Zusammenfassung

Fred Astaire (10. Mai 1899 - 22. Juni 1987) war ein amerikanischer Tänzer, Schauspieler, Sänger, Choreograph und Fernsehmoderator. Er gilt weithin als der größte Tänzer der Filmgeschichte.

Seine Bühnen- und spätere Film- und Fernsehkarriere erstreckte sich über insgesamt 76 Jahre. Er spielte die Hauptrolle in mehr als 10 Broadway- und West End-Musicals, drehte 31 Musicalfilme, vier Fernsehspecials und machte zahlreiche Aufnahmen. Als Tänzer zeichnete er sich durch ein unheimliches Rhythmusgefühl, Perfektionismus und Innovation aus. Seine denkwürdigste Tanzpartnerschaft war die mit Ginger Rogers, mit der er in einer Reihe von zehn Hollywood-Musicals im Zeitalter des klassischen Hollywood-Kinos mitwirkte, darunter Top Hat (1935), Swing Time (1936) und Shall We Dance (1937). Zu den anderen bemerkenswerten Filmen, in denen Astaire weitere Popularität erlangte und das Genre des Stepptanzes auf ein neues Niveau brachte, gehören Holiday Inn (1942), Easter Parade (1948), The Band Wagon (1953), Funny Face (1957) und Silk Stockings (1957). Das American Film Institute bezeichnete Astaire in 100 Years... als den fünftgrößten männlichen Star des klassischen Hollywood-Kinos. 100 Stars.

1899-1916: Frühes Leben und Karriere

Fred Astaire wurde am 10. Mai 1899 als Frederick Austerlitz in Omaha, Nebraska, als Sohn von Johanna "Ann" (1878-1975) und Friedrich "Fritz" Emanuel Austerlitz, in den USA geboren: Frederic Austerlitz (1868-1923). Astaires Mutter wurde in den USA als Tochter lutherischer deutscher Einwanderer aus Ostpreußen und dem Elsass geboren. Astaires Vater wurde in Linz, Österreich, als Sohn römisch-katholischer Eltern geboren, die vom Judentum konvertiert waren.

Astaires Vater, Fritz Austerlitz, kam im Alter von 25 Jahren am 26. Oktober 1893 auf Ellis Island in New York City an. Fritz suchte Arbeit im Brauereigewerbe und zog nach Omaha, Nebraska, wo er bei der Storz Brewing Company angestellt war. Astaires Mutter träumte davon, durch die Talente ihrer Kinder aus Omaha zu entkommen. Astaires ältere Schwester, Adele, war schon in ihrer Kindheit eine begabte Tänzerin und Sängerin. Johanna plante für ihre beiden Kinder eine "Geschwisternummer", wie sie damals im Varieté üblich war. Obwohl Fred sich zunächst weigerte, Tanzunterricht zu nehmen, ahmte er mit Leichtigkeit die Schritte seiner älteren Schwester nach und lernte Klavier, Akkordeon und Klarinette.

Als der Vater seine Arbeit verlor, zog die Familie im Januar 1905 nach New York City, um die Karriere der Kinder im Showgeschäft zu starten. Sie begannen ihre Ausbildung an der Alviene Master School of the Theatre and Academy of Cultural Arts. Die Mutter von Fred und Adele schlug vor, den Namen in "Astaire" zu ändern, da sie der Meinung war, dass "Austerlitz" an die Schlacht von Austerlitz erinnerte. Die Familienlegende führt den Namen auf einen Onkel mit dem Nachnamen "L'Astaire" zurück.

Sie erhielten Tanz-, Sprech- und Gesangsunterricht, um sich auf die Entwicklung einer Nummer vorzubereiten. Ihre erste Nummer hieß Juvenile Artists Presenting an Electric Musical Toe-Dancing Novelty. Fred trug in der ersten Hälfte einen Zylinder und einen Frack und in der zweiten Hälfte ein Hummerkostüm. In einem Interview sagte Astaires Tochter Ava Astaire McKenzie, dass sie Fred oft einen Zylinder aufsetzten, um ihn größer aussehen zu lassen. Im November 1905 debütierte die alberne Nummer in Keyport, New Jersey, in einem "Probetheater". Die Lokalzeitung schrieb: "Die Astaires sind die größte Kindernummer im Vaudeville".

Dank der Verkaufskunst ihres Vaters erhielten Fred und Adele einen großen Vertrag und traten im Orpheum Circuit im Mittleren Westen, im Westen und in einigen Städten des Südens der USA auf. Bald war Adele mindestens fünf Zentimeter größer als Fred, und die beiden sahen nicht mehr zusammenpassend aus. Die Familie beschloss, eine zweijährige Pause vom Showgeschäft einzulegen, um der Zeit ihren Lauf zu lassen und Ärger mit der Gerry Society und den Kinderarbeitsgesetzen der damaligen Zeit zu vermeiden. 1912 trat Fred in die Episkopalkirche ein. Die Karriere der Geschwister Astaire begann mit gemischtem Erfolg, aber mit zunehmender Geschicklichkeit und Perfektion, als sie begannen, Stepptanz in ihre Routinen einzubauen. Astaire wurde von Bill "Bojangles" Robinson und John "Bubbles" Sublett inspiriert. Von dem Varieté-Tänzer Aurelio Coccia lernten sie den Tango, Walzer und andere Gesellschaftstänze, die von Vernon und Irene Castle populär gemacht wurden. Einige Quellen geben an, dass die Astaire-Geschwister 1915 in einem Film mit dem Titel Fanchon, the Cricket mit Mary Pickford in der Hauptrolle auftraten, aber die Astaires haben dies stets bestritten.

Im Alter von 14 Jahren hatte Fred die musikalische Verantwortung für ihre Show übernommen. 1916 lernte er George Gershwin kennen, der als Song-Plugger für den Musikverlag von Jerome H. Remick arbeitete. Fred war bereits auf der Suche nach neuen Musik- und Tanzideen. Ihre zufällige Begegnung sollte die Karriere beider Künstler nachhaltig beeinflussen. Astaire war immer auf der Suche nach neuen Tanzschritten und begann, sein unaufhörliches Streben nach Neuem und Perfektion zu demonstrieren.

