Sammanfattning

Alfred Stieglitz HonFRPS (1 januari 1864-13 juli 1946) var en amerikansk fotograf och främjare av modern konst som under sin 50-åriga karriär bidrog till att göra fotografi till en accepterad konstform. Förutom sitt fotografi var Stieglitz känd för de konstgallerier i New York som han drev i början av 1900-talet, där han introducerade många avantgardistiska europeiska konstnärer till USA. Han var gift med målaren Georgia O'Keeffe.

Stieglitz föddes i Hoboken, New Jersey, som första son till de tysk-judiska invandrarna Edward Stieglitz (1833-1909) och Hedwig Ann Werner (1845-1922). Hans far var löjtnant i unionsarmén och arbetade som ullhandlare. Han hade fem syskon, Flora (1865-1890), tvillingarna Julius (1867-1937) och Leopold (1867-1956), Agnes (1869-1952) och Selma (1871-1957). Alfred Stieglitz såg tvillingarnas nära relation och önskade att han själv hade haft en själsfrände under sin barndom.

Stieglitz gick på Charlier Institute, en kristen skola i New York, 1871. Året därpå började familjen tillbringa somrarna vid Lake George i Adirondackbergen, en tradition som fortsatte under Stieglitz' vuxenliv.

För att kunna komma in på City College of New York gick Stieglitz i en offentlig skola under sitt första år på gymnasiet, men han ansåg att utbildningen var otillräcklig. År 1881 sålde Edward Stieglitz sitt företag för 40 000 US-dollar och flyttade sin familj till Europa under de kommande åren för att hans barn skulle få en bättre utbildning. Alfred Stieglitz skrev in sig på Real Gymnasium i Karlsruhe. Året därpå studerade Alfred Stieglitz maskinteknik vid Technische Hochschule i Berlin. Han skrev in sig i en kemiklass som undervisades av Hermann Wilhelm Vogel, en vetenskapsman och forskare som arbetade med kemiska processer för framkallning av fotografier. I Vogel fann Stieglitz både den akademiska utmaning han behövde och ett utlopp för sitt växande konstnärliga och kulturella intresse. Han fick ett bidrag på 1 200 dollar (motsvarande 33 695 dollar år 2021) i månaden.

År 1884 återvände föräldrarna till Amerika, men den 20-årige Stieglitz stannade kvar i Tyskland och samlade böcker om fotografi och fotografer i Europa och USA. Han köpte sin första kamera, en 8 × 10-plåtfilmkamera, och reste genom Nederländerna, Italien och Tyskland. Han fotograferade landskap och arbetare på landsbygden. Fotografiet, skrev han senare, "fascinerade mig, först som en leksak, sedan som en passion och slutligen som en besatthet".

Genom självstudier såg han fotografi som en konstform. År 1887 skrev han sin allra första artikel, "A Word or Two about Amateur Photography in Germany", för den nya tidskriften The Amateur Photographer. Därefter skrev han artiklar om fotografins tekniska och estetiska aspekter för tidskrifter i England och Tyskland.

Han vann första pris för sitt fotografi, The Last Joke, Bellagio, 1887 i Amateur Photographer. Året därpå vann han både första och andra pris i samma tävling, och hans rykte började spridas då flera tyska och brittiska fotografiska tidskrifter publicerade hans verk.

År 1890 dog hans syster Flora under förlossningen och Stieglitz återvände till New York.

New York och kameraklubben (1891-1901)

Stieglitz betraktade sig själv som konstnär, men han vägrade sälja sina fotografier. Hans far köpte ett litet fotoföretag åt honom så att han kunde försörja sig på sitt valda yrke. Eftersom han krävde bilder av hög kvalitet och betalade sina anställda höga löner gick Photochrome Engraving Company sällan med vinst. Han skrev regelbundet för tidningen The American Amateur Photographer. Han vann priser för sina fotografier vid utställningar, bland annat den gemensamma utställningen för Boston Camera Club, Photographic Society of Philadelphia och Society of Amateur Photographers of New York.

I slutet av 1892 köpte Stieglitz sin första handhållna kamera, en Folmer and Schwing 4×5 plattfilmskamera, som han använde för att ta två av sina mest kända bilder, Winter, Fifth Avenue och The Terminal. Dessförinnan använde han en 8×10 plattfilmkamera som krävde ett stativ.

Stieglitz blev känd för sina fotografier och sina artiklar i tidskrifter om hur fotografi är en konstform. Våren 1893 blev han medredaktör för The American Amateur Photographer. För att undvika att hans åsikter skulle verka partiska och eftersom Photochrome nu tryckte fotogravyrerna för tidningen vägrade Stieglitz att ta ut lön. Han skrev de flesta artiklarna och recensioner i tidningen och var känd för sitt både tekniska och kritiska innehåll.

Den 16 november 1893 gifte sig den 29-årige Stieglitz med den 20-åriga Emmeline Obermeyer, syster till hans nära vän och affärspartner Joe Obermeyer och dotterdotter till bryggaren Samuel Liebmann. De gifte sig i New York City. Stieglitz skrev senare att han inte älskade Emmy, som hon kallades allmänt, när de gifte sig och att deras äktenskap inte fullbordades på minst ett år. Hon var dotter till en rik bryggeriägare och hade ärvt pengar av sin far. Stieglitz kom att ångra sitt beslut att gifta sig med Emmy, eftersom hon inte delade hans konstnärliga och kulturella intressen. Stieglitzbiografen Richard Whelan sammanfattade deras förhållande genom att säga att Stieglitz "tog henne bittert illa upp för att hon inte blev hans tvilling". Under hela sitt liv hade Stieglitz en fetisch för yngre kvinnor.

