Resumo

Fred Astaire (10 de Maio de 1899 - 22 de Junho de 1987) foi um dançarino, actor, cantor, coreógrafo, e apresentador de televisão americano. É amplamente considerado o maior dançarino da história do cinema.

A sua fase e subsequentes carreiras cinematográficas e televisivas abrangeram um total de 76 anos. Estreou em mais de 10 musicais da Broadway e West End, realizou 31 filmes musicais, quatro especiais de televisão, e numerosas gravações. Como bailarino, os seus traços marcantes foram um sentido de ritmo, perfeccionismo, e inovação. A sua parceria de dança mais memorável foi com Ginger Rogers, com quem co-estrelou uma série de dez musicais de Hollywood durante a era do cinema clássico de Hollywood, incluindo Top Hat (1935), Swing Time (1936), e Shall We Dance (1937). Entre outros filmes notáveis em que Astaire ganhou mais popularidade e levou o género de sapateado a um novo nível foram Holiday Inn (1942), Easter Parade (1948), The Band Wagon (1953), Funny Face (1957), e Silk Stockings (1957). O American Film Institute nomeou Astaire como a quinta maior estrela masculina do cinema clássico de Hollywood em 100 Anos... 100 Estrelas.

1899–1916: Início de vida e carreira

Fred Astaire nasceu Frederick Austerlitz a 10 de Maio de 1899, em Omaha, Nebraska, filho de Johanna "Ann" (1878-1975) e Friedrich "Fritz" Emanuel Austerlitz, nos EUA: Frederic Austerlitz (1868-1923). A mãe de Astaire nasceu nos EUA para imigrantes alemães luteranos da Prússia Oriental e da Alsácia. O pai de Astaire nasceu em Linz, Áustria, de pais católicos romanos que se tinham convertido do judaísmo.

O pai de Astaire, Fritz Austerlitz, chegou a Nova Iorque aos 25 anos de idade, a 26 de Outubro de 1893, em Ellis Island. Fritz procurava trabalho no sector cervejeiro e mudou-se para Omaha, Nebraska, onde foi empregado pela Storz Brewing Company. A mãe de Astaire sonhava em escapar de Omaha pelos talentos dos seus filhos. A irmã mais velha de Astaire, Adele, foi uma dançarina e cantora instintiva no início da sua infância. Johanna planeou um "acto de irmão e irmã", comum em vaudeville na altura, para os seus dois filhos. Embora Fred tenha recusado aulas de dança no início, imitava facilmente os passos da sua irmã mais velha e adoptava piano, acordeão, e clarinete.

Quando o seu pai perdeu o emprego, a família mudou-se para Nova Iorque em Janeiro de 1905 para lançar as carreiras de show business das crianças. Começaram a treinar na Alvieni Master School of the Theatre and Academy of Cultural Arts. A mãe de Fred e Adele sugeriu-lhes que mudassem o seu nome para "Astaire", pois sentia que "Austerlitz" fazia lembrar a Batalha de Austerlitz. A lenda familiar atribui o nome a um tio com o apelido "L'Astaire".

Foram ensinados a dançar, a falar e a cantar em preparação para o desenvolvimento de um acto. O seu primeiro acto chamava-se Juvenile Artists Presenting an Electric Musical Toe-Dancing Novelty. Fred usava uma cartola e cauda na primeira metade e uma roupa de lagosta na segunda. Numa entrevista, a filha de Astaire, Ava Astaire McKenzie, observou que eles punham frequentemente o Fred numa cartola para o fazer parecer mais alto. Em Novembro de 1905, o acto pateta estreou em Keyport, Nova Jersey, num "teatro de experimentação". O jornal local escreveu, "os Astaires são o maior número de crianças no vaudeville".

Como resultado da habilidade de vendedor do seu pai, Fred e Adele conseguiram um grande contrato e jogaram no Circuito Orpheum no Midwest, Western e em algumas cidades do Sul dos EUA. Em breve, Adele cresceu até pelo menos três polegadas mais alto do que Fred, e a dupla começou a parecer incongruente. A família decidiu fazer uma pausa de dois anos no show business para deixar o tempo seguir o seu curso e evitar problemas da Sociedade Gerry e das leis do trabalho infantil da época. Em 1912, Fred tornou-se Episcopal. A carreira dos irmãos Astaire recomeçou com fortunas mistas, embora com crescente habilidade e polimento, à medida que começaram a incorporar a sapateado nas suas rotinas. A dança de Astaire foi inspirada por Bill "Bojangles" Robinson e John "Bubbles" Sublett. Do bailarino de vaudeville Aurelio Coccia, aprenderam o tango, a valsa e outras danças de salão popularizadas por Vernon e Irene Castle. Algumas fontes afirmam que os irmãos Astaire apareceram num filme de 1915 intitulado Fanchon, o Grilo, protagonizado por Mary Pickford, mas os Astaires negaram-no constantemente.

