Zusammenfassung

Henri Matisse, geboren am 31. Dezember 1869 in Le Cateau-Cambrésis und gestorben am 3. November 1954 in Nizza, war ein französischer Maler, Zeichner, Grafiker und Bildhauer.

Jahrhunderts. Sein Einfluss auf die Kunst der zweiten Hälfte dieses Jahrhunderts war beträchtlich durch die Verwendung von Vereinfachung, Stilisierung, Synthese und der Farbe als einzigem Thema der Malerei, sowohl für die zahlreichen figurativen als auch abstrakten Maler, die sich auf ihn und seine Entdeckungen beriefen. Er war der Anführer des Fauvismus.

Jugend und Studium

Henri Matisse wird am 31. Dezember 1869 in Le Cateau-Cambrésis in Frankreich als Sohn eines Getreidehändlers geboren. Seine Mutter ist Hobbymalerin. Nach dem Deutsch-Französischen Krieg im Jahr 1871 zieht die Familie nach Bohain-en-Vermandois, wo Matisse seine Jugend verbringt.

Sein Berufsleben begann er als Notariatsangestellter bei Maître Derieux in Saint-Quentin. Als er 20 Jahre alt ist, muss er nach einem Blinddarmdurchbruch wochenlang im Bett bleiben. Dank seines Nachbarn und Freundes, des Hobbymalers Léon Bouvier, entdeckte Matisse die Freude am Malen. Seine Mutter schenkt ihm einen Farbkasten. Er malt seine ersten Werke, insbesondere ein Schweizer Chalet, ein Chromo, das in den damals erhältlichen Malkästen reproduziert wurde. Henri Matisse malt eine Kopie davon und signiert sie mit "Essitam".

Nach seiner Genesung meldete er sich für den Zeichenkurs der Quentin-de-La Tour-Schule an, die für Textilzeichner der örtlichen Industrie bestimmt war, und nahm gleichzeitig wieder am Studium teil.

Sein erstes Bild, Stillleben mit Büchern, malte er im Juni 1890.

Kurz darauf reist er nach Paris. Im Jahr 1892 trifft Matisse Albert Marquet an der École des Arts Déco. Dies ist der Beginn einer unverbrüchlichen Freundschaft zwischen den beiden Männern, die in der Folgezeit einen umfangreichen Briefwechsel führen. 1895 schrieb sich Matisse an der École des beaux-arts im Atelier von Gustave Moreau ein. Der Unterricht des Meisters ermutigte seine Schüler, über die technische Virtuosität hinaus über ihre Malerei nachzudenken und sie zu erträumen. Matisse, wie auch seine Mitschüler Georges Rouault, Léon Lehmann, Simon Bussy, Eugène Martel, Albert Huyot oder Henri Evenepoel, wurden durch diese Auffassung von Malerei angeregt und wollten ihre eigene Malerei entsprechend ihrer Individualität entwickeln. Gustave Moreau sagte bei einer Korrektur zu ihm: "Sie werden die Malerei vereinfachen".

Diese Prophezeiung kann als ästhetisches Programm für das Werk von Henri Matisse angesehen werden.

Beginn der Karriere

1896 stellte Matisse zum ersten Mal im Salon des Cent und im Salon der Société nationale des beaux-arts aus, wo er auf Vorschlag von Pierre Puvis de Chavannes assoziiertes Mitglied wurde. Diese Funktion ermöglicht es ihm unter anderem, ohne Jury auszustellen. Er verbrachte den Sommer auf Belle-Île-en-Mer und lernte den Australier John Peter Russell kennen, der ihn mit Auguste Rodin und Camille Pissarro bekannt machte. Er beginnt, sich für die impressionistische Malerei zu interessieren, die er 1897 im Musée du Luxembourg entdeckt. Zu diesem Zeitpunkt war er ein klassischer Maler von realistischen Stillleben mit weiten Texturen. Um ihren Lebensunterhalt zu verdienen, arbeiteten Matisse und Marquet tageweise als Dekorationsmaler für Bühnenbildner.

Die Geburt von Marguerite, Jean und Pierre

Am 31. August 1894 wird seine Tochter Marguerite geboren, deren Mutter, Caroline Joblaud, eines seiner Modelle ist. Am 8. Januar 1898 heiratet Matisse Amélie Parayre. Sie haben zwei Kinder, Jean 1899 und 1900, die beide in Toulouse geboren werden, wo die Matisses in der Nähe von Amélies Eltern leben. Das Ehepaar Matisse zieht die drei Kinder groß. Sie gehen auf Hochzeitsreise nach London, wo Matisse auf Empfehlung von Pissarro die Malerei von Joseph Mallord William Turner kennenlernt. Dann zieht Matisse nach Korsika. Er wohnt in einer Villa, deren oberste Etage er möbliert an einen gewissen De la Rocca vermietet hat. Henri Matisse malt in Ajaccio etwa fünfzig Bilder, darunter Le Mur rose, das die Rückseite des Hospizes Eugénie von der Villa de la Rocca aus gesehen darstellt. Matisse ließ sich damals von Turner inspirieren.

1899 lernte er Paul Signacs Abhandlung D'Eugène Delacroix au néo-impressionnisme kennen. Ab 1900 beschäftigte sich Matisse an der Académie de la Grande Chaumière unter der Leitung von Antoine Bourdelle mit Bildhauerei und Modellieren und besuchte auch das Atelier von Eugène Carrière. Dort lernte er André Derain und Jean Puy kennen. Derain stellt ihm Maurice de Vlaminck vor. Er stellte im Salon des indépendants (1901) aus und nahm an der ersten Ausgabe des Salon d'automne (1903) teil. 1902 wurde Berthe Weill seine erste Händlerin und 1904 widmete Ambroise Vollard ihm seine erste Einzelausstellung; in diesem Jahr bezog er ein Atelier in der Rue de Sèvres im ehemaligen Couvent des Oiseaux.

Im Jahr 1900 kaufte Matisse von Ambroise Vollard Paul Cézannes Les Trois Baigneuses, ein Gemälde, das heute im Petit Palais in Paris aufbewahrt wird. Matisse behielt das Gemälde immer bei sich und weigerte sich in schwierigen Zeiten sogar, es zu verkaufen, bevor er es 1936 dem Pariser Museum schenkte. Denn, so Matisse: "Cézanne ist unser aller Meister".