I början av 1894 åkte Stieglitz och hans fru på en försenad smekmånad till Frankrike, Italien och Schweiz. Stieglitz fotograferade mycket under resan och skapade några av sina tidiga berömda bilder som A Venetian Canal, The Net Mender och A Wet Day on the Boulevard, Paris. I Paris träffade Stieglitz den franske fotografen Robert Demachy, som blev en livslång korrespondent och kollega. I London träffade Stieglitz The Linked Ring-grundarna George Davison och Alfred Horsley Hinton, som båda förblev hans vänner och kollegor under större delen av hans liv.

Senare under året, efter sin återkomst, valdes Stieglitz enhälligt till en av de två första amerikanska medlemmarna i The Linked Ring. Stieglitz såg detta erkännande som den drivkraft han behövde för att intensifiera sitt arbete med att främja konstnärlig fotografi i USA. Vid den tiden fanns det två fotoklubbar i New York, Society of Amateur Photographers och New York Camera Club. Stieglitz sade upp sig från sin tjänst på Photochrome Company och som redaktör för American Amateur Photographer och ägnade större delen av 1895 åt att förhandla om en sammanslagning av de två klubbarna.

I maj 1896 gick de två organisationerna samman och bildade The Camera Club of New York. Trots att han erbjöds ordförandeskapet blev han vice ordförande. Han utvecklade program för klubben och var involverad i alla aspekter av organisationen. Han berättade för journalisten Theodore Dreiser att han ville "göra klubben så stor, dess arbete så framstående och dess auktoritet så slutgiltig att den på ett tillfredsställande sätt kan använda sin stora prestige för att tvinga fram ett erkännande för de enskilda konstnärerna utanför och inom dess väggar".

Stieglitz omvandlade Camera Clubs nuvarande nyhetsbrev till en tidning, Camera Notes, och fick full kontroll över den nya publikationen. Det första numret publicerades i juli 1897. Den ansågs snart vara den bästa fotografiska tidskriften i världen. Under de följande fyra åren använde Stieglitz Camera Notes för att försvara sin tro på fotografi som en konstform genom att inkludera artiklar om konst och estetik bredvid fotografier av några av de ledande amerikanska och europeiska fotograferna. Kritikern Sadakichi Hartmann skrev "det verkade för mig som om konstnärligt fotografi, Camera Club och Alfred Stieglitz bara var tre namn för en och samma sak".

Han fortsatte också att fotografera själv. I slutet av 1896 gjorde han för hand gravyrerna till en första portfölj med egna verk, Picturesque Bits of New York and Other Studies. Han fortsatte att ställa ut på utställningar i Europa och USA, och 1898 hade han skaffat sig ett gediget rykte som fotograf. Han fick 75 dollar (motsvarande 2 443 dollar år 2021) för sitt favorittryck Winter - Fifth Avenue. Tio av Stieglitz' avtryck valdes samma år ut till den första fotografiska salongen i Philadelphia, där han träffade och sedan blev vän med Gertrude Käsebier och Clarence H. White.

Den 27 september 1898 föddes Stieglitz dotter Katherine "Kitty". Med hjälp av Emmys arv anställde paret en guvernant, en kokerska och en kammarjungfru. Stieglitz arbetade i samma takt som före dotterns födelse, och som ett resultat av detta levde paret övervägande separata liv under samma tak.

I november 1898 visade en grupp fotografer i München i Tyskland sina verk i samband med en utställning med grafiska tryck från konstnärer som Edvard Munch och Henri de Toulouse-Lautrec. De kallade sig själva för "Secessionisterna", en term som Stieglitz tog till sig för både dess konstnärliga och sociala betydelse. Fyra år senare använde han samma namn för en nybildad grupp av bildfotografer som han organiserade i New York.

I maj 1899 fick Stieglitz en separatutställning på Camera Club med 87 fotografier. Den ansträngande förberedelsen av denna utställning, tillsammans med det fortsatta arbetet med att producera Camera Notes, tog hårt på Stieglitz hälsa. För att minska bördan tog han in sina vänner Joseph Keiley och Dallet Fugeut, som inte var medlemmar i Camera Club, som medredaktörer för Camera Notes. Upprörda över detta intrång från utomstående, för att inte tala om sin egen minskande närvaro i klubbens publikation, började många av klubbens äldre medlemmar att aktivt föra en kampanj mot Stieglitz redaktionella auktoritet. Stieglitz ägnade större delen av 1900 åt att hitta sätt att överlista dessa ansträngningar, vilket ledde till att han hamnade i utdragna administrativa strider.

En av de få höjdpunkterna under det året var Stieglitz presentation av en ny fotograf, Edward Steichen, vid den första fotografiska salongen i Chicago. Steichen, som ursprungligen var målare, tog med sig många av sina konstnärliga instinkter till fotografiet. De två blev goda vänner och kollegor.

På grund av den fortsatta påfrestningen med att leda Camera Club kollapsade han året därpå i det första av flera mentala sammanbrott. Han tillbringade en stor del av sommaren i familjens hem vid Lake George, Oaklawn, för att återhämta sig. När han återvände till New York meddelade han att han avgick som redaktör för Camera Notes.