Aos 14 anos de idade, Fred tinha assumido as responsabilidades musicais pelo seu acto. Conheceu George Gershwin, que trabalhava como plugger para a editora musical de Jerome H. Remick, em 1916. Fred já tinha andado à caça de novas ideias musicais e de dança. O seu encontro fortuito afectou profundamente as carreiras de ambos os artistas. Astaire estava sempre atento a novos passos no circuito e começava a demonstrar a sua busca incessante pela novidade e perfeição.

1917–1933: Carreira de palco na Broadway e em Londres

Os Astaires invadiram a Broadway em 1917 com Over the Top, uma revista patriótica, e actuaram para as tropas dos EUA e Aliados também nesta altura. Deram seguimento a vários outros espectáculos. Do seu trabalho no The Passing Show de 1918, Heywood Broun escreveu: "Numa noite em que havia uma abundância de boa dança, Fred Astaire destacou-se ... Ele e a sua parceira, Adele Astaire, fizeram o espectáculo parar no início da noite com uma bela dança solta".

O brilho e humor da Adele atraíram grande parte da atenção, em parte devido à preparação cuidadosa e coreografia de apoio afiada de Fred. Ela ainda definiu o tom do seu acto. Mas por esta altura, a habilidade de Astaire para dançar estava a começar a brilhar mais do que a da sua irmã.

Durante a década de 1920, Fred e Adele apareceram na Broadway e no palco de Londres. Ganharam aclamação popular com o público do teatro de ambos os lados do Atlântico em espectáculos como Jerome Kern's The Bunch and Judy (1922), George e Ira Gershwin's Lady, Be Good (1924), e Funny Face (1927), e mais tarde em The Band Wagon (1931). A sapateado de Astaire foi reconhecida nessa altura como uma das melhores. Por exemplo, Robert Benchley escreveu em 1930, "Penso que não vou mergulhar a nação na guerra ao afirmar que Fred é o maior dançarino de sapateado do mundo". Enquanto estava em Londres, Fred estudou piano na Guildhall School of Music ao lado do seu amigo e colega Noël Coward; e, em 1926, foi um dos juízes da competição 'Charleston (dança) Championship of the World' no Royal Albert Hall, onde Lew Grade foi declarado o vencedor.

Após o encerramento do Funny Face, os Astaires foram a Hollywood para um teste de ecrã (agora perdido) na Paramount Pictures, mas a Paramount considerou-os impróprios para filmes.

Eles separaram-se em 1932 quando Adele casou com o seu primeiro marido, Lord Charles Cavendish, o segundo filho do 9º Duque de Devonshire. Fred conseguiu o seu próprio sucesso na Broadway e em Londres com o Divórcio Gay (mais tarde transformado no filme The Gay Divorcee) enquanto considerava as ofertas de Hollywood. O fim da parceria foi traumático para Astaire, mas estimulou-o a expandir o seu alcance.

Livre das limitações irmão-irmãs do antigo par e trabalhando com a nova parceira Claire Luce, Fred criou uma dança romântica em parceria com Cole Porter "Night and Day", que tinha sido escrita para o Divórcio Gay. Luce declarou que tinha de o encorajar a adoptar uma abordagem mais romântica: "Vá lá, Fred, eu não sou tua irmã":  6 O sucesso da peça de teatro foi creditado a este número, e quando recriada em The Gay Divorcee (1934), a versão cinematográfica da peça, inaugurou uma nova era na dança filmada: 23, 26, 61 Recentemente, as filmagens filmadas por Fred Stone of Astaire actuando no Gay Divorcee com a sucessora de Luce, Dorothy Stone, em Nova Iorque, em 1933, foram descobertas pela bailarina e historiadora Betsy Baytos e representam agora as primeiras filmagens conhecidas de Astaire.

1933–1939: Astaire e Ginger Rogers na RKO

Segundo o folclore de Hollywood, um relatório de teste de Astaire para a RKO Radio Pictures, agora perdido juntamente com o teste, é relatado como tendo sido lido: "Não sei cantar". Não sabe cantar". Calvo. Sabe dançar um pouco". O produtor das imagens de Astaire-Rogers, Pandro S. Berman, afirmou nunca ter ouvido a história na década de 1930 e que ela só surgiu anos depois: 7 Astaire esclareceu mais tarde, insistindo que o relatório tinha lido: "Não pode agir". Ligeiramente careca. Também dança". Em qualquer caso, o teste foi claramente decepcionante, e David O. Selznick, que tinha assinado Astaire à RKO e encomendado o teste, declarou num memorando: "Tenho dúvidas sobre o homem, mas sinto, apesar dos seus enormes ouvidos e má linha do queixo, que o seu encanto é tão tremendo que chega mesmo neste miserável teste":  7

No entanto, isto não afectou os planos da RKO para Astaire. Em 1933, emprestaram-no por alguns dias à MGM para a sua significativa estreia em Hollywood no filme musical de sucesso Dancing Lady. No filme, apareceu como ele próprio a dançar com Joan Crawford. No seu regresso à RKO, recebeu a quinta facturação após a quarta factura Ginger Rogers no veículo Dolores del Río Flying Down to Rio de 1933. Numa crítica, a revista Variety atribuiu o seu enorme sucesso à presença de Astaire:

O ponto principal de Flying Down to Rio é a promessa de ecrã de Fred Astaire ... Ele é certamente uma aposta depois desta, pois é distintamente apreciado no ecrã, o microfone é gentil com a sua voz e como bailarino, ele permanece numa aula sozinho. Esta última observação não será novidade para a profissão, que há muito admite que Astaire começa a dançar onde os outros deixam de andar à boleia..:  7

Tendo já estado ligado à sua irmã Adele em palco, Astaire mostrou-se inicialmente muito relutante em fazer parte de outra equipa de dança. Ele escreveu ao seu agente: "Não me importo de fazer outra fotografia com ela, mas quanto a esta ideia de 'equipa', está 'fora! Só consegui viver uma parceria e não quero ser mais incomodado com ela":  8 No entanto, foi persuadido pelo aparente apelo público do casal Astaire-Rogers. A parceria, e a coreografia de Astaire e Hermes Pan, ajudou a tornar a dança num elemento importante do filme de Hollywood musical.

Astaire e Rogers fizeram nove filmes juntos na RKO. Estes incluíam Flying Down to Rio (1933), The Gay Divorcee (1934), Roberta (1935), no qual Astaire também demonstra as suas habilidades pianísticas frequentemente esquecidas com um solo espirituoso em "I Won't Dance"), Top Hat (1935), Follow the Fleet (1936), Swing Time (1936), Shall We Dance (1937), Carefree (1938), e The Story of Vernon and Irene Castle (todos os filmes trouxeram um certo prestígio e arte que todos os estúdios cobiçavam na altura. A sua parceria elevou-os ambos ao estrelato; como Katharine Hepburn afirmou alegadamente: "Ele dá-lhe classe e ela dá-lhe sex appeal":  134 Astaire recebeu uma percentagem dos lucros dos filmes, algo escasso nos contratos dos actores na altura.

Astaire revolucionou a dança em filme ao ter total autonomia sobre a sua apresentação. É creditado com duas importantes inovações nos primeiros musicais de cinema: 23, 26 Primeiro, ele insistiu que uma câmara de filmagem de bonecas filmasse uma rotina de dança no menor número de filmagens possível, tipicamente com apenas quatro a oito cortes, mantendo os bailarinos sempre à vista de todos. Isto deu a ilusão de uma câmara quase estacionária a filmar uma dança inteira num único disparo. Astaire foi famoso: "Ou a câmara vai dançar, ou eu vou":  420 Astaire manteve esta política desde The Gay Divorcee, em 1934, até ao seu último filme, Rainbow do musical Finian, em 1968, quando o realizador Francis Ford Coppola o anulou.

O estilo de sequências de dança de Astaire permitiu ao espectador seguir os dançarinos e coreografias na sua totalidade. Este estilo diferia de forma notável dos dos musicais de Busby Berkeley. As sequências desses musicais estavam cheias de extravagâncias aéreas, dezenas de cortes para tomadas rápidas, e zooms em áreas do corpo como uma fila de coros de braços ou pernas.

A segunda inovação de Astaire envolveu o contexto da dança; ele foi inflexível em que todas as rotinas de canto e dança eram parte integrante das linhas de enredo do filme. Em vez de utilizar a dança como espectáculo, como fez Busby Berkeley, Astaire utilizou-a para fazer avançar o enredo. Tipicamente, um filme de Astaire incluiria pelo menos três danças padrão. Uma seria uma actuação a solo de Astaire, a que ele chamou o seu "solo de meia". Outra seria uma rotina de dança de comédia em parceria. Finalmente, ele incluiria uma rotina de dança romântica em parceria.

Os comentadores de dança Arlene Croce,: 146-147 e John Mueller: 8, 9 consideram Rogers como o maior parceiro de dança de Astaire, uma visão partilhada A crítica de cinema Pauline Kael adopta uma posição mais neutra, enquanto o crítico de cinema da revista Time Richard Schickel escreve "A nostalgia em torno de Rogers-Astaire tende a descorar outros parceiros".

Mueller resume as capacidades de Rogers da seguinte forma:

Rogers foi notável entre os parceiros de Astaire não porque fosse superior aos outros como bailarina, mas porque, como actriz hábil e intuitiva, foi suficientemente cautelosa para perceber que a representação não parou quando a dança começou... a razão pela qual tantas mulheres fantasiam dançar com Fred Astaire é que Ginger Rogers transmitiu a impressão de que dançar com ele é a experiência mais emocionante que se pode imaginar.

Segundo Astaire, "Ginger nunca tinha dançado com um parceiro antes de Flying Down to Rio. Ela fingiu muito. Ela não podia tocar e não podia fazer isto e aquilo... mas Ginger tinha estilo e talento e melhorou à medida que ia avançando. Ela conseguiu que, passado algum tempo, todos os outros que dançaram comigo parecessem errados". Na p. 162 do seu livro "Ginger": Saudação a uma estrela, o autor Dick Richards cita Astaire dizendo a Raymond Rohauer, curador da Galeria de Arte Moderna de Nova Iorque: "Ginger foi brilhantemente eficaz. Ela fez com que tudo funcionasse para ela. Na verdade, ela fez as coisas muito bem para ambos e merece a maior parte do crédito pelo nosso sucesso".

