Zusammenfassung

Henry Spencer Moore OM CH FBA (30. Juli 1898 - 31. August 1986) war ein englischer Künstler. Er ist vor allem für seine halb abstrakten monumentalen Bronzeskulpturen bekannt, die als öffentliche Kunstwerke auf der ganzen Welt zu finden sind. Neben seinen Skulpturen schuf Moore auch zahlreiche Zeichnungen, darunter eine Serie, die Londoner Bürger zeigt, die während des Zweiten Weltkriegs Schutz vor dem Blitzkrieg suchten, sowie weitere grafische Arbeiten auf Papier.

Seine Formen sind in der Regel Abstraktionen der menschlichen Figur, die typischerweise Mutter und Kind oder liegende Figuren darstellen. Abgesehen von einer Phase in den 1950er Jahren, in der er Familiengruppen bildhauerisch darstellte, sind Moores Werke in der Regel an den weiblichen Körper angelehnt. Seine Formen sind im Allgemeinen durchbohrt oder enthalten Hohlräume. Viele Interpreten vergleichen die wellenförmige Form seiner liegenden Figuren mit der Landschaft und den Hügeln seines Geburtsortes Yorkshire.

Moore wurde durch seine Skulpturen aus gemeißeltem Marmor und abstrakte Bronzeguss-Skulpturen in großem Maßstab bekannt und war maßgeblich an der Einführung einer bestimmten Form des Modernismus im Vereinigten Königreich beteiligt. Seine Fähigkeit, in späteren Jahren große Aufträge zu erfüllen, machte ihn außergewöhnlich wohlhabend. Trotzdem lebte er sparsam; das meiste Geld, das er verdiente, floss in die Gründung der Henry Moore Foundation, die bis heute die Bildung und die Förderung der Künste unterstützt.

Frühes Leben

Moore wurde in Castleford, West Riding of Yorkshire, England, als Sohn von Mary (geb. Baker) und Raymond Spencer Moore geboren. Sein Vater war irischer Abstammung und wurde zunächst stellvertretender Bergwerksdirektor und dann Unterdirektor der Zeche Wheldale in Castleford. Er war ein Autodidakt mit Interesse an Musik und Literatur. Er war fest entschlossen, seine Söhne nicht in den Bergwerken arbeiten zu lassen, und sah in der formalen Bildung den Weg für ihren Aufstieg. Henry war das siebte von acht Kindern in einer Familie, die oft mit Armut zu kämpfen hatte. Er besuchte die Vorschule und die Grundschule in Castleford, wo er mit dem Modellieren in Ton und dem Schnitzen in Holz begann. Er erklärte, dass er mit elf Jahren beschloss, Bildhauer zu werden, nachdem er bei einer Lesung in der Sonntagsschule von den Leistungen Michelangelos gehört hatte.

Bei seinem zweiten Versuch wurde er an der Castleford Secondary School angenommen, die mehrere seiner Geschwister besucht hatten, und sein Schulleiter bemerkte bald sein Talent und sein Interesse an mittelalterlicher Bildhauerei. Seine Kunstlehrerin Alice Gostick vertiefte sein Wissen über Kunst, und mit ihrer Ermutigung beschloss er, die Kunst zu seinem Beruf zu machen; zunächst nahm er an den Prüfungen für ein Stipendium an der örtlichen Kunsthochschule teil. Moores erste aufgezeichnete Schnitzereien - eine Gedenktafel für die Scott Society an der Castleford Secondary School und eine Ehrentafel zum Gedenken an die Jungen, die von der Schule aus in den Ersten Weltkrieg zogen - wurden in dieser Zeit ausgeführt.

Trotz seines frühen Versprechens waren Moores Eltern gegen eine Ausbildung zum Bildhauer, da sie diesen Beruf als handwerkliche Arbeit mit geringen Berufsaussichten betrachteten. Nach einer kurzen Einführung als Lehramtsstudent wurde Moore Lehrer an der Schule, die er besucht hatte. Als er achtzehn Jahre alt wurde, meldete sich Moore freiwillig zum Militärdienst im Ersten Weltkrieg. Er war der jüngste Mann im Prince of Wales' Own Civil Service Rifles Regiment und wurde 1917 bei einem Gasangriff am 30. November in Bourlon Wood verletzt. Nach seiner Genesung im Krankenhaus verbrachte er den Rest des Krieges als Sportlehrer und kehrte erst nach der Unterzeichnung des Waffenstillstands nach Frankreich zurück. Später erinnerte er sich: "Für mich verlief der Krieg in einem romantischen Dunst, in dem ich versuchte, ein Held zu sein". Diese Einstellung änderte sich, als er über die Zerstörungskraft des Krieges nachdachte, und 1940 schrieb er in einem Brief an seinen Freund Arthur Sale, dass "ein oder zwei Jahre später der Anblick einer khakifarbenen Uniform alles im Leben zu bedeuten begann, was falsch und verschwenderisch und lebensfeindlich war. Und dieses Gefühl habe ich immer noch."