Fotosecessionen och kameraarbete (1902-1907)

Fotografen Eva Watson-Schütze uppmanade honom att skapa en utställning som endast skulle bedömas av fotografer som, till skillnad från målare och andra konstnärer, kände till fotografiet och dess tekniska egenskaper. I december 1901 uppmanades han av Charles DeKay från National Arts Club att sätta ihop en utställning där Stieglitz skulle ha "full makt att följa sina egna böjelser". Inom två månader hade Stieglitz sammanställt en samling av tryck från en nära krets av hans vänner, som han, som en hyllning till Münchenfotograferna, kallade Photo-Secession. Stieglitz förklarade sig inte bara avskilja sig från tidens allmänna konstnärliga restriktioner, utan särskilt från kameraklubbens officiella övervakning. Utställningen öppnade på Arts Club i början av mars 1902 och blev en omedelbar succé.

Han började formulera en plan för att ge ut en helt oberoende tidskrift för bildfotografi för att föra vidare Photo-Secessionists konstnärliga standard. I juli hade han helt sagt upp sig som redaktör för Camera Notes, och en månad senare publicerade han ett prospekt för en ny tidskrift som han kallade Camera Work. Han var fast besluten att den skulle bli "den bästa och mest överdådiga av fotografiska publikationer". Det första numret trycktes fyra månader senare, i december 1902, och liksom alla följande nummer innehöll det vackra handdragna fotogravyrer, kritiska skrifter om fotografi, estetik och konst samt recensioner och kommentarer om fotografer och utställningar. Camera Work var "den första fotografiska tidskriften med visuell inriktning".

Stieglitz var en perfektionist, och det märktes i varje aspekt av Camera Work. Han utvecklade konsten att trycka fotografer genom att ställa krav på oöverträffat höga krav på utskrifterna i Camera Work. Gravyrernas visuella kvalitet var så hög att när en uppsättning tryck inte kom fram till en Photo-Secession-utställning i Bryssel, hängde man i stället upp ett urval av gravyrer från tidningen. De flesta betraktare trodde att de tittade på originalfotografierna.

Under 1903 publicerade Stieglitz Camera Work och arbetade med att ställa ut sina egna och fotosecessionisternas verk samtidigt som han han hanterade stressen i sitt hemliv. Den luxemburgsk-amerikanska fotografen Edward Steichen, som senare skulle bli kurator för den historiska utställningen The Family of Man, var den mest frekvent presenterade fotografen i tidningen. Fuguet, Keiley och Strauss, Stieglitz' tre biträdande redaktörer på Camera Notes, tog han med sig till Camera Work. Senare sade han att han själv individuellt packade in och skickade ut cirka 35 000 exemplar av Camera Work under tidningens utgivning.

År 1904 var Stieglitz återigen mentalt och fysiskt utmattad och bestämde sig för att ta med familjen till Europa i maj. Han planerade ett slitsamt schema med utställningar, möten och utflykter och kollapsade nästan vid ankomsten till Berlin, där han tillbringade mer än en månad med att återhämta sig. Han tillbringade en stor del av resten av 1904 med att fotografera Tyskland medan hans familj besökte sina släktingar där. På vägen tillbaka till USA stannade Stieglitz i London och träffade ledare för Linked Ring, men kunde inte övertyga dem om att inrätta en avdelning av deras organisation i Amerika (med Stieglitz som chef).

Den 25 november 1905 öppnade "Little Galleries of the Photo-Secession" på Fifth Avenue med ett hundratal bilder av 39 fotografer. Steichen hade rekommenderat och uppmuntrat Stieglitz att när han återvände från Europa hyra ut tre rum mittemot Steichens lägenhet som de båda ansåg skulle vara perfekta för att ställa ut fotografier. Galleriet blev en omedelbar succé, med nästan femton tusen besökare under den första säsongen och, ännu viktigare, en försäljning av fotografier som uppgick till nästan 2 800 dollar. Mer än hälften av försäljningen utgjordes av verk av hans vän Steichen, som hade en lägenhet i samma byggnad.

Stieglitz fortsatte att koncentrera sig på fotografi, på bekostnad av sin familj. Emmy, som hoppades att hon en dag skulle vinna Stieglitz' kärlek, fortsatte att ge honom bidrag från sitt arv.

I oktobernumret 1906 av Camera Work skrev hans vän Joseph Keiley: "I dag har man i Amerika genomfört den verkliga kamp för vilken Photo-Secession grundades - det seriösa erkännandet av fotografi som ett ytterligare medium för bilduttryck."

Två månader senare träffade den 42-årige Stieglitz den 28-åriga konstnären Pamela Colman Smith, som ville visa sina teckningar och akvareller i hans galleri. Han beslöt att visa hennes verk eftersom han ansåg att det skulle vara "mycket lärorikt att jämföra teckningar och fotografier för att kunna bedöma fotografins möjligheter och begränsningar". Hennes utställning öppnade i januari 1907, med betydligt fler besökare i galleriet än någon av de tidigare fotografiska utställningarna, och snart var alla hennes utställda verk sålda. Stieglitz, som hoppades kunna dra nytta av utställningens popularitet, fotograferade hennes konstverk och gav ut en separat portfölj med sina platinautskrifter av hennes verk.

