Zusammenfassung

Simone Martini (Siena, ca. 1284 - Avignon, 1344) war ein italienischer Maler und einer der bedeutendsten Vertreter der mittelalterlichen Malerei in Siena. Zeit seines Lebens erhielt er Aufträge aus den höchsten Kreisen, er war der erste "Hofkünstler" in Siena für das Konzil der Neun, er malte eine Reihe von Fresken in der wichtigsten Kirche des Franziskanerordens in Assisi, er wurde vom Königreich Neapel beauftragt und arbeitete später am päpstlichen Hof. Er wurde von einem lokalen Maler zu einem international bekannten Künstler. Er und sein Schülerkreis übermittelten wichtige Bildvorlagen, die von vielen anderen europäischen Künstlern und ganzen Malschulen aufgegriffen wurden.

Über das Leben und die Persönlichkeit von Simone Martini ist wenig bekannt. Giorgio Vasari hat in seinem Buch "Die bedeutendsten Maler, Bildhauer und Architekten" ihre Lebensgeschichte zusammen mit der einiger anderer toskanischer Maler beschrieben, aber die Angaben in dem Buch sind ungenau. Vasari kannte nicht einmal ihren Namen genau und nannte sie Simone Memmi, wobei er sie mit ihrem Schwager Lippo Memmi verwechselte. Für die ersten fast dreißig Jahre ihres Lebens sind keine Dokumente erhalten. Er wurde um 1284 in Siena oder in der Nähe der Stadt geboren. Sein Vater arbeitete als Assistent des Malers und half bei der Vorbereitung der Fresken. Er studierte wahrscheinlich in der Werkstatt von Duccio di Buoninsegna und wurde vor 1315 ein anerkannter Künstler. Zwischen 1312 und 1315 fertigt er Zeichnungen für die Glasfenster der Martinskapelle in der Basilika des Heiligen Franziskus in Assisi an. Im Jahr 1315 malte er die Maesta im Ratssaal des Palazzo Pubblico (Rathaus) in Siena und arbeitete anschließend an den Fresken in der Kapelle von San Martino in Assisi. Sein Ruhm wuchs schnell und 1317, kurz nach seinem dreißigsten Geburtstag, wurde er an den Hof der Anjou in Neapel eingeladen, wo er ein jährliches Stipendium erhielt und zum Ritter geschlagen wurde. Dies geht aus einer Gehaltsabrechnung vom 23. Juli 1317 hervor, in der er als Ritter und nicht als Maler bezeichnet wird. In den späten ersten und frühen zweiten Jahrzehnten des 14. Jahrhunderts schuf er eine Reihe von Tafelbildern, von denen jedoch nur zwei datiert werden können. Das wichtigste ist das signierte Gemälde für die Kirche der Heiligen Katharina von Alexandria in Pisa aus dem Jahr 1319, das andere ist das heute in Orvieto befindliche Altarbild von 1320. Aus diesen Jahren sind keine weiteren Werke erhalten, so dass es mangels Quellen nicht möglich ist, zu bestimmen, welche der zahlreichen Werke von ihm selbst und welche von seinen Assistenten angefertigt wurden. Im zweiten Jahrzehnt des 14. Jahrhunderts hatte er bereits eine Reihe von Anhängern, die in seiner Werkstatt arbeiteten. Nur sein Bruder Donato und seine späteren Schwager Lippo und Federico Memmi sind namentlich bekannt. In den 1320er Jahren erhielt er in Siena zahlreiche Aufträge, wie aus den erhaltenen Dokumenten hervorgeht, die sich im Allgemeinen auf die an den Künstler gezahlten Summen beziehen. Im Jahr 1321 musste er einen Teil der Maestà neu ausmalen, und in den Jahren 1322 und 1323 erhielt er mehrere Aufträge zur Dekoration des Palazzo Pubblico. Diese Werke sind vernichtet worden, und es ist nicht möglich, anhand von Dokumenten festzustellen, um welche Aufträge es sich handelte. Im Jahr 1324 heiratete er die Tochter von Memmo di Filippuccio, Giovanna. Der Maler war inzwischen ein wohlhabender Mann, der kurz vor seiner Hochzeit ein Haus kaufte und seiner Frau 240 Goldmünzen zur Hochzeit schenkte. Durch die Einheirat in die Familie Memmo kamen er und Lippo Memmo sich noch näher, eine Beziehung, die für den Rest seines Lebens andauerte. Das Altarbild des seligen Augustus von Tarano in der Kirche des heiligen Augustinus in Siena und die Tafel des heiligen Lazarus, des ungarischen Königs, die für die private Verehrung bestimmt war, wurden wahrscheinlich in den 1320er Jahren gemalt. Im Jahr 1326 malte er eine Tafel für den Palazzo del Capitano del Popolo. Es handelte sich um ein bedeutendes Werk, wie aus der beträchtlichen Summe hervorgeht, die dem Künstler dafür gezahlt wurde, aber weitere Informationen sind nicht verfügbar. Im folgenden Jahr malte er zwei Fahnen, die von der Republik Siena dem Prinzen Karl von Kalabrien, dem Sohn von König Robert von Neapel, geschenkt wurden. Im Jahr 1329 oder 1330 malte er zwei Engel für den Palazzo Pubblico und malte dort das Porträt von Marco Regoli, der später wegen Hochverrats hingerichtet wurde. Auch diese Fresken sind nur aus den Quellen bekannt. Martinis bekanntestes Werk, das Porträt von Guidoriccio da Folignano, wurde ebenfalls 1330 gemalt. Im Jahr 1333 malte er sein Werk für die Kathedrale von Siena mit dem Titel Der Engelsgruß, sein letztes bekanntes Werk, bevor er nach Avignon ging. Die sienesische Kunst verbreitete sich auch durch Miniaturen. Ein wunderschön illustriertes Messbuch in der Vatikanischen Bibliothek wird ihm zugeschrieben, ebenso wie die große Miniatur aus Aquarell und verdünnter Tempera, die er für einen Kodex aus dem Besitz von Petrarca malte (heute in der Biblioteca Ambrosiana in Mailand). Von seinen Werken während seines Aufenthalts in Avignon sind nur einige Fragmente von Fresken in der Kirche Notre-Dame-des-Doms, eine Darstellung der Heiligen Familie in der Walker Art Gallery in Liverpool (1342) und Teile eines mehrteiligen Altarbildes in Antwerpen, Paris und Berlin erhalten. Simone Martini starb im Sommer 1344 in Avignon. Da er keine eigenen Kinder hatte, teilte er seinen Besitz (zwei Häuser, Weinberge und eine beträchtliche Geldsumme) testamentarisch zwischen seiner Frau, seinen beiden Nichten Francesca und Giovanna und den Kindern seines Bruders Donato auf. Seine Frau kehrte wahrscheinlich 1347 nach Siena zurück, um der Pest zu entgehen.

