Sammanfattning

Oleksandr Porfyrovytch Arkhypenko (ukrainska: Олекса́ндр Порфи́рович Архи́пенко), även känd som Alexander Archipenko, född i Kiev den 30 maj 1887 och död i New York City den 25 februari 1964, var en naturaliserad ukrainsk-amerikansk skulptör.

Alexander Archipenko var son till en ingenjör och studerade även matematik (han förblev fascinerad av förhållandet mellan konst och vetenskap), men han började snart måla och skulptera i Kiev och Moskva mellan 1902 och 1906. Under denna period utvecklade han ett särskilt intresse för de bysantinska freskerna, mosaikerna och ikonerna i Kiev. Efter en vistelse i Moskva flyttade han till Paris 1908. Där kom han i kontakt med avantgardistiska rörelser, i synnerhet kubisterna. Han bosatte sig i La Ruche (2, passage de Dantzig), en före detta vinpaviljong från världsutställningen 1889 som omvandlats till en konstnärlig ateljé. Han arbetade ensam och föredrog att gå till Louvren för att studera arkaisk grekisk skulptur i stället för att gå till Beaux-Arts, vars akademiska undervisning han föraktade (en förebråelse som konstnären redan hade riktat till sina lärare vid konstskolan i Kiev, som till slut uteslöt honom). Han påverkades av Rodin fram till dess att han presenterade sina verk i Moskva 1906, och från och med 24 års ålder blev han en av avantgardets ledande skulptörer.

År 1910 ställde han ut på Salon des indépendants i Paris. Fredagen den 21 april 1911, på den 27:e Salon des indépendants, blev hans verk, tillsammans med Albert Gleizes, Jean Metzinger, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, André Lhote och Joseph Csaky, föremål för en brandtalande kritik som påminde om den kritik som Fauve-utställningen gav upphov till. Dessa konstnärer, som betraktas som "mästarkuber", förvirrade till och med Guillaume Apollinaire. De anklagades för att missbruka kubismen, för att karikera den och till och med för att vara antiakademiska. Man beklagade Picassos och Braques frånvaro på denna utställning (som enbart ställde ut i Daniel-Henry Kahnweilers galleri).

Archipenkos första separatutställning ägde rum på Folkwang Museum i Hagen (Tyskland) 1912. Samma år öppnade han en konstskola i Paris och anslöt sig till gruppen Section d'Or. Han gjorde också sina första reliefmålningar, "skulpturmålningar". I oktober 1912 hölls den första Salon de la Section d'Or på Galerie La Boétie i Paris, där Archipenkos verk ställdes ut tillsammans med verk av Fernand Léger, Albert Gleizes, Jean Metzinger, Juan Gris, Marcel Duchamp, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Villon, André Lhote, Roger de La Fresnaye och Louis Marcoussis. Sammanlagt 31 konstnärer med 200 verk var närvarande. Trots Picassos frånvaro har utställningen en didaktisk karaktär: kubismen gick in i en teoretisk fas fyra år efter sin födelse. Salon de la Section d'Or gav upphov till hård kritik av dessa revolutionära verk: Apollinaire försvarade dem dock i sina spalter i L'Intransigeant och i förord till kataloger.

År 1913 visades fyra av Archipenkos verk på Armory Show i New York. Vid den här tiden gjorde han också sina första gravyrer, som återgavs i den italienska futuristiska publikationen Lacerba 1914. Samma år deltog han i XXX Salon des indépendants och ställde ut på Venedigbiennalen 1920. Under första världskriget bodde konstnären i Cimiez, nära Nice. Där träffade han konstnären Marthe Donas, som blev hans följeslagare. Ett intensivt samarbete mellan de två konstnärerna följde. Mellan 1919 och 1921 reste han till Genève, Zürich, Paris, London, Bryssel, Aten och andra europeiska städer för att ställa ut sina verk. Hans första separatutställning i USA ägde rum 1921 i New York på Société Anonyme. 1923 lämnade han Berlin för USA, där han under åren öppnade flera konstskolor i New York, Woodstock, Los Angeles och Chicago. Under de följande tre åren undervisade han i USA på konstskolor och universitet, inklusive det kortlivade New Bauhaus. Han blev naturaliserad amerikansk medborgare 1928.

