądzie, czyli antysztuce. W tym czasie jest szczególnie aktywny w pracach zleconych. Francis Picabia z charakteru i sposobu życia był zawsze wyrazistym jouyerem i bon vivantem. Miłośnik pięknego życia i przyjemności na każdym kroku reklamowanych w broszurach podróżniczych (piękne kobiety, samochody wyścigowe, prywatne jachty, wille na wybrzeżu, słoneczne plaże, etc.....), Picabia skończył po swoich "krytycznych pięćdziesiątych urodzinach", zaczynając zarabiać jawnie i przelewać swoje słynne nazwisko na "kasę". W ostatnim okresie życia przerzucił się na konwencjonalne i niemal efekciarskie malarstwo, służące doraźnym zyskom komercyjnym, ale całkowicie pozbawione siły i oryginalności właściwej jego talentowi z młodszych lat.

Picabia przeżył sześć lat wojny z Niemcami w neutralnej Szwajcarii. Po zakończeniu okupacji niemieckiej wrócił do Paryża w 1945 roku, a w ostatnich latach życia utrzymywał dość bliskie kontakty z egzystencjalistami. To oni odkryli później na nowo jego pisma poetyckie i artykuły z zakresu teorii sztuki z lat 1910, chwilowo zapomniane. Po wojnie mieszkał w domu rodziców, pracując w warsztacie dziadka Alfonsa. Doświadczając poważnych trudności finansowych, nie był w stanie nabyć nowych płócien i musiał kilkakrotnie przemalowywać ten sam obraz.

Zmarł 30 listopada 1953 w Paryżu (82 rue des Petits-Champs) i został pochowany na cmentarzu Montmartre.

Dadaistyczny balet Relâche, do muzyki Érica Satie, którego premiera odbyła się w Théâtre des Champs Élysées 4 grudnia 1924 roku, można chyba uznać za szczytowe osiągnięcie życia i twórczości Francisa Picabii, skupiające w sobie niemal wszystkie jego kierunki twórcze. Picabia sprawdził się tu zarówno jako scenograf i projektant kostiumów, jako pisarz, autor libretta baletowego i scenariusza filmowego, jako aktor (który w filmie zagrał dwie role), jako wybitny organizator procesu produkcji teatralnej, a także jako przywódca dadaistów i surrealistów (i wytrawny intrygant), który przyciągnął do udziału w spektaklu najlepsze siły i w porę "rozbroił" większość swoich wrogów. Centralną rolę w tworzeniu nowej produkcji odegrał Erik Satie, ekscentryczny i wiecznie nowatorski kompozytor, który w wieku 58 lat z pewnością mógłby dać przewagę każdemu z młodych. Picabia i Satie, obaj niezwykle żywiołowi artyści o złożonych osobowościach, potrafili jednak aktywnie współpracować i stworzyli dzieło, które do dziś wyróżnia się w historii baletu.

Jak wiele rzeczy w życiu Francisa Picabii, jego związek z Erickiem Satie podążał wyraźną trajektorią "zig-zag". W 1919 roku, kiedy Picabia mieszkał jeszcze w Zurychu i nie był zanurzony w konfliktach i kłótniach paryskich ruchów artystycznych, artysta umieścił (błędnie zapisane) nazwisko "Erick Satye" na swoim obrazie zatytułowanym The Dada Movement, przeznaczonym do zilustrowania magazynu Tristana Tzary. Pół roku później, już w Paryżu, wraz z André Bretonem i jego chuligańskimi surrealistami, Picabia występuje w pełnej krasie przeciwko "grupie Jeana Cocteau". Jeden ze swoich dadaistycznych wierszy z 1920 roku nazywa "Auric Satie à la noix de Cocteau" (Auric Satie à la noix de Cocteau). W tekście swojego wiersza bardzo jadowicie ironizował na temat "Aurica Satie, który uznał, że jego 'Muzyka Wyposażenia' jest w stanie zapewnić mu wieczorami miejsce w wysokich sferach" (Dada-Phone Magazine, 1919, nr 7).

W przeciwieństwie jednak do uporu czy dogmatyzmu, Picabia nie zawahał się po kilku miesiącach zmienić kursu. Wysłał Satiemu list pełen sympatii, wpisując na okładce jednego z pism dedykację "Erik est Satierik". Pół roku później Satie publikuje w almanachu Picabii 391 dwa lekko żebracze aforyzmy, które ukazują się wielkimi literami na pierwszej stronie pisma. Jednak na początku 1922 roku, podczas kolejnej "wojny" surrealistów Bretona z dadaistami Tzary, Satie i Picabia znów znajdują się w przeciwnych obozach. Rok później Satie wznowiła jednak relację z artystą, tym razem do współpracy nad nowym baletem, jeszcze nie zatytułowanym Relâche lub Spektakl jest odwołany.

