Zusammenfassung

Der Begriff Barock wurde in der Geschichtsschreibung eingeführt, um die stilistischen Strömungen zu klassifizieren, die Architektur, Malerei und Skulptur und damit auch Poesie und Literatur zwischen dem 17. und der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts prägten. Der Begriff "Barock" wurde ab dem frühen 20. Jahrhundert zur Definition eines Musikstils verwendet, wie in Curt Sachs' Aufsatz Barokmusik von 1919 zu lesen ist.

Im Bereich der Musik kann der Barock als eine Weiterentwicklung der in der Spätrenaissance gereiften Ideen betrachtet werden, weshalb es schwierig und sogar willkürlich ist, den Beginn und das Ende der Barockzeit in der Musik chronologisch genau abzugrenzen. Geografisch gesehen hat die Barockmusik ihren Ursprung in Italien, dank der Arbeit von Komponisten wie Claudio Monteverdi, obwohl sie sich gegen Mitte des 17. Jahrhunderts auch in anderen europäischen Ländern zu etablieren und zu entwickeln begann, entweder durch italienische Musiker (Komponisten, Sänger, Instrumentalisten), die dorthin ausgewandert waren, oder durch einheimische Komponisten, die eine eigenständige stilistische Ausrichtung entwickelten, wie zum Beispiel in Frankreich ab der zweiten Hälfte des 17.

Der Begriff "Barockmusik" wird nach wie vor für alle Musikgattungen verwendet, die sich zwischen dem Niedergang der Renaissancemusik und dem Aufkommen des galanten und dann des klassischen Stils entwickelt haben, und zwar in einer Zeitspanne, die nach den Periodisierungsschemata der großen Musiklexika und bibliografischen Repertorien von 1600 (dem ersten unversehrt überlieferten Werk) bis 1750 (dem Tod von Johann Sebastian Bach) reicht. Der Begriff "Barockmusik" ist zwar in den allgemeinen Sprachgebrauch eingegangen, die damit verbundene Periodisierung wird jedoch von der Musikwissenschaft praktisch nicht mehr verwendet, da die extreme Vielfalt der Stile und die übermäßige zeitliche und geografische Ausdehnung eine einheitliche und kohärente Betrachtung der verschiedenen Erscheinungsformen der Musikkunst nicht zulassen. Das Problem war bereits dem Musikwissenschaftler Manfred Bukofzer bewusst, der 1947 das Buch Musik im Barock von Monteverdi bis Bach veröffentlichte, das lange Zeit ein Nachschlagewerk geblieben ist, wobei er es bezeichnenderweise vorzog, schon im Titel von Musik im Barock und nicht von "Barockmusik" zu sprechen. Mit anderen Worten: Für Bukofzer existierte die Barockmusik, verstanden als einheitlicher und organischer Stil, nicht. Deshalb schlug er vor, stattdessen das Kriterium der Unterscheidung zwischen den drei großen Stilen zu übernehmen, die die abendländische Musik zwischen dem Ende des 17. und der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts durchzogen: der italienische konzertante Stil, der deutsche kontrapunktische Stil und der französische Instrumentalstil; und dann eine weitere Zweiteilung vorzunehmen, nämlich die zwischen dem instrumentalen Idiom und dem vokalen Idiom. Sie setzt jedoch eine starre Sichtweise der musikalischen Phänomene voraus, die mit einer nationalistischen Ideologie des 19. Jahrhunderts verbunden ist, die im Widerspruch zu den historischen Fakten steht und die Zirkulation von Ideen, sozialen und musikalischen Praktiken sowie Musikern und Musik im Europa des 17. und 18. Der Musikwissenschaftler Lorenzo Bianconi weigerte sich 1982 in einem von der Società Italiana di Musicologia herausgegebenen Band der Storia della musica, der der Musik des 17. Jahrhunderts gewidmet ist, den Begriff "Barock" oder gar "Musik des Barockzeitalters" zu verwenden, da es sich um unterschiedliche und gegensätzliche Phänomene handele und so viele Strömungen und Traditionen die Musik dieser historischen Periode prägten. Im Allgemeinen spricht man heute in der Musikwissenschaft statt von "Barockmusik" lieber von "Musik des 17. Jahrhunderts", wobei man diese Periodisierung nicht nur auf die im 17. Jahrhundert entstandene Musik, sondern auch auf die der in diesem Jahrhundert geborenen Komponisten ausdehnt oder das frühe 18, Jahrhundert als "das Zeitalter von Bach und Händel" zu definieren, den größten Komponisten dieser Zeit, die mit der aus dem 17. Jahrhundert übernommenen Musiksprache und einer auf dem Kontrapunkt basierenden Komposition verbunden sind, die allerdings auf der modernen Tonalität und der damit verbundenen Harmonie und deren Ausnutzung im expressiven Sinne beruht. Die Musik der beiden großen deutschen Komponisten ist sowohl durch Elemente des italienischen Stils