1917-1933: Bühnenkarriere am Broadway und in London

Den Durchbruch am Broadway schafften die Astaires 1917 mit Over the Top, einer patriotischen Revue, und traten zu dieser Zeit auch vor amerikanischen und alliierten Truppen auf. Es folgten noch mehrere weitere Shows. Über ihre Arbeit in The Passing Show von 1918 schrieb Heywood Broun: "An einem Abend, an dem es eine Fülle von guten Tänzen gab, ragte Fred Astaire heraus ... Er und seine Partnerin Adele Astaire brachten die Show mit einem schönen, locker-lässigen Tanz früh am Abend zum Stillstand."

Adeles Glanz und Humor zogen einen Großteil der Aufmerksamkeit auf sich, was zum Teil auf Freds sorgfältige Vorbereitung und scharfe unterstützende Choreografie zurückzuführen war. Sie gab nach wie vor den Ton der Show an. Aber zu diesem Zeitpunkt begann Astaire's tänzerisches Können das seiner Schwester zu überstrahlen.

In den 1920er Jahren traten Fred und Adele am Broadway und auf der Londoner Bühne auf. In Shows wie Jerome Kerns The Bunch and Judy (1922), George und Ira Gershwins Lady, Be Good (1924) und Funny Face (1927) sowie später in The Band Wagon (1931) wurden sie vom Theaterpublikum auf beiden Seiten des Atlantiks gelobt. Astaires Stepptanz wurde damals als einer der besten anerkannt. So schrieb Robert Benchley 1930: "Ich glaube nicht, dass ich die Nation in einen Krieg stürzen werde, wenn ich behaupte, dass Fred der beste Stepptänzer der Welt ist." Während seines Aufenthalts in London studierte Fred an der Guildhall School of Music Klavier an der Seite seines Freundes und Kollegen Noël Coward. 1926 war er einer der Juroren beim Wettbewerb "Charleston (Tanz) Championship of the World" in der Royal Albert Hall, den Lew Grade gewann.

Nach dem Ende von Funny Face gingen die Astaires nach Hollywood, um bei Paramount Pictures Probeaufnahmen zu machen (die inzwischen verloren sind), aber Paramount hielt sie für ungeeignet für Filme.

Sie trennten sich 1932, als Adele ihren ersten Ehemann, Lord Charles Cavendish, den zweiten Sohn des 9. Fred Astaire feierte daraufhin alleine Erfolge am Broadway und in London mit Gay Divorce (später verfilmt als The Gay Divorcee), während er Angebote aus Hollywood in Betracht zog. Das Ende der Partnerschaft war für Astaire traumatisch, regte ihn aber dazu an, sein Spektrum zu erweitern.

Frei von den Bruder-Schwester-Zwängen des früheren Paares und in Zusammenarbeit mit der neuen Partnerin Claire Luce kreierte Fred einen romantischen Partnertanz zu Cole Porters "Night and Day", der für Gay Divorce geschrieben worden war. Luce erklärte, dass sie ihn ermutigen musste, einen romantischeren Ansatz zu wählen: "Komm schon, Fred, ich bin doch nicht deine Schwester.":  6 Der Erfolg des Bühnenstücks wurde dieser Nummer zugeschrieben, und als sie in The Gay Divorcee (1934), der Verfilmung des Stücks, wiederaufgeführt wurde, läutete sie eine neue Ära des gefilmten Tanzes ein: 23, 26, 61 Kürzlich wurde von der Tänzerin und Historikerin Betsy Baytos Filmmaterial von Fred Stone entdeckt, das Astaire bei seinem Auftritt in Gay Divorce mit Luces Nachfolgerin Dorothy Stone 1933 in New York zeigt und nun das früheste bekannte Aufführungsmaterial von Astaire darstellt.

1933-1939: Astaire und Ginger Rogers bei RKO

Der Hollywood-Folklore zufolge soll ein Testbericht über Astaire für RKO Radio Pictures, der heute zusammen mit dem Test verloren gegangen ist, gelautet haben: "Kann nicht singen. Kann nicht schauspielern. Glatze. Kann ein wenig tanzen." Der Produzent der Astaire-Rogers-Filme, Pandro S. Berman, behauptete, er habe die Geschichte in den 1930er Jahren nie gehört und sie sei erst Jahre später aufgetaucht: 7 Astaire stellte später klar, dass der Bericht lautete: "Kann nicht schauspielern. Leicht kahlköpfig. Auch tanzt." In jedem Fall war der Test eindeutig enttäuschend, und David O. Selznick, der Astaire bei RKO unter Vertrag genommen und den Test in Auftrag gegeben hatte, erklärte in einem Memo: "Ich bin mir unsicher, was den Mann angeht, aber ich habe das Gefühl, dass sein Charme trotz seiner riesigen Ohren und seiner schlechten Kinnlinie so groß ist, dass er sogar bei diesem erbärmlichen Test durchkommt.":  7

Dies hatte jedoch keinen Einfluss auf die Pläne von RKO für Astaire. Sie liehen ihn 1933 für ein paar Tage an MGM aus, wo er sein bedeutendes Hollywood-Debüt in dem erfolgreichen Musicalfilm Dancing Lady gab. In dem Film trat er als er selbst auf und tanzte mit Joan Crawford. Nach seiner Rückkehr zu RKO wurde er 1933 in dem Dolores del Río-Film Flying Down to Rio an fünfter Stelle nach Ginger Rogers an vierter Stelle genannt. In einer Rezension schrieb das Variety-Magazin den großen Erfolg des Films der Anwesenheit Astaires zu:

Der Hauptpunkt von Flying Down to Rio ist das Leinwandversprechen von Fred Astaire ... Nach diesem Film ist er mit Sicherheit eine Wette wert, denn er ist auf der Leinwand ausgesprochen sympathisch, das Mikrofon schont seine Stimme und als Tänzer bleibt er eine Klasse für sich. Letzteres wird für die Branche keine Neuigkeit sein, die seit langem zugibt, dass Astaire dort anfängt zu tanzen, wo die anderen aufhören zu humpeln:  7

Nachdem er auf der Bühne bereits mit seiner Schwester Adele liiert war, war Astaire zunächst sehr abgeneigt, Teil eines weiteren Tanzteams zu werden. Er schrieb seinem Agenten: "Ich habe nichts dagegen, noch einen Film mit ihr zu drehen, aber diese 'Team'-Idee ist out! Ich habe es gerade geschafft, eine Partnerschaft zu überleben, und ich möchte nicht mit einer weiteren belästigt werden.":  8 Dennoch ließ er sich von der offensichtlichen öffentlichen Attraktivität des Paares Astaire-Rogers überzeugen. Die Partnerschaft und die Choreografie von Astaire und Hermes Pan trugen dazu bei, dass der Tanz zu einem wichtigen Element des Hollywood-Filmmusicals wurde.

