Rezumat

Henri Matisse , nume complet: Henri Émile Benoît Matisse († 3 noiembrie 1954 în Cimiez, în prezent un cartier al orașului Nisa), a fost un pictor, grafician, desenator și sculptor francez.

Împreună cu Pablo Picasso, este unul dintre cei mai importanți artiști ai modernismului clasic. Alături de André Derain, este considerat un pionier și principalul reprezentant al fauvismului, care a propagat o ruptură cu impresionismul și a reprezentat prima mișcare artistică a secolului XX.

Lucrările lui Matisse sunt caracterizate de o utilizare extinsă a culorilor și a liniilor pline de tensiune. În picturile sale, coloritul, compoziția jucăușă și lejeritatea temelor picturale sunt rezultatul unor studii îndelungate.

Cu siluetele sale (gouaches découpées) create în anii 1940 - un exemplu este cartea Jazz a artistului - Matisse, care era grav bolnav, a creat o lucrare târzie care încheie eforturile sale de reducere și care, prin coloritul și ornamentația sa, este considerată punctul culminant al carierei sale artistice. Artistul a considerat Capela Rozariului din Vence, pe care a proiectat-o și decorat-o și care a fost inaugurată în 1951, ca fiind capodopera sa.

Inovațiile sale stilistice au influențat arta modernă. Expresioniștii abstracți din SUA, de exemplu, s-au referit în mod repetat la lucrările sale.

Copilărie și educație (1869-1898)

Henri Matisse, fiul lui Émile Matisse și al soției sale Héloïse, născută Gérard, s-a născut la ferma bunicilor săi din Le Cateau-Cambrésis. Părinții săi aveau o farmacie și un magazin de semințe în Bohain-en-Vermandois; Matisse a crescut acolo. În 1872, s-a născut fratele său Émile Auguste. Tatăl său dorea ca fiul său cel mare să preia afacerea părinților săi. Cu toate acestea, Henri a decis să studieze dreptul la Paris, între 1882 și 1887, după ce a urmat cursurile liceului umanist Henri Martin din Saint-Quentin, pe care le-a urmat timp de doi ani.

În timpul unei scurte perioade de timp ca asistent juridic în Saint-Quentin, în 1889, Matisse a urmat cursuri de desen la École Quentin de la Cour în orele de dimineață. În 1890, a început să picteze după o apendicectomie, ale cărei consecințe l-au țintuit la pat timp de un an. A renunțat la cariera de avocat în 1891, s-a întors la Paris și a intrat la Academia Julian, unde a predat, printre alții, pictorul de salon William Adolphe Bouguereau. Matisse a vrut să se pregătească pentru examenul de admitere la École des Beaux-Arts. Cu toate acestea, el nu a trecut.

Matisse a urmat, de asemenea, cursurile École des Arts décoratifs (Școala de Arte Decorative), unde l-a cunoscut pe Albert Marquet, cu care a legat o lungă prietenie. În 1895, după ce au promovat examenul de admitere la École des Beaux-Arts, amândoi au devenit studenții pictorului simbolist Gustave Moreau, în clasa căruia fuseseră deja acceptați ca studenți invitați în 1893. Matisse a devenit tatăl unei fiice, Marguerite († 1982), în 1894; mama ei a fost Camille (Caroline) Joblaud, o femeie pe care a angajat-o ca model și care i-a fost amantă.

În timpul unui sejur în Bretania, în 1896, Matisse a făcut cunoștință cu paleta de culori impresioniste prin intermediul tovarășului său de călătorie, pictorul Émile Auguste Wéry (1868-1935), vecinul său parizian din Quai Saint-Michel 19. În această perioadă a început să copieze opere clasice din Luvru și a expus pentru prima dată cinci tablouri la Salonul Societății Naționale de Arte Frumoase. În 1897 și 1898, l-a vizitat pe pictorul John Peter Russell pe Belle-Île, o insulă din largul coastei bretone. Russell i-a făcut cunoștință cu stilul impresionist de pictură și i-a prezentat opera lui Vincent van Gogh. Stilul de pictură al lui Matisse s-a schimbat fundamental, iar mai târziu a declarat: "Russell a fost profesorul meu, iar Russell mi-a explicat teoria culorilor".

Căsătoria (1898)

La 10 ianuarie 1898, Henri Matisse s-a căsătorit cu Amélie Noellie Parayre. La sfatul lui Camille Pissarro, a călătorit apoi la Londra pentru a studia lucrările lui Turner. În același timp, el și-a petrecut acolo luna de miere cu Amélie, pe care cuplul, revenind pentru scurt timp la Paris, a continuat-o din 9 februarie la Ajaccio, în Corsica. Din această căsătorie au rezultat doi fii, Jean Gérard (1899-1976) și Pierre (1900-1989).

Marguerite a fost primită în familie; Matisse și-a iubit foarte mult fiica și a pictat adesea portrete ale acesteia. Mai târziu, s-a căsătorit cu criticul de artă și filosoful Georges Duthuit; cu puțin timp înainte de a muri, ea și fiul ei, Claude Duthuit, au editat catalogul raisonné al tipăriturilor tatălui ei.

La moartea profesorului său Gustave Moreau, Matisse a părăsit École des Beaux-Arts în 1899, din cauza divergențelor cu succesorul lui Moreau, Fernand Cormon. După ce a studiat din nou pentru scurt timp la Academia Julian, a urmat cursurile lui Eugène Carrière, care era prieten cu sculptorul Auguste Rodin. Matisse i-a întâlnit aici pe André Derain și pe prietenul său Maurice de Vlaminck. A pictat cu Albert Marquet în Jardin du Luxembourg și a participat la cursuri de sculptură seara. În același an, a cumpărat de la Vollard tabloul Cele trei scăldătoare de Paul Cézanne. În ciuda unor grave probleme financiare, a păstrat lucrarea, care a avut o influență profundă asupra gândirii și creației sale, până în 1936, an în care a făcut cadou tabloul Muzeului de Arte Frumoase din Petit Palais din Paris.

Anii de criză (1900-1905)

Matisse a urmat cursuri serale la Academia Rodin în 1900 și a lucrat sub îndrumarea sculptorului Antoine Bourdelle, dar cu un succes inițial redus. Din cauza lipsei de venituri - afacerea de modistă a soției sale nu genera suficiente venituri pentru a se întreține, iar copiii trebuiau adesea lăsați la bunici - a intrat într-o criză financiară severă și s-a angajat ca pictor decorativ. Împreună cu Albert Marquet, Matisse a pictat ghirlande și rame pentru decorul Expoziției Universale din 1900, care a avut loc la Grand Palais din Paris. Munca a fost obositoare, așa că s-a întors la Bohain epuizat pentru a se reface. În acele zile, Matisse era atât de descurajat încât s-a gândit să renunțe la pictură.