Der Begriff "Barock", der vom lateinischen verruca (Warze) abgeleitet ist, tauchte in den neulateinischen Sprachen des 16. und 17. Jahrhunderts auf (berruecca im Portugiesischen, barrucco im Spanischen, baroque im Französischen) und bezeichnete deformierte oder unregelmäßige Perlen oder Edelsteine. In der französischen Kultur des 18. Jahrhunderts wurde Barock zu einer ästhetischen Kategorie, mit der Kunstwerke bewertet wurden, die als zu unnatürlich, unregelmäßig, gezwungen oder pompös angesehen wurden. Im Bereich der Musik war es der Philosoph Jean-Jacques Rousseau, der in seinem Dictionnaire de musique (1768) von musique baroque sprach, um eine Musikgattung zu definieren, in der "die Harmonie verworren, mit Modulationen und Dissonanzen überladen, der Gesang hart und unnatürlich, die Intonation schwierig und die Bewegung erzwungen ist". Ziel der harschen Kritik war vor allem die Musik der Opern von Rameau, Lully und anderen Franzosen, deren Stil mit der Natürlichkeit der italienischen Oper kontrastiert wurde; die Kritik hätte sich aber auch auf die Musik von Bach und Händel beziehen können. In der Tat hatte der deutsche Musikkritiker Johann Adolph Scheibe 1737, auch ohne den Begriff "Barock" zu verwenden, in ähnlichen Worten wie Rousseau heftige Kritik an Bach geübt, dessen Musik seiner Meinung nach "ampullosa und verworren" sei, die "Natürlichkeit erstickt und die Schönheit verdunkelt" habe durch eine allzu komplexe und künstliche Komposition. In diesem Sinne kann die italienische Oper der Mitte des 18. Jahrhunderts und insbesondere die so genannte "neapolitanische" Oper, die seit den 1830er Jahren die europäischen Bühnen beherrschte, gerade wegen der Natürlichkeit des Gesangs und der Vorherrschaft der leicht zu hörenden Harmonie gegenüber dem Kontrapunkt, nicht richtig in die Sphäre der Barockmusik eingeordnet werden, da sie nach dem Urteil der Zeitgenossen im Gegensatz zu dieser stand. Berühmt ist das vernichtende, aber anschauliche Urteil, das Händel 1745 über den aufstrebenden Opernkomponisten Christoph Willibald Gluck, eine der führenden Figuren des Musiktheaters in jenem Jahrhundert, fällte: "Er weiß nicht mehr vom Kontrapunkt als mein Koch Walzer". Die von Rousseau formulierte Definition der "Barockmusik", die sich auf einen bestimmten Kompositionsstil bezog, der nun in der Musikästhetik des 18. Jahrhunderts überholt schien, wurde von einem der führenden deutschen Theoretiker, Heinrich Christoph Koch, aufgegriffen, der in seinem Musikalischen Lexicon (1802) die Definition des französischen Philosophen fast wörtlich aufgriff. In einem abwertenden Sinne wurde der Begriff "Barock" weiterhin verwendet, um Äußerungen in der Kunst, aber auch in der Musik zu bezeichnen, die von der kanonischen Ästhetik abwichen, die von Kritikern und Theoretikern im späten 18. und in der ersten Hälfte des 19. Erst in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts wurde der Begriff Barock zur Bezeichnung des künstlerischen Stils einer Epoche nach der Renaissance. Jacob Burckhardt widmete in seinem Handbuch Der Cicero (1855) der nachmelancholischen Kunst ein Kapitel mit dem Titel Barockstil und wies auf ihre dekadenten Aspekte im Vergleich zur Renaissance hin. Gegen Ende des 19. Jahrhunderts belebte Heinrich Wölflin den Begriff in einem historischen Sinne neu,

Analog zu anderen Kunstformen dieser Zeit zielte die Barockmusik darauf ab, den Hörer zu verblüffen und zu unterhalten. Charakteristische Elemente der musikalischen Produktion dieser Zeit sind plötzliche Tempowechsel, Passagen von großer instrumentaler oder vokaler Virtuosität und die Verwendung von Kontrapunkt und Fuge sowie ein ausgeprägter Sinn für Improvisation.

Der kolossale Barock

Als Kolossalbarock bezeichnet man eine Reihe von Kompositionen aus dem 17. bis 18. Jahrhundert, die in opulenter, prunkvoller und groß angelegter Weise geschrieben wurden. Jahrhundert, die in opulenter und groß angelegter Weise komponiert wurden. Außerdem wurden in diesen Werken mehrchörige Techniken verwendet, und sie zeichneten sich häufig durch eine überdurchschnittlich große Anzahl von Instrumenten aus. Der erste kolossale Barock war ein italienischer Stil, der die Erfolge der Gegenreformation darstellen sollte. Die Stücke hatten in der Regel 12 oder mehr Stimmen, aber es ist offensichtlich, dass polychorische Aspekte nicht immer den großen Raum betrafen (z. B. gibt es in Vincenzo Ugolinis Exultate Omnes Passagen in Dreierbesetzung für alle Soprane, Tenöre und Altstimmen; dies wäre absurd erschienen, wenn man es in einem großen Raum gespielt hätte). Nichtsdestotrotz wurden einige Werke von den Sängern und Instrumentalisten im Salzburger Dom auf angenehme Weise aufgeführt.

Ein weiterer Komponist des kolossalen Barocks war Orazio Benevoli, der mit Heinrich Ignaz Franz Biber und Stefano Bernadi als Komponist der Missa Salisburgensis verwechselt wurde.

Die Musik des kolossalen Barocks war ein philosophischer Teil der Gegenreformation und verbreitete sich über die Alpen, in das österreichische Kaiserreich, nach Wien und Salzburg, wo mehrstimmige Kompositionen für besondere Anlässe geschrieben wurden, die jedoch nicht veröffentlicht wurden, was uns heute daran hindert, zahlreiche Werke italienischer Meister wie Valentini (einige für 17 Chöre), Priuli, Bernardi (die Messe zur Einweihung des Salzburger Doms) und andere kennen zu lernen.

