Sammanfattning

Fred Astaire (10 maj 1899-22 juni 1987) var en amerikansk skådespelare, dansare, sångare, koreograf och programledare. Han anses allmänt vara filmhistoriens bästa dansare.

Hans karriär på scenen och därefter på film och tv varade i sammanlagt 76 år. Han spelade huvudrollen i mer än 10 Broadway- och West End-musikaler, gjorde 31 musikalfilmer, fyra tv-sändningar och många inspelningar. Som dansare hade han en otrolig rytmkänsla, perfektionism och nytänkande. Hans mest minnesvärda danspartnerskap var med Ginger Rogers, med vilken han spelade med i en serie på tio Hollywoodmusikalfilmer under den klassiska Hollywoodfilmens tid, bland annat Top Hat (1935), Swing Time (1936) och Shall We Dance (1937). Bland de andra anmärkningsvärda filmer där Astaire fick ytterligare popularitet och tog steppdansgenren till en ny nivå fanns Holiday Inn (1942), Easter Parade (1948), The Band Wagon (1953), Funny Face (1957) och Silk Stockings (1957). American Film Institute utnämnde Astaire till den femte största manliga stjärnan i den klassiska Hollywoodfilmen i 100 Years... 100 stjärnor.

1899-1916: Tidigt liv och karriär

Fred Astaire föddes Frederick Austerlitz den 10 maj 1899 i Omaha, Nebraska, som son till Johanna "Ann" (1878-1975) och Friedrich "Fritz" Emanuel Austerlitz, i USA: Frederic Austerlitz (1868-1923). Astaires mor föddes i USA av lutherska tyska invandrare från Ostpreussen och Alsace. Astaires far föddes i Linz i Österrike av romersk-katolska föräldrar som hade konverterat från judendomen.

Astaires far, Fritz Austerlitz, anlände till New York City vid 25 års ålder den 26 oktober 1893 på Ellis Island. Fritz sökte arbete inom bryggeribranschen och flyttade till Omaha, Nebraska, där han anställdes av Storz Brewing Company. Astaires mamma drömde om att fly Omaha genom sina barns talanger. Astaires äldre syster, Adele, var en instinktiv dansare och sångerska tidigt i sin barndom. Johanna planerade ett "brödra- och systernummer", som var vanligt i vaudeville på den tiden, för sina två barn. Även om Fred först vägrade ta danslektioner, imiterade han lätt sin storasysters steg och började spela piano, dragspel och klarinett.

När fadern förlorade sitt jobb flyttade familjen till New York i januari 1905 för att starta barnens karriär i showbusiness. De började träna vid Alviene Master School of the Theatre och Academy of Cultural Arts. Fred och Adeles mamma föreslog att de skulle byta namn till "Astaire", eftersom hon ansåg att "Austerlitz" påminde om slaget vid Austerlitz. Familjelegenden tillskriver namnet till en farbror med efternamnet "L'Astaire".

De fick lära sig dansa, tala och sjunga som förberedelse för att utveckla ett nummer. Deras första nummer hette Juvenile Artists Presenting an Electric Musical Toe-Dancing Novelty. Fred bar en hög hatt och frack i första halvan och en hummerdräkt i andra halvan. I en intervju påpekade Astaires dotter Ava Astaire McKenzie att de ofta satte Fred i en hög hatt för att få honom att se längre ut. I november 1905 debuterade den fåniga akten i Keyport, New Jersey på en "tryout-teater". Den lokala tidningen skrev: "Astaires är det bästa barnnumret i vaudeville".

Som ett resultat av faderns försäljningsteknik fick Fred och Adele ett stort kontrakt och spelade på Orpheum Circuit i Mellanvästern, västra USA och vissa städer i södra USA. Snart växte Adele till minst fem centimeter längre än Fred, och paret började se ojämnt ut. Familjen beslöt att ta en tvåårig paus från showbusiness för att låta tiden ha sin gång och för att undvika problem med Gerry Society och den tidens lagar om barnarbete. År 1912 blev Fred episkopal. Syskonparet Astaires karriär återupptogs med blandad lycka, men med ökande skicklighet och finess, eftersom de började införliva steppdans i sina rutiner. Astaires dans inspirerades av Bill "Bojangles" Robinson och John "Bubbles" Sublett. Av vaudeville-dansaren Aurelio Coccia lärde de sig tango, vals och andra danser som Vernon och Irene Castle hade populariserat. Vissa källor uppger att syskonen Astaire medverkade i en film från 1915 med titeln Fanchon, the Cricket, med Mary Pickford i huvudrollen, men syskonen Astaire har konsekvent förnekat detta.