După ce Matisse și-a depășit criza, a căutat colecționari de artă și oportunități de expunere. În februarie 1902, a participat la o expoziție comună a nou înființatei Galerii B. Weill. În lunile aprilie și iunie ale aceluiași an, Berthe Weill a fost prima galerie care a vândut lucrări ale sale. O primă expoziție personală a lucrărilor sale a avut loc în 1904, în casa negustorului de artă francez Ambroise Vollard. În vara aceluiași an, Matisse a călătorit la Saint-Tropez la instigarea lui Paul Signac și a început să picteze tablouri în stilul neoimpresionismului.

Apariția fauvismului (1905)

Matisse și-a petrecut vara anului 1905 cu André Derain și, uneori, cu Maurice de Vlaminck în Collioure, un sat de pescari de pe malul Mediteranei. Acest sejur a devenit un punct de cotitură important în activitatea sa. Astfel, în această perioadă, în colaborare cu Derain, s-a cristalizat un stil care a intrat în istoria artei sub numele de fauvism. Mișcarea și-a primit numele atunci când micul grup de pictori cu vederi asemănătoare, format din Matisse, André Derain și Maurice de Vlaminck, și-a expus pentru prima dată tablourile într-o expoziție la Salonul de Automne din Paris, în toamna anului 1905, stârnind indignarea publicului și a criticilor de artă.

Criticul Louis Vauxcelles i-a numit pe artiști "Fauves" ("Fiarele sălbatice"). Comentariul său "Donatello chez les fauves" a fost publicat în revista Gil Blas la 17 octombrie 1905 și a intrat în uzul comun. Critica s-a axat pe tabloul lui Matisse, Femme au chapeau (Femeie cu pălărie), în culori stridente. Leo Stein, fratele lui Gertrude Stein, a cumpărat tabloul pentru 500 de franci. Acest "succes scandalos" a crescut valoarea de piață a lui Matisse. Familia Stein s-a numărat și în viitor printre patronii săi. Grupul fauvist s-a destrămat din nou încă din 1907.

Astăzi, Chemin du Fauvisme din Collioure comemorează apariția fauvismului în această localitate: reproduceri ale picturilor lui Matisse și Derain create acolo sunt expuse pe un traseu circular în 19 puncte din sat.

Cunoașterea lui Picasso (1906)

La 20 martie 1906, Matisse și-a expus noua sa lucrare, Lebensfreude (Bucuria vieții), la Salon des Indépendants (Paul Signac, vicepreședinte al Indépendants, s-a alăturat criticilor și a resimțit respingerea de către Matisse a postimpresionismului, evidențiată de pictură. Leo Stein, însă, a considerat-o "cea mai importantă pictură a timpului nostru" și a achiziționat-o pentru salonul pe care îl conducea împreună cu sora sa Gertrude.

În același an, Matisse l-a întâlnit pe Pablo Picasso; prima lor întâlnire a avut loc în salonul familiei Steins, unde Matisse era un vizitator regulat de un an. Din acest moment, Matisse și Picasso au fost legați de o prietenie bazată pe rivalitate creativă și respect reciproc. Prietenele americane ale lui Gertrude Stein din Baltimore, Clarabel și Etta Cone, au devenit, de asemenea, patroni și colecționari ai lui Matisse și Picasso. Colecția Cone este expusă în prezent la Muzeul de Artă din Baltimore.

Călătorie în Algeria (1906)

În mai 1906, Matisse a călătorit în Algeria și a vizitat oaza Biskra. Nu a pictat în timpul călătoriei; abia după întoarcere a creat tabloul Nud albastru (Amintiri din Biskra) și, după ce a terminat pictura, sculptura Nud culcat I (Aurora), care are o postură similară. Din această călătorie de două săptămâni a adus înapoi obiecte de uz cotidian, cum ar fi ceramică și țesături, pe care le-a folosit adesea ca motive pentru picturile sale. Matisse a preluat din ceramica orientală culoarea pură, aplicată în mod plat, reducerea desenului la o linie arabescentă și aranjarea bidimensională a spațiului pictural. Covoarele orientale au apărut în tablourile sale ca la niciun alt pictor modernist. Un exemplu este natura moartă Covoare orientale, pe care a pictat-o după întoarcerea sa.

Academia Matisse (1908-1911)

La instigarea și cu sprijinul admiratorilor săi, Michael, Sarah, Gertrude și Leo Stein, precum și al lui Hans Purrmann, Marg și Oskar Moll și alții, a fondat o școală privată de pictură, care a primit numele său: "Académie Matisse". A predat acolo din ianuarie 1908 până în 1911 și a avut 100 de studenți din Germania și din străinătate. Purrmann a fost responsabil pentru organizare și administrație.

Inițial, cursurile au fost ținute în sălile Couvent des Oiseaux de pe Rue de Sèvres. Din 1905, Matisse închiriase deja o altă cameră de atelier în această mănăstire goală, pe lângă atelierul său inițial de pe Quai St. După ce s-a hotărât înființarea academiei private, Stein a închiriat o altă cameră în mănăstire pentru cursuri. Cu toate acestea, complexul mănăstiresc a trebuit să fie evacuat după numai câteva săptămâni. Prin urmare, școala s-a mutat la Couvent de Sacré-Cœur, pe Boulevard des Invalides, la colțul cu Rue de Babylon.

Caracterul său necomercial a făcut ca Academia Matisse să se deosebească de alte studiouri de maeștri comparabile. Matisse a acordat o mare importanță unei educații clasice de bază pentru tinerii artiști. O dată pe săptămână, o vizită la un muzeu făcea parte din program. Lucrul după un model a venit abia după efortul de a copia. Pentru acea vreme, proporția de femei printre elevi era surprinzător de mare. Printre cei 18 elevi germani, de exemplu Friedrich Ahlers-Hestermann, Franz Nölken și Walter Alfred Rosam, se numărau opt artiste, printre care Mathilde Vollmoeller și Gretchen Wohlwill. Printre elevele sale s-au numărat și Olga Markowa Meerson, născută în Rusia, care fusese colegă de studii cu Wassily Kandinsky la München, și daneza Astrid Holm.

Matisse a făcut prima sa călătorie în Germania împreună cu Hans Purrmann în 1908. Acolo a făcut cunoștință cu grupul de artiști Brücke. A fost invitat să se alăture grupului în calitate de "Übervater al rebeliunii lor" - în zadar. În același an, prima sa expoziție americană a avut loc la Galeria 291 a lui Alfred Stieglitz. Eseul său teoretico-artistic Notes d'un Peintre (Note ale unui pictor) a apărut în Grande Revue din 25 decembrie 1908.

Mutarea la Issy-les-Moulineaux (1909)

Patronul rus Serghei Shchukin a luat cunoștință de opera lui Matisse și i-a comandat două tablouri de mari dimensiuni: Dansul și muzica. Anii de criză au fost depășiți, iar poziția consolidată din punct de vedere financiar i-a permis lui Matisse să părăsească reședința Quai Saint-Michel din Paris în 1909 și să se mute la Issy-les-Moulineaux, unde a cumpărat o casă și și-a construit atelierul pe proprietate. Multă vreme, membrii familiei au pozat pentru el în mod gratuit și i-au satisfăcut dorințele cu înțelegere. Acestea erau ghidate de nevoile artistului; de exemplu, copiii trebuiau să tacă în timpul meselor pentru a nu deranja concentrarea tatălui lor.