Frühbarock

Die Camerata de' Bardi war eine Gruppe von Humanisten, Musikern, Dichtern und Intellektuellen im Florenz der Spätrenaissance, die sich unter der Schirmherrschaft von Giovanni Bardi, dem Grafen von Vernio, zusammenfand, um die künstlerische Mode der Zeit, insbesondere in der Musik und im Theater, zu diskutieren und zu beeinflussen. Was die Musik anbelangt, so beruhten ihre Ideale auf der Rezeption des Wertes von Rede und Vortrag in der Musik des klassischen, insbesondere des griechischen Theaters. Die Camerata lehnte daher die Instrumentalmusik und die aus unabhängigen melodischen Linien bestehende Polyphonie ihrer Zeitgenossen ab und griff auf altgriechische musikalische Mittel wie die Monodie zurück, die aus einer von der Zither begleiteten Solo-Gesangslinie bestand. Eine frühe Verwirklichung dieser ästhetischen Ideen stellen die Werke Daphne, die erste Komposition, die als Oper bezeichnet werden kann, und Eurydike von Jacopo Peri dar.

In der Musiktheorie jener Zeit verbreitete sich die Verwendung des Chiffrenbasses, der den Beginn der sehr wichtigen Rolle der Harmonie in der musikalischen Komposition definiert, auch als vertikale Grundlage der Polyphonie selbst. Die Harmonie kann als das Endergebnis des Kontrapunkts betrachtet werden, wobei der Chiffrenbass eine grafische Darstellung der üblicherweise verwendeten Harmonien ist.

Mittelbarock

Der Begriff "Concerto grosso" bezieht sich auf eine Praxis der Kirchenmusik des 17. Jahrhunderts, bei der Stimmen und Instrumente in zwei Gruppen aufgeteilt wurden: eine Gruppe, die aus einigen ausgewählten Solisten bestand und als "Concertino" bezeichnet wurde, und eine Gruppe, die aus einer größeren Gruppe von Stimmen und Instrumenten bestand.

Das Solokonzert

Antonio Vivaldi wird im Allgemeinen als Erfinder des Solokonzerts angesehen, d. h. der Weiterentwicklung des "Concerto grosso" zu einer Musikform mit einem oder mehreren Soloinstrumenten, denen eine "obligate" Stimme zugewiesen wird.

Die Suite

Die Form der Suite geht auf die Praxis zurück, den Tanz mit einer mehr oder weniger großen Anzahl von Stimmen oder Instrumenten zu begleiten und zu unterstützen. Der Begriff Suite taucht jedoch erstmals in einer Sammlung auf, die der französische Komponist Philippe Attaignant 1529 veröffentlichte. Die Praxis, die Benennung und Abfolge der verschiedenen Tänze streng zu kodifizieren, ist jedoch viel später und tritt auf, wenn die Suite zu einer Abfolge von Stücken wird, die den Charakter von rein imaginären Tänzen haben, weil sie nur zum Hören gedacht sind. Johann Jakob Froberger, einem Schüler von Girolamo Frescobaldi, verdanken wir die Reduktion der Suite auf ihre vier "Grundtänze" (Allemande, Corrente, Sarabande und Gigue), und dies sollte das Grundmodell sein, dem Johann Sebastian Bach für einige seiner Suiten folgen sollte (seine Englischen Suiten beispielsweise sind in acht Tänze unterteilt).

In einigen Suitenarten leitet ein Präludium die Abfolge der Tänze ein, in Ausnahmefällen gibt es eine Ouvertüre, eine Präambel, eine Fantasia oder eine Toccata. Zwischen der Sarabande und der Jig gibt es Tänze wie die Gavotte, die Siciliana, die Bourrée, die Loure, das Menuett, die Musetta, den Double und die Polonaise, während die Tänze nach der Jig in der Regel die Passacaglia und die Ciaccona sind.

Die Sonate

Das ursprüngliche Modell der Sonate tauchte gegen Ende des 16. Jahrhunderts in Venedig auf, dank der Organisten und Violinisten, die an der Kapelle des Markusdoms tätig waren, aber die Idee einer von der Vokalmusik völlig autonomen Instrumentalform setzte sich in dem anderen großen musikalischen Zentrum Italiens jener Zeit durch: der Basilika San Petronio in Bologna. Hier löst sich die kontrapunktische Verflechtung der Renaissancesonate in ihre beiden verborgenen Polaritäten auf: auf der einen Seite der "basso continuo", auf der anderen das freie Improvisationsspiel der Oberstimmen. So entstand der Prototyp der so genannten "sonata a tre", deren Ensemble aus dem Generalbass und zwei Melodieinstrumenten besteht. Ab der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts teilte sich die Triosonate in zwei komplementäre Formen auf: zum einen die "Kirchensonate", die ursprünglich die fehlenden Teile der Vokalliturgie ersetzen sollte und daher durch eine strenge kontrapunktische Schreibweise gekennzeichnet war, und zum anderen die "Kammersonate", die ursprünglich zur Unterhaltung gedacht war und daher durch die für Tanzformen typische rhythmisch-melodische Schreibweise gekennzeichnet war. Einer der bekanntesten Sonatenkomponisten des Barock ist Domenico Scarlatti, der nicht weniger als 555 Sonaten für Cembalo solo komponiert hat.

