Σύνοψη

Ο Alexander Porfyrovych Archipenko ήταν Αμερικανός γλύπτης ουκρανικής καταγωγής, γεννήθηκε στο Κίεβο στις 30 Μαΐου 1887 και πέθανε στη Νέα Υόρκη στις 25 Φεβρουαρίου 1964.

Γιος μηχανικού, ο Αλεξάντερ Αρχιπένκο σπούδασε επίσης μαθηματικά. Ο καλλιτέχνης ήταν γοητευμένος από τη σχέση μεταξύ τέχνης και επιστήμης. Εκπαιδεύτηκε στη ζωγραφική και τη γλυπτική στο Κίεβο και τη Μόσχα από το 1902 έως το 1906. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, γοητεύτηκε από τις βυζαντινές εικόνες, τις τοιχογραφίες και τα ψηφιδωτά στο Κίεβο. Μετά από μια παραμονή στη Μόσχα, μετακόμισε στο Παρίσι το 1908, όπου ήρθε σε επαφή με τα κινήματα της πρωτοπορίας, ιδίως με την ομάδα των κυβιστών. Εγκαταστάθηκε στο La Ruche, 2, passage de Dantzig, ένα πρώην περίπτερο κρασιού της Παγκόσμιας Έκθεσης του 1889 που μετατράπηκε σε στούντιο καλλιτεχνών. Δούλευε μόνος του, προτιμώντας να πηγαίνει στο Λούβρο για να μελετήσει την αρχαϊκή ελληνική γλυπτική παρά να πηγαίνει στη σχολή Beaux-Arts, όπου περιφρονούσε την ακαδημαϊκή διδασκαλία. Ο καλλιτέχνης είχε ήδη επιπλήξει τους δασκάλους του στη σχολή τέχνης του Κιέβου, οι οποίοι τελικά τον απέβαλαν. Επηρεασμένος από τον Ροντέν μέχρι τα έργα του που παρουσιάστηκαν στη Μόσχα το 1906, ισχυροποιήθηκε σε ηλικία 24 ετών ως ένας από τους ηγέτες της πρωτοποριακής γλυπτικής στο Παρίσι.

Το 1910, εξέθεσε στο Salon des indépendants στο Παρίσι. Την Παρασκευή 21 Απριλίου 1911, στο 27ο Salon des indépendants, τα έργα των Albert Gleizes, Jean Metzinger, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, André Lhote, Joseph Csaky και Archipenko αποτέλεσαν αντικείμενο εμπρηστικής κριτικής αντάξιας με εκείνη που προκάλεσε η έκθεση Fauve. Θεωρούμενοι ως "κύβοι-άρχοντες", ακόμη και ο Guillaume Apollinaire ήταν αμήχανος από αυτή την έκθεση. Τους καταλογίστηκε η παρέκκλιση του κυβισμού, η καρικατούρα του, ακόμη και ο αντι-ακαδημαϊσμός του. Η απουσία του Πικάσο και του Μπρακ (οι οποίοι εξέθεταν αποκλειστικά στην γκαλερί του Daniel-Henry Kahnweiler) σε αυτή την έκθεση ήταν λυπηρή.

Η πρώτη του ατομική έκθεση πραγματοποιήθηκε στη Γερμανία στο Μουσείο Folkwang Hagen το 1912. Εκείνη τη χρονιά, άνοιξε μια σχολή τέχνης στο Παρίσι και εντάχθηκε στο Section d'Or, δημιουργώντας τους πρώτους του ανάγλυφους πίνακες: τα γλυπτά. Τον Οκτώβριο του 1912, στην Galerie de la Boétie, οργανώθηκε η πρώτη έκθεση της ομάδας Section d'Or, με τους Léger, Gleizes, Metzinger, Gris, Marcel Duchamp, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Villon, Lhote, La Fresnaye, Marcoussis και Archipenko. Τριάντα ένας καλλιτέχνες με διακόσιους πίνακες χωρίς την παρουσία του Πικάσο. Η έκθεση αυτή έχει διδακτικό χαρακτήρα: ο κυβισμός εισήλθε σε θεωρητική φάση τέσσερα χρόνια μετά τη γέννησή του. Η έκθεση της ομάδας Section d'Or προκάλεσε σκληρή κριτική για τα επαναστατικά αυτά έργα: ο Apollinaire τα υπερασπίστηκε στις στήλες του στο L'Intransigeant ή σε προλόγους καταλόγων.

