Streszczenie

Renesans, odrodzenie lub renesanscentyzm to terminy używane do określenia okresu w historii Europy mniej więcej od połowy XIV wieku do końca XVI wieku. Naukowcy nie osiągnęli jednak konsensusu w sprawie tej chronologii, ze znacznymi różnicami w datach w zależności od autora. Chociaż transformacje były dość widoczne w kulturze, społeczeństwie, ekonomii, polityce i religii, charakteryzując przejście od feudalizmu do kapitalizmu i oznaczając ewolucję w stosunku do średniowiecznych struktur, termin ten jest częściej używany do opisania jego wpływu na sztukę, filozofię i nauki ścisłe.

Nazwano go renesansem ze względu na intensywne przewartościowanie odniesień klasycznego antyku, które prowadziło do stopniowego łagodzenia wpływu religijnego dogmatyzmu i mistycyzmu na kulturę i społeczeństwo, przy jednoczesnym i rosnącym uznaniu dla racjonalności, nauki i natury. W tym procesie istota ludzka została obdarzona nową godnością i umieszczona w centrum Stworzenia, z tego powodu główny nurt myśli tego okresu otrzymał nazwę humanizmu.

Ruch ten po raz pierwszy zamanifestował się we włoskim regionie Toskanii, którego głównymi ośrodkami były miasta Florencja i Siena, skąd rozprzestrzenił się na resztę Półwyspu Apenińskiego, a następnie do praktycznie wszystkich krajów Europy Zachodniej, napędzany rozwojem prasy i obiegiem artystów i dzieł. Włochy zawsze pozostawały miejscem, w którym ruch ten prezentował swój najbardziej typowy wyraz, jednak renesansowe manifestacje o dużym znaczeniu pojawiły się również w Anglii, Francji, Niemczech, Holandii i na Półwyspie Iberyjskim. Międzynarodowa dyfuzja włoskich odniesień generalnie stworzyła sztukę bardzo różniącą się od swoich modeli, na którą wpływ miały regionalne tradycje, które dla wielu najlepiej definiuje się jako nowy styl, manieryzm. Termin renesans został po raz pierwszy zapisany przez Giorgio Vasariego w XVI wieku, historyka, który starał się umieścić Florencję jako protagonistę wszystkich najważniejszych innowacji, a jego pisma wywarły decydujący wpływ na późniejszą krytykę.

Przez długi czas okres ten był postrzegany w Stanach Zjednoczonych i Europie jako jednorodny, spójny i zawsze postępowy ruch, jako najciekawszy i najbardziej owocny okres od czasów starożytności, a jedna z jego faz, Wysoki Renesans, została konsekrowana jako apoteoza wcześniejszych długich poszukiwań najbardziej wysublimowanej ekspresji i najdoskonalszej imitacji klasyki, a jej artystyczna spuścizna została uznana za niedościgniony paradygmat jakości. Jednak badania ostatnich dziesięcioleci zrewidowały te tradycyjne poglądy, uznając je za nieuzasadnione lub stereotypowe, i postrzegały ten okres jako znacznie bardziej złożony, różnorodny, sprzeczny i nieprzewidywalny, niż zakładano przez pokolenia. Nowy konsensus, który się przyjął, uznaje jednak renesans za ważny kamień milowy w historii Europy, jako fazę szybkich i istotnych zmian w wielu dziedzinach, jako konstelację znaków i symboli kulturowych, które zdefiniowały wiele z tego, czym była Europa aż do rewolucji francuskiej, i które pozostają szeroko wpływowe nawet dziś w wielu częściach świata, zarówno w kręgach akademickich, jak i w kulturze popularnej.

Humanizm można wskazać jako główną wartość kultywowaną w renesansie, opartą na koncepcjach, które miały odległe pochodzenie w starożytności klasycznej. Według Lorenzo Casiniego, "jednym z fundamentów ruchu renesansowego była idea, że przykład klasycznej starożytności stanowił nieoceniony wzór doskonałości, na którym współczesne czasy, tak dekadenckie i niegodne, mogłyby spojrzeć, aby naprawić szkody wyrządzone od upadku Cesarstwa Rzymskiego". Rozumiano również, że Bóg dał światu tylko jedną Prawdę, która zrodziła chrześcijaństwo i którą tylko ono zachowało w całości, ale jej fragmenty zostały przyznane innym kulturom, wśród których wyróżniała się kultura grecko-rzymska, i dlatego to, co pozostało ze starożytności w bibliografii i innych reliktach, było wysoko cenione.

Kilka elementów przyczyniło się do narodzin we Włoszech humanizmu w jego najbardziej typowej formie. Pamięć o chwale Imperium Rzymskiego zachowana w ruinach i zabytkach oraz przetrwanie łaciny jako żywego języka to istotne aspekty. Prace gramatyków, komentatorów, lekarzy i innych uczonych utrzymywały w obiegu odniesienia do klasycyzmu, a przygotowanie prawników, sekretarzy, notariuszy i innych urzędników na ogół wymagało studiowania łacińskiej retoryki i prawodawstwa. Klasyczne dziedzictwo nigdy całkowicie nie zniknęło dla Włochów, a Toskania była z nim silnie związana. Ale choć kultywowanie klasyki przetrwało, było ono słabe w porównaniu z zainteresowaniem starożytnymi autorami we Francji i innych krajach nordyckich przynajmniej od IX wieku. To właśnie wtedy, gdy moda na klasycyzm zaczęła zanikać we Francji pod koniec XIII wieku, zaczęła się rozgrzewać w środkowych Włoszech i wydaje się, że było to częściowo spowodowane wpływami francuskimi. Petrarka (1304-1374) jest tradycyjnie nazywany założycielem humanizmu, ale biorąc pod uwagę istnienie kilku godnych uwagi prekursorów, takich jak Giovanni del Virgilio w Bolonii czy Albertino Mussato w Padwie, był on raczej pierwszym wielkim wyrazicielem tego ruchu.

Bardziej niż filozofią, humanizm był również ruchem literackim i metodą uczenia się, która miała szeroki zakres zainteresowań, w których filozofia nie była jedyną, a może nawet nie dominującą. W przeciwieństwie do średniowiecznej scholastyki, która zasadniczo ograniczała się do konsultowania autorytetów z przeszłości, głównie Arystotelesa i wczesnych Ojców Kościoła, oraz debatowania nad różnicami między autorami i komentatorami, humanizm kładł większy nacisk na wykorzystanie indywidualnego rozumu i analizę dowodów empirycznych. Humanizm nie odrzucił tych źródeł, a niemała część jego formacji wywodzi się ze średniowiecznych fundamentów, ale zaczął je ponownie badać w świetle nowych propozycji i wielu innych starożytnych tekstów, które zostały ponownie odkryte. W opisie Encyclopaedia Britannica,

Humanizm umacniał się od XV wieku, głównie dzięki pismom Marsilio Ficino, Lorenzo Valla, Leonardo Bruni, Poggio Bracciolini, Erazma z Rotterdamu, Rudolpha Agricoli, Pico della Mirandola, Petrusa Ramusa, Juana Luisa Vivesa, Francisa Bacona, Michela de Montaigne, Bernardino Telesio, Giordano Bruno, Tommaso Campanella i Thomasa More'a, którzy dyskutowali między innymi o różnych aspektach świata przyrody, człowieka, boskości i społeczeństwa, sztuki i myśli, zawierając mnóstwo odniesień ze starożytności wprowadzonych do obiegu przez nieznane wcześniej teksty - greckie, łacińskie, arabskie, żydowskie, bizantyjskie i innego pochodzenia - reprezentujące szkoły i zasady tak różnorodne, jak neoplatonizm, hedonizm, optymizm, indywidualizm, sceptycyzm, stoicyzm, epikureizm, hermetyzm, antropocentryzm, racjonalizm, gnostycyzm, kabalizm i wiele innych. Wraz z tym wszystkim, wznowienie studiów nad językiem greckim, całkowicie porzuconym we Włoszech, umożliwiło ponowne zbadanie oryginalnych tekstów Platona, Arystotelesa i innych autorów, generując nowe interpretacje i dokładniejsze tłumaczenia, które zmodyfikowały wrażenie, jakie wywarły na nich ich idee. Ale jeśli humanizm był godny uwagi ze względu na to, co wpłynęło na etykę, logikę, teologię, prawoznawstwo, retorykę, poetykę, sztukę i nauki humanistyczne, na pracę odkrywczą, egzegezę, tłumaczenie i rozpowszechnianie tekstów klasycznych, a także na wkład, jaki wniósł do filozofii renesansowej w dziedzinie filozofii moralnej i politycznej, według Smitha i in. większość specyficznie filozoficznej pracy tego okresu została wykonana przez filozofów wykształconych w starożytnej tradycji scholastycznej i zwolenników Arystotelesa oraz przez metafizyków zwolenników Platona.

Wspaniały renesansowy rozkwit kultury i nauki postawił człowieka i jego logiczne rozumowanie oraz naukę jako miary i arbitrów oczywistego życia. Dało to początek uczuciom optymizmu, pozytywnie otwierając człowieka na nowe i zachęcając go do ducha badań. Rozwój nowego podejścia do życia pozostawił za sobą nadmierną duchowość gotyku i postrzegał świat materialny z jego naturalnym i kulturowym pięknem jako miejsce, którym można się cieszyć, z naciskiem na indywidualne doświadczenie i ukryte możliwości człowieka. Co więcej, włoskie eksperymenty demokratyczne, rosnący prestiż artysty jako uczonego, a nie zwykłego rzemieślnika, oraz nowa koncepcja edukacji, która ceniła indywidualne talenty każdej osoby i dążyła do rozwoju człowieka w kompletną i zintegrowaną istotę, z pełną ekspresją jego duchowych, moralnych i fizycznych zdolności, pielęgnowały nowe poczucie wolności społecznej i indywidualnej.

Teorie doskonałości i postępu były dyskutowane, a przygotowanie, które humaniści zalecali do kształtowania idealnego człowieka, jednego z ciałem i duchem, jednocześnie filozofa, naukowca i artysty, rozszerzyło średniowieczną strukturę nauczania trívio i quadrívio, tworząc w tym procesie nowe nauki i dyscypliny, nową koncepcję nauczania i edukacji oraz nową metodę naukową. W tym okresie wynaleziono różne instrumenty naukowe, odkryto różne prawa natury i nieznane wcześniej obiekty fizyczne, a samo oblicze planety zmieniło się dla Europejczyków po odkryciach wielkich żeglug, przenosząc fizykę, matematykę, medycynę, astronomię, filozofię, inżynierię, filologię i różne inne gałęzie wiedzy na niespotykany dotąd poziom złożoności, wydajności i dokładności, z których każda przyczyniła się do wykładniczego wzrostu całkowitej wiedzy, co doprowadziło do tego, że historia ludzkości była postrzegana jako ciągła ekspansja i zawsze na lepsze. Ten duch zaufania do życia i człowieka łączy renesans z klasyczną starożytnością i definiuje znaczną część jego dziedzictwa. Poniższy fragment "Pantagruela" François Rabelais'ego (1532) jest często cytowany w celu zilustrowania ducha renesansu:

Pomimo idei, jaką renesans mógł z siebie uczynić, ruch ten nigdy nie mógł być dosłowną imitacją starożytnej kultury, ponieważ wszystko to działo się pod płaszczem katolicyzmu, którego wartości i kosmogonia różniły się znacznie od wartości i kosmogonii starożytnego pogaństwa. Tak więc, w pewnym sensie, renesans był oryginalną i eklektyczną próbą zharmonizowania pogańskiego neoplatonizmu z religią chrześcijańską, erosa z charitas, wraz z wpływami wschodnimi, żydowskimi i arabskimi, a studia nad magią, astrologią i okultyzmem odegrały ważną rolę w opracowaniu systemów dyscypliny oraz moralnego i duchowego doskonalenia, a także nowego języka symbolicznego.

Jeśli wcześniej chrześcijaństwo było jedyną drogą do Boga, podstawą całego wyjaśnienia życia i świata oraz uzasadnieniem panującego porządku społecznego, humaniści pokazali, że istniało wiele innych ścieżek i możliwości, że nie starali się zaprzeczyć istocie wyznania wiary - byłoby to niemożliwe do utrzymania przez długi czas, wszystkie radykalne zaprzeczenia w tym czasie kończyły się brutalnymi represjami - ale zmienili interpretację dogmatów i ich relacje z życiem i dramatami społecznymi. Dało to religii większą elastyczność i zdolność adaptacji, ale oznaczało spadek jej prestiżu i wpływu na społeczeństwo, gdy człowiek stał się nieco bardziej wyemancypowany spod jej kurateli. Średniowieczna myśl miała tendencję do postrzegania człowieka jako nikczemnego stworzenia, "masy zgnilizny, pyłu i popiołu", jak ujął to Piotr Damian w XI wieku. Ale kiedy Pico della Mirandola pojawił się w XV wieku, człowiek reprezentował już centrum wszechświata, zmutowaną, nieśmiertelną, autonomiczną, wolną, kreatywną i potężną istotę, powtarzając starsze głosy Hermesa Trismegistusa ("Wielkim cudem jest człowiek") i arabskiego Abedala ("Nie ma nic wspanialszego niż człowiek").

Z jednej strony niektórzy z tych ludzi postrzegali siebie jako spadkobierców tradycji, która zniknęła na tysiąc lat, wierząc, że w rzeczywistości ożywiają wielką starożytną kulturę, a nawet czuli się trochę jak współcześni Rzymian. Ale byli też inni, którzy postrzegali swój wiek jako odrębny zarówno od średniowiecza, jak i starożytności, ze sposobem życia nigdy wcześniej nie widzianym i często ogłaszanym jako doskonałość stuleci. Inne nurty opowiadały się za poglądem, że historia jest cykliczna i ma nieuniknione fazy wzrostu, apogeum i upadku, a człowiek jest istotą podlegającą siłom poza jego mocą i nie ma pełnej kontroli nad swoimi myślami, zdolnościami i pasjami, ani nad czasem trwania własnego życia. Byli też malkontenci, którzy nie doceniali szybkiej sekularyzacji społeczeństwa i ostentacji bogatych i głosili powrót do średniowiecznego mistycyzmu i surowości. Najnowsze badania wykazały, że mnogość eklektycznych dzieł, idiosynkratyczne metodologie, rozbieżne opinie, ambicja wiedzy encyklopedycznej oraz redefinicja kanonów estetycznych i filozoficznych oraz kodeksów etycznych, wygenerowały tak wiele debat w tamtym czasie, że stało się jasne, że myśl renesansowa była znacznie bardziej heterogeniczna niż wcześniej sądzono, a okres ten był tak dynamiczny i twórczy, między innymi ze względu na ilość kontrowersji.

Renesans jest często opisywany jako optymistyczna epoka - a dokumentacja pokazuje, że był tak postrzegany w swoim czasie we wpływowych kręgach - ale w konfrontacji z życiem poza książkami jego filozofowie zawsze zmagali się z konfliktem między rajskim idealizmem, który proponowali jako naturalne dziedzictwo człowieka, istotą stworzoną na podobieństwo Boga, a brutalną surowością politycznej tyranii, ludowych buntów i wojen, epidemii, endemicznego ubóstwa i głodu oraz chronicznych dramatów moralnych zwykłego, prawdziwego człowieka.