Die Arbeit

Die Oper wurde gegen Ende des 16. Jahrhunderts in Florenz in der Camerata de'Bardi geboren und erfreute sich dank Claudio Monteverdi im Barockzeitalter großer Beliebtheit, wobei sie sich vor allem in Rom, Venedig und später (in den letzten Jahrzehnten des 17. Jahrhunderts) in Neapel etablierte. Ursprünglich war die Aufführung den Höfen vorbehalten und somit für eine Elite von Intellektuellen und Aristokraten bestimmt. Mit der Eröffnung des ersten öffentlichen Theaters im Jahr 1637, dem Teatro San Cassiano in Venedig, erhielt sie den Charakter einer Unterhaltungsoper. Die Strenge der frühen Oper, die noch von der Ästhetik der Spätrenaissance durchdrungen war, wurde dann von einer Vorliebe für die Vielfalt der Musik, der Situationen, der Charaktere und der Handlungen abgelöst; während die Arienform mit ihrer fesselnden Melodie und der Möglichkeit zu gesanglichen Darbietungen dem Rezitativ der Dialoge und damit dem literarischen Aspekt zunehmend den Raum stahl, wurde der Gesang immer blumiger. Zu den größten italienischen Vertretern der Barockoper zählen Francesco Cavalli (Il Giasone und L'Ercole amante) und Alessandro Scarlatti (Il Tigrane e Griselda).

In der Zwischenzeit hat Jean-Baptiste Lully, ein italienischer Komponist, der nach Frankreich ausgewandert ist, die französische Oper ins Leben gerufen. In ihr wird das typisch italienische Cantabile, das sich schlecht an die französische Sprache anpasst, zugunsten einer strengeren musikalischen Interpretation des Textes aufgegeben. Der Gesangsstil ist strenger und deklamatorischer, und es wird überwiegend silbisch gesungen. Weitere Unterscheidungsmerkmale zum italienischen Vorbild sind die Bedeutung, die der Choreographie beigemessen wird, und die fünfaktige Struktur, die die französische Opera seria bis zum Ende des 19. Jahrhunderts beibehält. Jahrhunderts beibehalten wurde. So entstanden die Tragédie-lyrique und das Opéra-ballet.

Im 18. Jahrhundert wurde die italienische Oper von den Dichtern Apostolo Zeno und Pietro Metastasio reformiert, die eine Reihe von formalen Regeln für die dramaturgische Struktur und den metrischen Aufbau der Arien aufstellten, indem sie die so genannten aristotelischen Einheiten anwandten und sich ausschließlich dem ernsten Genre widmeten.

Zenos und Metastasios Entscheidung, alle komischen Elemente aus dem ernsten Musiktheater zu verbannen, führte zur Geburt der komischen Oper, zunächst in Form von Intermezzos, dann als Opera buffa.

Die Kantate

Die Kantate ist eine vokale Musikform italienischen Ursprungs, die typisch für die Barockmusik ist und aus einer Folge von Stücken wie Arien, Rezitativen, Concertati und Chornummern besteht. Sie hat eine gewisse Verwandtschaft mit der Barockoper, aber die Aufführung findet ohne Bühnenrequisiten oder Kostüme statt, und die Aufführung ist kleiner.

Bei den Kantaten kann es sich um geistliche (oder Kirchenkantaten) handeln, die zumeist von Ereignissen aus der Heiligen Schrift inspiriert sind, oder um weltliche (oder Kammerkantaten), die sich in der Regel mit mythologischen oder historischen Themen befassen und in Latein oder der Volkssprache verfasst sind.

In Italien waren die wichtigsten Komponisten von Kantaten Giacomo Carissimi, Alessandro Scarlatti, Giovanni Bononcini, Antonio Caldara und Antonio Vivaldi.

Wichtig in Deutschland waren Georg Friedrich Händel, Georg Philipp Telemann, Dietrich Buxtehude.

Der Begriff der "geistlichen Kantate" ist Johann Sebastian Bach fremd: Er wurde erst im 19. Jahrhundert geprägt, um kirchliche Kompositionen des 18. Jahrhunderts auf einen geistlichen Text zusammenzufassen, der von der Heiligen Schrift inspiriert ist und von Chor und Solisten mit Instrumentalbegleitung gesungen wird. Einen Wendepunkt in der Geschichte der deutschen Kirchenkantate markiert die Veröffentlichung einer Anthologie von Texten für Kirchenkantaten durch den protestantischen Pfarrer Erdmann Neumeister im Jahr 1704. Inspiriert von den poetischen Formen der Oper, des Oratoriums und der Kantate nach italienischem Sprachgebrauch gliederte Neumeister die Verse seiner Texte in Arien, Rezitative, Concertati und Chornummern und gab damit jedem Komponisten ein bequemes formales Modell an die Hand, das er entsprechend dem Stil seiner Zeit vertonen konnte. Johann Sebastian Bach folgte in vielen Fällen dem von Neumeister angebotenen "Kantaten"-Modell, obwohl er auch andere, traditionellere Modelle verwendete, wie die so genannten "Choral-Kantaten", in denen er den Text eines lutherischen Chorals verwendete, der in mehrere Nummern unterteilt war, von denen jede mit einer Strophe des Textes übereinstimmte.

