Streszczenie

Clyfford Elmer Still był amerykańskim malarzem połowy XX wieku. Był jednym z założycieli ekspresjonizmu abstrakcyjnego w Stanach Zjednoczonych. Urodził się 30 listopada 1904 roku w Grandin w Północnej Dakocie, a zmarł 23 czerwca 1980 roku w Nowym Jorku. Od 2011 roku w Denver (Kolorado) znajduje się poświęcone mu muzeum.

Clyfford Still należał do małej, oryginalnej grupy ekspresjonistów abstrakcyjnych wraz z Jacksonem Pollockiem, Willem de Kooningiem, Markiem Rothko, Barnettem Newmanem, Franzem Kline'em, Philipem Gustonem, Arshilem Gorkim, Robertem Motherwellem i Adolphem Gottliebem. Był blisko Pollocka w pierwszej generacji ekspresjonizmu abstrakcyjnego i wcześnie rozwinął nowe podejście do malarstwa poprzez abstrakcję, zaczynając w 1944 roku od prac na dużą skalę (w tym 1944-N No. 2, znany również jako Red Flash on Black Field, olej na płótnie, 264,8 × 221,6 cm, MoMA, The Sidney and Harriet Janis Collection, 1967). Przez całe życie rzadko wystawiał i sprzedawał swoje obrazy.

Still urodził się w 1904 roku w Grandin w Północnej Dakocie, a dzieciństwo spędził w północno-zachodnich Stanach Zjednoczonych, Spokane, Waszyngtonie i Bow Island w południowej Albercie w Kanadzie. W 1925 roku odwiedził Nowy Jork i krótko studiował w Art Students League. W latach 1926-1927 uczęszczał do Spokane University, gdzie powrócił w 1931 roku na stypendium, kończąc studia w 1933 roku. Jesienią 1933 roku został stypendystą, a później członkiem wydziału w Washington State College (obecnie Washington State University), gdzie w 1935 roku uzyskał tytuł magistra sztuk pięknych. Uczył tam do 1941 roku.

Lato 1934 i 1935 spędził w Trask (obecnie Yaddo) Foundation w Saratoga Springs w Nowym Jorku. W 1937 roku, wraz ze swoim waszyngtońskim kolegą Worth'em Griffinem, Still współtworzył Nespelem Art Colony (m.in. Bez tytułu (Indian Houses, Nespelem) (1936)), w ramach której w ciągu czterech wakacji w latach '37-'40 powstały setki portretów i pejzaży przedstawiających życie rdzennych Amerykanów w Colville Indian Reservation (stan Waszyngton). W dokumentalnym stylu notował kolory ubrań Indian), a także tworzył swobodniejsze studia w palecie, którą zapamiętał na wiele lat.

W 1941 r. przeniósł się jeszcze do San Francisco Bay Area, gdzie kontynuując malarstwo, pracował w różnych gałęziach przemysłu wojennego. Swoją pierwszą indywidualną wystawę miał w San Francisco Museum of Art (obecnie San Francisco Museum of Modern Art) w 1943 roku. W latach 1943-1945 uczył w Richmond Professional Institute (RPI), obecnie Virginia Commonwealth University, a następnie w Nowym Jorku.

W 1944 roku powstały dwa obrazy o bardzo zbliżonych cechach formalnych: 1944-N nr 1 i 1944-N nr 2, dużych formatach (pierwszy 266 × 233 cm), abstrakcji, nożu paletowym w grubym impasto tworzącym nieregularną fakturę: duże efekty czarnej farby