Astaire und Rogers drehten neun Filme gemeinsam bei RKO. Dazu gehörten Flying Down to Rio (1933), The Gay Divorcee (1934), Roberta (1935, in dem Astaire auch seine oft übersehenen Klavierkünste mit einem temperamentvollen Solo über "I Won't Dance" demonstriert), Top Hat (1935), Follow the Fleet (1936), Swing Time (1936), Shall We Dance (1937), Carefree (1938) und The Story of Vernon and Irene Castle (alle diese Filme brachten ein gewisses Prestige und künstlerisches Können mit sich, das damals von allen Studios begehrt wurde. Ihre Partnerschaft verhalf beiden zum Ruhm; Katharine Hepburn soll gesagt haben: "Er gibt ihr Klasse und sie gibt ihm Sexappeal.":  134 Astaire erhielt eine prozentuale Beteiligung an den Gewinnen der Filme, etwas, das in den Verträgen der Schauspieler zu jener Zeit selten vorkam.

Astaire revolutionierte den Tanz auf dem Film, indem er völlige Autonomie bei der Präsentation des Tanzes hatte. Ihm werden zwei wichtige Neuerungen in den frühen Filmmusicals zugeschrieben: 23, 26 Erstens bestand er darauf, dass eine engmaschig verfolgende Dolly-Kamera eine Tanzroutine in so wenigen Einstellungen wie möglich filmt, in der Regel mit nur vier bis acht Schnitten, wobei die Tänzerinnen und Tänzer stets im Blickfeld blieben. So entstand die Illusion einer fast unbeweglichen Kamera, die einen ganzen Tanz in einer einzigen Einstellung filmt. Astaire witzelte bekanntlich: "Entweder die Kamera tanzt oder ich tanze":  420 Astaire behielt diese Politik von The Gay Divorcee (1934) bis zu seinem letzten Filmmusical Finian's Rainbow (1968) bei, als der Regisseur Francis Ford Coppola ihn überstimmte.

Astaires Stil der Tanzsequenzen ermöglichte es dem Zuschauer, die Tänzer und die Choreografie in ihrer Gesamtheit zu verfolgen. Dieser Stil unterschied sich deutlich von dem der Busby Berkeley-Musicals. Die Sequenzen dieser Musicals waren voll von extravaganten Luftaufnahmen, Dutzenden von Schnitten für schnelle Aufnahmen und Zooms auf Körperteile wie eine Arm- oder Beinreihe des Chors.

Astaires zweite Neuerung betraf den Kontext des Tanzes; er bestand darauf, dass alle Gesangs- und Tanzeinlagen in die Handlung des Films integriert wurden. Anstatt den Tanz als Spektakel zu verwenden, wie es Busby Berkeley tat, nutzte Astaire ihn, um die Handlung voranzutreiben. In der Regel enthielt ein Astaire-Film mindestens drei Standardtänze. Einer davon war ein Soloauftritt von Astaire, den er sein "Sockensolo" nannte. Ein weiterer ist ein komödiantischer Partnertanz. Schließlich würde er eine romantische Tanzroutine mit einem Partner einbauen.

Die Tanzkommentatoren Arlene Croce (146-147) und John Mueller (8, 9) sind der Meinung, dass Rogers der beste Tanzpartner von Astaire war. Die Filmkritikerin Pauline Kael nimmt eine neutralere Haltung ein, während der Filmkritiker des Time Magazine, Richard Schickel, schreibt: "Die Nostalgie, die Rogers-Astaire umgibt, neigt dazu, andere Partner auszublenden".

Mueller fasst die Fähigkeiten von Rogers wie folgt zusammen:

Rogers war unter Astaires Partnerinnen nicht deshalb herausragend, weil sie anderen als Tänzerin überlegen war, sondern weil sie als geschickte, intuitive Schauspielerin klug genug war, um zu erkennen, dass die Schauspielerei nicht aufhörte, wenn das Tanzen begann ... der Grund, warum so viele Frauen davon träumten, mit Fred Astaire zu tanzen, ist, dass Ginger Rogers den Eindruck vermittelte, dass das Tanzen mit ihm die aufregendste Erfahrung ist, die man sich vorstellen kann.

Laut Astaire "hatte Ginger vor Flying Down to Rio noch nie mit einem Partner getanzt. Sie hat sehr viel vorgetäuscht. Sie konnte nicht steppen und sie konnte dies und jenes nicht ... aber Ginger hatte Stil und Talent und wurde immer besser. Sie wurde so gut, dass nach einer Weile jeder andere, der mit mir tanzte, falsch aussah." Auf S. 162 seines Buches Ginger: Salute to a Star zitiert der Autor Dick Richards Astaire, der zu Raymond Rohauer, dem Kurator der New York Gallery of Modern Art, sagte: "Ginger war brillant effektiv. Sie hat alles für sich arbeiten lassen. Eigentlich hat sie die Dinge für uns beide sehr gut gemacht, und ihr gebührt der größte Teil des Verdienstes an unserem Erfolg."