Ursprünglich bezeichnete der Begriff "Choral" im Allgemeinen den monodischen Gesang ohne Begleitung der christlichen Liturgie. Mit dem Aufkommen der lutherischen Reformation bezeichnete das Wort den ebenfalls monodischen Gesang der lutherischen Kirche und anderer sogenannter "protestantischer" Konfessionen. Der musikalische Kern der lutherischen Reformation ist ein neuer Bestand an monodischen Liedern, oft von extremer Einfachheit und melodischer Konzentration. Die Texte gehören zur Sprache der reformierten Liturgie, dem Deutschen, und verlassen endgültig das traditionelle Latein der katholischen Kirchenväter. Die neuen "Choräle" können sowohl choraliter, also einstimmig, als auch figuraliter, also mehrstimmig, gesungen werden, und zwar dank der einfachen Harmonisierung der grundlegenden Gesangslinie. Diese seit Mitte des 16. Jahrhunderts übliche Praxis wurde in den folgenden Jahrhunderten von allen deutschen Komponisten im Dienste der lutherischen Gemeinden angewandt, auch von J.S. Bach. J.S. Bachs Kirchenkantaten beginnen in der Regel, wenn auch mit zahlreichen Ausnahmen, mit einem nicht-polyphon gesungenen Choral, gefolgt von Arien, Rezitativen und Concertati und schließen mit einem vier- oder fünfstimmigen harmonisierten Choral oder einer Chornummer.

Das Oratorium

Kantatengattung, die zu Beginn des 17. Jahrhunderts entwickelt wurde, um Gebets- und Predigtversammlungen, die außerhalb der Liturgie stattfanden, in den Oratorien religiöser Bruderschaften oder Kongregationen attraktiver und feierlicher zu gestalten. Aufgrund ihres ursprünglichen Aufführungsortes erhielt diese Art von Kantate den Namen Oratorium. Wie andere Formen der Musikdichtung hat auch das Oratorium Verse für Rezitative und Arien, manchmal auch für Chornummern. Die Themen der Texte sind der Heiligen Schrift entnommen, wobei die Figuren eine dramatische Handlung nur singend, nicht aber schauspielerisch auf der Bühne und ohne Kostüme vollziehen. Es gibt auch weltliche Oratorien mit mythologischen oder historischen Themen. Die Texte sind im Allgemeinen in der Volkssprache verfasst, auch wenn es eine Minderheit von Oratorien in lateinischer Sprache gibt. Zu den wichtigsten Komponisten von Oratorien gehören: Giacomo Carissimi, Bernardo Pasquini, Giovanni Bicilli, Giovanni Legrenzi, Alessandro Stradella, Giovanni Paolo Colonna, Giacomo Antonio Perti, Alessandro Scarlatti, Giovanni Battista Pergolesi, Marc-Antoine Charpentier, Heinrich Schütz, Johann Sebastian Bach, George Frideric Handel und Johann Adolf Hasse.

In der Barockzeit spielten die Harmonieinstrumente, die für die Ausführung des Basso continuo, dem eigentlichen gemeinsamen Nenner aller Musikproduktion, bestimmt waren, eine besonders wichtige Rolle. Die beiden am häufigsten verwendeten Instrumente waren die Orgel und das Cembalo (die 555 Cembalosonaten von Domenico Scarlatti oder L'Art de Toucher le Clavecin von François Couperin sind einfache Beispiele dafür). Der Basso continuo wurde jedoch auch von der Theorbe, der Harfe und gelegentlich dem Regal gespielt; es war üblich, dass mehrere Instrumente (z. B. Orgel und Theorbe) gemeinsam den Basso continuo spielten, insbesondere in großen Orchester- oder Chorensembles. Unter den Saiteninstrumenten waren auch Laute und Gitarre weit verbreitet, sowohl als Solo- als auch als Begleitinstrumente. Das Clavichord hingegen wurde geschätzt, war aber nur für den solistischen Gebrauch bestimmt.

Was die Melodieinstrumente anbelangt, so ist beim Übergang von der Renaissance zum Barock eine allgemeine Verringerung der Vielfalt der verwendeten Instrumente zu verzeichnen: Während im 16. Jahrhundert praktisch alle Melodieinstrumente, sowohl Blas- als auch Streichinstrumente, in verschiedenen Größen gebaut wurden, die die unterschiedlichen Stimmumfänge reproduzierten (und oft mit den Bezeichnungen "Sopran", "Alt", "Tenor" und "Bass" bezeichnet wurden), wurde in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts, mit dem Aufkommen einer regelrechten idiomatischen Instrumentenliteratur, nur noch eine Größe in jeder "Familie" von Instrumenten bevorzugt. Die einzige bemerkenswerte Ausnahme sind die Armgamben, für die die vier heute noch bekannten Versionen (Violine, Viola, Cello und Kontrabass) zusammengefasst wurden.

Neben der Familie der Streicher, die ein unverzichtbares Element eines jeden Orchesterensembles darstellte, waren die am häufigsten verwendeten Instrumente im Diskantbereich:

Zu den seriösen Instrumenten:

Im Barockorchester waren auch die Trompete und seit Beginn des 18. Jahrhunderts auch das Horn häufig vertreten. Unter den Schlaginstrumenten erlangte die Pauke eine besonders wichtige Rolle.