Simone Martini war ein Anhänger von Duccio di Buoninsegna und lernte seine Kunst als Maler wahrscheinlich in dessen Umfeld. Er kannte auch die Neuerungen Giottos, verzichtete aber bewusst darauf, sie zu verwenden. Er stand der französischen Gotik nahe, deren elegante Linien in seinen Werken zu erkennen sind. Ihm ist es zu verdanken, dass die sienesische Schule für kurze Zeit ein größeres Ansehen genoss als die florentinische. Er arbeitete in Assisi, Neapel, Rom und im Papstpalast in Avignon. Außerhalb der offiziellen Aufträge der Republik arbeitete er wenig in Siena und viel mehr für die Anjou von Neapel. Durch seine Arbeit in Avignon verbreiteten sich die Merkmale der sienesischen Malerei mit ihrer byzantinischen Komposition und Farbgebung und ihren westgotischen Linien zunächst in Frankreich und später in anderen Teilen Europas. Dieser Stil kann als ein direkter Vorläufer der internationalen Gotik angesehen werden. Neben seinen Fresken schuf er auch zahlreiche Tafelbilder, und diese leicht zu transportierenden Holztafeln trugen wesentlich dazu bei, seinen Ruf über weite Gebiete zu verbreiten und später den sienesischen Stil in ganz Europa populär zu machen. Er verwendete häufig Goldhintergründe, die von den neuen Errungenschaften der räumlichen Darstellung nicht betroffen waren. In vielen Fällen benutzte er ein Metallwerkzeug mit eingraviertem Ende, um florale und andere dekorative Motive auf den Goldgrund zu drucken, die den Rahmen, die Glorie oder den Saum der Gewänder markieren. In den Werken von Simone Martini wird die individualistische Darstellung seiner Porträts in der mittelalterlichen Malerei erstmals deutlich. Beispiele hierfür sind das Profilporträt von König Robert von Neapel oder die Figur des Kardinals Gentile da Montefiore in der Martinskapelle.

Simone Martini schuf seine frühen Werke wahrscheinlich in Siena im frühen 14. Sein frühestes bekanntes Werk ist die Madonna mit Kind in der Gemäldegalerie von Siena (Nr. 583), die den Mittelpunkt eines mehrteiligen Gemäldes bildete, wie die Bohrungen im Rahmen zeigen. Die Madonna ist dem Betrachter zugewandt, ihre Haltung ist aufrecht und ihr Mantel bedeckt ihren Körper fest. Diese Merkmale sind der Kunst von Duccio zuzuschreiben, aber das Gemälde zeigt auch die Innovationen von Martini, wie die charakteristische Form des Tuchs, das den Kopf der Madonna bedeckt, die Lichter und Schatten auf den Kleidern der Figuren, die Bewegung des Kindes, wenn es sich dem (nun verlorenen) Heiligen zu seiner Rechten zuwendet, ihr lockiges Haar und ihre perfekt geformten Ohren. Ein weiteres seiner frühen Werke wurde in der Kirche San Lorenzo in Ponte in San Gimignano entdeckt, und Untersuchungen legen nahe, dass es zwischen 1311 und 1314 gemalt wurde. Es handelt sich um ein Bild der Madonna, aber nur das Gesicht der Figur kann als Werk von Simone Martini angesehen werden, da Cenni di Francesco 1413 fast das gesamte Fresko übermalte. Trotz des äußerst schlechten Zustands des Freskos erinnern die Darstellung des Gesichts der Madonna durch die Lichter und die verbliebenen Falten des Mantels an die Madonna der Sieneser Gemäldegalerie. In Siena befindet sich auch sein Gemälde der Madonna der Barmherzigkeit, das möglicherweise in der gleichen Zeit entstanden ist. Auch in diesem Gemälde sind stilistische Merkmale Duccios erkennbar, vor allem in der Anordnung der Figuren unter dem Mantel Marias, während die Innovation Martinis in der räumlichen Trennung der Figuren, der bewegten Gestalt Marias und den Falten ihres Mantels besteht.