Vid 14 års ålder hade Fred tagit på sig det musikaliska ansvaret för deras nummer. Han träffade George Gershwin för första gången 1916, som arbetade som låtskrivare för Jerome H. Remicks musikförlag. Fred hade redan varit på jakt efter nya musik- och dansidéer. Deras slumpmässiga möte skulle komma att påverka båda artisternas karriärer i grunden. Astaire var alltid på jakt efter nya steg i cirkusen och började visa upp sin ständiga strävan efter nyhet och perfektion.

1917-1933: Scenkarriär på Broadway och i London

Astaires slog igenom på Broadway 1917 med Over the Top, en patriotisk revy, och uppträdde även vid denna tid för amerikanska och allierade trupper. De följde upp med ytterligare flera shower. Om deras arbete i The Passing Show 1918 skrev Heywood Broun: "Under en kväll där det fanns ett överflöd av bra danser, stack Fred Astaire ut ... Han och hans partner, Adele Astaire, fick showen att stanna upp tidigt på kvällen med en vacker dans med lösa ben."

Adeles glitter och humor drog mycket av uppmärksamheten, delvis tack vare Freds noggranna förberedelser och vassa koreografi. Hon var fortfarande den som satte tonen i deras nummer. Men vid den här tiden började Astaires dansförmåga överglänsa sin systers.

Under 1920-talet uppträdde Fred och Adele på Broadway och på scenen i London. De vann popularitet hos teaterpubliken på båda sidor av Atlanten i föreställningar som Jerome Kerns The Bunch and Judy (1922), George och Ira Gershwins Lady, Be Good (1924) och Funny Face (1927) och senare i The Band Wagon (1931). Astaires steppdans var då erkänd som en av de bästa. Robert Benchley skrev till exempel 1930: "Jag tror inte att jag kommer att kasta nationen ut i krig genom att påstå att Fred är den bästa steppdansaren i världen". När Fred var i London studerade han piano vid Guildhall School of Music tillsammans med sin vän och kollega Noël Coward.

Efter avslutningen av Funny Face åkte Astaires till Hollywood för en provfilmning (som nu har gått förlorad) hos Paramount Pictures, men Paramount ansåg att de var olämpliga för film.

De separerade 1932 när Adele gifte sig med sin första man, Lord Charles Cavendish, andra sonen till den nionde hertigen av Devonshire. Fred fortsatte att nå framgång på egen hand på Broadway och i London med Gay Divorce (som senare blev filmen The Gay Divorcee) samtidigt som han övervägde erbjudanden från Hollywood. Slutet på partnerskapet var traumatiskt för Astaire men stimulerade honom att utvidga sitt utbud.

Fred var befriad från de tidigare bror-syster-kraven och tillsammans med sin nya partner Claire Luce skapade Fred en romantisk partnerdans till Cole Porters "Night and Day", som hade skrivits för Gay Divorce. Luce uppgav att hon var tvungen att uppmuntra honom att ta ett mer romantiskt grepp: "Kom igen, Fred, jag är inte din syster, du vet.":  6 Det var tack vare detta nummer som teaterpjäsen blev så framgångsrik, och när det återskapades i The Gay Divorcee (1934), filmversionen av pjäsen, inledde det en ny era för filmdans: 23, 26, 61 Nyligen upptäckte dansaren och historikern Betsy Baytos filmupptagningar, som Fred Stone hade tagit av Astaire när han uppträdde i Gay Divorce tillsammans med Luces efterträdare Dorothy Stone i New York 1933, och de är de första kända filmupptagningarna av Astaire.