W każdym razie optymizm, który utrzymywał się przynajmniej wśród elit, zostanie ponownie utracony w XVI wieku, wraz z ponownym pojawieniem się sceptycyzmu, pesymizmu, ironii i pragmatyzmu u Erazma, Machiavellego, Rabelais'go i Montaigne'a, którzy czcili piękno ideałów klasycyzmu, ale niestety zauważyli niemożność ich praktycznego zastosowania. Podczas gdy część krytyki rozumie tę zmianę atmosfery jako końcową fazę renesansu, inna część określiła ją jako jeden z fundamentów odrębnego ruchu kulturowego, manieryzmu.

Renesans jest zwykle podzielony na trzy główne fazy, Trecento, Quattrocento i Cinquecento, odpowiadające XIV, XV i XVI wiekowi, z krótkim przerywnikiem między dwoma ostatnimi, zwanym Wysokim Renesansem.

Trecento

Trecento (XIV wiek) stanowi przygotowanie do renesansu i jest zjawiskiem zasadniczo włoskim, a dokładniej w regionie Toskanii, i chociaż w różnych ośrodkach istniał w tym czasie początkowy proces humanizacji myśli i odejścia od gotyku, takich jak Piza, Siena, Padwa, Wenecja, Werona i Mediolan, w większości tych miejsc reżimy rządowe były zbyt konserwatywne, aby pozwolić na znaczące zmiany kulturowe. To Florencja przejęła intelektualną awangardę, prowadząc transformację od modelu średniowiecznego do nowoczesnego. Jednak ta centralizacja we Florencji stała się naprawdę jasna dopiero pod koniec Trecento.

Identyfikacja podstawowych elementów włoskiego renesansu z konieczności wiąże się z badaniem florenckiej ekonomii i polityki oraz ich wpływu społecznego i kulturowego, ale istnieje wiele niejasnych aspektów, a dziedzina ta jest pełna kontrowersji. Jednak według Richarda Lindholma istnieje dość powszechna zgoda co do tego, że dynamika gospodarcza, elastyczność społeczeństwa w obliczu wyzwań, jego zdolność do szybkiego reagowania w czasach kryzysu, jego gotowość do zaakceptowania ryzyka i gorące nastroje obywatelskie na dużą skalę były czynnikami determinującymi rozwój i umacnianie się rozkwitu kultury, architektury i sztuki.

System produkcji rozwijał nowe metody, z nowym podziałem pracy i postępującą mechanizacją. Florencka gospodarka opierała się głównie na produkcji i handlu tkaninami. Była to niestabilna, ale dynamiczna gospodarka, zdolna do radykalnych dostosowań w obliczu nieprzewidzianych wydarzeń, takich jak wojny i epidemie. Korzystny okres rozpoczął się około 1330 r., a po zarazie w 1348 r. gospodarka odrodziła się i stała się jeszcze bardziej energiczna, oferując tkaniny i ubrania o wysokim luksusie i wyrafinowaniu.

Od ubiegłego wieku społeczeństwo Toskanii było świadkiem rozwoju klasy średniej, która została finansowo wyemancypowana dzięki organizacji w gildie, korporacje rzemieślnicze, które zmonopolizowały świadczenie niektórych usług oraz produkcję niektórych materiałów i artefaktów. We Florencji zostały one podzielone na dwie kategorie: Sztuki Główne (kuśnierze, lekarze i aptekarze) oraz Sztuki Pomniejsze, które obejmowały dużą liczbę mniej prestiżowych i dochodowych zawodów, takich jak rybacy, tawerniarze, szewcy, piekarze, płatnerze, kowale i tak dalej. Na przykład Sztuka Wełny kontrolowała produkcję, farbowanie i handel tkaninami, zasłonami, ubraniami i przędzą wełnianą, w tym operacje importowe i eksportowe, kontrolowała jakość produktów, ustalała ceny i odpierała wszelką konkurencję. Pozostałe działały w ten sam sposób. Gildie miały wiele funkcji: połączenie związku zawodowego, bractwa, szkoły dla praktykantów, towarzystwa wzajemnej pomocy dla członków i klubu towarzyskiego. Majstrowie sztuki stali się bogaci i potężni, utrzymywali wystawne kaplice i ołtarze w głównych kościołach oraz wznosili pomniki. Wszystkie działały w niezwykłej harmonii, mając wspólne cele i praktycznie zdominowały prowadzenie spraw publicznych poprzez swoich delegatów w radach obywatelskich i magistratach. Różne gildie w każdym mieście zatrudniały prawie całą aktywną ekonomicznie populację miejską, a brak członkostwa w gildii rzemieślniczej był prawie nie do pokonania przeszkodą w osiągnięciu sukcesu zawodowego, ze względu na ścisłą kontrolę nad rynkami i podażą siły roboczej. Z drugiej strony przynależność oferowała oczywiste korzyści dla pracownika, a sukces tego modelu oznaczał, że po raz pierwszy ludność była w stanie nabyć własność domu na dużą skalę, czemu towarzyszyło większe zainteresowanie sztuką i architekturą.

Ich przywódcy byli na ogół właścicielami dużych prywatnych firm, cieszyli się wielkim prestiżem i awansowali społecznie, obejmując stanowiska publiczne, patronując sztuce i Kościołowi oraz budując rezydencje i pałace, tworząc nowy patrycjat. Wielcy biznesmeni często posiadali równoległe interesy w domach wymiany, prekursorach bankowości, i zbijali fortuny finansując lub zarządzając posiadłościami książąt, cesarzy i papieży. Ta wzmocniona burżuazja stała się filarem rządu i nowym rynkiem dla sztuki i kultury. Rodziny należące do tej klasy, takie jak Mozzi, Strozzi, Peruzzi i Medici, wkrótce dołączyły do szlachty, a niektóre nawet rządziły państwami.

W tym stuleciu Florencja doświadczyła intensywnych walk klasowych, mniej lub bardziej chronicznego kryzysu społeczno-gospodarczego i przez cały wiek cierpiała z powodu wyraźnego spadku potęgi. Był to czas, w którym państwa inwestowały większość swojej energii w dwa główne działania: albo atakowały i plądrowały swoich sąsiadów i zajmowały ich terytoria, albo były po drugiej stronie, próbując odeprzeć ataki. Domeny Florencji od dawna były zagrożone, miasto było zaangażowane w kilka wojen, z których przeważnie wychodziło pokonane, ale czasami odnosiło wspaniałe zwycięstwa; kilka ważnych banków zbankrutowało; cierpiało z powodu epidemii dżumy; szybka zmiana władzy przeciwstawnych frakcji gwelfów i gibelinów, zaangażowanych w krwawe spory, nie pozwalała na spokój społeczny ani na ustanowienie długoterminowych celów polityczno-administracyjnych, wszystko to było pogarszane przez powstania ludowe i zubożenie wsi, ale w tym procesie miejska burżuazja dokonała demokratycznych prób rządu. Pomimo powracających trudności i kryzysów, Florencja osiągnęła w połowie stulecia pozycję potężnego miasta na włoskiej scenie; w ubiegłym wieku była większa, ale nadal podporządkowała sobie kilka innych miast i utrzymywała ważną flotę handlową oraz powiązania gospodarcze i dyplomatyczne z kilkoma państwami na północ od Alp i wokół Morza Śródziemnego. Należy zauważyć, że demokracja republiki florenckiej różni się od współczesnych interpretacji tego terminu. W 1426 roku Leonardo Bruni powiedział, że prawo uznaje wszystkich obywateli za równych, ale w praktyce tylko elita i klasa średnia miały dostęp do urzędów publicznych i realny głos w podejmowaniu decyzji. Duża w tym zasługa niemal nieustannej walki klasowej w okresie renesansu.

Z drugiej strony, pojawienie się pojęcia wolnej konkurencji i silny nacisk na handel ustrukturyzowały system gospodarczy zgodnie z kapitalistycznymi i materialistycznymi liniami, w których tradycja, w tym tradycja religijna, została poświęcona przed racjonalizmem, spekulacjami finansowymi i utylitaryzmem. Jednocześnie Florentczycy nigdy nie rozwinęli, jak to miało miejsce w innych regionach, moralnego uprzedzenia wobec biznesu lub samego bogactwa, uważanego za sposób pomagania bliźniemu i aktywnego uczestnictwa w społeczeństwie, i w rzeczywistości byli świadomi, że postęp intelektualny i artystyczny w dużej mierze zależał od sukcesu materialnego, ale ponieważ chciwość, duma, chciwość i lichwa były uważane za grzechy, Kościół związał się z interesami biznesu, łagodząc konflikty sumienia i oferując szereg mechanizmów kompensacyjnych za poślizgnięcia.

Pojęcie to zostało włączone do doktryny, że przebaczenie grzechów i zbawienie duszy można również uzyskać poprzez służbę publiczną i upiększanie miast i kościołów dziełami sztuki, oprócz praktyki innych cnotliwych działań, takich jak zamawianie mszy i sponsorowanie duchowieństwa i bractw oraz ich inicjatyw, rzeczy, które były równie zbawienne dla ducha, jak i przydatne dla zwiększenia prestiżu darczyńcy. Rzeczywiście, dobroczynność była ważnym spoiwem społecznym i gwarancją bezpieczeństwa publicznego. Oprócz upiększania miast, zapewniała także wsparcie dla ubogich, szpitali, przytułków, szkół i finansowanie wielu potrzeb administracyjnych, w tym wojen, dlatego państwa zawsze były żywotnie zainteresowane sprawnym funkcjonowaniem tego systemu. Pragmatyczna i świecka kultura została wzmocniona na różne sposoby, wraz z wkładem humanistów, z których wielu było doradcami książąt lub odpowiedzialnymi za wysokie urzędy obywatelskie, które przekształciły społeczeństwo i bezpośrednio wpłynęły na rynek sztuki i jego formy produkcji, dystrybucji i wyceny.

Nawet gdyby chrześcijaństwo nigdy nie było poważnie kwestionowane, pod koniec wieku rozpoczął się okres stopniowego spadku prestiżu Kościoła i zdolności religii do kontrolowania ludzi i oferowania spójnego modelu kultury i społeczeństwa, nie tylko z powodu sekularyzacji kontekstu politycznego, gospodarczego i społecznego, ale także dlatego, że naukowcy i humaniści zaczęli szukać racjonalnych i możliwych do udowodnienia wyjaśnień zjawisk natury, kwestionując transcendentalne, tradycyjne lub folklorystyczne wyjaśnienia, co zarówno osłabiło kanon religijny, jak i zmieniło relacje między Bogiem, człowiekiem i resztą stworzenia. Z tego starcia, kontynuowanego i odnawianego przez cały okres renesansu, człowiek ponownie stał się dobry, piękny, potężny, powiększony, a świat zaczął być postrzegany jako dobre miejsce do życia.

Demokracja florencka, jakkolwiek niedoskonała, została ostatecznie utracona w serii wojen zewnętrznych i wewnętrznych zawirowań, a w latach siedemdziesiątych XIII wieku Florencja wydawała się szybko zmierzać w kierunku nowego rządu lordowskiego. Mobilizacja potężnej rodziny Albizzi przerwała ten proces, ale zamiast zachować system komunalny, przejęła hegemonię polityczną i zainstalowała republikę oligarchiczną, przy wsparciu sojuszników z wyższego patrycjatu burżuazyjnego. W tym samym czasie powstała opozycja, skupiona wokół Medyceuszy, którzy zaczynali swój wzrost. Pomimo krótkotrwałości tych eksperymentów z demokracją i frustracji wielu z ich idealnych celów, ich pojawienie się stanowiło kamień milowy w ewolucji europejskiej myśli politycznej i instytucjonalnej.

Quattrocento

Po tym, jak Florencja przeżyła chwile wielkiego blasku, koniec Trecento zastał miasto nękane przez postępy Księstwa Mediolanu, straciło kilka terytoriów i wszystkich byłych sojuszników, a jego dostęp do morza został odcięty. Quattrocento (XV wiek) rozpoczął się z wojskami mediolańskimi u bram Florencji, które w poprzednich latach zdewastowały okolicę. Ale nagle w 1402 r. nowy epizod zarazy zabił ich generała, Giangaleazzo Viscontiego, i zapobiegł losowi miasta, który spotkał większość północnych i północno-zachodnich Włoch, wywołując odrodzenie ducha obywatelskiego. Od tego momentu lokalni intelektualiści i historycy, zainspirowani również myślą polityczną Platona, Plutarcha i Arystotelesa, zaczęli organizować i głosić dyskurs, że Florencja wykazała się "heroicznym oporem" i stała się największym symbolem republikańskiej wolności, a także mistrzem całej włoskiej kultury, nazywając ją Nowymi Atenami.

Połączenie osiągnięcia niepodległości z filozoficznym humanizmem, który nabierał rozpędu, połączyło niektóre z głównych elementów, które zapewniły Florencji pozostanie w czołówce politycznej, intelektualnej i artystycznej. Jednak w latach dwudziestych XIV wieku klasy pracujące zostały pozbawione większości zdobytej władzy i poddały się nowemu krajobrazowi politycznemu, zdominowanemu przez cały wiek przez rząd Medyceuszy, rząd, który był nominalnie republikański, ale w rzeczywistości arystokratyczny i lordowski. Było to rozczarowaniem dla ogółu burżuazji, ale wzmocniło zwyczaj patronatu, fundamentalny dla ewolucji klasycyzmu. Napięcie społeczne nigdy nie zostało całkowicie stłumione ani rozwiązane i zawsze wydaje się, że był to kolejny ważny ferment dla dynamiki kulturalnej miasta.

Ekspansja lokalnej produkcji luksusowych tkanin ustała w latach dwudziestych XIV wieku, ale rynki ożywiły się i ponownie rozwinęły w połowie stulecia w handlu hiszpańskimi i orientalnymi tkaninami oraz w produkcji bardziej popularnych opcji, a niezależnie od zwykłych okresowych wstrząsów politycznych, miasto przeszło przez kolejny okres prosperity i zintensyfikowało mecenat artystyczny, odzyskało terytoria i kupiło domenę miast portowych, aby zrestrukturyzować swój handel międzynarodowy. Zyskało prymat polityczny w całej Toskanii, chociaż Mediolan i Neapol pozostawały stałym zagrożeniem. Florencka oligarchia burżuazyjna zmonopolizowała cały europejski system bankowy, zyskała arystokratyczny blichtr i wielką kulturę, a swoje pałace i kaplice wypełniła klasycystycznymi dziełami. Ostentacja wywołała niezadowolenie klas średnich, które zmaterializowało się w powrocie do mistycznego idealizmu stylu gotyckiego. Te dwie przeciwstawne tendencje charakteryzowały pierwszą połowę tego stulecia, aż drobnomieszczaństwo porzuciło swój opór, umożliwiając pierwszą wielką syntezę estetyczną, która rozlała się z Florencji na prawie całe terytorium Włoch, zdefiniowane przez prymat racjonalizmu i wartości klasycznych.

