Zusammenfassung

Jasper Johns (Augusta, 15. Mai 1930) ist ein amerikanischer Maler und Bildhauer, der zusammen mit dem Künstler Robert Rauschenberg als einer der führenden Vertreter des Neuen Dada gilt.

Frühe Jahre

Johns wurde 1930 in Augusta geboren, wuchs aber in Allendale auf, wo er nach der Scheidung seiner Eltern bei seinen Großeltern und Onkeln lebte. Über diesen Lebensabschnitt sagte er später: "Dort, wo ich aufgewachsen bin, gab es keine Künstler und keine Kunst, also wusste ich nicht wirklich, was das bedeutet. Ich dachte, es würde bedeuten, dass ich mich in einer anderen Situation befinden würde als ich es war. In einem Interview zu Beginn der 1960er Jahre erzählt er, dass er im Alter von drei Jahren ununterbrochen zu zeichnen begann und im Alter von fünf Jahren beschloss, Künstler zu werden. Er besuchte bis zur vierten Klasse die Schule in Columbia (South Carolina), zog dann mit seiner Mutter, seinem Stiefvater und seinen Halbbrüdern in verschiedene Bundesstaaten und beendete seine höhere Schulbildung in Sumter (South Carolina). Zwischen 1947 und 1948 besuchte er die University of South Carolina für insgesamt drei Semester, dann zog er auf Einladung seiner Kunstlehrer nach New York, wo er 1949 ein Semester lang an der Parsons School of Design studierte. Danach arbeitete er als Kurier und Verkäufer.

1950s

In den frühen 1950er Jahren diente Johns in der Armee und wurde im Rahmen des Koreakriegs auch nach Sendai (Japan) geschickt. 1953 kehrte er nach New York zurück. Mit einem Stipendium für Veteranen schrieb er sich am Hunter College ein, brach aber nach einem Unfall am ersten Tag ab. Zwischen 1953 und 1954 arbeitete er in der Buchhandlung Marboro Books. Durch die Schriftstellerin Suzi Gablick lernte er den Künstler Robert Rauschenberg kennen, mit dem sich eine langjährige Freundschaft und auch gegenseitige künstlerische Beeinflussung entwickelte. Im Jahr 1954 traf Johns auch die Komponisten Morton Feldman und John Cage (mit denen er einige Jahre später nach Japan zurückkehrte) und den Tänzer und Choreografen Merce Cunningham.

Gegen Mitte des Jahrzehnts beschloss der Künstler, alle seine früheren Werke zu zerstören (er kaufte sogar die verkauften Werke zurück, um sie loszuwerden), und nur vier von ihnen überlebten: Diese Aktion entsprach dem Beginn einer neuen Periode für den Künstler, einer radikalen Veränderung und einer Wiedergeburt. So entwickelte er einen originellen und persönlichen künstlerischen Stil, der im Gegensatz zum gestischen und energischen Stil des so genannten Abstrakten Expressionismus steht und zur Entstehung von Bewegungen wie der Pop Art, dem Minimalismus und der Konzeptkunst beitragen sollte. So entstanden die erste Zielscheibe mit vier Gesichtern, die erste Serie der Zahlen 1, 2, 5 und 7 und die erste Weiße Fahne, der im Laufe der Jahre zahlreiche weitere Versionen folgten, die in Form von Gemälden, Druckgrafiken und Zeichnungen zersetzt, invertiert, vervielfältigt oder entsättigt wurden. Er verwendet klare und unpersönliche Ikonen und Themen, um sich auf die Technik der Herstellung und die handwerkliche Ausführung des Werks zu konzentrieren.

1955 gründete er zusammen mit Rauschenberg die Firma Matson Jones - Custom Display, in der die beiden als Schaufenstergestalter tätig waren, unter anderem für Tiffany&Co. und im Jahr darauf für Bonwit Teller. Im Rahmen einer dieser Ausstellungen wurde die Weiße Flagge ausgestellt.