1933-1939: Astaire och Ginger Rogers på RKO

Enligt Hollywoods folklore ska det ha stått följande i en testrapport om Astaire för RKO Radio Pictures, som nu har försvunnit tillsammans med testet: "Kan inte sjunga. Kan inte agera. Skallig. Kan dansa lite." Producenten av Astaire-Rogers-filmerna, Pandro S. Berman, hävdade att han aldrig hade hört historien på 1930-talet och att den dök upp först flera år senare. 7 Astaire förtydligade senare och insisterade på att det hade stått följande i rapporten: "Kan inte spela. Lite flintskallig. Dansar också." I vilket fall som helst var testet helt klart en besvikelse, och David O. Selznick, som hade kontrakterat Astaire för RKO och beställt testet, konstaterade i ett memo: "Jag är osäker på mannen, men jag känner, trots hans enorma öron och dåliga haklinje, att hans charm är så enorm att den kommer fram även i detta usla test.":  7

Detta påverkade dock inte RKO:s planer för Astaire. De lånade ut honom under några dagar till MGM 1933 för hans betydande Hollywooddebut i den framgångsrika musikalfilmen Dancing Lady. I filmen uppträdde han som sig själv när han dansade med Joan Crawford. När han återvände till RKO fick han en femte plats efter Ginger Rogers med fjärde plats i Dolores del Río-filmen Flying Down to Rio från 1933. I en recension tillskrev tidningen Variety den enorma framgången till Astaires närvaro:

Huvudpunkten i Flying Down to Rio är Fred Astaires löfte på skärmen ... Han är definitivt en satsning efter detta, för han är klart sympatisk på filmduken, mikrofonen är snäll mot hans röst och som dansare är han fortfarande i en klass för sig själv. Den sistnämnda iakttagelsen kommer inte att vara någon nyhet för yrkeskåren, som länge har erkänt att Astaire börjar dansa när de andra slutar att dansa..:  7

Astaire hade redan varit ihop med sin syster Adele på scenen och var till en början mycket motvillig till att bli en del av ett annat danslag. Han skrev till sin agent: "Jag har inget emot att göra en ny film med henne, men när det gäller den här idén om ett team är den ute! Jag har precis lyckats leva ner till ett partnerskap och jag vill inte bli besvärad av fler.":  8 Han lät sig dock övertalas av det uppenbara publikintresset av paret Astaire-Rogers. Partnerskapet, och Astaires och Hermes Pans koreografi, bidrog till att göra dansen till ett viktigt inslag i Hollywoods filmmusikaler.

Astaire och Rogers gjorde nio filmer tillsammans på RKO. Bland dessa fanns Flying Down to Rio (1933), The Gay Divorcee (1934), Roberta (1935, där Astaire också visar sina ofta förbisedda pianokunskaper med ett livligt solo på "I Won't Dance") och Top Hat (1935), Follow the Fleet (1936), Swing Time (1936), Shall We Dance (1937), Carefree (1938) och The Story of Vernon and Irene Castle (alla filmerna medförde en viss prestige och konstnärlighet som alla studior eftertraktade på den tiden. Deras partnerskap förhöjde dem båda till stjärnstatus; som Katharine Hepburn enligt uppgift sade: "Han ger henne klass och hon ger honom sex appeal":  134 Astaire fick en procentandel av filmens vinster, något som var sällsynt i skådespelarkontrakt på den tiden.

Astaires stil med danssekvenser gjorde det möjligt för tittaren att följa dansarna och koreografin i sin helhet. Denna stil skiljde sig markant från den i Busby Berkeley-musikalerna. Dessa musikalers sekvenser var fyllda av extravaganta flygbilder, dussintals klipp för snabba tagningar och zoomar på kroppsdelar som t.ex. en körrad av armar eller ben.

Astaires andra nyhet gällde dansens sammanhang; han var fast besluten att alla sång- och dansrutiner skulle vara integrerade i filmens handling. Istället för att använda dansen som ett spektakel som Busby Berkeley gjorde, använde Astaire den för att föra handlingen framåt. En Astaire-film innehöll vanligtvis minst tre standarddanser. En av dem var ett soloframträdande av Astaire, som han kallade sitt "sock solo". En annan var en komedidans med partner. Slutligen skulle han inkludera en romantisk dans i par.

Danskommentatorerna Arlene Croce: 146-147 och John Mueller: 8, 9 anser att Rogers var Astaires bästa danspartner, en åsikt som delas av filmkritikern Pauline Kael, som intar en mer neutral hållning, medan filmkritikern Richard Schickel i Time Magazine skriver "Nostalgin kring Rogers-Astaire tenderar att bleka ut andra partners".

Enligt Astaire "hade Ginger aldrig dansat med en partner innan Flying Down to Rio. Hon låtsades väldigt mycket. Hon kunde inte steppa och hon kunde inte göra det ena och det andra ... men Ginger hade stil och talang och förbättrades allt eftersom. Hon blev så att efter ett tag såg alla andra som dansade med mig fel ut." På s. 162 i hans bok Ginger: Salute to a Star citerar författaren Dick Richards Astaire när han säger till Raymond Rohauer, intendent för New York Gallery of Modern Art: "Ginger var briljant effektiv. Hon fick allt att fungera för henne. Egentligen gjorde hon saker och ting väldigt bra för oss båda och hon förtjänar det mesta av äran för vår framgång."