W międzyczasie humanizm dojrzewał i rozprzestrzeniał się w Europie za sprawą Ficino, Rodolphusa Agricoli, Erazma z Rotterdamu, Mirandoli i Thomasa More'a. Leonardo Bruni zainaugurował nowoczesną historiografię, a nauka i filozofia rozwijały się dzięki Luce Pacioliemu, Jánosowi Vitézowi, Nicolasowi Chuquetowi, Regiomontanusowi, Nicolau de Cusa i Georgowi von Peuerbachowi. W tym samym czasie zainteresowanie historią starożytną doprowadziło humanistów, takich jak Niccolò de' Niccoli i Poggio Bracciolini, do przeszukiwania europejskich bibliotek w poszukiwaniu zaginionych książek autorów klasycznych. Odnaleziono wiele ważnych dokumentów, takich jak "De architectura" Witruwiusza, przemówienia Cycerona, "Institutes of Oratory" Kwintyliana, "Argonautica" Waleriusza Flacco i "De rerum natura" Lukrecjusza. Odzyskanie Półwyspu Iberyjskiego od Maurów udostępniło również europejskim uczonym dużą kolekcję tekstów Arystotelesa, Euklidesa, Ptolemeusza i Plotyna, zachowanych w arabskich tłumaczeniach i nieznanych w Europie, a także muzułmańskich dzieł Awicenny, Gebera i Awerroesa, przyczyniając się znacząco do nowego rozkwitu filozofii, matematyki, medycyny i innych specjalności naukowych.

Udoskonalenie prasy przez Johannesa Gutenberga w połowie wieku znacznie ułatwiło i obniżyło koszty rozpowszechniania wiedzy wśród szerszej publiczności. To samo zainteresowanie kulturą i nauką sprawiło, że we Włoszech powstały wielkie biblioteki i starano się przywrócić łacinę, która stała się wielopostaciowym dialektem, do jej klasycznej czystości, czyniąc ją nową lingua franca Europy. Przywrócenie łaciny wynikało z praktycznej potrzeby intelektualnego zarządzania tą nową renesansową biblioteką. Jednocześnie zrewolucjonizowało to pedagogikę, a także dostarczyło znacznego nowego korpusu struktur składniowych i słownictwa do użytku przez humanistów i literatów, którzy w ten sposób nadali swoim pismom autorytet starożytnych. Ważne było również zainteresowanie elit kolekcjonowaniem sztuki starożytnej, stymulujące badania i wykopaliska, które doprowadziły do odkrycia różnych dzieł sztuki, stymulując w ten sposób rozwój archeologii i wpływając na sztuki wizualne.

Dodatkowej energii w ten proces dodał grecki uczony Manuel Crisoloras, który w latach 1397-1415 przywrócił naukę języka greckiego we Włoszech, a wraz z końcem Cesarstwa Bizantyjskiego w 1453 r. wielu innych intelektualistów, takich jak Demetrius Calcondilas, Jerzy z Trebizondy, Jan Argirópulo, Teodor Gaza i Barlaon z Seminary, wyemigrowali na Półwysep Apeniński i do innych części Europy, rozpowszechniając klasyczne teksty filozoficzne i ucząc humanistów sztuki egzegezy. Duża część znanej dziś grecko-rzymskiej literatury i prawodawstwa została zachowana przez Cesarstwo Bizantyjskie, a ta nowa znajomość oryginalnych tekstów klasycznych, a także ich tłumaczeń, była, zdaniem Luiza Marquesa, "jedną z największych operacji przywłaszczenia jednej kultury przez inną, porównywalną w pewnym stopniu z Grecją przez Rzym Scytów w II wieku pne. Odzwierciedla ponadto przejście, kluczowe dla historii Quattrocento, od intelektualnej hegemonii Arystotelesa do hegemonii Platona i Plotyna. W tym wielkim napływie idei cała struktura starożytnej Paidei, zbioru zasad etycznych, społecznych, kulturowych i pedagogicznych stworzonych przez Greków i zaprojektowanych w celu ukształtowania wzorowego obywatela, została ponownie wprowadzona we Włoszech. Nowe informacje i wiedza oraz towarzysząca im transformacja we wszystkich dziedzinach kultury sprawiły, że intelektualiści poczuli, że znajdują się w fazie odnowy porównywalnej z genialnymi fazami starożytnych cywilizacji, w przeciwieństwie do poprzedniego średniowiecza, które zaczęto uważać za wiek ciemnoty i ignorancji.

Śmierć Wawrzyńca Medyceusza w 1492 roku, który rządził Florencją przez prawie trzydzieści lat i zyskał sławę jako jeden z największych mecenasów stulecia, a także upadek rządów arystokratycznych w 1494 roku, zasygnalizowały koniec złotej fazy miasta. Przez cały Quattrocento Florencja była głównym - ale nigdy jedynym - ośrodkiem rozprzestrzeniania się klasycyzmu i humanizmu w północno-środkowych Włoszech i kultywowała kulturę, która zyskała sławę jako najdoskonalszy wyraz renesansu i model, z którym porównywano wszystkie inne wyrażenia. Ta pochwalna tradycja stała się silniejsza po tym, jak Vasari opublikował swoje Żywoty artystów w XVI wieku, inauguracyjny kamień milowy nowoczesnej historiografii sztuki, który przypisywał Florentczykom wyraźny protagonizm i najwyższą doskonałość. Dzieło to miało szerokie reperkusje i wpłynęło na bieg historiografii na wieki.

Wysoki renesans

Wysoki Renesans chronologicznie obejmuje ostatnie lata Quattrocento i pierwsze dekady Cinquecento, będąc z grubsza ograniczonym przez dojrzałe dzieła Leonarda da Vinci (od ok. 1480 r.) i Złupienie Rzymu w 1527 roku. W tym okresie Rzym przejął artystyczną i intelektualną awangardę, pozostawiając Florencję w tle. Stało się tak głównie dzięki papieskiemu patronatowi oraz programowi renowacji i upiększania miasta, który miał na celu ożywienie dawnej stolicy cesarskiej, inspirując się właśnie chwałą Cezarów, której papieże uważali się za prawowitych spadkobierców. Jednocześnie, jako siedziba papiestwa i platforma dla jego imperialistycznych pretensji, potwierdzono jego status "Głowy Świata".

Znalazło to odzwierciedlenie w odtworzeniu praktyk społecznych i symbolicznych, które naśladowały te antyczne, takie jak wielkie procesje triumfalne, wystawne festiwale publiczne, bicie medali, wspaniałe przedstawienia teatralne pełne postaci historycznych, mitologicznych i alegorycznych. Rzym do tej pory nie wydał wielkich renesansowych artystów, a klasycyzm został zasadzony poprzez tymczasową obecność artystów z innych krajów. Ale gdy mistrzowie o randze Rafaela, Michała Anioła i Bramantego osiedlili się w mieście, powstała dynamiczna lokalna szkoła, czyniąc miasto najbogatszym repozytorium sztuki wysokiego renesansu.

W tym czasie klasycyzm był dominującym nurtem estetycznym we Włoszech, z wieloma ważnymi ośrodkami kultywowania i rozpowszechniania. Po raz pierwszy starożytność została zrozumiana jako zdefiniowana cywilizacja, z własnym duchem, a nie jako sekwencja odizolowanych wydarzeń. Jednocześnie duch ten został zidentyfikowany jako bardzo bliski duchowi renesansu, dzięki czemu artyści i intelektualiści poczuli się w pewien sposób, że mogą prowadzić dialog na równi z mistrzami przeszłości, których podziwiali. W końcu "opanowali" język, który otrzymali, i mogli teraz używać go z większą swobodą i zrozumieniem.

Na przestrzeni wieków ukształtował się szeroki konsensus co do tego, że Wysoki Renesans reprezentował dojrzewanie najbardziej cenionych ideałów całego poprzedniego pokolenia renesansu, humanizmu, pojęcia autonomii sztuki, transformacji artysty w naukowca i uczonego, dążenia do wierności naturze i koncepcji geniuszu. Otrzymał nazwę "High" ze względu na ten rzekomo wzorcowy charakter, punkt kulminacyjny trajektorii ciągłego wznoszenia się. Niewielu historyków odnotowało namiętne świadectwa podziwu dla spuścizny artystów tego okresu, nazywając ją "cudowną", "wzniosłą", "nieporównywalną", "heroiczną", "transcendentną" epoką, która przez długi czas była odziewana przez krytyków w aurę nostalgii i czci. Podobnie jak w przypadku wszystkich starych konsensusów i mitów, najnowsza krytyka podjęła się dekonstrukcji i reinterpretacji większej części tej tradycji, uznając ją za nieco eskapistyczną, estetyczną i powierzchowną wizję kontekstu społecznego naznaczonego, jak zawsze, ogromnymi nierównościami społecznymi, tyranią, korupcją, próżnymi wojnami i innymi problemami, "piękną, ale ostatecznie tragiczną fantazją", jak zauważył Brian Curran.

To przewartościowanie było również krytykowane za nadmierne opieranie się na koncepcji geniuszu, przypisywanie całego istotnego wkładu garstce artystów oraz za identyfikowanie jako "klasycznego" i "najlepszego" tylko określonego nurtu estetycznego, podczas gdy przegląd dowodów wykazał, że zarówno starożytność, jak i wysoki renesans były znacznie bardziej zróżnicowane, niż twierdził hegemoniczny pogląd.

Jednak uznano historyczne znaczenie Wysokiego Renesansu jako koncepcji historiograficznej, która była bardziej, ale nadal jest bardzo wpływowa, i uznano, że standardy estetyczne wprowadzone przez Leonarda, Rafaela i Michała Anioła, w szczególności, ustanowiły kanon inny niż ich poprzednicy i niezwykle udany w jego akceptacji, podobnie stając się referencyjnym przez długi czas. Ci trzej mistrzowie, pomimo niedawnego rewizjonizmu i wynikającej z niego relatywizacji wartości, są nadal powszechnie uważani za najwyższy wyraz epoki i najpełniejsze ucieleśnienie koncepcji renesansowego geniuszu. Ich styl w tej fazie charakteryzuje się wysoce wyidealizowanym i wystawnym klasycyzmem, który syntetyzuje wybrane elementy ze szczególnie prestiżowych źródeł klasycznych, odrzucając realizm, który wciąż praktykowały niektóre prądy Quattrocento. Według Hausera,

Podczas wygnania papieży w Awinionie miasto Rzym bardzo podupadło, ale od czasu ich powrotu w poprzednim stuleciu papieże starali się je zreorganizować i ożywić, zatrudniając armię archeologów, humanistów, antykwariuszy, architektów i artystów do badania i konserwacji ruin i zabytków oraz upiększania miasta, aby mogło ponownie stać się godne swojej wspaniałej przeszłości. Według Jill Burke, o ile wielu ludzi renesansu miało w zwyczaju twierdzić, że żyją w nowym Złotym Wieku, to nigdy wcześniej nie zostało to potwierdzone z taką energią i zaangażowaniem, jak w przypadku papieży Juliusza II i Leona X, głównych osób odpowiedzialnych za uczynienie Rzymu jednym z największych i najbardziej kosmopolitycznych europejskich ośrodków artystycznych swoich czasów i głównych głosicieli idei, że w ich pokoleniu wieki osiągnęły swoją doskonałość.

Konsekwencją zmiany mentalności między Quattrocento a Cinquecento jest to, że podczas gdy w pierwszym forma jest końcem, w drugim jest początkiem; podczas gdy w pierwszym natura dostarczała wzorców, które sztuka naśladowała, w drugim społeczeństwo będzie potrzebowało sztuki, aby udowodnić, że takie wzorce istnieją. Najbardziej prestiżowa sztuka stała się mocno autoreferencyjna i oderwana od codziennej rzeczywistości, choć narzucano ją ludziom w głównych przestrzeniach publicznych i w oficjalnym dyskursie. Rafael podsumował przeciwieństwa w swoim słynnym fresku Szkoła ateńska, jednym z najważniejszych obrazów wysokiego renesansu, który wskrzesił filozoficzny dialog między Platonem a Arystotelesem, tj. między idealizmem a empiryzmem.

Klasycyzm tej fazy, choć dojrzały i bogaty, zdołał ukształtować dzieła o wielkiej sile, miał silny ładunek formalistyczny i retrospektywny, i z tego powodu był uważany przez niektórych ostatnich krytyków raczej za tendencję konserwatywną niż postępową. Sam humanizm, w swojej rzymskiej wersji, stracił swój obywatelski i antyklerykalny zapał i został ocenzurowany i udomowiony przez papieży, przekształcając go w istocie w filozoficzne uzasadnienie ich imperialistycznego programu. Kodeks etyczny, który został narzucony wśród ilustrowanych kręgów, abstrakcyjna konstrukcja i teatr społeczny w najbardziej konkretnym znaczeniu tego słowa, zalecał umiar, samokontrolę, godność i uprzejmość we wszystkim. Dworzanin Baldassare Castiglione jest jego teoretyczną syntezą.

Pomimo kodeksu etycznego, który krążył wśród elit, sprzeczności i wady dominującej ideologii są dziś oczywiste dla badaczy. Program upiększania Rzymu został skrytykowany raczej jako destrukcyjna niż konstruktywna inicjatywa, która pozostawiła wiele niedokończonych prac i niepotrzebnie zrównała z ziemią lub zmodyfikowała autentyczne zabytki i budynki starożytności. Społeczeństwo to pozostało autorytarne, nierówne i skorumpowane, a sądząc po niektórych dowodach, wydaje się być wyjątkowo skorumpowane, tak bardzo, że jego współcześni krytycy uważali splądrowanie miasta w 1527 r. za boską karę za jego zbrodnie, grzechy i skandale. W tym sensie innym ważnym "podręcznikiem" tego okresu jest Książę Machiavellego, poradnik, jak dojść do władzy i utrzymać się przy niej, w którym Machiavelli deklaruje, że "nie ma dobrych praw bez dobrej broni", nie czyniąc rozróżnienia między władzą a autorytetem i legitymizując użycie siły do kontroli obywateli. Książka ta była kluczowym punktem odniesienia dla renesansowej myśli politycznej w jej końcowej fazie i ważną inspiracją dla współczesnej filozofii państwa. Chociaż Machiavelli jest czasami oskarżany o chłód, cynizm, wyrachowanie i okrucieństwo, tak bardzo, że określenie "makiaweliczny" pochodzi od niego, dzieło jest cennym dokumentem historycznym jako kompleksowa analiza praktyki politycznej i dominujących wartości tamtych czasów.

Wydarzenia takie jak odkrycie Ameryki i reformacja protestancka, a także techniki takie jak prasa z ruchomą czcionką, zmieniły kulturę i światopogląd Europejczyków, w tym samym czasie, gdy uwaga całej Europy zwróciła się na Włochy i ich postęp, a wielkie mocarstwa Francji, Hiszpanii i Niemiec zapragnęły podzielić się nimi i uczynić je polem bitwy i grabieży. Wraz z kolejnymi inwazjami włoska sztuka rozprzestrzeniła swoje wpływy na rozległy region kontynentu.

Cinquecento i włoski manieryzm

Cinquecento (XVI wiek) to ostatnia faza renesansu, w której ruch ten uległ transformacji i rozszerzył się na inne części Europy. Po zdobyciu Rzymu w 1527 r. i zakwestionowaniu władzy papieskiej przez protestantów, równowaga polityczna kontynentu uległa zmianie, a jego struktura społeczno-kulturowa została zachwiana. Włochy poniosły najgorsze konsekwencje: oprócz tego, że zostały najechane i splądrowane, przestały być handlowym centrum Europy, ponieważ wielkie żeglugi otworzyły nowe szlaki handlowe. Cała panorama uległa zmianie, ponieważ wpływy katolickie zmniejszyły się i pojawiły się uczucia pesymizmu, niepewności i wyobcowania, które charakteryzowały atmosferę manieryzmu.