Anfänge als Bildhauer

Nach dem Krieg erhielt Moore ein Stipendium für ehemalige Soldaten, um seine Ausbildung fortzusetzen. 1919 wurde er Student an der Leeds School of Art (heute Leeds Arts University), die eigens für ihn ein Bildhauerstudio einrichtete. An der Hochschule lernte er Barbara Hepworth kennen, eine Kommilitonin, die ebenfalls eine bekannte britische Bildhauerin werden sollte, und es begann eine Freundschaft und leichte berufliche Rivalität, die viele Jahre andauerte. In Leeds hatte Moore auch Zugang zu den modernistischen Werken in der Sammlung von Sir Michael Sadler, dem Vizekanzler der Universität, was sich stark auf seine Entwicklung auswirkte. 1921 erhielt Moore ein Stipendium für ein Studium am Royal College of Art in London, zusammen mit Hepworth und anderen Zeitgenossen aus Yorkshire. Während seines Aufenthalts in London vertiefte Moore sein Wissen über primitive Kunst und Bildhauerei und studierte die ethnografischen Sammlungen des British Museum.

Die studentischen Skulpturen von Moore und Hepworth folgten dem üblichen romantischen viktorianischen Stil und umfassten natürliche Formen, Landschaften und figürliche Tierdarstellungen. Später fühlte sich Moore mit den klassischen Idealen nicht mehr wohl; seine spätere Vertrautheit mit dem Primitivismus und der Einfluss von Bildhauern wie Constantin Brâncuși, Jacob Epstein, Henri Gaudier-Brzeska und Frank Dobson führten ihn zur Methode des direkten Schnitzens, bei der die Unvollkommenheiten des Materials und die von den Werkzeugen hinterlassenen Spuren Teil der fertigen Skulptur wurden. Nachdem er diese Technik übernommen hatte, geriet Moore in Konflikt mit seinen akademischen Lehrern, die diesen modernen Ansatz nicht zu schätzen wussten. Bei einer von Derwent Wood (Professor für Bildhauerei am Royal College) gestellten Aufgabe sollte Moore ein Marmorrelief der Jungfrau mit Kind von Domenico Rosselli zunächst in Gips modellieren und dann mit Hilfe eines mechanischen Hilfsmittels, der so genannten "Pointing Machine", in Marmor nachbilden, eine Technik, die "Pointing" genannt wird. Stattdessen schnitzte er das Relief direkt, wobei er sogar die Oberfläche markierte, um die Einstichspuren zu simulieren, die die Spitzmaschine hinterlassen hätte.

1924 erhielt Moore ein sechsmonatiges Reisestipendium, das er in Norditalien verbrachte, um die großen Werke von Michelangelo, Giotto di Bondone, Giovanni Pisano und einigen anderen Alten Meistern zu studieren. In dieser Zeit besuchte er auch Paris, nahm an der Académie Colarossi an den Kursen für zeitlich begrenztes Zeichnen teil und besichtigte im Trocadero einen Gipsabdruck einer toltekisch-mayaischen Skulptur, den Chac Mool, den er zuvor in Buchillustrationen gesehen hatte. Die liegende Figur sollte Moores Werk tiefgreifend beeinflussen und zum Hauptmotiv seiner Skulpturen werden.

Hampstead

Nach seiner Rückkehr nach London nahm Moore einen siebenjährigen Lehrauftrag am Royal College of Art an. Er musste zwei Tage pro Woche arbeiten, was ihm Zeit für seine eigene Arbeit ließ. Sein erster öffentlicher Auftrag, West Wind (1928-29), war eines der acht Reliefs der "vier Winde" an den Wänden des Hauptquartiers der Londoner U-Bahn am Broadway 55. Die anderen "Winde" wurden von zeitgenössischen Bildhauern, darunter Eric Gill, geschnitzt, während die ebenerdigen Stücke von Epstein geliefert wurden. 1928 fand Moores erste Einzelausstellung in der Warren Gallery in London statt. Am 19. Juli 1929 heiratete Moore Irina Radetsky, eine Malereistudentin am Royal College. Irina wurde 1907 in Kiew geboren. Ihr Vater wurde in der Russischen Revolution getötet, und ihre Mutter wurde nach Paris evakuiert, wo sie einen britischen Offizier heiratete. Irina wurde ein Jahr später nach Paris geschmuggelt und ging dort bis zu ihrem 16. Lebensjahr zur Schule. Danach wurde sie zu den Verwandten ihres Stiefvaters nach Buckinghamshire geschickt.

