Zusammenfassung

David Bowie (IPA:

Seine Leidenschaft für die Musik veranlasste Bowie dazu, Saxophon zu lernen, als er noch sehr jung war. Nachdem er sich an der Gründung verschiedener Bands beteiligt hatte, feierte er Anfang der 1970er Jahre Soloerfolge, die sich über fünf Jahrzehnte Rockmusik erstreckten und ihm den Ruf einbrachten, das Genre des Glam Rock zu perfektionieren. Bedeutend und fruchtbar war seine Zusammenarbeit mit Tony Visconti und Brian Eno, Glam-Rock-Veteranen der frühen 70er Jahre, mit denen ihn eine solide und tiefe Freundschaft verband, die mehrere Jahre andauerte.

Obwohl dies nicht seine Haupttätigkeit war, widmete sich Bowie auch der Malerei und dem Film und arbeitete als Schauspieler mit Regisseuren wie Martin Scorsese, David Lynch und Christopher Nolan zusammen. Zu den zahlreichen Filmen, in denen er mitwirkte, gehören The Man Who Fell to Earth, Furyo, Miriam Wakes at Midnight, Absolute Beginners, Labyrinth, Basquiat, The Prestige und My West.

Mit rund 140 Millionen verkauften Alben ist David Bowie einer der meistverkauften Künstler und wurde 2007 vom Forbes-Magazin als viertreichster Sänger der Welt gelistet. Er gilt als einer der einflussreichsten Musikkünstler des 20. Jahrhunderts und wurde 2008 auf Platz 23 der Rolling Stone-Liste der hundert besten Sänger geführt, auf der Life on Mars?, Space Oddity, Fame und Heroes" zu seinen besten Songs gezählt werden. Darüber hinaus sind fünf seiner Alben in der Liste der 500 besten Alben des Rolling Stone aufgeführt. 2019 wurde Bowie in einer von BBC Two durchgeführten Umfrage zum "größten Entertainer des 20. Jahrhunderts" gewählt.

Kindheit und Adoleszenz (1947-1961)

David Robert Jones wurde am 8. Januar 1947 in Brixton, einem südlichen Vorort von London, geboren. Seine Mutter, Margaret Mary Burns, genannt "Peggy", war Kassiererin in einem Kino, während sein Vater, Haywood Stenton Jones, ein ehemaliger Soldat war, der gerade von der Front zurückgekehrt war und später Gefängnisdirektor in Bromley wurde. Im Alter von sechs Jahren zog er mit seiner Familie von der Stansfield Road 42 in ein neues Haus in Bromley, einem anderen Vorort im Süden Londons, wo er sich schnell für Musik aus den USA interessierte: "Als ich noch sehr klein war, sah ich meine Cousine zu Hound Dog von Elvis tanzen", erzählte er später, "und ich hatte sie noch nie zu einem anderen Lied so aufstehen und wackeln sehen. Die Kraft dieser Musik hat mich wirklich beeindruckt. Schon im Schulalter hörte David Platten von Fats Domino und Little Richard und entwickelte ein wachsendes Interesse an Rhythm and Blues, Skiffle und Rock 'n' Roll sowie an anderen Kunstformen. Als ein Lehrer ihn fragte, was er werden wolle, wenn er groß sei, antwortete er, er wolle der britische Elvis sein.

Eine Schlüsselrolle in seiner musikalischen Ausbildung spielte sein Halbbruder Terry Burns, der 1937 aus einer früheren Beziehung mit seiner Mutter hervorging. "Terry war der Anfang von allem für mich", erzählte David Jahre später, "er las viele Beatwriter und hörte Jazzspieler wie John Coltrane und Eric Dolphy... als ich noch zur Schule ging, fuhr er jeden Samstagabend in die Stadt, um in verschiedenen Clubs Jazz zu hören... er ließ sich die Haare wachsen und war auf seine Art ein Rebell... Terry, der in den 1970er Jahren in der psychiatrischen Abteilung des Londoner Cane Hill Hospitals untergebracht war und sich 1985 das Leben nahm, indem er sich vor einen Zug warf, inspirierte den Sänger in vielen Situationen, wie das Album The Man Who Sold the World von 1970 oder Songs wie The Bewlay Brothers von 1971 und Jump They Say von 1993 zeigen.

1958 begann David als Chorknabe in der St. Mary's Church zu singen, zusammen mit seinen Freunden George Underwood und Geoffrey MacCormack, und im folgenden Jahr bekam er sein erstes Saxophon von seiner Mutter geschenkt. Auf Anraten von Terry begann er, Unterricht bei dem Jazz-Saxophonisten Ronnie Ross zu nehmen: "Für mich repräsentierte das Saxophon die Beat-Generation der Westküste, diese Zeit der amerikanischen Kultur faszinierte mich sehr. Dieses Instrument wurde für mich zu einem Symbol, zu einem Symbol der Freiheit. Im Laufe seiner Karriere lernte er viele Instrumente zu spielen, wobei er auf der Rhythmusgitarre mehr Talent zeigte als auf der Solo-Gitarre.

Eine weitere prägende Erfahrung in Davids musikalischer Ausbildung war seine kurze Anstellung in einem Plattenladen in Bromley, während der er von der Musik von James Brown, Ray Charles und Jackie Wilson fasziniert war, die damals in Europa noch wenig bekannt waren. 1960 schloss er sich einer Gruppe von Schülern an der Bromley Technical High School an, die sich für Kunst interessierten, und seine kreativen Talente wurden von dem progressiven Lehrer Owen Frampton gefördert, dem Vater des Gitarristen Peter Frampton, mit dem er später zusammenarbeiten sollte. Zwei Jahre später ergab sich die Gelegenheit, in einer der Schulbands von George Underwood mitzuspielen, und Davids künstlerisches Abenteuer begann.

Die Vor-Deram-Jahre (1962-1966)

Mitte 1962 schlossen sich David und Underwood mit einigen Schülern zusammen, die eine Gruppe namens The Kon-rads gebildet hatten, die Anfang 1962 von den Schülern der Bromley Technical High School, Neville Wills und Dave Crook, gegründet worden war. Underwood bot ihnen an, für sie zu singen, und brachte David im Juni mit, um Joe Browns A Picture of You zu singen und bei einer Coverversion von Hey! Baby von Bruce Channel. David begann, sein Tenorsaxophon zu benutzen, und die Kon-rads erlebten ein Revival. Das erste dokumentierte Konzert fand am 16. Juni bei einem Schulfest statt. "Die Kon-Rads haben alle Songs gecovert, die in die Charts kamen", erzählte David dreißig Jahre später. "Wir waren eine der besten Coverbands in der Gegend und haben viel gearbeitet."

Ende des Jahres verließ Underwood die Band und wurde durch einen neuen Sänger, Roger Ferris, ersetzt, während David Crook am Schlagzeug durch Dave Hadfield ersetzt wurde. Rocky Shahan am Bass, Gitarrist Alan Dodds und die Backgroundsängerinnen Christine und Stella Patton verstärkten die Band. "Ursprünglich war ich Saxophonist", sagt David, "aber dann wurde unser Sänger Roger Ferris im Orpington Civic von ein paar schmierigen Typen zusammengeschlagen, und da habe ich angefangen zu singen." Die Kon-rads spielten in Jugendclubs, Gemeindehäusern und hatten sogar eine braune Korduniform. David begann, mit seiner Einstellung auf der Bühne zu experimentieren und neue Ideen einzubringen, um die Band attraktiver" zu machen. Er änderte den Namen in Dave Jay, inspiriert von der Beatgruppe Peter Jay and the Jaywalkers, und begann auch, eigene Songs zu komponieren, von denen einige in das Repertoire der Band aufgenommen wurden, das Songs wie In the Mood, China Doll und Sweet Little Sixteen umfasste. In dieser Zeit schlug ihm Underwood während eines Streits in der Schule über ein Mädchen namens Carol Goldsmith auf das linke Auge, und der Ring, den er am Finger trug, verursachte eine chronisch-traumatische Mydriasis. Das Ergebnis war eine permanente Pupillenerweiterung, die seinen Blick für immer prägen und eine veränderte Wahrnehmung von Tiefe und Licht hinterlassen sollte.

Im August 1963 lud der Manager von Decca Records, Eric Easton, die Kon-rads zu einem Vorspielen ein, nachdem er sie bei einem Konzert in Orpington gesehen hatte. Am 30. August beschloss die Gruppe in den Decca-Studios in West Hampstead, I Never Dreamed aufzuführen, ein Lied, das David aufgrund der Nachricht von einem Flugzeugabsturz geschrieben hatte. Der 16-jährige David hat nicht nur den Text des Liedes geschrieben, sondern singt auch als Backgroundsänger und spielt Saxophon auf seiner ersten Studioaufnahme, die als bekannt gilt. Das Vorsprechen war jedoch erfolglos und trug zu seinem Ausstieg bei den Kon-Rads bei. Schon nach kurzer Zeit wurden die Kon-Rads für David zu eng: "Ich wollte in den Rhythm and Blues gehen", erzählte er später, "aber sie waren nicht einverstanden. Sie wollten sich auf die Top 20 beschränken. Also bin ich gegangen".

Nachdem er die Bromley Technical High School verlassen hatte, begann David eine Ausbildung zum Illustrator bei der amerikanischen Werbeagentur J. Walter Thompson. "Ich war Junior-Visualisierer", erzählte er 1993, "das war eine wichtige Qualifikation, aber ich habe eigentlich nur Collagen gemacht. Und ich hatte nie eine Chance, mich zu beweisen, weil es in der Agentur von Talenten nur so wimmelte. Ein positiver Aspekt dieses Jobs war die Begegnung mit Ian, einem weiteren John Lee Hooker-Fan: "In einem Laden in Soho fand ich ein John Lee Hooker-Album und ein Bob Dylan-Album. Ich kaufte zwei Exemplare von beiden, und da Ian mich mit John bekannt gemacht hatte, schenkte ich ihm das Dylan-Album. Ich habe diese beiden Künstler an einem Tag entdeckt. Es war etwas Magisches... "Der Einfluss der Musik des amerikanischen Bluesman zeigt sich im Namen des Trios, das David nach den Kon-rads mit George Underwood (Gitarre und Mundharmonika) und dem Schlagzeuger Viv Andrews gründete: The Hooker Brothers (auch wenn sie gelegentlich unter anderen Namen wie The Bow Street Runners und Dave's Reds & Blues auftraten). Die Band trat mit Coversongs auf und hatte einige Auftritte in Peter Melkins Bromel Club und am Ravensbourne College of Art, doch die Band war nur von kurzer Dauer, und nach ein paar Auftritten verließ Andrews die Band. David und Underwood legten damit den Grundstein für das Trio, mit dem sie ihre erste Platte, die King Bees, eine 45er namens Liza Jane, aufnehmen sollten. Der Name der Gruppe wurde von einem Lied des Bluesmusikers Slim Harpo inspiriert, I'm a King Bee. Neben David und Underwood waren Roger Bluck, Dave "Frank" Howard und Bob Allen (Gitarre, Bass und Schlagzeug) die weiteren Mitglieder. "Ich weiß nicht einmal mehr, wie sie hießen", gestand er 1993, "sie kamen aus Nordlondon und waren fast Profis. Ziemlich beängstigend". Er und Underwood übernahmen jedoch bald die Kontrolle über die Band: "Wir haben den anderen unseren Geschmack aufgezwungen", wie Letzterer sagte.

Im Frühjahr 1964 setzte sich David mit dem Manager Leslie Conn in Verbindung, der den King Bees ein Vorsingen bei Decca und die Möglichkeit verschaffte, die Single aufzunehmen, sowie einen Auftritt im Marquee Club und Auftritte in den BBC-Fernsehsendungen Juke Box Jury und The Beat Room. Zunächst verschaffte Conn den King Bees einen Auftritt bei Blooms Hochzeitstagsparty in Soho. Es war alles ziemlich peinlich", erzählte David Jahre später. Sie hatten Zeit, "Got My Mojo Working" und "Hoochie Coochie Man" zu spielen, bevor Bloom rief: "Holt sie runter! Sie ruinieren meine Party!" Das Vorsingen bei Decca erwies sich als befriedigender und ermöglichte ihnen kurz darauf die Aufnahme von Liza Jane. So wurde am 5. Juni 1964 Bowies erste offizielle 45er veröffentlicht, die allerdings Davie Jones mit den King Bees zugeschrieben wurde, und der Sänger kündigte seinen Job bei der Werbeagentur. Um die Single zu promoten, verschaffte Conn der Band eine Reihe von Auftritten in verschiedenen Londoner Lokalen. David hatte die Gelegenheit, seinen ersten Auftritt im Marquee Club und in den BBC-Sendungen Juke Box Jury (6. Juni) und The Beat Room (27. Juni) zu absolvieren. Der ausbleibende Erfolg von Liza Jane, von dem nur wenige der 3500 gedruckten Exemplare verkauft wurden, beendete jedoch sein Engagement in der Gruppe.

Im August schloss er sich den Manish Boys an, die bereits seit vier Jahren aktiv waren und als Vorreiter des so genannten Medway-Beats galten, und Ende des Jahres gab er sein erstes Fernsehinterview. Johnny Flux, Paul Rodriguez, Woolf Byrne, Johnny Watson, Mick White und Bob Solly, die bereits seit vier Jahren aktiv waren, waren nicht gerade begeistert von Davids Ankunft, wie Solly selbst im Jahr 2000 gegenüber der britischen Monatszeitschrift Record Collector erklärte: "Zuerst wollten wir nicht, aber Conn meinte: "Er hat einen Plattenvertrag, er hat gerade eine Platte herausgebracht, und das könnte für euch von Vorteil sein". David übernahm eine dominante Position und wandte sich dem Rhythmus und Blues zu. Am 18. August meldete der Chatham Standard: "Eine weitere Neuigkeit von den Jungs ist, dass sie jetzt den Decca-Star Davie Jones begleiten, dessen Gruppe, die King Bees, ihn fallen gelassen hat". Am nächsten Tag spielte David zum ersten Mal mit den Manish Boys im Eel-Pie Island, einem berühmten Jazzlokal in Twickenham.

Am 6. Oktober machte die Band ihre erste Aufnahme in den Regent Sound Studios, wo Covers von Barbara Lewis' Hello Stranger, Gene Chandlers Duke of Earl und Mickey & Sylvias Love is Strange aufgenommen wurden. Obwohl der erste Titel für eine 45 rpm in Betracht gezogen wurde, wurde keiner der Titel veröffentlicht. Einen Monat später gab Bowie sein erstes großes Fernsehinterview, das allerdings wenig mit seiner Musik zu tun hatte. Der Sänger mit den wallenden blonden Haaren behauptete, eine Vereinigung namens "International League for the Protection of Animal Hair" gegründet zu haben, und in seiner Eigenschaft als "Präsident" wurde er von dem Schriftsteller Leslie Thomas in der Ausgabe vom 2. November der englischen Abendzeitung "Evening News and Star" interviewt (der Titel des Artikels lautete "Who's Behind the Fringe?"). Am 1. Dezember begann die Gruppe eine sechstägige Tournee, bei der sie als Vorgruppe von Gene Pitney, den Kinks, Marianne Faithfull und Gerry and the Pacemakers auftrat. Mit Ausnahme von Liza Jane und Last Night (die von den Manish Boys geschrieben wurden und als Konzert-Opener dienten) basierte der Sound ihrer Auftritte hauptsächlich auf amerikanischem Blues und Soul, der von James Brown, Ray Charles und den Yardbirds stammt.