Upadek Rzymu oznaczał, że nie było już "jednego" centrum dyktującego estetykę i kulturę. Wyraźnie zróżnicowane szkoły regionalne pojawiły się we Florencji, Ferrarze, Neapolu, Mediolanie, Wenecji i wielu innych miastach, a renesans rozprzestrzenił się definitywnie w całej Europie, przekształcając się i dywersyfikując dogłębnie, ponieważ obejmował różnorodne wpływy regionalne. Sztuka artystów takich jak Michał Anioł i Tycjan zapisała w swoim stylu przejście od epoki pewności i jasności do epoki wątpliwości i dramatyzmu. Intelektualne i artystyczne osiągnięcia Wysokiego Renesansu były wciąż świeże i nie mogły zostać łatwo zapomniane, nawet jeśli ich filozoficzne podłoże nie mogło już pozostać aktualne w obliczu nowych faktów politycznych, religijnych i społecznych. Powstała nowa sztuka i architektura, w której nazwiska takie jak Parmigianino, Pontormo, Tintoretto, Rosso Fiorentino, Vasari, Palladio, Vignola, Romano, Cellini, Bronzino, Giambologna, Beccafumi, choć inspirowane starożytnością, zreorganizowały i przetłumaczyły jej systemy proporcji i reprezentacji przestrzennej oraz jej wartości symboliczne w niespokojnych, zniekształconych, ambiwalentnych i cennych dziełach.

Ta zmiana szykowała się już od jakiegoś czasu. W latach dwudziestych XV wieku papiestwo zostało uwikłane w tak wiele międzynarodowych konfliktów, a presja wokół niego była tak wielka, że niewielu ludzi wątpiło, że Rzym jest skazany na zagładę, uważając jego upadek za kwestię czasu. Ponieważ na długo przed katastrofą w 1527 roku sam Rafael, tradycyjnie postrzegany jako jeden z najczystszych przedstawicieli umiaru i równowagi uważanych za typowe dla wysokiego renesansu, w kilku ważnych dziełach wymyślił sceny z tak silnymi kontrastami, grupy z tak dużym ruchem, postacie z tak namiętną ekspresją, i w tak nienaturalnych i retorycznych pozycjach, że według Fredericka Hartta można go umieścić nie tylko jako prekursora manieryzmu, ale także baroku, a gdyby żył dłużej, bez wątpienia towarzyszyłby Michałowi Aniołowi i innym w całkowitym przejściu do stylu konsekwentnie różniącego się od tego z początku wieku.

Vasari, jeden z czołowych uczonych Cinquecento, nie dostrzegał radykalnego rozwiązania ciągłości między Wysokim Renesansem a następnym okresem, w którym sam żył, uważał się za człowieka renesansu i wyjaśniając oczywiste różnice między sztuką obu okresów, powiedział, że następcy Leonarda, Michała Anioła i Rafaela pracowali w "nowoczesnym stylu", "nowej drodze", która starała się naśladować niektóre z najważniejszych dzieł starożytności, które znali. Odnosił się głównie do Grupy Laokoona, ponownie odkrytej w 1506 roku, wywołując ogromną sensację w rzymskich kręgach artystycznych, oraz Torsu Belwederskiego, który w tym samym czasie zaczął być sławny i często badany. Dzieła te wywarły szeroki wpływ na wczesnych manierystów, w tym Michała Anioła, ale nie należą do okresu klasycznego, ale do hellenistycznego, który pod wieloma względami był szkołą antyklasyczną. Renesansowcy nie rozumieli też terminu "klasyczny" tak, jak był on rozumiany od XVIII wieku, jako wyraz ideału czystości, majestatu, doskonałości, równowagi, harmonii i emocjonalnego umiaru, syntezy wszystkiego, co dobre, użyteczne i piękne, które zidentyfikowali w starożytnej Grecji między V a IV wiekiem pne. Trudno jest określić, w jaki sposób renesans postrzegał różnice między kontrastującymi estetycznymi nurtami kultury grecko-rzymskiej jako całości ("starożytność"), prawie wszystkie dzieła starożytności, do których mieli dostęp w tym czasie, były hellenistycznymi i rzymskimi ponownymi odczytaniami utraconych greckich modeli, bardzo eklektycznym repertuarem formalnym, który zawierał wiele odniesień z prawie tysiąca lat historii grecko-rzymskiej, okresu, w którym nastąpiły różne i dramatyczne zmiany w smaku i stylu. Wydaje się, że postrzegali starożytność bardziej jako monolityczny okres kulturowy, a przynajmniej jako taki, z którego kolekcji ikonograficznej mogli czerpać elementy wybrane według własnego uznania, aby stworzyć "użyteczną starożytność", dostosowaną do wymagań czasu. Krytyk Ascanio Condivi podaje przykład takiej postawy u Michała Anioła, mówiąc, że kiedy mistrz chciał stworzyć idealną formę, nie zadowalał się obserwowaniem tylko jednego modelu, ale szukał wielu i czerpał z każdego najlepsze cechy. Raphael, Bramante i inni podobno stosowali to samo podejście.

Jednak po XVII wieku i przez długi czas manieryzm był postrzegany jako degeneracja autentycznych klasycznych ideałów, opracowana przez artystów, którzy byli zaniepokojeni lub bardziej zainteresowani kaprysami chorobliwej i daremnej wirtuozerii. Wielu późniejszych krytyków przypisywało dramatyzm i asymetrię dzieł tego okresu przesadnej imitacji stylu Michała Anioła i Giulio Romano, ale cechy te były również interpretowane jako odbicie niespokojnej i rozczarowanej epoki. Hartt zwrócił uwagę na wpływ ruchów reformatorskich Kościoła na zmianę mentalności. Najnowsza krytyka rozumie, że ruchy kulturowe są zawsze wynikiem wielu czynników, a włoski manieryzm nie jest wyjątkiem, ale uważa się, że był on w istocie produktem konserwatywnych środowisk dworskich, złożonego ceremonializmu i eklektycznej, ultra-wyrafinowanej kultury, a nie celowo antyklasycznym ruchem.

W każdym razie polemika ta doprowadziła do podziału badaczy manieryzmu na dwa główne nurty. Dla niektórych, rozprzestrzenianie się włoskich wpływów w Europie w latach pięćdziesiątych XX wieku wytworzyło ekspresje plastyczne tak polimorficzne i tak odmienne od tych z Quattrocenta i Wysokiego Renesansu, że stało się problemem opisanie ich jako części pierwotnego zjawiska, wydając się im pod wieloma względami antytezą klasycznych zasad tak cenionych przez wcześniejsze fazy, które definiowałyby "prawdziwy" Renesans. W ten sposób ustanowili manieryzm jako niezależny ruch, uznając go za wykwintną, pomysłową i energiczną formę ekspresji, której znaczenie zostało wzmocnione przez bycie pierwszą szkołą sztuki nowoczesnej. Drugi nurt krytyczny analizuje go jednak jako pogłębienie i wzbogacenie klasycznych założeń oraz jako uzasadniony wniosek z cyklu renesansowego; nie tyle negacja czy wypaczenie tych zasad, co refleksja nad ich praktycznym zastosowaniem w tym momencie historycznym i adaptacja - czasem bolesna, ale generalnie twórcza i udana - do ówczesnych okoliczności. Aby uczynić obraz jeszcze bardziej złożonym, sama identyfikacja charakterystycznych cech manieryzmu, a także jego chronologia i możliwość zastosowania w regionach i obszarach innych niż sztuki wizualne, stały się centrum kolejnej monumentalnej kontrowersji, którą wielu uważa za nierozwiązywalną.

Oprócz zmian kulturowych spowodowanych polityczną reorganizacją kontynentu, XVI wiek był naznaczony innym wielkim kryzysem, reformacją protestancką, która na zawsze obaliła starożytny powszechny autorytet Kościoła rzymskiego. Jednym z najważniejszych wpływów reformacji na sztukę renesansu było potępienie świętych obrazów, które wyludniło północne świątynie obrazowymi i rzeźbiarskimi przedstawieniami świętych i boskich postaci, a wiele dzieł sztuki zostało zniszczonych w falach ikonoklastycznej furii. Wraz z tym sztuka reprezentacyjna pod wpływem reformacji zwróciła się ku profanicznym postaciom i naturze. Papiestwo jednak szybko zdało sobie sprawę, że sztuka może być skuteczną bronią przeciwko protestantom, pomagając w szerszej ewangelizacji i bardziej uwodząc wielkie masy ludzi. Podczas kontrreformacji usystematyzowano nowe zasady, które szczegółowo określały, w jaki sposób artysta powinien tworzyć dzieła o tematyce religijnej, starając się podkreślić emocje i ruch, uważane za najbardziej zrozumiałe i atrakcyjne środki do zdobycia prostej pobożności ludu, a tym samym zapewnienia zwycięstwa nad protestantami. Ale jeśli z jednej strony kontrreformacja dała początek większej liczbie zamówień na sztukę sakralną, zniknęła dawna swoboda ekspresji artystycznej, która była widoczna we wcześniejszych fazach, wolność, która pozwoliła Michałowi Aniołowi ozdobić swój ogromny panel Sądu Ostatecznego, namalowany w sercu Watykanu, z mnóstwem nagich ciał o wielkiej zmysłowości, nawet jeśli pole profanum pozostało w niewielkim stopniu dotknięte cenzurą.

Cinquecento to także era powstania pierwszych akademii sztuki, takich jak Akademia Sztuki Projektowania we Florencji i Akademia Świętego Łukasza w Rzymie, ewolucja gildii artystów, która ustanowiła akademizm jako system szkolnictwa wyższego i ruch kulturalny, standaryzując naukę, stymulując debatę teoretyczną i służąc jako narzędzie rządów do rozpowszechniania i konsekracji nie tylko ideologii estetycznych, ale także politycznych i społecznych. Teoretycy sztuki manierystycznej pogłębili debaty promowane przez poprzednie pokolenie, zaakcentowali związki ludzkiego intelektu z boską kreatywnością i nadali prestiż różnorodności. Dla Pierre'a Bourdieu stworzenie systemu akademickiego oznaczało sformułowanie teorii, w której sztuka była ucieleśnieniem zasad Piękna, Prawdy i Dobra, naturalnym przedłużeniem ideologii Wysokiego Renesansu, ale manieryści byli otwarci na istnienie różnych obowiązujących standardów, co pozwalało twórcom na dużą swobodę w różnych aspektach, zwłaszcza w sztuce profanum, wolnej od kontroli Kościoła. Nacisk kładziony w akademiach na doskonalenie techniczne i ciągłe odwoływanie się do ustalonych starożytnych modeli służył również przeniesieniu części głównego zainteresowania z mówienia czegoś na pokazywanie, jak dobrze coś zostało powiedziane, przedstawiając artystę jako uczonego. Wpływ akademii zajął trochę czasu, ale w okresie baroku i neoklasycyzmu zdominowały one cały europejski system artystyczny.

Renesans był historycznie wychwalany jako otwarcie nowej ery, ery oświeconej przez Rozum, w której ludzie, stworzeni na obraz Bóstwa, wypełnią proroctwo panowania nad światem mądrością, a ich wspaniałe dzieła umieszczą ich w towarzystwie bohaterów, patriarchów, świętych i aniołów. Dziś rozumie się, że rzeczywistość społeczna nie odzwierciedlała wysokich ideałów wyrażonych w sztuce, a ten egzaltowany ufanizm otaczający ruch był w dużej mierze dziełem samych renesansowców, których dorobek intelektualny, który przedstawiał ich jako założycieli nowego Złotego Wieku i który umieścił Florencję w centrum wszystkiego, zdeterminował wiele z kierunku późniejszej krytyki. Nawet późniejsze ruchy antyklasyczne, takie jak barok, uznawały w klasykach i ich renesansowych spadkobiercach cenne wartości.

Do połowy XIX wieku okres ten stał się jednym z głównych obszarów badań naukowych, a publikacja w 1860 roku klasycznej Historii renesansu we Włoszech Jacoba Burckhardta była ukoronowaniem pięciu wieków tradycji historiograficznej, która umieszczała renesans jako początkowy kamień milowy nowoczesności, porównując go do usunięcia zasłony z oczu ludzkości, umożliwiając jej wyraźne widzenie. Jednak praca Burckhardta pojawiła się, gdy rewizjonistyczna tendencja tej tradycji była już odczuwalna, a reperkusje, jakie wywołała, tylko zaostrzyły polemikę. Od tego czasu masa nowych badań zrewolucjonizowała sposób, w jaki badano i rozumiano sztukę starożytną.

Tradycja i autorytet zostały odłożone na bok na rzecz preferencyjnego badania źródeł pierwotnych i bardziej krytycznych, zniuansowanych, kontekstualnych i inkluzywnych analiz; zdano sobie sprawę, że wśród samych renesansowców istniała znacznie większa różnorodność opinii, niż sądzono, i że w dużej mierze tej różnorodności zawdzięcza się dynamizm i oryginalność tego okresu; szybki postęp w naukowych technikach datowania i restauracji oraz fizyko-chemicznej analizie materiałów pozwolił na skonsolidowanie wielu tradycyjnych atrybucji autorstwa, a wiele innych zostało ostatecznie porzuconych, co znacząco zreorganizowało mapę produkcji artystycznej; zdefiniowano nowe chronologie i na nowo zdefiniowano indywidualności artystyczne i ich wkład; zidentyfikowano nowe drogi rozprzestrzeniania się i wpływu, a wiele ważnych dzieł zostało ponownie odkrytych. W tym procesie wiele kanonów historiograficznych zostało obalonych, a sama tradycja dzielenia historii na określone okresy ("renesans", "barok", "neoklasycyzm") zaczęła być postrzegana jako sztuczny konstrukt, który zniekształca zrozumienie trwającego procesu społecznego i tworzy niespójne stereotypy pojęciowe. Co więcej, badanie całego kontekstu historycznego, politycznego i społecznego zostało i jest znacznie pogłębione, umieszczając ekspresje kulturowe na wartościowym tle w sposób, który stale się aktualizuje i staje się bardziej pluralistyczny.

W związku z tym wielu historyków zaczęło dochodzić do wniosku, że renesans został obciążony zbyt pozytywną oceną, co automatycznie i bez solidnego uzasadnienia zdewaluowało średniowiecze i inne okresy. Znaczna część współczesnej debaty miała na celu ustalenie, czy rzeczywiście stanowił on poprawę w stosunku do wcześniejszego okresu. Wskazano, że wiele negatywnych czynników społecznych powszechnie kojarzonych ze średniowieczem - ubóstwo, korupcja, prześladowania religijne i polityczne - wydaje się pogarszać. Wiele osób, które przeżyły renesans, nie uważało go za "złoty wiek", ale było świadomych poważnych problemów społecznych i moralnych, takich jak Savonarola, który pod koniec XV wieku rozpętał dramatyczne odrodzenie religijne, które spowodowało zniszczenie wielu dzieł sztuki i ostatecznie doprowadziło do jego śmierci na stosie. Johan Huizinga argumentował, że renesans pod pewnymi względami był okresem upadku średniowiecza, niszcząc wiele ważnych rzeczy. Na przykład łacina zdołała do tego czasu ewoluować i pozostać całkiem żywa, ale obsesja na punkcie klasycznej czystości przerwała ten naturalny proces i spowodowała powrót do klasycznej formy. Dla Jacquesa Le Goffa i innych przedstawicieli jego szkoły renesans był okresem, w którym kontynuacje średniowiecza były ważniejsze niż zerwania - w tym trwałość koncepcji boskiego prawa królów i rytuałów świętej monarchii, techniczne podstawy produkcji materialnej, koncepcja historii, W tym kontekście warto zwrócić uwagę na fakt, że idea renesansu i pragnienie powrotu do wyidealizowanego Złotego Wieku umiejscowionego w starożytności przenikały kulturę europejską aż do czasów po rewolucji francuskiej; W rzeczywistości kilka "renesansów" rozkwitło przed i po włoskim, w szczególności karoliński, ottoński i neoklasyczny. Wielu badaczy zwróciło uwagę, że w tej fazie recesja gospodarcza dominowała nad okresami prosperity, ale inni przeciwstawiają się, mówiąc, że wydaje się, że było to zjawisko europejskie, a nie specyficznie włoskie czy florenckie, podczas gdy Eugenio Garin, Lynn Thorndike i kilku innych uważa, że być może dokonany postęp naukowy był w rzeczywistości znacznie mniej oryginalny niż się przypuszcza.