După ce a participat la expoziția Manet and the Post-Impressionists de la Londra, organizată de Roger Fry în 1910, sculpturile lui Matisse au fost expuse pentru prima dată la Galeria 291 a lui Alfred Stieglitz din New York în 1912. Un an mai târziu, în 1913, unele dintre picturile sale au participat la importanta expoziție Armory Show, New York, care a atras însă critici dure din partea publicului american conservator. Trezorierul Armory Show, Walter Pach, a reprezentat lucrările lui Matisse în SUA între 1914 și 1926.

În jurul anului 1912, unele dintre compozițiile lui Matisse au fost considerate paracubiste de către mulți critici. În acei ani, Matisse și Picasso făceau frecvent schimb de idei. Matisse a comentat: "Ne-am dat mult unul altuia în aceste întâlniri". În acele conversații, Picasso a jucat rolul de advocatus diaboli, dorind în mod constant să pună la îndoială ceva despre pictura lui Matisse care, de fapt, îl preocupa foarte mult.

În afară de șederile sale la Sevilla (1910

Anii de război (1914-1918)

La începutul Primului Război Mondial, în august 1914, Matisse se afla la Paris. S-a înscris pentru serviciul militar, dar cererea sa a fost respinsă. După ce gospodăria familiei a fost distrusă în urma unui atac german, Matisse nu a mai primit nicio veste de la mama sa sau de la fratele său, care, ca și ceilalți bărbați din sat, fusese luat prizonier de război de către forțele militare germane. Cu puțin timp înainte de bătălia de pe Marna, a părăsit Parisul și a plecat cu Marquet la Collioure. Ororile din acea perioadă i-au apropiat din nou pe fauviști și cubiști, până atunci divizați de conflicte artistice, astfel că Juan Gris a rămas alături de profesorul copiilor lui Matisse. Influența cubistă a acestuia din urmă a întărit înclinația lui Matisse spre simplificarea geometrică. Fiii Jean și Pierre au fost nevoiți să facă serviciul militar din vara anului 1917.

La Nisa (1916-1954)

Matisse a stat la Menton, pe Coasta de Azur, în 1916, la sfatul medicului, deoarece suferea de bronșită, iar în 1916 a închiriat un apartament în Menton.

În 1918, la Galeria Guillaume a avut loc expoziția Matisse - Picasso, care a fost, într-o oarecare măsură, o dovadă a rolului de lider al acestor pictori în arta contemporană. Matisse i-a arătat unele dintre picturile sale lui Renoir, pe care îl vizita adesea în această perioadă; de asemenea, a socializat cu Bonnard la Antibes.

În 1920, baletul Le Chant du Rossignol al lui Djagilev, pentru care Matisse a proiectat costumele și decorul, a avut premiera la Paris. S-a dedicat din nou lucrului la sculptură, pe care îl neglijase în anii precedenți. În 1927, fiul său, Pierre Matisse, care devenise galerist, i-a organizat o expoziție în galeria sa din New York; în același an, a primit premiul pentru pictură la Expoziția Internațională Carnegie din Pittsburgh.

Matisse a întreprins numeroase călătorii de relaxare, de exemplu la Étretat în 1921, în Italia în 1925 și în Tahiti via New York și San Francisco în 1930.

La întoarcere, în septembrie 1930, l-a vizitat pe importantul său colecționar Albert C. Barnes în Merion (SUA), care i-a cerut o pictură murală pe tema dansului pentru muzeul său privat. Lucrări de Georges Seurat, Cézanne, Auguste Renoir umpleau deja pereții de acolo. Matisse a acceptat provocarea și a reușit să finalizeze lucrarea în 1932. În 1933, la New York s-a născut nepotul său, Paul Matisse.

Pentru dificila sarcină a picturii murale a lui Barnes, Matisse a angajat-o ca asistentă pe Lydia Delectorskaya (1910-1998), o emigrantă rusă de 22 de ani, care i-a fost și asistentă. Soția sa, Amélie, l-a pus apoi în fața alternativei: "Eu sau ea". Lydia Delectorskaya a fost concediată, însă Amélie a cerut divorțul și l-a părăsit după 31 de ani de căsătorie. Matisse s-a îmbolnăvit grav și a reangajat-o pe Delectorskaya. După un sejur la Paris la izbucnirea celui de-al Doilea Război Mondial, s-a întors la Nisa.

În anii următori, a creat proiecte pentru tapiserii și ilustrații de carte. A gravat scene din Odiseea ca ilustrații pentru Ulise al lui James Joyce. În noiembrie 1931, Muzeul de Artă Modernă i-a oferit lui Matisse ocazia de a organiza la New York prima sa expoziție personală americană de anvergură. Precedată de o expoziție majoră la Galeria Thannhauser din Berlin la sfârșitul verii anului 1930, perioada 1930-1931 a dus la maturitate multe dintre planurile personale ale lui Matisse și i-a consolidat reputația internațională deja în creștere. În octombrie a apărut prima carte ilustrată de Matisse, ediția Skira a cărții Poésie de Stéphane Mallarmé.

În 1937, Matisse a fost rugat de Léonide Massine să creeze decoruri și costume pentru Rouge et noir, un balet cu muzică de Șostakovici și coregrafie de Massine. Un an mai târziu, s-a mutat la Cimiez, la fostul Hotel Régina, cu vedere spre Nisa.

În 1941, Matisse a fost supus unei grave operații intestinale la Lyon. A stat aproape trei luni în spital, apoi două luni într-un hotel, cu gripă. El a suferit de cancer duodenal și de două embolii pulmonare ulterioare.

S-a întors la Cimiez în luna mai. Operația și boala care a urmat l-au afectat grav, astfel încât nu s-a putut ține în picioare decât pentru o perioadă limitată de timp. În timpul convalescenței, a început să lucreze din nou, pictând și desenând la pat, inclusiv ilustrațiile pentru ediția Fabiani a operei Pasiphaé de Henry de Montherlant și pentru ediția Skira a operei Florilège des amours de Ronsard.

În atelierul său de la poalele Montagne du Baou, în vila Le Rêve, situată la doi kilometri de piața principală a satului provensal Vence, în care s-a mutat după un raid aerian asupra Cimiez în 1943, Matisse a început să lucreze la compozițiile sale de tip "cut and paste" pentru cartea sa Jazz. În 1944, soția sa divorțată a fost arestată, iar fiica sa, Marguerite, deportată pentru implicare în Rezistență și condamnată la șase luni de închisoare. Le Rêve a rămas reședința sa până în 1948, când s-a întors la Nisa, la Hotelul Régina.

La începutul verii anului 1945, Matisse a călătorit la Paris, unde 37 de lucrări au fost expuse în cadrul unei retrospective la Salon d'Automne. În același an, a expus alături de Picasso la Muzeul Victoria și Albert din Londra. În 1946, Matisse a primit prima vizită a lui Picasso și a partenerei sale Françoise Gilot la Vence; cei doi artiști s-au întâlnit de mai multe ori până în 1954.