Irina fand Sicherheit in ihrer Ehe mit Moore und posierte bald für ihn. Kurz nach ihrer Heirat zog das Paar in ein Atelier in Hampstead, 11a Parkhill Road NW3, und schloss sich damit einer kleinen Kolonie von Avantgarde-Künstlern an, die sich dort niederließen. Kurz darauf zogen Hepworth und ihr zweiter Ehemann Ben Nicholson in ein Atelier um die Ecke von Moore, während Naum Gabo, Roland Penrose, Cecil Stephenson und der Kunstkritiker Herbert Read ebenfalls in der Gegend lebten (Read bezeichnete die Gegend als "ein Nest von sanften Künstlern"). Das Viertel war auch ein Zwischenstopp für viele geflüchtete Künstler, Architekten und Designer aus Kontinentaleuropa auf dem Weg nach Amerika.

Nach einer sechsjährigen Lehrtätigkeit am Royal College trat Moore 1932 eine Stelle als Leiter der Abteilung für Bildhauerei an der Chelsea School of Art an. Künstlerisch entwickelten Moore, Hepworth und andere Mitglieder der Seven and Five Society immer abstraktere Werke, die zum Teil durch ihre häufigen Reisen nach Paris und ihre Kontakte zu führenden progressiven Künstlern wie Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Arp und Alberto Giacometti beeinflusst wurden. Moore liebäugelte mit dem Surrealismus und schloss sich 1933 der modernen Kunstbewegung "Unit One" von Paul Nash an. 1934 reiste Moore nach Spanien und besuchte die Höhle von Altamira (die er als "Königliche Akademie für Höhlenmalerei" bezeichnete), Madrid, Toledo und Pamplona.

1936 schloss sich Moore einer von Roland Penrose gegründeten Gruppe surrealistischer Künstler an und war im selben Jahr ehrenamtlicher Schatzmeister des Organisationskomitees der Londoner Internationalen Surrealistenausstellung. 1937 erwarb Roland Penrose von Moore ein abstraktes "Mutter und Kind" in Stein, das er im Vorgarten seines Hauses in Hampstead ausstellte. Das Werk war bei den anderen Bewohnern umstritten, und die lokale Presse führte in den folgenden zwei Jahren eine Kampagne gegen das Werk. Zu dieser Zeit ging Moore allmählich vom direkten Schnitzen zum Bronzeguss über und modellierte vorläufige Maquetten in Ton oder Gips, anstatt vorbereitende Zeichnungen anzufertigen.

1938 begegnete Moore zum ersten Mal Kenneth Clark. Von diesem Zeitpunkt an wurde Clark zu einem unwahrscheinlichen, aber einflussreichen Förderer von Moores Werk, und durch seine Position als Mitglied des Arts Council of Great Britain sicherte er Ausstellungen und Aufträge für den Künstler.

Zweiter Weltkrieg

Bei Ausbruch des Zweiten Weltkriegs wurde die Chelsea School of Art nach Northampton evakuiert, und Moore trat von seinem Lehrauftrag zurück. Während des Krieges fertigte Moore aussagekräftige Zeichnungen von Londonern an, die in der Londoner U-Bahn schliefen, während sie Schutz vor dem Blitz suchten. Kenneth Clark, der Vorsitzende des War Artists' Advisory Committee (WAAC), hatte zuvor versucht, Moore als fest angestellten Kriegskünstler anzuwerben, und erklärte sich nun bereit, einige der Schutzraum-Zeichnungen zu erwerben und Verträge für weitere Exemplare auszustellen. Die vom WAAC erworbenen Schutzraumzeichnungen wurden zwischen Herbst 1940 und Frühjahr 1941 fertiggestellt und gelten als eines der besten Produkte des WAAC-Programms. Im August 1941 beauftragte das WAAC Moore mit der Zeichnung von Bergleuten, die unter Tage in der Wheldale Colliery in Yorkshire arbeiteten, wo sein Vater zu Beginn des Jahrhunderts tätig gewesen war. Moore zeichnete die Menschen in den Unterständen, die passiv auf die Entwarnung warteten, während die Bergleute aggressiv in den Kohleflözen arbeiteten. Diese Zeichnungen trugen dazu bei, Moores internationales Ansehen zu steigern, insbesondere in Amerika, wo Beispiele in die WAAC-Ausstellung Britain at War aufgenommen wurden, die während des gesamten Krieges durch Nordamerika tourte.

Nachdem ihr Haus in Hampstead im September 1940 von Bombensplittern getroffen worden war, verließen Moore und Irina London und zogen in ein Bauernhaus namens Hoglands in dem Weiler Perry Green in der Nähe von Much Hadham in Hertfordshire. Dies sollte für den Rest seines Lebens Moores Wohn- und Arbeitsstätte werden. Obwohl er im Laufe seines Lebens zu beträchtlichem Reichtum gelangte, sah Moore nie die Notwendigkeit, in ein größeres Gebäude umzuziehen, und abgesehen von einer Reihe von Nebengebäuden und Ateliers veränderte sich das Haus im Laufe der Jahre kaum. 1943 erhielt er von der St. Matthew's Church, Northampton, den Auftrag, eine Madonna mit Kind zu schnitzen; diese Skulptur war die erste in einer bedeutenden Serie von Familiengruppen-Skulpturen.