Im Mai 1957 nahm Johns an einer Gruppenausstellung in der Galerie Leo Castelli teil, 1958 stellte er seine Werke erneut in einer Einzelausstellung in der gleichen Galerie aus. Alfred Barr, der erste Direktor des Moma - Museum of Modern Art in New York, war von Target with Plaster Casts (1955) beeindruckt, auch wenn das Werk vor seiner Ausstellung Gegenstand von Diskussionen und Kritik war, da es als zu provokativ für eine Ausstellung in einem Museum angesehen wurde. Das New Yorker Museum erwarb daher drei Werke des Künstlers. Target with Four Faces erscheint auf der Titelseite der bekannten Zeitschrift Artnews. 1958 wurden die Werke von Johns anlässlich der XXIX. Biennale von Venedig zum ersten Mal in Europa ausgestellt. So beginnt der Künstler, sich in der amerikanischen und europäischen Kunstszene zu etablieren; 1959 stellt er in Paris und Mailand aus. Ebenfalls 1958 schuf er seine ersten Metallskulpturen, Flashlight I und Lightclub I.

Nach dem Erfolg seiner Einzelausstellung im Castelli's im Jahr 1958 beschließt Johns, einen neuen Weg einzuschlagen. Den Anfang macht das Werk False Start (1959), in dem der Künstler von der Enkaustiktechnik zur Ölmalerei übergeht und eine vielschichtige Farbverteilung mit unbeständigeren Pinselstrichen bevorzugt. Barr war von diesem neuen Werk verwirrt, da die Farbverteilung der Kunst des Abstrakten Expressionismus sehr nahe kam, dem Johns stets feindlich gegenüberstand.

Die Sechzigerjahre

Anfang der 1960er Jahre begann der Künstler, sich für das Motiv der Landkarte der Vereinigten Staaten (das auch Gegenstand mehrerer späterer Versionen wie der Flagge war) und das Thema der Abdrücke des menschlichen Körpers zu interessieren; außerdem begann er, in der Bildhauerei mit Bronze zu arbeiten. 1961 reiste er anlässlich der Ausstellung seiner Werke in der Galerie Rive Droite in Paris zum ersten Mal nach Europa und nahm später an der Ausstellung Le Nouveau Réalisme à Paris et à New York in derselben Galerie teil. Im Gegensatz zu seiner früheren Periode ist seine Kunst tendenziell autobiografisch, komplexer und verwirrender. In vielen Gemälden verwendet er ausgiebig die Farbe Grau (auch als Hommage an den Maler René Magritte), wie zum Beispiel in Canvas (1956) und Gray Alphabets (1956), in denen eine melancholische Ausdrucksebene dominiert.

In den Werken dieses Jahrzehnts fügt er meist Linien, Farbskalen oder Thermometer ein, die die Idee des Messens wiedergeben, wie in Periscope (1963) zu sehen ist. In diesen Jahren arbeitete er mit dem Schriftsteller und Kunstkurator Frank O'Hara zusammen, mit dem er eine Sammlung von Bildern und Gedichten zusammenstellte, und er zitiert auch eines seiner Gedichte in In Memory of My Feelings - Frank O'Hara (1961). Im Jahr 1963 nahm er an der Ausstellung Pop Art USA im Oakland Art Museum in Kalifornien teil und wurde einer der Gründungsvorsitzenden der Foundation for Contemporary Performance Arts Inc. Im Jahr 1964 schuf er sein bisher größtes Werk, das laut Kirk Varnedoe ein Kompendium seines gesamten Schaffens darstellt.