Το 1913, τέσσερα έργα του παρουσιάστηκαν στο Armory Show της Νέας Υόρκης. Έκανε τα πρώτα του χαρακτικά, τα οποία αναπαρήχθησαν στην ιταλική φουτουριστική έκδοση Lacerba το 1914. Συμμετείχε στο Salon des Indépendants το 1914 και στην Μπιενάλε της Βενετίας το 1920. Κατά τη διάρκεια του πολέμου, ο καλλιτέχνης έζησε στο Cimiez κοντά στη Νίκαια. Στη Νίκαια γνώρισε την καλλιτέχνιδα Marthe Donas, η οποία έμελλε να γίνει η σύντροφός του. Ακολούθησε μια έντονη καλλιτεχνική συνεργασία μεταξύ των δύο καλλιτεχνών. Από το 1919 έως το 1921, ταξίδεψε στη Γενεύη, τη Ζυρίχη, το Παρίσι, το Λονδίνο, τις Βρυξέλλες, την Αθήνα και άλλες ευρωπαϊκές πόλεις για να εκθέσει το έργο του. Η πρώτη του ατομική έκθεση στις Ηνωμένες Πολιτείες πραγματοποιήθηκε το 1921 στη Νέα Υόρκη στο Société Anonyme. Το 1923, έφυγε από το Βερολίνο για τις Ηνωμένες Πολιτείες, όπου, με την πάροδο των ετών, άνοιξε διάφορες σχολές τέχνης στη Νέα Υόρκη, το Γούντστοκ, το Λος Άντζελες και το Σικάγο. Για τα επόμενα τριάντα χρόνια, δίδαξε στις Ηνωμένες Πολιτείες σε σχολές τέχνης και πανεπιστήμια, ακόμη και στο βραχύβιο New Bauhaus. Έγινε Αμερικανός πολίτης το 1928.

Το 1933, εξέθεσε στο Ουκρανικό Περίπτερο στο Σικάγο στο πλαίσιο της Παγκόσμιας Έκθεσης Century of Progress. Από το 1937 έως το 1939, ήταν αναπληρωτής καθηγητής στη Νέα Σχολή Βιομηχανικών Τεχνών του Bauhaus στο Σικάγο. Τα περισσότερα έργα του καλλιτέχνη στα γερμανικά μουσεία κατασχέθηκαν από τους Ναζί με σκοπό την εκκαθάριση της εκφυλισμένης τέχνης. Το 1947 δημιούργησε γλυπτά που φωτίζονταν από μέσα. Το 1955 και το 1956 συνόδευσε μια περιοδεύουσα έκθεση του έργου του σε όλη τη Γερμανία. Άρχισε να γράφει το βιβλίο του Archipenko: 50 χρόνια δημιουργίας 1908-1958, το οποίο εκδόθηκε το 1960. Το βιβλίο περιέχει εισηγήσεις πενήντα ιστορικών τέχνης και κείμενα του Αρχιπένκο για την καλλιτεχνική δημιουργία. Το 1962 εξελέγη μέλος της Αμερικανικής Ακαδημίας Τεχνών και Γραμμάτων.

Για τον Archipenko, "είναι δύσκολο να κατατάξουμε το έργο ενός καλλιτέχνη σε περιόδους". Και προσθέτει: "Ποτέ δεν ανήκα σε σχολεία: με απέβαλαν από σχολεία. Έκανα έρευνα, επινόησα και πειραματίστηκα, και μετά με μιμήθηκαν... Για κάθε καλλιτέχνη, η τέχνη είναι μια δημιουργική ανοδική ροή προς την ατομική ανακάλυψη της αλήθειας στις μορφές της φύσης και οι περίοδοι είναι μόνο κουτιά στο μυαλό των κριτικών.