Die Plattenkarriere der Manish Boys nahm Anfang 1965 eine Wende, als der US-Produzent Shel Talmy auf die Band aufmerksam wurde, der für das Arrangement und die Produktion von You Really Got Me von The Kinks und wenig später für das Debütalbum von The Who bekannt war. Daraufhin veröffentlichte die Band am 5. März bei Parlophone die 45 rpm I Pity the Fool, zu der auch der damals noch unbekannte Session-Spieler Jimmy Page beitrug. Die Aufnahmen und das Abmischen der Single fanden jedoch nicht die Zustimmung der anderen Mitglieder, und das Endergebnis verärgerte die meisten Mitglieder der Band. Als es Leslie Conn gelang, ihnen am 8. März einen Fernsehplatz in der BBC-Sendung Gadzooks! It's All Happening wurde David zum zweiten Mal in eine Werbekampagne verwickelt, die sich um seine Haarlänge drehte. Der Daily Mirror veröffentlichte einen Artikel mit der Überschrift "War over David's hair", und am folgenden Tag berichtete die Daily Mail, dass die Band aus der Sendung geworfen worden sei und dass David gesagt habe: "Ich würde mir nicht einmal die Haare schneiden lassen, wenn der Premierminister mich darum bitten würde, geschweige denn die BBC". Am Tag der Ausstrahlung veröffentlichte die Abendzeitung ein Foto des bekanntesten Popsängers der Woche, der sich für den Auftritt in der Sendung gerade die Haare schneiden ließ.

I Pity the Fool profitierte weder von dem Fernsehauftritt noch von der damit verbundenen Publicity, und David trennte sich von der Gruppe nach einem Streit über die Nennung seines Namens auf der Single (der Song wurde einfach den Manish Boys zugeschrieben, obwohl sie ursprünglich zugestimmt hatten, ihn als Werk von Davie Jones und den Manish Boys erscheinen zu lassen). Trotz des Misserfolgs von I Pity the Fool gelang es dem Produzenten Shel Talmy, einen Vertrag mit Parlophone zu erhalten. Im April führte David das untere Drittel an. Die aus Margate stammende Band, die 1963 gegründet worden war, brauchte neue Mitglieder, nachdem drei von ihnen die Band verlassen hatten. David sprach in der Diskothek La Discotheque in Soho vor, zusammen mit Steve Marriott, der bald darauf zu den Small Faces wechselte. In jenen Tagen sprach Bowie auch für andere Gruppen vor (hauptsächlich im Marquee Club), darunter die High Numbers, die kurz darauf als The Who explodieren sollten. Am 17. Mai 1965 war ein Auftritt im Grand Hotel in Littlestone die offizielle Geburtsstunde von Davy Jones and the Lower Third, zu denen Denis "Tea-Cup" Taylor an der Gitarre, Graham "Death" Rivens am Bass und Les Mighall am Schlagzeug (später durch Phil Lancaster ersetzt) gehörten. "Ich glaube, ich wollte, dass es eine Rhythm and Blues Band wird", sagte Bowie 1983. "Wir haben früher viele John Lee Hooker-Songs gespielt und versucht, sein Material an den Big Beat anzupassen, ohne großen Erfolg. Aber damals war es in Mode: jeder suchte sich einen Bluesmusiker aus... unserer war Hooker."

Am 20. August veröffentlichte die Gruppe die Single You've Got a Habit of Leaving, die in den IBC Studios während einer Session aufgenommen wurde, bei der neben der B-Seite Baby Loves That Way noch zwei weitere Demos (die auf der 1991er Kollektion Early On zu hören sind) auf Band aufgenommen wurden: I'll Follow You und Glad I've Got Nobody. Am Tag der Veröffentlichung der Single eröffneten Lower Third für The Who im Bournemouth Pavilion und David traf zum ersten Mal Pete Townshend, eine weitere große Inspirationsquelle für den englischen Sänger. Kurz darauf verließ er Leslie Conn und wechselte zu seinem ersten Vollzeitmanager, Ralph Horton. Auch dieses 45er-Projekt erwies sich als Fehlschlag, und David entließ Leslie Conn für seinen ersten Vollzeit-Manager Ralph Horton, dessen erste Entscheidung darin bestand, die Verwandlung der vier langhaarigen Teenager zu beaufsichtigen: Er kleidete sie in die neuesten Modehosen und Carnaby-Street-Blumenkrawatten, zwang sie zu einem Modestil-Haarschnitt und förderte die Verwendung von Haarspray. Diese Neuerung verärgerte einige Mitglieder der Gruppe, nicht aber David, der bereits in das Dandy-Image der Mods und ihrer neuen Wortführer, der Who, vernarrt war. Horton sicherte den Lower Third eine Reihe von Sommerauftritten, und die Band begann, sich wie die Gruppe von Roger Daltrey und Pete Townshend zu benehmen, indem sie am Ende der Auftritte ihre Instrumente zertrümmerte. "Wir waren als zweitstärkste Band in London bekannt", erzählte Denis Taylor Jahre später. Am 31. August nahmen The Lower Third Demos von zwei Stücken auf, Baby That's a Promise und Silly Boy Blue, in denen der Einfluss von Gruppen wie den Kinks und Small Faces, aber auch von Motown r&b zu spüren war.

In dieser Zeit nahm der Sänger offiziell den Künstlernamen "David Bowie" an, um Verwechslungen mit Davy Jones von den Monkees zu vermeiden. Später erzählte er, dass er diesen Namen in Anlehnung an die gleichnamigen Jagdmesser wählte: "Ich wollte etwas, das den Wunsch ausdrückt, die Lügen und all das zu durchbrechen". Offenbar kam David die Idee, nachdem er 1960 den Film Die Schlacht von Alamo gesehen hatte, in dem der Messermacher Jim Bowie von Richard Widmark gespielt wurde.

Ralph Horton erwies sich in Bezug auf seine Fähigkeiten und finanziellen Möglichkeiten nicht als die beste Wahl für Lower Third, so dass er, der sich seiner eigenen Grenzen bewusst war, Kenneth Pitt, den Manager von Manfred Mann (und Bob Dylan, als dieser in Großbritannien auf Tournee war), kontaktierte und ihn bat, Lower Third zu unterstützen. Pitt lehnte ab, riet David aber, seinen Namen zu ändern, um nicht mit dem Davy Jones verwechselt zu werden, der mit den Monkees berühmt geworden war. Wenige Tage später, am 17. September 1965, verkündete David dem Rest der Band, dass er sich fortan David Bowie nennen würde. Kurz darauf erhielten Bowie and the Lower Third einen Vertrag mit Pye Records, was bald zu ihrer ersten Platte mit dem Produzenten Tony Hath führte.

Am 2. November scheiterte die Band bei einem Vorsingen für eine BBC-Fernsehsendung, in der sie eine Rockversion von Chim Chim Cheree (Song aus dem Film Mary Poppins), Out of Sight (James Brown-Cover) und Baby That's a Promise spielte. Ein Cockney-Typ, nicht besonders originell, ein Sänger ohne Persönlichkeit, der die falschen Töne singt und verstimmt ist", lautete einer der lapidaren Kommentare des Ausschusses über Bowie.

Das Jahr 1965 endete mit der Aufnahme von drei Songs in den Pye Studios in Marble Arch: Now You've Met The London Boys (überarbeitet und ein Jahr später als The London Boys veröffentlicht) und die A- und B-Seiten der neuen 45er: Can't Help Thinking About Me und And I Say To Myself. Am Silvesterabend spielte die Gruppe mit Arthur Brown in Paris und blieb ein paar Tage. Die Veröffentlichung der Single stand unmittelbar bevor, aber die bevorzugte Behandlung von David während der Werbekampagne trug dazu bei, dass es zwischen ihm und dem Rest der Gruppe zum Bruch kam. Am 29. Januar 1966 kam es im Bromel Club in Bromley zu einem Eklat, als die Lower Third sich weigerten zu spielen, nachdem Horton ihnen mitgeteilt hatte, dass sie an diesem Abend keine Gage erhalten würden. Nach der Auflösung der Band hatte Bowie nur noch eine Single zu promoten und keine Band mehr, die ihn begleitete. Trotz einiger ermutigender Kritiken war das Album (das erste, das in den USA veröffentlicht wurde) wie seine Vorgänger ein Flop, aber es erregte genug Interesse, um dem Sänger am 26. Februar sein erstes Interview im Melody Maker und am 4. März einen Auftritt in der ITV-Sendung Ready Steady Go! zu verschaffen, wo er den Song mit einer neuen Band, The Buzz, vortrug.

David Bowie and the Buzz, nämlich John Hutchinson (Gitarre), Derek Fearnley (Bass), John Eager (Schlagzeug) und Derek Boyes (Keyboards), hatten am 10. Februar 1966 den ersten einer Reihe von Live-Auftritten in der Universität Leicester gegeben. Über seine Begegnung mit Bowie sagte Hutchinson Jahre später: "Ich traf ihn zum ersten Mal, nachdem ich 1965 ein Jahr lang mit den Apaches in Göteborg Rhythm and Blues gespielt hatte. Ich erschien an einem Samstagmorgen zu einem sehr professionellen Vorsprechen im Marquee Club in der Wardour Street, London, und es lief gut. Ich glaube, David hat mich ausgewählt, weil ich schwedische Kleidung trug, eine Wildlederjacke, Jeans und blaue Clogs, so etwas hatte bis dahin niemand in England gesehen, und ich glaube, Bowie war beeindruckt. Ich war sowieso der beste der Gitarristen, die vorgespielt haben!"

Drei Tage nach dem Fernsehauftritt in Ready, Steady, Go! nahm die Band Do Anything You Say auf, das am 1. April als 45er veröffentlicht wurde und allein David zugeschrieben wurde, um Missverständnisse zu vermeiden, die es bei früheren Bands gab. "Vom ersten Tag an", so Schlagzeuger John Eager, "war uns klar, dass wir eigentlich David und seine Begleitband sind". Ralph Horton nahm erneut Kontakt zu Kenneth Pitt auf, und in der Zwischenzeit begann die Band mit einer Reihe von Konzerten im Marquee Club, die unter dem Namen "Bowie Showboat" bis zum 12. Juni an Sonntagnachmittagen stattfanden. Nach dem Besuch des zweiten dieser Konzerte wurde Pitt offiziell Bowies Manager und Horton übernahm die Rolle des Assistenten und Konzertorganisators.

Am 15. Juni beschloss John Hutchinson, die Buzz wegen ausbleibender Zahlungen zu verlassen, und in den nächsten Wochen war Bowie gezwungen, einige Gigs ohne Gitarristen zu spielen, bevor er den ehemaligen Anteeeks Billy Gray engagierte. Auf jeden Fall beschloss Produzent Tony Hatch, den Rest der Band von den Aufnahmen der neuen Single I Dig Everything, die im folgenden Monat erscheinen sollte, auszuschließen und einige Session-Spieler einzusetzen. Die Single wurde am 19. August veröffentlicht und erwies sich trotz einiger ermutigender Kritiken in der Fachpresse als weiterer kommerzieller Misserfolg, so dass Tony Hatch und Pye Bowie im September aus seinem Vertrag entließen. Dem neuen Manager gelang es, das Interesse von Deram Records und des Produzenten Mike Vernon zu wecken, mit dem er bald sein Debütalbum mit dem schlichten Titel David Bowie aufnehmen sollte.

Die neue erzählerische Richtung, in die sich Bowies Songs bewegten, war die Quelle einiger Kontroversen mit dem Buzz: "Ich fand es unglaublich, dass 99% unserer Live-Songs gefühlvoll waren, und dass ich in einem solchen musikalischen Stil schrieb

Aber im Buzz lief es nicht gut, vor allem wegen der neuen erzählerischen Richtung, in die sich Bowies Songs bewegten. Die Gruppe löste sich am 2. Dezember nach einem Auftritt in Shrewsbury auf, dem gleichen Tag, an dem Rubber Band veröffentlicht wurde, obwohl Boyes, Fearnley und Eager bis Februar 1967 weiterhin an David Bowies Aufnahmen (und anderen nicht auf dem Album enthaltenen Stücken wie The Laughing Gnome) beteiligt waren.

Ende des Jahres schrieb David während der Album-Sessions auch einen Song für den englischen Schauspieler und Sänger Paul Nicholas, zu dem er auch Backing Vocals beisteuerte. Oscars (Nicholas' Künstlername) dritte Single im Juni 1967 trägt den Titel Over the Wall We Go und handelt scherzhaft von entflohenen Sträflingen und inkompetenten Polizisten.

Space Oddity und frühe Erfolge (1967-1969)

Zunehmend auf eine Solokarriere ausgerichtet, war er 1967 kurzzeitig Mitglied mehrerer Bands und nahm mit Riot Squad Little Toy Soldier auf, einen sadomasochistischen Titelsong mit offensichtlichen Bezügen zu Venus in Furs von Velvet Underground. Lou Reeds dekadente Ader weicht jedoch einer Music-Hall-Atmosphäre, die durch Schreie, Husten, knarrende Federn, Explosionen und andere Geräusche des Toningenieurs und späteren Space-Oddity-Produzenten Gus Dudgeon bereichert wird.

Im darauffolgenden April wurde die neue Single The Laughing Gnome veröffentlicht, die Roy Carr und Charles Shaar Murray vom NME als "das wohl peinlichste Beispiel für Bowies Jugendlichkeit" und der Biograf David Buckley als "absolut dumm, wenn auch pervers eingängig" beschrieben. Trotz des mangelnden Erfolgs der Single wurde sein erstes Album, David Bowie, im Juni 1967 veröffentlicht, das trotz einiger positiver Kritiken kommerziell wenig Erfolg hatte. In der Zwischenzeit wurden weitere Titel für Deram aufgenommen, aber Deram weigerte sich, sie zu veröffentlichen, auch wegen der schlechten Verkaufszahlen des Albums. Der Schauspieler und Pantomime Lindsay Kemp erklärte später: "Ich habe es mir angehört, bis ich es verschlissen habe". Im Herbst desselben Jahres wurden Let Me Sleep Beside You und Karma Man aufgenommen. Auch sie wurden nicht von Deram veröffentlicht, aber die erste der beiden war der Beginn einer der wichtigsten Zusammenarbeiten Bowies, nämlich mit Tony Visconti, den er in den Studios seines Verlegers David Platz kennenlernte.

Ungefähr zu dieser Zeit begann seine Erfahrung als Filmemacher mit seiner Teilnahme an Michael Armstrongs Kurzfilm The Image, den Bowie 1983 als "Underground-Avantgarde-Schwarzweiß-Zeug, gemacht von einem gewissen Typen" bezeichnete... Er wollte einen Film über einen Maler machen, der einen Teenager porträtiert, aber das Porträt wird lebendig und entpuppt sich im Grunde als Leiche eines Menschen. Ich erinnere mich nicht wirklich an die Handlung... es war schrecklich".

Nach einem Auftritt mit der neuen Single Love You Till Tuesday in der niederländischen Fernsehsendung Fanclub und einem Auftritt beim Stage Ball in London, bei dem er für die Wohltätigkeitsorganisation British Heart Foundation tanzte und in Begleitung des Bill Savill Orchestra sang, trat er am 18. Dezember 1967 in einer "BBC-Session" für John Peels Radiosendung Top Gear auf, bei der Bowie vom sechzehnköpfigen Orchester von Arthur Greenslade begleitet wurde. Am 28. Dezember endete im Oxford Playhouse die erste Aufführungsserie des Stücks Pierrot in Turquoise, in dessen Mittelpunkt ein Liebesdreieck zwischen Pierrot, Columbine und Harlekin steht. Die Rolle von Cloud, gespielt von Bowie, war die einer Art Erzählerfigur, deren ständige Veränderungen dazu dienten, den unglücklichen Protagonisten zu täuschen und zu betrügen. Während der Show trug er When I Live My Dream und Sell Me a Coat sowie drei speziell für diesen Anlass geschriebene Kompositionen (Threepenny Pierrot, Columbine und The Mirror) vor, die von Michael Garrett am Klavier begleitet wurden. Die Lokalzeitung Oxford Mail schrieb: "David Bowie hat einige faszinierende Lieder komponiert, die er mit einer herrlich verträumten Stimme singt", während sie fand, dass die Show als Ganzes "die universellen Wahrheiten, die Marcel Marceau auszudrücken vermag, nur andeutet".

Am 27. Februar 1968 reiste Bowie nach Hamburg, um drei Lieder für die ZDF-Sendung 4-3-2-1 Musik Für Junge Leute aufzunehmen. Nach seiner Rückkehr nahm er mit Visconti die Titel In the Heat of the Morning und London Bye Ta-Ta auf, aber die x-te Weigerung von Deram, sie zu veröffentlichen, veranlasste den Sänger, das Label endgültig zu verlassen.