1976 fragte der britische Talkshow-Moderator Sir Michael Parkinson Astaire, wer sein Lieblingstanzpartner sei. Zunächst weigerte sich Astaire zu antworten. Aber schließlich sagte er: "Entschuldigen Sie, ich muss sagen, Ginger war sicherlich, äh, äh, die eine. Wissen Sie, der effektivste Partner, den ich hatte. Das weiß jeder."

Rogers beschrieb Astaires kompromisslosen Anspruch, der sich auf die gesamte Produktion erstreckte: "Manchmal fällt ihm eine neue Dialogzeile oder ein neuer Blickwinkel für die Geschichte ein ... man weiß nie, zu welcher Nachtzeit er anruft und begeistert von einer neuen Idee schwärmt ... Bei einem Astaire-Film wird nicht gefaulenzt und nicht an der falschen Stelle gespart":  16

Trotz ihres Erfolges war Astaire nicht bereit, seine Karriere ausschließlich an eine Partnerschaft zu binden. Er verhandelte mit RKO, um mit A Damsel in Distress (1937) mit der unerfahrenen, nicht tanzenden Joan Fontaine einen Alleingang zu wagen - ohne Erfolg, wie sich herausstellte. Er kehrte zurück und drehte zwei weitere Filme mit Rogers, Carefree (1938) und The Story of Vernon and Irene Castle (1939). Während beide Filme respektable Bruttoeinnahmen erzielten, verloren sie aufgrund der gestiegenen Produktionskosten Geld: 410 und Astaire verließ RKO, nachdem er von den Independent Theatre Owners of America als "Kassengift" bezeichnet worden war. Astaire war wieder mit Rogers im Jahr 1949 bei MGM für ihre letzte Outing, The Barkleys of Broadway, der einzige ihrer Filme zusammen, um in Technicolor gedreht werden.

1940-1947: Holiday Inn, Vorruhestand

Astaire verließ RKO 1939, um sich freiberuflich zu betätigen und neue Filmmöglichkeiten zu nutzen, mit gemischten, aber im Allgemeinen erfolgreichen Ergebnissen. Während dieser Zeit schätzte Astaire weiterhin den Beitrag seiner choreografischen Mitarbeiter. Anders als in den 1930er Jahren, als er fast ausschließlich mit Hermes Pan arbeitete, nutzte er nun die Talente anderer Choreografen, um sich ständig zu erneuern. Seine erste Tanzpartnerin nach Ginger war die gefürchtete Eleanor Powell, die als die außergewöhnlichste Stepptänzerin ihrer Generation galt. Sie spielten die Hauptrolle in Broadway Melody von 1940, wo sie eine gefeierte, ausgedehnte Tanzroutine zu Cole Porters "Begin the Beguine" aufführten. In seiner Autobiografie Steps in Time bemerkte Astaire: "Sie hat sie wie ein Mann 'runtergemacht', kein zickig-zickiges Zeug mit Ellie. Sie hat wirklich einen Stepptanz hingelegt, der eine Klasse für sich war."

Er spielte neben Bing Crosby in Holiday Inn (1942) und später in Blue Skies (1946). Doch trotz des enormen finanziellen Erfolgs beider Filme war er Berichten zufolge unzufrieden mit Rollen, in denen er das Mädchen an Crosby verlor. Der erste Film ist vor allem wegen seines virtuosen Solotanzes zu "Let's Say it with Firecrackers" in Erinnerung geblieben. Der zweite Film enthielt "Puttin' On the Ritz", ein innovatives Lied- und Tanzprogramm, das unauslöschlich mit ihm verbunden ist. Zu seinen weiteren Partnern in dieser Zeit gehörte Paulette Goddard in Second Chorus (1940), in dem er das Orchester von Artie Shaw dirigierte.

Er drehte zwei Filme mit Rita Hayworth. Der erste Film, You'll Never Get Rich (1941), katapultierte Hayworth zum Ruhm. In diesem Film integrierte Astaire zum dritten Mal lateinamerikanische Tänze in seinen Stil (der erste war mit Ginger Rogers in der Nummer "The Carioca" aus Flying Down to Rio (1933) und der zweite, ebenfalls mit Rogers, war der Tanz "Dengozo" aus The Story of Vernon and Irene Castle (1939)). Sein zweiter Film mit Hayworth, You Were Never Lovelier (1942), war ebenso erfolgreich. Darin tanzte er ein Duett zu Kerns "I'm Old Fashioned", das 1983 zum Kernstück der Hommage des New York City Ballet von Jerome Robbins an Astaire wurde. Als nächstes trat er gegenüber der siebzehnjährigen Joan Leslie in dem Kriegsdrama The Sky's the Limit (1943) auf. Darin stellte er Arlen und Mercers "One for My Baby" vor, während er auf einem Bartresen in einer dunklen und unruhigen Routine tanzte. Astaire choreographierte diesen Film allein und erzielte einen bescheidenen Erfolg an den Kinokassen. Für Astaire bedeutete der Film eine deutliche Abkehr von seiner üblichen charmanten, unbekümmerten Leinwandfigur und verwirrte die zeitgenössischen Kritiker.

Seine nächste Partnerin, Lucille Bremer, war in zwei aufwändigen Filmen zu sehen, die beide unter der Regie von Vincente Minnelli entstanden. Die Fantasie Yolanda und der Dieb (1945) enthielt ein avantgardistisches, surrealistisches Ballett. In der Musical-Revue Ziegfeld Follies (1945) tanzte Astaire mit Gene Kelly zu dem Gershwin-Song "The Babbit and the Bromide", den Astaire bereits 1927 mit seiner Schwester Adele eingeführt hatte. Während Follies ein Hit war, floppte Yolanda an den Kinokassen.

Astaire, der immer unsicher war und glaubte, dass seine Karriere ins Stocken geraten würde, überraschte sein Publikum, als er während der Produktion seines nächsten Films Blue Skies (1946) seinen Rücktritt ankündigte. Er nannte "Puttin' on the Ritz" als seinen Abschiedstanz. Nachdem er 1946 seinen Rücktritt angekündigt hatte, konzentrierte sich Astaire auf seine Interessen im Pferderennsport und gründete 1947 die Fred Astaire Dance Studios, die er 1966 verkaufte.