Die Maestà

Sein erster großer Auftrag war in seiner Heimatstadt. Der Bau des Palazzo Pubblico wurde zu Beginn des 14. Jahrhunderts abgeschlossen, und er malte 1315 die Madonna, die Beschützerin der Stadt, im Ratssaal des Gebäudes in Begleitung von Heiligen und Engeln, nur vier Jahre nachdem Duccio das Altarbild in der Kathedrale vollendet hatte. Daraus folgt, dass Simone Martini zu diesem Zeitpunkt bereits ein berühmter Meister war, denn sonst wäre nicht Simone Martini, sondern Duccio mit der Schaffung eines solch bedeutenden Werks beauftragt worden. Hier ist die Madonna nicht mehr eine halb-byzantinische Figur, sondern trägt eine Krone wie die französischen Madonnen. In ihrem Schoß hält das Jesuskind in der einen Hand einen Segen und in der anderen eine Schriftrolle. Petrus, Paulus, Johannes der Täufer und Johannes der Evangelist halten einen großen bunten Baldachin hoch, dessen Vorhang dem Betrachter zugewandt ist, so dass die Innenseite zu sehen ist. Das farbige Stoffvordach wird von dünnen Säulen getragen. Der Thronsessel ist im gotischen Stil gehalten und erinnert an dreiteilige Altarbilder aus dem 14. Jahrhundert, was darauf hindeutet, dass sich der Künstler von Anfang an zur französischen Gotik hingezogen fühlte, noch bevor er sie am päpstlichen Hof in Avignon näher kennen lernte. Die Gesichtszüge der Heiligen, die die Madonna umgeben, sind nicht sehr einzigartig, sie sind nicht sehr ausdrucksstark, und ihre Mimik ist sanft und ohne Gewalt. Der Maler hat die Figuren in Ebenen hintereinander gestellt, um den Eindruck von Räumlichkeit zu vermitteln. Links vom verzierten Thron stehen die heilige Katharina von Alexandrien, Johannes der Evangelist, Maria Magdalena, der Erzengel Gabriel und der heilige Paulus, rechts die heilige Barbara, Johannes der Täufer, die heilige Agnes, der Erzengel Michael und der heilige Petrus. In der unteren Reihe knien die vier Schutzheiligen von Siena in Begleitung von zwei Engeln, die der Madonna Rosen und Lilien anbieten. Das große Fresko wird von einer breiten dekorativen Bordüre umrahmt, in der sich Prophetenbüsten und florale Motive abwechseln, und zeigt außerdem das Wappen der Stadt Siena in kleinen Medaillons. In den vier Ecken des Rahmens sind die vier Evangelisten mit ihren Symbolen abgebildet. Sinmone verwendete neben den traditionellen Farben auch andere Materialien, und an einigen Stellen des Freskos ritzte er in die Wand oder schuf erhabene Flächen, um den gewünschten Effekt zu erzielen. Die Schriftrolle, die Jesus in der Hand hält, ist aus echtem Papier und der Text darauf aus echter Tinte. Er orientierte sich auch stark an der Silberschmiedekunst von Siena, ein Motiv, das vor allem in der Gestaltung des Thronsessels deutlich wird. Bei den knienden Figuren verläuft eine Linie vom Boden aus, etwa vier Meter über dem Boden, wo sich die Farben leicht verändern. Es ist wahrscheinlich, dass er sich zwischen den beiden Teilen in Assisi aufhielt, wo er in der Kapelle des heiligen Martin die Oberflächen vermaß und Zeichnungen anfertigte. Sechs Jahre nach der Fertigstellung hat er die Maestà teilweise neu gestrichen, weil Teile davon durch eindringendes Regenwasser beschädigt worden waren. Es ist möglich, dass die Figuren von Maria, dem Jesuskind und den beiden Engeln, die Blumen halten, das Ergebnis dieser Übermalung sind.