1946: Mark Rothko, którego Still poznał w Kalifornii w 1943 roku, przedstawił go Peggy Guggenheim, a ta dała Stillowi pierwszą indywidualną wystawę w swojej galerii, The Art of This Century Gallery, na początku 1946 roku. W następnym roku Peggy Guggenheim zamknęła swoją galerię, a Still, wraz z Rothko i innymi abstrakcyjnymi ekspresjonistami, dołączył do Betty Parsons Gallery. Miał tam trzy wystawy (1947, 1950, 1951). Wrócił do San Francisco, gdzie stał się bardzo wpływowym nauczycielem w California School of Fine Arts (obecnie San Francisco Art Institute), ucząc tam w latach 1946-1950. Miał wystawę w kalifornijskim Pałacu Legii Honorowej, San Francisco (1947). W 1948 roku, wraz z Rothko, położył podwaliny pod to, co miało stać się Subjects of the Artist Academy, zbiorowym think tankiem i klubem artystów, który zapraszał prelegentów do wygłaszania rozmów, które były dyskutowane i omawiane. Clyfford Still zamieszkał w San Francisco na dwa lata przed powrotem do Nowego Jorku.

Lata 50: W 1950 roku przeniósł się do Nowego Jorku i pozostał tam przez większość dekady. Był to okres największego rozkwitu ekspresjonizmu abstrakcyjnego, ale unikał jakichkolwiek związków z nowojorską szkołą abstrakcjonizmu. W tym czasie stawał się coraz bardziej krytyczny wobec świata sztuki. Był jednym z grupy "irascibles" (prawie wszyscy abstrakcyjni ekspresjoniści), którzy w 1950 roku (na spotkaniu w Subjects of the Artist) zaprotestowali przeciwko pogardzie, jaką darzyło ich Metropolitan Museum of Art, które przygotowywało swoją pierwszą wystawę sztuki amerykańskiej z jury, które okazywało pogardę dla amerykańskiej abstrakcji. Zdjęcie "irascibles", opublikowane później w Life, przyniosło im powszechną sławę, nagłaśniając ekspresjonizm abstrakcyjny. W tym czasie, bardziej niż inni z grupy, Still podkreśla unikalny charakter własnej twórczości w ramach grupy, zaznacza obok pogardy dla niektórych kolegów, a wreszcie jego rosnące wymagania uznania wykluczyły go ze świata sztuki w Nowym Jorku. Na początku lat 50. Still zerwał więzi z komercyjnymi galeriami. Retrospektywa twórczości Still'a odbyła się w Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York, w 1959 roku.

1961: Przeprowadził się na 22-akrową farmę w pobliżu Westminster, Maryland, wycofując się ze świata sztuki i gdzie mógł pracować w samotności. W cieplejszych miesiącach zawsze używał stodoły jako studia na terenie posiadłości. W 1966 roku Still i jego druga żona kupili dom o powierzchni ćwierć metra kwadratowego przy 312 Church Street w New Windsor, Maryland, około osiem mil od ich farmy, gdzie mieszkał aż do śmierci.

W latach 60. miał kilka wystaw indywidualnych (Institute of Contemporary Art, University of Pennsylvania, Filadelfia (1963), Marlborough-Gerson Gallery, Nowy Jork (1969-70)). W 1972 otrzymał Award of Merit for Painting od American Academy of Arts and Letters, której został członkiem, a następnie Skowhegan Medal for Painting w 1975. W 1975 roku grupa jego obrazów została wystawiona na stałe w San Francisco Museum of Modern Art. Wreszcie w 1980 roku miał wystawę w Metropolitan Museum of Art.

Należący do pierwszych obrazów abstrakcyjnych ekspresjonistów Lipiec 1945-R (przez pewien czas nazywany Quicksilver) przywołuje na myśl błyskawicę, nieregularną pionową białą linię na ciemnym lub czarnym tle. W liście z 1950 roku mówi o błysku, który wywołał u niego "objawienie", choć nie wiadomo, jakie to było objawienie.