1976 frågade den brittiska programledaren Sir Michael Parkinson Astaire vem som var hans favoritdanspartner på Parkinson. Först vägrade Astaire att svara. Men till slut sa han: "Ursäkta mig, jag måste säga att Ginger verkligen var, eh, eh, eh, den rätta. Du vet, den mest effektiva partner jag hade. Det vet alla."

Rogers beskrev Astaires kompromisslösa standard som gällde hela produktionen: "Ibland kommer han på en ny dialogreplik eller en ny vinkel på historien ... de vet aldrig när på natten han ringer upp och börjar tala entusiastiskt om en ny idé ... Det finns ingen slöhet på jobbet när det gäller en Astaire-film, och ingen snålhet.":  16

Trots deras framgångar var Astaire ovillig att låta sin karriär vara knuten till något partnerskap. Han förhandlade med RKO om att starta på egen hand med A Damsel in Distress 1937 med en oerfaren, icke-dansande Joan Fontaine, vilket visade sig vara misslyckat. Han återvände för att göra ytterligare två filmer med Rogers, Carefree (1938) och The Story of Vernon and Irene Castle (1939). Även om båda filmerna fick respektabla bruttointäkter förlorade de båda pengar på grund av ökade produktionskostnader: 410 och Astaire lämnade RKO efter att ha blivit kallade "box office poison" av Independent Theatre Owners of America. Astaire återförenades med Rogers 1949 på MGM för deras sista film, The Barkleys of Broadway, den enda av deras filmer tillsammans som spelades in i Technicolor.

1940-1947: Holiday Inn, förtidspensionering

Astaire lämnade RKO 1939 för att frilansa och söka nya filmmöjligheter, med blandade men generellt sett framgångsrika resultat. Under hela denna period fortsatte Astaire att värdesätta koreografiska medarbetares insatser. Till skillnad från 1930-talet, då han nästan uteslutande arbetade med Hermes Pan, tog han hjälp av andra koreografer för att ständigt förnya sig. Hans första danspartner efter Ginger var den orubbliga Eleanor Powell, som ansågs vara den mest exceptionella kvinnliga steppdansösen i sin generation. De var huvudrollsinnehavare i Broadway Melody från 1940, där de utförde ett berömt utökat dansprogram till Cole Porters "Begin the Beguine". I sin självbiografi Steps in Time påpekade Astaire: "Hon 'satte ner dem' som en man, inga ricky-ticky-sissy-grejer med Ellie. Hon gjorde verkligen en steppdans i en klass för sig själv."

Han spelade tillsammans med Bing Crosby i Holiday Inn (1942) och senare Blue Skies (1946). Men trots de enorma ekonomiska framgångarna i båda filmerna var han enligt uppgift missnöjd med roller där han förlorade flickan till Crosby. Den förstnämnda filmen är minnesvärd för hans virtuosa solodans till "Let's Say it with Firecrackers". Den senare filmen innehöll "Puttin' On the Ritz", en nyskapande sång- och dansrutin som är oskiljaktigt förknippad med honom. Andra partners under denna period var Paulette Goddard i Second Chorus (1940), där han dansade och dirigerade Artie Shaws orkester.

Han gjorde två filmer med Rita Hayworth. Den första filmen, You'll Never Get Rich (1941), gjorde Hayworth känd som stjärna. I filmen integrerade Astaire för tredje gången latinamerikanska danser i sin stil (den första var med Ginger Rogers i "The Carioca"-numret från Flying Down to Rio (1933) och den andra, återigen med Rogers, var "Dengozo"-dansen från The Story of Vernon and Irene Castle (1939)). Hans andra film med Hayworth, You Were Never Lovelier (1942), var lika framgångsrik. Den innehöll en duett till Kerns "I'm Old Fashioned", som blev huvudnumret i Jerome Robbins New York City Ballets hyllning till Astaire 1983. Han uppträdde nästa gång tillsammans med den sjuttonåriga Joan Leslie i krigsdramaet The Sky's the Limit (1943). Där introducerade han Arlen och Mercers "One for My Baby" medan han dansade på en bardisk i en mörk och orolig rutin. Astaire koreograferade denna film ensam och uppnådde blygsamma framgångar i kassan. Filmen innebar ett betydande avsteg för Astaire från hans vanliga charmerande, glada och lyckliga filmpersonlighet och förvirrade samtida kritiker.