Steerage, 291 och modern konst (1907-1916)

Sent på våren 1907 samarbetade Stieglitz med sin vän Clarence H. White i en serie fotografiska experiment. De tog flera dussin fotografier av två påklädda och nakna modeller och tryckte ett urval med ovanliga tekniker, bland annat toning, vaxning och teckning på platinautskrifter. Enligt Stieglitz övervann detta "kamerans omöjlighet att göra vissa saker".

Han tjänade mindre än 400 dollar under året på grund av de sjunkande prenumerationerna på Camera Work och galleriets låga vinstmarginal. I åratal hade Emmy upprätthållit en extravagant livsstil som innefattade en heltidsanställd guvernant för Kitty och dyra europeiska semestrar. Trots sin fars oro över sina växande ekonomiska problem seglade familjen Stieglitz och deras guvernant återigen över Atlanten.

På väg till Europa tog Stieglitz en bild som inte bara är hans signaturbild utan också ett av 1900-talets viktigaste fotografier. Han riktade kameran mot de lägre klassens passagerare i fartygets bog och fångade en scen som han gav titeln The Steerage. Han publicerade eller ställde inte ut bilden på fyra år.

När Stieglitz var i Europa såg han den första kommersiella demonstrationen av färgfotografiprocessen Autochrome Lumière, och snart experimenterade han med den i Paris tillsammans med Steichen, Frank Eugene och Alvin Langdon Coburn. Han tog med sig tre av Steichens autokromer till München för att få göra fyrfärgsreproduktioner som skulle infogas i ett framtida nummer av Camera Work.

Han ombads att avgå från Camera Club, men på grund av protester från andra medlemmar blev han återinsatt som livstidsmedlem. Strax efter att han hade presenterat en banbrytande utställning med Auguste Rodins teckningar tvingade hans ekonomiska problem honom att stänga Little Galleries under en kort period, fram till februari 1908, då den åter öppnades under det nya namnet "291".

Stieglitz varvade medvetet utställningar med vad han visste skulle vara kontroversiell konst, som Rodins sexuellt explicita teckningar, med vad Steichen kallade "begriplig konst" och med fotografier. Avsikten var att "skapa en dialog som skulle göra det möjligt för 291 besökare att se, diskutera och fundera över skillnaderna och likheterna mellan konstnärer av alla grader och typer: mellan målare, tecknare, skulptörer och fotografer; mellan europeiska och amerikanska konstnärer; mellan äldre eller mer etablerade personer och yngre, nyare utövare". Under samma period anordnade National Arts Club en "Special Exhibition of Contemporary Art" som innehöll fotografier av Stieglitz, Steichen, Käsebier och White tillsammans med målningar av Mary Cassatt, William Glackens, Robert Henri, James McNeill Whistler och andra. Detta tros ha varit den första stora utställningen i USA där fotografer fick samma rang som målare.

Under större delen av 1908 och 1909 ägnade Stieglitz sin tid åt att skapa utställningar på 291 och publicera Camera Work. Inga fotografier som togs under denna period finns med i den definitiva katalogen över hans arbete, Alfred Stieglitz: The Key Set.

I maj 1909 dog Stieglitz far Edward och i sitt testamente testamenterade han sin son den då betydande summan 10 000 dollar (motsvarande 301 593 dollar år 2021). Stieglitz använde detta nya tillskott av pengar för att hålla sitt galleri och Camera Work igång under de kommande åren.

Under denna period träffade Stieglitz Marius de Zayas, en energisk och karismatisk konstnär från Mexiko, som blev en av hans närmaste medarbetare och som hjälpte honom både med utställningar i galleriet och med att introducera Stieglitz till nya konstnärer i Europa. I takt med att Stieglitz rykte som främjare av europeisk modern konst ökade, kontaktades han snart av flera nya amerikanska konstnärer som hoppades få sina verk utställda. Stieglitz blev fascinerad av deras moderna visioner och inom några månader hade Alfred Maurer, John Marin och Marsden Hartley alla sina verk hängande på väggarna i 291.

År 1910 bjöds Stieglitz in av direktören för Albright Art Gallery att organisera en stor utställning med det bästa av samtida fotografi. Även om ett tillkännagivande om en öppen tävling för utställningen trycktes i Camera Work, ledde det faktum att Stieglitz skulle ansvara för den till en ny omgång attacker mot honom. I en ledare i tidskriften American Photography hävdades att Stieglitz inte längre kunde "uppfatta värdet av konstnärligt värdefulla fotografiska arbeten som inte överensstämmer med den särskilda stil som är så karakteristisk för alla utställningar under hans beskydd". För en halv generation sedan var denna skola progressiv och låg långt före sin tid. I dag är den inte progressiv, utan är en reaktionär kraft av den farligaste typen."

Stieglitz skrev till sin fotografkollega George Seeley: "Det är inte bara Photo-Seessions rykte som står på spel, utan även fotografins rykte, och jag har för avsikt att samla alla tillgängliga krafter för att vinna för oss." Utställningen öppnade i oktober med mer än 600 fotografier. Kritikerna berömde i allmänhet verkens vackra estetiska och tekniska kvaliteter. Hans kritiker konstaterade dock att den stora majoriteten av avtrycken i utställningen kom från samma fotografer som Stieglitz hade känt i åratal och vars verk han hade ställt ut på 291. Mer än femhundra av avtrycken kom från endast trettiosju fotografer, däribland Steichen, Coburn, Seeley, White, F. Holland Day och Stieglitz själv.