Em 1976, o apresentador britânico Sir Michael Parkinson perguntou a Astaire quem era o seu parceiro de dança favorito em Parkinson. No início, Astaire recusou-se a responder. Mas, em última análise, ele disse "Desculpe, devo dizer que Ginger era certamente, uh, uh, o tal". Era o parceiro mais eficaz que eu tinha. Toda a gente sabe".

Rogers descreveu as normas intransigentes de Astaire que se estendem a toda a produção: "Às vezes ele pensa numa nova linha de diálogo ou num novo ângulo para a história ... eles nunca sabem a que horas da noite ele vai telefonar e começar a gritar entusiasticamente sobre uma nova ideia ... Nada de vadiagem no trabalho num quadro de Astaire, e nada de cantos cortantes":  16

Apesar do seu sucesso, Astaire não estava disposto a ter a sua carreira vinculada exclusivamente a qualquer parceria. Negociou com a RKO para sair sozinho com A Damsel in Distress em 1937 com uma inexperiente e não dançarina Joan Fontaine, sem sucesso como acabou por acontecer. Voltou para fazer mais dois filmes com Rogers, Carefree (1938) e The Story of Vernon e Irene Castle (1939). Enquanto ambos os filmes ganharam rendimentos brutos respeitáveis, ambos perderam dinheiro devido ao aumento dos custos de produção: 410 e Astaire deixaram a RKO, depois de terem sido rotulados como "veneno de bilheteira" pelo Independent Theatre Owners of America. Astaire foi reunido com Rogers em 1949 no MGM para a sua saída final, The Barkleys of Broadway, o único dos seus filmes juntos a ser rodado em Technicolor.

1940–1947: Holiday Inn, reforma antecipada

Astaire deixou a RKO em 1939 para ser freelancer e procurar novas oportunidades cinematográficas, com resultados mistos mas geralmente bem sucedidos. Ao longo deste período, Astaire continuou a valorizar a entrada de colaboradores coreográficos. Ao contrário dos anos 30, quando trabalhou quase exclusivamente com Hermes Pan, ele aproveitou os talentos de outros coreógrafos para inovar continuamente. A sua primeira parceira de dança pós-Ginger foi a redoubtable Eleanor Powell, considerada a bailarina mais excepcional da sua geração. Estrearam na Broadway Melody de 1940, na qual executaram uma célebre rotina de dança prolongada ao "Begin the Beguine" de Cole Porter. Na sua autobiografia Steps in Time, Astaire comentou: "Ela 'pousou-as' como um homem, nada de coisas maricas e pegajosas com Ellie. Ela realmente derrubou uma sapateado numa aula sozinha".

Tocou ao lado de Bing Crosby no Holiday Inn (1942) e mais tarde Blue Skies (1946). Mas, apesar do enorme sucesso financeiro de ambos, alegadamente não estava satisfeito com os papéis em que perdeu a rapariga para Crosby. O antigo filme é memorável pela sua dança solo virtuosa de "Let's Say it with Firecrackers". O último filme apresentou "Puttin' On the Ritz", uma inovadora rotina de canção e dança indelével associada a ele. Outros parceiros durante este período incluíram Paulette Goddard em Second Chorus (1940), na qual ele conduziu a orquestra de Artie Shaw.

Fez duas fotografias com Rita Hayworth. O primeiro filme, You Will Never Get Rich (1941), catapultou Hayworth para o estrelato. No filme, Astaire integrou pela terceira vez os idiomas de dança latino-americanos no seu estilo (o primeiro foi com Ginger Rogers no número "The Carioca" de Flying Down to Rio (1933) e o segundo, novamente com Rogers, foi a dança "Dengozo" de The Story of Vernon e Irene Castle (1939)). O seu segundo filme com Hayworth, You Were Never Lovelier (1942), foi igualmente bem sucedido. Apresentou um dueto com "I'm Old Fashioned" de Kern, que se tornou a peça central do Ballet de Nova Iorque de Jerome Robbins de 1983, em homenagem a Astaire. Em seguida apareceu em frente à jovem Joan Leslie, de dezassete anos, no drama O Céu é o Limite (1943). Nele, introduziu "One for My Baby" de Arlen e Mercer enquanto dançava num balcão de bar, numa rotina sombria e perturbada. Astaire coreografou este filme sozinho e alcançou um modesto sucesso de bilheteira. Representou uma partida notável para Astaire da sua habitual persona encantadora, alegre e feliz de ecrã, e confundiu os críticos contemporâneos.

A sua próxima parceira, Lucille Bremer, foi apresentada em dois veículos luxuosos, ambos dirigidos por Vincente Minnelli. A fantasia Yolanda e o Thief (1945) apresentavam um ballet surrealista de vanguarda. Na revista musical Ziegfeld Follies (1945), Astaire dançou com Gene Kelly a canção de Gershwin "The Babbit and the Bromide", uma canção que Astaire tinha introduzido com a sua irmã Adele em 1927. Enquanto Follies foi um sucesso, Yolanda bombardeou na bilheteira.