Το πρόβλημα που θέτει η γλυπτική σύμφωνα με τον Αρχιπένκο είναι ο όγκος και η σύνδεση των μαζών μεταξύ τους. Σε αυτό είναι ακόμη πιο ακραίος από τους σύγχρονους γλύπτες όπως ο Brancusi ή ο Duchamp-Villon, οι οποίοι, όπως και ο ίδιος, είναι μέλη της ομάδας της Χρυσής Τομής. Το κύριο θέμα του είναι αυτό του κενού, το οποίο έχει τη δύναμη του απόντος αντικειμένου και έτσι δημιουργεί όγκο. Η απλοποίηση και η προφανής παρουσία των όγκων, διατηρώντας παράλληλα την παραστατική όψη, είναι οι αρχές της γλυπτικής του. Η τέχνη του, που χαρακτηρίζεται από μεγάλη μαθηματική αυστηρότητα, αφήνει κυρίαρχη θέση στο γυναικείο σώμα. Του αρέσει να θυμάται την πανταχού παρούσα παρουσία των πέτρινων ειδώλων των αρχαίων Σλάβων στην παιδική του ηλικία.

Ο Πικάσο είχε αναπτύξει τους πρώτους κανόνες αυτής της γλυπτικής γραμματικής: πολυχρωμία, ενσωμάτωση των πιο διαφορετικών υλικών, ρυθμική χρήση των επιπέδων και εμφάνιση ανοιχτών μορφών. Όπως και η ζωγραφική, η κυβιστική γλυπτική ασχολείται κυρίως με τη σχέση μεταξύ αντικειμένων και χώρου, με τους όγκους και τα κενά που τα χωρίζουν ή στα οποία εισάγονται. Η επιρροή του ιταλικού φουτουρισμού, ιδίως μέσω του Boccioni, τον οποίο ο Archipenko γνώρισε το 1912, οδήγησε στη διαμόρφωση δυναμικών μορφών. Ο Archipenko διερεύνησε ιδιαίτερα τη διαλεκτική των κοίλων και κυρτών μορφών.

Ανέπτυξε ένα προσωπικό ύφος με στερεομετρικά απλουστευμένες σωματικές μάζες, χωρικά όρθιες φιγούρες, λοξές φόρμες, αιχμηρές γωνίες, κρυστάλλινα σπασίματα από τον τυπικό κατάλογο του κυβισμού και εμπνεύστηκε επίσης από τον μανιερισμό.

Με εξαίρεση τον Boccioni, κανένας γλύπτης δεν έχει θέσει την ανάλυση του χώρου, το κεντρικό πρόβλημα αυτής της δεκαετίας, ως απόλυτο. Κανένας καλλιτέχνης δεν έχει ωθήσει την αλληλεπίδραση μεταξύ όγκου και κενού με τόσο προσωπικό τρόπο προς εκφραστικούς και λυρικούς, δυναμικούς και αγαλματένιους τομείς. Έχει επιτύχει μια ένωση μεταξύ της τυπικής αυστηρότητας και της παιχνιδιάρικης έκκλησης. Έχει ενοποιήσει σε μια μορφή τα τέσσερα ασύλληπτα στοιχεία: τον χώρο, τη διαφάνεια, το φως και την αντανάκλαση, με αποτέλεσμα ένα σύγχρονο γλυπτό με κοίλη μορφή.

Το Torso (1909) είναι το πρώτο του γλυπτό με κυβιστικές τάσεις. Δείχνει πώς διαλύει τους όγκους και τους διατρυπά για να κάνει τον χώρο να διεισδύσει.

Το 1909 και το επόμενο έτος, δεν γνώριζε ακόμη τίποτα για τον κυβισμό και εμπνεύστηκε από τα διπλωμένα γλυπτά του Barlach ή του Köllwitz (Γυναίκα και γάτα το 1910 ή Γυναίκα με γάτα το 1911). Το 1911-12, ξεδιπλώνονται, και αισθάνεται κανείς την κυβιστική επιρροή στους πρησμένους μηρούς και τα χέρια του ή, αντίθετα, έναν ετικισμό (Γυναίκα που περπατάει το 1912). Από το 1911 και μετά, συμμετείχε ενεργά στο κυβιστικό κίνημα. Τα πλαστικά προβλήματα που αντιμετώπιζε η γλυπτική του εκείνη την εποχή ήταν εντελώς νέα: οι πλήρεις όγκοι, η σχέση μεταξύ κενών και πλήρων όγκων σε κοίλα. Ήθελε να συμβολίσει την "απούσα πραγματικότητα". Με το Femme qui marche το 1912, γλίτωσε για πρώτη φορά ένα κεφάλι σε αρνητικό. Το 1912, προσδιόρισε το αγαπημένο του θέμα: τη διαπερατότητα του σώματος και του χώρου, την ανάπτυξη κοίλων και κυρτών καμπυλών, ώστε η γλυπτική μορφή να γίνεται κατά κάποιο τρόπο αισθητή μέσα από τη μήτρα της. Αναπτύσσει τη δική του θεωρία των συμπληρωματικών μορφών: κάθε κενό δημιουργεί τη φανταστική του αντίθεση.