Balet ten stanowił szczytowe osiągnięcie współpracy Satie i Picabii. Przedstawienie to zostało pierwotnie zamówione (jesień 1923) przez Rolfa de Marais, dyrektora Baletu Szwedzkiego w Paryżu, u Erica Satie do scenariusza poety Blaise Sandrarda ze scenografią Picabii. W pierwotnej wersji balet nie miał tak prowokacyjnego tytułu. W scenariuszu Sandrarda balet miał znacznie skromniejszy tytuł: After Dinner. Jednak już trzy lub cztery miesiące później Francis Picabia, z typową dla siebie łatwością, wyparł z projektu Sandrara (który w zbyt złym momencie wyjechał do Brazylii), przerobił scenariusz (według Satiego "dodając do niego tylko kilka linijek") i sam stał się pełnoprawnym autorem i jednocześnie dyrektorem artystycznym znacznie bardziej radykalnego dadaistycznego spektaklu.

W ten czy inny sposób, pod koniec kwietnia 1924 roku dawny balet Po kolacji, z librettem Blaise'a Sandrara, stał się ostatecznie Spektaklem odwołanym. Picabia wymyślił prowokacyjny spektakl, w którym wiele sztuk - teatr, balet, muzyka, rzeźba, malarstwo, a nawet film - zostałoby połączonych "w jeden nonsens" - Relâche zawierał dwie projekcje filmu na ekranie, jedną na początku przedstawienia (Prolog) i drugą w przerwie (Intermission). Film, pod tym właśnie tytułem "Entrée", w którym wystąpiło wielu znanych artystów dadaistycznych i surrealistycznych, główny choreograf Baletu Szwedzkiego, a także sam Eric Satie i Francis Picabia, został wyreżyserowany przez początkującego wówczas filmowca René Claira, rozsławił nazwisko jego autora i (niezależnie od Relâche) trafił do złotego funduszu sztuki filmowej XX wieku.

Francis Picabia stworzył również całkowicie dadaistyczną i futurystyczną scenografię do swojej produkcji, jednocześnie aktywnie włączając się w proces tworzenia baletu i kompozycji, co było zgodne z jego zamiarem stworzenia całkowitego autorskiego produktu, przesiąkniętego od dołu do góry ideą dada. Na przykład część baletu wykonywana jest w całkowitej ciszy, a tancerze tańczą bez absolutnie żadnego wsparcia ze strony muzyki. W innych momentach, wręcz przeciwnie, pojawia się muzyka przy całkowitym braku choreografii. Erik Satie chętnie wspierał wszystkie te grymasy autora, tym bardziej, że były one w pełni zgodne z jego wczesnymi ideami. W regularnym programie teatralnym towarzyszącym premierze Relâche w Balecie Szwedzkim można było przeczytać następujące słowa należące do Picabii i Satie:

"Kiedy ludzie wyzwolą się z paskudnego nawyku wyjaśniania wszystkiego? "Sztuka jest odwołana" to ciągły balet, którego celem jest najbardziej pretensjonalny absurd przeniesiony do teatru: "życie jak mi się podoba, życie bez jutra, życie tylko teraz, wszystko dziś, wszystko na dziś, nic na wczoraj i nic na jutro". (zapowiedź Baletu Szwedzkiego, Relâche, listopad 1924)

Pikabia, w życiu niezwykle wyzwolona seksualnie, podczas realizacji Relâche nieustannie prowokowała Satiego do wszelkiego rodzaju "sublimacji". W efekcie balet ten pełen był najbardziej "nieprzyzwoitych" ruchów i scen. Zwłaszcza Satie, który potrafił dopracować takie aluzje, twierdził podczas pracy nad partyturą, że skomponował dla Relâche muzykę "pornograficzną". Najwyraźniej mu się to udało, i to w najbardziej bezpośredniej formie. Satie określił gatunek swojego dzieła jako "obsceniczny balet". I reakcja na jego wybryk była właściwa. Jeden z najbardziej tolerancyjnych krytyków, Paul Judge w swojej recenzji baletu napisał o nim łagodniej:

"Muzyka Monsieur Satie składa się z najbardziej zmęczonych i katorżniczych popularnych melodii, odtworzonych ze stosunkowo niewielkimi zmianami, raczej nie jako muzyka baletowa, ale czysty przykład zastosowania klasycznych technik dancehallu."