În 1947, Matisse a fost ridicat la rangul de Comandor al Legiunii de Onoare. În același an, a început schițele pentru o capelă a surorilor dominicane, Capela Rozariului din Vence, care avea să îl ocupe aproape exclusiv în următorii ani. Proiectul a fost rezultatul unei prietenii strânse între Matisse și sora Jacques-Marie, alias Monique Bourgeois. El a angajat-o ca infirmieră și model în 1941; în 1946 a intrat într-o mănăstire dominicană din Vence și a primit numele de Jacques-Marie. Când s-au întâlnit din nou acolo, ea i-a cerut sfatul pentru a construi o capelă pentru mănăstire. În decembrie 1949, a fost pusă piatra de temelie a capelei, iar la 25 iunie 1951, aceasta a fost sfințită de către episcopul de Nisa. În același an, Matisse a primit primul premiu pentru pictură la Bienala de la Veneția.

În legătură cu lucrările sale expuse în SUA în 1951, istoricul de artă american Alfred H. Barr a publicat Matisse: his Art and his Public, care rămâne până în prezent o carte importantă despre artist. În 1952, Muzeul Henri Matisse și-a deschis porțile în orașul său natal, Le Cateau-Cambrésis. Un an mai târziu, au urmat expoziții de papiers découpés la Paris și de sculpturi la Londra. În 1954, a fost ales membru de onoare al Academiei Americane de Arte și Litere.

Matisse a lucrat în ultimele zile ale vieții sale la Rockefeller Rose, care avea să fie ultima sa lucrare, un vitraliu pentru Union Church din Pocantico Hills, comandat de familia Nelson Rockefeller în memoria lui Abby Aldrich Rockefeller. Pe lângă lucrările lui Matisse, biserica conține și ferestre de Marc Chagall.

Matisse a murit în urma unui atac de cord la Nisa, la 3 noiembrie 1954. Mormântul său - piatra comemorativă îi este dedicată lui și fostei sale soții - se află pe cel mai înalt punct al cimitirului Cimiez; este un cadou din partea orașului Nisa.

La 5 ianuarie 1963, la Nisa a fost înființat un alt muzeu, Muzeul Matisse. Încă înainte de înființarea sa, la 21 octombrie 1953, artistul însuși a donat tabloul Natură moartă cu rodie (1947), patru desene din anii 1941

Concepția lui Matisse despre imagine

În lumea picturală a lui Matisse, culoarea dobândește un caracter autonom prin utilizarea sa bidimensională, decorativă și ornamentală, omițând aspectele sale de design spațial. Aici, culoarea nu este nici subordonată culorii locale, nici descrierii structurilor de suprafață. Mai degrabă, Matisse o folosește ca mijloc de reproducere a senzațiilor cromatice declanșate în pictor de impresia motivului. În drumul său prin fauvism, a creat o lume picturală în care nu se acordă mai multă importanță obiectului decât spațiului interior, adică spațiul dintre obiecte. Niciuna dintre aceste forme nu este superioară sau subordonată alteia în realizarea "expresiei" ca element de design. Conform acestui punct de vedere, "expresia" poate fi realizată doar prin aranjarea și conectarea formelor de culoare - culoarea și forma sunt una - între ele. Din acest punct de vedere, observarea naturii (obiectul) nu numai că devine prilej de senzații colorate (subiectul), dar este, de asemenea, ridicată la rang de corectiv în cadrul procesului creativ în interacțiunea lor reciprocă. În acest sens, Matisse se considera legat de tradiție. Astfel, Matisse - la fel ca Picasso - nu a făcut niciodată pasul spre abstracția completă, deoarece în acest fel, așa cum sublinia el însuși, abstracția era doar imitată.

O altă caracteristică a compoziției picturale a lui Matisse este faptul că liniarizează obiectele. Relațiile spațiale dintre obiecte se retrag în fundal, sunt dizolvate, dar fără a nega complet referințele lor spațiale. Astfel, el a subliniat că, prin egalitatea formelor - obiect și spațiu interior - precum și prin autonomia culorii, era necesară o liniarizare a elementelor picturale și viceversa.

Nevoia crescândă de originalitate și individualitate în acele vremuri, pe de o parte, și aversiunea față de ceea ce adversarii lor considerau a fi opiniile "degenerate" ale academiilor încă stabilite, pe de altă parte, au determinat mulți pictori să dorească să își adopte propria poziție. Astfel, deși Matisse a regăsit în Cézanne figura spiritului rector, nu a intenționat să continue opera lui Cézanne.

Primele lucrări până la 1900

Matisse a decis târziu în viață să urmeze o carieră artistică. A început să ia lecții de artă pe când avea 20 de ani și era asistent juridic în St. Primele sale picturi corespundeau naturalismului burghez pe care școala franceză îl adoptase de la cea olandeză. Un tablou bine cunoscut din această perioadă este Femeia care citește, din 1894, care se află în prezent la Musée National d'Art Moderne din Paris. În temele sale picturale, femeile vor domina arta sa de la lucrările sale timpurii până la lucrările sale târzii din anii 1950, descrise în diferitele faze ale lui Matisse. În 1895, a urmat Natura moartă cu autoportret în culori similare maro-verde, care seamănă estetic cu Natura moartă a lui Cézanne, cu douăzeci de ani mai în vârstă decât el, dar fără sofisticarea acestuia. Tablourile bine cunoscute din 1897 sunt The Table Set și lucrarea de la malul mării, Belle Île; în aceasta din urmă există apropieri de lucrarea lui Claude Monet din 1896, Storm in Belle Île, care reflectă influențele impresioniste ale lui Monet și ale lui John Peter Russell în Bretania.

Opera principală a artistului poate fi împărțită în următoarele cinci perioade:

Perioada Fauve (1900-1908)

În 1900, Matisse a început să picteze într-un stil care, retrospectiv, a fost numit "proto-Fauve". El nu dorea să-și vadă formele dizolvate în lumină, ci concepute ca un întreg complet, astfel că s-a îndepărtat de impresionismul "ortodox". Lucrările divizioniste ale lui Seurat, alături de cele ale lui Paul Cézanne, au fost cele cărora le-a dedicat atenția sa. Georges Seurat și neoimpresioniștii și-au creat operele în conformitate cu doctrina teoretică bazată pe teoria culorii a lui Eugène Chevreul. În afară de Seurat, Vincent van Gogh și Paul Gauguin au fost cei care i-au sporit simțul culorii lui Matisse; acesta dorea să depășească imitarea naturii. Compoziția de figuri a lui Matisse Lux, Tăcere și Dorință (1904)

Rezultatul muncii sale din faza fauvistă a reprezentat o soluție sub forma unei scheme de culori bidimensionale care se opunea "topirii" picturilor impresioniste. Exemple sunt Fereastra deschisă în Collioure și Femeie cu pălărie, ambele din 1905, care au provocat indignare la expoziția de la Salon și au dus la apariția termenului "fauvism". În tabloul său "The Green Stripe". Portret al doamnei Matisse, tot din 1905, verdele este o constantă. Dunga de deasupra feței, care la prima vedere pare nefirească, nu este plasată în mod arbitrar, ci servește ca o graniță între zonele de lumină și cele de umbră. Matisse a arătat că autonomia culorii, în combinație cu aplicarea sa bidimensională, a însemnat că obiectele trebuiau să fie liniarizate între ele, relațiile lor spațiale fiind astfel retrase în fundal. Lucrările din anii următori reprezintă în primul rând variații ale acestei idei fundamentale.