Spätere Jahre

Nach dem Krieg und mehreren früheren Fehlgeburten brachte Irina im März 1946 ihre Tochter Mary Moore zur Welt. Das Kind wurde nach Moores Mutter benannt, die zwei Jahre zuvor gestorben war. Sowohl der Verlust seiner Mutter als auch die Geburt des Kindes lenkten Moores Gedanken auf die Familie, was er in seinem Werk durch zahlreiche "Mutter-und-Kind"-Kompositionen zum Ausdruck brachte, obwohl er liegend und in sich gekehrt arbeitete.

Vor dem Krieg war der Pädagoge Henry Morris, der mit seinem Konzept des Village College das Bildungswesen reformieren wollte, an Moore herangetreten. Morris hatte Walter Gropius als Architekten für sein zweites Village College in Impington bei Cambridge engagiert und wollte, dass Moore eine große öffentliche Skulptur für den Standort entwirft. Der Grafschaftsrat konnte sich jedoch den gesamten Entwurf von Gropius nicht leisten und reduzierte das Projekt, als Gropius nach Amerika auswanderte. Da ihm die Mittel fehlten, musste Morris Moores Skulptur, die über das Stadium der Maquette nicht hinausgekommen war, streichen. Moore konnte den Entwurf 1950 für einen ähnlichen Auftrag vor einer Sekundarschule in der neuen Stadt Stevenage wiederverwenden. Diesmal wurde das Projekt fertiggestellt und die Familiengruppe wurde Moores erste großformatige Bronzeskulptur im öffentlichen Raum.

In den 1950er Jahren erhielt Moore zunehmend bedeutende Auftragsarbeiten. Er stellte die Reclining Figure: Festival auf dem Festival of Britain 1951 aus, und 1958 schuf er eine große Liegefigur aus Marmor für das UNESCO-Gebäude in Paris. Mit den vielen öffentlichen Kunstwerken wuchs der Umfang von Moores Skulpturen beträchtlich, und er begann, eine wachsende Zahl von Assistenten zu beschäftigen, die mit ihm in Much Hadham arbeiteten, darunter Anthony Caro

Auf dem Campus der University of Chicago wurde im Dezember 1967, auf die Minute genau 25 Jahre nach der ersten kontrollierten, sich selbst erhaltenden nuklearen Kettenreaktion, die von einem Physikerteam unter der Leitung von Enrico Fermi durchgeführt wurde, Moore's Nuclear Energy an der Stelle enthüllt, an der sich früher die Fußballtribüne der Universität befand, und zwar in dem Racketfeld, unter dem die Experimente stattgefunden hatten. Dieses 12 Fuß hohe Werk in der Mitte eines großen, offenen Platzes wird oft als Darstellung eines Atompilzes betrachtet, der von einem riesigen menschlichen Schädel gekrönt wird, aber Moores Interpretation war eine ganz andere. Er sagte einmal zu einem Freund, er hoffe, dass die Betrachter "um das Werk herumgehen und durch die offenen Räume hinausschauen, damit sie das Gefühl haben, in einer Kathedrale zu sein". In Chicago, Illinois, erinnerte Moore auch an die Wissenschaft mit einer großen bronzenen Sonnenuhr, die den lokalen Namen Man Enters the Cosmos (1980) trägt und als Anerkennung für das Weltraumforschungsprogramm in Auftrag gegeben wurde.

Die letzten drei Jahrzehnte von Moores Leben verliefen in ähnlicher Weise; mehrere große Retrospektiven fanden in der ganzen Welt statt, vor allem eine sehr prominente Ausstellung im Sommer 1972 auf dem Gelände des Forte di Belvedere oberhalb von Florenz. Nach dem bahnbrechenden Dokumentarfilm "Henry Moore", der 1951 von John Read produziert wurde, trat er in zahlreichen Filmen auf. So war Moore 1964 in der Dokumentation "5 British Sculptors (Work and Talk)" des amerikanischen Filmemachers Warren Forma zu sehen. Ende der 1970er Jahre wurden seine Werke in etwa 40 Ausstellungen pro Jahr gezeigt. Die Zahl der Auftragsarbeiten nahm weiter zu; 1962 stellte er Knife Edge Two Piece für College Green in der Nähe der Houses of Parliament in London fertig. Moore sagte: "Als mir der Platz in der Nähe des House of Lords angeboten wurde ... gefiel mir der Ort so gut, dass ich mir nicht die Mühe machte, einen alternativen Standort im Hyde Park zu suchen - eine einsame Skulptur kann in einem großen Park verloren gehen. Der Standort im House of Lords ist ganz anders. Sie befindet sich neben einem Weg, auf dem die Leute spazieren gehen, und es gibt ein paar Sitzgelegenheiten, wo sie sich hinsetzen und die Skulptur betrachten können."