Nadal uważany za jednego z najwybitniejszych malarzy ruchu Color Field painting, jego niefiguratywne obrazy są również nieobiektywne i w dużej mierze dotyczą zestawienia różnych kolorów i powierzchni w różnych konfiguracjach. W przeciwieństwie do Marka Rothko czy Barnetta Newmana, którzy organizowali swoje kolory w stosunkowo prosty sposób (Rothko jako mgliste prostokąty, Newman jako cienkie linie na rozległych płaskich polach koloru), układy Stilla są mniej regularne. Jego poszarpane wybuchy koloru sprawiają wrażenie, że warstwa koloru została "wyrwana" z obrazu, odsłaniając kolory znajdujące się pod nią. Inną kwestią różniącą go od Newmana i Rothko jest sposób kładzenia farby na płótnie; podczas gdy Rothko i Newman używają dość płaskich kolorów i stosunkowo cienkiej farby, Still stosuje grube impasto, tworząc szeroką gamę subtelnych grubości i mieniących się tonów, które łapią światło. W 1947 roku Still zaczął pracować w dużym formacie, który rozszerzał i dostosowywał przez całą swoją karierę - pole kolorów, w dużym formacie, nakładanych za pomocą noży paletowych, które tworzyły efekty światła i teksturowanej materii.

Poprzez te efekty materiałowe, z dużym udziałem oleju lub z bardzo widocznym materiałem suchoziarnistym, Still tworzy swoimi nożami do palet "tektoniczne" powierzchnie, które czasami przechwytują światło, a gdzie indziej pochłaniają je całkowicie, jak czarne dziury.

W przeciwieństwie do większości ówczesnych artystów wizualnych, Still miele i przygotowuje własne pigmenty, za pomocą których tworzy specjalne kolory, które nanosi na swoje ogromne płótna.

Muzeum w Denver, które w całości jest mu poświęcone, umożliwiło zwrócenie uwagi na pewne aspekty procesu twórczego, poprzez studium porównawcze wariantów, czyli replik ponad 50 obrazów. Okazuje się więc, że dzieło to może być postrzegane jako "gestural painting", gdyż gesty artysty są doskonale widoczne podczas oglądania obrazu, i to z dużą siłą choćby ze względu na wielkość aplikacji farby nożem paletowym. Z drugiej strony porównania przywołują stopniowy proces, a nie całkowicie spontaniczne, natychmiastowe powstawanie. O ile tylko kilka obrazów zostało całkowicie wymyślonych na nowo, o tyle w większości przypadków zmiany są bardziej subtelne; zmiana medium, inny sposób nakładania farby, czy inna faktura, albo to gra światła na powierzchni farby nie jest już taka sama, poprzez manipulację jej właściwościami odbijającymi. Jest więc wiele poprawek, w znacząco różnych formatach, z chęcią przewyższenia w kolejnym obrazie tego, co zostało zbudowane w pierwszej wersji: "Chociaż nieliczne repliki, które wykonuję, są na ogół bliskie oryginałowi lub stanowią jego przedłużenie, każda z nich ma swoje własne życie i nie jest kopią. Obecna praca wyjaśniła pewne czynniki i, paradoksalnie w tym przypadku, jest bliższa mojej pierwotnej koncepcji niż pierwsza, która nosi ślady ścierających się sił.

Bliskość między Pollockiem a Stillem badał David Anfam. Still odkrył obraz Pollocka The Moon Woman (1942) podczas wystawy w galerii Peggy Guggenheim The Art of This Century (pl), w listopadzie 43 roku. A o trzech obrazach Still'a mówi się, że są "medytacjami", w tym PH-242, z lat 1943-44. Ta przyjaźń była szczególnie widoczna w 1943 roku, kiedy Pollock namalował Mural dla Peggy Guggenheim w korytarzu jej mieszkania. Ogromne płótno, poprzez swoją przestrzeń i pustą grozę, zdaje się w istocie przywoływać amerykański Zachód, jeśli weźmiemy pod uwagę zdanie Pollocka z 1944 roku. Przyjaźń między Stillem a Pollockiem trwała do 1955 roku, nawet jeśli irytujący charakter Stilla osiągnął w latach 50. szczególnie ostry szczyt.