Die Kapelle des Heiligen Martin

In Assisi hat Simone Martini eine Reihe von Fresken in der Kapelle des Heiligen Martin, einer der Unterkirchen der Basilika des Heiligen Franziskus, geschaffen. Die Kapelle wurde 1312 von Kardinal Gentile da Montefiore eingeweiht, der dem Franziskanerorden in seinem Testament eine beträchtliche Summe von sechshundert Goldmünzen zur Deckung der Kosten für die Ausschmückung der Kapelle vermachte. Auch dieser Freskenzyklus ist mit dem neapolitanischen Hof verbunden, da König Robert als Testamentsvollstrecker des Stifters, des Kardinals Montefiore, der als Legat von Ungarn bekannt ist, an seiner Verwirklichung beteiligt war. Die Datierung der Wandmalereien in der Martinskapelle ist umstritten, nicht zuletzt wegen ihrer künstlerischen Qualität, da nur wenige signierte und datierte Werke aus Martinis Reifezeit erhalten sind. Das wahrscheinlichste Datum für die Wandmalereien ist die erste Hälfte der 1320er Jahre, während einige Gelehrte glauben, dass sie einige Jahre früher, im Jahr 1317, entstanden sind. Auf einer erhöhten halbkreisförmigen Fläche an der Eingangswand der Kapelle hat der Künstler die populärsten Heiligen der damaligen Zeit dargestellt (Franz von Assisi, Antonius von Padua, Maria Magdalena, Katharina von Alexandrien, Ludwig von Frankreich, Ludwig von Toulouse, Klara von Assisi und Elisabeth aus dem Hause Árpád). Als Martini den Freskenzyklus für die Kapelle entwarf, waren diese Heiligendarstellungen wahrscheinlich nicht in den ursprünglichen Plänen enthalten, sondern wurden wahrscheinlich 1317 zu Ehren des Heiligen Ludwig von Toulouse, dem Jahr seiner Heiligsprechung, angefertigt. Der Freskenzyklus stellt das Leben des Heiligen Martin dar, der im 4. Jahrhundert in Pannonien geboren wurde, Soldat wurde und später sein Leben ganz der Religion widmete. Bei der Auswahl der darzustellenden Szenen aus dem Leben des Heiligen suchte der Maler eine ideologische Parallele zu den Fresken über das Leben des Heiligen Franziskus in der darüber liegenden Basilika. Die Fresken "Der Heilige Martin teilt seinen Mantel mit einem Bettler" und "Bis zum Begräbnis des Heiligen" zeigen das Leben des Heiligen Martin in zehn Szenen mit Wundern und anderen bedeutenden Taten. Ihre Atmosphäre spiegelt das Leben an den mittelalterlichen Höfen wider. Die zehn Szenen aus dem Leben des Heiligen Martin sind durch ornamental verzierte Rahmen voneinander getrennt. Ursprünglich waren sie beschriftet, aber diese Inschriften sind inzwischen völlig verblasst und unleserlich geworden. Neben den Fresken sind auch die Glasfenster der Kapelle bedeutende Kunstwerke, die wahrscheinlich auf Zeichnungen von Simone Martini beruhen, bevor die Kapelle bemalt wurde. Die Glasfenster wurden immer vor der Ausmalung der Kapellen angefertigt, da das farbige Glas die Lichtverhältnisse im Innenraum und damit die Wirkung der Gemälde erheblich veränderte. Im Rundbogen über dem Eingang malte er die Szene der "Weihe der Kapelle". Auf dem Gemälde kniet Kardinal Gentile vor dem heiligen Martin, der ihm hilft, sich vom Boden zu erheben. Die Szene spielt sich unter einem Ziborium im gotischen Stil mit Rundbögen und drei Armen auf jeder Seite ab. Simones realistische Darstellung des Kardinals ist eines der eindrucksvollsten Beispiele für Realismus

Der Freskenzyklus St. Martin

In den ersten vier der zehn Szenen wird der Heilige als weltliche Person dargestellt.

Heilige Bilder im Querschiff der Basilika des Heiligen Franziskus

In der Unterkirche der Basilika San Francesco, im rechten Querschiff, an der Außenwand der Nikolauskapelle, malte Simone Martini ein breites Band mit sieben Heiligen und einer Madonna mit Kind. Die Fresken könnten um 1318 gemalt worden sein, aber einige Forscher halten es für möglich, dass sie ein Jahrzehnt später entstanden sind. Das gesamte Band ist von einem verschnörkelten Rahmen umgeben, die Figuren sind durch dünne Säulen voneinander getrennt, die Linien sind harmonisch und die verwendeten Farben leuchtend. Die Figuren sind, von links nach rechts, der Heilige Franziskus, der Heilige Ludwig von Toulouse, die Heilige Elisabeth von Ungarn, die Heilige Margarete, Prinz Imre, der Heilige Stephanus, die Muttergottes mit dem Kind und der Heilige Lazarus.

König Robert von Neapel, ein Freund Petrarcas, kam an die Macht, nachdem sein Bruder Ludwig auf die Krone verzichtete. Ludwig trat in den Franziskanerorden ein, wurde später Bischof von Toulouse und wurde nach seinem Tod heiliggesprochen. König Robert wollte seinem Bruder ein Denkmal setzen und beauftragte 1317 (zeitgleich mit seiner Heiligsprechung) einen Künstler, sein Porträt zu malen. Die Tafel wurde ursprünglich in einer Kapelle der Kirche San Lorenzo Maggiore in Neapel gemalt und ist noch heute in der Gemäldegalerie Capodimonte in Neapel ausgestellt. Die Tafel war in einen breiten, mit Lilien, dem Symbol des Hauses Anjou, verzierten Rahmen eingefasst. Der heilige Ludwig ist in der Mitte der Komposition auf einem Thron sitzend in einer starren Frontalansicht dargestellt. Der Fürst trägt ein prächtiges hochpriesterliches Gewand über seinem Franziskanerhabit und auf dem Kopf eine mit Edelsteinen und Perlen verzierte Bischofsmitra. In der rechten Hand hält er einen Hirtenstab, in der linken Hand eine Königskrone, die er über das Haupt seines Bruders hält. Der Heilige wird von zwei Engeln gekrönt, wodurch die irdische und die himmlische Krönung Ludwigs miteinander verbunden werden. Das Gemälde spiegelt die königliche Würde der Figuren wider, mit dem anatolischen Teppich, der echten Glasscheibe, die die Gewänder zusammenhält, und den Darstellungen des Schmucks und der prunkvollen Kleider der Figuren. Robert von Anjou wollte die Legitimität seiner Herrschaft betonen, um sich vor dem Vorwurf der Thronanmaßung zu schützen, und um die Tatsache zu unterstreichen, dass der Maler wahrscheinlich ein lebensechtes Porträt des Königs gemalt hat. Die Figur des heiligen Ludwig erscheint immateriell, in die Ferne blickend, scheinbar bereits der göttlichen Sphäre zugehörig, während sein Bruder im Gegensatz zu ihm Teil der irdischen Realität ist