Historycy marksistowscy woleli opisywać renesans w kategoriach materialistycznych, utrzymując, że zmiany w sztuce, literaturze i filozofii były jedynie częścią ogólnego trendu odchodzenia od społeczeństwa feudalnego w kierunku kapitalizmu, co zaowocowało pojawieniem się klasy burżuazyjnej, która miała czas i pieniądze, aby poświęcić się sztuce. Argumentuje się również, że odwoływanie się do klasycznych odniesień było w tamtym czasie często pretekstem do legitymizacji celów elity, a inspiracja republikańskim Rzymem, a zwłaszcza cesarskim Rzymem, dała początek kształtowaniu się ducha konkurencyjności i merkantylizmu, który arriviste wykorzystywał do często pozbawionej skrupułów wspinaczki społecznej.

Począwszy od pojawienia się nowoczesnej awangardy na początku XX wieku, a następnie w kilku kolejnych falach odgrzewania, najnowsza krytyka rozszerzyła relacje renesansu kulturowego na praktycznie każdy aspekt życia tego okresu i interpretowała jego dziedzictwo na tak różne sposoby, że stare konsensusy rozpadły się na wiele konkretnych tematów. Zachowało się jednak wyraźne wrażenie, że w wielu dziedzinach okres ten był płodny w mistrzowskie i innowacyjne osiągnięcia oraz że odcisnął głębokie piętno na kulturze i społeczeństwie Zachodu na długi czas.

Chociaż niedawna krytyka mocno zachwiała tradycyjnym prestiżem renesansu, doceniając wszystkie epoki w równym stopniu i doceniając je za ich specyfikę, umożliwiło to jednocześnie niezwykłe wzbogacenie i poszerzenie zrozumienia, jakie mamy dzisiaj, ale prestiż ten nigdy nie był poważnie zagrożony, głównie dlatego, że renesans, w niezaprzeczalny sposób, był jednym z fundamentów i istotną częścią nowoczesnej cywilizacji zachodniej i jest odniesieniem wciąż żywym. Niektóre z jego najważniejszych dzieł stały się również ikonami kultury popularnej, takimi jak Dawid i Stworzenie Michała Anioła czy Mona Lisa Da Vinci. Liczba badań na ten temat, która rośnie z dnia na dzień, oraz ciągłe kontrowersje dotyczące wielu aspektów, pokazują, że renesans jest wystarczająco bogaty, aby nadal przyciągać uwagę krytyków i opinii publicznej.

Nawet przy bardzo rozbieżnych opiniach na temat poszczególnych aspektów, dziś wydaje się, że panuje zgoda co do tego, że renesans był okresem, w którym wiele zakorzenionych i uznanych za prawdziwe przekonań zostało poddanych dyskusji i przetestowanych za pomocą naukowych metod badawczych, inaugurując fazę, w której dominacja religii i jej dogmatów przestała być absolutna i utorowała drogę do rozwoju nauki i technologii, jakie znamy dzisiaj. Późniejsza myśl polityczna nie zostałaby wyartykułowana bez humanistycznych podstaw skonsolidowanych w renesansie, kiedy filozofowie szukali w starożytności precedensów w obronie republikańskiego reżimu i ludzkiej wolności, aktualizując idee, które miały decydujący wpływ na orzecznictwo, teorię konstytucyjną i kształtowanie się nowoczesnych państw.

W dziedzinie sztuk wizualnych opracowano zasoby, które umożliwiły ogromny skok w stosunku do średniowiecza pod względem zdolności do przedstawiania przestrzeni, natury i ludzkiego ciała, ożywiając techniki, które zostały utracone od czasów starożytnych i tworząc nowe od tego czasu. Język architektoniczny pałaców, kościołów i wielkich pomników, który powstał z klasycznego dziedzictwa, pozostaje aktualny do dziś i jest używany, gdy chce się nadać godność i znaczenie nowoczesnemu budynkowi. W literaturze języki wernakularne stały się godne przekazywania kultury i wiedzy, a studiowanie tekstów grecko-rzymskich filozofów rozpowszechniło maksymy, które są nadal obecne w popularnym głosie i które zachęcają do wysokich wartości, takich jak heroizm, duch publiczny i altruizm, które są podstawowymi elementami budowania sprawiedliwszego i bardziej wolnego społeczeństwa dla wszystkich. Szacunek dla klasycznej przeszłości i jej najlepszych wartości stworzył nowe spojrzenie na historię i założył nowoczesną historiografię, a także stanowił podstawę do stworzenia systemu edukacji, który w tamtym czasie wykraczał poza elity i do dziś kształtuje program szkolny większości Zachodu oraz stanowi podstawę jego porządku społecznego i systemów rządów. Wreszcie, ogromna produkcja artystyczna, która przetrwała w tak wielu krajach Europy, nadal przyciąga tłumy ze wszystkich części świata i stanowi istotną część samej definicji kultury zachodniej.

Przy tak wielu skojarzeniach, bez względu na to, jak bardzo uczeni starają się rzucić światło na ten temat, pozostaje on pełen legend, stereotypów i pasji, zwłaszcza w popularnym ujęciu. Według słów Johna Jeffriesa Martina, kierownika Wydziału Historii na Uniwersytecie Duke'a i redaktora obszernego tomu krytycznych esejów opublikowanych w 2003 roku, w którym podsumował ewolucję historiografii i trendy w najnowszej krytyce,

Sztuki wizualne

W sztuce renesans charakteryzował się, ogólnie rzecz biorąc, inspiracją starożytnymi Grekami i Rzymianami oraz koncepcją sztuki jako imitacji natury, z człowiekiem zajmującym uprzywilejowane miejsce w tej panoramie. Aby jednak natura mogła być dobrze przedstawiona, musiała zostać poddana tłumaczeniu, które organizowało ją w racjonalnej i matematycznej optyce, jako zwierciadło boskiego porządku, który sztuka miała odsłonić i wyrazić w okresie charakteryzującym się dużą ciekawością intelektualną, duchem analitycznym i organizującym oraz matematyzacją i naukowością wszystkich zjawisk naturalnych. Był to czas wielkich aspiracji, artysta zbliżył się do naukowca i filozofa, a humaniści aspirowali do wiedzy encyklopedycznej; pojawiły się ważne traktaty standaryzujące i różnorodne eseje na temat sztuki i architektury, kładąc podwaliny pod nową historiografię i nowe podejście do procesu tworzenia. Wszystkie dziedziny sztuki korzystały z postępu naukowego, wprowadzając ulepszenia technik i materiałów w różnych dziedzinach. Najważniejsze z nich to na przykład odzyskanie techniki odlewania na wosk tracony, co umożliwiło tworzenie pomników na niespotykaną dotąd skalę w porównaniu ze średniowiecznymi brązami, a także popularyzacja mechanizmów optycznych i mechanicznych jako pomocy w malarstwie i rzeźbie. Z drugiej strony, nauka korzystała ze sztuki, podnosząc poziom precyzji i realizmu ilustracji w traktatach naukowych i ikonografii postaci historycznych, a także wykorzystując idee dotyczące geometrii i przestrzeni zapoczątkowane przez artystów oraz impuls do odkrywania i obserwowania świata przyrody.

Grecko-rzymski kanon proporcji ponownie zdeterminował konstrukcję ludzkiej postaci; powróciła również kultywacja typowo klasycznego piękna. Badanie ludzkiej anatomii, rosnąca asymilacja mitologii grecko-rzymskiej w dyskursie wizualnym i ponowne pojawienie się aktu, wolne od tabu, w które temat był ubrany w średniowieczu, w znacznym stopniu odnowiło ikonografię malarstwa i rzeźby tego okresu, otwierając ogromne nowe pola badań formalnych i symbolicznych, Sprzyjał eksploracji różnych emocji i stanów umysłu, wpływał na modę i maniery, stymulował kolekcjonerstwo, antykwarstwo i archeologię oraz stworzył nową tradycję wizualną o trwałym wpływie, podczas gdy mecenat cywilny i prywatny zapewnił środki do niezwykłego rozkwitu sztuki profanum. Zainteresowanie przedstawianiem natury ożywiło również tradycję portretowania, która po upadku Cesarstwa Rzymskiego została w dużej mierze porzucona.

System produkcji

Artysta w renesansie był profesjonalistą. Do XVI wieku udokumentowane przykłady dzieł tworzonych poza systemem zamówień są niezwykle rzadkie, a zdecydowana większość profesjonalistów była związana z gildią. Florenccy malarze należeli do jednej z głównych sztuk, co ciekawe, do gildii lekarzy i aptekarzy. Rzeźbiarze w brązie byli również wyróżniającą się klasą, należącą do Sztuki Jedwabiu. Pozostali, z drugiej strony, należeli do Sztuk Mniejszych, takich jak artyści kamienia i drewna. Wszyscy byli uważani za profesjonalistów w sztukach mechanicznych, które w ówczesnej skali prestiżu znajdowały się poniżej sztuk wyzwolonych, jedynych, w które szlachta mogła angażować się zawodowo bez hańby. Gildie organizowały system produkcji i handlu oraz brały udział w dystrybucji zamówień między różnymi prywatnymi warsztatami prowadzonymi przez mistrzów, gdzie zatrudniano wielu pomocników i gdzie uczniowie byli przyjmowani i przygotowywani do zawodu. Rodzina postulanta opłacała większość jego szkolenia, ale otrzymywał on pewną pomoc od mistrza, gdy stawał się zdolny do dobrego wykonywania swoich obowiązków i efektywnej współpracy w działalności handlowej warsztatu. Kobiety nie były przyjmowane. Praktyka była wyczerpująca, rygorystycznie zdyscyplinowana i trwała wiele lat, uczniowie oprócz studiowania technik rzemieślniczych służyli do sprzątania i organizowania pracowni oraz innych zadań według uznania mistrza, współpracowali w szkoleniu młodszych uczniów, a przed ukończeniem kursu i przyjęciem do cechu żaden uczeń nie mógł otrzymywać zamówień w swoim imieniu. Istnieli artyści, którzy nie utrzymywali stałego warsztatu i wędrowali po różnych miastach, wykonując tymczasowe prace, dołączając do już zorganizowanych grup lub rekrutując pomocników w samym mieście, w którym praca miała być wykonana, ale stanowili oni mniejszość. Z drugiej strony utrzymywanie stałej bazy nie przeszkadzało warsztatom w otrzymywaniu zleceń z innych miejsc, zwłaszcza jeśli ich mistrzowie byli znani.

Wkład renesansowych artystów jest najlepiej pamiętany z wielkich ołtarzy, pomników, rzeźb i obrazów, ale warsztaty artystyczne były przedsiębiorstwami o bardzo zróżnicowanym rynku. Oprócz dużych dzieł dla kościołów, pałaców i budynków publicznych, odpowiadali oni na mniejsze i bardziej popularne zamówienia, dekorując prywatne, obywatelskie i religijne festiwale i wydarzenia, tworząc teatralne scenerie i kostiumy, luksusowe ubrania, biżuterię, malując herby i emblematy, Tworzyli zbroje, broń, wierzchowce i zdobione naczynia domowe oraz wiele innych przedmiotów, a wielu z nich prowadziło sklepy otwarte dla publiczności, w których prezentowali swoje specjalności.

Ogólnie rzecz biorąc, artyści byli słabo opłacani, istnieje wiele doniesień o ubóstwie, a tylko mistrzowie i ich główni pomocnicy osiągnęli komfortową sytuację, niektórzy mistrzowie nawet się wzbogacili, ale ich dochody zawsze podlegały bardzo zmiennemu rynkowi. Przez cały renesans humaniści i czołowi artyści prowadzili systematyczną pracę nad emancypacją klasy artystycznej od Sztuki Mechanicznej i umieszczeniem jej wśród liberałów, odnosząc w tym znaczny, ale nie całkowity sukces. Zwyczaj uznawania wybitnego talentu artysty istniał już wcześniej; Giotto, Verrocchio, Donatello i wielu innych byli entuzjastycznie i szeroko chwaleni przez swoich współczesnych, ale do czasu pojawienia się Michała Anioła, Rafaela i Leonarda żaden artysta nie był obiektem pochlebstw potężnych w tak wysokim stopniu, niemal odwracając relację władzy między pracownikiem a pracodawcą oraz między elitą a plebsem, a wynikało to zarówno ze zmiany w rozumieniu roli sztuki, jak i ze świadomości tych artystów o ich wartości i determinacji, by ją uznać.

Największym wkładem malarstwa renesansowego był nowy sposób przedstawiania natury, dzięki takiemu opanowaniu techniki malarskiej i perspektywy centralnej, że był w stanie stworzyć skuteczną iluzję trójwymiarowej przestrzeni na płaskiej powierzchni. Takie osiągnięcie oznaczało radykalne odejście od średniowiecznego systemu reprezentacji, z jego statycznością, pozbawioną głębi przestrzenią, figuratywnym schematyzmem i symbolicznym systemem proporcji, w którym najważniejsze postacie były większe. Nowy ustalony parametr miał podstawy matematyczne i fizyczne, jego wynik był "realistyczny" (w sensie tworzenia iluzji efektywnej przestrzeni), a jego organizacja koncentrowała się na punkcie widzenia obserwatora. Widzimy w tym odbicie popularyzacji zasad racjonalizmu, antropocentryzmu i humanizmu. Język wizualny sformułowany przez renesansowych malarzy był tak udany, że pozostaje aktualny do dziś, przez wielu uważany za najbardziej naturalny sposób przedstawiania przestrzeni.

Malarstwo renesansowe jest w swej istocie linearne; rysunek został uznany za podstawę wszystkich sztuk wizualnych, a jego opanowanie za warunek wstępny dla każdego artysty. W tym celu bardzo przydatne były studia nad rzeźbami i płaskorzeźbami starożytności, które stanowiły podstawę do opracowania dużego repertuaru tematów oraz gestów i postaw ciała, ale bezpośrednia obserwacja natury była kolejnym ważnym elementem. W konstrukcji malarstwa linia konwencjonalnie stanowiła element demonstracyjny i logiczny, a kolor wskazywał na stany afektywne lub określone cechy. Kolejną różnicą w stosunku do sztuki średniowiecza było wprowadzenie większej dynamiki w scenach i gestach oraz odkrycie cieniowania lub światłocienia jako zasobu plastycznego i mimetycznego.