Fauvismus

Anfang 1905 nimmt Matisse am Salon des indépendants teil. Im Sommer 1905 hielt er sich zusammen mit Derain am Mittelmeer in Collioure auf. Er lernt den Bildhauer Maillol kennen. Im Herbstsalon 1905 löste die Hängung der Werke von Matisse, Albert Marquet, Vlaminck, Derain und Kees van Dongen einen Skandal aus, weil die reinen und heftigen Farben auf ihren Bildern flächig aufgetragen waren. Der Kritiker Louis Vauxcelles beschrieb in einem Artikel mit dem Titel "Le Salon d'automne", der am 17. Oktober 1905 in Gil Blas veröffentlicht wurde, die Ausstellung Saal für Saal, als er die Bilder in einem einzigen Raum sah. Er schreibt unter anderem: "Saal Nr. VII. Die Herren Henri Matisse, Marquet, Manguin, Camoin, Girieud, Derain, Ramon Pichot. Dieser Saal ist sehr übersichtlich, es handelt sich um die Küsser und Schmäher, deren Absichten man entschlüsseln muss, wobei man den Klugen und Dummen das Recht zum Lachen überlässt, eine allzu leichte Kritik. In der Mitte des Saals befinden sich der Torso eines Kindes und eine kleine Marmorbüste von Albert Marque, der mit zarter Wissenschaft modelliert. Die Schlichtheit dieser Büsten überrascht inmitten der Orgie der reinen Töne: Donatello bei den Wilden...".

Die Bezeichnung "Fauve" wird sofort von den Malern selbst übernommen und beansprucht. In dieser Zeit wurde auch Matisse' Arbeit anerkannt, was ihm endlich einen relativen materiellen Wohlstand bescherte; er wurde zum Anführer des Fauvismus.

Matisse erklärt dies folgendermaßen:

"Der Fauvismus schüttelt die Tyrannei des Divisionismus ab. Man kann nicht in einem zu gut gemachten Haushalt leben, einem Haushalt von Provinztanten. So geht man in den Busch, um sich einfachere Mittel zu schaffen, die den Geist nicht ersticken. Zu diesem Zeitpunkt gibt es auch den Einfluss von Gauguin und Van Gogh. Hier sind die Ideen von damals: Aufbau durch Farbflächen, Suche nach Intensität in der Farbe. Das Licht wird nicht unterdrückt, sondern durch eine Abstimmung der intensiv gefärbten Flächen zum Ausdruck gebracht. Mein Bild Die Musik war mit einem schönen Blau für den Himmel gemacht, dem blauesten aller Blautöne. Die Fläche war bis zur Sättigung gefärbt, d. h. bis zu dem Punkt, an dem das Blau, die Idee des absoluten Blau, vollständig erschien, das Grün der Bäume und das vibrierende Zinnoberrot der Körper. Mit diesen drei Farben hatte ich meine leuchtende Übereinstimmung und auch die Reinheit in der Tönung. Als besonderes Merkmal war die Farbe proportional zur Form. Die Form veränderte sich, je nachdem, wie die farbigen Nachbarn reagierten. Denn der Ausdruck kommt von der farbigen Oberfläche, die der Betrachter in ihrer Gesamtheit erfasst."

André Gide schreibt in "Promenade au salon d'Automne":

"Ich möchte zugeben, dass Herr Henri Matisse die schönsten natürlichen Begabungen hat. Die Gemälde, die er heute präsentiert, haben das Aussehen von Exposés von Theoremen. Alles lässt sich daraus ableiten und erklären, die Intuition hat nichts zu suchen."

... während auf den Wänden von Montparnasse zu lesen war: "Matisse macht verrückt, Matisse ist gefährlicher als Absinth". Im selben Jahr lernte er Edmond-Marie Poullain kennen und Signac kaufte ihm Luxe, Calme et Volupté ab. 1907 schreibt Guillaume Apollinaire in seinen Kritiken:

"Jedes Gemälde, jede Zeichnung von Henri Matisse besitzt eine Tugend, die man nicht immer identifizieren kann, die aber eine wahre Kraft ist. Und es ist die Stärke des Künstlers, ihr nicht entgegenzutreten, sondern sie wirken zu lassen. Wenn man das Werk von Henri Matisse mit etwas vergleichen wollte, müsste man die Orange wählen. Wie sie ist auch das Werk von Henri Matisse eine Frucht des strahlenden Lichts. Mit vollkommener Gutgläubigkeit und dem reinen Bestreben, sich selbst zu erkennen und zu verwirklichen, folgte dieser Maler immer wieder seinem Instinkt. Er überließ es ihm, zwischen den Emotionen zu wählen, die Fantasie zu beurteilen und einzuschränken und das Licht tief zu erforschen, nichts als das Licht. Seine Kunst wurde immer schlichter und trotz ihrer immer größeren Einfachheit immer prächtiger. Es ist nicht die Geschicklichkeit, die diese Kunst einfacher und das Werk lesbarer macht. Aber da die Schönheit des Lichts von Tag zu Tag mehr mit der Tugend des Instinkts verschmilzt, auf den sich der Künstler völlig verlässt, verschwindet alles, was dieser Vereinigung entgegenstand, so wie es Erinnerungen geschieht, die in den Nebeln der Vergangenheit zerfließen."

Am 18. September 1909 unterzeichnete Matisse seinen Vertrag mit der Galerie Josse et Gaston Bernheim, die ihn ausstellte. Dieser Vertrag sieht vor, dass Matisse 25% des Verkaufspreises der Gemälde erhält. Der Dreijahresvertrag wurde um siebzehn Jahre verlängert. Matisse sah sich nach seinen eigenen Worten dazu verurteilt, nur noch Meisterwerke zu schaffen".