Szenen aus dem Leben des Heiligen Ludwig von Toulouse

Am unteren Rand der Tafel ist die Geschichte des Heiligen Ludwig von Toulouse in fünf Szenen dargestellt. Auf dem ersten Bild akzeptiert der Heilige Ludwig die Weihe zum Bischof von Toulouse. Aus politischen Gründen geschah dies im Dezember 1296 heimlich in Rom in Anwesenheit von Papst Bonifatius VIII. und König Karl II. von Neapel (Ludwigs Vater), der mehr Einfluss in einem Gebiet gewinnen wollte, das für König Philipp IV. von Frankreich von großer Bedeutung war. Ludwig wollte sich nicht auf politische Spiele einlassen und war nur dann bereit, als Bischof zu dienen, wenn er in den Franziskanerorden eintreten konnte. Auf dem zweiten Bild legt Ludwig am 5. Februar 1297 auf der Grundlage eines geheimen Paktes mit dem Papst das Gelübde ab und wird Mitglied des Franziskanerordens, auf dem dritten Bild verteilt er heilige Speisen an Bedürftige, auf dem vierten sein Begräbnis, eine würdige Handlung für einen Hohepriester, und auf dem fünften eine seiner Wundertaten, bei der er ein kurz zuvor verstorbenes Kind wieder auferstehen lässt.

Nachforschungen deuten darauf hin, dass das Polyptychon der Heiligen Katharina (ein mehrtafeliges Gemälde) vollständig von Simone Martini geschaffen wurde. Einige Forscher vermuten, dass die Märtyrerfiguren des hl. Dominikus und des hl. Petrus von seinen Assistenten angefertigt wurden, was jedoch unwahrscheinlich ist, da die Beteiligung der Assistenten erst später in seinem Werk hervorgehoben wurde. In den Annalen des Klosters Santa Caterina in Pisa findet sich ein Hinweis darauf, dass der Auftrag 1319 von einem gewissen Petrus Converus erteilt wurde und das Werk für den Hauptaltar des Klosters bestimmt war. Es wird noch heute im Museum San Matteo in Pisa ausgestellt und gilt als das wichtigste signierte Gemälde des Künstlers. Das Altarbild besteht aus sieben Teilen, die jeweils in drei Abschnitte unterteilt sind. Das Altarbild zeigt insgesamt dreiundvierzig Figuren von Aposteln, Märtyrern, Bischöfen und Propheten. Im Laufe der Jahrhunderte wurden die Teile der Tafel in unterschiedlicher Reihenfolge nebeneinander angeordnet. Die Dreiecke oben zeigen derzeit den Erlöser in der Mitte, König David mit der Harfe und Mose mit den Tafeln an den Seiten sowie die Propheten Jeremia, Jesaja und Hesekiel. In der zweiten Reihe sind auf jeder der sieben Tafeln zwei Figuren zu sehen. In der Mitte stehen die Erzengel Michael und Gabriel mit den Aposteln und dem Evangelisten Matthäus. Ihre Namen erscheinen auf dem goldenen Hintergrund, jeder hält ein Exemplar des Evangeliums. Von links nach rechts: Thaddäus, Simon, Philippus, Jakobus der Jüngere, Andreas, Petrus, Paulus, Jakobus der Ältere, Matthäus der Evangelist, Bartholomäus, Thomas und Matthäus der Apostel. In der mittleren Reihe befinden sich die großen Figuren der Maria Magdalena, des heiligen Dominikus, des heiligen Johannes des Evangelisten, der Muttergottes mit Kind, des heiligen Johannes des Täufers, des heiligen Petrus des Märtyrers und der heiligen Katharina von Alexandrien. Über der Madonna im Rahmen steht die Signatur des Künstlers "Symon de Senis me pinxit". Die untere Reihe, die Reihenfolge der Predella-Teile, ist weniger problematisch. In der Mitte steht Christus mit der Jungfrau Maria und dem Heiligen Markus. Die anderen Figuren sind, von links nach rechts, der Heilige Stephanus, die Heilige Apollonia, der Heilige Hieronymus, der Heilige Luca, der Heilige Gregor, der Heilige Lukas, der Heilige Thomas von Aquin, der Heilige Augustinus von Hippo, die Heilige Agnes, der Heilige Ambrosius, die Heilige Orsolya und der Heilige Laurentius. Die Tatsache, dass das Tafelbild in so viele Teile unterteilt ist, hat dem Künstler die Möglichkeit gegeben, neben den traditionell in dieser Art von Werken dargestellten Figuren auch andere Figuren darzustellen, wie den heiligen Hieronymus und den heiligen Gregor, die mit dem Orden des auftraggebenden Dominikaners verbunden waren. Hinzu kommen die jüngsten Heiligsprechungen des heiligen Domonkos, des Gründers des Domonkos-Ordens, und des heiligen Petrus des Märtyrers. Eine Besonderheit der Tafel ist die Darstellung des heiligen Thomas von Aquin in seiner Glorie, obwohl seine Heiligsprechung erst 1323 stattfand.