Als sein Reichtum wuchs, begann Moore, sich Gedanken über sein Erbe zu machen. Mit Hilfe seiner Tochter Mary gründete er 1972 den Henry Moore Trust, um seinen Nachlass vor Erbschaftssteuern zu schützen. Um seine Steuerlast zu verringern, gründete er 1977 die Henry Moore Foundation als eingetragene Wohltätigkeitsorganisation mit Irina und Mary als Treuhändern. Die Stiftung wurde gegründet, um die öffentliche Wertschätzung der bildenden Künste und insbesondere der Werke von Moore zu fördern. Sie verwaltet nun sein Haus und Anwesen in Perry Green mit einer Galerie, einem Skulpturenpark und Ateliers.

1979 wurde Henry Moore in Deutschland unerwartet bekannt, als seine Skulptur Large Two Forms auf dem Vorplatz des Bundeskanzleramtes in Bonn aufgestellt wurde, das vor der deutschen Wiedervereinigung im Oktober 1990 die Hauptstadt der Bundesrepublik Deutschland war.

Moore starb am 31. August 1986 in seinem Haus in Perry Green. Sein Leichnam wurde auf dem Friedhof der St. Thomas's Church beigesetzt.

Moores charakteristische Form ist eine liegende Figur. Moores Erkundung dieser Form unter dem Einfluss der toltekisch-maurischen Figur, die er im Louvre gesehen hatte, sollte ihn zu einer zunehmenden Abstraktion führen, während er seine Gedanken auf das Experimentieren mit den Elementen des Designs richtete. Moores frühere liegende Figuren befassen sich hauptsächlich mit der Masse, während seine späteren die festen Elemente der Skulptur mit dem Raum kontrastieren, nicht nur um sie herum, sondern im Allgemeinen durch sie hindurch, da er die Formen mit Öffnungen durchstößt.

Frühere Figuren werden auf konventionelle Weise durchbohrt, wobei sich gebogene Gliedmaßen vom Körper trennen und wieder zusammenfügen. Die späteren, abstrakteren Figuren sind oft von Räumen durchdrungen, die direkt durch den Körper verlaufen, wobei Moore konkave und konvexe Formen erforscht und abwechselnd einsetzt. Diese extremeren Durchbohrungen entwickelten sich parallel zu den Skulpturen von Barbara Hepworth. Hepworth durchbohrte zum ersten Mal einen Torso, nachdem sie eine Kritik über eine frühe Ausstellung von Henry Moore falsch gelesen hatte. Die Gipsfigur Reclining Figure: Festival (1951) in der Tate ist charakteristisch für Moores spätere Skulpturen: eine abstrakte weibliche Figur, die von Leerräumen durchsetzt ist. Wie bei vielen seiner Nachkriegswerke gibt es auch von dieser Skulptur mehrere Bronzeabgüsse. Auf die Frage von Moores Nichte, warum seine Skulpturen so einfache Titel hätten, antwortete er,

Jede Kunst sollte ein gewisses Mysterium haben und Ansprüche an den Betrachter stellen. Wenn man einer Skulptur oder einer Zeichnung einen zu eindeutigen Titel gibt, nimmt man ihr einen Teil dieses Geheimnisses, so dass der Betrachter zum nächsten Objekt weitergeht, ohne sich die Mühe zu machen, über die Bedeutung dessen, was er gerade gesehen hat, nachzudenken. Jeder denkt, dass er schaut, aber das tut er nicht wirklich, wissen Sie.

Moores Frühwerk konzentriert sich auf die direkte Schnitzerei, bei der sich die Form der Skulptur durch wiederholtes Abtragen des Blocks entwickelt. In den 1930er Jahren vollzog sich Moores Übergang zur Moderne parallel zu dem von Barbara Hepworth; die beiden tauschten neue Ideen miteinander und mit mehreren anderen Künstlern aus, die damals in Hampstead lebten. Für jede Skulptur fertigte Moore zahlreiche vorbereitende Skizzen und Zeichnungen an. Die meisten dieser Skizzenbücher sind erhalten geblieben und geben einen Einblick in Moores Entwicklung. Er legte großen Wert auf das Zeichnen; im hohen Alter, als er an Arthritis litt, zeichnete er weiter.

Nach dem Zweiten Weltkrieg wurden Moores Bronzen immer größer, was sich besonders für öffentliche Aufträge eignete. Aus praktischen Gründen gab er das direkte Schnitzen weitgehend auf und stellte mehrere Assistenten ein, die ihm bei der Herstellung der größeren Formen auf der Grundlage von Maquetten halfen. Ende der 1940er Jahre fertigte er seine Skulpturen zunehmend durch Modellieren an, indem er die Form in Ton oder Gips ausarbeitete, bevor er das endgültige Werk im Wachsausschmelzverfahren in Bronze goss. Diese Maquetten begannen oft als kleine, von Moores Händen geformte Formen - ein Prozess, der seinen Werken ein organisches Gefühl verleiht. Sie sind aus dem Körper entstanden. In seinem Haus in Much Hadham baute Moore eine Sammlung natürlicher Objekte auf: Schädel, Treibholz, Kieselsteine, Felsen und Muscheln, die er als Inspiration für organische Formen nutzte. Für seine größten Werke fertigte er in der Regel ein Arbeitsmodell in halbem Maßstab an, bevor er es für die endgültige Formgebung und den Guss in einer Bronzegießerei vergrößerte. Moore verfeinerte oft die endgültige Gipsform und fügte vor dem Guss Oberflächenmarkierungen hinzu.