Im selben Jahr fand im Jüdischen Museum in New York eine Retrospektive mit über 170 seiner Werke statt, die später in England und Kalifornien wiederholt wurde, und er nahm an der XXXII Biennale von Venedig und der Documenta III in Kassel teil. Ebenfalls 1964, anlässlich des Flaggentags, beschloss der Kunsthändler Leo Castelli, Präsident John Kennedy eine Bronzeversion von Flag (1960) zu schenken, eine Entscheidung, die Johns als schrecklich empfand, da er darin eine Instrumentalisierung seiner Kunst sah. Im Jahr 1969 veröffentlichte der Künstler Thoughts on Duchamp in Art in America und erhielt später die Ehrendoktorwürde der Universität von South Carolina in Klassik. Am Ende des Jahrzehnts veröffentlichte der Kunsthistoriker Max Kozloff eine Monografie über ihn mit dem Titel Jasper Johns.

1970s

Zwischen 1974 und 1982 wurden die so genannten Kreuzschraffuren zum Hauptmuster seiner Gemälde. Es taucht zum ersten Mal in Ohne Titel (1972) auf, ist aber am besten in Duft (1973-1974) vertreten, wo sich das wachsende Interesse des Künstlers an grafischen Techniken manifestiert, die in diesem Werk mit den Themen Sexualität und Tod kombiniert werden. Die gleichen Themen finden sich auch in dem darauf folgenden Film Zwischen Uhr und Bett (1981), der auf dem gleichnamigen Gemälde von Edvard Munch basiert. 1973 traf er in Paris den Dramatiker Samuel Beckett, um mit ihm über eine mögliche Zusammenarbeit an dem Kunstbuch Foirades

In der zweiten Hälfte des Jahrzehnts fand eine große Retrospektive im Whitney Museum in New York statt, die anschließend in Köln, Paris, London, Tokio und San Francisco wiederholt wurde. In der Folge kaufte das New Yorker Museum Three Flags für eine Million Dollar, die höchste Summe, die bis dahin für einen noch lebenden amerikanischen Künstler gezahlt wurde, und in den 1980er Jahren erzielten Johns' Werke kontinuierlich sehr hohe Preise. Im Jahr 1978 wurde er zum Ehrenmitglied der Accademia delle arti del disegno in Florenz ernannt (und später 1987 und 1993 emeritiert). Zwischen 1979 und 1981 verwendet er in seinen Werken wieder Gegenstände wie Messer, Gabeln und Löffel und interessiert sich auch für neue Formen der gegenständlichen Darstellung wie tantrische Motive.

1980s

Ab den 1980er Jahren sind die Arbeiten von einem starken psychologischen und privaten Ansatz geprägt, wie zum Beispiel in In the Studio (1982), Perilous Night (1982) und Racing Thoughts (1983), in denen der Künstler auf eine psychische Störung verweist, die ihn in dieser Zeit heimsuchte. Auch sein Malstil änderte sich mit der Einführung von Doppelbildern, Zitaten von anderen Künstlern und Trompe-l'œil-Effekten. Zwischen 1980 und 1982 wurde er Mitglied der Académie Royale des Beaux-Arts in Stockholm und der American Academy of Arts and Sciences in Boston. Zwischen 1985 und 1986 malte er die "Vier Jahreszeiten", die traditionell als die Zeitalter des Lebens angesehen werden. Diese Bilder wurden erstmals in der Galerie von Leo Castelli am West Broadway ausgestellt und brachten ihm später den großen Preis auf der Biennale von Venedig 1988 ein. Im Jahr 1989 wurde er als 38. Mitglied in die South Carolina Hall of Fame aufgenommen, eine Auszeichnung, die den berühmtesten Persönlichkeiten seines Landes vorbehalten ist, und er wurde in die American Academy of Arts and Letters aufgenommen. Auch der Dokumentarfilm Jasper Johns: Ideas in Paint von Rick Tejada-Flores (1989) ist ihm gewidmet.