Hans nästa partner, Lucille Bremer, var med i två överdådiga filmer, båda regisserade av Vincente Minnelli. Fantasin Yolanda and the Thief (1945) innehöll en avantgardistisk surrealistisk balett. I musikrevyn Ziegfeld Follies (1945) dansade Astaire tillsammans med Gene Kelly till Gershwins låt "The Babbit and the Bromide", en låt som Astaire hade introducerat tillsammans med sin syster Adele redan 1927. Medan Follies var en succé, bombade Yolanda på kassan.

Astaire var alltid osäker och trodde att hans karriär började svikta.Han överraskade sin publik genom att meddela sin pensionering under produktionen av nästa film Blue Skies (1946). Han nominerade "Puttin' on the Ritz" som sin avskedsdans. Efter att ha meddelat sin pensionering 1946 koncentrerade sig Astaire på sina hästkapplöpningsintressen och 1947 grundade han Fred Astaire Dance Studios, som han sedan sålde 1966.

1948-1957: MGM-filmer och andra pensioneringen

Astaires pensionering varade inte länge. Astaire återvände till filmduken för att ersätta en skadad Gene Kelly i Easter Parade (1948) med Judy Garland, Ann Miller och Peter Lawford. Han följde upp med en sista återförening med Rogers (i stället för Judy Garland) i The Barkleys of Broadway (1949). Båda dessa filmer återupplivade Astaires popularitet och 1950 medverkade han i två musikaler. Three Little Words med Vera-Ellen och Red Skelton var för MGM. Let's Dance med Betty Hutton var utlånad till Paramount. Medan Three Little Words gick ganska bra i kassan var Let's Dance en ekonomisk besvikelse. Royal Wedding (1951) med Jane Powell och Peter Lawford visade sig vara mycket framgångsrik, men The Belle of New York (1952) med Vera-Ellen var en kritisk katastrof och en katastrof i kassan. The Band Wagon (1953) fick mycket goda recensioner av kritikerna och drog enorma publikmassor. Men på grund av den höga kostnaden gick den inte med vinst redan vid sin första premiär.

Kort därefter fick Astaire, liksom de andra återstående stjärnorna på MGM, sluta sitt kontrakt på grund av televisionens intåg och nedskärningen av filmproduktionen. År 1954 var Astaire på väg att påbörja arbetet med en ny musikal, Daddy Long Legs (1955) med Leslie Caron på 20th Century Fox. Då blev hans fru Phyllis sjuk och dog plötsligt i lungcancer. Astaire var så ledsen att han ville lägga ner filmen och erbjöd sig att betala produktionskostnaderna ur egen ficka. Johnny Mercer, filmens kompositör och Fox studioledare övertygade honom dock om att arbetet skulle vara det bästa för honom. Daddy Long Legs gick bara måttligt bra i kassan. Hans nästa film för Paramount, Funny Face (1957), var ett samarbete med Audrey Hepburn och Kay Thompson. Trots den överdådiga produktionen och de goda recensionerna från kritikerna lyckades den inte få tillbaka sina kostnader. På samma sätt förlorade Astaires nästa projekt - hans sista musikal hos MGM, Silk Stockings (1957), där han spelade tillsammans med Cyd Charisse, också pengar i kassan.

Efteråt meddelade Astaire att han inte längre skulle dansa i filmen. Hans arv vid denna tidpunkt var 30 musikalfilmer på 25 år.

1957-1981: TV-program, seriösa roller

Astaire spelade Julian Osborne, en icke-dansande karaktär, i kärnvapenkrigsdramaet On the Beach (1959). Han nominerades till en Golden Globe som bästa birollsskådespelare för sin prestation, men förlorade mot Stephen Boyd i Ben-Hur. Astaire uppträdde i icke-dansande roller i tre andra filmer och flera tv-serier mellan 1957 och 1969.

Astaires sista stora musikalfilm var Finian's Rainbow (1968), regisserad av Francis Ford Coppola. Astaire tog av sig sin vita slips och frack för att spela en irländsk skurk som tror att om han begraver en guldpås i skuggan av Fort Knox kommer guldet att föröka sig. Astaires danspartner var Petula Clark, som spelade hans karaktärs skeptiska dotter. Han beskrev sig själv som nervös inför att sjunga med henne, medan hon sa att hon var orolig för att dansa med honom. Filmen blev en blygsam framgång både vid biljettkassan och bland kritikerna.