Moore schuf im Laufe seiner Karriere mindestens drei bedeutende Beispiele für architektonische Skulpturen. 1928 nahm er trotz seiner selbst beschriebenen "extremen Vorbehalte" seinen ersten öffentlichen Auftrag für West Wind für das Londoner U-Bahn-Gebäude am Broadway 55 in London an und schloss sich damit der Gesellschaft von Jacob Epstein und Eric Gill an. 1953 vollendete er einen vierteiligen, aus Portland-Stein gehauenen Paravent für das Time-Life Building in der New Bond Street in London. 1955 wandte sich Moore seinem ersten und einzigen Werk aus behauenem Ziegelstein zu, dem Wall Relief für das Bouwcentrum in Rotterdam. Das Ziegelrelief wurde von zwei holländischen Maurern unter Moores Aufsicht aus 16.000 Ziegeln geformt.

Die Folgen des Zweiten Weltkriegs, der Holocaust und das Zeitalter der Atombombe vermittelten der Bildhauerei Mitte der 1940er Jahre das Gefühl, dass die Kunst zu ihren vorkulturellen und vorrationalen Ursprüngen zurückkehren sollte. In der Literatur jener Zeit vertraten Schriftsteller wie Jean-Paul Sartre eine ähnliche reduktive Philosophie. In einer Einführungsrede in New York City anlässlich einer Ausstellung eines der besten Bildhauer der Moderne, Alberto Giacometti, sprach Sartre vom "Anfang und Ende der Geschichte". Moores Vorstellung von England, das aus der Belagerung unbesiegt hervorgeht, führte dazu, dass er sich auf Werke konzentrierte, die von Beständigkeit und Kontinuität geprägt sind.

Die meisten Bildhauer, die während des Höhepunkts von Moores Ruhm und nach seinem Tod auftraten, standen in seinem Schatten. In den späten 1940er Jahren war Moore eine weltweite Berühmtheit; er war die Stimme der britischen Bildhauerei und des britischen Modernismus im Allgemeinen. Die nachfolgende Generation wurde ständig mit ihm verglichen und reagierte darauf, indem sie sein Erbe, seine "Establishment"-Befähigung und seine Position in Frage stellte. Auf der Biennale von Venedig 1952 stellten acht neue britische Bildhauer ihre Werke Geometry of Fear (Geometrie der Angst) als direkten Kontrast zu den Idealen hinter Moores Idee von Ausdauer und Kontinuität her; seine große Bronze Double Standing Figure stand außerhalb des britischen Pavillons und bildete einen starken Kontrast zu den raueren und kantigeren Werken im Inneren.

Dennoch hatte Moore einen direkten Einfluss auf mehrere Generationen von Bildhauern mit britischem und internationalem Ruf. Zu den Künstlern, die Moores Bedeutung für ihre Arbeit anerkannt haben, gehören Sir Anthony Caro und Isaac Witkin, alle drei waren Assistenten von Moore. Zu den anderen Künstlern, die von ihm beeinflusst wurden, gehören Helaine Blumenfeld, Drago Marin Cherina, Lynn Chadwick, Eduardo Paolozzi, Bernard Meadows, Reg Butler, William Turnbull, Robert Adams, Kenneth Armitage und Geoffrey Clarke.

Die Henry Moore Foundation trägt dazu bei, sein Vermächtnis zu bewahren, indem sie Bildhauer unterstützt und Ausstellungen organisiert, mit dem Ziel, die Wertschätzung für die bildende Kunst zu fördern. Die Stiftung wurde 1977 von Henry und seiner Familie in England gegründet und ist noch immer tätig.

Kontroverse

Im Dezember 2005 wurde die zwei Tonnen schwere Reclining Figure (1969-70), die mit 3 Millionen Pfund versichert ist, mit einem Kran vom Gelände der Henry Moore Foundation auf einen Lastwagen gehoben und bis heute nicht wiedergefunden. Zwei Männer wurden 2012 für ein Jahr ins Gefängnis gesteckt, weil sie eine Skulptur namens Sundial (1965) und den Bronzesockel eines anderen Werks, ebenfalls aus dem Nachlass der Stiftung, gestohlen hatten. Im Oktober 2013 wurde Standing Figure (1950), eine von vier Moore-Skulpturen im Glenkiln Sculpture Park, deren Wert auf 3 Millionen Pfund geschätzt wird, gestohlen.