Potrivit propriei declarații, opera vieții sale a început cu tabloul Bucuria de a trăi, pe care l-a expus la Salon des Indépendants în 1906, unde a provocat critici acerbe. După călătoria sa în Algeria, în 1906, a pictat Nud albastru (Amintiri din Biskra), palmierii din fundal reflectând călătoria. Nudul feminin cântărește greu pe pământ și aruncă o umbră. Figura dominantă și împrejurimile plate reflectă punctul de vedere al lui Matisse: "Tocmai figura, și nu natura moartă sau peisajul, este cea care mă interesează cel mai mult. În ea pot exprima cel mai bine, s-ar putea spune, sentimentul religios față de viață care este întotdeauna al meu."

Perioada experimentală (1908-1917)

Perioada experimentală a lui Matisse, în care a fost foarte productiv, este împărțită în două faze: Între 1908 și 1910, predomină formele organico-fluide și arabescente, în timp ce a doua fază, între 1911 și 1917, marcată de implicarea lui Matisse în cubism, este dominată de forme geometrice. Matisse nu și-a subordonat niciodată pictura unui stil uniform, ci și-a schimbat frecvent pozițiile, trecând de la perioadele decorative la cele mai realiste.

În 1909, patronul rus de artă Serghei Ivanovici Șchukin a comandat două lucrări de mari dimensiuni, La Danse (Dansul) și La Musique (Muzica), pentru a decora scara reședinței sale din Moscova. Au fost create două versiuni ale Dansului în nuanțe diferite de culoare. Matisse a fost inspirat de dansul provensal Farandole. Picturile, fiecare dintre ele constând din cinci corpuri în fața unui fundal puternic colorat, transmit bucuria de a trăi; stilul decorativ se combină cu figura umană. Monumentalitatea lor rezultă din simplificarea mijloacelor picturale: puține culori sunt aplicate pe suprafețe mari și omogene, desenul devine o linie pură care formează formele. Dansul este una dintre cele mai cunoscute lucrări ale lui Matisse. Simplificarea formelor determină și tabloul Buchet de flori și farfurie de ceramică (1911). Într-un interviu acordat ziarului Utro Rossii (Утро России) la 27 octombrie 1911, în timpul șederii sale la Moscova, Henri Matisse și-a rezumat impresiile despre icoanele rusești, precum și despre obiectele realizate din email, într-un interviu acordat ziarului Utro Rossii (Утро России):

În timpul Primului Război Mondial, scara de culori a devenit mai întunecată; reducerea la forme geometrice în stilul cubismului a atins apogeul în 1914, cu tabloul View of Notre Dame, și a continuat până în 1918. Culoarea neagră a jucat un rol important în anii războiului, un exemplu fiind fereastra ușii din Collioure, 1914.

Perioada Nice (1917-1929)

Matisse s-a dedicat, printre altele, picturii de odalisce în diferite poziții. Portretele, interioarele pline de lumină, naturile statice și peisajele au fost, de asemenea, în centrul interesului său pentru reprezentare. Lucrările sale au avut mai multe trăsături naturaliste decât oricând înainte. Făcându-și realitate imaginația, Matisse și-a dovedit astfel credința în pictură ca "sursă de bucurie nemărginită".

Dragostea pentru culoare și detalii este evidentă în "fundalul ornamental" adesea neobișnuit. Tabloul Figură decorativă pe un fundal ornamental (1925)

Perioada de simplitate reînnoită (1929-1940)

Perioada de la Nisa a fost urmată de o perioadă de simplitate reînnoită. Aspirațiile artistice ale lui Matisse se concentrau pe armonia dintre dezvoltarea maximă a culorii și o abstractizare progresivă a formei reprezentative.

În 1929 a călătorit în SUA și a fost membru al juriului celei de-a 29-a ediții a Carnegie International. Un an mai târziu, a călătorit în Tahiti, New York și Baltimore, Maryland, precum și în Merion, în Pennsylvania. Albert C. Barnes din Merion, un important colecționar de artă modernă care deținea deja cea mai mare colecție Matisse din America, l-a însărcinat pe artist să realizeze o pictură murală de mari dimensiuni pentru galeria de artă din casa sa. Matisse a ales o temă a dansului care îl cuprinsese încă din faza fauvistă. Pictura murală The Dance există în două versiuni din cauza unei erori de măsurare; a fost instalată în mai 1933 și este expusă în prezent la Fundația Barnes. În simplitatea sa, compoziția înfățișează femei care dansează într-o mișcare extrem de puternică pe un fundal abstract, aproape geometric. În timpul lucrărilor pregătitoare pentru pictura murală, Matisse a folosit un nou procedeu, asamblând compoziția din bucăți de hârtie colorată decupate. Începând cu 1940, siluetele au devenit mijlocul de expresie preferat al lui Matisse, o tehnică pe care a păstrat-o până la sfârșitul vieții sale.

Termenul de prescripție la cele esențiale (1940-1954)

Reducerea formei la abstractizare l-a determinat pe Matisse să accentueze elementul dinamic. În jurul anului 1943, din cauza bolii sale grave, siluetele au devenit un mijloc principal de exprimare în opera artistului; în jurul anului 1948, Matisse a încetat să mai picteze cu totul. Asistentele îi puneau pe asistenți să picteze foi de hârtie cu vopsea guașă monocromă, din care își decupa figurile și formele libere (gouaches découpées). Matisse a numit această tehnică "desen cu foarfeca". Acesta oferea posibilitatea de a combina linia și culoarea și, prin urmare, era soluția la preocuparea sa pe care o căuta de mult timp. În desen, a fost capabil să reprezinte o impresie în câteva contururi, dar fără culoare. În pictură, această spontaneitate lipsea. Când foarfecele înlocuiește pensula și desenează direct în vopsea, opoziția dintre culoare și linie este depășită. Rezultatul - tăietura - este mai ascuțit decât linia trasată, astfel încât are un caracter diferit. În 1947, o secvență de siluete din anii 1943-1944 a fost publicată ca o carte de artist sub titlul Jazz, care a fost reprodusă prin imprimare cu șablon. Titlul face aluzie la spontaneitatea și improvizația stilului muzical jazz. Despre utilizarea liniilor, Matisse a scris în această carte:

La acestea se adaugă desene pentru tapiserii, precum Polynesia - Cerul și Polynesia - Marea, 1946. Decorul unei capele, Capela Rozariului (numită și Chapelle Matisse) din Vence, inaugurată în 1951, ale cărei vitralii le-a pregătit tot în siluete, arată primul vitraliu al artistului. Un alt exemplu este seria Blue Nude din 1952; este realizată exclusiv în albastru și alb și are un efect sculptural în abstracția sa.