Sam Satie, wybierając do swojego baletu najbardziej wulgarne i obsceniczne paryskie piosenki, był w tej kwestii znacznie bardziej jednoznaczny: "Usłyszawszy znaną melodię, w pamięci widza powinny natychmiast pojawić się najbardziej obsceniczne słowa śpiewane do niej". W różnych numerach baletu ("The Woman Comes Out", "The Music", "The Men Get Undressed", "The Dance with the Wheelbarrow") orkiestracja jest celowo przejrzysta i jasna, a wulgarne motywy są zniekształcone na tyle, by pozostały łatwo rozpoznawalne. "Konstrukcja muzyki Erika Satie - pisała potem druga żona Picabii, Germaine Everling - nieustannie otulała i klarowała myśl artysty".

Całość idei odwołania Relâche otrzymała swoje bezpośrednie ucieleśnienie także poza sceną. Premiera baletu została zaplanowana na 27 listopada 1924 roku. Jednak w chwili, gdy w Théâtre des Champs-Elysées zgromadziła się już wytworna publiczność i cała paryska bohema, ogłoszono zdecydowane "relâche" i spektakl... odwołano. Powodem odwołania była zła pogoda i niechęć Jeana Bjorlena do tańca "w stanie, w jakim się znajdował". Publiczność była autentycznie oburzona wybrykiem spektaklu. Wielu poważnie twierdziło, że żadna "Relâche" nie była prawdziwa i że była to po prostu oszukańcza hochsztaplerka mająca na celu promocję własnej osoby dwóch słynnych miłośników kalamburów - Satie i Picabii. Jednak "Relâche" rzeczywiście miało miejsce tydzień później, 4 grudnia 1924 roku.

Jedność dwóch głównych autorów baletów była rzeczywiście imponująca. Satie, który przez całe życie był skłonny do ciągłych konfliktów i pretensji, podczas pracy nad Relâche nie miał żadnych tarć z Picabią. Być może miało to wpływ na przełom w życiu samego Picabii, który nigdy wcześniej nie miał takiego precedensu w swoim życiu i twórczości. Balet Relâche jest ostatnim dziełem Erica Satie. Pracował nad partyturą będąc już śmiertelnie chorym, a zaledwie dwa miesiące po premierze trafił ostatecznie do klasztornego szpitala Saint-Jacques, z którego już nigdy nie wyszedł. Satie zmarł 1 lipca 1925 roku. Francis Picabia bardzo cierpiał z powodu jego śmierci i na ponad rok popadł w kolejną ciężką depresję, z której, jak wynika z reszty jego życia i twórczości, nigdy się nie podniósł.

Podczas pracy nad baletem Relâche, Picabia rysował i po prostu szkicował na papierze liczne portrety Erika Satie "w jego mechanicznym stylu", a także publikował różne teksty o kompozytorze, w których m.in. twierdził, że "nasi potomkowie wciągną jego muzykę na siebie jak rękawiczkę". Wymownym i naiwnym symbolem ich jedności jest dwuminutowy filmowy prolog baletu, w którym Satie i Picabia osobiście ładują armatę i kierują ją w stronę publiczności. A w drugiej części filmu, Intermission, Picabia namalował nawet swoje własne inicjały wraz z inicjałami kompozytora (FP - ES) wewnątrz ekspresyjnego serca na żałobnej lotce z ciałem zastrzelonego przez siebie choreografa, Jeana Bjorlena. Ten uroczy, typowo dadaistyczny żart, nie okazał się niestety dobrą wróżbą, przynajmniej dla Erika Satie. Już pół roku później po niego również przyjechał powóz pogrzebowy.

Źródła

1. Francis Picabia
2. Пикабиа, Франсис
3. Czech National Authority Database
4. Francis Picabia // Encyclopædia Britannica (англ.)
5. Francisco Vicente Martínez Picabia Delmonico nait de l'union de Juan et Josefa Delmonico, rencontrée à New York. Il a la nationalité cubaine. Par la suite, la famille s’installera à Madrid.
6. ^ Oxford Dictionary of Modern and Contemporary Art, Oxford University, p. 552
7. Beverley Calte: Francis Picabia. picabia.com, abgerufen am 9. Dezember 2014.