Giotto, działający między XIII a XIV wiekiem, był największym malarzem wczesnego włoskiego renesansu i głównym pionierem naturalistów w malarstwie. Jego rewolucyjne prace, w przeciwieństwie do dzieł mistrzów późnego gotyku, takich jak Cimabue i Duccio, wywarły silne wrażenie na współczesnych i zdominowały całe włoskie malarstwo Trecento ze względu na logikę, prostotę, precyzję i wierność naturze. Ambrogio Lorenzetti i Taddeo Gaddi kontynuowali linię Giotta bez wprowadzania innowacji, chociaż w innych progresywne cechy mieszały się z elementami wciąż silnego gotyku, jak widać w pracach Simone Martiniego i Orcagny. Naturalistyczny i ekspresyjny styl Giotta reprezentował jednak awangardę w wizualności tej fazy i rozprzestrzenił się na Sienę, która przez pewien czas wyprzedzała Florencję w postępach artystycznych. Stamtąd rozprzestrzenił się na północne Włochy.

W okresie Quattrocento przedstawienia ludzkiej postaci nabrały solidności, majestatu i mocy, odzwierciedlając poczucie pewności siebie społeczeństwa, które stawało się bardzo bogate i złożone, tworząc wielopłaszczyznowy panel trendów i wpływów. Jednak przez większość stulecia sztuka ujawniała zderzenie między ostatecznymi echami duchowego i abstrakcyjnego gotyku, czego przykładem są Fra Angelico, Paolo Uccello, Benozzo Gozzoli i Lorenzo Monaco, a nowymi organizującymi, naturalistycznymi i racjonalnymi siłami klasycyzmu, reprezentowanymi przez Botticellego, Pollaiuolo, Piero della Francesca i Ghirlandaio.

W tym sensie, po Giotto, kolejnym kamieniem milowym ewolucji był Masaccio, w którego dziełach człowiek ma wyraźnie uszlachetniony aspekt i którego wizualna obecność jest zdecydowanie konkretna, z efektywnym wykorzystaniem efektów objętości i trójwymiarowej przestrzeni. Wniósł ważny wkład w artykulację nowoczesnego języka wizualnego Zachodu; wszyscy główni florenccy malarze następnego pokolenia byli pod jego wpływem, a kiedy jego prace zostały "ponownie odkryte" przez Leonarda da Vinci, Michała Anioła i Rafaela, zyskały jeszcze większe uznanie, pozostając popularne przez sześć wieków. Dla wielu krytyków jest prawdziwym założycielem renesansu w malarstwie i mówi się o nim, że był "pierwszym, który wiedział, jak malować ludzi, którzy naprawdę dotknęli stopami ziemi".

W Wenecji, innym ośrodku o wielkim znaczeniu i być może głównym rywalu Florencji w tym stuleciu, istniała grupa znakomitych artystów, takich jak Jacopo Bellini, Giovanni Bellini, Vittore Carpaccio, Mauro Codussi i Antonello da Messina. Siena, która we wcześniejszych latach była częścią awangardy, teraz wahała się między duchowym urokiem gotyku a profanum klasycyzmu i traciła impet. Tymczasem również w innych regionach północnych Włoch klasycyzm zaczynał się umacniać, dzięki Perugino w Perugii; Cosimo Tura w Ferrarze, Pinturicchio, Melozzo da Forli i Mantegna w Padwie i Mantui. Pisanello był aktywny w wielu miastach.

Należy również pamiętać o odnawiającym się wpływie na włoskich malarzy techniki malarstwa olejnego, która w Quattrocento była rozwijana w Holandii i osiągnęła wysoki poziom wyrafinowania, umożliwiając tworzenie znacznie bardziej precyzyjnych i ostrych obrazów o znacznie subtelniejszym cieniowaniu niż te osiągane za pomocą fresku, enkaustyki i tempery, co było nowością, która miała istotny wpływ na portret i malarstwo pejzażowe. Flamandzkie płótna były bardzo cenione we Włoszech właśnie za te cechy, a wiele z nich zostało importowanych, kopiowanych lub naśladowanych przez Włochów.

Później, w okresie wysokiego renesansu, Leonardo da Vinci penetrował teren niejednoznacznych i tajemniczych atmosfer za pomocą wyrafinowanej techniki olejnej, jednocześnie silnie łącząc sztukę i naukę. Wraz z Rafaelem klasycystyczny system reprezentacji osiągnął imponującą skalę, tworząc imponujące iluzjonistyczne architektury i scenerie, ale także przełożył na swoje madonny nieznaną wcześniej słodycz, która wkrótce stała się bardzo popularna. W Wenecji Tycjan wyróżnił się przede wszystkim, odkrywając nowe relacje chromatyczne i swobodniejszą, bardziej gestykularną technikę malarską. Michał Anioł, wieńcząc proces wywyższania człowieka, w Kaplicy Sykstyńskiej nadał mu wyraz mityczny, wzniosły, heroiczny i patetyczny. Wielu innych pozostawiło ważny wkład, taki jak Correggio, Sebastiano del Piombo, Andrea del Sarto, Jacopo Palma, Giorgione i Pontormo.

Ale ta faza, o wielkiej równowadze formalnej, nie trwała długo i wkrótce uległa głębokiej transformacji, ustępując miejsca manieryzmowi. Wraz z manierystami cała koncepcja przestrzeni została zmieniona, perspektywa została podzielona na wiele punktów widzenia, a proporcje postaci ludzkiej zostały zniekształcone w celach ekspresyjnych lub estetycznych, formułując bardziej dynamiczny, żywy, subiektywny, dramatyczny, cenny, intelektualistyczny i wyrafinowany język wizualny.

W rzeźbie oznaki przewartościowania klasycystycznej estetyki są stare. Nicola Pisano około 1260 roku stworzył ambonę dla Baptysterium w Pizie, która jest uważana za prekursorską manifestację renesansu w rzeźbie, gdzie umieścił duży męski akt reprezentujący cnotę Twierdzy, i wydaje się jasne, że jego główna inspiracja pochodziła z obserwacji rzymskich sarkofagów ozdobionych płaskorzeźbami, które istniały na cmentarzu w Pizie. Jego wkład, choć ograniczony do bardzo niewielu dzieł, jest uważany za równie istotny dla historii rzeźby, jak wkład Giotta w malarstwo. W rzeczywistości sztuka Giotta jest w dużej mierze zawdzięczana badaniom Nicoli Pisano.

Jego syn Giovanni Pisano i inni ważni naśladowcy, tacy jak Arnolfo di Cambio i Lapo di Ricevuto, wynieśli cenne lekcje z kontaktu z klasycyzmem, ale ich styl rozwija się nierównomiernie pod tym względem. Giovanni zdominował później scenę we Florencji, Pizie i Sienie na początku XIV wieku, stworzył inne ważne akty, w tym kobiecy, który odtwarza klasyczny model Venus pudica, i będzie jednym z twórców nowego gatunku, bolesnych krucyfiksów, o wielkim dramatyzmie i szerokim wpływie, do tego czasu rzadkim w Toskanii. Jego wszechstronny talent dał początek dziełom o czystych, czystych liniach, takich jak portret Enrico Scrovegni. Z drugiej strony jego Madonny, płaskorzeźby i ambona katedry w Pizie są znacznie bardziej poruszające i dramatyczne.

W połowie wieku Andrea Pisano zyskał rozgłos jako autor płaskorzeźb na południowych drzwiach baptysterium we Florencji i architekt katedry w Orvieto. Był mistrzem Orcagny, którego tabernakulum w Orsanmichele jest jednym z arcydzieł tego okresu, oraz Giovanniego di Balduccio, autora znakomitego i złożonego pomnika pogrzebowego w mediolańskiej kaplicy Portinari. Jego pokolenie było zdominowane przez wpływ malarstwa Giotta. Pomimo postępów promowanych przez wielu aktywnych mistrzów, ich prace nadal odzwierciedlają skrzyżowanie prądów, które byłyby typowe dla całego Trecento, a elementy gotyckie są nadal dominujące lub ważne we wszystkich z nich.

Pod koniec Trecenta we Florencji pojawiła się postać Lorenza Ghibertiego, autora płaskorzeźb w baptysterium św. Jana, gdzie klasyczne wzorce były mocno ugruntowane. Następnie Donatello przewodził postępom na różnych frontach, wywierając szeroki wpływ. Jego główne dzieła obejmują posągi proroków Starego Testamentu, z których Habakuk i Jeremiasz należą do najbardziej imponujących. Wprowadził również innowacje w rzeźbie jeździeckiej, tworząc pomnik Gattamelata, najważniejszy tego rodzaju od czasów Marka Aureliusza w II wieku. Wreszcie, jego ogołocona drewniana pokutująca Magdalena z 1453 roku jest obrazem bólu, surowości i przemienienia, które nie miały odpowiednika w swoich czasach, wprowadzając przejmujące poczucie dramatyzmu i rzeczywistości do rzeźby, którą widziano tylko w hellenizmie.

W następnym pokoleniu Verrocchio wyróżnia się teatralnością i dynamizmem swoich kompozycji. Był malarzem, rzeźbiarzem, scenografem i dekoratorem, jednym z głównych faworytów Medyceuszy. Jego Chrystus i św. Tomasz odznaczają się wielkim realizmem i poezją. Skomponował Dzieciątko z delfinem do fontanny Neptuna we Florencji, która jest prototypem figury serpentynowej, która będzie najbardziej prestiżowym modelem formalnym w manieryzmie i baroku, a wraz z Damą z bukietem kwiatów zaprezentował nowy model popiersia, obejmujący ramiona i połowę ciała, który stał się popularny. Jego największe dzieło, konny pomnik Bartolomeo Colleoniego w Wenecji, jest wyrazem mocy i siły bardziej intensywnym niż Gattamelata. Verrocchio wywarł wpływ na wielu malarzy i rzeźbiarzy XV wieku, w tym Leonarda, Perugino i Rafaela, i jest uważany za jednego z największych artystów stulecia.

Inne godne uwagi nazwiska to Luca della Robbia i jego rodzina, dynastia garncarzy, twórcy nowej techniki glazurowania i zeszklenia ceramiki. Podobna technika, majolika, była znana od wieków, ale Luca opracował jej odmianę i z powodzeniem zastosował ją do dużych rzeźb i zestawów dekoracyjnych. Jego wynalazek zwiększył trwałość i wytrzymałość elementów, zachował żywe kolory i umożliwił instalację na zewnątrz. Luca był również znanym rzeźbiarzem w marmurze, a Leon Battista Alberti umieścił go wśród liderów florenckiej awangardy, wraz z Masaccio i Donatello. Wielkimi popularyzatorami techniki ceramicznej byli jednak jego siostrzeniec Andrea della Robbia i jego syn Giovanni della Robbia, którzy powiększyli wymiary asamblaży, wzbogacili paletę chromatyczną i udoskonalili wykończenie. Technika była przez długi czas utrzymywana w tajemnicy.

Florencja pozostała centrum awangardy aż do pojawienia się Michała Anioła, który pracował dla Medyceuszy, a w Rzymie dla papieży, i był najbardziej wpływową postacią w rzeźbie od wysokiego renesansu do połowy lat pięćdziesiątych XX wieku. Jego prace odeszły od czystego klasycyzmu Dawida i Bachusa i osiągnęły manieryzm, wyrażony w gwałtownych i dramatycznych dziełach, takich jak Niewolnicy, Mojżesz i akty w kaplicy Medyceuszy we Florencji. Artyści tacy jak Desiderio da Settignano, Antonio Rosselino, Agostino di Duccio i Tullio Lombardo również pozostawili dzieła o wielkim mistrzostwie i znaczeniu, takie jak Adam Lombardo, pierwszy naturalnej wielkości akt znany od starożytności.

Cykl renesansowy zamykają między innymi Giambologna, Baccio Bandinelli, Francesco da Sangallo, Jacopo Sansovino i Benvenuto Cellini, ze stylem o wielkiej dynamice i ekspresji, typowym dla Uprowadzenia z Sabinek Giambologny. Wybitni artyści z innych krajów europejskich, tacy jak Adriaen de Vries i Germain Pilon, zaczęli już pracować zgodnie z wyraźnie włoskimi liniami, rozprzestrzeniając włoski smak na dużym obszarze geograficznym i dając początek różnym synkretycznym formułom ze szkołami regionalnymi.

Rzeźba była obecna wszędzie, na ulicach jako pomniki i ozdoby budynków, w salach szlacheckich, w kościołach, a w najprostszym domu zawsze znajdował się obraz dewocyjny. Wazony, meble i przedmioty codziennego użytku elit często miały rzeźbione lub grawerowane detale, a miniatury, takie jak medale pamiątkowe, można zaliczyć do tej dziedziny. W tym okresie opracowano środki techniczne, które umożliwiły ogromny skok w stosunku do średniowiecza pod względem możliwości tworzenia swobodnych form w przestrzeni oraz przedstawiania natury i ludzkiego ciała, a publikacja różnych traktatów i komentarzy na temat tej sztuki wprowadziła metodologie i teorie, które poszerzyły zrozumienie tej dziedziny i ugruntowały ją w bardziej naukowej konceptualizacji, tworząc wpływową tradycję krytyczną. Udoskonalenie technik rzeźbiarskich pozwoliło na tworzenie dzieł na skalę znaną tylko w starożytności, a obywatelski duch Florentczyków stymulował wynalezienie nowych modeli pomników publicznych, typologii związanej z innym rozumieniem zdolności reprezentacyjnych człowieka jako praktyki społecznej i edukacyjnej.

Muzyka

Ogólnie rzecz biorąc, muzyka renesansu nie oferuje panoramy nagłych przerw w ciągłości, a cały długi okres można uznać za teren powolnej transformacji od modalnego do tonalnego wszechświata i od poziomej polifonii do pionowej harmonii. Renesans był również okresem wielkiej odnowy w traktowaniu głosu i orkiestracji, w instrumentach i konsolidacji czysto instrumentalnych gatunków i form z suitami tanecznymi na bale, ponieważ istniało duże zapotrzebowanie na rozrywkę muzyczną podczas każdej uczty lub ceremonii, publicznej lub prywatnej.

W technice kompozytorskiej melizmatyczna polifonia organonów, wywodząca się bezpośrednio z chorału gregoriańskiego, została porzucona na rzecz szczuplejszego pisania, z głosami traktowanymi w coraz bardziej zrównoważony sposób. We wczesnym okresie ruch równoległy jest używany oszczędnie, akcydensy są rzadkie, ale ostre dysonanse są powszechne. W dalszej części utworu w trzygłosie pojawiają się trójdźwięki, dające wrażenie tonalności. Po raz pierwszy podejmowane są próby pisania muzyki opisowej lub programowej, sztywne tryby rytmiczne ustępują miejsca izorytmiczności i swobodniejszym, bardziej dynamicznym formom, takim jak ballada, chanson i madrygał. W muzyce sakralnej forma mszy stała się najbardziej prestiżowa. Notacja ewoluuje w kierunku przyjęcia nut o niższej wartości, a pod koniec okresu interwał tercji zostaje zaakceptowany jako współbrzmienie, podczas gdy wcześniej były to tylko kwinta, oktawa i unisono.

Prekursorami tej transformacji nie byli Włosi, ale Francuzi, tacy jak Guillaume de Machaut, autor największego muzycznego osiągnięcia Trecenta w całej Europie, Mszy Notre Dame, i Philippe de Vitry, bardzo chwalony przez Petrarkę. O muzyce włoskiej tego wczesnego okresu zachowało się bardzo niewiele, choć wiadomo, że jej aktywność była intensywna i niemal w całości dotyczyła sfery profanum, a głównymi źródłami partytur były Codex Rossi, Codex Squarcialupi i Codex Panciatichi. Wśród jego przedstawicieli byli Matteo da Perugia, Donato da Cascia, Johannes Ciconia i przede wszystkim Francesco Landini. Dopiero w Cinquecento muzyka włoska zaczęła rozwijać swoje własne, oryginalne cechy, będąc do tego czasu bardzo zależną od szkoły francusko-flamandzkiej.