I januariutgåvan 1911 av Camera Work tryckte Stieglitz, som var negativt inställd till vad han uppfattade som kommersialism, en recension av Buffalo-utställningen med nedsättande ord om White och Käsebiers bilder. White förlät aldrig Stieglitz. Han startade sin egen fotoskola och Käsebier och White var med och grundade "Pictorial Photographers of America".

Under 1911 och början av 1912 organiserade Stieglitz banbrytande utställningar med modern konst på 291 och främjade ny konst tillsammans med fotografi i Camera Work. Sommaren 1912 var han så fascinerad av icke-fotografisk konst att han publicerade ett nummer av Camera Work (augusti 1912) som enbart ägnades åt Matisse och Picasso.

I slutet av 1912 organiserade målarna Walter Pach, Arthur B. Davies och Walt Kuhn en utställning om modern konst, och Stieglitz lånade ut några moderna konstverk från 291 till utställningen. Han gick också med på att listas som hedersviceordförande för utställningen tillsammans med Claude Monet, Odilon Redon, Mabel Dodge och Isabella Stewart Gardner. I februari 1913 öppnade den vattenfyllda Armory Show i New York, och snart var modern konst ett viktigt diskussionsämne i hela staden. Han såg utställningens popularitet som en bekräftelse på det arbete som han hade sponsrat på 291 under de senaste fem åren. Han ordnade en utställning med sina egna fotografier på 291 som skulle äga rum samtidigt med Armory Show. Senare skrev han att det faktum att folk fick se både fotografier och moderna målningar samtidigt "gav studenterna och allmänheten den bästa möjligheten att få en klarare förståelse för de två mediernas plats och syfte".

I januari 1914 dog hans närmaste vän och medarbetare Joseph Keiley, vilket gjorde honom förtvivlad i många veckor. Han var också orolig över utbrottet av första världskriget av flera anledningar. Han var orolig för familjens och vännernas säkerhet i Tyskland. Han behövde hitta ett nytt tryckeri för fotogravyrerna till Camera Work, som hade tryckts i Tyskland i många år. Kriget orsakade en betydande nedgång i den amerikanska ekonomin och konst blev en lyx för många människor. I slutet av året kämpade Stieglitz för att hålla både 291 och Camera Work vid liv. Han publicerade aprilnumret av Camera Work i oktober, men det skulle dröja mer än ett år innan han hade tid och resurser att publicera nästa nummer.

Under tiden övertygade Stieglitz vänner de Zayas, Paul de Haviland och Agnes Meyer honom om att lösningen på hans problem var att ta sig an ett helt nytt projekt, något som skulle få honom att återvända till sina intressen. Han gav ut en ny tidskrift, kallad 291 efter sitt galleri, som skulle bli en symbol för avantgardistisk kultur. Även om den var en estetisk triumf var den en ekonomisk katastrof och upphörde att publiceras efter tolv nummer.

Under denna period blev Stieglitz alltmer intresserad av en mer modern visuell estetik för fotografi. Han blev medveten om vad som pågick inom avantgardemåleriet och skulpturen och fann att bildkonsten inte längre representerade framtiden - den var det förflutna. Han påverkades delvis av målaren Charles Sheeler och av fotografen Paul Strand. År 1915 introducerade Strand, som hade kommit för att se utställningar på 291 i många år, Stieglitz för en ny fotografisk vision som förkroppsligades av de djärva linjerna i vardagliga former. Stieglitz var en av de första som såg skönheten och elegansen i Strands stil, och han gav Strand en stor utställning på 291. Han ägnade också nästan hela det sista numret av Camera Work åt hans fotografier.

I januari 1916 fick Stieglitz se en portfölj med kolteckningar av den unga konstnären Georgia O'Keeffe. Stieglitz blev så förtjust i hennes konst att han, utan att träffa O'Keeffe eller ens få hennes tillstånd att visa hennes verk, planerade att ställa ut hennes verk på 291. Den första gången O'Keeffe hörde talas om detta var från en annan vän som såg hennes teckningar i galleriet i slutet av maj samma år. Hon träffade slutligen Stieglitz efter att ha gått till 291 och skällt ut honom för att han hade visat hennes verk utan hennes tillstånd.

Strax därefter träffade O'Keeffe Paul Strand, och under flera månader utbytte hon och Strand alltmer romantiska brev. När Strand berättade för sin vän Stieglitz om sin nya längtan svarade Stieglitz med att berätta för Strand om sin egen förälskelse i O'Keeffe. Gradvis avtog Strands intresse, och Stieglitz' eskalerade. Sommaren 1917 skrev han och O'Keeffe till varandra "sina mest privata och komplicerade tankar", och det stod klart att något mycket intensivt höll på att utvecklas.

År 1917 markerade slutet på en epok i Stieglitz liv och början på en annan. Delvis på grund av en förändrad estetik, den förändrade tid som kriget förde med sig och på grund av hans växande relation med O'Keeffe, hade han inte längre intresse eller resurser att fortsätta med det han hade gjort under det senaste decenniet. Inom loppet av några månader upplöste han det som fanns kvar av Photo-Secession, slutade publicera Camera Work och stängde dörrarna till 291. Det stod också klart för honom att hans äktenskap med Emmy var över. Han hade äntligen hittat "sin tvilling" och ingenting skulle stå i vägen för det förhållande som han hade velat ha i hela sitt liv.