1933 ställde han ut i den ukrainska paviljongen på världsutställningen Century of Progress i Chicago. Mellan 1937 och 1939 var han biträdande lärare vid New Bauhaus School of Industrial Arts i Chicago. Samtidigt konfiskerade nazisterna de flesta av konstnärens verk i tyska museer i syfte att rensa ut degenererad konst. 1947 skapade han skulpturer som var upplysta inifrån. Senare följde han med en vandringsutställning av sina verk genom Tyskland 1955 och 1956. Han skrev också en bok, Archipenko: 50 Years of Creation (1908-1958), som publicerades 1960 och som sammanförde bidrag från femtio konsthistoriker med texter av Archipenko om konstnärligt skapande. Han valdes in i American Academy of Arts and Letters 1962.

För Archipenko är det "svårt att klassificera en konstnärs arbete i perioder". Han tillägger:

"Jag har aldrig tillhört någon skola, jag har blivit utvisad från skolor. Jag forskade, uppfann och experimenterade, och sedan blev jag imiterad... För varje konstnär är konsten ett kreativt uppåtgående flöde mot den individuella upptäckten av sanningen i naturens former och perioder är bara lådor i kritikernas medvetande."

Enligt Archipenko är det viktigaste problemet med skulpturen volymen och sambandet mellan massorna. I detta avseende var han till och med mer extrem än moderna skulptörer som Brancusi och Duchamp-Villon, som liksom han tillhörde gruppen Gyllene snittet. Hans huvudfråga är tomrummet, som innehåller det frånvarande objektets kraft och därmed skapar volym. Förenklingen, utglesningen av volymerna samtidigt som den figurativa aspekten bibehålls är principerna för hans skulpturer. Hans konst, som kännetecknas av en stor matematisk stringens, ger kvinnokroppen en dominerande plats. Han minns gärna att de gamla slavernas stenidoler var allestädes närvarande i hans barndom.

Picasso hade utvecklat de första reglerna för denna skulpturala grammatik: polykromi, integrering av de mest olika material, rytmisk användning av planytor och öppna former. Liksom måleriet är den kubistiska skulpturen främst inriktad på förhållandet mellan föremål och rum, på de volymer och tomrum som skiljer dem åt eller i vilka de är placerade. Den italienska futurismens inflytande, särskilt genom Boccioni, som Archipenko träffade 1912, märks i de dynamiska formerna i hans verk. Archipenko utforskade särskilt dialektiken mellan konkava och konvexa former.

Han utvecklade en personlig stil med stereometriskt förenklade kroppsmassor, rumsligt upprätta figurer, fasade former, skarpa vinklar, kristallina frakturer från kubismens formell inventering och inspirerades även av manierismen.

Förutom Boccioni har ingen annan skulptör gjort analysen av rymden, som var det centrala problemet för detta årtionde, så absolut, eller drivit samspelet mellan volym och tomrum på ett så personligt sätt till expressiva och lyriska, dynamiska och statylika områden. Han lyckades förena formell stränghet med lekfullhet och förenade de fyra svårfångade elementen: rymd, transparens, ljus och reflektion i en form och skapade på så sätt en modern skulpturell stil som leker med konkava former.

Torso (1909) är hans första skulptur med kubistisk inriktning. I den har han sönderdelat volymerna, genomborrat dem för att ge utrymme att tränga in.

På den tiden visste han ingenting om kubismen och inspirerades av Barlachs och Kollwitz inåtvända skulpturer (Kvinna och katt 1910 eller Kvinna med katt 1911). Under 1911-12 utökades skulpturerna och man kan ana kubistiskt inflytande i de svullna låren och armarna eller tvärtom en tendens till magra former (Kvinna som går 1912). Från och med 1911 deltog han aktivt i den kubistiska rörelsen. De plastiska problem som hans skulptur vid den tiden tog upp var helt nya: fasta volymer, förhållandet mellan tomma och fasta, ihåliga volymer. Han ville symbolisera en "frånvarande verklighet". Med Femme marchant 1912 experimenterade han för första gången med ett huvud i negativ. År 1912 identifierade han sitt favorittema: kroppens och rummets genomträngning, utvecklingen av konkava och konvexa kurvor, så att den skulpturala formen på något sätt blir märkbar genom sin matris. Han utvecklar sin egen teori om komplementära former: varje tomrum genererar sin imaginära motsats.

Med Medrano-serien från 1912 skapade han för första gången en samling av olika målade material (glas, trä och metall): det är leddockor som liknar träharlekiner och som består av glas, metallfolie, tråd, cylindriska kottar och skivor med färg som ger energi åt dem. Genom ständig konstnärlig forskning utvecklar han nya metoder för skapande och skapar ett samspel mellan måleri och skulptur. Med denna formfrihet bröt Archipenko med den traditionella skulpturen och etablerade sig som en av avantgardets mästare. Han återupplivade en genre som sedan 1600-talet försummats av den västerländska skulpturen, polychromi.