Im Frühjahr wurden die Aufführungen von Pierrot in Turquoise im Mercury Theatre und im Londoner Intimate Theater mit einigem Erfolg fortgesetzt. Anschließend nahm Bowie eine zweite Session mit Tracks bei der BBC auf, gefolgt von einem Konzert im Middle Earth Club in Covent Garden, wo er T. Rex begleitete, und einem in der Royal Festival Hall. Bei beiden Auftritten führte er das kurze Pantomimenstück Jetsun and the Eagle auf, aus dem Wild Eyed Boy von Freecloud hervorging, das von dem tibetischen Kleriker und Dichter Milarepa inspiriert ist und zu einer Hintergrundmusik wie Silly Boy Blue aufgeführt wurde.

Nach einem kurzen Auftritt in The Pistol Shot, einem BBC-Drehbuch über das Leben des russischen Dichters Puschkin, zog Bowie zu seiner Lebensgefährtin Hermine ins Londoner Viertel South Kensington, und begann mit der Planung einer Ein-Mann-Show speziell für den Kabarettbereich. Er stellte ein Repertoire zusammen, in dem sich seine eigenen Songs (When I'm Five, Love You Till Tuesday, The Laughing Gnome, When I Live My Dream, Even a Fool Learns to Love) mit Beatles-Covern wie Yellow Submarine und All You Need Is Love abwechselten; Im Sommer veranstaltete er zwei Castings für die Aufführung seiner Show, die jedoch beide erfolglos blieben. Danach gründete er mit Hermione und dem ehemaligen Misunderstood-Gitarristen Tony Hill das Akustik-Trio Turquoise, dessen Repertoire einige seiner bizarreren Kompositionen umfasste, darunter das bisher unveröffentlichte Ching-a-Ling und eine Auswahl von Covers, die Bowies ersten Ausflug in das Werk von Jacques Brel darstellen.

Bowies erster richtiger Auftritt fand am 14. September im Roundhouse in London statt; nach einigen Terminen verließ Gitarrist Tony Hill die Band und wurde durch John Hutchinson ersetzt. Unter dem Namen Feathers trat die Gruppe am 17. November im Country Club in Haverstock Hill auf. Neben den Liedern trugen die Mitglieder des Trios abwechselnd Gedichte vor, während Bowie sein Pantomimenstück The Mask aufführte.

Während die beiden Gruppen Slender Plenty und The Beatstalkers den Song Silver Tree Top School for Boys veröffentlichten, den Bowie im Jahr zuvor geschrieben hatte, waren die letzten Engagements des Jahres beide für das deutsche Fernsehen: der zweite Auftritt in 4-3-2-1 Musik Für Junge Leute und der Auftritt in Für Jeden Etwas Musik, wo Bowie eine Pantomime aufführte und ein Lied sang.

Anfang 1969 fand ein weiteres wichtiges Treffen für Bowie statt, nämlich das mit der 19-jährigen Amerikanerin Mary Angela Barnett, die vier Monate später seine Partnerin und dann im März 1970 seine Ehefrau wurde; das Treffen mit Barnett hing aber vor allem mit der gemeinsamen Bekanntschaft mit Calvin Mark Lee zusammen, dem europäischen Direktor der A&R-Abteilung von Mercury Records in New York, den Bowie bereits 1967 bei einem Treffen mit General Manager Simon Hayes kennengelernt hatte. Laut den Biographen Peter und Leni Gillman scheint auch Calvin Mark Lee mit dem Sänger eine Beziehung gehabt zu haben, die über eine bloße Freundschaft hinausging, und vielleicht war es diese "Dreierbeziehung", auf die sich Bowie viele Jahre später bezog, als er in einem Interview provokativ erklärte, er habe seine zukünftige Frau kennen gelernt, als "wir beide mit demselben Mann ausgingen".

Am 22. Januar nahm Bowie unter der Regie von Ridley Scott einen Werbespot für Lyons Maid's Luv-Eiscreme auf und begann vier Tage später mit den Dreharbeiten für das Videoalbum Love You Till Tuesday. Während dieser Zeit trat er zusammen mit John Hutchinson bei seinem ersten Live-Auftritt des Jahres an der Universität von Sussex auf. Er nahm auch an einigen Tourneen von Tyrannosaurus Rex teil, wo er pantomimisch auftrat, und versuchte erfolglos, für das Musical Hair am Londoner Shaftesbury Theatre vorzusprechen.

In dieser Zeit verzichteten Bowie und Hutchinson auf Pantomime und Poesie und konzentrierten sich auf anspruchsvollere Folk-Klänge, die auf akustischen Doppelgitarren und Gesangsharmonien basierten. Sie nahmen ein Demo mit zehn akustischen Stücken auf, das die Grundlage für das neue Album bildete.

Noch vor dem Sommer gründeten der Sänger und seine neue Partnerin, die Sunday Times-Journalistin Mary Finnigan, einen Folkclub im Three Tuns Pub in Beckenham und begannen, wöchentliche Treffen zu organisieren, an denen immer mehr Intellektuelle, Dichter, Filmstudenten und andere Kreative teilnahmen. Diese neue Realität wurde Wachstum getauft.

Am 14. Juni waren Bowie und Visconti in der BBC-Sendung Colour Me Pop zu Gast bei den Strawbs, und ein paar Tage später begannen in den Trident Studios in Soho die Aufnahmen für die neue LP. Toningenieur Dudgeon betreute die beiden Titel, die die erste 45er-Platte des Albums bildeten: Space Oddity und Wild Eyed Boy von Freecloud. Diese Sessions boten Bowie die Gelegenheit, mit neuen Musikern zu spielen, die später wieder mit ihm zusammenarbeiten sollten: dem Bassisten Herbie Flowers, der auch auf dem Album Diamond Dogs von 1974 mitwirkte, Rick Wakeman, der an der Entstehung des Albums Hunky Dory von 1971 beteiligt war, und Visconti selbst.

Nur drei Wochen nach der Aufnahme und rechtzeitig zur ersten Mondlandung von Apollo 11 wurde die Space Oddity 45 am 11. Juli 1969 in zwei verschiedenen Versionen sowohl im Vereinigten Königreich als auch in den USA veröffentlicht und von der Fachpresse gut aufgenommen.

Ende des Monats reiste er mit Pitt nach Valletta zum Malta Song Festival, wo Bowie When I Live My Dream und das unveröffentlichte No-One; Someone aufführte, während er einige Tage später zum ersten Mal in Italien in Monsummano Terme beim International Record Award auftrat, wo er seinen ersten Preis für When I Live My Dream gewann.

Die Aufnahmen wurden den ganzen Sommer über fortgesetzt, und Visconti rekrutierte für diese Gelegenheit mehrere andere Musiker sowie den Rats-Gitarristen Mick Ronson, der sein offizielles Debüt mit dem britischen Sänger gab, indem er ein kurzes Gitarrensolo im Mittelteil von Wild Eyed Boy aus Freecloud spielte. Mitte August fand auf dem Beckenham Recreation Ground ein von Bowies Kunstlabor Growth organisiertes kostenloses Festival statt, bei dem auch die Strawbs auftraten. 3 000 Besucher nahmen daran teil, und das Ereignis wurde in dem Song Memory of a Free Festival verewigt, obwohl Bowies Stimmung an diesem Tag anscheinend nicht mit den nostalgischen Gefühlen übereinstimmte, die in dem Song zum Ausdruck kommen, vielleicht wegen des Todes seines Vaters, der einige Tage zuvor an einer Lungenentzündung gestorben war. Das Beckenham-Festival war jedoch Bowies Abschied von der Hippie-Bewegung, angewidert von der Mittelmäßigkeit und Trägheit vieler ihrer Anhänger, und der letzte Akt des Kunstlabors Growth, das im Wesentlichen von apathischen Zuschauern besucht wurde und nicht von den aktiven Mitarbeitern, die es vorgesehen hatte.

Nachdem er Ende August eine Version von Space Oddity für die niederländische Fernsehsendung Doebidoe aufgenommen hatte, gelang es ihm, Pitt einen Vertrag mit Mercury Records für eine neue Platte zu verschaffen, die im Vereinigten Königreich von der Philips-Tochter vertrieben werden sollte. Die Wahl des Produzenten fiel zunächst auf George Martin, doch dann wurde Tony Visconti ausgewählt.

Nach einem Live-Auftritt in Library Gardens in Bromley nahm er im Oktober seinen ersten Auftritt in der BBC-Sendung Top of the Pops auf, wo er Space Oddity sang, das Platz 5 in den britischen Charts erreichte und sein erster echter Hit war. Es folgte eine BBC-Aufnahme mit Junior's Eyes für die Dave Lee Travis Show. Zur gleichen Zeit zogen Bowie und Barnett nach Beckenham in ein Gebäude in Haddon Hall, das in späteren Jahren zum inoffiziellen Aufnahmestudio des Sängers wurde, aber auch als Fotostudio und Gemeinschaftsraum für die Entourage des Sängers diente. In dieser Zeit trat er mehrmals mit dem aktuellen Song Space Oddity auf, unter anderem in der Sendung Hits à gogo des Schweizer Fernsehens und in der ZDF-Sendung 4-3-2-1 Musik für Junge Leute.

Im November begann eine erste kurze Schottland-Tournee, die mit der Veröffentlichung seines zweiten Albums zusammenfiel, das im Vereinigten Königreich unter dem Titel David Bowie, demselben Titel wie die erste LP, und in den USA als Man of Words

In dieser Zeit ließ er sich, nachdem er einige Monate zuvor in dem Film The Virgin Soldiers, in dem er die Rolle eines Soldaten spielte, einen militärischen Haarschnitt verpasst bekommen hatte, eine unordentliche Dauerwelle verpassen, die er bis Anfang der 1970er Jahre trug.

Ende 1969 nahm er an einem sehr erfolgreichen Konzert in der Royal Festival Hall teil, das jedoch aufgrund der Abwesenheit von Journalisten in der nationalen Presse nicht bekannt gemacht wurde. Zu den wenigen, die das Konzert rezensierten, gehörte Tony Palmer vom Observer, der es als "glühend" bezeichnete und sagte, Space Oddity sei "spektakulär schön" gewesen, obwohl andere Darbietungen wie An Occasional Dream von ihm als "düster, eintönig und voller Selbstmitleid" beschrieben wurden.

Das Jahr 1969 endete mit der Aufnahme von Ragazzo solo, ragazza sola, der italienischen Version von Space Oddity, wenn auch mit einem Text, der nichts mit dem Original zu tun hatte, und Hole in the Ground, das auf dem Benefizkonzert Save Rave '69 aufgeführt wurde. Obwohl sich das zweite Album als kommerzieller Misserfolg erwies und im März 1970 im Vereinigten Königreich nur knapp über 5.000 Exemplare verkauft wurden, wurde Bowie in einer Leserumfrage von Music Now! zum besten neuen Künstler gewählt, während Penny Valentine von Disc and Music Echo Space Oddity zum Album des Jahres kürte.

Die Metamorphose: vom "Folk" zum "Glam Rock" (1970-1971)

Frühe Engagements im Jahr 1970 waren die Aufnahme von The Looking Glass Murders, eine Fernsehadaption von Pierrot in Turquoise, deren Dreharbeiten im Gateway Theatre in Edinburgh stattfanden, und die Aufnahme von The Prettiest Star, bei der Marc Bolan die Leadgitarre spielte. Die Karrieren der beiden zukünftigen Stars, die beide von Visconti produziert wurden, kreuzten sich in den 1970er Jahren mehrmals. Währenddessen gab es bei einem Auftritt im Marquee Club ein Wiedersehen mit Mick Ronson, der Bowies Vollzeit-Gitarrist wurde, zusammen mit Visconti und Junior's Eyes-Schlagzeuger John Cambridge. Die neue Gruppe hieß Hype, kurz für "hypocritical", Bowies Ironie über die Heuchelei, die die alternative Musikwelt umgab. "Ich habe diesen Namen absichtlich gewählt, weil ich etwas wollte, das ein bisschen stark klingt, damit niemand sagen kann, er sei getäuscht worden", sagte Bowie dem Melody Maker. Das neue Quartett gab sein Debüt bei den BBC-Sessions im folgenden Februar. Kurz darauf gaben The Hype ihr Konzertdebüt im Londoner Roundhouse, und hier fand nach monatelangen persönlichen Experimenten mit Kostümen und Make-up die Metamorphose statt: Bowie zwang die Gruppe, die extravaganten, von Viscontis Frau und Freundin genähten Outfits zu tragen. Jedes Mitglied nahm auch die Identität einer Comic-Figur an, und Bowie wurde in bunten Lurex-Strümpfen, hohen Stiefeln und einem blauen Umhang zum "Rainbowman". Das Konzert gilt als die Geburtsstunde des Glam Rock, aber die Öffentlichkeit nahm es nicht ernst; die Mitglieder von Hype selbst zeigten sich skeptisch, mit Ausnahme von Bowie, der keine Zweifel zu haben schien: "Nach diesem Konzert habe ich aufgehört, ich habe keine anderen Dinge ausprobiert, weil ich wusste, dass es gut war", sagte er einige Jahre später dem NME, "ich wusste, was ich tun wollte, und ich war sicher, dass viele andere Leute das auch taten. Aber ich wäre der Erste gewesen.

Bald darauf kehrte Bowie nach Schottland zurück und moderierte die Sendung Cairngorm Ski Night von Grampian TV. Begleitet von einem großen Fernsehorchester sang er London Bye Ta-Ta und führte eine Tanznummer mit Angela und Lindsay Kemp auf. In der Zwischenzeit richteten Visconti und Ronson in Haddon Hall ein Aufnahmestudio ein, in dem ein Großteil des Materials aus dieser Zeit produziert wurde. Terry Burns, Bowies Halbbruder, besuchte das Studio häufig, und obwohl er freiwillig im Cane Hill Hospital wohnte, war er oft bei der Gruppe: Diese Bekanntschaften hatten einen großen Einfluss auf einige der Kompositionen, die auf dem neuen Album zu hören waren.

Anschließend wurde die 45 rpm The Prettiest Star veröffentlicht, eine wahre Liebeserklärung an Barnett, die von den britischen Musikmagazinen große Aufmerksamkeit erhielt, da sie nach dem Erfolg von Space Oddity veröffentlicht wurde. Die gute Presseresonanz wurde jedoch kommerziell nicht erreicht, und die Single verkaufte sich nicht mehr als 800 Mal. Für den amerikanischen Markt entschied sich Mercury Records stattdessen für eine prägnantere und energischere Neuaufnahme von Memory of a Free Festival, die sich jedoch als Misserfolg erwies.

Am 20. März 1970 heirateten David Bowie und Angela Barnett im Rathaus von Bromley in einer informellen Zeremonie im Beisein von einigen Freunden und Bowies Mutter. Fünf Tage später nahmen The Hype eine weitere Session bei der BBC für die Andy Ferris Show auf, nach der sie sich auflösten und die Band ihren letzten Auftritt im Star Hotel in Croydon hatte. In dieser Zeit arbeitete Angela hart daran, David zu unterstützen, indem sie z. B. Kontakte zu Veranstaltern knüpfte und sich allgemein um die Öffentlichkeitsarbeit kümmerte, Veranstaltungsorte für die Auftritte ihres Mannes buchte, die Beleuchtung und den Ton für die Konzerte kontrollierte usw. Sie trug auch zu Davids neuem Image und zum neuen Image der Band bei. Sie trug auch zum neuen androgynen Image ihres Mannes bei, indem sie ihn unter anderem bei der Wahl von Kostümen, Frisuren und Verhaltensweisen in der Öffentlichkeit beriet.