Diese Instrumente waren nicht nur als Soloinstrumente und im Orchester weit verbreitet, sondern erfreuten sich in der Barockzeit auch gelegentlicher Beliebtheit innerhalb bestimmter musikalischer Schulen oder Moden:

Zu den Komponisten der Barockzeit, die dank einer umfangreichen Konzert- und Schallplattenproduktion in den letzten fünfzig Jahren dem breiten Publikum am besten bekannt sind, gehören die Italiener Claudio Monteverdi, Giacomo Carissimi, Bernardo Pasquini, Alessandro Scarlatti und sein Sohn Domenico, Antonio Vivaldi, die Deutschen Bach und Händel und der Engländer Purcell. Zahlreiche andere Komponisten, die zu ihrer Zeit großes Ansehen genossen, wie Girolamo Frescobaldi, Heinrich Schütz, Arcangelo Corelli, Dietrich Buxtehude und Georg Philipp Telemann, sowie alle bedeutenden Komponisten der französischen Schule (Jean-Baptiste Lully, François Couperin, Marc-Antoine Charpentier, Marin Marais, Jean-Philippe Rameau usw.) sind zwar von nicht minderer historischer und künstlerischer Bedeutung als die oben Genannten, aber heute einem relativ kleinen Publikum bekannt. Gerade im Bereich der Oper ist der Reichtum an Namen und Einflüssen unüberschaubar: Da die Oper für die meisten Komponisten der damaligen Zeit die Hauptquelle des Erfolgs war, ist auch die mit ihr verbundene Produktion praktisch grenzenlos, und nicht selten werden Werke von beträchtlichem künstlerischen Wert wiederentdeckt, auch von Komponisten, die der musikwissenschaftlichen Forschung bis heute nahezu unbekannt geblieben sind.

Berühmte Opern waren sicherlich (neben den bereits erwähnten Claudio Monteverdi, Jean-Baptiste Lully, Pier Francesco Cavalli, Alessandro Scarlatti, Händel, Vivaldi und Purcell) Alessandro Stradella, Bernardo Pasquini, Giovanni Battista Pergolesi, Leonardo Leo, Antonio Caldara, Nicola Porpora und Jean-Philippe Rameau. Viele von ihnen gehören der neapolitanischen Musikschule an, die ab dem dritten Jahrzehnt des 18. Jahrhunderts zu den einflussreichsten und modernsten gehörte. Jahrhunderts zu den einflussreichsten und modernsten gehörte. Seit dieser Zeit etablierte sich Neapel als eines der führenden Opernzentren Europas und machte Venedig die Vormachtstellung streitig, die die Lagunenstadt in Italien schon immer innehatte.

Im 17. Jahrhundert war Rom eines der wichtigsten Zentren der italienischen Oper und trug von Anfang an entscheidend zur Entwicklung des Genres und seiner Konventionen bei. Im Gegensatz zu anderen Zentren, wie z. B. Venedig, das seit 1637 ein System öffentlicher Theater, d. h. für ein zahlendes Publikum, entwickelt hatte, florierten die Opernaufführungen in Rom vor allem in den Theatern aristokratischer Familien, wie den Barberini in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts und den Colonna in der zweiten Hälfte, die in ihren eigenen Palästen Theater errichteten. Im 17. Jahrhundert wurden in Rom zahlreiche Komponisten und Opernsänger ausgebildet, die auch an den Theatern anderer italienischer und europäischer Städte tätig waren. Unter anderem wurde Alessandro Scarlatti, der später an den Theatern von Venedig, Florenz und Neapel tätig war, in Rom ausgebildet. In Italien verbreitete sich die Tätigkeit der öffentlich zugänglichen Opernhäuser nach venezianischem Vorbild ab Mitte des 17. Jahrhunderts auch in anderen Städten wie Bologna, Florenz, Genua, Pisa, Livorno, Modena, Ferrara, Parma, Neapel, Palermo, Mailand usw., und zwar mit Hilfe von Theaterverwaltungsmodellen, die an die unterschiedlichen sozialen und politischen Strukturen vor Ort angepasst waren. In den übrigen europäischen Ländern drehte sich das Opernleben in der Regel um einen Hof, fast ausschließlich (Paris und Madrid) oder überwiegend (Wien und London). Nur in Deutschland wurden Opernaufführungen nach einem Modell durchgeführt, das dem italienischen nicht allzu unähnlich war, da die großen und mittleren Städte seit dem 17. In München wurde bereits 1657 ein festes Theater eröffnet (das Opernhaus am Salvatorplatz blieb bis 1822 in Betrieb), in Hamburg wurde 1678 das erste deutsche öffentliche Theater eröffnet, und Dresden etablierte sich seit den ersten Jahrzehnten des 18.

In ganz Europa (mit Ausnahme Frankreichs, das seine eigene Gattung des Musiktheaters, die Tragédie-lyrique, entwickelt hatte) dominierte jedoch die italienische Oper während des gesamten Barock und des 18. Jahrhunderts. Sie setzte sich als transnationales Phänomen durch, so dass unter den wichtigsten Komponisten der Gattung drei Komponisten aus dem germanischen Raum zu nennen sind, nämlich Händel, Gluck und Mozart. Italien verfügte damals über gute Musikkonservatorien, und die wichtigsten Opernhäuser wurden mehr oder weniger von italienischen Künstlern gegründet. Italienische Komponisten waren an den europäischen Höfen begehrt, und Komponisten aus anderen Ländern mussten sich fast immer an den Gepflogenheiten und Stilen der italienischen Oper orientieren. Vor allem in Wien dominierte die italienische Kultur im 17. und für einen großen Teil des 18. Die Hofdichter, die Autoren der Opernlibretti, waren immer Italiener; es genügen die Namen Apostolo Zeno und Pietro Metastasio; ebenso die Kapellmeister; es genügen die Namen Antonio Caldara und Antonio Salieri.