1948-1957: MGM-Filme und zweiter Ruhestand

Astaires Ruhestand dauerte nicht lange. Astaire kehrte auf die Leinwand zurück, um einen verletzten Gene Kelly in Easter Parade (1948) an der Seite von Judy Garland, Ann Miller und Peter Lawford zu ersetzen. Danach kam es zu einem letzten Wiedersehen mit Rogers (anstelle von Judy Garland) in The Barkleys of Broadway (1949). Diese beiden Filme ließen Astaires Popularität wieder aufleben und 1950 spielte er in zwei Musicals mit. Three Little Words mit Vera-Ellen und Red Skelton war für MGM. Let's Dance mit Betty Hutton wurde an Paramount ausgeliehen. Während Three Little Words an den Kinokassen recht gut abschnitt, war Let's Dance eine finanzielle Enttäuschung. Royal Wedding (1951) mit Jane Powell und Peter Lawford erwies sich als sehr erfolgreich, aber The Belle of New York (1952) mit Vera-Ellen war ein kritischer und kommerzieller Flop. The Band Wagon (1953) erhielt von der Kritik begeisterte Kritiken und zog große Zuschauermengen an. Doch aufgrund der hohen Kosten konnte der Film bei seiner ersten Veröffentlichung keinen Gewinn erzielen.

Bald darauf wurde Astaire, wie auch die anderen bei MGM verbliebenen Stars, wegen des Aufkommens des Fernsehens und der Verkleinerung der Filmproduktion aus seinem Vertrag entlassen. 1954 stand Astaire kurz vor dem Beginn der Arbeit an einem neuen Musical, Daddy Long Legs (1955), mit Leslie Caron bei 20th Century Fox. Dann wurde seine Frau Phyllis krank und starb plötzlich an Lungenkrebs. Astaire war so traurig, dass er den Film einstellen wollte und anbot, die Produktionskosten aus der eigenen Tasche zu bezahlen. Johnny Mercer, der Komponist des Films, und die Verantwortlichen des Fox-Studios überzeugten ihn jedoch, dass die Arbeit das Beste für ihn wäre. Daddy Long Legs war an den Kinokassen nur mäßig erfolgreich. Sein nächster Film für Paramount, Funny Face (1957), brachte ihn mit Audrey Hepburn und Kay Thompson zusammen. Trotz der prachtvollen Inszenierung und der guten Kritiken konnte der Film seine Kosten nicht wieder einspielen. Auch Astaires nächstes Projekt, sein letztes Musical bei MGM, Silk Stockings (1957), in dem er mit Cyd Charisse zusammenspielte, brachte kein Geld in die Kassen.

Danach gab Astaire bekannt, dass er sich vom Tanzen in diesem Film zurückziehen würde. Sein Vermächtnis zu diesem Zeitpunkt waren 30 Musicalfilme in 25 Jahren.

1957-1981: Fernsehspecials, ernste Rollen

Astaire zog sich nicht ganz vom Tanzen zurück. In den Jahren 1958, 1959, 1960 und 1968 drehte er eine Reihe von vier hoch bewerteten und mit dem Emmy ausgezeichneten Musical-Specials für das Fernsehen. In jedem dieser Specials trat Barrie Chase auf, mit dem Astaire eine neue Phase tänzerischer Kreativität erlebte. Die erste dieser Sendungen, An Evening with Fred Astaire aus dem Jahr 1958, wurde mit neun Emmy Awards ausgezeichnet, darunter für die "Beste Einzeldarbietung eines Schauspielers" und das "Herausragendste Einzelprogramm des Jahres". Die Sendung war auch deshalb bemerkenswert, weil sie die erste große Sendung war, die auf Farbvideoband aufgezeichnet wurde. Astaire gewann den Emmy für die beste Einzeldarbietung eines Schauspielers. Die Wahl wurde kontrovers aufgenommen, da viele der Meinung waren, dass sein Tanzen in dem Special nicht der Art von "Schauspielerei" entsprach, für die der Preis gedacht war. Einmal bot Astaire an, den Preis zurückzugeben, aber die Fernsehakademie lehnte dies ab. Für eine Restaurierung der Sendung erhielten Ed Reitan, Don Kent und Dan Einstein 1988 einen technischen Emmy. Sie restaurierten das ursprüngliche Videoband, übertrugen den Inhalt in ein modernes Format und füllten die Lücken, in denen sich das Band verschlechtert hatte, mit Kinescope-Material.

Astaire spielte Julian Osborne, eine nicht tanzende Figur, in dem Atomkriegsdrama On the Beach (1959). Für seine Darstellung wurde er für den Golden Globe als bester Nebendarsteller nominiert, verlor aber gegen Stephen Boyd in Ben-Hur. Von 1957 bis 1969 trat Astaire in drei weiteren Filmen und mehreren Fernsehserien in nicht-tanzenden Rollen auf.

Astaires letzter großer Musicalfilm war Finian's Rainbow (1968) unter der Regie von Francis Ford Coppola. Astaire legte seine weiße Krawatte und seinen Frack ab, um einen irischen Schurken zu spielen, der glaubt, dass sich das Gold vermehren wird, wenn er einen Topf mit Gold im Schatten von Fort Knox vergräbt. Astaires Tanzpartnerin war Petula Clark, die die skeptische Tochter seiner Figur spielte. Er beschrieb sich selbst als nervös, mit ihr zu singen, während sie sagte, sie sei besorgt, mit ihm zu tanzen. Der Film war sowohl an der Kinokasse als auch bei den Kritikern ein mäßiger Erfolg.

In den 1970er Jahren setzte Astaire die Schauspielerei fort. Er trat im Fernsehen als Vater von Robert Wagners Figur Alexander Mundy in It Takes a Thief auf. In dem Film The Towering Inferno (1974) tanzte er mit Jennifer Jones und erhielt seine einzige Oscar-Nominierung in der Kategorie Bester Nebendarsteller. In den Rankin-Filmen der 1970er Jahre verkörperte er den Postboten-Erzähler S.D. Kluger.