Danach trat Bowie weiterhin als Solokünstler auf, wobei er hauptsächlich Stücke aus Space Oddity spielte, aber auch eine Vorschau auf spätere Alben gab. In dieser Zeit nahm er auch den unveröffentlichten Titel Tired of my life auf, den Bowie einigen Quellen zufolge im Alter von 16 Jahren schrieb, und es wurde The World of David Bowie veröffentlicht, die erste offizielle Sammlung mit Titeln aus seinem Debütalbum und einigen bisher unveröffentlichten Stücken. Vom 18. April bis zum 22. Mai begannen in den Trident Studios die Aufnahmen zu The Man Who Sold the World. Cambridge wurde am Schlagzeug durch Mick "Woody" Woodmansey, Ronsons ehemaliger Kollege bei den Rats, ersetzt, während Visconti die meiste Zeit der Sessions damit verbrachte, den Frischvermählten zu stimulieren und gegen seine offensichtliche Apathie für das Projekt anzukämpfen. Die Gruppe wuchs auf fünf Mitglieder an, als der Keyboarder Ralph Mace hinzukam, ein leitender Angestellter von Philips Records, der während der Aufnahmen zu The Prettiest Star zu Bowies Referenz bei dem Label geworden war.

Nach Abschluss der Aufnahmen verlangsamten sich Bowies Aktivitäten, und da er mit der Richtung, die Pitt seiner Arbeit zu geben versuchte, unzufrieden war, ging er mit dem jungen Rechtsberater Tony Defries zum Haus des Managers, der sich bereit erklärte, alle beruflichen Verpflichtungen aufzulösen. Die beiden trennten sich freundschaftlich, und Defries wurde der Vollzeitmanager des Künstlers. Pitt blieb jedoch eine der einflussreichsten Persönlichkeiten in der Anfangszeit des britischen Sängers, mit beträchtlichen persönlichen Investitionen, wenn auch deutlich weniger als die Mittel, die Defries' Kollege Laurence Myers, mit dem er gerade die Gem Music Group gegründet hatte, zur Verfügung stellte; sein letztes Engagement mit Pitt war bei der Verleihung der Ivor Novello Awards, die am 10. Mai im Talk Of The Town in London stattfand: Bowie sang Space Oddity und gewann einen Preis. Der Song wurde in einem umfangreichen Orchesterarrangement aufgeführt, das von Paul Buckmaster arrangiert und von Les Reed dirigiert wurde, und die Aufführung wurde in Europa und den USA über Satellit übertragen, während sie im Vereinigten Königreich nur im Radio gespielt wurde.

In der Zwischenzeit ließ der Erfolg des Vorjahres mit demselben Titel nach, und im Oktober handelte Defries ein Angebot von Chrysalis Records aus, das ihm einen Vertrag und einen Vorschuss von 5.000 Pfund einbrachte, während Bowie seine Energien in eine Phase intensiven Schreibens lenkte. Am 4. November 1970 wurde The Man Who Sold the World in den USA veröffentlicht und erhielt trotz schlechter Verkaufszahlen ein gutes Kritikerlob. Ronsons harte Rockgitarre war eine spürbare Abwechslung zu den überwiegend folkigen und akustischen Atmosphären des Vorgängeralbums. Die Texte erschienen komplexer und weniger linear als zuvor, und die tieferen Themen, die Bowie ansprach, wurden in seinen späteren Werken aufgegriffen: sexuelle Ambiguität, gespaltene Persönlichkeiten, Isolation, Wahnsinn, falsche Gurus, Totalitarismus. Bowie dachte schon bald über sein nächstes Album nach. Bob Grace, der Geschäftsführer von Chrysalis, mietete die Londoner Studios von Radio Luxembourg, wo die Sängerin neues Material aufnahm, darunter den Titel Oh! Ihr hübschen Dinger.

Im folgenden Jahr erschien die neue 45 rpm, Holy Holy, trotz einer sechsmonatigen Verzögerung bei den Aufnahmen aufgrund von Vertragsverhandlungen. Einige Tage später wurde der Titel in der Fernsehsendung Six-O-One: Newsday von Granada TV aufgeführt, allerdings ohne Erfolg. 1971 war ein entscheidender Moment in Bowies Karriere, als Defries maßgeblich dazu beitrug, die aus dem Genie des Sängers geborenen Ideen zu verwirklichen und zu fördern; der Manager revolutionierte radikal die gesamte Organisation, die seine Karriere bis dahin geprägt hatte, und überredete ihn, seine Beziehung zu Tony Visconti zu beenden, der sich schuldig gemacht hatte, Beziehungen zu Marc Bolan zu unterhalten, der nun mit Bowie um die Rolle der Glam-Rock-Primadonna konkurrierte. Visconti verließ die Band und konzentrierte sich auf die Produktion von Marc Bolan und T. Rex. Er behielt den Namen Hype bei und engagierte den Rats-Sänger Benny Marshall, um Ronson und Woodmansey zu unterstützen. Er nahm seine Zusammenarbeit mit Bowie 1974 wieder auf, als sich die Beziehungen zwischen dem Sänger und Defries verschlechterten.

Im Februar begab sich Bowie auf seine erste Reise in die USA, um dort eine kurze Promotour für The Man Who Sold the World durchzuführen. Obwohl er durch seine Heirat mit Angela eine Green Card erhalten hatte, konnte Bowie aufgrund von Gewerkschaftsvereinbarungen mit der American Federation of Musicians nicht auftreten, und die Werbung beschränkte sich auf persönliche Auftritte und einige Interviews in Washington, New York, Chicago, Philadelphia, San Francisco und Los Angeles. In einem dieser Interviews kündigte er gegenüber John Mendelsohn vom Rolling Stone an, er wolle "die Pantomime in einem traditionellen westlichen Rahmen einführen, um die Aufmerksamkeit des Publikums mit einer Reihe von sehr stilisierten, sehr japanischen Bewegungen auf sich zu ziehen". Bei dieser Gelegenheit erklärte er auch, dass die Rockmusik "als Prostituierte verkleidet werden sollte, als Parodie ihrer selbst, sie sollte eine Art Clown, ein Pierrot sein. Die Musik ist die Maske, hinter der sich die Botschaft verbirgt. Die Musik ist der Pierrot und ich, der Künstler, bin die Botschaft".

Nach diesem kurzen amerikanischen Zwischenspiel kehrte Bowie in die Trident Studios zurück, um das neue Album Hunky Dory fertigzustellen und neue Titel wie Changes und Life on Mars? zu produzieren. Zu den Instrumentalisten der ersten Stunde gehörten einige Dulwich-Studenten, die sich den Namen Runk gegeben hatten, darunter der Gitarrist Mark Carr Pritchard, der bei Arnold Corns mitspielte, der Bassist Polak de Somogyl und der Schlagzeuger Ralph St. Laurent Broadbent. Auch andere Musiker, mit denen er in den vorangegangenen Monaten zusammengearbeitet hatte, wurden für spätere Aufnahmen berücksichtigt, darunter Terry Cox, der Schlagzeuger von Space Oddity, und Tony Hill, den Bowie seit 1968 kannte.

Das Album The Man Who Sold the World erblickte auch im Vereinigten Königreich fast ein Jahr nach dem Ende der Aufnahmen das Licht der Welt, aber trotz positiver Kritiken waren die Verkaufszahlen, wie schon in Übersee, katastrophal. Bowies Vertrag mit Mercury lief aus, aber die Firma wollte ihn für ein weiteres Album verlängern. Im folgenden Monat kam der Vertreter der Plattenfirma, Robin McBride, aus Chicago nach London, um ihm einen neuen Dreijahresvertrag anzubieten. Defries entgegnete, dass Mercury ihm "den größten Mist, den sie je hatten", geben würde, wenn sie die Verlängerungsoption für eine neue Platte wahrnehmen würden, und teilte ihm mit, dass Bowie unter keinen Umständen noch eine weitere Note mit Mercury aufnehmen würde, woraufhin dieser zustimmte, den Vertrag zu beenden.

Bowie bereitete in rasantem Tempo Material für das neue Album vor und zog Ronson und Woodmansey hinzu; Ronson stimmte zu und brachte den Bassisten Trevor Bolder als Ersatz für Visconti mit. So entstand das Line-up der zukünftigen Spiders from Mars.

Die Band zog nach Haddon Hall um, um neue Kompositionen zu proben, und Bowie beschloss, die bevorstehende BBC-Session am 3. Juni zu nutzen, um seinem wiedergewonnenen Kreis von Musikern, darunter die Freunde Dana Gillespie, George Underwood und Geoffrey Alexander, einige neue Songs vorzustellen, darunter Kooks, das für seinen Sohn Zowie komponiert wurde. Am 23. Juni besuchte Bowie das Glastonbury Fayre, bei dem unter anderem Hawkwind, Traffic, Joan Baez und Pink Floyd auftraten. Die Setlist des Vorabends war überzogen worden, und Bowies Konzert war abgesagt worden, weil die Behörden darauf bestanden hatten, die Veranstaltung um 22.30 Uhr zu beenden. Unerschrocken begann Bowie um 5 Uhr morgens zu spielen, was einige Unannehmlichkeiten mit sich brachte, die Oh! You Pretty Things und setzte sich mit sechs weiteren Titeln fort, darunter Memory of a Free Festival.

Die Aufnahmen von Hunky Dory wurden den ganzen Sommer über in den Trident Studios fortgesetzt, und im August flog Defries mit 500 Promo-Exemplaren einer Schallplatte namens BOWPROMO 1A1 nach New York.

In der Endphase von Hunky Dory tauchte ein weiteres entscheidendes Element für Bowies zukünftige Karriere auf. Im Sommer 1971 wurde im Londoner Roundhouse eine US-amerikanische Produktion mit dem Titel Pork aufgeführt, eine von Andy Warhol verfasste Adaption einer Sammlung von Gesprächen, die in den zweideutigen Kreisen New Yorks aufgezeichnet wurden und in denen der Transvestit Wayne County, die hemmungslose Geri Miller und Cherry Vanilla mit Tony Zanetta, der Warhol selbst spielte, zusammenkamen. Für die britische Öffentlichkeit waren Porks Szenen mit Masturbation, Homosexualität, Drogen und Abtreibungen ein inakzeptabler Affront gegen den guten Geschmack. Die Ausstellung erhielt durch skandalöse Kommentare in der Presse eine immense kostenlose Publicity, während für Bowie der Kontakt mit Warhols Skurrilität einen neuen Wendepunkt darstellte. Dieses Ereignis und seine Begegnung mit dem amerikanischen Künstler im darauf folgenden Monat trugen dazu bei, dass er die Verschmelzung von Musik und Performance erkannte, sein Aussehen veränderte und die Medien nutzte, um sein neues Rockstar-Image zu kreieren. Seine Rolle auf der Bühne beschränkte sich nicht mehr auf die eines Sängers-Musikers mit gutem Körpereinsatz, sondern auf die eines Schauspielers-Musikers.

Angezogen von ihrer Frechheit, ihrer düsteren Sexualität, ihrem New Yorker Streetstyle und ihren Verbindungen zu Warhol, beeilte sich Bowie nach seiner Rückkehr aus den USA, Defries die neuen Mitglieder der Besetzung vorzustellen. Als Defries 1972 die Gem Music Group verließ und MainMan Management gründete, seine hundertprozentige Firma, mit der er die riesige Menge an Geschäften, die Bowie bewegen konnte, verwaltete, wurden einige von Porks Schlüsselfiguren angeheuert und hatten prominente Rollen in der Firma.

Nach Abschluss der Aufnahmen von Hunky Dory kehrte Bowie mit Angela, Defries und Ronson nach Amerika zurück, um einen neuen Vertrag mit RCA zu unterzeichnen. Wie bei seiner vorherigen Reise konnte Bowie nicht auftreten, aber sein Aufenthalt ermöglichte es ihm, Warhol persönlich zu treffen, dem er das ihm gewidmete Lied vorspielte. Wie Bowie 1997 verriet, reagierte Warhol nicht positiv: "Ich glaube, er fühlte sich durch den Song gedemütigt oder so, und das war wirklich nicht meine Absicht, es war eine ironische Hommage. Er nahm es sehr übel, aber er mochte meine Schuhe.... Ich trug ein Paar, das mir Marc Bolan geschenkt hatte, ein leuchtendes Kanariengelb, mit Absatz und abgerundeter Spitze, denn Warhol hatte auch die Angewohnheit, Schuhe zu entwerfen, wir hatten also etwas, worüber wir reden konnten. In denselben Tagen fanden zwei weitere wichtige Begegnungen statt: Dennis Katz von RCA machte ihn in einem Restaurant mit Lou Reed bekannt, und am selben Abend lernte er auf einer Party im Max's Kansas City Iggy Pop kennen, eine Begegnung, die sich später als entscheidend für die Karriere beider erweisen sollte.

Nach seiner Rückkehr nach Europa setzte Bowie seine Live- und Studioverpflichtungen fort. Die Aufnahmen zu The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars begannen am 9. September mit einer Coverversion von It Ain't Easy des amerikanischen Singer-Songwriters Ron Davies. Am 21. September gab es eine neue BBC-Session für Sounds of the 70s mit "Whispering" Bob Harris, bei der Bowie und Ronson Brels Amsterdam spielten. Vier Tage später fand im Friars Club in Aylesbury der erste Live-Auftritt mit den zukünftigen Spiders from Mars statt, bei dem Tom Parker am Klavier mitwirkte.

Am 8. November begann die erste richtige Session, bei der viele der für das neue Album vorgesehenen Stücke entstanden. Dazu gehörten neue Versionen von Moonage Daydream und Hang On to Yourself, das berühmte Ziggy Stardust und Lady Stardust, wobei die beiden letztgenannten Stücke bereits einige Monate zuvor auf einem akustischen Demo in den Studios von Radio Luxembourg aufgenommen worden waren. Zu den verworfenen Titeln gehörten Shadow Man, Sweet Head, Velvet Goldmine, eine neue Version von Holy Holy und eine Neuauflage von Chuck Berrys Around and Around, die in Round and Round umbenannt wurde.

Hunky Dory wurde am 17. Dezember 1971 veröffentlicht, als Bowie bereits mitten in den Aufnahmen zu seinem nächsten Album steckte und an einem weiteren Image- und Stilwandel arbeitete. Mit dem neuen Werk kehrte Bowie zu folkigeren Klängen zurück, die von Rick Wakemans Klavier und Mick Ronsons opernhaften Arrangements dominiert wurden, und stellte vor allem seine Fähigkeiten als Songwriter unter Beweis. Doch trotz glühender Kritiken in der Fachpresse und der Veröffentlichung der Single Changes war die Werbekampagne unzureichend und der Absatz gering. In den USA blieb es auf Platz 93 der Billboard 200 stehen, und im Vereinigten Königreich musste man sogar bis zur Veröffentlichung von Ziggy Stardust warten, um es in den Charts zu sehen. Dennoch wurde Hunky Dory im Laufe der Jahre als sein erstes echtes "klassisches" Album angesehen.

Die Ziggy Stardust-Ära (1972-1973)

Die eigentliche Weihe kam 1972 mit dem Album The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, bei dem er von der gleichnamigen Band The Spiders from Mars begleitet wurde und das die meisten seiner Klassiker enthielt, die auch dreißig Jahre später noch bei jedem seiner Konzerte wiederholt wurden: von Starman bis Moonage Daydream, von Rock 'n' Roll Suicide bis Ziggy Stardust Im selben Jahr, als er seinen ersten großen Hit Space Oddity (1969) auf dem amerikanischen Markt vorstellte, sang Bowie den Song in seinem ersten Videoclip, der in den RCA-Studios in New York gedreht wurde.

Zwischen 1972 und 1973 tourte er mit einer Show, in der der echte Bowie und die Figur des Ziggy Stardust schließlich verschwammen. In engen, bunten Strumpfhosen, extravaganten Kostümen und mit feuerrot gefärbten Haaren eröffnete Bowie am 10. Februar 1972 Ziggys erste Show in der intimen Atmosphäre des Toby Jug Pub in Tolworth. Die Show, die später vor größerem Publikum aufgeführt wurde, katapultierte Bowie während der folgenden sechsmonatigen Tournee dauerhaft ins Rampenlicht der britischen Medien und verschaffte ihm enorme Popularität und wachsende Anerkennung bei Publikum und Kritikern gleichermaßen. Scharen von Jungen und Mädchen strömten zu seinen Konzerten, beeindruckt von dem melodischen Glam-Rock und der sexuellen Freizügigkeit, die von dem Ephebe Ziggy ausging. The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, das die Hardrock-Elemente von The Man Who Sold the World mit dem poppigeren und experimentelleren Ansatz von Hunky Dory verband, wurde im Juni 1972 veröffentlicht: Es erreichte Platz fünf im Vereinigten Königreich und hielt sich etwa zwei Jahre lang in den Charts, wobei es auch den sechs Monate älteren Vorgänger Hunky Dory wieder in die Hitparade brachte. Dieser Erfolg war vor allem auf Bowies Auftritt bei Top of the Pops zurückzuführen, wo er die Single (aus dem neuen Album) Starman präsentierte, die ebenfalls Platz zehn der Charts erreichte. Innerhalb weniger Wochen wurden auch die Single John, I'm Only Dancing, die nicht auf dem Album enthalten ist, und All the Young Dudes, ein für Mott the Hoople geschriebener und produzierter Song, veröffentlicht und wurden zu britischen Hits. Die Ziggy Stardust Tour wurde in den Vereinigten Staaten von Amerika fortgesetzt.