Übersichtstabelle der Barockkomponisten (1550 -1750)

Claudio Monteverdi (Cremona, 9. Mai 1567 - Venedig, 29. November 1643) war der erste große Opernkomponist in der Geschichte der Oper und zählt zu den größten Komponisten seiner Zeit.

Er war der Schöpfer der Opernsprache, einer Sprache, die die menschliche Stimme verherrlichen und eine Funktion der Wahrheit des Ausdrucks sein sollte. Monteverdis Orfeo (1607) ist die erste Oper in der Geschichte des Melodramas in der Musik, die diesen Namen verdient. In ihr gelingt es Monteverdi, die verschiedenen Gattungen der Unterhaltung, vom Madrigalgesang bis hin zu Szenen mit pastoralem Hintergrund, perfekt miteinander zu verbinden, indem er die Musik, die am Hof bei Festen und Bällen gespielt wird, mit seiner Kunst sublimiert und in den Dienst einer kohärenten dramaturgischen Entwicklung stellt. Die Charaktere erhalten in L'Orfeo eine neue Dimension und Tiefe sowie Konnotationen von schmerzlicher Menschlichkeit. Mit Il ritorno d'Ulisse in patria (1640) und L'incoronazione di Poppea (1643) erweist sich Monteverdi einmal mehr als ein Künstler mit reicher und vielgestaltiger Inspiration und raffinierten musikalischen und harmonischen Techniken. Er schuf eine neue, erhabene Schöpfung, die von einem tiefen Pathetizismus beseelt ist und sowohl musikalisch als auch dramaturgisch eine formale Perfektion aufweist, die für lange Zeit unerreicht bleiben sollte.

Monteverdi war auch ein Komponist von Madrigalen, einer Gattung, die bei ihm ihren höchsten Ausdruck fand, sowie von Instrumental- und Kirchenmusik (berühmt ist sein für Papst Pius V. komponiertes Magnificat)

Henry Purcell

Henry Purcell (Westminster, London, 10. September 1659 - Westminster, London, 21. November 1695) war einer der größten britischen Komponisten. In seinen letzten Lebensjahren schrieb er mehrere Theaterstücke wie Dido and Æneas, The Prophetess (The History of Dioclesian), King Arthur, The Indian Queen, Timon of Athens, The Fairy Queen und The Tempest. Außerdem komponierte er bemerkenswerte Musik für Geburtstagsjubiläen und die Beerdigung von Königin Mary II.

Antonio Vivaldi

Antonio Vivaldi (Venedig, 4. März 1678 - Wien, 28. Juli 1741) war ein berühmter Geiger und Komponist der Barockzeit. Er war auch Priester und erhielt aus diesem Grund - und wegen seiner Haarfarbe - den Spitznamen "Der rote Priester".

Seine bekannteste Komposition sind die vier Violinkonzerte, die unter dem Titel Die vier Jahreszeiten bekannt sind, ein berühmtes und außergewöhnliches Beispiel für "Themenmusik".

Die Wiederbelebung seines Werks ist ein relativ junges Ereignis und geht auf die erste Hälfte des 20. Jahrhunderts zurück. Jahrhunderts zurück. Sie ist vor allem Alfredo Casella zu verdanken, der 1939 die Vivaldi-Woche organisierte, ein Ereignis, das als historisch gilt, da die Werke des venezianischen Komponisten seither einen großen Erfolg verzeichnen konnten.

Indem er innerhalb der Musik seiner Zeit neue Wege ging, legte Vivaldi mehr Gewicht auf die formale und rhythmische Struktur des Konzerts, suchte immer wieder nach harmonischen Kontrasten und erfand ungewöhnliche Themen und Melodien. Sein Talent bestand darin, unakademische, klare und ausdrucksstarke Musik zu komponieren, die von der breiten Öffentlichkeit und nicht nur von einer Minderheit von Spezialisten geschätzt werden konnte.

Vivaldi gilt als einer der Meister der italienischen Barockschule, die auf starken Klangkontrasten und einfachen, stimmungsvollen Harmonien basiert. Johann Sebastian Bach wurde von Vivaldis Konzertform stark beeinflusst: Er transkribierte einige Konzerte für Cembalo solo und einige Konzerte für Orchester, darunter das berühmte Konzert für vier Violinen und Cello, Streicher und Continuo (RV 580).

Johann Sebastian Bach

Johann Sebastian Bach (Eisenach, 31. März 1685 - Leipzig, 28. Juli 1750) war ein deutscher Komponist und Organist der Barockzeit, der allgemein als eines der größten Musikgenies aller Zeiten gilt.

Seine Werke sind berühmt für ihre intellektuelle Tiefe, die Beherrschung der technischen und expressiven Mittel und ihre künstlerische Schönheit und waren Inspiration für die meisten Komponisten, die in der europäischen Tradition folgten.