Gertrude Stein

Matisse lernt die in Paris lebenden amerikanischen Sammler Leo und Gertrude Stein kennen, die ihm Femme au chapeau (San Francisco Museum of Modern Art) abkaufen, ein Porträt von Madame Matisse, das im "Cage aux fauves" ausgestellt war. In ihrem Haus lernte er 1907 Picasso kennen. Gertrude Stein bezeichnete die beiden Künstler als den "Nordpol" (Matisse) und den "Südpol" (Picasso) der modernen Kunst. Fernande Olivier erinnert sich, dass Matisse bei Abendessen in der Stadt gelehrt und professoral wirkte, indem er nur mit Ja oder Nein antwortete oder sich plötzlich in endlosen Theorien verstrickte. " Matisse, viel älter, ernst, hatte nie die Ideen von Picasso!" Dann trifft Matisse den Kritiker Louis Vauxcelles wieder, dem er erzählt, dass er in der Jury des Salons ein Bild von Georges Braque gesehen hatte, das "aus kleinen Würfeln gemacht" war und das Matisse auf den Namen "Kubismus" taufte.

1908 veröffentlicht Matisse Note d'un peintre. Im selben Jahr eröffnete Matisse, unter anderem mit der finanziellen Unterstützung von Sarah und Michael Stein, eine freie Akademie im Couvent des Oiseaux und später im Hôtel de Biron (wo Rodin sein Schauatelier hatte). Der Erfolg stellte sich sofort ein: Von den insgesamt 120 eingeschriebenen Schülern drängten sich die meisten aus dem Ausland, da es keine Franzosen gab, und hauptsächlich junge skandinavische Maler sowie Deutsche, die aus dem Kreis des Café du Dôme stammten. Der Maler Hans Purrmann wird zum "Grand Massier" ernannt. Die Matisse-Akademie wird 1911 geschlossen.

Matisse erinnert sich 1951 an seine Lehrtätigkeit: "Ich hatte die Angewohnheit, ab und zu abends vorbeizuschauen, um zu sehen, was sie machten. Ich merkte sehr schnell, dass ich mich zuerst meiner eigenen Arbeit widmen musste, dass ich Gefahr lief, zu viel Energie für diese Tätigkeit aufzuwenden. Nach jeder Kritik sah ich mich Lämmern gegenüber, die ich Woche für Woche immer wieder auf Trab bringen musste, um aus ihnen Löwen zu machen. Ich kam zu dem Schluss, dass ich ein Maler war und trat bald aus der Schule aus.

1909 gab der russische Kunstsammler Sergej Schtschukin bei ihm zwei Gemälde in Auftrag: Der Tanz und Die Musik. Diese beiden Gemälde, die als zwei Meisterwerke des Malers gelten, wurden 1910 im Herbstsalon ausgestellt und 1911 in Moskau aufgestellt.

Der Tanz wird von Marcel Sembat beschrieben: "Eine wilde Runde dreht auf einem blauen Hintergrund rosafarbene Bewegungen. Links zieht eine große Figur die ganze Kette mit sich! Was für ein Rausch! Was für eine Bacchantin! Diese souveräne Arabeske, diese packende Kurve, die vom gedrehten Kopf bis zur hervorstehenden Hüfte reicht, senkt sich entlang des gestreckten Beins."

Zwischen 1908 und 1912 wurden seine Werke in Moskau, Berlin, München und London ausgestellt. Matisse und Amélie kehrten im Dezember 1912 nach Ajaccio zurück. 1913 wurde Matisse in der Armory Show in New York neben Werken von Marcel Duchamp und Francis Picabia als Vertreter der modernsten Kunst ausgestellt.

Von 1906 bis 1913 reist Matisse in den Wintermonaten in Begleitung seiner Malerfreunde Camoin und Marquet nach Andalusien, Marokko und Algerien. Diese Reisen beeinflussten Matisse - Farben, Keramik, Fliesen - tief in seinem dekorativen Gefühl für die Außenwelt. Während die Suche nach der Arabeske eines der Markenzeichen von Matisses Handschrift ist, zeichnet sich seine Malerei durch vereinfachte Formen und oft reine, flächige Farben aus, die von einem schwarzen Strich umrandet werden. Dennoch zögerte Matisse nicht, in seinen Porträts oder Akten Abstufungen von Grau- oder Rosatönen zu verwenden.

Von 1909 bis 1917 lebte und arbeitete Matisse in Issy-les-Moulineaux, 42, route de Clamart, in einer Villa mit einem großen Park, in der er sein (heute zerstörtes) Atelier bauen ließ und in der bis 1911 die Académie Matisse untergebracht war. Die Villa existiert noch immer und beherbergt nun das Archiv des Malers in der 92, avenue du Général-de-Gaulle.

Der Erste Weltkrieg

Nach dem Ausbruch des Ersten Weltkriegs verließ er Collioure, das er seit 1905 regelmäßig besucht hatte. Marquet und Matisse, der 46 Jahre alt ist, bitten darum, in die Armee einzutreten und sich ihren Kollegen anzuschließen: "Derain, Braque, Camoin, Puy sind an der Front, riskieren ihre Haut. Wir haben es satt, hinten zu bleiben ... Wie können wir dem Land dienen?", fragen sie den Minister für öffentliche Arbeiten, Marcel Sembat, der ihnen antwortet: "Indem ihr, wie ihr es tut, weiterhin gut malt!".

Nachdem er einen Teil des Winters 1916-1917 in Nizza verbracht hatte, beschloss Matisse, länger an der Côte d'Azur zu bleiben, die er als Paradies betrachtete und deren Umsetzung er in seinen Bildern suchte. 1918 traf Matisse in Cagnes Renoir, dem er seine Gemälde vorstellte. Renoir ist von der Qualität der Gemälde und Matisses Arbeit sehr überrascht: "Ich dachte, dieser Tölpel arbeitet so...! Das ist nicht wahr! Er gibt sich sehr viel Mühe! Alles ist sehr genau. Es war schwierig!", erklärt Renoir, nachdem Matisse gegangen ist.

Die Nizza-Periode

Matisse stellt zusammen mit Picasso in der Galerie Paul Guillaume in Paris aus; der Katalog hat ein Vorwort von Apollinaire. Während dieser Zeit lernt Matisse den japanischen Maler Yoshio Aoyama kennen, der ebenfalls in Nizza im Stadtteil Cimiez lebte und sein Schüler wird.