In dieser Zeit trug Bowie als Produzent und Musiker zusammen mit Ronson zum größten kommerziellen Erfolg von Lou Reeds Karriere bei, dem Album Transformer, das als ein Meilenstein des Glam Rock gilt.

Sein nächstes Studiowerk war das Album Aladdin Sane, das als Bowies erstes Album die Spitze der britischen Charts erreichte. Von Bowie selbst als "Ziggy Goes to America" bezeichnet, um die Amerikanisierung des Glam-Sounds des Vorjahres zu unterstreichen, enthält das Album Songs, die während der Reise durch die USA für die ersten Termine der Ziggy-Tour geschrieben wurden, die dann nach Japan weiterging. Aus Aladdin Sane wurden zwei Hitsingles ausgekoppelt, die die Spitze der britischen Charts erreichten: The Jean Genie und Drive-In Saturday.

Der Titel ist ein Wortspiel, das Bowies doppelte Persönlichkeit widerspiegelt: auf der einen Seite der übernatürliche und gesunde Aladdin (Aladdin Sane) und auf der anderen Seite der verrückte Junge (A lad insane). Famous wurde das ikonische Coverbild der Platte, ein halblanges Foto von Bowie im Aladdin Sane-Make-up mit einem roten Blitz über seinem Gesicht, eine der bekanntesten und emblematischsten Darstellungen des Künstlers über die Jahrzehnte hinweg.

Bowies Liebe zur Schauspielerei und zum Theatralischen führte ihn dazu, völlig in sein androgynes musikalisches Alter Ego einzutauchen. Rückblickend sagte der Musiker: "Auf der Bühne war ich ein Roboter, während ich hinter der Bühne Gefühle empfand. Das ist wahrscheinlich der Grund, warum ich mich lieber als Ziggy verkleidet habe als als David'. Mit dem Erfolg kamen auch persönliche Schwierigkeiten: Da er immer wieder dieselbe Rolle spielte, wurde es für Bowie immer schwieriger, seine Figuren von seiner wirklichen Persönlichkeit zu trennen: "Ziggy", so Bowie, "wollte mich jahrelang nicht verlassen. Das war der Punkt, an dem alles zu weit ging. Meine ganze Persönlichkeit war davon betroffen. Es wurde sehr gefährlich. Ich begann ernsthaft an meinem Verstand zu zweifeln.

Ziggys letzte Konzerte, die sowohl Songs aus Ziggy Stardust als auch aus Aladdin Sane enthielten, waren äußerst theatralisch und beinhalteten einstudierte Momente des Pathos auf der Bühne, die sich mit verstörenden Gesten abwechselten, wobei Bowie Fellatio mit Ronsons Gitarre simulierte. Der Künstler beendete diese Periode mit der dramatischen Ankündigung seines Rücktritts von der Ziggy-Persona während eines Konzerts im Londoner Hammersmith Odeon am 3. Juli 1973, genau auf dem Höhepunkt seines Erfolgs.

Nach der Auflösung der Spiders from Mars versuchte Bowie, sich endgültig von der Rolle des Ziggy zu lösen. Der große Erfolg des Augenblicks wird dadurch bestätigt, dass sich auch alle anderen Alben seines Backkatalogs gut verkaufen: The Man Who Sold the World wird 1972 zusammen mit Space Oddity neu aufgelegt. Der Titel Life on Mars? wurde im Juni 1973 als Single veröffentlicht und erreichte Platz drei in den britischen Charts. Pin Ups, eine Sammlung von Coverversionen von Bowies Lieblingssongs aus den 1960er Jahren, wurde im Oktober veröffentlicht und erreichte Platz eins der britischen Charts. Bis 1973 waren sechs Bowie-Alben in den britischen Charts, und der kommerzielle Erfolg, zumindest in seinem Heimatland, war weitgehend erreicht.

Gegen Ende des Jahres hatte Bowie eine intensive, aber kurze Affäre mit Amanda Lear, die er entdeckte, als er sie auf dem Cover des Albums For Your Pleasure von Roxy Music sah. Es war Bowie selbst, der sie davon überzeugte, das Modeln aufzugeben und eine Gesangskarriere anzustreben, und ihr sogar einige Gesangs- und Tanzkurse finanzierte.

Funk, "Plastik-Soul" und Diamond Dogs (1974-1975)

Im März 1974 schiffte sich Bowie auf dem Linienschiff SS France ein, um am 1. April die Vereinigten Staaten zu erreichen, wo er sich zunächst in New York niederließ.

Das Album Diamond Dogs aus demselben Jahr war das Ergebnis zweier unterschiedlicher Ideen: ein gescheitertes Musical, das auf der in George Orwells Roman 1984 beschriebenen apokalyptischen Zukunft basierte, und die ersten Soul- und Funk-Einflüsse, die sich in Bowies Musik einzuschleichen begannen.

Mit Hits wie "Rebel Rebel" und "Diamond Dogs" erreichte das Album Platz eins im Vereinigten Königreich und Platz fünf in den USA. Um das Album zu promoten, startete Bowie die spektakuläre Diamond Dogs Tour, mit der er zwischen Juni und Dezember 1974 in den großen Städten Nordamerikas auftrat. Die sehr theatralische Tournee fiel mit der zunehmenden Kokainsucht des Sängers zusammen, die ihm verschiedene körperliche Probleme verursachte, da er geschwächt war. Im April 1975 zog er nach Kalifornien, in ein Haus in den Hügeln von Los Angeles; hier verbrachte Bowie eine der negativsten Phasen seines Lebens, besessen von seiner Leidenschaft für den Okkultismus und geschwächt durch schweren Drogenmissbrauch. Diese dunkle Zeit trug jedoch zum Teil zur Entstehung seiner nächsten Persönlichkeit bei.

Bowie selbst kommentierte sein nächstes Live-Album, David Live, angesichts seines prekären Gesundheitszustands mit der ironischen Bemerkung, es hätte den Titel "David Bowie lebt und geht es gut, aber er lebt nur in der Theorie" tragen sollen. Dennoch festigte David Live Bowies Status als Rockstar und erreichte Platz zwei im Vereinigten Königreich und Platz acht in den USA. Nach einer Pause in Philadelphia, wo Bowie neues Material aufnahm, wurde die Tournee fortgesetzt, wobei der Schwerpunkt auf Soulmusik lag, der letzten großen Leidenschaft des Sängers.

Das Ergebnis der Sessions in Philadelphia war das 1975 erschienene Album Young Americans, auf dem sich der Künstler, nachdem er endlich sein buntes Glamrock-Heldengewand abgelegt hatte, kopfüber in die amerikanische Black Music stürzte. Der Biograf Christopher Sandford schrieb: "Im Laufe der Jahre hatten viele britische Musiker versucht, 'schwarz' zu werden, indem sie die amerikanische Black Music nachahmten, aber nur wenigen war dies so erfolgreich gelungen wie Bowie".

Der unverwechselbare, konstruierte Sound des Albums, den Bowie selbst als "Plastic Soul" bezeichnete, war eine radikale Neuerung in seinem Musikstil. Aus "Young Americans" ging die mit John Lennon und Carlos Alomar komponierte Single "Fame" hervor, die Bowie zwei Wochen lang auf Platz eins der US-Charts brachte. Das Album markierte eine wichtige Phase in der musikalischen Entwicklung des Künstlers: Es war das erste seiner Alben, auf dem er den Rock fast vollständig zugunsten funkiger und gefühlvoller Klänge aufgab und so eine Art "weißen R&B" schuf.

Zu diesem Zeitpunkt endete die Beziehung zwischen Defries und Bowie. Bowie hatte den Vertrag mit MainMan nur oberflächlich unterschrieben, ihn nicht sorgfältig gelesen und dem vertraut, was Defries ihm gesagt hatte. In der Überzeugung, dass er 50/50 Miteigentümer des Unternehmens war und Anspruch auf die Hälfte der Erträge hatte, wurde er erst 1974 darüber informiert, dass das Unternehmen zu 100 % Defries gehörte. Der Vertrag sah vor, dass 50 % der Bruttoeinnahmen an Defries und 50 % an Bowie gingen, wobei Bowie die gesamten enormen Kosten und Steuern zu tragen hatte.

Zu dem Zeitpunkt, als Bowie diese Details erfuhr, war MainMan sowohl im Vereinigten Königreich als auch in den USA verschuldet, viele Rechnungen waren nicht bezahlt worden, und die Ausgaben waren gestiegen, ebenso wie Defries' fehlgeleitete Investitionen. Bowie fühlte sich betrogen und ausgenutzt; seine erste Reaktion war, die exorbitanten Konzertkosten zu kürzen und nüchternere Kostüme und Kulissen zu verwenden und die Tournee in "Philly Dogs Tour" umzubenennen. Am 29. Januar 1975 ging er in die RCA-Büros und kündigte seinen Austritt aus MainMan an, um einen Vorschuss für das bald erscheinende Album Young Americans zu erhalten. Am nächsten Tag traf das Kündigungsschreiben bei MainMan ein.

Nach der Beendigung des Vertrags im Jahr 1975 behauptete Bowie, er sei von Defries wie ein Sklave behandelt worden und habe kein Geld verdient. Die Verhandlungen über die Beendigung des Vertrags waren langwierig und schwierig, und schließlich war Bowie gezwungen, Defries 50 % der Tantiemen für seine Arbeit an Hunky Dory bis zu diesem Zeitpunkt und 16 % für alle seine eigenen Arbeiten bis 1982 zu zahlen. Defries behielt einen Teil der Urheberrechte an Bowies Platten bis 1997, als der Sänger die Anteile des ehemaligen Managers ablöste und 100 Prozent der Rechte erhielt. Bowies neuer Manager und sein Anwalt war für kurze Zeit Michael Lippman.

Die Jahre des "Weißen Herzogs" und die Berlin-Trilogie (1976-1979)

Nach der Veröffentlichung des Albums Station to Station im Januar 1976 folgte im Februar eine dreieinhalbmonatige Tournee durch Europa und die Vereinigten Staaten, um das Album und die dramatischen Auftritte von Bowies neuer Persönlichkeit, dem dünnen weißen Herzog, zu promoten.

Dieses neue Alter Ego markierte einen der vielen künstlerischen Wendepunkte in seiner Karriere, die sich von dem bunten Glam-Rock-Klamauk einiger Jahre zuvor weit entfernt hatte. Der "White Duke" verkörperte einen aristokratischen Charakter mit nüchterner und eleganter Kleidung, hypothetischen rechtsgerichteten Sympathien und einer starken Vorliebe für den Okkultismus. Obwohl viele dieser Elemente lediglich Bühnenspielereien des vielseitigen Künstlers waren, ging der Name "White Duke" in die kollektive Vorstellung des Publikums ein und wurde bald zu seinem gebräuchlichsten Spitznamen für den Rest seiner Karriere.

Zu den Höhepunkten dieser Zeit gehören der vom Sound deutscher Krautrockgruppen beeinflusste Titeltrack des Albums, die Balladen Word on a Wing und Wild Is the Wind, eine Coverversion eines von Nina Simone bekannt gemachten Songs, sowie die funkigen Titel TVC 15 und Stay. Die Band, die Bowie auf der Bühne begleitete, bestand aus dem Gitarristen Carlos Alomar, dem Bassisten George Murray und dem Schlagzeuger Dennis Davis - eine Rhythmusgruppe, die ihn bis zum Ende des Jahrzehnts begleiten sollte. Die Tournee war ein großer Erfolg, löste aber auch politische Kontroversen aus, wie z. B. während eines Termins in Stockholm, als Bowie beschuldigt wurde, die folgende Aussage gemacht zu haben: "Großbritannien würde vom Aufkommen eines faschistischen Führers profitieren", und kurz darauf hielt ihn die Grenzpolizei an der polnisch-russischen Grenze an, weil er Nazi-Memorabilien besaß.

Die umstrittene Affäre gipfelte im darauf folgenden Mai in London in dem, was als "Zwischenfall auf der Victoria Station" bekannt wurde. Am Nachmittag des 2. Mai 1976, als er nach zweijähriger Abwesenheit nach Großbritannien zurückkehrte, verließ Bowie den Bahnhof und winkte den Fans mit einer Geste seines linken Arms zu, die fälschlicherweise für einen Nazi-Gruß gehalten wurde. Dieser Vorfall wurde fotografiert und im NME veröffentlicht. Bowie behauptete, der Fotograf habe seine Armbewegung bei einem normalen Gruß einfach in der Luft "eingefroren". Die britische Presse ignorierte den Vorfall größtenteils, doch die verschiedenen Boulevardblätter spekulierten über die angeblichen Nazi-Tendenzen des Sängers und schürten die Spekulationen mit wiederverwendeten Zitaten aus früheren Jahren, wie Bowies Interview mit Cameron Crowe, in dem er erklärte, dass "Adolf Hitler einer der ersten echten Rockstars war", oder mit einem Zitat aus dem Lied Somebody Up There Likes Me vom Album Young Americans, in dem er von Hitlers Rückkehr sprach. Später entschuldigte sich Bowie öffentlich für diese zweideutige Haltung und führte sie auf seine Kokainsucht und die Überidentifikation mit der Figur des "White Duke" zurück: "Ich war völlig verrückt, total verrückt. Ich war mehr an der Mythologie interessiert als an der ganzen Sache mit Hitler und dem Totalitarismus.

In dieser Zeit sammelte Bowie auch seine ersten Erfahrungen beim Film und spielte die Hauptrolle in dem Science-Fiction-Film The Man Who Fell to Earth von Nicolas Roeg, einem Regisseur, der ihn engagierte, nachdem er ihn im Jahr zuvor in dem Dokumentarfilm Cracked Actor über die Diamond Dogs Tour gemocht hatte. Zu diesem Anlass begann David auch, einige Instrumentalstücke zu komponieren, die eigentlich für den Soundtrack des Films gedacht waren, aber stattdessen in seine späteren Aufnahmen aufgenommen wurden.

1976 zog Bowie in die Schweiz und kaufte eine große Villa in Blonay, in den Hügeln bei Montreaux am Genfer See, wo sein Kokainkonsum weiter zunahm und seine Gesundheit ernsthaft bedrohte. Entschlossen, nüchtern zu werden und sich vom Stress des musikalischen Umfelds abzulenken, begann Bowie zu malen und schuf mehrere postmoderne Werke. Er hat sich auch angewöhnt, einen Skizzenblock mit auf Tournee zu nehmen, um zu zeichnen, wenn er sich inspiriert fühlte, und er begann, alles zu fotografieren, was ihm in den Sinn kam. Sein Interesse an der Malerei wuchs so stark, dass er große europäische Ausstellungen besuchte und auch viele Kunstgalerien in Genf und das Brücke-Museum in Berlin aufsuchte. Er wurde, in den Worten des Biographen Christopher Sandford, "ein produktiver Produzent und Sammler zeitgenössischer Kunst"; seine Bilder wurden in vielen Einzelausstellungen gezeigt und einige wurden von britischen und amerikanischen Museen angekauft. Über seine eigene Website Bowieart.com setzte er sich auch für die Förderung und Sichtbarkeit von Werken junger Künstler ein.