Johann Sebastian Bachs Beitrag zur Musik oder, um einen von seinem Schüler Lorenz Christoph Mizler populär gemachten Ausdruck zu verwenden, zur "Wissenschaft der Musik" wird häufig mit William Shakespeares Beitrag zur englischen Literatur und Isaac Newtons Beitrag zur Physik verglichen. Im Laufe seines Lebens komponierte er mehr als 1.000 Werke. Seine Sammlung von Präludien und Fugen mit dem Titel The Well-Tempered Harpsichord (Das wohltemperierte Cembalo) stellt ein monumentales und endgültiges Repertoire für den Stand der Fugenform im Barock dar. Er erforschte die Möglichkeit, Kompositionen in allen 24 Dur- und Moll-Tonarten auf der Klaviatur aufzuführen, nachdem das mesotonische Stimmungssystem zugunsten der so genannten "wohltemperierten Stimmung" aufgegeben worden war (was die spätere Einführung der gleichschwebenden Temperatur im 19.)

Georg Friedrich Händel

Georg Friedrich Händel (Halle, 23. Februar 1685 - London, 14. April 1759) war einer der größten Komponisten des 18. Jahrhunderts. Jahrhunderts. In der Vergangenheit wurde der Name als Georg Friedrich Händel, Haendel oder sogar, aber weniger häufig, als Hendel transkribiert.

Er wurde in der sächsischen Stadt Halle in einer bürgerlichen Familie geboren (sein Vater war Friseur und Musiker) und verbrachte den größten Teil seines Lebens im Ausland, wo er an zahlreichen europäischen Höfen verkehrte. Im Alter von vierundsiebzig Jahren starb er in London.

Händel lebte von 1706 bis 1710 in Italien, wo er seine Kompositionstechnik verfeinerte, indem er sie an italienische Texte anpasste; er führte Opern in den Theatern von Florenz, Rom, Neapel und Venedig auf und lernte zeitgenössische Musiker wie Scarlatti, Corelli und Marcello kennen. In Rom stand er in den Diensten von Kardinal Pietro Ottoboni, der auch Corelli und Juvarra förderte.

Nach einer kurzen Tätigkeit als Musikdirektor am hannoverschen Hof zog er 1711 nach London, um den Rinaldo aufzuführen, der ein großer Erfolg war. So beschloss Händel, sich in London niederzulassen und gründete ein königliches Opernhaus, das als Royal Academy of Music bekannt werden sollte. Zwischen 1720 und 1728 schrieb er vierzehn Opern für dieses Theater. Für das Theater komponierte Händel zweiundvierzig Opern des ernsten Genres, die berühmt geworden sind (und von denen viele noch heute in der ganzen Welt aufgeführt werden). Er war auch der Autor von fünfundzwanzig ebenso berühmten Oratorien (darunter sein Meisterwerk Messias).

Danach schrieb er viele Seiten mit Musik für Orchester. Dazu gehören Hymnen, eine Art Festgesang, und geistliche Sonaten sowie hundertzwanzig Kantaten, achtzehn Concerti grossi, zwölf Orgelkonzerte und neununddreißig Sonaten, Fugen und Cembalosuiten.

Andere Komponisten

Das Panorama der Musik dieser Epoche war keineswegs auf die fünf oben genannten Komponisten beschränkt. In den anderthalb Jahrhunderten der Entwicklung, die das Barockzeitalter kennzeichneten, entstanden äußerst heterogene musikalische Paradigmen: Es war die Epoche, in der einige der grundlegenden musikalischen Stile und Formen der klassischen Musik, wie das Konzert, die Oper und ein Großteil der Kirchenmusik, kodifiziert oder grundlegend umgestaltet wurden.

Was die Entwicklung des Concerto grosso anbelangt, so war der Beitrag Händels von grundlegender Bedeutung, aber auch der des Italieners Arcangelo Corelli, dessen Opus 6 als eine der höchsten Ausdrucksformen gilt. Auf dem Gebiet der Instrumentalmusik ist auch das Werk von Georg Philipp Telemann zu nennen, den seine Zeitgenossen für den größten deutschen Musiker hielten (weit mehr als Bach, wie oben erwähnt).

Im Falle des Solokonzerts ist der Name Vivaldis am ehesten zu nennen, aber auch andere Künstler seiner Zeit trugen wesentlich zur Entwicklung dieses Stils bei, wobei Alessandro Marcello und Giuseppe Torelli nicht unerwähnt bleiben dürfen.

Diachrone Tabelle der Barockkomponisten

Die Barockkomponisten sind nachstehend entsprechend der von Suzanne Clercx vorgenommenen Periodisierung nach Geburtsdatum gruppiert.

Quellen

1. Barockmusik
2. Musica barocca
3. ^ a b Curt Sachs, Barokmusik, in Jahrbuch der Musikbibliothek Peters, 1919, p. 7-15
4. katso esimerkiksi John H. Mueller: Baroque: Is It Datum, Hypothesis, or Tautology?. The Journal of Aesthetics and Art Criticism, 1954, nro Vol. 12, No. 4, s. 421-437.
5. a b c Grout Donald Jay et al.: A History of Western Music, 7th ed., s. 288−295. W.W. Norton & Company, Inc., 2005. ISBN 0-393-97991-1.
6. a b Grout Donald Jay et al.: A History of Western Music, 7th ed., s. 296–300. W.W. Norton & Company, Inc., 2005. ISBN 0-393-97991-1.
7. Музыкальная энциклопедия, 1973.
8. Барокко // Большая российская энциклопедия. Том 3. — М., 2005. — С. 57.
9. Bukofzer, pp. 255 y ss.
10. Grout I, pp. 451
11. Grout I, pp. 463-464
12. Grout I, pp. 458