Astaire fortsatte att agera på 1970-talet. Han framträdde på tv som fadern till Robert Wagners rollfigur Alexander Mundy i filmen It Takes a Thief (Det krävs en tjuv). I filmen The Towering Inferno (1974) dansade han med Jennifer Jones och fick sin enda Oscarsnominering, i kategorin bästa birollsskådespelare. Han gjorde röst åt brevbäraren S.D Kluger i Rankin-filmen från 1970-talet.

1978 spelade han tillsammans med Helen Hayes i den väl mottagna tv-filmen A Family Upside Down där de spelade ett äldre par som kämpade med sin sviktande hälsa. Astaire vann en Emmy Award för sin prestation. Han gjorde ett uppmärksammat gästspel i science fiction-serien Battlestar Galactica 1979, som Chameleon, Starbucks möjliga far, i "The Man with Nine Lives", en roll som Donald P. Bellisario skrivit åt honom. Astaire bad sin agent att skaffa en roll åt honom i Galactica på grund av hans barnbarns intresse för serien, och producenterna blev glada över möjligheten att skapa ett helt avsnitt med honom. Avsnittet markerade den sista gången han dansade på skärmen, i det här fallet med Anne Jeffreys. Han medverkade i nio olika roller i Mannen i tomtedräkten 1979. Hans sista film var 1981 års adaption av Peter Straubs roman Ghost Story. Denna skräckfilm var också den sista för två av hans mest framstående rollkamrater, Melvyn Douglas och Douglas Fairbanks Jr.

Astaire var en virtuos dansare som när det behövdes kunde förmedla lättsamma äventyrligheter eller djupa känslor. Hans tekniska kontroll och rytmkänsla var häpnadsväckande. Långt efter det att inspelningen av solodansnumret "I Want to Be a Dancin' Man" för 1952 års film The Belle of New York var klar, bestämdes det att Astaires enkla kostym och den slitna scenografin var otillräckliga och hela sekvensen spelades in på nytt. Dokumentärfilmen That's Entertainment! III visar de två föreställningarna sida vid sida i delad bildskärm. Bild för bild är de två föreställningarna identiska, ända ner till den minsta lilla gesten.

Astaires dansövningar uppskattades för sin elegans, grace, originalitet och precision. Han hämtade inspiration från en mängd olika influenser, bland annat stepp och andra svarta rytmer, klassisk dans och Vernon och Irene Castles upphöjda stil. Hans dansstil var unikt igenkännbar och påverkade i hög grad den amerikanska Smooth-stilen av sällskapsdans och satte standarder mot vilka senare filmdansmusikaler skulle bedömas. Han kallade sitt eklektiska tillvägagångssätt för "outlaw style", en oförutsägbar och instinktiv blandning av personligt konstnärskap. Hans danser är ekonomiska men ändå oändligt nyanserade. Jerome Robbins konstaterade: "Astaires dans ser så enkel ut, så avväpnande, så lätt, men underbyggnaden, det sätt på vilket han sätter stegen på, över eller mot musiken, är så överraskande och uppfinningsrik.":  18 Astaire observerade vidare:

Att utarbeta stegen är en mycket komplicerad process - ungefär som att skriva musik. Man måste tänka ut något steg som övergår i nästa, och hela dansen måste ha ett integrerat mönster. Om dansen är rätt ska det inte finnas en enda överflödig rörelse. Den ska byggas upp till ett klimax och sedan stanna upp! 15: 15

Ibland tog Astaire på sig en del av skulpturen för koreografi eller dansregi, men han lämnade vanligtvis skulpturen till sin medarbetare. Detta kan leda till det helt missvisande intrycket att Astaire bara utförde andras koreografier. Senare i livet erkände han: "Jag var tvungen att göra det mesta själv".