Noch vor Ende 1976 führte Bowies Interesse an der deutschen Kunstszene dazu, dass er nach West-Berlin zog, um seine Karriere endgültig zu entgiften und neu zu beleben. Hier begann er eine fruchtbare Zusammenarbeit mit Brian Eno und teilte sich eine Wohnung in Schöneberg mit Iggy Pop und Corinne Schwab, seiner persönlichen Assistentin, die er bereits in Los Angeles hatte und der er den Großteil der organisatorischen und verwaltungstechnischen Aspekte anvertraut hatte.

Schwab war das Objekt großer Eifersucht von Bowies Frau Angie, die nach ein paar Tagen in Berlin zurück in die USA zog. Bowie widmete ihr den Song Be My Wife auf dem Album Low, in dem er sie vergeblich aufforderte, ihn bei seinem neuen Abenteuer zu begleiten. Die Ehe war seit 1973 in die Brüche gegangen, die sexuelle Leidenschaft zwischen den beiden ließ nach und beide hatten häufig außereheliche Affären. Später behauptete Angie, dass sie ihren Mann nicht mehr sehen wollte, nachdem es immer wieder zu nazifreundlichen Vorfällen wie dem Vorfall auf der Victoria Station gekommen war. Stattdessen behauptete Bowie, dass sie sich seit 1974 nur gelegentlich gesehen und ein getrenntes Leben geführt hätten. Es folgte eine endgültige Trennung und Scheidung im Jahr 1980.

David begann, sich auf Minimalismus und Ambient-Musik zu konzentrieren, die die Alben der so genannten "Berlin Trilogy" prägen sollten. In dieser Zeit half er auch, die Karriere von Iggy Pop wiederzubeleben, indem er dessen erstes Soloalbum The Idiot und das darauf folgende Lust for Life produzierte und mitschrieb. Bei Iggy Pops Tournee durch Europa und die Vereinigten Staaten im März und April 1977 war Bowie als Keyboarder dabei.

Das 1977 erschienene Album Low war teilweise vom Krautrock von Kraftwerk und Neu! beeinflusst und markierte einen Schritt nach vorn für Bowie als Komponist und Konzeptkünstler. Er entfernte sich von einfachem Pop und Rock und produzierte ehrgeizige, abstraktere Musik, in der Texte nur sporadisch vorkamen und nicht wesentlich waren. Trotz der anfänglichen negativen Kritik, die es wegen seiner offensichtlichen Komplexität und Unverkäuflichkeit erhielt, erreichte Low Platz zwei der britischen Charts und brachte auch die Hitsingle Sound and Vision hervor, die wiederum Platz drei der britischen Charts erreichte. Im Nachhinein sollte es sich als Kultalbum erweisen und Avantgarde-Komponisten wie Philip Glass dazu veranlassen, es als "ein brillantes Werk von unvergleichlicher Schönheit" zu bezeichnen. Glass selbst komponierte eine ganze Sinfonie, die auf der Musik und der Atmosphäre des Albums basiert, die Low Symphony von 1992.

Dem minimalistischen Ansatz von Low folgend, wurde am 23. September 1977 "Heroes" veröffentlicht, das den berühmten gleichnamigen Song enthält, der gemeinsam mit Brian Eno geschrieben wurde; dieses Album verschmolz Pop und Rock, indem es die Genregrenzen erweiterte, und war das einzige der drei Alben der Berlin-Trilogie, das vollständig in Berlin aufgenommen wurde. Wie Low war auch Heroes" vom Zeitgeist des Kalten Krieges durchdrungen und durch die Mauer, die die Stadt in zwei Teile teilte, stigmatisiert. Es war ein weiterer großer Hit und erreichte Platz drei in den britischen Charts. Der Titelsong, der damals nur Platz 24 der britischen Single-Charts erreichte, wurde zum vielleicht berühmtesten und repräsentativsten Stück von Bowies gesamter Karriere und galt über die Jahre hinweg als sein Erkennungslied. Gegen Ende des Jahres trat Bowie mit dem Stück sowohl in Marc Bolans TV-Show als auch in Bing Crosbys Weihnachts-TV-Special auf, mit dem er eine Version von Peace on Earth

Nach der Fertigstellung von Low und Heroes promotete Bowie die beiden Alben und verbrachte den Großteil des Jahres 1978 auf einer Tournee, die bei 70 Konzerten in 12 Ländern von einer Million Menschen besucht wurde. Das Ergebnis der Tournee war das Live-Album Stage, das noch im selben Jahr veröffentlicht wurde. Ebenfalls 1978 erschien der Film Just a Gigolo, in dem Bowie die Hauptrolle spielte. Der Film wurde von den Zuschauern schlecht aufgenommen und von den Kritikern schlecht bewertet.

Das letzte Kapitel der Trilogie war das 1979 erschienene Album Lodger, das wiederum eine Annäherung an die minimalistische, atmosphärische und komplexe Musik der beiden vorangegangenen Alben darstellte, jedoch mit einer teilweisen Rückkehr zum konventionellen, auf Schlagzeug und Gitarren basierenden Rock. Das Ergebnis war eine komplexe Mischung aus New-Wave- und Weltmusik-Elementen mit einigen multiethnischen Einflüssen; einige Stücke wurden unter Verwendung der Aphorismen von Brian Eno und Peter Schmidts Oblique Strategies komponiert: Boys Keep Swinging entstand auf diese Weise und ermutigte die Musiker, ihre Instrumente zu "schlagen", während Move On die Akkordfolge von All the Young Dudes rückwärts gespielt verwendete und Red Money die grundlegende Instrumentalspur von Sister Midnight, einem Song, der zuvor mit Iggy Pop komponiert wurde. Das Album wurde vollständig in Bowies privatem Studio in der Schweiz aufgenommen und markierte eine vorübergehende Unterbrechung der Zusammenarbeit zwischen Bowie und Brian Eno, die in den 1990er Jahren wieder zusammenarbeiten sollten. Lodger erreichte Platz vier im Vereinigten Königreich und Platz 20 in den USA, und die Singles Boys Keep Swinging und DJ wurden aus dem Album ausgekoppelt. Obwohl Lodger zunächst als weniger klangvoller Abschluss der Berlin-Trilogie angesehen wurde, sollte es im Laufe der Jahre neu bewertet werden, nicht zuletzt wegen der enttäuschenden Ergebnisse von Bowies Alben der 1980er Jahre.

Kommerzieller und großer Erfolg (1980-1989)

In den 1980er Jahren engagierte sich Bowie stark in Film und Theater und vergrößerte die Anzahl der Bühnen und die Größe seiner Tourneen, während seine Plattenproduktion auf raffinierten, aber generischen Pop ausgerichtet war, mit Alben, die einige kommerziellere Hits enthielten, die sich für eine massive Radioausstrahlung eigneten. Der Erfolg dieser Singles wurde durch die stimmungsvollen Videos angeheizt, die sie begleiteten; ein Video-Phänomen, mit dem Bowie bereits vertraut war und das er als der vielseitige Künstler, der er immer war, voll ausschöpfte. Das Album Scary Monsters (and Super Creeps) aus dem Jahr 1980 war ein großer Erfolg und erreichte im Vereinigten Königreich Platz eins, auch dank der Gitarrenbeiträge von Robert Fripp, Pete Townshend und Tom Verlaine. Daraus entstand der Chart-Hit Ashes to Ashes, der die New Romantic-Bewegung international bekannt machte, als Bowie im Londoner Nachtclub Blitz" mehrere Statisten, darunter Steve Strange von Visage, für den Videoclip rekrutierte. In dem Video ist Bowie als gruseliger Pierrot verkleidet, in einer seiner berühmtesten Verkleidungen. Im September 1980 gab Bowie sein Broadway-Debüt in dem Stück The Elephant Man, in dem er ungeschminkt den deformierten John Merrick spielte und dafür schmeichelhafte Kritiken erhielt.

Im selben Jahr hatte er einen Auftritt in dem deutschen Film Christiane F. - Wir, die Jungs vom Berliner Zoo, deren Soundtrack, der ausschließlich aus seinen Tracks von Station to Station, Low, Heroes und Lodger besteht, einige Monate später veröffentlicht wurde und ein Erfolg war. 1981 arbeitete Bowie mit Queen auf deren Album Hot Space zusammen und sang im Duett mit Freddie Mercury den Titel Under Pressure. Der Titel wurde ein großer Erfolg und Bowies dritte Nummer-eins-Single in Großbritannien. 1982 spielte er die Hauptrolle in der BBC-Fernsehverfilmung von Bertolt Brechts Stück Baal. Fünf der in Berlin aufgenommenen Stücke des Stücks wurden auf der gleichnamigen EP veröffentlicht. Ein großer Erfolg war das 1983 in Zusammenarbeit mit Nile Rodgers von Chic produzierte Album Let's Dance, das auf beiden Seiten des Atlantiks mit Platin ausgezeichnet wurde. Der Titelsong Let's Dance, Modern Love und China Girl wurden veröffentlicht, die weltweit die Spitze der Charts erreichten und von gefeierten Videoclips begleitet wurden, die die Ästhetik der 1980er Jahre repräsentierten. Auf die Veröffentlichung von Let's Dance folgte die Serious Moonlight Tour mit dem Gitarristen Earl Slick und den Backgroundsängern Frank und George Simms. Die Welttournee dauerte sechs Monate und war ein großer Erfolg, auch wenn einige Kritiker bemängelten, dass Bowies Musik zu "kommerziell" geworden sei. Während der Tournee trat er mit einem neuen Look aus hyper-oxidiertem Haar und gebräuntem Körper auf und bot einen zugänglichen Dance-Rock, der nicht ohne verstörende thematische Passagen und engagierte Texte auskam.

Ebenfalls 1983 spielte Bowie die Hauptrolle in dem Film Furyo, auch bekannt unter dem Originaltitel Merry Christmas Mr. Lawrence, unter der Regie von Nagisa Ōshima und basierend auf dem Roman The Seed and the Sower von Laurens van der Post. Seine Leistung wurde von den Kritikern gelobt und der Film kam beim Publikum gut an. 1984 erschien Tonight, ein weiteres tanzorientiertes und sehr kommerzielles Album, das im Vereinigten Königreich Platz eins erreichte und an dem Tina Turner und Iggy Pop mitwirkten. Unter den verschiedenen Coverversionen des Albums befand sich auch eine viel kritisierte Version des Beach Boys-Klassikers God Only Knows von 1966. Es gab jedoch den Hit Blue Jean, der in dem kurzen Musikfilm Jazzin' for Blue Jean zu sehen war, der den Grammy Award für das beste Kurzmusikvideo gewann.

1985 trat Bowie bei Live Aid im alten Wembley-Stadion in London auf. Während der Veranstaltung wurde ein eigens gedrehtes Video gezeigt, in dem Bowie im Duett mit Mick Jagger den Song Dancing in the Street singt, der anschließend Platz eins der Charts erreichte. Später spielte er in den Filmen Absolute Beginners und Labyrinth - Wo alles möglich ist (1986) mit, für die er auch den Soundtrack schrieb. Die Single Absolute Beginners erreichte Platz zwei im Vereinigten Königreich und Platz eins in der europäischen Eurochart Hot 100 Singles Chart. 1987 veröffentlichte er das Album Never Let Me Down, das von den Kritikern als langweiliges, kommerzielles Werk eingestuft wurde, aber dennoch einen großen Erfolg in den Charts hatte, unterstützt durch eine neue Welttournee, die theatralische Glass Spider Tour.

Die kurze Zeit mit Tin Machine (1989-1990)

1989 beteiligte er sich als Sänger, Gitarrist und Saxophonist an der Rockband Tin Machine, die er zusammen mit Reeves Gabrels und den Brüdern Tony und Hunt Sales gründete, mit denen er bereits in den 1970er Jahren auf dem Album Lust for Life von Iggy Pop zusammengearbeitet hatte; auf der Tournee, die auf dem Live-Album Tv Eye (1978) dokumentiert ist, spielte er auch Keyboards.

Obwohl innerhalb von Tin Machine absolute Demokratie herrschte, begann Bowies Führungscharakter in der Dynamik der Band bald die Oberhand zu gewinnen, sowohl als Komponist als auch als Bandleader. Das 1989 erschienene Debütalbum der Band, Tin Machine, wurde von Publikum und Kritikern gleichermaßen positiv aufgenommen, obwohl die übermäßige Politisierung der Texte Anlass zur Sorge gab. Das Album erreichte Platz drei der britischen Charts und die erste Welttournee der Band war ein Erfolg. Nach einer Reihe erfolgloser Singles und einem Zerwürfnis mit EMI verließ Bowie jedoch das Label und die Band löste sich nach der Veröffentlichung eines zweiten Studioalbums und eines Live-Albums auf, die beide von Publikum und Kritikern schlecht aufgenommen wurden. Bereits vor der Veröffentlichung des zweiten Albums der Gruppe kehrte Bowie mit der Sound+Vision Tour 1990 zu seinen Soloaktivitäten zurück, die ihn sieben Monate lang mit seinen alten Hits durch die Welt tourte, nachdem die "Sound and Vision"-Box erschienen war. Ein drittes Tin Machine-Studioalbum war geplant, aber Bowie zog es vor, nach der Wiedervereinigung mit Nile Rodgers (dem Produzenten von Let's Dance) wieder solo tätig zu werden. Mit Rodgers nahm er Real Cool World auf, den Titelsong des Soundtracks zum Film Cool World, der im Sommer 1992 als Single veröffentlicht wurde.

Elektronik, neue Experimente und eine Rückkehr zur Vergangenheit (1990-1999)

1990 zog er dauerhaft nach New York in eine Wohnung im 160 Central Park South, im neunten Stock des Essex House, mit Blick auf den Central Park, und widmete sich dem Experimentieren, indem er neue, sehr unterschiedliche Alben entwarf, die Anfang der 1990er Jahre veröffentlicht wurden. Für die Umsetzung holte er sich erneut die Hilfe von Nile Rodgers und Brian Eno und erkundete die Genres und Musiktrends der damaligen Zeit wie Hip-Hop, Jungle und Drum and Bass. Ebenfalls in New York gründete er Isolar Enterprises, ein Unternehmen, das seinen Songkatalog, seine Urheberrechte, seine Immobilien und alle Aktivitäten der Pressestelle verwaltet.

Im April 1992 trat sie beim Freddie Mercury Tribute Concert auf, wo sie Heroes, All the Young Dudes und zusammen mit Annie Lennox Under Pressure sang. Am 6. Juni 1992 heiratete sie Iman Mohamed Abdulmajid in einer privaten Zeremonie in der Saint James' American Episcopal Church in Florenz.

1993 brachte er das Album Black Tie White Noise heraus, das Soul-, Jazz- und Hip-Hop-Einflüsse aufweist und in dem er ausgiebig elektronische Instrumente einsetzt. Das von Nile Rodgers produzierte Album erreichte die Spitze der britischen Charts, und zwei Singles schafften es in die Top 40 und eine in die Top 10, der Song Jump They Say, der seinem Halbbruder Terry gewidmet ist. Später erforschte Bowie mit The Buddha of Suburbia, dem Soundtrack zur gleichnamigen TV-Miniserie, neue Trends in der Ambient-Musik; das Album erhielt gute Kritiken, war aber ein kommerzieller Misserfolg und landete auf Platz 87 der britischen Charts.

Aus der Zusammenarbeit mit Brian Eno entstand 1.Outside, ein Konzeptalbum, für das er ein neues Alter Ego, den Detektiv Nathan Adler, und weitere Personen kreiert, die jeweils die Interpretation der Tracks übernehmen und so die Erzählung der Geschichte entwickeln. Das Album wurde in Amerika und Europa gleichermaßen verunglimpft und gelobt, aber in den letzten Jahren wieder sehr positiv bewertet. Es brachte auch einige der erfolgreichsten Singles dieser Zeit hervor, wie den Song Hallo Spaceboy, der später von den Pet Shop Boys gespielt wurde. Das Album war als Teil einer Trilogie geplant, aber das Projekt wurde nach dem Ende der Outside Tour im Juli 1996 auf Eis gelegt.