1920 wurde er von Igor Strawinsky und Serge Diaghilew beauftragt, die Kostüme und das Bühnenbild für das Ballett Le Chant du rossignol zu entwerfen, das in London aufgeführt wurde. 1924 stellte Matisse in New York aus und eine erste Retrospektive wurde ihm in der Ny Carlsberg Glyptotek in Kopenhagen gewidmet.

1925 wurde Matisse zum Ritter der Ehrenlegion ernannt und sein Sohn Pierre Matisse eröffnete auf Empfehlung seines Vaters eine Galerie in New York, deren Sammler hauptsächlich aus den USA stammten. Matisse reist regelmäßig in die Vereinigten Staaten. Er erhält 1927 in Pittsburgh den Carnegie-Preis und ist Mitglied der Jury, die Picasso 1930 denselben Preis verleiht.

Seine Arbeit konzentrierte sich auf die Herstellung von Stillleben, Akten und Odalisken, die an orientalistische Akte mit schillernden Farben und reinen Zeichnungen erinnern, eine Form des erneuerten Klassizismus, so prägnant scheinen die Zitate von Delacroix oder Ingres zu sein. Der Kritiker Claude Roger-Marx schreibt in Die Zeichnung von Henri Matisse :

"Die plastische Vorstellungskraft des Malers wird gerne durch die Kammermusik geweckt, die eine oder mehrere Figuren (Figuranten wären zutreffender) in einem Interieur bilden. Während ihre Nacktheit ihn begeistert, liebt er es, sie mit Accessoires zu schmücken - Schals, Mantillas, seltsame Frisuren, zu ihrer Haut passende Unterhosen - und sie mit einem gewissen orientalischen Luxus zu versehen. Dieser Mann aus dem Norden hat in der Tat etwas Orientalisches an sich. Es ist ein echter Egoist, der sich dieser Lebewesen bemächtigt, die er fast wie Objekte betrachtet und die er weniger um ihrer selbst willen als vielmehr zu Demonstrationszwecken und für das visuelle Vergnügen, das er aus ihnen ziehen will, beobachtet.

Henri Matisse arbeitet mit Variationen und Wiederholungen desselben Themas oder Motivs. Die ersten Studien können sehr ausgeprägt, figurativ sein, und dann werden die Formen von Mal zu Mal stilisierter, abstrakter. Matisse fotografiert die verschiedenen Phasen seiner Arbeit.

Er veröffentlichte auch Lithografien, Radierungen und Zeichenalben, in denen er seinen Variationen eines Themas, meist eines weiblichen Aktes, freien Lauf ließ :

"Diesen Zeichnungen gehen immer Studien voraus, die mit einem weniger strengen Mittel als dem Strich gemacht werden, zum Beispiel mit Kohle oder Verwischung, die es ermöglichen, gleichzeitig den Charakter des Modells, seinen menschlichen Ausdruck, die Qualität des Lichts, das es umgibt, seine Stimmung und all das, was man nur durch eine Zeichnung ausdrücken kann, zu betrachten. Und erst wenn ich das Gefühl habe, von dieser Arbeit, die mehrere Sitzungen dauern kann, erschöpft zu sein, kann ich mit einem geklärten Geist voller Vertrauen meine Feder loslassen."

Und Matisse fügte hinzu: "Einige meiner Radierungen habe ich nach Hunderten von Zeichnungen gemacht...". Die Amerikaner nennen diese Periode schelmisch The Nice Period, die "Nizza-Periode" oder die "hübsche Periode", um ein Wortspiel zu machen.

1930 unternimmt Matisse eine lange Reise um die Welt. Er landete Anfang Februar in New York und besuchte New York, Chicago, Pittsburgh und reiste quer durch Amerika bis nach San Francisco. Von dort aus hielt er sich auf Tahiti auf, wo er den deutschen expressionistischen Regisseur Murnau traf, der den Film Tabu drehte.

"Ich schwamm in der Lagune. Ich schwamm um die Farben der Korallen herum, die von den stacheligen, schwarzen Akzenten der Holothurien unterstützt wurden. Ich tauchte mit dem Kopf ins Wasser, das durchsichtig auf dem absinthefarbenen Grund der Lagune lag, und öffnete die Augen weit ... und dann hob ich plötzlich den Kopf über das Wasser und starrte auf die leuchtende Gesamtheit der Kontraste."

Im Juli 1930 kehrte er nach Frankreich zurück. Anschließend kehrt er nach Pittsburg, USA, zurück, wo er als Jurymitglied für den Carnegie-Preis fungiert, der Picasso für das Porträt von Madame Picasso verliehen wird. In New York veranstaltete das Museum of Modern Art 1931 eine Retrospektive, nachdem er bereits 1930 eine Einzelausstellung gehabt hatte. Während seines Aufenthalts in den USA gibt der Sammler Albert Barnes bei Picasso ein monumentales Werk für seine Stiftung in Philadelphia in Auftrag. Nach seiner Rückkehr nach Nizza arbeitete Matisse in seinem eigens dafür angemieteten Atelier in der Rue Désiré Niel an La Danse, von dem er zwischen 1930 und 1933 aufgrund von Schablonenfehlern drei Versionen fertigte. Die erste unvollendete Version wurde nach seinem Tod in seiner Wohnung in Nizza gefunden. Sie ist in ihrer endgültigen Präsentation zusammen mit der zweiten Version, dem Tanz von Paris (1037 × 450 cm), im Matisse-Saal des Musée d'Art Moderne in Paris ausgestellt. Die letzte Version, der sogenannte Merion-Tanz, wurde von Matisse selbst im Mai 1933 in der Barnes Foundation in Philadelphia aufgestellt. Während dieser Arbeit erfand Matisse seine Technik der "ausgeschnittenen Gouachen".

Nach seiner Rückkehr aus den USA erklärt er:

"Sie werden verstehen, wenn Sie Amerika sehen, dass sie eines Tages Maler haben werden, denn es ist nicht möglich, dass es in einem solchen Land, das so schillernde visuelle Spektakel bietet, eines Tages keine Maler geben wird."

und kündigte damit die Entstehung einer amerikanischen Schule an.