Es ist sehr schwierig, die Werke des Künstlers aus den frühen 1320er Jahren zu datieren, und bei vielen von ihnen ist es nicht einmal möglich, mit Sicherheit festzustellen, wer sie geschaffen hat. Das liegt daran, dass die Assistenten, die eng mit dem Meister zusammenarbeiteten, in seiner Werkstatt in großer Zahl arbeiteten, oft die Pinsel der anderen benutzten und manchmal sogar Werke signierten, die jemand anderes angefertigt hatte. Das Polyptychon von Orvieto ist ein typisches Beispiel für dieses Phänomen. Das Entstehungsdatum ist noch nicht geklärt, aber es stammt aus den 1320er Jahren und wurde für die Kirche St. Dominikus angefertigt. Derzeit ist es in der Opera del Duomo in Orvieto ausgestellt. Sie wurde vom Bischof von Sovana, Trasmundo Monaldeschi, in Auftrag gegeben, der dafür hundert Goldstücke bezahlte. Die Tafel bestand ursprünglich aus sieben Teilen, von denen die beiden äußeren heute verloren sind. In der Mitte befindet sich die Madonna mit dem Kind, mit dem Heiligen Petrus, der Heiligen Maria Magdalena, dem Heiligen Dominikus und dem Heiligen Paulus. Charakteristisch für die Tafel ist, dass der heilige Paulus nach links und die anderen Figuren nach rechts blicken. Das Polyptychon, das sich derzeit im Isabella Steward Gardner Museum in Boston befindet, ist möglicherweise zeitgleich mit dem vorhergehenden oder nur wenig später entstanden. Das Altarbild wurde ursprünglich für die Kirche Santa Maria dei Servi in Orvieto gemalt und besteht aus fünf Teilen. Auch hier ist in der Mitte eine Madonna mit Kind abgebildet, flankiert von den Heiligen Paulus, Luca, Katharina von Alexandria und Johannes dem Täufer. In den dreieckigen Bereichen über den Hauptfiguren erscheinen in der Mitte Engel neben Christus, der seine Wunden zeigt, und halten in ihren rechten Händen die Symbole der Passion (Säule, Peitsche, Dornenkrone, Kreuz und Speer). Stilistisch ist diese Tafel dem Gemälde für das Kloster Santa Caterina in Pisa näher als dem Polyptychon aus Orvieto. Die Figuren haben elegante Linien, ihre Hände sind sorgfältig gearbeitet. Die Gelehrten gehen heute davon aus, dass die Tafel mit Ausnahme der Figur des Heiligen Paulus vollständig von Simone Martini stammt. Eine Gruppe von Werken aus den 1320er Jahren lässt sich kaum datieren, da keine schriftlichen Unterlagen erhalten sind. Zu dieser Gruppe gehören eine Tafel der Madonna mit Kind und Engeln in der Opera del Duomo in Orvieto, eine weitere dieses Gemäldes, ein Märtyrer in Ottawa, eine Tafel des Heiligen Luca und der Heiligen Katharina in Settignano und zwei Madonnen in der Gemäldegalerie von Siena. Einige Forscher halten auch das Kruzifix in der Kirche der Misericordia in San Casciano in Val di Pesa für ein Werk von Simone Martini aus der Zeit um 1321, aber auch dafür gibt es keine schriftlichen Belege.

Nachdem er mehrere Jahre in Assisi, Orvieto und auch in Pisa gearbeitet hatte, kehrte er 1324 nach Siena zurück, heiratete und blieb wahrscheinlich viele Jahre in der Stadt. Zu diesem Zeitpunkt war er bereits ein weithin bekannter Künstler. Er malte eine Reihe von Fresken für das Rathaus von Siena, aber diese Werke sind nicht erhalten geblieben, und wir wissen nur aus Quellen, die uns über die an den Künstler gezahlten Summen informieren. In seiner zweiten Periode in Siena malte er das Altarbild des Seligen Augustinus in der Kirche des Heiligen Augustinus in Tarano, das berühmte Porträt von Guidoriccio da Folignano und den Engelsgruß, der sich heute in den Uffizien befindet.

Das Altarbild des heiligen Augustinus in Tarano

Augustus war eine beliebte Figur seiner Zeit. Er studierte Rechtswissenschaften an der Universität von Bologna und trat dann in den Orden des Heiligen Augustinus ein, wo er General des Ordens wurde. Auf dem Höhepunkt seiner Karriere beschloss er, sich in die Einsiedelei von San Leonardo al Lago, unweit von Siena, zurückzuziehen. Das Altarbild besteht aus fünf Tafeln, auf denen er und vier seiner Wunder dargestellt sind. Die Tafel hing ursprünglich an der Wand in der Kirche St. Augustinus, über dem Sarg des seligen Augustinus. Zusammen mit dem ihm gewidmeten Altar bildeten der Sarg und die Tafel ein markantes Gedenkensemble. Die Tafel konnte nur annähernd datiert werden, wurde aber wahrscheinlich bereits 1324 fertiggestellt, als die Stadt ein großes und kostspieliges Fest zu Ehren von Augustus veranstaltete. In der Mitte der Tafel ist ein junger Augustus zu sehen, der ein Buch hält (die Statuten des Augustinerordens). Der Maler hat ihn in voller Pracht gemalt, obwohl er nicht heiliggesprochen wurde. Die Bäume neben ihm und die älteren Einsiedler in den Medaillons über ihm sind ein Hinweis auf das zurückgezogene Einsiedlerleben, das er in San Leonardo al Lago führte. Bei den vier Wundern geht es um seine Hilfe für Menschen (in drei Fällen Kinder), die einen Unfall erlitten hatten. Das Wunder des Wolfs, der das Kind angreift, zeigt die Stadt Siena, das Wunder des Kindes, das vom Balkon fällt, zeigt eine Straße in der Stadt, das Wunder des Kindes, das aus der Wiege fällt, zeigt das Innere eines Hauses, und das Wunder des Ritters, der in eine Schlucht fällt, zeigt die Umgebung von Siena im Hintergrund.