Am 17. Januar 1996 wurde Bowie in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen, eine Auszeichnung, zu der im Februar 1997 der berühmte Stern auf dem Hollywood Walk of Fame hinzugefügt wurde. Im Dezember 1996 wurde Bowie der erste börsennotierte Rockstar, der Investoren an der Wall Street Anleihen anbot. Die Bowie-Anleihen hatten eine Laufzeit von zehn Jahren, waren in erster Linie durch die Einnahmen aus den 287 Songs seiner 25 vor 1990 aufgenommenen Alben im Gesamtwert von 55 Millionen US-Dollar gesichert und wurden vollständig von der Prudential Insurance Company of New York erworben. Diese Transaktion machte Bowie zu einem der reichsten Sänger der Welt, und seinem Beispiel folgten bald auch Künstler wie Elton John, James Brown, Ashford & Simpson und die Isley Brothers.

Zur gleichen Zeit erkannte Bowie das große Potenzial des Internets und eröffnete im Frühjahr 1996 neben seiner persönlichen Website www.davidbowie.com das BowieNet, das erste von einem Sänger geschaffene thematische Portal, über das man sich mit dem Internet verbinden, aber auch seine Musik legal herunterladen konnte. 1999 wurde BowieNet für den Wired Award als beste Unterhaltungsseite des Jahres nominiert und blieb bis 2012 aktiv.

1997 erschien das neue Album Earthling, das neue Experimente im Bereich der Jungle- und Drum-and-Bass-Musik enthielt; es hatte mehr Erfolg beim Publikum als bei den Kritikern und brachte den Hit Little Wonder hervor, mit dem er auch als Gast beim 47. 1999, für das neue Album "Hours...", änderte Bowie seinen Look erneut, indem er sein kurzes, kastanienbraunes Haar zugunsten eines "langhaarigen" Looks, ähnlich wie in seinen frühen Tagen, aufgab. Das Album, das die Hitsingle Thursday's Child enthält, wurde vom Rolling Stone als eine Synthese von Bowies Karriere beschrieben, in der seine Fans Spuren früherer Alben wie Hunky Dory, Ziggy Stardust, Aladdin Sane, Heroes und Low finden können.

Heide, Realität und Ruhestand (2000-2013)

Im Jahr 2000 fanden Sessions für das geplante Album mit dem Titel Toy statt, das eine Zusammenstellung neuer Versionen einiger früher Bowie-Songs mit drei neuen Liedern sein sollte, aber unerwartet unveröffentlicht blieb. Am 15. August desselben Jahres wurde Alexandria Zahra "Lexie" Jones, die Tochter von David und Iman, geboren.

Im Oktober 2001 eröffnete Bowie das "Concert for New York City", eine Wohltätigkeitsveranstaltung für die Opfer der Terroranschläge vom 11. September 2001, mit einer minimalistischen Darbietung des Songs "America" von Simon & Garfunkel, gefolgt von dem Klassiker "Heroes".

Ebenfalls im Jahr 2001 sang er eine Version von Nature Boy für den Soundtrack des Films Moulin Rouge!

Bowies Zusammenarbeit mit Tony Visconti wurde 2002 mit der Produktion von Heathen fortgesetzt, einem Album mit bisher unveröffentlichten Stücken, gefolgt von einer ausgedehnten Amerika- und Europatournee 2002, die vom Londoner Meltdown Festival ausging, dessen Kurator Bowie in jenem Jahr war und zu dem bedeutende Künstler wie Philip Glass, Television und The Dandy Warhols eingeladen waren.

Im folgenden Jahr veröffentlichte er jedoch das Album Reality, und die Promotournee war ein großer Publikumserfolg, der jedoch am 25. Juni 2004 dramatisch unterbrochen wurde, als Bowie nach einem Konzert auf dem Hurricane Festival in Scheeßel wegen eines schweren Herzkranzgefäßverschlusses, dessen Symptome er schon Tage zuvor gespürt hatte, nach Hamburg eingeliefert wurde. Unter Nach einer koronaren Angioplastie-Operation kehrte Bowie nach New York zurück, doch die restlichen elf Tourdaten wurden abgesagt.

In den folgenden Jahren hielt sich Bowie von der Bühne fern, abgesehen von einigen seltenen Auftritten, widmete sich jedoch der Aufnahme einiger Stücke für das Kino, wie z. B. seinem alten Hit Changes als Duett mit Butterfly Boucher für den Animationsfilm Shrek 2 aus dem Jahr 2004 und schrieb 2005 den Song (She Can) Do That, der mit Brian Transeau für den Film Stealth - Weapon Supreme entstand.

Am 8. September 2005 kehrte er mit Arcade Fire zu einem Live-Auftritt im Rahmen des US-Fernsehevents Fashion Rocks zurück und schloss sich der kanadischen Band eine Woche später im Rahmen des CMJ Music Marathon erneut an. Ein paar Monate später sang er auf dem Album Return to Cookie Mountain von TV on the Radio,

Am 8. Februar 2006 wurde er mit dem Grammy Award for Lifetime Achievement ausgezeichnet. Nachdem er im April angekündigt hatte, sich ein Jahr lang von der Bühne zurückzuziehen, trat er am 29. Mai überraschend beim Konzert von David Gilmour in der Londoner Royal Albert Hall auf. Einige der Songs von dieser Veranstaltung wurden für die DVD Remember That Night: Live at the Royal Albert Hall aufgenommen.

Sein letztes Live-Konzert gab er im November 2006 zusammen mit Alicia Keys bei einem Benefizkonzert auf dem Black Ball in New York. Im selben Jahr wirkte er als Schauspieler in Christopher Nolans Film The Prestige in der Rolle des Nikola Tesla mit.

Im Jahr 2007 nahm er einen Werbespot mit Snoop Dogg für den US-Sender XM Satellite Radio auf und arbeitete mit Lou Reed auf dem Album No Balance Palace der dänischen Rockband Kashmir zusammen. Doch seine künstlerischen Bemühungen gingen weiter, und im selben Jahr wurde Bowie zum künstlerischen Leiter des High Line Festivals in Manhattan gewählt und arbeitete an Scarlett Johanssons Album Anywhere I Lay My Head mit, das Coverversionen von Tom Waits enthält. Anlässlich des 40. Jahrestages der Mondlandung von Apollo 11 veröffentlichte EMI 2009 Tracks der Originalaufnahme von Space Oddity im Rahmen eines Wettbewerbs, bei dem die Öffentlichkeit eingeladen war, einen Remix aufzunehmen.

Im Januar 2010 wurde das Doppel-Live-Album A Reality Tour veröffentlicht, das Material von der letzten Tour 2003 und 2004 enthält.

Am 21. Januar 2009 verbreitete sich in einigen Blogs die Nachricht, dass Bowie in Berlin ein neues Album aufnimmt, was jedoch sofort auf der offiziellen Website des Künstlers dementiert wurde.

Im März 2011 war es möglich, das unveröffentlichte Album Toy, dessen Veröffentlichung 2001 abgesagt worden war, aus dem Internet herunterzuladen. Es enthielt einige der für Heathen verwendeten Titel und die meisten B-Seiten der Singles desselben Albums.

Im Jahr 2012 engagierte ihn Louis Vuitton als neues Testimonial für seine amerikanische Kampagne 2013.

Die Rückkehr mit The Next Day (2013-2015)

Nach zehn Jahren Abwesenheit (von denen er einige mit Visconti verbrachte, um heimlich an neuen Stücken zu arbeiten) kündigte Bowie am 8. Januar 2013, seinem 66. Geburtstag, sein neues Album The Next Day an, dem am selben Tag die Tony Oursler-Single und das Video zu Where Are We Now? vorausgingen, gefolgt von The Stars (Are Out Tonight), das am 25. Februar veröffentlicht wurde. Das Album wurde am darauffolgenden 12. März unter großem Beifall von Publikum und Kritikern veröffentlicht und erreichte weltweit die Spitze der Charts. Am 5. November wurde The Next Day Extra veröffentlicht, eine spezielle Version des Albums, die neben der Standardausgabe auch eine DVD mit Videoclips zu Where are we now?, The Stars are out Tonight, The Next Day und Valentine's Day sowie vier bisher unveröffentlichte Songs enthält.

Im Herbst 2014 veröffentlichte Bowie eine neue Anthologie, Nothing Has Changed; sie wurde in verschiedenen Formaten veröffentlicht und enthält einen unveröffentlichten Track, Sue (In the Season of Crime), der auch als Single veröffentlicht wurde. Das Album war ein beachtlicher Erfolg, vor allem in Europa und insbesondere im Vereinigten Königreich, wo Bowie schon immer einen "harten Kern" von Fans hatte. Es erreichte Platz neun der britischen Charts und wurde einige Monate später mit einer goldenen Schallplatte ausgezeichnet, da es sich über 100 000 Mal verkaufte.

Im Oktober 2015 teilte John Giddins, ein langjähriger Londoner Konzertveranstalter, mit, dass Bowie nicht mehr live auftreten und keine Tourneen mehr unternehmen würde, auch nicht zur Promotion von The Next Day.

Das letzte Album Blackstar und der Tod (2015-2016)

Am 19. November 2015 brachte Bowie seine neue Single Blackstar auf den Markt, die erste Auskopplung aus dem gleichnamigen Album, gefolgt von Lazarus, dessen Videoclip ebenfalls drei Tage vor seinem Tod ins Internet gestellt wurde. Unter demselben Titel wurde am 12. Dezember das gleichnamige Musical uraufgeführt, das von Robert Fox für den Broadway geschrieben und produziert wurde und bei dessen Theaterpremiere Bowie seinen letzten öffentlichen Auftritt hatte. Am 8. Januar 2016, seinem 69. Geburtstag, wurde das Studioalbum Blackstar (stilisiert als ★) veröffentlicht.

Zwei Tage später, in der Nacht vom 10. auf den 11. Januar, starb der Sänger plötzlich im Alter von 69 Jahren an einem unbekannten Ort, vermutlich in einer New Yorker Krebsklinik, wo er vermutlich aufgrund der unheilbaren Verschlimmerung eines Lebertumors, gegen den er seit etwa 18 Monaten heimlich gekämpft hatte, eingeschläfert wurde. Die Nachricht wurde auf seinem offiziellen Facebook-Profil verbreitet, und in den folgenden Tagen verriet Bowies Freund und Produzent Robert Fox selbst, dass der Künstler ihm anvertraut hatte, dass er sich einer neuen experimentellen Krebsbehandlung unterziehen wollte. Er erzählte auch, dass nur wenige Freunde und Familienmitglieder von seiner Krankheit wussten, dass aber ebenso viele Menschen, einschließlich derer, die an den Aufnahmen des Albums beteiligt waren, bis zum Tod des Künstlers nichts von der Diagnose wussten.

Wie der Produzent Tony Visconti in einem Interview mit RS America erklärte, wurde Bowie von dem Album To Pimp a Butterfly des Rappers Kendrick Lamar inspiriert und von Gruppen wie Death Grips und Boards of Canada beeinflusst. Visconti erklärte auch die wahre Natur der meisten Texte der unveröffentlichten Tracks auf Blackstar, die sich auf Bowies Krankheit und seinen bevorstehenden Tod beziehen, was dazu führt, dass das Publikum das gesamte Projekt als sein spirituelles Testament auffasst, eine Art letzter Abschied von seinem Publikum.

Am 12. Januar 2016 setzte sich Blackstar an die Spitze der offiziellen britischen Albumcharts, verkaufte über 146 000 Exemplare und erhielt bereits einen Tag nach der Veröffentlichung die Goldmedaille. Das Album setzte sich schnell an die Spitze der weltweiten Charts und erreichte in 35 Ländern Platz eins, darunter Australien, Belgien, Frankreich, Deutschland, Irland, die Niederlande, Schweden, Dänemark, Kanada, Finnland, Argentinien, Italien, Neuseeland und die USA, wo es mit 130.000 verkauften Exemplaren in der ersten Woche auf Platz eins der Billboard 200 debütierte - Bowies bisher höchste Verkaufszahlen in so kurzer Zeit. Bowies Katalog mit all seinen Videos wurde am 11. Januar innerhalb von 24 Stunden über 51 Millionen Mal auf Vevo aufgerufen und übertraf damit den Rekord, den Adele am Tag der Veröffentlichung von Hello gehalten hatte. Wenige Tage später gab Amazon.com bekannt, dass alle Vinyl- und CD-Editionen seiner Alben ausverkauft waren und noch nie eine so hohe Verkaufszahl in so kurzer Zeit verzeichnet wurde.

Viele Persönlichkeiten aus der Musikwelt nahmen an der Trauer teil: Am 13. Januar unterbrach Elton John bei einem seiner Konzerte in Los Angeles die Setlist, um dem Rockstar zu gedenken. Am 12. Januar erinnerte auch Madonna auf der Houston-Etappe ihrer Rebel Heart Tour mit einem Cover von Rebel Rebel an ihn.

Mick Jagger erinnerte im Namen der Rolling Stones auf Twitter daran, was Bowie für ihn und die Band war: ein "wunderbarer und freundlicher Mann":

Am Tag seines Todes verzeichneten Facebook, Instagram und Twitter schnell einen starken Informationsfluss und Nachrichtenaustausch. Millionen von Fans sowie zahlreiche Persönlichkeiten aus Musik, Unterhaltung und Politik (darunter David Cameron, Brian Eno, Ariana Grande, Brian May, Bryan Adams, Bruce Springsteen, J.K. Rowling, U2, Kanye West, Paul McCartney, Martin Scorsese, Barack Obama) drückten ihre Trauer über den Tod des Sängers aus und hinterließen Widmungen, Beileidsbekundungen an Familienmitglieder, Fotos und Videos im Internet.

Am 14. Januar berichteten die großen US-Zeitungen, dass Bowies sterbliche Überreste zwei Tage zuvor in New Jersey eingeäschert worden waren, und zwar gemäß seinen Anweisungen, d. h. ohne jegliche Trauerfeier oder die Anwesenheit von Familie und Freunden. Anschließend bedankten sich die Familie, die Kinder und enge Freunde des Sängers in einer Erklärung auf Facebook bei den Fans für die gezeigte Solidarität und Zuneigung und kündigten an, dass sie eine eigene, streng private Gedenkfeier organisieren würden.

Trotz zahlreicher spontaner Initiativen in der ganzen Welt gab es kein offizielles öffentliches Gedenken, mit Ausnahme eines großen Konzerts in der Carnegie Hall, das bereits vor seinem Tod geplant war, nun aber zu einer Hommage an ihn wurde und dessen Karten, die schnell ausverkauft waren, unglaubliche Zahlen erreichten. Die Familie des Sängers stellte jedoch klar, dass eine solche Veranstaltung nicht von ihr vorgeschlagen oder organisiert wurde, und hielt die Veranstaltung weiterhin streng geheim. Aufgrund des erwarteten großen Andrangs haben die Organisatoren den 1. April dem geplanten Termin am 31. März vorgezogen; an diesem doppelten Bowie-Tribut nahmen zahlreiche Künstler teil, darunter: Michael Stipe, Blondie, Cyndi Lauper, Mumford & Sons, Pixies und sein Freund Tony Visconti.

Am 29. Januar 2016 veröffentlichten die Zeitungen den Inhalt von Bowies holographischem Testament, das er bei dem bekannten Anwalt Herbert E. Nass hinterlegt hatte und das mit "David Robert Jones" unterzeichnet war. Sie sah die Einäscherung seines Leichnams und die Verstreuung seiner Asche vor, wobei letztere auf der Insel Bali, die Bowie mehrmals besuchte, oder an einem anderen Ort seiner Wahl erfolgen sollte, sofern die buddhistischen Rituale eingehalten wurden. Das Testament sah auch die Aufteilung des Nachlasses von rund 100 Millionen Dollar vor, von denen die Hälfte seiner Witwe Iman zufiel, darunter die Mehrheit der Anteile an Isolar Enterprises und das große Penthouse in der Lafayette Street 285, und die andere Hälfte, jeweils ein Viertel, dem ältesten Sohn Duncan und der zweiten Tochter Lexie, denen auch das große Anwesen in den Catskills zugeteilt wurde. Von der Erbschaft profitierten auch Corinne "Coco" Schwab, seine persönliche Assistentin seit mehr als 30 Jahren, an die 2 Millionen Dollar und ein Teil der Anteile an Isolar Enterprises gingen, und Marion Skene, das ältere Kindermädchen, an das 1 Million Dollar gezahlt wurde und das im März 2017 starb.