Die letzten Jahre

In den 1990er Jahren erhielt er verschiedene Preise, darunter die National Medal of Arts, die ihm 1990 von US-Präsident George Bush im Weißen Haus überreicht wurde. Er hatte mehrere Ausstellungen: eine Retrospektive im MoMA in New York mit anschließenden Stationen in Köln und Tokio (1996-1997), Jasper Johns: New Paintings and Works on Paper im San Francisco Museum of Modern Art, gefolgt von Ausstellungen in der Yale University Art Gallery und im Dallas Museum of Art (1999), eine Ausstellung im Walker Art Center, die in anderen Zentren in den Vereinigten Staaten, Spanien, Schottland und Irland fortgesetzt wurde (2003), und schließlich Jasper Johns: Prints from the Low Road Studio in der Castelli Gallery (2004).

Am Ende des Jahrhunderts zeichnet sich eine neue Phase in seiner Malerei ab, die zur "Entleerung" der Bildfläche tendiert; dies zeigt sich zum Beispiel in der Serie Catenary (1999), in der der Titel Catenary auf die Kurve hinweist, die durch die Wirkung der Schwerkraft von einem Draht erzeugt wird, der an seinen Enden befestigt ist, so dass in den verschiedenen Werken die Drähte, real oder gemalt, die Fläche durchqueren und das einzige Thema innerhalb der Leinwand sind. In den letzten Jahren hat sich Johns hauptsächlich nach Sharon (Connecticut) und auf die Insel Saint Martin in Französisch-Westindien zurückgezogen, wo er ein Atelier besitzt, das der Architekt Philip Johnson für ihn gebaut hat.

Es gibt verschiedene Möglichkeiten, dem Künstler einen Rahmen zu geben. Zunächst einmal gilt Johns als einer der Hauptvertreter des New Dada, einer amerikanischen Kunstströmung, die sich auf die Dada-Kunst der Jahrhundertwende bezieht und wie diese die so genannten Duchamp'schen Readymades (d.h. der Realität entnommene Objekte) in das Kunstwerk einfügt. Diese Strömung steht auch dem zeitgenössischen französischen Nouveau Réalisme sehr nahe, bei dem Gegenstände aus dem banalsten Alltag verwendet werden. Die Einbeziehung des Ready-made in das Werk ist daher auch eine Lösung für das Problem der Darstellung des Realen und des Gewöhnlichen. Der Künstler selbst sagt, dass man in seinen Werken jene Objekte findet, die man zwar sieht, aber nicht wirklich sieht.

Die Verwendung von wenig manipulierten Objekten, die einfach in das Werk eingefügt werden, hängt auch damit zusammen, dass Johns die Kunst des Abstrakten Expressionismus ablehnt und daher die gestische Komponente seiner Intervention auf ein Minimum reduzieren und die formalen und konstitutiven Aspekte des Bildes selbst bevorzugen will. Diese ablehnende Haltung zeigt sich bereits in der Arbeit Target with Plaster Casts, wo die Präsenz von Abgüssen menschlicher Körperteile auf den vermeintlichen Gegensatz zwischen "abstrakter" und "figurativer" Kunst anspielen könnte. Auch in Painting with Two Balls (Gemälde mit zwei Bällen) greift er den Mythos der amerikanischen Malerei an, der mit der Generation von Künstlern wie Jackson Pollock und Willem de Kooning verbunden ist: Die zwei gemalten Bälle spielen in der Tat auf eine ironische Beschreibung seiner selbst an, die sich von der typischen, theatralisch zur Schau gestellten Männlichkeit anderer amerikanischer Künstler unterscheidet.

Schließlich gilt er als der Künstler, der die Pop Art initiierte, ohne sich dessen bewusst zu sein.