1978 spielte er zusammen mit Helen Hayes in dem viel beachteten Fernsehfilm A Family Upside Down, in dem sie ein älteres Ehepaar spielten, das mit einer schwindenden Gesundheit zu kämpfen hat. Astaire gewann einen Emmy Award für seine Leistung. 1979 hatte er einen viel beachteten Gastauftritt in der Science-Fiction-Fernsehserie Battlestar Galactica als Chameleon, dem möglichen Vater von Starbuck, in "The Man with Nine Lives", eine Rolle, die Donald P. Bellisario für ihn geschrieben hatte. Astaire bat seinen Agenten, ihm eine Rolle auf der Galactica zu verschaffen, da seine Enkelkinder sich für die Serie interessierten, und die Produzenten waren erfreut über die Möglichkeit, ihm eine ganze Episode zu widmen. In dieser Folge tanzte er zum letzten Mal auf dem Bildschirm, in diesem Fall mit Anne Jeffreys. In The Man in the Santa Claus Suit von 1979 spielte er neun verschiedene Rollen. Sein letzter Film war 1981 die Verfilmung des Romans Ghost Story von Peter Straub. Dieser Horrorfilm war auch der letzte für zwei seiner prominentesten Schauspielkollegen, Melvyn Douglas und Douglas Fairbanks Jr.

Astaire war ein virtuoser Tänzer, der bei Bedarf sowohl unbeschwerte Unternehmungslust als auch tiefe Emotionen vermitteln konnte. Seine technische Beherrschung und sein Rhythmusgefühl waren verblüffend. Lange nachdem die Aufnahmen für die Solotanznummer "I Want to Be a Dancin' Man" für den Spielfilm The Belle of New York von 1952 abgeschlossen waren, entschied man, dass Astaires bescheidenes Kostüm und das abgenutzte Bühnenbild unzureichend waren, und die gesamte Sequenz wurde neu gedreht. Die 1994 erschienene Dokumentation That's Entertainment! III zeigt die beiden Aufführungen nebeneinander im Split-Screen-Verfahren. Bild für Bild sind die beiden Darbietungen identisch, bis hin zu den feinsten Gesten.

Astaire wurde für seine Eleganz, Anmut, Originalität und Präzision bei der Ausführung einer Tanznummer geschätzt. Er schöpfte aus einer Vielzahl von Einflüssen, darunter Stepptanz und andere schwarze Rhythmen, klassischer Tanz und der gehobene Stil von Vernon und Irene Castle. Sein unverwechselbarer Tanzstil hatte großen Einfluss auf den amerikanischen Smooth-Stil des Gesellschaftstanzes und setzte Maßstäbe, an denen sich spätere Tanzmusicals messen lassen mussten. Er bezeichnete seinen eklektischen Ansatz als "Outlaw Style", eine unvorhersehbare und instinktive Mischung aus persönlicher Kunstfertigkeit. Seine Tänze sind sparsam und doch unendlich nuanciert. Wie Jerome Robbins feststellte, "sieht Astaires Tanz so einfach, so entwaffnend, so leicht aus, und doch ist der Unterbau, die Art und Weise, wie er die Schritte auf, über oder gegen die Musik setzt, so überraschend und erfinderisch.":  18 Astaire bemerkte weiter:

Die Ausarbeitung der Schritte ist ein sehr komplizierter Prozess - so ähnlich wie beim Komponieren von Musik. Man muss sich einen Schritt ausdenken, der in den nächsten übergeht, und der ganze Tanz muss ein integriertes Muster haben. Wenn der Tanz richtig ist, sollte es keine einzige überflüssige Bewegung geben. Er sollte auf einen Höhepunkt zusteuern und dann aufhören: 15

Obwohl Astaire der Hauptchoreograf all seiner Tanzroutinen war, begrüßte er den Beitrag seiner Mitarbeiter, insbesondere seines Hauptmitarbeiters Hermes Pan. Der Tanzhistoriker John Mueller ist jedoch der Ansicht, dass Astaire während seiner gesamten Karriere als Hauptchoreograf für seine Solos und Partnertänze fungierte. Er stellt fest, dass Astaires Tanzstil auch in späteren Filmen, die mit oder ohne die Unterstützung von Pan gedreht wurden, gleich blieb. Darüber hinaus choreografierte Astaire während seiner Broadway-Karriere alle Tänze mit seiner Schwester Adele. Später in seiner Karriere war er etwas mehr bereit, die Anweisungen seiner Mitarbeiter zu akzeptieren. Dies beschränkte sich jedoch fast immer auf den Bereich der ausgedehnten Fantasiesequenzen, der "Traumballette".

Gelegentlich wurde Astaire für die Choreografie oder die Tanzregie mitverantwortlich gemacht, doch in der Regel überließ er den Vermerk auf dem Bildschirm seinem Mitarbeiter. Dies kann zu dem völlig irreführenden Eindruck führen, dass Astaire lediglich die Choreografien anderer ausführte. Später im Leben gab er zu: "Ich musste das meiste selbst machen".

Häufig wurde eine Tanzsequenz um zwei oder drei Schlüsselideen herum aufgebaut, die manchmal von seinen Schritten oder von der Musik selbst inspiriert waren und eine bestimmte Stimmung oder Handlung andeuteten:  20 Caron sagte, dass sie, während Kelly in Bodennähe tanzte, das Gefühl hatte, mit Astaire zu schweben. Viele Tänze basierten auf einem "Gimmick", wie der Tanz auf den Wänden in Royal Wedding oder der Tanz mit seinen Schatten in Swing Time. Er oder seine Mitarbeiter dachten sich diese Routinen vorher aus und sparten sie für die richtige Situation auf. Sie verbrachten Wochen damit, alle Tanzsequenzen in einem abgelegenen Proberaum zu entwickeln, bevor die Dreharbeiten begannen. Sie arbeiteten mit einem Probenpianisten (oft dem Komponisten Hal Borne) zusammen, der wiederum die Änderungen an die Musikarchitekten weitergab.