Im Jahr 2012 gab die Stadtverwaltung des Londoner Bezirks Tower Hamlets ihre Pläne bekannt, eine andere Version der 1,6 Tonnen schweren Bronzeskulptur Draped Seated Woman 1957-58 zu verkaufen. Moore, ein bekannter Sozialist, hatte die Skulptur zu einem Bruchteil ihres Marktwerts an den damaligen Londoner Bezirksrat verkauft, mit der Maßgabe, dass sie in einem öffentlichen Raum aufgestellt werden und das Leben der Bewohner eines sozial benachteiligten Viertels bereichern sollte. Die "Old Flo" genannte Skulptur wurde 1962 in der Stifford-Siedlung aufgestellt, wurde jedoch mutwillig zerstört und 1997 in den Yorkshire Sculpture Park gebracht. Der Stadtrat von Tower Hamlets hatte später erwogen, die Drapierte Sitzende Frau auf ein Privatgrundstück in Canary Wharf zu verlegen, entschied sich aber stattdessen dafür, "Optionen" für einen Verkauf zu prüfen. Als Reaktion auf die Ankündigung wurde im Guardian ein offener Brief veröffentlicht, der von Mary Moore, der Tochter des Künstlers, von Sir Nicholas Serota, dem Direktor der Tate Gallery, dem Filmemacher Danny Boyle und von Künstlern wie Jeremy Deller unterzeichnet war. In dem Brief hieß es, der Verkauf widerspreche "dem Geist des ursprünglichen Verkaufs des Werks von Henry Moore".

Beliebtes Interesse

Heute verwaltet die Henry Moore Foundation das ehemalige Wohnhaus des Künstlers in Perry Green in Hertfordshire als Besucherzentrum mit einem 70 Hektar großen Skulpturenpark sowie seinem restaurierten Haus und seinen Ateliers. Außerdem betreibt sie das Henry Moore Institute in Leeds, das Ausstellungen und Forschungsaktivitäten zur internationalen Bildhauerei organisiert. Das Interesse der Öffentlichkeit an Moores Werk schien im Vereinigten Königreich eine Zeit lang nachzulassen, wurde aber in jüngster Zeit durch Ausstellungen, u. a. 2007 in Kew Gardens, 2010 in der Tate Britain und 2011 in Hatfield House, wiederbelebt. Die von ihm gestiftete Stiftung spielt mit ihrem Stipendien- und Ausstellungsprogramm weiterhin eine wichtige Rolle bei der Förderung zeitgenössischer Kunst im Vereinigten Königreich und im Ausland.

England

Die weltweit größte Sammlung von Moores Werken ist für die Öffentlichkeit zugänglich und befindet sich im Haus und auf dem Gelände des 70 Hektar großen Anwesens, das Moore 40 Jahre lang in Perry Green in Hertfordshire bewohnte. Das Gelände und die Sammlung befinden sich heute im Besitz der Henry Moore Foundation.

Im Dezember 2005 drangen Diebe in einen Innenhof der Henry Moore Foundation ein und stahlen einen Abguss von Moores Reclining Figure 1969-70 (LH 608) - eine 3,6 Meter lange und 2,1 Tonnen schwere Bronzeskulptur. Aufnahmen der Videoüberwachung zeigten, dass sie einen Kran benutzten, um die Skulptur auf einen gestohlenen Pritschenwagen zu laden. Die Stiftung setzte eine hohe Belohnung für Hinweise aus, die zur Wiederbeschaffung der Skulptur führen. Im Mai 2009 erklärten britische Beamte nach einer gründlichen Untersuchung, dass sie glauben, dass das Werk, das einst auf 3 Millionen Pfund geschätzt wurde, wahrscheinlich als Schrott verkauft wurde und etwa 5.000 Pfund einbrachte. Im Juli 2012 wurde die 56 cm (22 Zoll) große Bronze-Sonnenuhr von 1965 im Wert von 500.000 £ aus der Moore-Stiftung gestohlen. Nachdem die Einzelheiten des Diebstahls in der BBC-Fernsehsendung Crimewatch veröffentlicht worden waren, wurde das Werk später im selben Jahr wiedergefunden, und die Diebe wurden zu zwölf Monaten Haft verurteilt.

Moore schenkte der Tate Gallery im Jahr 1978 36 Skulpturen sowie Zeichnungen, Maquetten und andere Werke.

Toronto

Das Henry Moore Sculpture Centre in der Art Gallery of Ontario, Toronto, wurde 1974 eröffnet. Es umfasst die weltweit größte öffentliche Sammlung von Moores Werken, die er größtenteils zwischen 1971 und 1974 gestiftet hat. Moores Three Way Piece No. 2 (The Archer) ist seit 1966 auch auf dem Nathan Phillips Square im Rathaus von Toronto zu sehen.