Obaj mieli takie przekonanie, że malarstwo jest przede wszystkim dziełem "człowieka". Odnosząc się z wyraźną przyjemnością do ostatniej wystawy Pollocka w Sidney Janis Gallery w 1955 roku, wysłał do niego list zawierający zdanie: "To było tak, że tutaj człowiek pracował, w najgłębszej pracy, jaką człowiek może wykonać, mierząc się z tym, czym jest i do czego dąży". I odwrotnie, Pollock mówi w 1955 roku "Still makes the rest of us look academic". W innym miejscu Pollock stwierdza, że "obaj (Still i on, w niektórych wersjach "wszyscy trzej" - z Rothko) zmienili naturę malarstwa". Według Davida Anfama obraz The Deep (Centre Georges Pompidou) z 1953 roku jest "nie do pomylenia" jako hołd dla Stilla.

Choć Still nigdy nie zgodził się na dzielenie sali wystawowej z innymi, na dziewięć miesięcy przed otwarciem swojej głównej retrospektywy w Metropolitan Museum w 1979 roku zdecydował się powiesić swój ogromny obraz PH-929 (1974) obok Automn Rythmn Pollocka (1950).

Krytycy chwalili czystą materialność jego malarstwa, monumentalną i dynamiczną obecność, wysublimowanego ducha jego abstrakcyjnych obrazów. Jego stosunek do rówieśników i do malarstwa uważano za prowokacyjny i bezkompromisowy, podobnie jak Davida Smitha, przyjaciela Stilla i Pollocka.

David Anfam, specjalista od abstrakcyjnego ekspresjonizmu, powiedział: "Jego prace mają trzewia, obrazy wpatrują się we mnie i w widza. Nie znam wielu innych artystów, którzy wywołują ten sam rodzaj elektrycznego ładunku - prawdziwe przerażenie. Jednak to nie tylko ten rodzaj wysokiego napięcia, który mnie chwyta, ale również to, że Stillowi udało się połączyć tę intensywność z rzadkim stopniem subtelności i delikatności. (Jego prace wywołują trzewny szok, obrazy wpatrują się we mnie i każdego widza. Nie znam wielu innych artystów, którzy wywołują ten sam rodzaj szoku elektrycznego - prawdziwy dreszcz emocji. Jednak nie tylko ten rodzaj dramatu o wysokim napięciu mnie pociąga, ale to, co również uważam za niezwykłe, to fakt, że Stillowi udało się połączyć tę intensywność z subtelnością i delikatnością w stopniu rzadko osiąganym).

W listopadzie 2011 roku w Denver otwarto muzeum w całości jemu poświęcone, w którym zgromadzono 94% jego niesprzedanych i niewystawionych prac, które przez 30 lat były usunięte z przestrzeni publicznej - 825 obrazów i 1575 prac na papierze. Wraz z żoną Patricią wpadł na pomysł stworzenia muzeum poświęconego w całości jego osobie. Zgodnie z życzeniem artysty, cała donacja jest przechowywana w jednym miejscu, w mieście, a nie w muzeum, a żadna atrakcja nie zakłóca relacji z dziełem, żadna kawiarnia, żadna księgarnia.

Źródła

1. Clyfford Still
2. Clyfford Still
3. « I have a definite feeling for the West : the vast horizontality of the land, for instance ; here only the Atlantic ocean gives you that. » (J'ai une affection essentielle pour l'Ouest: la vaste horizontalité du pays, par exemple; ici seulement l'océan Atlantique vous donne ça) : David Anfam , 2015, p. 18
4. ^ "Clyfford Still". The Phillips Collection. Archived from the original on January 22, 2010. Retrieved 21 October 2014.
5. ^ "Archived copy" (PDF). Archived from the original (PDF) on 2016-06-29. Retrieved 2020-01-03.{{cite web}}: CS1 maint: archived copy as title (link)
6. ^ Clyfford Still, San Francisco Museum of Modern Art, 1976, p.112
7. Patricia Still, p. 156 (Brief aan een vriend, mei 1951)
8. [1]
9. Guggenheim Collection online; Clyfford Still (Memento des Originals vom 20. April 2016 im Internet Archive)  Info: Der Archivlink wurde automatisch eingesetzt und noch nicht geprüft. Bitte prüfe Original- und Archivlink gemäß Anleitung und entferne dann diesen Hinweis.@1@2Vorlage:Webachiv/IABot/www.guggenheim.org abgerufen am 4. Mai 2015