Με το έργο Medrano, που δημιουργήθηκε το 1912, δημιούργησε το πρώτο του assemblage από διάφορα ζωγραφισμένα υλικά (γυαλί, ξύλο και μέταλλο). Με συνεχή καλλιτεχνική έρευνα, ανέπτυξε νέες μεθόδους δημιουργίας και δημιούργησε μια αλληλεπίδραση μεταξύ ζωγραφικής και γλυπτικής. Με το Medrano I Le Jongleur, το 1912, χρησιμοποίησε ξύλο, γυαλί και μεταλλικό σύρμα. Οι Medrano είναι αρθρωτές κούκλες που μοιάζουν με ξύλινους αρλεκίνους και χρησιμοποιούν γυαλί, μεταλλικό φύλλο, σύρμα, κυλινδρικούς κώνους και δίσκους που ενεργοποιούνται με πολύχρωμο χρώμα. Με αυτή την απελευθέρωση της μορφής, ο Archipenko ήρθε σε ρήξη με την παραδοσιακή γλυπτική και καθιερώθηκε ως ένας από τους δασκάλους της πρωτοπορίας. Αναβίωσε ένα είδος που είχε παραμεληθεί από τον 17ο αιώνα από τη δυτική γλυπτική, την πολυχρωμία.

Τα γλυπτά-ζωγραφικά έργα του που δημιουργήθηκαν το 1912 είναι ζωγραφισμένα ανάγλυφα από γύψο. Μεταξύ ζωγραφικής και γλυπτικής, μελέτησε την αμοιβαία σχέση μεταξύ φόρμας και χρώματος, όπου το ένα τονίζει ή μειώνει το άλλο. Οι δύο αυτές τέχνες ενοποιούνται ή αντιπαρατίθενται σε οπτικό και πνευματικό επίπεδο, ανάλογα με τον στόχο.

Από το 1913 έως το 1916, η μορφή κυριάρχησε στην πραγματικότητα. Με τον Χορό το 1912, καθόρισε έναν ανερχόμενο εσωτερικό χώρο που διαπνέεται από ελαφρότητα μέσω του αραβουργήματος που σχηματίζει ένα ζευγάρι. Οργάνωσε αυτό το γλυπτό γύρω από το κενό. Σε αυτό το έργο για το κενό και την πληρότητα, φρόντισε να μην ολοκληρώσει τα σώματα, τα άκρα των οποίων σταμάτησε όταν η πλαστικότητα του το επέβαλε, εισάγοντας το κενό ως ενδιαφερόμενο, όπως στη Γυναίκα το 1915, της οποίας το κεφάλι σχεδιάζεται γύρω από ένα κενό.

Το 1913, δημιούργησε ένα συρμάτινο γλυπτό που ο Apollinaire ονόμασε "en baleine de parapluie". Αργότερα, η αντιμετώπιση του κυβισμού θα στραφεί προς τον κονστρουκτιβισμό.

Με το έργο La Boxe το 1913, ο καλλιτέχνης προσπάθησε να μεταφράσει τη βίαιη ενέργεια του αθλητισμού σε αφηρημένες μορφές. Οι πυγμάχοι μετατρέπονται σε αιχμηρά σχήματα που αλληλοσυμπλέκονται και συγκρούονται βίαια, οι μύες αντικαθίστανται από ρυθμική ενέργεια.

Το Tête constructiviste (1913) αποτελείται από μια συναρμογή επιπέδων. Το έργο The Gondolier (1914) αποτελείται από ελαφρώς μετατοπισμένα τμήματα, προκειμένου να δώσει την αίσθηση της κίνησης στη φουτουριστική προοπτική. Με τη νεκρή φύση (1915), αυτός ο καινοτόμος δίνει επίσης έναν από τους σπάνιους πίνακές του σε ανάγλυφο.

