Streszczenie

Henri Matisse , pełne nazwisko: Henri Émile Benoît Matisse († 3 listopada 1954 w Cimiez, obecnie dzielnicy Nicei), był francuskim malarzem, grafikiem, rysownikiem i rzeźbiarzem.

Wraz z Pablo Picasso jest jednym z najważniejszych artystów klasycznego modernizmu. Obok André Deraina uważany jest za pioniera i głównego przedstawiciela fowizmu, który propagował zerwanie z impresjonizmem i stanowił pierwszy ruch artystyczny XX wieku.

Twórczość Matisse'a niesie ze sobą szerokie zastosowanie koloru i linii pełnych napięcia. W jego obrazach kolorystyka, figlarna kompozycja i lekkość tematów malarskich są wynikiem długich studiów.

Tworząc w latach 40. sylwetki (gouaches découpées) - czego przykładem jest książka artysty Jazz - ciężko chory Matisse stworzył późne dzieło, które kończy jego wysiłki redukcyjne i ze swoją barwnością i ornamentyką uważane jest za szczytowy punkt jego kariery artystycznej. Za swoje arcydzieło artysta uznał zaplanowaną i ozdobioną przez siebie Kaplicę Różańcową w Vence, której inauguracja odbyła się w 1951 roku.

Jego innowacje stylistyczne wpłynęły na sztukę nowoczesną. Do jego twórczości wielokrotnie odwoływali się np. abstrakcyjni ekspresjoniści w USA.

Dzieciństwo i edukacja (1869-1898)

Henri Matisse, syn Émile'a Matisse'a i jego żony Héloïse z domu Gérard, urodził się w gospodarstwie dziadków w Le Cateau-Cambrésis. Jego rodzice prowadzili drogerię i sklep z nasionami w Bohain-en-Vermandois; Matisse tam się wychował. W 1872 roku urodził się jego brat Émile Auguste. Jego ojciec chciał, aby najstarszy syn przejął interes rodziców. Henri jednak zdecydował się na studia prawnicze w Paryżu w latach 1882-1887 po uczęszczaniu do humanistycznego gimnazjum Henri Martin w Saint-Quentin, co czynił przez dwa lata.

Podczas krótkiej pracy jako adwokat w Saint-Quentin w 1889 roku, Matisse uczęszczał w godzinach porannych na lekcje rysunku w École Quentin de la Cour. W 1890 roku zaczął malować po operacji wyrostka robaczkowego, której skutki przykuły go do łóżka na rok. W 1891 roku porzucił karierę prawniczą, wrócił do Paryża i wstąpił do Académie Julian, gdzie wykładał m.in. malarz salonowy William Adolphe Bouguereau. Matisse chciał w ten sposób przygotować się do egzaminu wstępnego do École des Beaux-Arts. Nie udało mu się jednak zdać.

Matisse uczęszczał również do École des Arts décoratifs (Szkoła Sztuk Dekoracyjnych), gdzie poznał Alberta Marqueta, z którym łączyła go długa przyjaźń. W 1895 roku, po zdaniu egzaminu wstępnego do École des Beaux-Arts, obaj zostali studentami symbolistycznego malarza Gustave'a Moreau, do którego klasy zostali przyjęci gościnnie już w 1893 roku. Matisse został ojcem córki Marguerite († 1982) w 1894 roku; jej matką była Camille (Caroline) Joblaud, kobieta, którą zatrudniał jako modelkę i która była jego kochanką.

Podczas pobytu w Bretanii w 1896 roku Matisse zapoznał się z impresjonistyczną paletą barw dzięki towarzyszowi podróży, malarzowi Émile Auguste Wéry (1868-1935), który był jego paryskim sąsiadem z Quai Saint-Michel 19. W tym okresie zaczął kopiować klasyczne dzieła w Luwrze i wystawił po raz pierwszy pięć obrazów na Salonie Société nationale des beaux-arts. W latach 1897 i 1898 odwiedził malarza Johna Petera Russella na Belle-Île, wyspie u wybrzeży Bretanii. Russell zapoznał go z impresjonistycznym stylem malarstwa i przedstawił mu twórczość Vincenta van Gogha. Styl malarski Matisse'a zmienił się zasadniczo, a on sam stwierdził później: "Russell był moim nauczycielem, a Russell wyjaśnił mi teorię koloru".