Sempre inseguro e acreditando que a sua carreira começava a vacilar, Astaire surpreendeu o seu público ao anunciar a sua reforma durante a produção do seu próximo filme Blue Skies (1946). Nomeou "Puttin' on the Ritz" como a sua dança de despedida. Depois de anunciar a sua reforma em 1946, Astaire concentrou-se nos seus interesses de corrida de cavalos e em 1947 fundou os Estúdios de Dança Fred Astaire, que vendeu posteriormente em 1966.

1948–1957: Filmes MGM e segunda reforma

A reforma de Astaire não durou muito tempo. Astaire voltou ao grande ecrã para substituir um Gene Kelly ferido no desfile de Páscoa (1948) em frente a Judy Garland, Ann Miller, e Peter Lawford. Seguiu com uma reunião final com Rogers (substituindo Judy Garland) em The Barkleys of Broadway (1949). Ambos os filmes reavivaram a popularidade de Astaire e, em 1950, ele estrelou dois musicais. Three Little Words with Vera-Ellen e Red Skelton foi para a MGM. Let's Dance with Betty Hutton foi emprestado à Paramount. Enquanto Three Little Words se saiu bastante bem na bilheteira, Let's Dance foi uma desilusão financeira. O Casamento Real (1951) com Jane Powell e Peter Lawford revelou-se muito bem sucedido, mas The Belle of New York (1952) com Vera-Ellen foi um desastre crítico e de bilheteira. The Band Wagon (1953) recebeu críticas de críticos e atraiu grandes multidões. No entanto, devido ao seu elevado custo, não conseguiu ter lucro no seu primeiro lançamento.

Pouco tempo depois, Astaire, tal como as outras estrelas restantes na MGM, foi dispensado do seu contrato devido ao advento da televisão e à redução da produção cinematográfica. Em 1954, Astaire estava prestes a começar a trabalhar num novo musical, Daddy Long Legs (1955) com Leslie Caron na 20th Century Fox. Depois, a sua esposa Phyllis ficou doente e de repente morreu de cancro do pulmão. Astaire ficou tão enlutado que quis fechar o filme e ofereceu-se para pagar os custos de produção do seu bolso. No entanto, Johnny Mercer, o compositor do filme, e os executivos do estúdio Fox convenceram-no de que o trabalho seria o melhor para ele. Daddy Long Legs só se saiu moderadamente bem na bilheteira. O seu próximo filme para a Paramount, Funny Face (1957), juntou-o com Audrey Hepburn e Kay Thompson. Apesar da sumptuosidade da produção e das boas críticas dos críticos, não conseguiu recuperar o seu custo. Da mesma forma, o próximo projecto de Astaire - o seu musical final na MGM, Silk Stockings (1957), no qual co-estrelou com Cyd Charisse - também perdeu dinheiro na bilheteira.

Posteriormente, Astaire anunciou que se ia reformar da dança em filmes. O seu legado nesta altura era de 30 filmes musicais em 25 anos.

1957–1981: Especiais de televisão, papéis sérios

Astaire não se retirou completamente da dança. Fez uma série de quatro especiais musicais para a televisão, altamente classificados com o Prémio Emmy em 1958, 1959, 1960, e 1968. Cada um deles apresentou Barrie Chase, com quem Astaire desfrutou de um período renovado de criatividade na dança. O primeiro destes programas, Uma Noite com Fred Astaire de 1958, ganhou nove Prémios Emmy, incluindo "Melhor Performance Individual de um Actor" e "Mais Destacado Programa Individual do Ano". Foi também notável por ter sido a primeira grande emissão a ser gravada em cassete de vídeo a cores. Astaire ganhou o Emmy de Melhor Actuação Única por um Actor. A escolha teve uma repercussão controversa porque muitos acreditavam que a sua dança no especial não era o tipo de "actuação" para o qual o prémio foi concebido. A certa altura, Astaire ofereceu-se para devolver o prémio, mas a Academia de Televisão recusou-se a considerá-lo. Uma restauração do programa ganhou um Emmy técnico em 1988 para Ed Reitan, Don Kent, e Dan Einstein. Eles restauraram a cassete de vídeo original, transferindo o seu conteúdo para um formato moderno e preenchendo lacunas onde a fita se tinha deteriorado com filmagens do cinescópio.

Astaire interpretou Julian Osborne, um personagem não dançarino, no drama de guerra nuclear On the Beach (1959). Foi nomeado para um prémio de Melhor Actor de Apoio do Globo de Ouro pela sua actuação, perdendo para Stephen Boyd em Ben-Hur. Astaire apareceu em papéis não dançantes em três outros filmes e várias séries televisivas entre 1957 e 1969.

O último grande filme musical de Astaire foi "O arco-íris de Finian" (1968), realizado por Francis Ford Coppola. Astaire largou a sua gravata branca e as suas caudas para interpretar um irlandês velhaco que acredita que se enterrar uma jarra de ouro nas sombras de Fort Knox, o ouro multiplicar-se-á. O parceiro de dança de Astaire foi Petula Clark, que interpretou a filha céptica da sua personagem. Ele descreveu-se como nervoso ao cantar com ela, enquanto ela dizia que estava preocupada em dançar com ele. O filme foi um sucesso modesto, tanto na bilheteira como entre os críticos.