Με την άφιξή του στις Ηνωμένες Πολιτείες στις αρχές της δεκαετίας του 1920, αγκάλιασε την παράδοση: επικρατεί η ομαλότητα, η τελειότητα και η χαλαρότητα. Με το Femme (1920), επέστρεψε αμέσως στη γλυπτική με μια ψηλή μεταλλική φιγούρα πάνω σε ζωγραφισμένο πίνακα. Έγινε παραδοσιακός.

Από το 1924 έως το 1928 ανέπτυξε το Archipentura.  Τα archipeintura του 1924 είναι καμβάδες που τίθενται σε κίνηση από έξυπνα κρυμμένα μοτέρ: ένας ηλεκτρικός μηχανισμός στη βάση της συσκευής θέτει σε κίνηση το κεντρικό πλαίσιο και χιλιάδες ζωγραφισμένα θραύσματα εμφανίζονται διαδοχικά στην επιφάνεια για να σχηματίσουν μια πλήρη εικόνα. Η εφεύρεση αυτή εφαρμόστηκε στη Νέα Υόρκη. Η έρευνά του ήταν πάντα η οπτική εμψύχωση των έργων του, είτε με τη διάτρησή τους στη μάζα, ώστε να τα διαπερνά ο χώρος, είτε με τη χρήση υλικών όπως το γυαλί, το ξύλο ή το μέταλλο, ακόμη και για τα γλυπτά-ζωγραφικά του έργα με την προσθήκη χρώματος.

Το En Famille (1935) είναι ένα συμπυκνωμένο έργο επηρεασμένο από τον κονστρουκτιβισμό.

Στις δύο διαστάσεις, υπάρχει επίσης ένα εξαιρετικό έργο, όπως αυτή η γυναικεία φιγούρα με γκουάς, της οποίας οι εναλλασσόμενες καφέ και λευκές μάζες δημιουργούν το ανάγλυφο του σώματος (Moonlight in 1937).

Στις δεκαετίες του 1940 και του 50, συνέχισε τις καλλιτεχνικές του αναζητήσεις χρησιμοποιώντας υλικά και τεχνικές. Για παράδειγμα, για το Σχήμα assise, χρησιμοποίησε κομμένο και αναμμένο πλαστικό. Επαναλαμβάνει τις αρχικές του φόρμες, οι περισσότερες από τις οποίες είχαν εξαφανιστεί, σε γιγαντιαία σχήματα (Figures d'acier το 1951, Cléopâtre το 1957). Τη δεκαετία του 1950 συνειδητοποίησε ότι είχε κάνει λάθος στον προσανατολισμό του για κάποιο χρονικό διάστημα και άρχισε να παστίχει τις αρχές του ή να τις ανακατασκευάζει, καθώς πολλά από τα έργα του δεν επέζησαν από τον Α' Παγκόσμιο Πόλεμο.

Από τα τέλη της δεκαετίας του 1950 και μετά, επέστρεψε στο κυβο-κονστρουκτιβιστικό του στυλ, με εξαιρετικά γεωμετρικές φιγούρες, διατηρώντας τα σημαντικά κενά, και τις περισσότερες φορές συμμετρικές (Kimono το 1961 ή Roi Salomon το 1963).

Πηγές

1. Αλεξάντερ Αρχιπένκο
2. Alexander Archipenko
3. ^ "Alexander Archipenko". Retrieved 27 July 2022.
4. ^ Donald H. Karshan, Archipenko, Content and Continuity 1908–1963, Kovlan Gallery, Chicago, 1968. p. 40.
5. ^ Halich, W. (1937) Ukrainians in the United States, Chicago ISBN 0-405-00552-0
6. ^ "Deceased Members". American Academy of Arts and Letters. Archived from the original on 26 July 2011. Retrieved July 30, 2011.
7. https://www.collectienederland.nl/dimcon/defundatie/1998
8. a b Integrált katalógustár. (Hozzáférés: 2014. április 26.)
9. a b SNAC (angol nyelven). (Hozzáférés: 2017. október 9.)
10. Integrált katalógustár. (Hozzáférés: 2014. december 11.)