Matisse a creat desene, studii pentru lucrările sale, în număr mare. Interesul său pentru lucrările grafice a început în jurul anului 1900, când a început să facă încercări de gravură. Catalogul raisonné al gravurilor publicat de fiica sa, Marguerite Duthuit, și de nepotul său, Claude Duthuit, descrie aproximativ 800 de lucrări, concentrându-se pe cele aproximativ 300 de gravuri și 300 de litografii realizate între 1908 și 1948 și datând din 1906 până în 1952. În plus, a realizat 62 de lucrări în acuatinta, 68 de monotipuri, 70 de linogravuri și din prima perioadă 1906.

După izbucnirea celui de-al Doilea Război Mondial, opera grafică a lui Matisse a ocupat un spațiu mai mare, cu ilustrații pentru Pasiphaé (1944) de Henry de Montherlant, Visages (1946) de Pierre Reverdy, Lettres portugaises (1946) de Mariana Alcaforado, Les Fleurs du Mal (1947) de Charles Baudelaire, Florilège des Amours de Pierre de Ronsard (1948) și Poèmes de Charles d'Orléans (în schimb, a adăugat ilustrații color la celebra sa carte de artist Jazz din 1947, în care își scrie reflecțiile sale despre artă și viață.

Mai mult de jumătate din sculpturile lui Matisse au fost create între 1900 și 1910, iar Matisse a lucrat adesea în serie, simplificând forma de-a lungul anilor. Prima lucrare tridimensională a lui 82, Jaguar devorând un iepure, a fost creată în timpul studiilor sale de sculptură din 1899 și indică nu numai influența lui Auguste Rodin, ci și a lui Antoine-Louis Barye, un sculptor francez bine cunoscut pentru sculpturile sale de animale. Matisse a modelat sculptura Jaguar după sculptura de bronz a lui Barye, Jaguar dévorant un lièvre, la care a lucrat între 1899 și 1901. La fel ca și pictura cu același nume, sculptura Servitorul a fost creată în 1900 și terminată în 1903. L-a folosit ca model pe italianul Bevilaqua, care deja modelase pentru Rodin în operele sale Ioan Botezătorul (1878) și Bărbatul ambulant (1900). Matisse a transpus adesea motive din sculpturile sale în picturi sau invers. Dimensiunea sculpturilor sale nu corespundea mărimii reale, așa cum se întâmpla în cazul sculptorilor tradiționali, ci erau create într-un format mai mic.

În 1907 a început să lucreze la Nud culcat, pe care îl dezvoltase din pictura Luxury, Silence and Desire (1904-1905). Subiectul avea să îl ocupe timp de 30 de ani. Sculptura Două negrese din 1908 se regăsește din nou în Natura moartă din 1910, Bronz cu fructe. Tabloul lui Cézanne, Cele trei scăldătoare, achiziționat în 1899, i-a servit lui Matisse drept model pentru lucrări care înfățișează corpul într-un mod monumental, cum ar fi seria de reliefuri cu nuduri în decubit dorsal pe care Matisse le-a creat între 1909 și 1929. Inspirația pentru seria Jeannette I - V din 1910-1913 a fost o pictură impresionistă anterioară; capul lui Jeanette a devenit din ce în ce mai înstrăinat în versiuni. Jeanette V este un precursor al abstracției fizice care s-a răspândit mai târziu în artă, începând cu anii 1930. Inspirația din arta primitivă nu s-a reflectat în picturile sale, așa cum s-a întâmplat cu Picasso, dar transformările sale au rămas limitate în această privință la lucrările sculpturale.

Aproape toate sculpturile sale au fost editate în zece exemplare, cu o singură excepție: Torsul mic și subțire din 1929 există doar în trei exemplare. Matisse a folosit tehnica de turnare în nisip și ceară pierdută. Cele mai multe dintre lucrările sale sculpturale au fost turnate în anii următori, când un număr mai mare de colecționari au devenit interesați de ele. Nudurile din spate I - IV, care se numără printre cele mai importante sculpturi ale lui Matisse, au fost turnate abia după moartea lui Matisse, la instigarea moștenitorilor săi. În anii '90, moștenitorii au distrus majoritatea matrițelor originale pentru a preveni alte ediții.

Dintre cei patru mari pictori francezi din prima jumătate a secolului XX - Matisse, Picasso, Derain și Braque - Matisse a fost primul teoretician. Scrierea sa din 1908, Notes d'un peintre (Note ale unui pictor), a precedat cu mult timp declarațiile publicate de Braque și Picasso. Deși cel mai vechi interviu al lui Braque (1908) a fost publicat în 1910, textele sale au apărut abia în 1917. Prima declarație teoretică a lui Picasso, Picasso vorbește, a apărut în mai 1923.

În "Însemnări ale unui pictor", Matisse a clarificat principalele preocupări ale artei sale: "expresia" ("Ausdruck und Aussage"), prelucrarea mentală a formelor naturale, claritatea și culoarea. Mai mult, în acest articol își mărturisește credința în artă ca expresie a personalității. Pentru el, ea nu este nici o reprezentare a unei "imaginații", nici un mediator de idei literare, ci se bazează pe sinteza intuitivă a impresiilor din natură. În această scriere, un pasaj central, adesea citat, spune:

Cel de-al doilea text teoretic Notes d'un peintre sur son dessin (Note ale unui pictor despre desen) a apărut în Le Point în 1939. În anii de după 1930, a făcut multe desene cu linii, executate în creion sau cu creionul; desenele cu creion și cerneală, după cum a definit Matisse, "au luat naștere doar după sute de desene, după încercări, intuiții și definiții ale formei; apoi le-am desenat cu ochii închiși".

Mărturii ale contemporanilor

Impresionistul Auguste Renoir, care era cu mulți ani mai în vârstă, i-a făcut un comentariu lui Henri Matisse spre sfârșitul Primului Război Mondial, când acesta l-a vizitat în sudul Franței:

În 1905, Paul Signac, un pictor cu șase ani mai mare decât el, a cumpărat tabloul lui Matisse Lux, tăcere și voluptate, care a fost expus la Salon des Indépendants. Un an mai târziu, neoimpresionistul a luat în derâdere lucrarea lui Matisse, Bucuria de a trăi, expusă la Salon:

Gertrude Stein, patroana lui Matisse, a descris tabloul Nud albastru (Amintire din Biskra) din 1907 și intenția acestuia după cum urmează:

Studentul și prietenul lui Matisse, pictorul german Hans Purrmann, a organizat o expoziție la Berlin în 1908, la galeria lui Paul Cassirer. Expoziția a fost criticată. La o întâlnire comună cu Max Liebermann la galerie, acesta din urmă s-a temut de "ruinarea tinereții" la vederea tablourilor și a preferat să se ocupe de câinele său de casă. "Pictură de turtă dulce" și "tapet" erau cuvintele cheie ale vremii despre pictura lui Matisse. Cu câțiva ani înainte de moartea lui Matisse, Purrmann a comentat circumstanțele vieții sale târzii:

Picasso și-a exprimat foarte des aprecierea față de Matisse. Dintre numeroasele expresii ale lui Picasso, totuși, cea de mai jos indică cel mai clar cât de mult recunoștea Picasso opera lui Matisse:

Relația cu Picasso

Matisse a fost singurul artist contemporan pe care Picasso îl considera egalul său. Niciun alt artist contemporan nu a însemnat atât de mult pentru el ca Matisse, în ciuda orientărilor lor artistice opuse. În timpul întâlnirilor lor, a avut loc un schimb de opinii foarte viu. "Trebuie să vorbim unul cu celălalt cât de mult putem", i-a spus Matisse lui Picasso la sfârșitul anilor 1940, adăugând: "Când unul dintre noi va muri, vor exista lucruri despre care celălalt nu va putea vorbi cu nimeni altcineva".

Picasso, care, de asemenea, arunca uneori insulte crude, nu a permis niciodată nimănui altcuiva să îl critice pe Matisse. Există multe dovezi în acest sens, iar una dintre cele mai bune dintre numeroasele mărturii vine de la Christian Zervos. Matisse și Picasso au petrecut o după-amiază în Coupole împreună cu alte câteva persoane. Matisse a părăsit grupul pentru o clipă. Când cineva l-a întrebat unde s-a dus, Picasso a răspuns că stătea în siguranță pe coroana sa de lauri. Cei mai mulți dintre cei prezenți, căutând aprobarea lui Picasso, au început să-l atace pe Matisse. Picasso s-a înfuriat și a strigat: "Nu voi tolera să spui nimic împotriva lui Matisse, el este cel mai mare pictor al nostru.

În acest fel, cei doi și-au adus un omagiu reciproc. Picasso a spus: "În principiu, nu există nimic altceva decât Matisse. "Numai Picasso poate scăpa cu orice. El poate să încurce totul. A desfigura, a mutila, a dezmembra. El este întotdeauna, rămâne întotdeauna în regulă", a spus Matisse. "Doar pentru asta, de exemplu, Matisse este Matisse: pentru că are soarele în corp", spunea Picasso.

Relația artistică respectuoasă dintre acești doi artiști etalon ai secolului XX, marcată de o rivalitate creativă, este evidențiată în detaliu de Françoise Gilot în cartea sa Matisse și Picasso - O prietenie între artiști.

Opoziția lor a fost evidentă în întrebările fundamentale despre caracterul tabloului și despre sensul artei. Picasso a vrut o imagine disonantă, Matisse o imagine armonioasă. Opozițiile lor apar cu claritate în următoarele citate: "Pictura nu este acolo pentru a decora apartamentele. Este o armă de atac și de apărare", a declarat Picasso într-un interviu acordat în 1945 în Lettres Françaises. "Un tablou pe perete ar trebui să fie ca un buchet de flori în cameră", a comentat Matisse câteva luni mai târziu în aceeași revistă.

Pe de altă parte, opera lui Cézanne este elementul care le leagă pe cele două. Picasso, ca și Matisse, îi studiase picturile și i-a spus mai târziu fotografului Brassaï: "Cézanne! A fost tatăl nostru, al tuturor!" Matisse a studiat, printre altele, scrisorile lui Cézanne și a avut în comun cu acesta instinctul explorator care se străduiește să producă o imagine pe deplin "realizată" (despre aceasta, vezi → realizarea la Cézanne). Această căutare și cercetare, care străbate ca un fir roșu scrierile lui Matisse, este foarte pronunțată în opera lui Cézanne.

Rezistența lui Matisse la pictura abstractă

Cu o vehemență neobosită, Matisse a condamnat pictura abstractă într-o conversație cu Marie Raymond în 1953. "Termeni precum nereprezentativ sau abstract nu sunt altceva decât un scut pentru a ascunde o deficiență." Și adaugă: "Scrieți exact cum vă spun eu: Matisse este împotriva artei abstracte. Picasso gândește exact ca mine: toți cei care au creat o operă gândesc ca mine."

Când Marie Raymond l-a întrebat pe Matisse dacă lucrările sale târzii nu arată o anumită apropiere de experimentele abstracte, acesta a răspuns că arta a fost întotdeauna abstractă și că, dacă ar fi fost mai tânăr, ar fi pornit o campanie împotriva artei abstracte.

În altă parte, justificându-și respingerea picturii abstracte, a subliniat că aceasta nu făcea decât să imite abstracția.

Influența asupra expresionismului abstract în SUA

După ce Mark Rothko, un reprezentant al expresionismului abstract, a văzut "Atelierul roșu" al lui Matisse (Das rote Atelier, 1911) la Muzeul de Artă Modernă din New York, la sfârșitul anilor 1940, a fost foarte impresionat de opera artistului francez, iar aceasta a avut o influență majoră asupra operei sale. După cum a povestit Rothko, a petrecut "ore întregi" în fața tabloului. În 1954, anul morții lui Matisse, Rothko a pictat lucrarea "Omagiu lui Matisse"; această lucrare a fost adjudecată cu peste 22 de milioane de dolari la licitația din noiembrie 2005.

Pictorii expresioniști abstracți americani precum Robert Motherwell, Sam Francis, Frank Stella și pictorul Ellsworth Kelly au fost, de asemenea, influențați de opera lui Matisse.

Matisse și modelele sale

Există multe prejudecăți despre viața și opera lui Matisse - de exemplu, că ar fi avut relații cu modelele sale feminine. Hilary Spurling, biograful britanic al lui Matisse, a relegat această ipoteză în domeniul legendei. Ea scrie că o imagine diferită reiese din scrisorile, din însemnările din jurnalul său și din relatările colegilor săi: "Toți au descris un sistem de austeritate și disciplină călugărească și toți au fost împinși la limita suportabilului de norma inumană de auto-mortificare a lui Matisse". Spurling a purtat discuții ample cu toate modelele care sunt încă în viață.

Filme despre Matisse

Scriitorul Louis Aragon l-a întâlnit pe Henri Matisse în iarna anului 1941, când acesta a fugit împreună cu Elsa Triolet din partea ocupată a Franței la Nisa pentru a-și continua munca împreună în cadrul Rezistenței. S-a dezvoltat o prietenie profundă, din care a rezultat cartea lui Aragon despre Matisse, Henri Matisse, roman, deși nu a putut fi finalizată decât la scurt timp după moartea Elsei, în 1971. Opera lui Aragon, cu amestecul său de autobiografie și critică de artă, precum și de eseuri și poeme, a fost un model pentru cineastul Richard Dindo, care realizase deja documentare despre Max Frisch și Arthur Rimbaud, printre alții. În filmul color de 52 de minute Aragon, le roman de Matisse, Dindo descrie întoarcerea în locurile în care Matisse a trăit. Un montaj reușit condensează imaginile și sunetele într-o lectură cinematografică a tablourilor, a cărților și a locurilor autentice. Producție: Lea Produktion, Zurich 2003, regia Richard Dindo.