Przewaga wpływów północnych nie oznacza, że włoskie zainteresowanie muzyką było niewielkie. Wobec braku muzycznych przykładów ze starożytności do naśladowania, włoscy filozofowie, tacy jak Ficino, zwrócili się do klasycznych tekstów Platona i Arystotelesa w poszukiwaniu odniesień, aby stworzyć muzykę godną starożytnych. W tym procesie znaczącą rolę odegrał Lorenzo de' Medici we Florencji, który założył akademię muzyczną i przyciągnął kilku europejskich muzyków, a także Izabela d'Este, której mały, ale błyskotliwy dwór w Mantui przyciągał poetów, którzy pisali proste wiersze w języku włoskim do muzyki, a recytacji poezji, podobnie jak w innych włoskich ośrodkach, zwykle towarzyszyła muzyka. Preferowanym gatunkiem była frottola, która wykazywała już dobrze zdefiniowaną tonalną strukturę harmoniczną i przyczyniła się do odnowienia madrygału, z jego typową wiernością tekstowi i uczuciom. Inne gatunki polifoniczne, takie jak msza i motet, w pełni wykorzystują imitację między głosami i wszystkie są traktowane w podobny sposób.

Ważni flamandzcy kompozytorzy pracowali we Włoszech, tacy jak Adriaen Willaert i Jacob Arcadelt, ale najbardziej znanymi postaciami stulecia są Giovanni da Palestrina, Włoch, i Orlando de Lasso, Flamand, którzy ustanowili standard muzyki chóralnej, który będzie naśladowany na całym kontynencie, z melodyjnym i bogatym pisaniem, o doskonałej równowadze formalnej i szlachetnej ekspresji, zachowując zrozumiałość tekstu, aspekt, który w poprzednim okresie był często drugorzędny i gubił się w zawiłej złożoności kontrapunktu. Wrażenie jego muzyki pasuje do idealistycznej wielkości Wysokiego Renesansu, rozkwitającego w fazie, w której manieryzm był już silnie manifestowany w innych sztukach, takich jak malarstwo i rzeźba. Pod koniec wieku pojawiły się trzy wielkie postacie, Carlo Gesualdo, Giovanni Gabrieli i Claudio Monteverdi, którzy wprowadzili postępy w harmonii oraz wyczucie koloru i barwy, które wzbogaciły muzykę, nadając jej manierystyczną ekspresję i dramatyzm oraz przygotowując ją do baroku. Monteverdi jest szczególnie ważny ze względu na bycie pierwszym wielkim operzystą w historii, a jego opery L'Orfeo (1607) i L'Arianna (1608, zaginiona, zachowała się tylko jedna słynna aria, Lament) reprezentują szlachetny zachód słońca muzyki renesansowej i pierwsze wielkie kamienie milowe muzycznego baroku.

Architektura

Trwałość wielu śladów starożytnego Rzymu na włoskiej ziemi nigdy nie przestała wpływać na lokalne budownictwo, czy to w wykorzystaniu elementów konstrukcyjnych lub materiałów używanych przez Rzymian, czy też w podtrzymywaniu pamięci o klasycznych formach. Mimo to w Trecento gotyk pozostał dominującym stylem, a klasycyzm pojawił się silnie dopiero w następnym stuleciu, wśród nowego zainteresowania wielkimi osiągnięciami przeszłości. Zainteresowanie to zostało pobudzone przez ponowne odkrycie klasycznej bibliografii uważanej za zaginioną, takiej jak De Architectura Witruwiusza, znaleziona w bibliotece opactwa Monte Cassino w 1414 lub 1415 roku. Autor wywyższył w nim okrąg jako idealną formę i opracował idealne proporcje budynku i postaci ludzkiej, a także symetrię i związek architektury z człowiekiem. Jego idee były następnie rozwijane przez innych architektów, takich jak pierwszy wielki przedstawiciel klasycyzmu architektonicznego, Filippo Brunelleschi, który również czerpał inspirację z ruin, które studiował w Rzymie. Jako pierwszy zastosował nowoczesne porządki architektoniczne w spójny sposób, ustanawiając nowy system proporcji oparty na ludzkiej skali. Był również odpowiedzialny za prekursorskie wykorzystanie perspektywy do iluzjonistycznego przedstawienia trójwymiarowej przestrzeni na dwuwymiarowej płaszczyźnie, techniki, która zostanie znacznie rozwinięta w nadchodzących stuleciach i zdefiniuje cały styl przyszłej sztuki, inaugurując owocne połączenie sztuki i nauki. Leon Battista Alberti to kolejny architekt o wielkim znaczeniu, uważany za doskonały przykład renesansowego "człowieka uniwersalnego", wszechstronnego w różnych specjalnościach. Był autorem traktatu De re aedificatoria, który stał się kanonem. Do dyskusji włączyli się inni architekci, artyści i filozofowie, tacy jak Luca Pacioli w swoim De Divina Proportione, Leonardo ze swoimi projektami centrowanych kościołów i Francesco di Giorgio z Trattato di architettura, ingegneria e arte militare.

Jedną z najbardziej znaczących cech architektury renesansowej jest powrót scentralizowanego modelu świątyni, zaprojektowanego na wzór greckiego krzyża i zwieńczonego kopułą, odzwierciedlającego popularyzację koncepcji kosmologii neoplatońskiej i jednoczesną inspirację reliktowymi budynkami, takimi jak Panteon w Rzymie. Pierwszą tego typu budowlą powstałą w epoce renesansu był być może San Sebastiano w Mantui, dzieło Albertiego z 1460 roku, które jednak nie zostało ukończone. Model ten opierał się na bardziej ludzkiej skali, porzucając intensywny wertykalizm kościołów gotyckich i mając kopułę jako zwieńczenie kompozycji, która wyróżniała się zrozumiałością. Zwłaszcza jeśli chodzi o strukturę i techniki budowy kopuły, w renesansie dokonano wielkich osiągnięć, ale był to późny dodatek do schematu, preferowano drewniane dachy. Najważniejsze z nich to ośmiokątna kopuła katedry we Florencji autorstwa Brunelleschiego, który nie używał rusztowań ani betonu w konstrukcji, oraz kopuła Bazyliki Świętego Piotra w Rzymie autorstwa Michała Anioła, pochodząca już z XVI wieku.

Przed okresem Cinquecento nie istniało słowo określające architektów w znaczeniu, w jakim są oni rozumiani dzisiaj, a nazywano ich mistrzami budowlanymi. Architektura była najbardziej prestiżową sztuką renesansu, ale większość czołowych mistrzów tego okresu, kiedy rozpoczęli swoją praktykę w sztukach budowlanych, była już uznanymi artystami, ale nie miała wykształcenia w tej dziedzinie i pochodziła z rzeźby lub malarstwa. Wzywano ich do wielkich projektów budynków publicznych, pałaców i kościołów, a popularną architekturę powierzano małym budowniczym. W przeciwieństwie do średniowiecznej praktyki, charakteryzującej się funkcjonalnością i nieregularnością, mistrzowie postrzegali budynki jako dzieła sztuki, byli pełni pomysłów na boskie geometrie, symetrie i doskonałe proporcje, chętnie naśladowali rzymskie budowle i tworzyli szczegółowe rysunki oraz drewniany model budynku w małej skali, który służył jako plan dla budowniczych. Projekty te były innowacyjne pod względem konstrukcyjnym i plastycznym, ale nie zwracały uwagi na ich praktyczną wykonalność i potrzeby codziennego użytku, zwłaszcza w zakresie rozmieszczenia przestrzeni. To budowniczowie musieli rozwiązywać problemy techniczne, które pojawiały się w trakcie prac, starając się zachować oryginalny projekt, ale często dokonując ważnych adaptacji i zmian po drodze, jeśli projekt lub jego część okazały się niepraktyczne. Według Hartta, kiedy rozpoczynały się duże i złożone prace, takie jak kościoły, budowniczowie rzadko byli pewni, że uda im się je ukończyć. Jednak niektórzy mistrzowie pracowali nad tym przez długie lata i stali się wielkimi znawcami tematu, wprowadzając ważne nowinki techniczne, strukturalne i funkcjonalne. Projektowali również fortyfikacje, mosty, kanały i inne konstrukcje, a także planowanie miast na dużą skalę. Większość z wielu renesansowych planów miast nigdy nie doszła do skutku, a z tych, które zostały rozpoczęte, żaden nie zaszedł zbyt daleko, ale od tego czasu są one źródłem inspiracji dla urbanistów wszystkich pokoleń.

Po stronie profanum arystokraci, tacy jak Medyceusze, Strozzi, Pazzi, zapewnili sobie status, zamawiając budowę pałaców o wielkiej wielkości i oryginalności, takich jak Pałac Pitti (Brunelleschi), Palazzo Medici Riccardi (Michelozzo), Palazzo Rucellai (Alberti) i Palazzo Strozzi (Maiano), wszystkie przekształcają ten sam model włoskich średniowiecznych pałaców, z mniej lub bardziej sześcienną bryłą, piętrami z wysokimi sufitami, zorganizowanymi wokół wewnętrznego dziedzińca, z rustykalną fasadą i zwieńczoną dużym gzymsem, który nadaje im aspekt solidności i niezwyciężoności. Bardziej czysto klasyczne formy są przykładem Villa Medici Giuliano da Sangallo. Ciekawe wariacje tego modelu można znaleźć w Wenecji, biorąc pod uwagę zalewową charakterystykę terenu.

Po wiodącej postaci Donato Bramante w okresie wysokiego renesansu, który przeniósł centrum zainteresowania architektonicznego z Florencji do Rzymu i był autorem jednego z najbardziej modelowych budynków sakralnych swojego pokolenia, Tempietto, znajdujemy samego Michała Anioła, uważanego za wynalazcę kolosalnego porządku i przez pewien czas architekta dzieł Bazyliki Świętego Piotra. Michał Anioł, w opinii jego współczesnych, był pierwszym, który rzucił wyzwanie dotychczas ustalonym zasadom architektury klasycystycznej, rozwijając osobisty styl, ponieważ był, według Vasariego, pierwszym, który otworzył się na prawdziwą wolność twórczą. Reprezentuje więc koniec "kolektywnego klasycyzmu", raczej jednorodnego w swoich rozwiązaniach, i początek fazy indywidualizacji i mnożenia języków architektonicznych. Dzięki ogromnemu prestiżowi, jakim cieszył się wśród swoich, otworzył drogę nowemu pokoleniu twórców do przeprowadzania niezliczonych eksperymentów z klasycznym kanonem architektury, uniezależniając tę sztukę od starych - choć w dużej mierze im zawdzięcza. Niektóre z najbardziej znanych nazwisk tej epoki to Della Porta, Sansovino, Palladio, Fontana, Peruzzi i Vignola. Wśród modyfikacji wprowadzonych przez tę grupę było rozluźnienie struktury frontonu i unieważnienie hierarchii starych porządków, z dużą swobodą stosowania niekonwencjonalnych rozwiązań i rozwojem gustu do czysto plastycznej zabawy formami, nadając znacznie więcej dynamiki przestrzeniom wewnętrznym i fasadom. Ze wszystkich twórców późnego renesansu Palladio był najbardziej wpływowym i do dziś jest najczęściej studiowanym architektem na świecie. Był twórcą płodnej szkoły, zwanej palladianizmem, która przetrwała, ze wzlotami i upadkami, aż do XX wieku.

Wraz z rosnącym ruchem artystów, humanistów i nauczycieli między miastami na północ od Alp a Półwyspem Apenińskim, a także z wielkim obiegiem drukowanych tekstów i dzieł sztuki poprzez reprodukcje w rycinie, włoski klasycyzm rozpoczął w połowie XV wieku etap rozprzestrzeniania się na całym kontynencie. Franciszek I z Francji i Karol V, Święty Cesarz Rzymski, wkrótce dostrzegli potencjał prestiżu włoskiej sztuki w promowaniu swoich królewskich wizerunków i byli decydującymi czynnikami w jej intensywnym rozpowszechnianiu poza Alpami. Stało się to jednak na początku XVI wieku, kiedy cykl renesansowy dojrzewał już we Włoszech od co najmniej dwustu lat i znajdował się już w fazie manieryzmu.

Należy zatem zauważyć, że w pozostałej części Europy nie było Quattrocento ani Wysokiego Renesansu. W Cinquecento, okresie, w którym europejska italianizacja osiągnęła szczyt, tradycje regionalne, nawet jeśli w pewnym stopniu świadome klasycyzmu, były nadal mocno przesiąknięte stylami już przestarzałymi we Włoszech, takimi jak romański i gotycki. Rezultat był bardzo heterogeniczny i bogato hybrydowy, spowodował otwarcie wielu ścieżek, a jego analiza była pełna kontrowersji, gdzie jedyny główny konsensus, który został utworzony, podkreśla różnorodność ruchu, jego szerokie promieniowanie i trudność spójnego ogólnego opisu jego przejawów, w perspektywie istnienia szkół regionalnych i narodowych o silnej indywidualności, każda z określoną historią i wartościami.

Francja

Wpływ renesansu poprzez Flandrię i Burgundię istniał już od XV wieku, jak zauważono w twórczości Jeana Fouqueta, ale wojna stuletnia i epidemie dżumy opóźniły jego rozkwit, który nastąpił dopiero po francuskiej inwazji na Włochy przez Karola VIII w 1494 roku. Okres ten trwa do około 1610 roku, ale jego koniec jest burzliwy z powodu wojen religijnych między katolikami i hugenotami, które zdewastowały i osłabiły kraj. W tym czasie Francja rozpoczyna rozwój absolutyzmu i ekspansję morską w celu zbadania Ameryki. Punkt centralny został ustanowiony w Fontainebleau, siedzibie dworu, i tam powstała Szkoła Fontainebleau, zintegrowana przez Francuzów, Flamandów i Włochów, takich jak Rosso Fiorentino, Antoine Caron, Francesco Primaticcio, Niccolò dell'Abbate i Toussaint Dubreuil, będąca punktem odniesienia dla innych, takich jak François Clouet, Jean Clouet, Jean Goujon, Germain Pilon i Pierre Lescot. Leonardo również był tam obecny. Mimo to malarstwo znało stosunkowo słaby i mało innowacyjny rozwój, bardziej skoncentrowany na cennych szczegółach i wirtuozerii, żaden francuski artysta tego okresu nie zdobył kontynentalnej sławy, jaką osiągnęło tak wielu Włochów, a klasycyzm jest dostrzegalny tylko przez filtr manierystyczny. Z drugiej strony wyłonił się styl dekoracji, który wkrótce został szeroko naśladowany w Europie, łącząc malarstwo, reliefową sztukaterię i rzeźbione elementy drewniane.