O'Keeffe och den moderna konsten (1918-1924)

I början av juni 1918 flyttade O'Keeffe från Texas till New York efter att Stieglitz lovat att ge henne en lugn ateljé där hon kunde måla. Inom en månad tog han det första av många nakenfotografier av henne i sin familjs lägenhet medan hans fru Emmy var borta, men hon återvände medan sessionen fortfarande pågick. Hon hade misstänkt att det pågick något mellan de två under en tid och sa åt honom att sluta träffa henne eller att gå härifrån. Stieglitz åkte och hittade genast ett ställe i staden där han och O'Keeffe kunde bo tillsammans. De sov var för sig i mer än två veckor. I slutet av juli låg de i samma säng tillsammans, och i mitten av augusti när de besökte Oaklawn "var de som två förälskade tonåringar". Flera gånger om dagen sprang de uppför trappan till sitt sovrum, så ivriga att älska att de började ta av sig kläderna medan de sprang".

När han väl var ute ur lägenheten ändrade Emmy sig. På grund av de juridiska förseningar som Emmy och hennes bröder orsakade skulle det dröja ytterligare sex år innan skilsmässan blev klar. Under denna period fortsatte Stieglitz och O'Keeffe att leva tillsammans, även om hon då och då gav sig iväg på egen hand för att skapa konst. Stieglitz använde tiden de var åtskilda för att koncentrera sig på sitt fotograferande och främjande av modern konst.

O'Keeffe var den musa som Stieglitz alltid hade velat ha. Han fotograferade O'Keeffe besatt mellan 1918 och 1925 under den mest produktiva perioden i hela sitt liv. Under denna period producerade han mer än 350 monterade fotografier av O'Keeffe som porträtterade ett brett spektrum av hennes karaktär, humör och skönhet. Han fotograferade många närstudier av delar av hennes kropp, särskilt hennes händer, antingen isolerade för sig själva eller nära hennes ansikte eller hår. O'Keeffe-biografen Roxanna Robinson hävdar att hennes "personlighet var avgörande för dessa fotografier; det var den, lika mycket som hennes kropp, som Stieglitz registrerade".

År 1920 bjöd Mitchell Kennerly från Anderson Galleries i New York in Stieglitz att göra en stor utställning med hans fotografier. I början av 1921 visade han sin första separatutställning med fotografier sedan 1913. Av de 146 avtryck som han ställde ut hade endast 17 av dem setts tidigare. Fyrtiosex var av O'Keeffe, inklusive många nakenbilder, men hon identifierades inte som modell på något av avtrycken. Det var i katalogen till denna utställning som Stieglitz gjorde sin berömda förklaring: "Jag är född i Hoboken. Jag är amerikan. Fotografering är min passion. Sökandet efter sanningen är min besatthet." Vad som är mindre känt är att han villkorade detta uttalande genom att följa det med dessa ord:

OBS: I ovanstående uttalande förekommer inte följande termer som snabbt blir "föråldrade": KONST, VETENSKAP, SKÖNHET, RELIGION, varje ISM, ABSTRAKTION, FORM, PLASTICITET, OBJEKTIVITET, SUBJEKTIVITET, GAMLA MÄSTARE, MODERN KONST, PSYCHOANALYS, ÄSTHETIK, BILDFOTOGRAFI, DEMOKRATI, CEZANNE, "291", FÖRBJUDANDE. Termen SANNING har smugit sig in, men den kan sparkas ut av vem som helst.

År 1922 organiserade Stieglitz en stor utställning med John Marins målningar och etsningar på Anderson Galleries, som följdes av en stor auktion med nästan tvåhundra målningar av mer än fyrtio amerikanska konstnärer, däribland O'Keeffe. Upplivad av denna aktivitet påbörjade han ett av sina mest kreativa och ovanliga företag - han fotograferade en serie molnstudier enbart för deras form och skönhet. Han sade:

Jag ville fotografera moln för att ta reda på vad jag hade lärt mig om fotografi under fyrtio år. Genom molnen ville jag lägga ner min livsfilosofi - visa att mina fotografier inte berodde på motivet - inte på speciella träd eller ansikten, eller interiörer, eller speciella privilegier - molnen fanns där för alla...

På sensommaren hade han skapat en serie som han kallade "Music - A Sequence of Ten Cloud Photographs". Under de följande tolv åren tog han hundratals fotografier av moln utan några referenspunkter för plats eller riktning. Dessa är allmänt erkända som de första avsiktligt abstrakta fotografierna, och de är fortfarande några av hans mest kraftfulla fotografier. Han kom att kalla dessa fotografier för ekvivalenter.

Stieglitz mor Hedwig dog i november 1922, och precis som han gjorde med sin far begravde han sin sorg i sitt arbete. Han umgicks med Paul Strand och hans nya fru Rebecca (Beck), granskade en nykomling vid namn Edward Weston och började organisera en ny utställning av O'Keeffes verk. Hennes utställning öppnade i början av 1923 och Stieglitz ägnade en stor del av våren åt att marknadsföra hennes verk. Så småningom såldes tjugo av hennes målningar för mer än 3 000 dollar. På sommaren åkte O'Keeffe återigen iväg till sydvästerns avskildhet, och för en tid var Stieglitz ensam med Beck Strand vid Lake George. Han tog en rad nakenbilder av henne och snart blev han förälskad i henne. De hade en kort fysisk affär innan O'Keeffe återvände på hösten. O'Keeffe kunde berätta vad som hade hänt, men eftersom hon inte såg Stieglitz nya älskare som ett allvarligt hot mot deras förhållande lät hon saker och ting passera. Sex år senare skulle hon ha en egen affär med Beck Strand i New Mexico.