In diesem Jahr 1933 wird er von Rogi André fotografiert.

Anschließend arbeitete Matisse an der Illustration von James Joyces Roman Ulysses und an den Bühnenbildern und Kostümen von Rot und Schwarz für die Ballets Russes de Monte Carlo (1934-1938).

1924 widmete sich Matisse der Bildhauerei und schuf den Großen sitzenden Akt, der beispielhaft für seinen Stil - sowohl Arabesken als auch Winkel - ist, als Rundplastik. Matisse praktizierte die Bildhauerei, seit er Schüler von Antoine Bourdelle war, dessen Vorliebe für große Stilisierungen Matisse beibehielt, wie man in der großen Serie der Nu de dos sehen kann, einer Reihe monumentaler Gipsabgüsse, die er zwischen 1909 und 1930 anfertigte. Matisse stellt sich darin in Form von Flachreliefs den malerischen Problemen, denen er begegnet: der Linienführung monumentaler Figuren (die Anfertigung von Rückenakt I aus dem Jahr 1909 ist zeitgleich mit den großen Kompositionen La Musique und La Danse), dem Verhältnis von Form und Hintergrund (die für die Barnes-Stiftung bestimmten Fresken entstehen 1930, wie Rückenakt IV). Doch obwohl die Serie offenbar nicht als Einheit präsentiert werden sollte (der Guss der Bronzeteile erfolgte erst nach Matisses Tod), bilden die vier Skulpturen ein zusammenhängendes plastisches Ganzes.

Der Zweite Weltkrieg

1939 trennt sich Matisse von seiner Frau. Nach einer kurzen Reise nach Spanien kehrt er nach Nizza zurück, wo er La Blouse roumaine (Der rumänische Kittel) malt.

1940 trifft er Pierre Bonnard in Le Cannet. Der Kunsthändler Paul Rosenberg verlängert seinen Vertrag mit Matisse. Der Maler reist zu ihm nach Floirac, zusammen mit Lydia Délectorskaya, die seit 1935 seine Assistentin und Modell war. Als er 1941 an Darmkrebs erkrankt, wird er in die Clinique du Parc in Lyon eingeliefert. Seine Ärzte geben ihm noch sechs Monate zu leben. Er kehrte nach Nizza zurück, wo er sich diesmal bettlägerig im Hotel Regina einquartierte. Nach der Operation musste er ein Eisenkorsett tragen, das es ihm unmöglich machte, länger als eine Stunde zu stehen.

Er zeichnet mit Bleistift und Kohle, die Zeichnungen werden im November bei Louis Carré ausgestellt. Als er nicht mehr reisen kann, verwendet er die Stoffe, die er von seinen Reisen mitbringt, um seine Modelle aus der ganzen Welt einzukleiden. Seine Krankenschwester, Monique Bourgeois, erklärt sich bereit, sein Modell zu sein. Matisse beginnt, die Technik der geschnittenen Gouachen zu verwenden und beginnt die Serie Jazz.

Er lässt sich in Vence nieder und knüpft eine eifrige Brieffreundschaft mit dem Zeichner und Schriftsteller André Rouveyre an, den er einst im Atelier von Gustave Moreau kennengelernt hatte.

1942 machte Aragon Matisse in L'Art français - "Propos d'un amateur" zum künstlerischen Symbol "einer Demonstration des Widerstands gegen den barbarischen Invasor", des Wahren Frankreichs gegen Nazi-Deutschland.

1943 griff der Maler Maurice de Vlaminck, der den deutschen Besatzern nahestand, der ehemalige Gefährte des Käfigs der Fauves, Matisse in seinem Buch Porträts vor dem Tod heftig an :

"Obwohl Henri Matisse sich für eine Vereinfachung einsetzt, findet man in den Kasacks und Schlaghosen seiner Odalisken nicht den Orientalismus wieder, in dem sich die Festons und literarischen Astragale von Théophile Gautier verloren haben. Henri Matisse setzte all seine koloristischen Fähigkeiten und sein malerisches Auge in reinen Farbkompositionen ohne Modellierung ein, mit schematischen Figuren, die durch den Strich der Zeichnung mit ihren roten, gelben, lackierten, rosa und blauen Flächen noch betont wurden. Erscheinen diese Stücke in Wirklichkeit und abgesehen von ihrer wissenschaftlichen Voreingenommenheit heute nicht als dekorative Symbole? Matisse wurde in eine Falle gelockt... Matisse ist ein alter Mann, der schlecht geworden ist".

Seit September 1939 hielt sich Matisse' Schwiegersohn Georges Duthuit in den Vereinigten Staaten auf, wo er als Sprecher für Radiosendungen nach Frankreich tätig war. Im April 1944 wurden Amélie (Matisses Frau) und am 21. Mai 1944 Marguerite Matisse-Duthuit (seine Tochter) von der Gestapo verhaftet, weil sie in der Résistance aktiv gewesen waren. Madame Amélie Matisse wurde zu sechs Monaten Gefängnis verurteilt (sie wurde im September 1944 freigelassen), während Marguerite Matisse, die Tochter des Malers, gefoltert und entstellt wurde.

Marguerite, genannt "Jeannette", wurde im Fort Hatry in Belfort interniert und am 27. August 1944 befreit. Sie wird zunächst von der Familie von Léon Delarbre aufgenommen, einem Maler aus dem Widerstand und Deportierten, der dafür bekannt ist, dass er Zeichnungen aus den Vernichtungslagern mit nach Hause nehmen konnte (Musée de la Résistance in Besançon). Marguerite wurde später vom Roten Kreuz aufgenommen, das sie bei der Familie Bruno in Giromagny in der Nähe von Belfort versteckte. Im Oktober 1944 wird sie befreit. Matisse sieht sie im Januar und Februar 1945 wieder. Unter starken Emotionen zeichnet Henri Matisse zahlreiche Porträts seiner Tochter, von denen das letzte in der Reihe ein endlich beruhigtes Gesicht zeigt. Ihr Sohn, der Bildhauer Jean Matisse, gehörte einem sehr aktiven Widerstandsnetzwerk an.