Hans "skulpturmålningar" som skapades 1912 är målade gipsreliefer. Mellan måleri och skulptur studerade han det ömsesidiga förhållandet mellan form och färg, där den ena accentuerar eller förminskar den andra. Dessa två konstarter förenas eller kontrasteras på en visuell och andlig nivå, beroende på vilket mål som eftersträvas.

Mellan 1913 och 1916 dominerade formen över verkligheten. La Danse (1912) utgår från ett inre rum som reser sig med lätthet tack vare arabesken som bildas av ett par. Han organiserade denna skulptur kring tomrummet. När han skapade detta verk om tomhet och fyllighet var han noga med att inte fullborda kropparna, vars lemmar han stoppade när plasticiteten bjöd honom att göra det. På detta sätt introducerar han tomrummet som en hel del, som i Kvinnan i 1915, vars huvud är ritat runt en lucka.

År 1913 skapade han en trådskulptur som Apollinaire beskrev som "en paraplyval". Senare skulle hans behandling av kubismen gå mot konstruktivismen.

Med La Boxe 1913 försökte konstnären översätta sportens brutala energi till abstrakta former. Boxarna reduceras till skarpa former som griper in i varandra och slår våldsamt mot varandra, musklerna ersätts av rytmisk energi.

Tête constructiviste (1913) består av en sammansättning av plan. Gondolier (1914) är komponerad i lätt förskjutna sektioner för att ge en känsla av rörelse i futurismens anda. Med Stilleben (1915) levererade Archipenko också en av sina sällsynta målningar i relief.

När han anlände till USA i början av 1920-talet tog han till sig traditionen: mjukhet råder, perfekt och avslappnad. Med Femme (1920) återvände han genast till skulpturen med en hög metallfigur på en målad panel. Därefter närmade han sig den traditionella skulpturen.

Mellan 1924 och 1928 utvecklade han "archipainting", som bygger på dukar som sätts i rörelse av skickligt dolda motorer: en elektrisk mekanism vid apparatens bas gav en fram- och återgående rörelse till den centrala ramen och tusentals målade fragment som följde på varandra dök upp på ytan för att bilda en komplett målning. Denna uppfinning genomfördes i New York. Han har alltid strävat efter att levandegöra sina verk visuellt, antingen genom att skära hål i dem så att rummet kan tränga in i dem, eller genom att använda material som glas, trä eller metall - eller, när det gäller hans skulpturala målningar, genom att lägga till färg.

En Famille (1935) är ett koncentrerat verk som är influerat av konstruktivismen.

I de två dimensionerna finns också ett exceptionellt verk som denna kvinnofigur i gouache, vars omväxlande bruna och vita massor skapar kroppens relief (Moonlight in 1937).

Under 1940- och 1950-talen fortsatte han sina konstnärliga utforskningar med nya material och tekniker. För Figure assise använde han till exempel skärd och tänd plast. Han tog upp sina ursprungliga former, som till största delen hade försvunnit, i gigantiska format (Figures d'acier 1951, Cléopâtre 1957). På 1950-talet insåg han att han hade gjort ett misstag i sin orientering under en längre tid och började pastischera eller rekonstruera sin början, eftersom många av hans verk inte överlevde första världskriget.

Från slutet av 1950-talet återvände han till sin kubo-konstruktivistiska stil, med mycket geometriska figurer med betydande tomrum och oftast symmetriska (Kimono 1961 eller King Solomon 1963).

Källor

1. Alexander Archipenko
2. Alexandre Archipenko
3. En russe : Алекса́ндр Порфи́рьевич Архи́пенко ; en anglais : Alexander Archipenko.
4. ^ "Alexander Archipenko". Britannica. 2022. Retrieved 2023-02-16. Ukrainian-American artist
5. ^ P. Lagasse, & Columbia University. "Archipenko, Alexander". The Columbia Encyclopedia (8th ed.). Columbia University Press. Retrieved 2023-02-16. Ukrainian-American sculptor
6. https://www.collectienederland.nl/dimcon/defundatie/1998
7. a b Integrált katalógustár (német és angol nyelven). (Hozzáférés: 2014. április 26.)
8. a b SNAC (angol nyelven). (Hozzáférés: 2017. október 9.)
9. Integrált katalógustár (német és angol nyelven). (Hozzáférés: 2014. december 11.)
10. a b http://vocab.getty.edu/page/ulan/500022523