1948 gewann Moore den Internationalen Preis für Bildhauerei auf der Biennale von Venedig. Eine Ernennung zum Ritter lehnte er 1951 ab, weil er der Meinung war, dass er dadurch als eine Figur des Establishments wahrgenommen würde und dass "ein solcher Titel dazu führen könnte, mich von Künstlerkollegen abzugrenzen, deren Arbeit ähnliche Ziele verfolgt wie meine". Dennoch wurde er 1955 mit dem Companion of Honour und 1968 mit dem Erasmus-Preis ausgezeichnet. Er war außerdem Mitglied der American Academy of Arts and Sciences und der American Philosophical Society.

Er war Treuhänder sowohl der National Gallery als auch der Tate Gallery. Sein Vorschlag, dass ein Flügel der Tate Gallery seinen Skulpturen gewidmet werden sollte, stieß bei einigen Künstlern auf Ablehnung. Im Jahr 1975 wurde er der erste Präsident der Turner Society, die gegründet worden war, um sich für ein separates Museum einzusetzen, in dem der gesamte Turner-Nachlass vereint werden sollte, was von der National Gallery und der Tate Gallery abgelehnt wurde.

Das 1967 von Moore und der Contemporary Art Society der Stadt London geschenkte Werk Knife Edge Two Piece 1962-65 ist in den Abingdon Street Gardens gegenüber den Houses of Parliament ausgestellt, wo es regelmäßig im Hintergrund von Fernsehnachrichten aus Westminster zu sehen ist und somit Moores bekanntestes Werk in Großbritannien darstellt. Der Besitz von Knife Edge Two Piece 1962-65 war bis zum Erwerb durch die Parlamentarische Kunstsammlung im Jahr 2011 umstritten.

Am Ende seiner Karriere war Moore der weltweit erfolgreichste lebende Künstler bei Auktionen. Im Jahr 1982, vier Jahre vor seinem Tod, verkaufte Sotheby's in New York eine 1,50 m große Liegende Figur (1945) für 1,2 Millionen Dollar an den Sammler Wendell Cherry. Obwohl 1990 ein erster Rekord von 4,1 Millionen Dollar erzielt wurde, brach Moores Markt während der darauf folgenden Rezession ein. Im Jahr 2012 wurde seine zwei Meter hohe Bronze Reclining Figure: Festival (1951) für den Rekordpreis von 19,1 Millionen Pfund bei Christie's verkauft, was ihn zum zweitteuersten britischen Künstler des 20. Jahrhunderts nach Francis Bacon machte.

Quellen

1. Henry Moore
2. Henry Moore
3. ^ Grohmann, 16.
4. ^ Grohmann, 15.
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6. ^ Berthoud, 16–19
7. (en) Norfolk Museums & Archaeology Service. pag 1
8. a b c d e f g h i j Henry Moore Foundation
9. 1953 : Londres, 1958 : Harvard, 1959 : Cambridge et Reading, 1968 : Toronto et d'autres, Russoli, Mitchinson, Moore p. 304-305.
10. For me, the war passed in a romantic haze of hoping to be a hero. Sometimes in France there were 3 or 4 days of great danger, when you thought there wasn't any chance of getting through. Then all one felt was sadness, at having taken so much trouble for no purpose. But on the whole I enjoyed the army." And again in 1986, shortly before his death, he said: « I was not horrified by war, I wanted to win a medal. »
11. Death, since the war is not, I think, a stranger to many of our modern poets. Many people however make death a stranger from their fear of it, their fear of even its contemplation. My experience in France made me thinkmuch about God, and death, and duty. Some of my thoughts were very vague, too vague, some of them, to be expressed. The one great mistake in religion, as I have known it, is the belief it creates in one, that god is on my team. He is strong, and powerful,and good. But were He almighty, the things I saw and experienced, the great bloodshed, the great pain, the insufferable agony, and the depravity, the tears, and inhuman devilishness of the war would, could, never have been.
12. Devenu par la suite un illustrateur reconnu en Angleterre.
13. a b c d e f g «Biography: 1898 - 1925» (en inglés). Henry Moore Foundation. Archivado desde el original el 4 de agosto de 2013. Consultado el 2 de enero de 2010.
14. a b c d e f g h i j Chilvers, Ian; Arturo Colorado Castellary y Teresa Garín Sanz de Bremond. Diccionario del arte del siglo XX. Madrid: Editorial Complutense. pp. 545-546. ISBN 8-474-91600-3.  La referencia utiliza el parámetro obsoleto |coautores= (ayuda)
15. a b «Yellow Brick Studio (Carving Studio)» (en inglés). Henry Moore Foundation. Archivado desde el original el 12 de marzo de 2010. Consultado el 2 de enero de 2010.
16. «Henry Moore: Abstraction and Surrealism: The 1930s» (en inglés). Galería Nacional de Arte (Washington). Archivado desde el original el 15 de enero de 2009. Consultado el 24 de enero de 2009.