In einem Brief an Albert Marquet vom 6. November 1944 berichtet Matisse über die Neuigkeiten seiner Tochter: "Ich nehme an, dass sie nur sehr müde ist, denn man hat mir nichts anderes gesagt, um mich zu schonen. Der Arzt sagte, es sei ein Wunder, dass sie es so gut überstanden hat".

Ein neues Leben: Scherenschnittpapier

1945 fand im Pariser Herbstsalon eine große Matisse-Retrospektive statt, nachdem Picasso 1944 und Braque 1943 ausgestellt worden waren. Er entwarf die Kartons für die Wandteppiche Polynésie, le Ciel (Polynesien, der Himmel) und Polynésie, la Mer (Polynesien, das Meer) (1946).

Matisse, der bettlägerig und behindert, aber "lebendig" war, konnte nicht mehr malen oder Techniken anwenden, die Verdünner (Wasser oder Öl) erforderten. Er erfand die Technik der Papierschnitte, die er in seinem Bett mit einer Schere ausschneiden konnte.

Zwischen 1943 und 1947 arbeitete Matisse für den Verleger und Kunstkritiker Tériade an Jazz, einem illustrierten Buch. Für Matisse

"Das Schneiden mit dem Finger in die Farbe erinnert mich an das direkte Schneiden der Bildhauer. Dieses Buch ist in diesem Geist entstanden".

Der Text, der die Illustrationen begleitet, wurde von Matisse selbst geschrieben und kalligraphiert und ist ein theoretischer Text des Malers über seine Auffassung von Kunst.

Ab 1949 begann er auf Wunsch seiner Krankenschwester-Assistentin an der Dekoration der Rosenkranzkapelle in Vence zu arbeiten. Der Künstler Jean Vincent de Crozals diente ihm als Modell für seine Christus-Zeichnungen. Aus plastischer Sicht scheint die Vereinfachung der Formen aus den Beobachtungen byzantinischer Ikonen entstanden zu sein, auf die sich sein Schwiegersohn Georges Duthuit im Louvre spezialisiert hatte.

Als der Maler 1950 von seinen drei Enkelkindern besucht wurde, zeichnete er ihre drei Porträts mit Kohle und einem 2 m langen Stock an die Decke seines Zimmers. Die Decke wurde von den Nachkommen Pierre Matisses dem Matisse-Museum in Cateau-Cambrésis übergeben und geschenkt, wo sie zu sehen ist: "Das sind meine Enkelkinder. Ich versuche, sie mir vorzustellen, und wenn mir das gelingt, fühle ich mich besser. Ich habe sie auch an die Decke gezeichnet, damit ich sie vor allem nachts im Blick habe. So fühle ich mich weniger einsam".

Mit 81 Jahren vertritt Henri Matisse Frankreich auf der 25. Biennale in Venedig.

In einem Atelierzimmer im Hotel Regina in Nizza schuf er sein letztes Werk, La Tristesse du roi, eine ausgeschnittene Gouache, die heute im Museum für moderne Kunst im Centre Pompidou ausgestellt ist.

Im Jahr 1952 wurde das Matisse-Museum in seiner Geburtsstadt Cateau-Cambrésis eingeweiht.

Henri Matisse starb am 3. November 1954 in Nizza. Nachdem er am Vortag ein letztes Mal das Porträt von Lydia Délectorskaya gezeichnet hatte, von dem Matisse sagte, dass er es auswendig kannte, schloss er mit einem: "Ça ira!", ein Ausdruck, der als seine letzten Worte angesehen werden kann. Matisse wurde in der Stadt auf dem Friedhof von Cimiez beerdigt.

1963 öffnete auch das Matisse-Museum in Nizza seine Pforten und 1970 fand im Grand Palais in Paris die erste Retrospektive von Matisses Werken in Frankreich statt. Im folgenden Jahr veröffentlichte Aragon Henri Matisse, roman, eine Sammlung von rund zwanzig Artikeln, Katalogtexten und -vorworten sowie Vorträgen Aragons, die dem Maler gewidmet waren. Das Werk von Matisse trifft auf das französische Publikum.

Seitdem folgen Ausstellungen und Retrospektiven auf der ganzen Welt aufeinander. Anlässlich der Ausstellung in der Tate Modern in London im Jahr 2014, die den Papierschnitten gewidmet war, schrieb die Kritikerin Laura Cumming von The Guardian: "Die Kunst von Matisse ist eine Lektion über das Leben und eine Quelle der Inspiration für den Betrachter: Das ist es, wozu wir alle fähig sein sollten, bereit zu sein, die Schönheit des Lebens zu genießen, selbst wenn wir mit seinem Ende konfrontiert sind."

Einfluss von Matisse

Matisse, der schon zu Lebzeiten berühmt und gefeiert wurde, hatte einen großen Einfluss auf die amerikanische Malerei, insbesondere auf die New Yorker Schule, Mark Rothko, Barnett Newman und Motherwell, aber auch in Deutschland durch die Schüler seiner Akademie, Marg Moll, Oskar Moll, Hans Purrmann...

Er war mit Pablo Picasso befreundet, der ihn als seinen großen Rivalen betrachtete.

Zur ersten New Yorker Schule, die von den beiden Kritikern Harold Rosenberg und Clement Greenberg angeführt wurde, kommt die zweite New Yorker Schule mit Figuren wie Frank Stella und der Bewegung, die Greenberg als Post-Painterly-Abstraction definiert, das Colorfield Painting (Morris Louis, Helen Frankenthaler, Sam Francis, Jules Olitskix) oder die Hard Edge (Kenneth Noland Mary Pinchot Meyer...) hinzu.

Aber auch die Maler der Pop-Art, darunter Warhol, der 1956 erklärte: "Ich will Matisse sein", oder Tom Wesselmann und Roy Lichtenstein, die den französischen Maler ausgiebig zitierten.

In Frankreich findet sich der Einfluss von Matisse bei den Malern von Supports

Eine weitere Besonderheit ist, dass viele Nachkommen von Henri Matisse Maler oder Bildhauer sind, wie sein Sohn Jean, ein Bildhauer, sein Sohn Pierre, ein Galerist, seine Enkel Paul Matisse, ein Bildhauer, Jacqueline, eine Künstlerin, und seine Urenkelin Sophie, eine Malerin.