Sein Perfektionismus war legendär, aber sein unerbittliches Beharren auf Proben und Wiederholungen war für manche eine Belastung. Wenn die Zeit für die Dreharbeiten zu einer Nummer näher rückte, probte Astaire noch zwei Wochen lang und nahm den Gesang und die Musik auf. Da die Vorbereitungen abgeschlossen waren, konnten die eigentlichen Dreharbeiten schnell und kostensparend durchgeführt werden. Astaire quälte sich während des Prozesses und bat häufig Kollegen um Zustimmung zu seiner Arbeit. Vincente Minnelli sagte: "Ihm fehlt es von allen Menschen auf der Welt in höchstem Maße an Vertrauen. Er geht nicht einmal zu seinen Binsen ... Er denkt immer, dass er nichts taugt.":  16 Wie Astaire selbst bemerkte: "Ich habe noch nie etwas zu 100 % richtig gemacht. Aber es ist nie so schlecht, wie ich denke.":  16

Michael Kidd, Astaires Co-Choreograf für den Film The Band Wagon von 1953, stellte fest, dass seine eigenen Bedenken hinsichtlich der emotionalen Motivation hinter dem Tanz von Astaire nicht geteilt wurden. Kidd erzählte später: "Die Technik war ihm wichtig. Er sagte immer: 'Lass uns die Schritte machen. Das Aussehen fügen wir später hinzu.'"

Obwohl er sich in erster Linie als Entertainer sah, wurde er von Tänzern des 20. Jahrhunderts wie Gene Kelly, George Balanchine, den Nicholas Brothers, Mikhail Baryshnikov, Margot Fonteyn, Bob Fosse, Gregory Hines, Rudolf Nureyev, Michael Jackson und Bill Robinson bewundert. Balanchine verglich ihn mit Bach und bezeichnete ihn als "den interessantesten, erfindungsreichsten und elegantesten Tänzer unserer Zeit", während er für Baryshnikov "ein Genie ... ein klassischer Tänzer, wie ich ihn noch nie in meinem Leben gesehen habe" war. "Kein Tänzer kann Fred Astaire sehen, ohne zu wissen, dass wir alle einen anderen Beruf hätten ergreifen sollen", schloss er.

Astaire, der in Bezug auf seine Gesangskünste äußerst bescheiden war (er behauptete häufig, er könne nicht singen, aber die Kritiker schätzten ihn als einen der besten Sänger ein), stellte einige der berühmtesten Lieder aus dem Great American Songbook vor, vor allem die von Cole Porter: "Night and Day" in Gay Divorce (Irving Berlins "Isn't This a Lovely Day?", "Cheek to Cheek", und "Top Hat, White Tie and Tails" in Top Hat (und "Change Partners" in Carefree (1938). Er präsentierte erstmals Jerome Kerns "The Way You Look Tonight" in Swing Time (1936), "They Can't Take That Away from Me" der Gershwins in Shall We Dance (1937), "A Foggy Day" und "Nice Work if You Can Get it" in A Damsel in Distress (1937), Johnny Mercers "One for My Baby" aus The Sky's the Limit (und Harry Warrens und Arthur Freeds "This Heart of Mine" aus Ziegfeld Follies (1946).

Astaire führte auch eine Reihe von Song-Klassikern in Form von Song-Duetten mit seinen Partnern ein. Mit seiner Schwester Adele stellte er beispielsweise "I'll Build a Stairway to Paradise" aus Stop Flirting (1923), "Fascinating Rhythm" aus Lady, Be Good (1924) und "Funny Face" aus Funny Face (1927) vor, und im Duett mit Ginger Rogers präsentierte er Irving Berlins "I'm Putting All My Eggs in One Basket" aus Follow the Fleet (1936), Jerome Kerns "Pick Yourself Up" und "A Fine Romance" in Swing Time (1936), zusammen mit Gershwins "Let's Call the Whole Thing Off" aus Shall We Dance (und, mit Jack Buchanan, Oscar Levant und Nanette Fabray, lieferte er Arthur Schwartz' und Howard Dietz' "That's Entertainment! " aus The Band Wagon (1953).

Obwohl er eine helle Stimme besaß, wurde er für seine Lyrik, Diktion und Phrasierung bewundert - die Anmut und Eleganz, die an seinem Tanz so geschätzt wurden, schienen sich in seinem Gesang widerzuspiegeln, eine Fähigkeit zur Synthese, die Burton Lane dazu veranlasste, ihn als "den größten Musicaldarsteller der Welt" zu bezeichnen:  21 Irving Berlin betrachtete Astaire als gleichwertig mit allen männlichen Interpreten seiner Lieder - "so gut wie Jolson, Crosby oder Sinatra, nicht unbedingt wegen seiner Stimme, sondern wegen seines Konzepts, ein Lied zu projizieren." Jerome Kern hielt ihn für den besten männlichen Interpreten seiner Lieder: 21 und auch Cole Porter und Johnny Mercer bewunderten seinen einzigartigen Umgang mit ihren Werken. Und obwohl George Gershwin Astaires Gesangsfähigkeiten eher kritisch gegenüberstand, schrieb er viele seiner denkwürdigsten Lieder für ihn: 123, 128 In seiner Glanzzeit wurde Astaire in Texten der Songwriter Cole Porter, Lorenz Hart und Eric Maschwitz zitiert und inspiriert auch heute noch moderne Songwriter.

Astaire war auch Songschreiber: "I'm Building Up to an Awful Letdown" (geschrieben mit dem Texter Johnny Mercer) erreichte 1936 Platz vier in der Hitparade. 1940 nahm er zusammen mit Benny Goodman sein eigenes Lied "It's Just Like Taking Candy from a Baby" auf und hegte den lebenslangen Ehrgeiz, ein erfolgreicher Komponist populärer Lieder zu werden.

1952 nahm Astaire The Astaire Story auf, ein vierbändiges Album mit einem Quintett unter der Leitung von Oscar Peterson. Das Album, das von Norman Granz produziert wurde, bot einen musikalischen Überblick über Astaires Karriere. The Astaire Story wurde 1999 mit dem Grammy Hall of Fame Award ausgezeichnet, einer speziellen Grammy-Auszeichnung, mit der Aufnahmen gewürdigt werden, die mindestens fünfundzwanzig Jahre alt sind und eine "qualitative oder historische Bedeutung" haben.