Astaire continuou a actuar na década de 1970. Apareceu na televisão como o pai da personagem de Robert Wagner, Alexander Mundy, em It Takes a Thief. No filme The Towering Inferno (1974), dançou com Jennifer Jones e recebeu a sua única nomeação para o Óscar, na categoria de Melhor Actor Coadjuvante. Exprimiu a voz do carteiro narrador S.D Kluger, no Rankin dos anos 70

Em 1978, co-estrelou com Helen Hayes num bem recebido filme televisivo A Family Upside Down no qual interpretaram um casal de idosos a lidar com um problema de saúde. Astaire ganhou um prémio Emmy pela sua actuação. Fez uma aparição bem publicitada na série de televisão de ficção científica Battlestar Galactica em 1979, como Camaleão, o possível pai de Starbuck, em "O Homem com Nove Vidas", um papel escrito por Donald P. Bellisario. Astaire pediu ao seu agente para obter um papel para ele na Galactica devido ao interesse dos seus netos na série e os produtores ficaram encantados com a oportunidade de criar um episódio inteiro para o apresentar. Este episódio marcou a última vez que ele dançou no ecrã, neste caso com Anne Jeffreys. Actuou em nove diferentes papéis em O Homem do fato de Pai Natal em 1979. O seu filme final foi a adaptação de 1981 do romance de Peter Straub, A História do Fantasma. Este filme de terror foi também o último para dois dos seus mais proeminentes companheiros de casta, Melvyn Douglas e Douglas Fairbanks Jr.

Astaire era um dançarino virtuoso, capaz quando chamado a transmitir aventuras de coração leve ou emoção profunda. O seu controlo técnico e o seu sentido de ritmo eram espantosos. Muito depois da fotografia para o número de dança a solo "I Want to Be a Dancin' Man" ter sido concluída para a peça de 1952 The Belle of New York, foi decidido que o humilde figurino de Astaire e o cenário de palco gasto eram inadequados e toda a sequência foi remodelada. O documentário de 1994 That's Entertainment! III mostra as duas performances lado a lado em ecrã dividido. Quadro para quadro, as duas performances são idênticas, até ao gesto mais subtil.

A execução de uma rotina de dança por Astaire foi premiada pela sua elegância, graça, originalidade, e precisão. Extraiu de uma variedade de influências, incluindo a torneira e outros ritmos negros, a dança clássica, e o estilo elevado de Vernon e Irene Castle. O seu estilo de dança era único e reconhecível que influenciou grandemente o estilo americano de dança de salão Smooth e estabeleceu padrões em relação aos quais os musicais de dança de cinema subsequentes seriam julgados. Chamou à sua abordagem ecléctica "estilo fora da lei", uma mistura imprevisível e instintiva de arte pessoal. As suas danças são económicas mas infinitamente nuances. Como declarou Jerome Robbins, "a dança de Astaire parece tão simples, tão desarmante, tão fácil, no entanto, a sua subestrutura, a forma como põe os passos, sobre ou contra a música, é tão surpreendente e inventiva":  18 Astaire observou ainda mais:

Trabalhar os passos é um processo muito complicado - algo como escrever música. É preciso pensar em algum passo que flui para o próximo, e toda a dança deve ter um padrão integrado. Se a dança estiver certa, não deve haver um único movimento supérfluo. Deve chegar a um clímax e parar!: 15

Embora Astaire fosse o coreógrafo principal de todas as suas rotinas de dança, saudou a contribuição dos colaboradores e nomeadamente do seu principal colaborador Hermes Pan. Mas o historiador da dança John Mueller acredita que Astaire actuou como o coreógrafo principal nos seus solos e danças em parceria ao longo da sua carreira. Ele observa que o estilo de dança de Astaire foi consistente em filmes posteriores realizados com ou sem a ajuda de Pan. Além disso, Astaire coreografou todas as rotinas durante a sua carreira na Broadway com a sua irmã Adele. Mais tarde, na sua carreira, tornou-se um pouco mais receptivo a aceitar a direcção dos seus colaboradores. No entanto, isto estava quase sempre confinado à área das sequências de fantasia alargadas, ou "balés de sonho".

Ocasionalmente, Astaire recebia créditos conjuntos para coreografia ou direcção de dança, mas normalmente deixava o crédito do ecrã ao seu colaborador. Isto pode levar à impressão completamente enganadora de que Astaire apenas executava a coreografia de outros. Mais tarde na vida, admitiu, "eu próprio tive de fazer a maior parte".