Die Mitarbeiter von Bowies Plattenfirma gaben außerdem bekannt, dass die im Januar 2016 gesammelten Erlöse von Blackstar vollständig an die Krebsforschung gespendet wurden.

Eine EP mit dem Titel No Plan wurde am 8. Januar 2017 veröffentlicht, dem Tag, an dem Bowie 70 geworden wäre. Mit Ausnahme von Lazarus enthält die EP drei Songs, die Bowie während der Sessions für das Album Blackstar aufgenommen hat, die aber nicht auf dem Album enthalten sind und später im Oktober 2016 in den Soundtrack des Musicals Lazarus aufgenommen wurden. Für den Titeltrack wurde ein Videoclip gedreht.

Obwohl er oft zu den Künstlern des Glam Rock, Art Rock und New Wave gezählt wird, lässt sich David Bowies Stil nur sehr schwer eindeutig einordnen.

Anfänglich basierte Bowies musikalische Produktion auf nostalgischen, von der Beat-Generation beeinflussten Klängen mit akustischen Folk-Rock-Songs, worauf die Metamorphose der 1970er Jahre folgte, die dazu führte, dass Bowie mit Alben wie The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972) und Aladdin Sane (1973) zu einem der ersten und wichtigsten Vertreter des Glam Rock wurde.

In den 1970er Jahren änderte sich Bowies Stil unzählige Male, er wurde intimer und ließ sich mehrfach vom Progressive Rock und Dance Rock inspirieren, deren Vorreiter er war. Die düsteren The Man Who Sold the World (1970) und Station to Station (1976) bestätigen den Eklektizismus dieser Jahre, das poppigere Hunky Dory (1971), Young Americans (1975), das in einem plötzlichen Stilwechsel den Schwerpunkt auf das Soul-Genre mit der Kreation des White Soul verlegte, und die "Berlin-Trilogie" (bestehend aus Low, Heroes und Lodger), die als seine experimentellste und avantgardistischste Phase gilt. In dieser Zeit wurde Bowie auch von Krautrock und experimentellem Rock beeinflusst und interpretierte die für die damalige Zeit typischen Trends, die Unruhe und den Aufruhr, nahm aber auch die "neue Welle" der kommenden Jahre vorweg.

Nach dem großen Pop-Erfolg der 1980er Jahre, der durch Let's Dance von 1983 gut repräsentiert wurde, kehrte Bowies Stil zu neuen Experimenten zurück, zunächst mit der Gründung der Gruppe Tin Machine, die Ende der 1980er Jahre ins Leben gerufen wurde und in der Bowie einen harten Rock vorschlug, der als "metallisch" beschrieben wurde. Weiter ging es mit experimentellen Streifzügen in Richtung Electronica und Industrial auf dem Album 1.Outside von 1995, bis er sich auf dem Album Earthling von 1997 in Richtung Jungle und Techno bewegte.

Ab den 2000er Jahren kehrte Bowies Musikstil zu einem raffinierten Rock zurück, ohne jedoch den typischen Brit-Pop-Sound seiner Ursprünge zu verraten; auf den letzten Alben fehlen jedoch nicht die introvertierteren Stücke mit einem vagen New-Wave-Stil. Auf dem letzten Album Blackstar (2016) versucht sich der Künstler sogar an fast avantgardistischen Stücken, was vielleicht auch auf den Jazz- und Experimentalhintergrund des Ensembles zurückzuführen ist, mit dem die Platte aufgenommen werden sollte.

Neben den bereits erwähnten Kollaborationen mit Lou Reed, Iggy Pop und Brian Eno sang Bowie zusammen mit Bing Crosby im Weihnachtsduett Peace on Earth

Von Bedeutung war auch seine Zusammenarbeit mit John Lennon bei einer Coverversion von Across the Universe von den Beatles und bei Fame, einem von Bowies erfolgreichsten Songs, der 1975 auf dem Album Young Americans enthalten war.

1981 arbeitete Bowie mit Queen zusammen, um eine fast unbekannte und unveröffentlichte Version des Songs Cool Cat aufzunehmen und um Under Pressure zu kreieren, in dem er ein Duett mit der britischen Rockgruppe sang und auch auf dem Freddie Mercury Tribute Concert zusammen mit Annie Lennox und der Mercury-verwaisten Queen selbst sang. Der Song, der ursprünglich People on Streets hieß, wurde auf der Grundlage eines "Riffs" des Bassisten John Deacon komponiert und Queen und Bowie zugeschrieben; er wurde später auf dem Album Hot Space von 1982 aufgenommen.

Der "White Duke" arbeitete unter anderem mit dem Rolling-Stones-Chef Mick Jagger zusammen. Gemeinsam produzierten sie 1985 zur Unterstützung des Live-Aid-Projekts eine Version des Songs Dancing in the Street von Martha & the Vandellas, an die der Videoclip erinnert. Es heißt auch, dass die Verbindung zwischen den beiden Rockstars mehr als nur beruflich war und dass der berühmte Song Angie, den die Stones 1973 aufnahmen, von Angela Bowie inspiriert wurde und sich indirekt auf einen Vierer mit ihr, David, Mick und seiner damaligen Frau Bianca Pérez-Mora Macias bezog. Im selben Jahr nahm Bowie zusammen mit Tina Turner den Song Tonight auf, Titelsong des gleichnamigen Albums von 1984. Die beiden traten auch bei einem Termin von Tina Turners Private Dancer Tour 1985 gemeinsam auf.

Mit NIN eröffnete Bowie die Outside-Tour in den Vereinigten Staaten, bei der sie sowohl die Songs des Künstlers als auch die der Band gemeinsam aufführten. In Zusammenarbeit mit Trent Reznor, dem Bandleader, mit dem Bowie eine enge Freundschaft verband, entstanden mehrere Remixe, darunter I'm Afraid of Americans, in dessen Video Reznor als Co-Star auftritt.

Eine weitere Zusammenarbeit erfolgte 1996 mit den Pet Shop Boys für den Song Hallo Spaceboy: Aufgrund des Erfolgs des Songs, der als Single veröffentlicht wurde, trat Bowie mit den Pet Shop Boys sowohl in Musiksendungen wie Top of the Pops als auch bei den prestigeträchtigen BRIT Awards 1996 auf.

Nachdem er an Placebos Debütalbum Placebo mitgewirkt und sie als seine Unterstützer auf Tournee mitgenommen hatte, arbeitete Bowie zweimal mit ihnen zusammen: Für die Single Without you I'm nothing aus dem gleichnamigen Album erstellten sie eine zweistimmige Version, während sie im Februar 1999 bei den Brit Awards gemeinsam für eine Coverversion von 20th Century Boy auftraten, das Placebo auch in dem Film Velvet Goldmine als Mitglieder der fiktiven Band Malcolm & The Flaming Creatures spielte. Die enge Verbundenheit zwischen der Band und Bowie wurde durch mehrere Episoden bezeugt: die Hommage an ihn mit einer Akustikversion von Five Years, die 2004 in einer französischen Fernsehsendung aufgeführt wurde, und der rührende Abschiedsbrief, den Brian Molko kurz nach Bowies Tod schrieb und auf der offiziellen Website der Band veröffentlichte.

Im Jahr 1970 heiratete er Mary Angela Barnett, mit der er 1971 einen Sohn, Duncan Zowie Haywood Jones, bekam; die beiden ließen sich 1980 scheiden. 1992 heiratete er das somalische Model Iman Mohamed Abdulmajid in der Kirche Saint-James in Florenz. Im Jahr 2000 bekam er mit ihr eine Tochter, Alexandria 'Lexie' Zahra.

Die Debatte über Sexualität

Ende 1964, als er Mitglied der Manish Boys war, sprach die Gruppe bei der BBC für eine Reihe von Konzerten im Star Club in Hamburg vor. Der Sänger sicherte sich den Auftritt, indem er dem deutschen Veranstalter schwor, dass er schwul sei. In der Folgezeit lernte Bowie trotz seiner ostentativ zweideutigen und transgressiven Haltung, die zu Spekulationen über seine Homosexualität führte, die 14-jährige Dana Gillespie kennen, die seine Freundin wurde und mit der er bis in die 1970er Jahre zusammen war. Im Januar 1972 wurde in der Zeitschrift Melody Maker ein Interview veröffentlicht, in dem er zugab, schwul zu sein; dies sorgte für einige Aufregung und wurde als Werbemaßnahme im Hinblick auf die Veröffentlichung des neuen Albums The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars vermutet. Trotzdem wählte die britische Schwulenbewegung David zu ihrem Symbol. Schließlich übten Tabus immer eine starke Anziehungskraft auf Bowie aus und sein Nonkonformismus trieb ihn in die homosexuelle Subkultur. Trotzdem waren Davids Äußerungen zu diesem Thema in späteren Jahren alles andere als klärend: "Es war nur eine Lüge, sie haben mir dieses Bild aufgeklebt, und ich habe mich ein paar Jahre lang gut daran gewöhnt", sagte er dem Magazin Playboy im September 1976, um kurz darauf auf die gegenteilige Frage eines anderen Interviewers zu antworten. Während der Tournee durch Neuseeland 1978 behauptete er erneut, bisexuell zu sein, doch 1983, als Bowie zum internationalen Superstar aufstieg, zog er seine früheren Aussagen zurück. Dem Time Magazine sagte er, es sei "ein großes Missverständnis" gewesen, und im Rolling Stone nannte er es "den größten Fehler, den ich je gemacht habe". Als er 1987 von Smash Hits zu diesem Thema befragt wurde, wies er amüsiert auf die ganze Sache hin und erlaubte der Zeitschrift zu veröffentlichen: "Man sollte nicht alles glauben, was man liest". 1993 entkräftete er in der Zeitschrift Rolling Stone das Gerücht über seine Bisexualität: "Ich habe mich nie als echter Bisexueller gefühlt, aber die schwule Untergrundszene hat mich angezogen. Es war wie eine andere Realität, an der ich teilhaben wollte. Diese Phase dauerte nur bis 1974 und endete mehr oder weniger mit Ziggy. In Wirklichkeit hatte ich mir nur den Status des Bisexuellen zu eigen gemacht, wobei die Ironie darin bestand, dass ich nicht schwul war. Schließlich wurde aber auch diese letzte Version 2002 wieder geändert, was die früheren Rückzüge rechtfertigte: Als Blender ihn fragte, ob er die öffentliche Erklärung immer noch für seinen größten Fehler halte, antwortete er nach einer langen Pause: "Ich glaube nicht, dass es in Europa ein Problem war, aber in Amerika war es viel schwieriger. Ich hatte kein Problem damit, dass die Leute wussten, dass ich bisexuell bin, aber ich hatte keine Lust, Fahnen zu schwingen oder eine Gruppe von Menschen zu vertreten".

David Bowies Diskografie umfasst 25 Studioalben als Solokünstler und zwei mit der Gruppe Tin Machine, in der er Mitglied war. Bowie selbst bezeichnete vor seinem Tod in einem Brief an Brian Eno sein letztes Werk als sein 25. Sie umfasst außerdem vier Soundtracks, fünf EPs, 15 Live-Alben, 50 Compilations und 113 Singles. Einer Schätzung zufolge hat er rund 720 Songs geschrieben und insgesamt 147 Millionen Alben weltweit verkauft.

Studio-Alben

Mit der Blechmaschine

Live-Alben

Soundtracks

Videografie

Seit jeher gilt Bowie als einer der Pioniere des Musikvideos. 1969 hatte er bereits genug Promos im Kasten, um einen abendfüllenden Film zu drehen, noch bevor er mit einer Single seinen ersten Chart-Hit landete. Sein erster Videoclip war für den Song Space Oddity, der 1972 unter der Regie von Mick Rock veröffentlicht wurde.

Bowies Videografie umfasst 71 Werbevideoclips sowie vier weitere Videos anderer Künstler, in denen er mitwirkte, 15 Videoalben oder Kompilationen, die auf VHS oder DVD veröffentlicht wurden, und 18 Gastauftritte in Videos anderer Künstler.

Jüngere Werke wie The Hearts Filthy Lesson, Little Wonder und Survive haben bestätigt, dass Bowie weiterhin die Grenzen des Musikvideos auslotet. Im neuen Jahrtausend hat die Zusammenarbeit mit Regisseuren wie Floria Sigismondi und Johan Renck und Hollywood-Schauspielern wie Gary Oldman und Tilda Swinton Bowies Videoclips näher an echte Kurzfilme gebracht.

Touren

Obwohl seine erste offizielle Tournee die Ziggy Stardust Tournee 1972 war, begann Bowies Live-Aktivität 1962 mit den Kon-rads und setzte sich mit den verschiedenen Gruppen, die ihn begleiteten, bis 1971 fort. Von den King Bees über Lower Third bis hin zu eher improvisierten Projekten wie The Riot Squad, Turquoise und Feathers gaben die Gruppen Covers von Rock- und R&B-Songs, aber auch Bowies frühe Eigenkompositionen zum Besten, und der Sänger wechselte Konzerte mit seiner Pantomime-Arbeit ab.

Von 1972 bis 2004, als er seine letzte Tournee machte, sammelte Bowie 16 Tourneen, mit denen er fünf Kontinente durchquerte.

Radioaufführungen

Kino

Fernsehen

Werbespots

Dubber

Kino

Fernsehen

Ausführender Produzent

In den italienischen Fassungen seiner Filme wurde David Bowie synchronisiert von:

Dokumentarfilme

Seit 1970 hat Bowie 41 Nominierungen und 16 Auszeichnungen erhalten (11 für musikalische Aktivitäten, 2 für filmische Aktivitäten, 3 für multimediale Aktivitäten). Zu den wichtigsten Auszeichnungen gehören 4 BRIT Awards (davon 2 posthum), 7 Grammys (davon 5 posthum), 3 MTV Europe Music Awards und 1 Saturn Award. Der Künstler wurde 1996 in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen und im Jahr darauf für seinen Beitrag zur Unterhaltungsindustrie mit einem Stern auf dem Hollywood Walk of Fame vor dem Hollywood Galaxy Theatre geehrt.

Im Jahr 2000 lehnte Bowie den Titel eines "Commander of the Order of the British Empire" und 2003 den Titel eines "Knight of the same Order" ab.

Quellen

1. David Bowie
2. David Bowie
3. ^ In seguito si è diffusa l'erronea convinzione che l'occhio sinistro di David fosse affetto da eterocromia, anche se a causa della pupilla paralizzata si poteva avere l'impressione che l'occhio sinistro fosse verdastro, anziché azzurro come quello destro.
4. Композитор Тони Хэтчruen подписал контракт с Боуи, поскольку тот сочинял собственные песни[47].
5. Первое шоу состоялось 22 сентября 1972 года в Мюзик-холле Кливленда, штат Огайо (в котором находится знаменитый Зал славы рок-н-ролла)[106].
6. Боуи планировал снять телеадаптацию романа, однако реализовать эту идею не удалось[125]. Также он собирался написать мюзикл на основе книги, со своими песнями, но утратил интерес к этому проекту из-за серьёзных проблем с получением прав на его адаптацию[126][127].
7. Во время шоу в Лос-Анджелесе концерт Боуи посетил молодой Майкл Джексон. Позже он высказывался о странных движениях музыканта, привлёкших его внимание, имея в виду лунную походку[129][130][131]. Этот танец появился ещё в пантомимных пьесах Боуи 1960-х годов[132].
8. Одним из бэк-вокалистов альбома был молодой и тогда ещё неизвестный широкой публике певец Лютер Вандросс, который также выступил соавтором части материала Young Americans[137][138].
9. ^ He first played at Glastonbury in June 1971 shortly after the Hunky Dory sessions commenced. Performing alone, his set was warmly received.[173]
10. Caballero Comendador o Dama Comendadora (KBE or DBE) (Knight Commander or Dame Commander) es la segunda orden militar en importancia otorgada por los monarcas británicos desde 1917 y limitada a 845 Caballeros o Damas.