Er war immer tadellos gekleidet und wurde zusammen mit Cary Grant als "der am besten gekleidete Schauspieler" bezeichnet. Astaire blieb bis in seine späten Jahre eine Ikone der Männermode und verzichtete auf sein Markenzeichen Zylinder, weiße Krawatte und Frack, die er hasste. Stattdessen bevorzugte er einen luftigen, legeren Stil mit maßgeschneiderten Sportjacken, farbigen Hemden und Hosen - letztere wurden in der Regel durch die Verwendung einer alten Krawatte oder eines Seidenschals anstelle eines Gürtels aufrecht erhalten.

Astaire heiratete 1933 die 25-jährige Phyllis Potter (ehemals Phyllis Livingston Baker), eine in Boston geborene New Yorker Prominente und frühere Ehefrau von Eliphalet Nott Potter III (1906-1981), trotz der Einwände seiner Mutter und seiner Schwester. Phyllis' Tod an Lungenkrebs im Alter von 46 Jahren beendete eine einundzwanzigjährige, glückliche Ehe und ließ Astaire am Boden zerstört zurück. Astaire versuchte, aus dem Film Daddy Long Legs (1955) auszusteigen, den er gerade drehte, und bot an, die bisherigen Produktionskosten zu übernehmen, wurde aber überredet zu bleiben.

Neben dem Sohn von Phyllis Potter, Eliphalet IV (genannt Peter), hatten die Astaires zwei weitere Kinder. Der Sohn der Astaires, Fred Jr. (geboren 1936), trat mit seinem Vater in dem Film Midas Run auf und wurde später Charterpilot und Rancher. Die Tochter der Astaires, Ava Astaire (geb. 1942), engagiert sich weiterhin für das Erbe ihres Vaters.

Fred Astaire war ein sehr zurückgezogener Mensch, der nur selten in der Hollywood-Szene zu sehen war. Stattdessen widmete er sich in seiner Freizeit seiner Familie und seinen Hobbys, zu denen Pferderennen, Schlagzeugspielen, Songschreiben und Golfspielen gehörten. Er war gut befreundet mit David Niven, Randolph Scott, Clark Gable und Gregory Peck. Niven beschrieb ihn als "einen Kobold, immer warmherzig, mit einer Vorliebe für Schuljungenstreiche". Im Jahr 1946 gewann sein Pferd Triplicate den Hollywood Gold Cup und das San Juan Capistrano Handicap. Bis weit in seine achtziger Jahre blieb er körperlich aktiv. In seinen späten Siebzigern begann er mit dem Skateboardfahren und wurde mit einer lebenslangen Mitgliedschaft in der National Skateboard Society ausgezeichnet. Mit achtundsiebzig brach er sich das linke Handgelenk, als er in seiner Einfahrt mit dem Skateboard fuhr. Er interessierte sich auch für Boxen und wahre Verbrechen.

Am 24. Juni 1980, im Alter von 81 Jahren, heiratete er ein zweites Mal. Robyn Smith war 45 Jahre jünger als er und eine Jockeyin, die für Alfred Gwynne Vanderbilt Jr. ritt (sie war in den 1970er Jahren auch mit Vanderbilt zusammen) und am 31. Juli 1972 auf dem Cover der Sports Illustrated erschien.

Astaires Leben wurde nie verfilmt. Er verweigerte stets die Erlaubnis für solche Darstellungen und sagte: "Wie viel sie mir auch bieten - und es kommen ständig Angebote - ich werde nicht verkaufen." Astaire hatte in seinem Testament eine Klausel verankert, in der er verlangte, dass eine solche Darstellung niemals stattfinden dürfe; er kommentierte dies mit den Worten: "Ich habe keinen besonderen Wunsch, dass mein Leben falsch interpretiert wird, was der Fall wäre." Am 5. Dezember 2021 gab Tom Holland bekannt, dass er Astaire in einer kommenden Filmbiografie darstellen wird, was aufgrund der Klausel auf Kritik stieß.

Astaire starb am 22. Juni 1987 im Alter von 88 Jahren an einer Lungenentzündung. Sein Leichnam wurde auf dem Oakwood Memorial Park Cemetery in Chatsworth, Kalifornien, beigesetzt. Einer seiner letzten Wünsche war es, seinen Fans für ihre jahrelange Unterstützung zu danken.

Filme, Musical

Auftritte mit *Ginger Rogers (10), **Rita Hayworth (2), ***Bing Crosby (2), ****Vera-Ellen (2), *****Cyd Charisse (2). Alle mit { } gekennzeichneten Auftritte sind die einzigen Auftritte des Künstlers als Astaire's Partner.

Filme, nicht-musikalische

*Aufführungen mit Tanzpartner Barrie Chase (7)

Quellen

1. Fred Astaire
2. Fred Astaire
3. ^ a b c Billman, Larry (1997). Fred Astaire: A Bio-bibliography. Connecticut: Greenwood Press. ISBN 0-313-29010-5.
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5. ^ Flippo, Hyde. "Fred Astaire (1899–1987) aka Friedrich Austerlitz". The German–Hollywood Connection. Archived from the original on January 2, 2009. Retrieved July 10, 2015.
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10. 1,0 1,1 1,2 Εθνική Βιβλιοθήκη της Γερμανίας, Κρατική Βιβλιοθήκη του Βερολίνου, Βαυαρική Κρατική Βιβλιοθήκη, Εθνική Βιβλιοθήκη της Αυστρίας: «Fred Astaire». Gemeinsame Normdatei. Ανακτήθηκε στις 24  Απριλίου 2014.
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13. «Fred Astaire - American Dancer and Singer». Encyclopædia Britannica (em inglês). Encyclopædia Britannica, Inc. 18 de junho de 2019. Consultado em 10 de agosto de 2019
14. a b Levinson, Peter. Puttin' On the Ritz: Fred Astaire and the Fine Art of Panache, A Biography, St. Martin's Press (2009) pp. 123–124.