Frequentemente, uma sequência de dança foi construída em torno de duas ou três ideias-chave, por vezes inspiradas pelos seus passos ou pela própria música, sugerindo um determinado humor ou acção:  20 Caron disse que enquanto Kelly dançava perto do chão, ela sentia-se como se estivesse a flutuar com Astaire. Muitas rotinas de dança foram construídas em torno de um "gimmick", como dançar nas paredes em Casamento Real ou dançar com as suas sombras em Swing Time. Ele ou o seu colaborador pensariam nestas rotinas mais cedo e guardariam-nas para a situação certa. Eles passariam semanas a criar todas as sequências de dança num espaço de ensaio isolado antes de começarem as filmagens. Trabalhariam com um pianista de ensaio (frequentemente o compositor Hal Borne) que, por sua vez, comunicaria modificações aos orquestradores musicais.

O seu perfeccionismo era lendário, mas a sua insistência incansável em ensaios e repetições era um fardo para alguns. Quando o tempo se aproximava para a filmagem de um número, Astaire ensaiaria durante mais duas semanas e gravaria as canções e a música. Com toda a preparação concluída, a filmagem propriamente dita iria rapidamente, conservando os custos. Astaire agonizava durante o processo, pedindo frequentemente aos colegas que o aceitassem pelo seu trabalho. Como Vincente Minnelli afirmou, "Falta-lhe confiança ao mais enorme grau de todas as pessoas no mundo. Ele nem sequer vai ver as suas presas ... Ele pensa sempre que não é bom":  16 O próprio Astaire observou: "Nunca consegui nada 100% certo". Mesmo assim, nunca é tão mau como eu penso que é":  16

Michael Kidd, co-coreógrafo de Astaire no filme The Band Wagon de 1953, descobriu que a sua própria preocupação sobre a motivação emocional por detrás da dança não era partilhada por Astaire. Kidd relatou-o mais tarde: "A técnica era importante para ele. Ele dizia: "Vamos fazer os passos". Acrescentemos os olhares mais tarde".

Embora se considerasse principalmente um animador, a sua arte conquistou-lhe a admiração de bailarinos do século XX, tais como Gene Kelly, George Balanchine, os irmãos Nicholas, Mikhail Baryshnikov, Margot Fonteyn, Bob Fosse, Gregory Hines, Rudolf Nureyev, Michael Jackson, e Bill Robinson. Balanchine comparou-o a Bach, descrevendo-o como "o mais interessante, o mais inventivo, o bailarino mais elegante dos nossos tempos", enquanto que para Baryshnikov ele era "um génio ... um bailarino clássico como eu nunca vi na minha vida". Ele concluiu: "Nenhum bailarino pode ver Fred Astaire e não saber que todos nós devíamos ter estado noutro negócio".

Extremamente modesto sobre as suas capacidades de canto (afirmou frequentemente que não sabia cantar, mas os críticos classificaram-no entre os melhores), Astaire introduziu algumas das canções mais famosas do Grande Livro de Canções Americano, em particular, Cole Porter's: "Night and Day" em Gay Divorce (Irving Berlin's "Irving Berlin's Isn't This a Lovely Day?", "Cheek to Cheek", e "Top Hat, White Tie and Tails" em Top Hat (e "Change Partners" em Carefree (1938). Ele apresentou pela primeira vez "The Way You Look Tonight" de Jerome Kern em Swing Time (1936), "They Can't Take That Away From Me" de Gershwins em Shall We Dance (1937), "A Foggy Day" e "Nice Work if You Can Get it" em A Damsel in Distress (1937), "One for My Baby" de Johnny Mercer em The Sky's the Limit (e "This Heart of Mine" de Harry Warren e Arthur Freed em Ziegfeld Follies (1946).

Astaire também co-introduziu uma série de clássicos da canção através de duetos de canções com os seus parceiros. Por exemplo, com a sua irmã Adele, ele co-introduziu "I'll Build a Stairway to Paradise" de Gershwins de Stop Flirting (1923), "Fascinating Rhythm" em Lady, Be Good (1924), "Funny Face" em Funny Face (1927), e, em duetos com Ginger Rogers, apresentou "Irving Berlin's Putting All My Eggs in One Basket" de Irving Berlin em Follow the Fleet (1936), Jerome Kern's "Pick Yourself Up" e "A Fine Romance" em Swing Time (1936), juntamente com o "Let's Call the Whole Thing Off" de Gershwins de Shall We Dance (e, com Jack Buchanan, Oscar Levant e Nanette Fabray, ele entregou o de Arthur Schwartz e Howard Dietz "That's Entertainment! " de The Band Wagon (1953).

Embora possuísse uma voz leve, era admirado pelo seu lirismo, dicção e fraseado - a graça e elegância tão apreciadas na sua dança pareciam reflectir-se no seu canto, uma capacidade de síntese que levou Burton Lane a descrevê-lo como "o maior intérprete musical do mundo":  21 Irving Berlin considerou Astaire o igual de qualquer intérprete masculino das suas canções - "tão bom como Jolson, Crosby ou Sinatra, não necessariamente por causa da sua voz, mas pela sua concepção de projectar uma canção". Jerome Kern considerou-o o intérprete masculino supremo das suas canções: 21 e Cole Porter e Johnny Mercer também admiraram o seu tratamento único do seu trabalho. E enquanto George Gershwin era algo crítico das capacidades de Astaire para cantar, escreveu muitas das suas canções mais memoráveis para ele: 123, 128 No seu auge, Astaire foi referenciado nas letras dos compositores Cole Porter, Lorenz Hart e Eric Maschwitz e continua a inspirar os compositores modernos.