1924 godkändes Stieglitz skilsmässa slutligen av en domare, och inom fyra månader gifte han och O'Keeffe sig i en liten, privat ceremoni i Marins hus. De åkte hem utan mottagning eller smekmånad. O'Keeffe sade senare att de gifte sig för att hjälpa till att lindra problemen hos Stieglitz dotter Kitty, som vid den tiden behandlades på ett sanatorium för depression och hallucinationer. Under resten av deras gemensamma liv var deras förhållande, som biografen Benita Eisler beskrev det, "ett samförstånd ... ett system av avtal och kompromisser, som de tyst gick med på och genomförde, för det mesta utan att utbyta ett ord". O'Keeffe, som föredrog att undvika konfrontation i de flesta frågor, var den främsta agenten för samförstånd i deras förening".

Under de kommande åren skulle O'Keeffe tillbringa en stor del av sin tid med att måla i New Mexico, medan Stieglitz sällan lämnade New York utom under somrarna på sin fars familjs egendom vid Lake George i Adirondacks, hans favoritort för semester. O'Keeffe sade senare att "Stieglitz var hypokondriker och kunde inte vara mer än 80 mil från en läkare".

I slutet av 1924 donerade Stieglitz 27 fotografier till Boston Museum of Fine Arts. Det var första gången ett stort museum inkluderade fotografier i sin permanenta samling. Samma år tilldelades han Royal Photographic Society's Progress Medal för att ha främjat fotografiet och fick ett hedersmedlemskap i sällskapet.

Det intima galleriet och en amerikansk plats (1925-1937)

1925 bjöd Anderson Galleries in Stieglitz att sammanställa en av de största utställningarna av amerikansk konst med titeln Alfred Stieglitz Presents Seven Americans: 159 målningar, fotografier och saker, nya och aldrig tidigare offentligt visade av Arthur G. Dove, Marsden Hartley, John Marin, Charles Demuth, Paul Strand, Georgia O'Keeffe och Alfred Stieglitz. Endast en liten målning av O'Keeffe såldes under den tre veckor långa utställningen.

Kort därefter erbjöds Stieglitz att fortsätta använda ett av rummen i Anderson Galleries, som han använde för en serie utställningar med några av samma konstnärer som i Seven Americans-utställningen. I december 1925 öppnade han sitt nya galleri, "The Intimate Gallery", som han gav smeknamnet "The Room" på grund av dess ringa storlek. Under de följande fyra åren sammanställde han sexton utställningar med verk av Marin, Dove, Hartley, O'Keeffe och Strand, tillsammans med enskilda utställningar av Gaston Lachaise, Oscar Bluemner och Francis Picabia. Under denna tid odlade Stieglitz en relation med den inflytelserika nya konstsamlaren Duncan Phillips, som köpte flera verk genom The Intimate Gallery.

1927 blev Stieglitz förälskad i den 22-åriga Dorothy Norman, som då arbetade som volontär på galleriet, och de blev förälskade. Norman var gift och hade ett barn, men hon kom till galleriet nästan varje dag.

O'Keeffe tackade ja till Mabel Dodges erbjudande att åka till New Mexico under sommaren. Stieglitz drog nytta av hennes vistelse för att börja fotografera Norman, och han började också lära henne de tekniska aspekterna av tryckning. När Norman fick ett andra barn var hon borta från galleriet i ungefär två månader innan hon återvände regelbundet. Inom kort blev de älskare, men även när deras fysiska affärer avtog några år senare fortsatte de att arbeta tillsammans när O'Keeffe inte var i närheten tills Stieglitz dog 1946.

I början av 1929 fick Stieglitz veta att byggnaden där rummet låg skulle rivas senare under året. Efter en sista utställning av Demuths verk i maj drog han sig tillbaka till Lake George för sommaren, utmattad och deprimerad. The Strands samlade in nästan sextusen dollar till ett nytt galleri för Stieglitz, som reagerade hårt och sa att det var dags för "de unga" att göra en del av det arbete som han hade burit på i så många år. Även om Stieglitz så småningom bad om ursäkt och accepterade deras generositet markerade incidenten början på slutet av deras långa och nära relation.

Sent på hösten återvände Stieglitz till New York. Den 15 december, två veckor före sin 65-årsdag, öppnade han "An American Place", det största galleri han någonsin hade lett. Det hade det första mörkrum han någonsin haft i staden. Tidigare hade han lånat andra mörkrum eller arbetat endast när han var vid Lake George. Han fortsatte att visa grupputställningar eller enskilda utställningar med sina vänner Marin, Demuth, Hartley, Dove och Strand under de följande sexton åren. O'Keeffe fick minst en större utställning varje år. Han kontrollerade hårt tillgången till hennes verk och främjade henne oavbrutet även när kritikerna gav henne mindre bra recensioner. Under denna tid träffades de ofta bara på sommaren, när det var för varmt i hennes hem i New Mexico, men de skrev till varandra nästan varje vecka med själsfrändernas glöd.