Architektura była jedną z najbardziej oryginalnych sztuk francuskiego renesansu, a żadne budynki porównywalne z wielkimi francuskimi pałacami, takimi jak te w Fontainebleau, Tuileries, Chambord, Luwrze i Anet, nie pojawiły się w całej Europie poza Włochami, większość z nich z dużymi formalnymi ogrodami, wyróżniającymi się architektami Pierre'em Lescotem i Philibertem de l'Orme, pod silnym wpływem prac Vignoli i Palladia, zwolenników czystego klasycyzmu i organizatorów symetrycznych fasad i planów. W każdym razie ich klasycyzm nie był w rzeczywistości czysty: reorganizowali klasyczne porządki na różne sposoby, tworzyli warianty, dynamizowali plany i objętości oraz kładli duży nacisk na bujną i kapryśną dekorację, zaprzeczając zasadom racjonalności, prostoty i formalnej oszczędności bardziej typowego klasycyzmu, a także zachowując lokalne tradycje charakterystyczne dla gotyku.

W muzyce nastąpił ogromny rozkwit szkoły burgundzkiej, która zdominowała europejską scenę muzyczną w XV wieku i dała początek szkole francusko-flamandzkiej, która wydała takich mistrzów jak Josquin des Prez, Clément Janequin i Claude Le Jeune. Francuska chanson z XVI wieku odegra rolę w kształtowaniu włoskiej canzony, a jej Musique mesurée ustanowi wzór deklamacyjnego pisania wokalnego, próbując odtworzyć muzykę teatru greckiego i będzie sprzyjać ewolucji w kierunku pełnej tonalności. Pojawił się również gatunek muzyki sakralnej odmienny od włoskich wzorców, znany jako chanson spirituelle. W literaturze wyróżniali się Rabelais, prekursor gatunku fantastycznego, Montaigne, popularyzator gatunku eseju, w którym do dziś jest jednym z największych nazwisk, oraz grupa tworząca Plejadę, z Pierrem de Ronsardem, Joachimem du Bellay i Jean-Antoine de Baïfem, którzy dążyli do wernakularnej aktualizacji literatury grecko-rzymskiej, naśladowania określonych form i tworzenia neologizmów opartych na łacinie i grece.

Holandia i Niemcy

Flamandowie byli w kontakcie z Włochami od XV wieku, ale dopiero w XVI wieku kontekst zmienia się i zostaje scharakteryzowany jako renesansowy, mający stosunkowo krótki żywot. W tej fazie region staje się bogatszy, reformacja protestancka staje się decydującą siłą, przeciwstawiając się katolickiej dominacji Karola V, prowadząc do poważnych konfliktów, które dzielą obszar. Miasta handlowe Bruksela, Gandawa i Brugia zacieśniają kontakty z północnymi Włochami i zlecają prace lub przyciągają włoskich artystów, takich jak architekci Tommaso Vincidor i Alessandro Pasqualini, którzy spędzili tam większość swojego życia. Zamiłowanie do grawerowania przyniosło liczne reprodukcje włoskich dzieł do regionu, Dürer pozostawił niezatarty ślad, gdy przejeżdżał, Erazm utrzymywał humanizm przy życiu, a Rafael wykonał gobeliny w Brukseli. Vesalius dokonał ważnych postępów w anatomii, Mercator w kartografii, a nowa prasa znalazła warunki w Antwerpii i Leuven do założenia wpływowych wydawnictw.

W muzyce Niderlandy, wraz z północno-zachodnią Francją, stały się głównym ośrodkiem dla całej Europy dzięki szkole francusko-flamandzkiej. W malarstwie rozwinęła się oryginalna szkoła, która spopularyzowała malarstwo olejne i przywiązywała ogromną wagę do szczegółów i linii, pozostając bardzo wierna tematyce sakralnej i włączając swoją gotycką tradycję do włoskich innowacji manierystycznych. Jan van Eyck, Rogier van der Weyden i Hieronymus Bosch byli jej prekursorami w XV wieku, a wkrótce region wniósł swój własny wkład w sztukę europejską, konsolidując malarstwo pejzażowe z Joachimem Patinirem i malarstwo rodzajowe z Pieterem Brueghelem Starszym i Pieterem Aertsenem. Inne znaczące nazwiska to Mabuse, Maarten van Heemskerck, Quentin Matsys, Lucas van Leyden, Frans Floris, Adriaen Isenbrandt i Joos van Cleve.

Niemcy wzmocniły swój renesans, łącząc swoją bogatą gotycką przeszłość z elementami włoskimi i flamandzkimi. Jednym z jego pierwszych mistrzów był Konrad Witz, a następnie Albrecht Altdorfer i Albrecht Dürer, który dwukrotnie był w Wenecji i był tam pod głębokim wpływem, żałując, że musiał wrócić na północ. Wraz z uczonym Johannem Reuchlinem, Dürer był jednym z głównych czynników wpływających na rozprzestrzenianie się renesansu w Europie Środkowej, a także w Holandii, gdzie jego słynne ryciny były wysoko cenione przez Erazma, który nazwał go "Apelesem czarnych linii". Szkoła rzymska była ważnym elementem w kształtowaniu stylu Hansa Burgkmaira i Hansa Holbeina, obu z Augsburga, odwiedzanych przez Tycjana. W muzyce wystarczy wspomnieć Orlando de Lasso, członka szkoły francusko-flamandzkiej osiadłego w Monachium, który stał się najsłynniejszym kompozytorem w Europie w swoim pokoleniu, do tego stopnia, że został nazwany rycerzem przez cesarza Maksymiliana II i pasowany na rycerza przez papieża Grzegorza XIII, co jest niezwykle rzadkie dla muzyka.

Portugalia

Wpływ renesansu w Portugalii rozciąga się od połowy XV do końca XVI wieku. Chociaż włoski renesans miał skromny wpływ na sztukę, Portugalczycy mieli wpływ na poszerzenie światopoglądu Europejczyków, pobudzając humanistyczną ciekawość.

Jako pionier europejskiej eksploracji, Portugalia rozkwitła pod koniec XV wieku dzięki żegludze na Wschód, osiągając ogromne zyski, które pobudziły burżuazję handlową i wzbogaciły szlachtę, pozwalając na luksusy i kultywowanie ducha. Kontakt z renesansem nastąpił poprzez wpływ bogatych włoskich i flamandzkich kupców, którzy inwestowali w handel morski. Kontakty handlowe z Francją, Hiszpanią i Anglią były intensywne, a wymiana kulturalna nasiliła się.

Jako główna potęga morska przyciągała specjalistów w dziedzinie matematyki, astronomii i technologii morskiej, takich jak Pedro Nunes i Abraão Zacuto; kartografów Pedro Reinela, Lopo Homema, Estevão Gomesa i Diogo Ribeiro, którzy dokonali kluczowych postępów w mapowaniu świata. Wysłannicy na Wschód, tacy jak aptekarz Tomé Pires i lekarz Garcia de Orta, zbierali i publikowali prace na temat nowych lokalnych roślin i leków.

W architekturze zyski z handlu przyprawami w pierwszych dekadach XVI wieku sfinansowały wystawny styl przejściowy, który łączy elementy morskie z gotykiem i manuelińskim. Klasztor Jerónimos, Wieża Belém i okno Kapituły Klasztoru Chrystusa w Tomar są najbardziej znane, a architektami byli Diogo Boitaca i Francisco de Arruda. W malarstwie wyróżniają się Nuno Gonçalves, Gregório Lopes i Vasco Fernandes. W muzyce Pedro de Escobar i Duarte Lobo, a także cztery śpiewniki, w tym Cancioneiro de Elvas i Cancioneiro de Paris.

W literaturze Sá de Miranda wprowadził włoskie formy wiersza; Garcia de Resende skompilował Cancioneiro Geral w 1516 roku, a Bernardim Ribeiro był pionierem bukolizmu. Gil Vicente połączył je z kulturą popularną, odnosząc się do zmieniających się czasów, a Luís de Camões zapisał osiągnięcia Portugalczyków w epickim poemacie Os Lusíadas. Szczególnie rozkwitła literatura podróżnicza: João de Barros, Castanheda, António Galvão, Gaspar Correia, Duarte Barbosa, Fernão Mendes Pinto, między innymi, opisywali nowe ziemie i byli tłumaczeni i rozpowszechniani przez nową prasę. Po wzięciu udziału w portugalskiej eksploracji Brazylii, w 1500 roku Amerigo Vespucci, agent Medyceuszy, ukuł termin Nowy Świat.

Intensywna wymiana międzynarodowa zaowocowała kilkoma humanistycznymi i kosmopolitycznymi uczonymi: Francisco de Holanda, André de Resende i Damião de Góis, przyjaciółmi Erazma, którzy pisali z rzadką niezależnością za panowania Manuela I; Diogo i André de Gouveia, którzy dokonali ważnych reform w edukacji za pośrednictwem Francji. Egzotyczne raporty i produkty w portugalskim punkcie handlowym w Antwerpii przyciągnęły zainteresowanie Thomasa More'a i Durera do szerszego świata. W Antwerpii portugalskie zyski i wiedza pomogły napędzić holenderski renesans i złoty wiek Holandii, zwłaszcza po przybyciu kulturalnej i bogatej społeczności żydowskiej wydalonej z Portugalii.

Hiszpania

W Hiszpanii okoliczności były w kilku punktach podobne. Odzyskanie hiszpańskiego terytorium od Arabów i fantastyczny napływ bogactwa z amerykańskich kolonii, wraz z powiązaną intensywną wymianą handlową i kulturalną, stanowiły podstawę fazy bezprecedensowej ekspansji i wzbogacenia lokalnej sztuki. Artyści tacy jak Alonso Berruguete, Diego de Siloé, Tomás Luis de Vitoria, El Greco, Pedro Machuca, Juan Bautista de Toledo, Cristóbal de Morales, Garcilaso de la Vega, Juan de Herrera, Miguel de Cervantes i wielu innych pozostawili po sobie niezwykłe dzieła w stylu klasycznym lub manierystycznym, bardziej dramatyczne niż ich włoskie wzorce, ponieważ duch kontrreformacji miał tam swoją twierdzę, a w świętych pisarzach, takich jak Teresa z Avila, Ignacy z Loyoli i Jan od Krzyża, wielkich przedstawicieli. Szczególnie w architekturze bujna ornamentyka stała się typowa dla stylu znanego jako plateresque, unikalnej syntezy wpływów gotyckich, mauretańskich i renesansowych. Uniwersytet w Salamance, którego nauczanie miało humanistyczne formy, oraz osiedlenie się Włochów, takich jak Pellegrino Tibaldi, Leone Leoni i Pompeo Leoni, nadały temu procesowi dodatkową siłę.

Późniejszy renesans przekroczył nawet ocean i zakorzenił się w Ameryce i na Wschodzie, gdzie przetrwało wiele klasztorów i kościołów założonych przez hiszpańskich kolonizatorów w centrach Meksyku i Peru oraz przez Portugalczyków w Brazylii, Makau i Goa, z których niektóre są obecnie miejscami światowego dziedzictwa.

Anglia

W Anglii renesans zbiegł się z tak zwaną epoką elżbietańską, wielką ekspansją morską i względną stabilnością wewnętrzną po zniszczeniach długiej Wojny Róż, kiedy można było myśleć o kulturze i sztuce. Podobnie jak w większości innych krajów Europy, wciąż żywe dziedzictwo gotyku mieszało się z odniesieniami z późnego renesansu, ale jego charakterystycznymi cechami są przewaga literatury i muzyki nad innymi sztukami oraz ich ważność do około 1620 roku. Poeci tacy jak John Donne i John Milton badają nowe sposoby rozumienia wiary chrześcijańskiej, a dramatopisarze tacy jak Szekspir i Marlowe zwinnie poruszają się między tematami kluczowymi dla ludzkiego życia - zdradą, transcendencją, honorem, miłością, śmiercią - w słynnych tragediach, takich jak Romeo i Marlowe. śmierć - w słynnych tragediach, takich jak Romeo i Julia, Makbet, Otello, Maur z Wenecji (Szekspir) i Doktor Faustus (Marlowe), a także na ich bardziej prozaicznych i lekkich aspektach w uroczych bajkach, takich jak Sen nocy letniej (Szekspir). Filozofowie tacy jak Francis Bacon odkryli nowe granice abstrakcyjnej myśli i zastanawiali się nad idealnym społeczeństwem, a w muzyce włoska szkoła madrygałów została zasymilowana przez Thomasa Morleya, Thomasa Weelkesa, Orlando Gibbonsa i wielu innych, nabrała niepowtarzalnego lokalnego smaku i stworzyła tradycję, która pozostaje żywa do dziś, Obok wielkich polifonistów sakralnych, takich jak John Taverner, William Byrd i Thomas Tallis, ten ostatni pozostawił słynny motet Spem in alium, na czterdzieści głosów podzielonych na osiem chórów, kompozycję niezrównaną w swoim czasie ze względu na mistrzostwo w zarządzaniu ogromnymi masami wokalnymi. W architekturze wyróżniali się Robert Smythson i palladyści Richard Boyle, Edward Lovett Pearce i Inigo Jones, których praca miała reperkusje nawet w Ameryce Północnej, tworząc uczniów w George'u Berkeleyu, Jamesie Hobanie, Peterze Harrisonie i Thomasie Jeffersonie. W malarstwie renesans został przyjęty głównie przez Niemcy i Holandię, z główną postacią Hansa Holbeina, kwitnącą później wraz z Williamem Segarem, Williamem Scrotsem, Nicholasem Hilliardem i kilkoma innymi mistrzami szkoły Tudorów.

Źródła

1. Renesans
2. Renascimento
3. a b c Schmitt, Charles B. et al. (eds.). The Cambridge History of Renaissance Philosophy. Cambridge University Press, 1988, pp. 127-135
4. a b c d e "Renaissance". In: Encyclopædia Britannica online.
5. a b c "Western Philosophy: Renaissance Philosophy". In: Encyclopadedia Britannica online, consulta em 17/10/2017
6. a b c d e f g h Heller, Ágnes. Renaissance Man. Routledge, 2015, pp. 1-25
7. a b c Brotton, Jerry. The Renaissance: A Very Short Introduction. Oxford University Press, 2006, s/pp.
8. ^ French: [ʁənɛsɑ̃s] ⓘ, meaning 'rebirth', from renaître 'to be born again'; Italian: Rinascimento [rinaʃʃiˈmento], from rinascere, with the same meanings.[2]
9. ^ For information on this earlier, very different approach to a different set of ancient texts (scientific texts rather than cultural texts) see Latin translations of the 12th century, and Islamic contributions to Medieval Europe.
10. ^ It is thought that Leonardo da Vinci may have painted the rhombicuboctahedron.[66]
11. ^ Joseph Ben-David wrote: Rapid accumulation of knowledge, which has characterized the development of science since the 17th century, had never occurred before that time. The new kind of scientific activity emerged only in a few countries of Western Europe, and it was restricted to that small area for about two hundred years. (Since the 19th century, scientific knowledge has been assimilated by the rest of the world).
12. ^ It is sometimes thought that the Church, as an institution, formally sold indulgences at the time. This, however, was not the practice. Donations were often received, but only mandated by individuals that were condemned.
13. «Renacimiento». Oxford University Press. Archivado desde el original el 9 de marzo de 2022. Consultado el 8 de marzo de 2022.
14. «La falacia de convertir en verdad histórica lo que es historiografía». Reinventar la Antigüedad. Consultado el 1 de agosto de 2018.
15. Brotton, J., The Renaissance: A Very Short Introduction, Oxford University Press, 2006 ISBN 0-19-280163-5.
16. Gay, Peter, Style in History, New York: Basic Books, 1974.
17. Le Moyen Âge se termine en 1453 ou 1492 selon les auteurs, mais la Renaissance a commencé bien plus tôt en Italie
18. Burke 2002, p. 29-30.
19. Burke 2002, p. 9.