De asemenea, au fost realizate filme care sunt disponibile sub formă de filme video și au fost difuzate de diferite posturi de televiziune: Gero von Boehm l-a filmat pe Henri Matisse - anii la Nisa, înregistrare televizată: ARD, 4 octombrie 1988. Matisse - Picasso, o prietenie improbabilă de Philippe Kohly din 2002 este un reportaj cinematografic francez, înregistrare televizată: 3sat, 20 iulie 2003. Henri Matisse - o călătorie cinematografică (OT: Henri Matisse - un voyage en peinture), un portret cinematografic, a fost editat de Heinz Peter Schwerfel, Germania.

Filmul de televiziune de o jumătate de oră Matisse & Picasso: A Gentle Rivalry a fost realizat în 2001 și tratează portretele celor doi "giganți" ai artei secolului XX. Aceasta prezintă, printre altele, fotografii rar publicate ale picturilor și sculpturilor lor, precum și fotografii și filme ale celor doi artiști din arhive care îi prezintă la lucru. Geneviève Bujold este vocea lui Françoise Gilot, Robert Clary este Matisse, iar Miguel Ferrer este Picasso. Producția câștigătoare a premiului național Emmy este de la KERA-Dallas

Matisse pe piața de artă

Lucrările lui Matisse ajung adesea la prețuri de top la licitații. Printre exemplele din ultimii ani se numără tabloul L'Espagnole (1922), vândut la licitație cu 10,121 milioane de dolari la Sotheby's din New York în 2007, și tabloul Les coucous, tapis bleu et rose din 1911, care a atins prețul record pentru un tablou de Matisse la licitația organizată de Christie's pentru colecția de artă a creatorului de modă Yves Saint Laurent la Paris în februarie 2009. Ciocanul a căzut la 35.905.000 de euro. Totuși, spre deosebire de lucrările lui Picasso, acestea nu se regăsesc printre cele mai scumpe douăsprezece picturi din lume. Relieful său în bronz, Nu de dos 4 état, scos la licitație la Christie's la 3 noiembrie 2010, a stabilit un record pentru o lucrare Matisse (în dolari): Galeria Gagosian, New York, a achiziționat-o pentru peste 48 de milioane de dolari (echivalentul a puțin peste 43 de milioane de euro).

Portret de femeie descoperit la descoperirea de artă de la Schwabing

În cadrul unei conferințe de presă la Schwabing Art Find, la 5 noiembrie 2013, a fost prezentat un portret de femeie așezată atribuit lui Matisse, realizat în jurul anului 1924, care a fost confiscat în 1942 de Einsatzstab Reichsleiter Rosenberg din seiful bancar al comerciantului de artă Paul Rosenberg din Libourne. Descoperirea de artă din Schwabing reprezintă descoperirea a 1280 de opere de artă în apartamentul din München al lui Cornelius Gurlitt, la 28 februarie 2012. Pe lângă portretul lui Matisse, printre operele găsite acolo, dintre care unele sunt necunoscute, se numără lucrări de Marc Chagall, Otto Dix, Max Liebermann, Franz Marc și Pablo Picasso.

Matisse în viața de zi cu zi și în știință, onoruri

Lucrările artistului sunt atât de populare în prezent, încât sunt oferite numeroase postere cu imagini ale operelor sale, precum și puzzle-uri, de exemplu puzzle-ul de 1000 de piese cu lucrarea The Dance. Constructorul auto Citroën nu produce doar o mașină cu numele prietenului și antipodeiului său Picasso, ci din 2006 și C Matisse. Numele lui Matisse este prezent și pe scena muzicală: În 1999, o trupă de rock alternativ grecesc din Atena s-a numit Matisse, iar în Troisdorf există un pub muzical cu același nume. În 1993, a fost crescut un trandafir care i-a primit numele. Străzile și piețele din Franța au fost botezate după Matisse.

Pe planeta Mercur, craterele poartă numele unor persoane celebre care au murit, de exemplu artiști, pictori, scriitori și muzicieni. Craterul Matisse a fost denumit după Henri Matisse în 1976; are un diametru mediu de aproximativ 190 de kilometri și este situat în emisfera sudică a lui Mercur. Pe 2 aprilie 1999, un asteroid din centura principală interioară descoperit în 1973 a fost numit după Matisse: (8240) Matisse.

Picturi și siluete, lucrări grafice

Culegeri biografice

Etapele vieții

Rapoarte ale martorilor oculari

Aspecte individuale ale activității

Impact și recepție

Catalog rațional

Ficțiune

Cărți pentru copii

Muzee

Biografii

Imagini

Surse

1. Henri Matisse
2. Henri Matisse
3. Lawrence Gowing: Matisse, Umschlagrückseite, 1997, ISBN 3-7852-8406-3.
4. Anna Katharina Feldhaus: Henri Matisse – Malen mit der Schere. In: Schirn Kunsthalle Frankfurt. 5. April 2013, abgerufen am 14. Dezember 2020.
5. Henri Matisse: Farbe und Gleichnis, S. 110.
6. « https://archives.yvelines.fr/rechercher/archives-en-ligne/correspondances-du-musee-departemental-maurice-denis/correspondances-du-musee-maurice-denis », sous le nom MATISSE Henri (consulté le 12 février 2022)
7. Le Journal des Arts, Lina Mistretta : "Et Matisse fut", 17 décembre 2019 [1]
8. (en) Hillary Spurling, The Unknown Matisse: A Life of Henri Matisse: The Early Years, 1869-1908, University of California Press, 2001, p. 46.
9. (en) Hilary Spurling, The Unknown Matisse, p. 47.
10. ^ Adrian Searle (7 May 2002). "Searle, Adrian, A momentous, tremendous exhibition, The Guardian, Tuesday 7 May 2002". Guardian. UK. Retrieved 13 February 2010.
11. ^ Wattenmaker, Richard J.; Distel, Anne, et al. (1993). Great French Paintings from the Barnes Foundation. New York: Alfred A. Knopf. ISBN 0-679-40963-7. p. 272
12. Bois Y-A. Matisse in the Barnes Foundation, Philadelphia: The Barnes Foundation; New York and London: Thames & Hudson, 2016.
13. 1 2 3 4 5 6 The Personal Life of Henri Matisse.  (неопр.) Дата обращения: 4 декабря 2012. Архивировано из оригинала 12 июля 2016 года.
14. Spurling, Hilary (2001). The Unknown Matisse: A Life of Henri Matisse: The Early Years, 1869—1908. University of California Press, 2001. ISBN 0-520-22203-2, с. 4—6.
15. Leymarie, Jean; Read, Herbert; Lieberman, William S. (1966), Henri Matisse, UCLA Art Council, стp.9.
16. Bärbel Küster. «Arbeiten und auf niemanden hören.» Süddeutsche Zeitung, 6 July 2007.