År 1932 ordnade Stieglitz en fyrtioårig retrospektiv utställning av 127 av sina verk på The Place. Han inkluderade alla sina mest kända fotografier, men han valde också medvetet att inkludera nya foton av O'Keeffe, som på grund av sina år i sydvästvärldens sol såg äldre ut än sina fyrtiofem år, i jämförelse med Stieglitz' porträtt av sin unga älskare Norman. Det var en av de få gånger han uppträdde elakt mot O'Keeffe offentligt, och det kan ha varit ett resultat av deras allt intensivare diskussioner privat om hans kontroll över hennes konst.

Senare samma år visade han en utställning med O'Keeffes verk bredvid några amatörmässiga glasmålningar av Becky Strand. Han publicerade ingen katalog över utställningen, vilket Strand tog som en förolämpning. Paul Strand förlät aldrig Stieglitz för detta. Han sade: "Den dag jag gick in i Photo-Secession 291 1907 var ett stort ögonblick i mitt liv ... men den dag jag gick ut från An American Place 1932 var inte mindre bra. Det var frisk luft och personlig befrielse från något som hade blivit, åtminstone för mig, andra klassens, korrupt och meningslöst."

År 1936 återvände Stieglitz kort till sina fotografiska rötter genom att anordna en av de första utställningarna av Ansel Adams bilder i New York. Utställningen var framgångsrik och David McAlpin köpte åtta bilder av Adams. Två år senare ordnade han också en av de första utställningarna av Eliot Porters verk. Stieglitz, som ansågs vara "den moderna fotografins gudfader", uppmuntrade Todd Webb att utveckla sin egen stil och fördjupa sig i mediet.

Året därpå anordnade Cleveland Museum of Art den första stora utställningen av Stieglitz verk utanför hans egna gallerier. När han försäkrade sig om att varje avtryck var perfekt arbetade han sig själv till utmattning. O'Keeffe tillbringade större delen av det året i New Mexico.

De sista åren (1938-1946)

I början av 1938 drabbades Stieglitz av en allvarlig hjärtattack, en av sex hjärtinfarkter som skulle drabba honom under de följande åtta åren och som var och en lämnade honom allt svagare. Under hans frånvaro skötte Dorothy Norman galleriet. O'Keeffe stannade kvar i sitt hem i sydväst från våren till hösten under denna period.

Sommaren 1946 drabbades Stieglitz av en dödlig stroke och hamnade i koma. O'Keeffe återvände till New York och fann Dorothy Norman i hans sjukhusrum. Hon lämnade honom och O'Keeffe var med honom när han dog. I enlighet med hans önskemål hölls en enkel begravning där tjugo av hans närmaste vänner och familjemedlemmar deltog. Stieglitz kremerades och tillsammans med sin systerdotter Elizabeth Davidson tog O'Keeffe hans aska till Lake George och "lade honom där han kunde höra vattnet". Dagen efter begravningen tog O'Keeffe kontroll över An American Place.

Stieglitz producerade mer än 2 500 monterade fotografier under sin karriär. Efter hans död sammanställde O'Keeffe en uppsättning av vad hon ansåg vara de bästa av hans fotografier som han personligen hade monterat. I vissa fall inkluderade hon något olika versioner av samma bild, och dessa serier är ovärderliga för sina insikter om Stieglitz' estetiska komposition. År 1949 donerade hon den första delen av vad hon kallade "nyckeluppsättningen" av 1 317 Stieglitz-fotografier till National Gallery of Art i Washington DC. År 1980 lade hon till ytterligare 325 fotografier som Stieglitz tagit av henne, inklusive många nakenbilder. Med sina 1 642 fotografier är det den största och mest kompletta samlingen av Stieglitz' verk. År 2002 publicerade National Gallery en katalog i två volymer på 1 012 sidor som återgav hela nyckeluppsättningen tillsammans med detaljerade kommentarer om varje fotografi.

Under 2019 publicerade National Gallery en uppdaterad onlineutgåva av Alfred Stieglitz Key Set.

Källor

1. Alfred Stieglitz
2. Alfred Stieglitz
3. ^ a b c d e f g h i j k l m n o Richard Whelan (1995). Alfred Stieglitz: A Biography. NY: Little, Brown. pp. 11–22, 214, 281, 369–371, 382, 400. ISBN 0316934046.
4. ^ Alfred Stieglitz. Camera Work. The Complete Photographs 1903–1917. Taschen TMC Art. 1997. p. 8.
5. ^ a b c d Hunter Drohojowska-Philp (2004). Full Bloom: The Art and Life of Georgia O'Keeffe. W.W. Norton. pp. 54–57. ISBN 978-0-393-05853-6.
6. ^ a b c d Katherine Hoffman (2004). Stieglitz: A Beginning Light. New Haven: Yale University Press Studio. pp. 55–65, 122–140, 213–222.
7. À la fin de la guerre civile, son père en est un vétéran[1].
8. Les élèves de l'Institut Charlier devaient parler et écrire en français.
9. Afin d’éviter le monde académique américain de l’époque, particulièrement antisémite[4].
10. 1 2 https://data.bnf.fr/ark:/12148/cb119255674
11. 1 2 3 Artnet — 1998.
12. https://www.tate.org.uk/art/art-terms/t/photo-secession
13. Das Bild, Buchreihe LIFE Die Photographie, neu bearbeitete Ausgabe, Amsterdam 1982, Seite 12
14. Wolfgang Baier: Quellendarstellungen zur Geschichte der Fotografie. 2. Auflage, Schirmer/Mosel, München 1980, ISBN 3-921375-60-6, S. 533