Ein weiteres Merkmal seiner Kunst besteht darin, dass er die Frage nach der Unterscheidung oder Verbindung zwischen Realität und Darstellung, realem Bild und gemaltem Bild offen hält; tatsächlich sind viele seiner Werke, angefangen bei den Flaggen, durch eine losgelöste und tautologische Darstellung eines gemeinsamen Gegenstands gekennzeichnet, dessen Grenzen mit den Grenzen der Leinwand zusammenfallen. Was für den Künstler zählt, ist die Intensität, mit der das, was er bereits über den Gegenstand weiß, das beeinflusst, was wir in ihm sehen; er selbst braucht nämlich kein Modell, um eine Fahne oder eine Zielscheibe zu malen, da die Vorstellung, die er von dem Gegenstand im Kopf hat, ausreicht. Insbesondere Arbeiten, die Fahnen, Buchstaben oder Zielscheiben zum Gegenstand haben, spielen daher mit der Ambivalenz zwischen dem Objekt selbst und seiner Darstellung. Sehr oft stellt er im Zusammenhang mit seinen Fahnen die rhetorische Frage: "Ist es eine Fahne oder ein Gemälde?".

Enkaustik

Enkaustik ist eine Technik, die der Künstler sehr häufig für seine Werke verwendet. Sie geht auf das alte Ägypten zurück und besteht aus dem Mischen von Pigmenten und geschmolzenem Wachs in der so genannten Enkaustik, der Johns gewöhnlich Stoffstücke oder Zeitungsausschnitte hinzufügt. Das Endergebnis grenzt an das Figürliche, behält jedoch sichtbare Spuren der Manipulation durch den Künstler, das Weben von Stoffen oder auf Papier gedruckte Texte, wodurch sich das Werk für mehrere Interpretationsebenen zwischen der Präsentation und der Darstellung eines Bildes öffnet. Die Oberfläche der Werke ist verführerisch und faszinierend, aber auch neu, originell und aktuell im Kontext der amerikanischen Kunst in den Jahren, in denen Johns sie verwendete.

Traditionell wird das für die Enkaustikmalerei verwendete so genannte punische Wachs durch Kochen von heißem Wachs in Meerwasser gewonnen, dem dann Wasser, gelöschter Kalk und Leim zugesetzt werden; die in Wasser aufgelöste und noch heiße Mischung wird über die Farbe gegossen und sofort vermischt, auf das Werk aufgetragen, trocknen gelassen und schließlich erneut erhitzt, damit die Pigmente auf der Oberfläche wieder hervortreten können. Diese Technik ermöglicht die Zugabe jeder Art von Pigment und erfordert keine sehr schnelle Ausführungszeit; sie ist außerdem sehr langlebig, da das Wachs nicht oxidiert.

Quellen

1. Jasper Johns
2. Jasper Johns
3. ^ Jasper Johns compie novant'anni. Il racconto di "Flag" in un'intervista degli anni 70, su ArtsLife, 15 maggio 2020. URL consultato il 26 marzo 2021.
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12. (en-US) « Jasper Johns | About the Painter | American Masters | PBS », American Masters,‎ 28 mars 2008 (lire en ligne, consulté le 28 septembre 2017)
13. Horne, Peter; Lewis, Reina (1996), Outlooks: lesbian and gay sexualities and visual cultures, Routledge, p. 43, (ISBN 978-0-415-12468-3), "Rauschenberg, who was better known in 1963 than Warhol was, and Jasper Johns were both prototypical Pop artists as well as gay men; they also were lovers." ^ Gay Artist Robert Rauschenberg Dead at 82. The Advocate. 14 May 2008. "He met Jasper Johns in 1954. He and the younger artist, both destined to become world-famous, became lovers and influenced each other's work. According to the book Lives of the Great 20th Century Artists, Rauschenberg told biographer Calvin Tomkins that 'Jasper and I literally traded ideas. He would say, 'I've got a terrific idea for you', and then I'd have to find one for him."
14. Jacques Damase, Sonia Delaunay, mode et tissus imprimés, Paris, Jacques Damase, 1991, 176 p. (ISBN 2-904632-34-4), p. 57
15. Reproduction dans "Beaux-Arts magazine" no 75, janvier 1990, p. 39
16. Member History: Jasper Johns. American Philosophical Society, abgerufen am 14. Oktober 2018 (englisch, mit Biographie).