Małżeństwo (1898)

10 stycznia 1898 roku Henri Matisse poślubił Amélie Noellie Parayre. Za radą Camille Pissarro udał się następnie do Londynu, aby studiować dzieła Turnera. Jednocześnie spędził tam z Amélie swój miesiąc miodowy, który para, wracając na krótko do Paryża, kontynuowała od 9 lutego w Ajaccio na Korsyce. Z małżeństwa urodziło się dwóch synów: Jean Gérard (1899-1976) i Pierre (1900-1989).

Marguerite została przyjęta do rodziny; Matisse bardzo kochał swoją córkę i często malował jej portrety. Później wyszła za mąż za krytyka sztuki i filozofa Georgesa Duthuit; krótko przed śmiercią wraz z synem Claude'em Duthuitem zredagowała katalog raisonné grafik ojca.

Gdy zmarł nauczyciel Matisse'a Gustave Moreau, opuścił on École des Beaux-Arts w 1899 roku z powodu różnic z następcą Moreau, Fernandem Cormonem. Po krótkich studiach w Académie Julian, uczęszczał na kursy do Eugène Carrière, który przyjaźnił się z rzeźbiarzem Auguste Rodinem. Matisse poznał tu swoich późniejszych towarzyszy André Deraina i przyjaciela Maurice'a de Vlamincka. Malował z Albertem Marquetem w Jardin du Luxembourg, a wieczorami uczęszczał na zajęcia z rzeźby. W tym samym roku kupił od Vollarda obraz Trzy kąpiące się Paula Cézanne'a. Mimo poważnych kłopotów finansowych zachował dzieło, które wywarło daleko idący wpływ na jego myślenie i pracę twórczą, aż do 1936 roku, kiedy to przekazał obraz w darze Muzeum Sztuk Pięknych w Petit Palais w Paryżu.

Lata kryzysu (1900-1905)

Matisse uczęszczał na wieczorne zajęcia w Académie Rodin w 1900 roku i pracował pod kierunkiem rzeźbiarza Antoine'a Bourdelle'a z niewielkim początkowym sukcesem. Z powodu braku dochodów - biznes modiste jego żony nie przynosił wystarczających dochodów, aby się utrzymać, a dzieci często musiały być zostawiane u dziadków - popadł w poważny kryzys finansowy i podjął pracę jako malarz dekoracyjny. Wraz z Albertem Marquetem Matisse malował girlandy i dekoracje ramowe do wystroju Targów Światowych w 1900 roku, które odbywały się w Grand Palais w Paryżu. Praca była wyczerpująca, więc wrócił do Bohain wyczerpany, aby zregenerować siły. W tych dniach Matisse był tak zniechęcony, że myślał o porzuceniu malarstwa.

Po przezwyciężeniu kryzysu Matisse poszukiwał kolekcjonerów sztuki i możliwości wystawienniczych. W lutym 1902 roku wziął udział we wspólnej wystawie nowo założonej galerii B. Weill. W kwietniu i czerwcu tegoż roku Berthe Weill jako pierwsza galeria sprzedała prace jego autorstwa. Pierwsza indywidualna wystawa jego prac odbyła się w 1904 r. w domu francuskiego handlarza sztuką Ambroise'a Vollarda. Latem tego samego roku Matisse za namową Paula Signaca wyjechał do Saint-Tropez i zaczął malować obrazy w stylu neoimpresjonizmu.