Ofta byggdes en danssekvens upp kring två eller tre huvudidéer, ibland inspirerade av hans steg eller av musiken i sig, som antyder en viss stämning eller handling:  20 Caron sa att när Kelly dansade nära marken kändes det som om hon svävade med Astaire. Många dansrutiner var uppbyggda kring en "gimmick", som att dansa på väggarna i Royal Wedding eller att dansa med sina skuggor i Swing Time. Han eller hans medarbetare tänkte ut dessa rutiner tidigare och sparade dem för rätt situation. De tillbringade veckor med att skapa alla danssekvenser i en avskild repetitionslokal innan inspelningen började. De samarbetade med en repetitionspianist (ofta kompositören Hal Borne) som i sin tur meddelade ändringarna till de musikaliska orkestrarna.

Michael Kidd, Astaires medkoreograf i filmen The Band Wagon från 1953, konstaterade att Astaire inte delade hans egen oro över den känslomässiga motivationen bakom dansen. Kidd berättade senare: "Tekniken var viktig för honom. Han sa: 'Låt oss göra stegen. Låt oss lägga till utseendet senare."

Även om han i första hand såg sig själv som en underhållare, vann hans konstnärskap honom beundran hos 1900-talsdansare som Gene Kelly, George Balanchine, bröderna Nicholas, Michail Baryshnikov, Margot Fonteyn, Bob Fosse, Gregory Hines, Rudolf Nurejev, Michael Jackson och Bill Robinson. Balanchine jämförde honom med Bach och beskrev honom som "den mest intressanta, den mest uppfinningsrika, den mest eleganta dansaren i vår tid", medan Baryshnikov ansåg att han var "ett geni ... en klassisk dansare som jag aldrig sett i mitt liv". "Ingen dansare kan titta på Fred Astaire utan att veta att vi alla borde ha varit i en annan bransch", avslutade han.

Astaire var extremt blygsam när det gällde sin sångförmåga (han hävdade ofta att han inte kunde sjunga, men kritikerna ansåg att han var en av de bästa) och presenterade några av de mest berömda sångerna från Great American Songbook, särskilt Cole Porters sånger: "Night and Day" i Gay Divorce, Irving Berlins "Isn't This a Lovely Day?", "Cheek to Cheek" och "Top Hat, White Tie and Tails" i Top Hat samt "Change Partners" i Carefree (1938). Han presenterade för första gången Jerome Kerns "The Way You Look Tonight" i Swing Time (1936), Gershwins "They Can't Take That Away from Me" i Shall We Dance (1937), "A Foggy Day" och "Nice Work if You Can Get it" i A Damsel in Distress (1937), Johnny Mercers "One for My Baby" i The Sky's the Limit (och Harry Warren och Arthur Freeds "This Heart of Mine" i Ziegfeld Follies (1946).

Astaire var också med och presenterade ett antal klassiska sånger i duetter med sina partners. Tillsammans med sin syster Adele presenterade han till exempel Gershwins "I'll Build a Stairway to Paradise" från Stop Flirting (1923), "Fascinating Rhythm" från Lady, Be Good (1924), "Funny Face" från Funny Face (1927) och i duett med Ginger Rogers presenterade han Irving Berlins "I'm Putting All My Eggs in One Basket" från Follow the Fleet (1936), Jerome Kerns "Pick Yourself Up" och "A Fine Romance" i Swing Time (1936) samt Gershwins "Let's Call the Whole Thing Off" från Shall We Dance (och tillsammans med Jack Buchanan, Oscar Levant och Nanette Fabray framförde han Arthur Schwartz och Howard Dietz "That's Entertainment! " från The Band Wagon (1953).

Även om han hade en lätt röst, beundrades han för sin lyrism, diktion och frasering - den elegans och elegans som han uppskattade i sin dans verkade återspeglas i hans sång, en förmåga till syntes som fick Burton Lane att beskriva honom som "världens största musikaliska artist":  21 Irving Berlin ansåg att Astaire var jämbördig med alla manliga uttolkare av hans sånger - "lika bra som Jolson, Crosby eller Sinatra, inte nödvändigtvis på grund av hans röst, utan för hans sätt att projicera en sång". Jerome Kern ansåg att han var den främsta manliga uttolkaren av sina sånger: 21 och Cole Porter och Johnny Mercer beundrade också hans unika behandling av deras verk. Och även om George Gershwin var något kritisk till Astaires sångförmåga skrev han många av sina mest minnesvärda sånger åt honom: 123, 128 Under sin storhetstid refererades Astaire i texter av låtskrivarna Cole Porter, Lorenz Hart och Eric Maschwitz och fortsätter att inspirera moderna låtskrivare.