Die Gedenktafel des Heiligen László

Die Plakette von Altomonte San Lazio (Altomonte, Museo della Consolazione) wurde für Filippo di Sangineto, einen einflussreichen neapolitanischen Höfling, angefertigt, als er sich auf Befehl des Kaisers für längere Zeit in Siena aufhielt. Die kleine Tafel bestand wahrscheinlich aus zwei Teilen, von denen der erhaltene Teil den heiligen König Lazio von Ungarn darstellt. Die Wahl des Sujets drückt die engen Beziehungen aus, die den Auftraggeber mit dem ungarischen Zweig des Hauses Anjou verbanden. Der Heilige steht vor einem verzierten Goldhintergrund und hält eine Streitaxt in der Hand. Die für die Tafel verwendeten Farben sind leuchtend, und die Form des Umhangs des Heiligen vermittelt den Eindruck von Räumlichkeit.

Guidoriccio da Folignano

Martini soll im Jahr 1330 ein Porträt des Generals Guidoriccio da Folignano im Ratssaal des Palazzo Pubblico gemalt haben, dem Jahr, in dem er den Aufstand der Städte Montemassi und Sassoforte niederschlug, die sich gegen die Herrschaft der Republik Siena auflehnten. Bei der jüngsten Restaurierung wurde festgestellt, dass das Fresko von rechts oben gemalt wurde und nicht, wie üblich, von links oben. Das Wandgemälde wurde sehr schnell in sieben oder acht Tagen fertiggestellt, wobei das Gemälde des Generals und seines Pferdes nur einen Tag in Anspruch nahm. Die beiden kleinen Dörfer sind auf einer Hügelkuppe dargestellt, mit dem Lager der sienesischen Armee zu ihren Füßen und dem General zu Pferd in der Mitte. Hinter ihm befindet sich ein einfach gemalter Hintergrund mit einem dunkelblauen Himmel. Der Maler scheint der Darstellung von Lagern, Insignien, Fahnen, Waffen und Rüstungen große Aufmerksamkeit geschenkt zu haben. Das Wandgemälde ist einer der Höhepunkte der sienesischen Freskenkunst, da es Monumentalität und Dekorativität sowie die Initiativen des realistischen Porträts und die Anfänge der realistischen Landschaftsmalerei in der abstrakten, wegweisenden Vision vereint. Im Jahr 1980 wurde unter dem Gemälde ein weiteres Fresko von großem künstlerischen Wert entdeckt, das wahrscheinlich aus der Zeit nach 1330 stammt und sowohl das Datum als auch den Autor des Porträts von Guidoricco in Frage stellen könnte. Die Forscher können noch nicht mit Sicherheit sagen, ob es sich um das Werk von Simone Martini handelt. Bei der letzten Restaurierung wurde festgestellt, dass die gesamte linke Seite des Gemäldes, einschließlich der Darstellung des Schlosses von Montemassi, im 15. oder 16. Jahrhundert übermalt wurde. Die Untersuchungen ergaben auch, dass sich auf der rechten Seite des Gemäldes vier Putzschichten überlagern. Dies deutet darauf hin, dass sich unter der auf dem Gemälde dargestellten Landschaft Reste eines älteren Gemäldes befinden könnten, doch um dies festzustellen, müsste ein Teil des aktuellen Gemäldes entfernt werden. Somit bleiben Datum und Autor des Gemäldes ungewiss.

Grüße von einem Engel

Der Gruß eines Engels ist eines der beliebtesten Werke von Simone Martini und zugleich eines der gotischsten. Es wurde 1333 für den Altar des Heiligen Ansanus in der Kathedrale von Siena gemalt und ist derzeit in den Uffizien in Florenz zu sehen. Der Rahmen besteht aus einer reich verzierten gotischen Architektur, die mit gebrochenen Bögen gegliedert ist. Auf dem Haupttriptychon (Gemälde mit drei Tafeln) zieht sich die verhüllte Madonna zusammen, als sie die Botschaft des Engels vernimmt. Ihre Gesichtszüge sind angespannt, als wäre sie durch den Engel aus dem Schlaf geweckt worden. Der Künstler hat bei der Darstellung des Engels besondere Sorgfalt walten lassen. Er hält einen Palmzweig in der Hand, und die Falten seines speziellen karierten Gewandes lassen sein stürmisches Aussehen erahnen. Seine Flügel sind mit der akribischen Sorgfalt eines Miniaturmalers ausgearbeitet. Die Rückenlehne des Stuhls ist mit einem roten Leichentuch bedeckt, das mit zarten, goldenen Blumenmotiven verziert ist. Neben den Figuren tragen präzise wiedergegebene Details, der verzierte Rand des Messbuchs, der Marmorboden und die Vase mit den Lilien zur Eleganz des Bildes bei. Die Medaillons am oberen Rand der Tafel zeigen von links nach rechts die Propheten Jeremia, Hesekiel, Jesaja und Daniel, deren Namen auf den Schriftrollen stehen, die sie in ihren Händen halten. Die lebendige und subtile Darstellung des Dialogs zwischen dem Engel und Maria macht die Mystik von Simone Martini auch heute noch lebendig und beliebt. Die beiden Heiligenfiguren zu beiden Seiten des Triptychons wurden wahrscheinlich von Lippo Memmi, dem Schwager des Künstlers, gemalt, denn sie unterscheiden sich deutlich von den zentralen Figuren und sind ebenfalls von Memmi signiert.