Astaire foi compositor, com "I'm Building Up to an Awful Letdown" (escrito com o letrista Johnny Mercer) chegando ao número quatro no desfile de sucesso de 1936. Ele gravou o seu próprio "It's Just Like Taking Candy from a Baby" com Benny Goodman em 1940 e alimentou a ambição de uma vida inteira de ser um compositor de canções populares de sucesso.

Em 1952, Astaire gravou The Astaire Story, um álbum de quatro volumes com um quinteto liderado por Oscar Peterson. O álbum, produzido por Norman Granz, proporcionou uma visão musical da carreira de Astaire. The Astaire Story ganhou mais tarde o Grammy Hall of Fame Award em 1999, um prémio especial Grammy para honrar gravações com pelo menos vinte e cinco anos de idade e que tenham "significado qualitativo ou histórico".

Sempre imaculadamente revelado, ele e Cary Grant foram chamados "o actor mais bem vestido Astaire permaneceu um ícone da moda masculina mesmo nos seus últimos anos, fugindo da sua cartola, gravata branca e cauda, que ele odiava. Em vez disso, preferiu um estilo descontraído de casacos desportivos à medida, camisas coloridas, e calças - estas últimas geralmente sustentadas pelo uso distinto de uma gravata velha ou lenço de seda no lugar de um cinto.

Astaire casou com Phyllis Potter de 25 anos de idade em 1933 (anteriormente Phyllis Livingston Baker ), uma socialite nova-iorquina nascida em Boston e ex-mulher de Eliphalet Nott Potter III (1906-1981), apesar das objecções da sua mãe e da sua irmã. A morte de Phyllis por cancro do pulmão, aos 46 anos de idade, acabou com vinte e um anos de casamento feliz e deixou Astaire devastado. Astaire tentou abandonar o filme Daddy Long Legs (1955), que estava em processo de filmagem, oferecendo-se para pagar os custos de produção até à data, mas foi persuadido a ficar.

Além do filho de Phyllis Potter, Eliphalet IV (conhecido como Peter), os Astaires tiveram dois filhos. O filho dos Astaires, Fred Jr. (nascido em 1936), apareceu com o seu pai no filme Midas Run e mais tarde tornou-se um piloto e rancheiro charter. A filha de Astaires, Ava Astaire (nascida em 1942) continua envolvida na promoção do legado do seu pai.

Intensamente privado, Fred Astaire raramente era visto na cena social de Hollywood. Em vez disso, dedicou o seu tempo livre à sua família e aos seus passatempos, que incluíam corridas de cavalos, tocar bateria, escrever canções, e jogar golfe. Era bom amigo de David Niven, Randolph Scott, Clark Gable e Gregory Peck. Niven descreveu-o como "um píxi-timido, sempre de coração quente, com uma propensão para as piadas de rapazinhos de escola". Em 1946, o seu cavalo Triplicate ganhou a Taça de Ouro de Hollywood e o San Juan Capistrano Handicap. Ele permaneceu fisicamente activo até aos seus oitenta anos. Começou a andar de skate nos finais dos anos setenta e foi galardoado com um título de membro vitalício da National Skateboard Society. Aos setenta e oito anos, partiu o pulso esquerdo enquanto andava de skate na sua entrada. Tinha também interesse no boxe e no verdadeiro crime.

Em 24 de Junho de 1980, aos 81 anos de idade, casou uma segunda vez. Robyn Smith tinha 45 anos, o seu júnior e um jockey que montou para Alfred Gwynne Vanderbilt Jr. (ela também namorou Vanderbilt nos anos 70), e apareceu na capa da Sports Illustrated a 31 de Julho de 1972.

A vida de Astaire nunca foi retratada em filme. Ele sempre recusou a permissão para tais retratos, dizendo: "Por muito que me ofereçam - e as ofertas vêm em todo o tempo - não venderei". O testamento de Astaire incluiu uma cláusula solicitando que tal retrato nunca tivesse lugar; ele comentou: "Está lá porque não tenho nenhum desejo particular de ter a minha vida mal interpretada, o que seria". A 5 de Dezembro de 2021, Tom Holland anunciou que iria retratar Astaire numa próxima biopsia, o que atraiu críticas devido à cláusula.

Astaire morreu de pneumonia em 22 de Junho de 1987, aos 88 anos de idade. O seu corpo foi enterrado no cemitério Oakwood Memorial Park Cemetery em Chatsworth, Califórnia. Um dos seus últimos pedidos foi para agradecer aos seus fãs pelos seus anos de apoio.

Filmes, musicais

Actuações com *Ginger Rogers (10), **Rita Hayworth (2), ***Bing Crosby (2), ****Vera-Ellen (2), *****Cyd Charisse (2). Todas as actuações com um { }, indicam a única aparição da performer como parceira de Astaire.

Filmes, não musicais

*Realizações com o parceiro de dança Barrie Chase (7)

Fontes

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