Astaire var låtskrivare och "I'm Building Up to an Awful Letdown" (skriven tillsammans med textförfattaren Johnny Mercer) hamnade på fjärde plats i Hitparaden 1936. Han spelade in sin egen "It's Just Like Taking Candy from a Baby" med Benny Goodman 1940 och hade en livslång ambition att bli en framgångsrik kompositör av populära sånger.

1952 spelade Astaire in The Astaire Story, ett album i fyra volymer med en kvintett ledd av Oscar Peterson. Albumet, som producerades av Norman Granz, gav en musikalisk översikt över Astaires karriär. The Astaire Story vann senare Grammy Hall of Fame Award 1999, en särskild Grammy-utmärkelse för att hedra inspelningar som är minst tjugofem år gamla och som har "kvalitativ eller historisk betydelse".

Han var alltid oklanderligt klädd och kallades tillsammans med Cary Grant för "den bäst klädda skådespelaren". Astaire förblev en manlig modeikon till och med under sina senare år, då han undvek sin karaktäristiska topphatt, vita slips och frack, som han hatade. I stället föredrog han en luftig och avslappnad stil med skräddarsydda sportjackor, färgade skjortor och byxor - det sistnämnda brukar hållas uppe av en gammal slips eller en sidenhalsduk i stället för ett bälte.

Astaire gifte sig 1933 med den 25-åriga Phyllis Potter (tidigare Phyllis Livingston Baker ), en Boston-född New York-socialist och tidigare fru till Eliphalet Nott Potter III (1906-1981), trots att hans mor och syster motsatte sig detta. Phyllis död i lungcancer vid 46 års ålder avslutade tjugoen års lyckligt äktenskap och lämnade Astaire förkrossad. Astaire försökte hoppa av filmen Daddy Long Legs (1955), som han höll på att spela in, och erbjöd sig att betala produktionskostnaderna fram till dess, men övertalades att stanna kvar.

Förutom Phyllis Potters son Eliphalet IV (känd som Peter) hade Astaires två barn. Astaires son Fred Jr (född 1936) medverkade tillsammans med sin far i filmen Midas Run och blev senare charterpilot och ranchägare. Astaires dotter Ava Astaire (född 1942) är fortfarande engagerad i att främja sin fars arv.

Fred Astaire var mycket privat och syntes sällan på Hollywoods sociala scen. I stället ägnade han sin fritid åt sin familj och sina hobbies, som bland annat var hästkapplöpning, trummor, låtskrivande och golfspel. Han var god vän med David Niven, Randolph Scott, Clark Gable och Gregory Peck. Niven beskrev honom som "en pixie-timid, alltid varmhjärtad, med en förkärlek för skolpojkskämt". 1946 vann hans häst Triplicate Hollywood Gold Cup och San Juan Capistrano Handicap. Han förblev fysiskt aktiv långt in på 80-talet. Han började åka skateboard i slutet av sjuttiotalet och fick ett livstidsmedlemskap i National Skateboard Society. Vid 78 års ålder bröt han sin vänstra handled när han åkte skateboard på sin uppfart. Han var också intresserad av boxning och verkliga brott.

Den 24 juni 1980, vid 81 års ålder, gifte han sig för andra gången. Robyn Smith var 45 år yngre än han och en jockey som red för Alfred Gwynne Vanderbilt Jr. (hon dejtade också Vanderbilt på 1970-talet) och var med på omslaget till Sports Illustrated den 31 juli 1972.

Astaires liv har aldrig skildrats på film. Han har alltid vägrat tillstånd för sådana porträtt och sagt: "Hur mycket de än erbjuder mig - och det kommer erbjudanden hela tiden - så kommer jag inte att sälja." Astaires testamente innehöll en klausul som krävde att ingen sådan porträttering någonsin skulle äga rum; han kommenterade: "Den finns där eftersom jag inte har någon särskild önskan om att mitt liv skulle misstolkas, vilket det skulle göra." Den 5 december 2021 meddelade Tom Holland att han skulle porträttera Astaire i en kommande biopic, vilket väckte kritik på grund av klausulen.

Astaire dog av lunginflammation den 22 juni 1987, 88 år gammal. Han begravdes på Oakwood Memorial Park Cemetery i Chatsworth, Kalifornien. En av hans sista önskemål var att tacka sina fans för deras mångåriga stöd.

Filmer, musikaliska

Filmer, icke-musikaliska

*Föreställningar med danspartner Barrie Chase (7)

Källor

1. Fred Astaire
2. Fred Astaire