Simone Martini zog auf Einladung von Kardinal Jacopo Stefaneschi Anfang 1336 mit seiner Familie und einigen Assistenten nach Avignon und starb dort 1344. Während seiner acht Jahre in Avignon erhielt er zahlreiche Aufträge, doch die meisten seiner Werke wurden zerstört. Die Fresken Jesus mit den Engeln und Madonna mit Kind, die von Kardinal Stefaneschi für das Portal von Notre-Dame-des-Doms in Auftrag gegeben wurden, sind fragmentarische Synopsen. Der besondere Reiz dieser Synopsen liegt darin, dass sie einen Einblick in den Schaffensprozess, die Korrekturen und ikonografischen Veränderungen während der Arbeit geben. Hier verwendet er zum ersten Mal die Ikonographie der Madonna dell'Umiltà (Madonna der Demütigen), bei der Maria nicht auf einem Thron, sondern auf dem Boden sitzt. Nur eine Zeichnung aus dem 17. Jahrhundert bewahrt die Erinnerung an das Fresko des Heiligen Georg an der Fassade der Kirche, das zu Beginn des 19. Auch dieses Fresko wurde von Kardinal Jacopo Stefaneschi in Auftrag gegeben und war nicht nur eine Darstellung seines Schutzpatrons, sondern verkörperte auch eine kirchliche Idee. Hier erinnerte das Fresko daran, dass die christlichen Ritter ebenso die Pflicht hatten, die in Avignon gefangene Kirche zu befreien, wie der Heilige Georg die Prinzessin vor dem Drachen rettete. Er schmückte auch ein Buch für den Kardinal und malte die Figur der Jungfrau Maria, die ein Kind aus dem Fegefeuer entführt, an den Anfang eines Kodex mit Marienliedern, den der Erzpriester erworben hatte. Während seines Aufenthalts in Avignon schloss Simone Martini eine enge Freundschaft mit Petrarca und malte auch ein Porträt von Laura. Das Porträt, das der Dichter in zwei seiner Sonette erwähnt, ist verloren gegangen, aber die Miniatur auf dem Titelblatt, die er für einen Kodex aus dem Besitz von Petrarca gemalt hat und die sowohl vom Thema als auch von der Konzeption her humanistisch inspiriert ist, ist erhalten geblieben. Das Buch enthält die Werke von Virgil mit Kommentaren von Servius. Das Bild zeigt Servius, der einen Vorhang zurückzieht, um einem Ritter, einem Bauern und einem Hirten den Dichter zu zeigen. Die Miniatur ist in Aquarell und verdünnter Tempera gemalt, mit durchscheinenden Farbschichten und harmonischen, rhythmischen Linien, und ist von der französischen Gotik beeinflusst. Von seinen letzten Werken unterscheidet sich das Polyptychon der Passion (von dem Fragmente in Museen in ganz Europa verstreut sind) stilistisch so stark von seinen anderen Werken in Avignon, dass seine Datierung unsicher ist. Die Tafeln dieses kleinen Polyptychons, das für die private Andacht in Auftrag gegeben wurde, stellen das Leben Christi in eleganten Variationen von Duccios Kompositionen der Oktave von Maestà dar. Einige Gelehrte glauben, dass es vor seinem Umzug nach Avignon fertiggestellt und dann nach Frankreich gebracht wurde. Andere glauben, dass es sich um eines seiner letzten Werke handelt, das von Napoleone Orsini in Auftrag gegeben wurde, der 1342 in Avignon starb. Diese Theorie wird durch die Tatsache gestützt, dass im Hintergrund das Wappen der Familie Orsini zu sehen ist. Das letzte bekannte Werk von Simone Martini ist ein Gemälde der Heiligen Familie, signiert und datiert 1342 (Liverpool, Walker Art Gallery). Es handelt sich auch um ein kleines, für die private Andacht bestimmtes Bild, das im frühen

Quellen

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5. Arasse, p. 170.
6. a b c d e f g h i j k l m n o et p (it) Michela Becchis, « Martini, Simone in "Dizionario Biografico" », sur treccani.it, 2008 (consulté le 22 décembre 2020).
7. (it) Pierluigi Leone de Castris, Simone Martini, Milan, Federico Motta Editore, 2003.
8. ^ Pierluigi Leone de Castris, Simone Martini, Federico Motta Editore, Milano 2003.
9. ^ Simone Martini non ha più il senso concreto del reale come Giotto o la coscienza di una raggiunta perfezione come Duccio di Boninsegna, ma si solleva in un sopramondo ideale, in una dimensione a-spaziale e a-temporale, con una pittura che rivela un'aspirazione ad un'alta e irraggiungibile perfezione. In lui si possono così cogliere affinità con il pensiero e la poetica di Francesco Petrarca di cui fu amico.
10. ^ a b c d e f g h i j k l m n o p q r s t u v Datazione ricostruita su basi puramente stilistiche (assenza di datazione autografa o altra documentazione scritta).
11. ^ a b c d e f g h i j k datazione autografa o determinata da altra documentazione scritta.
12. https://www.kulturarv.dk/kid/VisKunstner.do?kunstnerId=2587