2015 enthüllte eine Studie an der European Synchrotron Radiation Facility in Grenoble der Kunstwelt, dass Cadmiumsulfid, das auch als das von Matisse verwendete gelbe Cadmiumpigment bekannt ist, bei Lichteinwirkung einem Oxidationsprozess unterliegt und sich dabei in sehr wasserlösliches und vor allem farbloses Cadmiumsulfat umwandelt.

Matisse tritt zwar nicht direkt als solcher in Erscheinung, ist aber ein Kunsttheoretiker, der in Interviews und verschiedenen Texten Erklärungen für seine "von der Natur inspirierte", aber durch Erinnerungen und Wahrnehmungen bearbeitete Kunst hinterlassen hat. Insbesondere in Jazz lehnt er jede Unterscheidung zwischen abstrakter und figurativer Kunst ab. Im Laufe seiner Karriere hinterließ er Texte - Notizen eines Malers, Interviews, bis hin zu Jazz -, die in Schriften und Äußerungen zur Kunst zu lesen sind und das Gefühl eines neu belebten Klassizismus vermitteln.

"Meine Strichzeichnung ist die direkte und reinste Übersetzung meiner Emotionen. Die Vereinfachung des Mittels ermöglicht dies".

Louis Aragon notiert in Henri Matisse, Roman, wie Matisse ihm die Verwendung der Zeichen erklärt, die seine Zeichnung begründen, z. B.: "Zeichen-Auge", "Zeichen-Baum", "Zeichen 3-Mund", "Zeichen Blumen", "Zeichen Hand-Blumen". So soll die Läuterung seiner Zeichnung bis zur Hieroglyphe reichen, wobei die 3 zum Mund wird oder der Baum durch einige Blätter als "ein chinesisches Zeichen, das den Menschen, den Vogel oder sogar den Mund bedeutet" bezeichnet wird.

Für Matisse :

"Die Bedeutung eines Malers wird an der Menge der neuen Zeichen gemessen, die er in die Sprache der Plastik eingeführt hat."

Der Sinologe François Cheng bemerkte die Verwandtschaft der Bemerkungen und Behauptungen von Matisse mit den taoistischen Abhandlungen über chinesische Malerei, die in Frankreich seit dem 18. Jahrhundert bekannt sind und die durch die Suche nach einer spirituellen Innerlichkeit der Malerei weit über das bloße visuelle Zitat einer Quing-Vase oder einer Kalligraphie hinausgehen.

Andererseits war Matisse sehr aufmerksam gegenüber den technischen Entwicklungen, dem Beruf des Malers und den verschiedenen wissenschaftlichen Theorien der Farben und ihrer Wahrnehmungseffekte. Aber :

"Die Wahl meiner Farben beruht auf keiner wissenschaftlichen Theorie. Sie beruht auf Beobachtung, auf dem Gefühl, auf der Erfahrung meiner Sensibilität. Ein Künstler wie Signac, der sich von einigen Seiten von Delacroix inspirieren lässt, beschäftigt sich mit den Komplementärfarben, und ihre theoretische Kenntnis bringt ihn dazu, hier und da diesen oder jenen Ton zu verwenden. Ich versuche einfach, die Farben so zu setzen, dass sie mein Gefühl wiedergeben. Es gibt ein notwendiges Verhältnis von Farbtönen, die mir helfen, die Form einer Figur zu verändern oder meine Komposition umzugestalten. Solange ich dieses Verhältnis nicht für alle Teile erreicht habe, suche ich es und fahre mit meiner Arbeit fort. Dann kommt ein Zeitpunkt, an dem alle Teile ihre endgültige Beziehung gefunden haben, und von da an wäre es mir unmöglich, etwas an meinem Bild zu ändern, ohne es völlig neu zu machen.

Matisse war jedoch immer noch der Ansicht, dass :

"Was ich vor allem anstrebe, ist der Ausdruck. Manchmal hat man mir eine gewisse Wissenschaftlichkeit zugestanden, aber gleichzeitig erklärt, dass mein Ehrgeiz begrenzt sei und nicht über die rein visuelle Befriedigung hinausgehe, die der Anblick eines Gemäldes verschaffen kann. Aber der Gedanke eines Malers darf nicht außerhalb seiner Mittel betrachtet werden, denn er ist nur so viel wert, wie er durch Mittel bedient wird, die umso vollständiger (und mit vollständig meine ich nicht kompliziert) sein müssen, je tiefer sein Gedanke ist. Ich kann nicht unterscheiden zwischen dem Gefühl, das ich vom Leben habe, und der Art und Weise, wie ich es übersetze".

1948 zog er in einem Brief an seinen Freund Henry Clifford Bilanz über seine Vorgehensweise:

"Ich habe immer versucht, meine Anstrengungen zu verbergen, ich habe immer gewünscht, dass meine Werke die Leichtigkeit und Fröhlichkeit des Frühlings haben, der nie die Arbeit vermuten lässt, die er gekostet hat. Ich befürchte daher, dass die Jugend, wenn sie nur die scheinbare Leichtigkeit und die Nachlässigkeiten des Zeichnens sieht, dies als Entschuldigung benutzt, um sich von bestimmten Anstrengungen zu befreien, die ich für notwendig halte. Diese langsame und mühsame Arbeit ist unerlässlich. Wahrlich, wenn die Gärten nicht zur richtigen Zeit umgegraben würden, wären sie bald zu nichts mehr zu gebrauchen. Müssen wir nicht zuerst den Boden säubern und dann in jeder Jahreszeit des Jahres kultivieren? Erst nach jahrelanger Vorbereitung darf der junge Künstler Farben anfassen - nicht Farben als Mittel der Beschreibung - sondern als Mittel des intimen Ausdrucks. Dann kann er hoffen, dass alle Bilder und sogar alle Symbole, die er verwendet, ein Spiegelbild seiner Liebe zu den Dingen sein können, ein Spiegelbild, dem er vertrauen kann, wenn er in der Lage war, seine Erziehung bis zum Ende in Reinheit und ohne sich selbst zu belügen zu vollziehen. Dann wird er die Farben mit Bedacht einsetzen. Er wird sie in Übereinstimmung mit einer natürlichen, formlosen und vollständig konzipierten Zeichnung setzen, die direkt aus seiner Empfindung entspringt; was Toulouse-Lautrec am Ende seines Lebens den Ausruf ermöglichte: "Endlich kann ich nicht mehr zeichnen." Der angehende Maler glaubt, dass er mit seinem Herzen malt. Der Künstler, der seine Entwicklung abgeschlossen hat, denkt ebenfalls, dass er mit seinem Herzen malt. Nur hat letzterer Recht, weil er durch sein Training und die Disziplin, die er sich selbst auferlegt hat, in der Lage ist, Impulse anzunehmen. Ich möchte, dass die Menschen wissen, dass man sich der Farbe nicht nähern sollte, wie man in eine Mühle eintritt, dass es einer strengen Vorbereitung bedarf, um ihrer würdig zu sein. Vor allem aber muss man die Gabe der Farbe besitzen, so wie ein Sänger die Stimme besitzen muss. Ohne diese Gabe kann man nirgendwohin gehen, und nicht jeder kann wie Correggio sagen: "Ich bin auch ein Maler". Ein Kolorist drückt selbst einer einfachen Kohlezeichnung seinen Stempel auf. Ich merke, dass ich sie aus einer inneren Notwendigkeit heraus zum Ausdruck gebracht habe, was ich über Zeichnen und Farbe empfinde und wie wichtig eine Disziplin in der Ausbildung eines Künstlers ist."

So gelingt es dem Künstler, seine inneren Visionen auszudrücken, was laut Matisse der Zweck der Malerei ist.

Henri Matisse malt zwei Porträts, eines von einem Kind und eines von Lydia. Wir sehen ihn im Gespräch mit einem alten Freund in seinem Pariser Haus und folgen ihm mit einem Skizzenbuch in der Hand, während er in seinem Garten in Nizza die frische Luft genießt. Ebenso sieht man ihn, wie er bei einer Ausstellung die Aufhängung seiner Bilder korrigiert oder wie er einen seiner Enkel porträtiert. Die Orte und Gesten verweisen aufeinander, so wie der Film das Leben und das Werk von Matisse miteinander verbinden will, indem er sein Porträt an den Ort des Schöpfungsakts verlegt. Dies ist am Beispiel der Kulisse von Matisses Wohnung die Beziehung, die der Film zwischen den Fotografien der ausgewählten Werke in der Totalen und den Sequenzen herstellt, die in seinem Atelier aufgenommen wurden. Die Beziehungen, die sich zwischen den an der Wand angeordneten Gemälden organisieren, werden auf das Drehbuch des Films übertragen. Alles läuft so ab, als ginge es darum, den Hausherrn nach dem Vorbild seiner Biografie zu porträtieren. Es ist auch die Grenze dieses einzigartigen Films, dass er das Werk und den Autor in ein und demselben Thema verwechselt und so die Freude am Sehen in einen Diskurs verwandelt.

Matisse war schon zu Lebzeiten bekannt und anerkannt und sein Ansehen ist seitdem stetig gestiegen, wie der historische Wert von 32 Millionen Euro zeigt, den das Werk Les Coucous, tapis bleu et rose 2009 bei der Bergé-Yves Saint Laurent-Auktion in Paris erzielte.

Die Skulptur Nu de dos IV wurde bei Christie's in New York für fast 49 Millionen $ (ca. 35 Millionen € mit Gebühren) versteigert. Damit ist sie nach Alberto Giacometti und Amedeo Modigliani die viertteuerste Skulptur, die auf einer Auktion verkauft wurde.

Das Werk umfasst auch wichtige Serien von Skulpturen, die in Bronze gezogen wurden (vier Rückenakte, Basreliefs, 1909-1930), fast 500 Drucke (Radierungen, Holzschnitte, Lithografien), Buchillustrationen: Poésies de Mallarmé (1932), Lettres de la religieuse portugaise (1946), Florilège des Amours de Ronsard (1948).

Quellen

1. Henri Matisse
2. Henri Matisse
3. Lawrence Gowing: Matisse, Umschlagrückseite, 1997, ISBN 3-7852-8406-3.
4. Anna Katharina Feldhaus: Henri Matisse – Malen mit der Schere. In: Schirn Kunsthalle Frankfurt. 5. April 2013, abgerufen am 14. Dezember 2020.
5. « https://archives.yvelines.fr/rechercher/archives-en-ligne/correspondances-du-musee-departemental-maurice-denis/correspondances-du-musee-maurice-denis », sous le nom MATISSE Henri (consulté le 12 février 2022)
6. (en) Hillary Spurling, The Unknown Matisse: A Life of Henri Matisse: The Early Years, 1869-1908, University of California Press, 2001, p. 46.
7. (en) Hilary Spurling, The Unknown Matisse, p. 47.
8. ^ Adrian Searle (7 May 2002). "Searle, Adrian, A momentous, tremendous exhibition, The Guardian, Tuesday 7 May 2002". Guardian. UK. Retrieved 13 February 2010.
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10. ^ Spurling, Hilary (2000). The Unknown Matisse: A Life of Henri Matisse: The Early Years, 1869–1908. University of California Press, 2001. ISBN 0-520-22203-2. pp. 4–6
11. ^ Leymarie, Jean; Read, Herbert; Lieberman, William S. (1966), Henri Matisse, UCLA Art Council, p.9.
12. ^ a b Bärbel Küster. "Arbeiten und auf niemanden hören." Süddeutsche Zeitung, 6 July 2007. (in German)
13. 1 2 3 4 5 6 RKDartists (нидерл.)
14. Spurling, Hilary (2001). The Unknown Matisse: A Life of Henri Matisse: The Early Years, 1869—1908. University of California Press, 2001. ISBN 0-520-22203-2, с. 4—6.
15. Leymarie, Jean; Read, Herbert; Lieberman, William S. (1966), Henri Matisse, UCLA Art Council, стp.9.
16. Bärbel Küster. «Arbeiten und auf niemanden hören.» Süddeutsche Zeitung, 6 July 2007.