Powstanie fowizmu (1905)

Matisse spędził lato 1905 roku z André Derainem i czasami z Maurice de Vlaminck w Collioure, wiosce rybackiej nad Morzem Śródziemnym. Pobyt ten stał się istotnym punktem zwrotnym w jego twórczości. W tym okresie, we współpracy z Derainem, wykrystalizował się styl, który przeszedł do historii sztuki pod nazwą fowizmu. Ruch ten otrzymał swoją nazwę, gdy mała grupa podobnie myślących malarzy, składająca się z Matisse'a, André Deraina i Maurice'a de Vlamincka, pokazała po raz pierwszy swoje obrazy na wystawie w paryskim Salon d'Automne jesienią 1905 roku, wywołując oburzenie publiczności i krytyków sztuki.

Krytyk Louis Vauxcelles nazwał artystów "Fauves" ("Dzikie bestie"). Jego komentarz "Donatello chez les fauves" został opublikowany w piśmie Gil Blas 17 października 1905 roku i wszedł do powszechnego użycia. Przedmiotem krytyki był obraz Matisse'a Femme au chapeau (Kobieta w kapeluszu) o ostrych barwach. Leo Stein, brat Gertrudy Stein, kupił ten obraz za 500 franków. Ten "skandaliczny sukces" podniósł wartość rynkową Matisse'a. Steinowie znaleźli się wśród jego mecenasów także w przyszłości. Grupa fowistów rozpadła się ponownie już w 1907 roku.

Dziś Chemin du Fauvisme w Collioure upamiętnia powstanie tam fowizmu: reprodukcje stworzonych tam obrazów Matisse'a i Deraina są wyświetlane na kolistej ścieżce w 19 punktach miejscowości.

Znajomość z Picasso (1906)

20 marca 1906 roku Matisse pokazał swoje nowe dzieło Lebensfreude (Radość życia) na Salon des Indépendants (Paul Signac, wiceprezes Indépendants, przyłączył się do krytyki i miał za złe Matisse'owi wyraźne w obrazie odrzucenie postimpresjonizmu. Leo Stein uznał go jednak za "najważniejszy obraz naszych czasów" i nabył do salonu, który prowadził wraz z siostrą Gertrudą.

W tym samym roku Matisse poznał Pabla Picassa; ich pierwsze spotkanie miało miejsce w salonie Steinów, gdzie Matisse od roku był stałym gościem. Od tego czasu Matisse'a i Picassa łączyła przyjaźń oparta na twórczej rywalizacji i wzajemnym szacunku. Amerykańscy przyjaciele Gertrudy Stein z Baltimore, Clarabel i Etta Cone, również stali się mecenasami i kolekcjonerami Matisse'a i Picassa. Kolekcja Cone jest obecnie wystawiona w Baltimore Museum of Art.

Podróż do Algierii (1906)

W maju 1906 roku Matisse wyjechał do Algierii i odwiedził oazę Biskra. W czasie podróży nie malował, dopiero po powrocie stworzył obraz Akt niebieski (Wspomnienie z Biskry), a po jego ukończeniu rzeźbę Akt leżący I (Aurora) o podobnej pozie. Z dwutygodniowej podróży przywiózł przedmioty codziennego użytku, takie jak ceramika i tkaniny, które często wykorzystywał jako motywy do swoich obrazów. Matisse zaczerpnął z ceramiki orientalnej czysty, płasko nakładany kolor, redukcję rysunku do arabeskowej linii i dwuwymiarowy układ przestrzeni obrazowej. Orientalne dywany pojawiały się w jego obrazach jak u żadnego innego modernistycznego malarza. Przykładem jest martwa natura Dywany orientalne, którą namalował po powrocie do kraju.

Académie Matisse (1908-1911)

Za namową i przy wsparciu swoich wielbicieli, Michaela, Sary, Gertrudy i Leo Steinów, jak również Hansa Purrmanna, Marg i Oskara Molla i innych, założył prywatną szkołę malarską, której nadał nazwę: "Académie Matisse". Uczył tam od stycznia 1908 do 1911 roku i ostatecznie miał 100 studentów z Niemiec i zagranicy. Purrmann był odpowiedzialny za organizację i administrację.

Początkowo zajęcia odbywały się w pomieszczeniach Couvent des Oiseaux przy Rue de Sèvres. Matisse już od 1905 roku wynajmował w tym pustym klasztorze kolejne pomieszczenie studyjne, oprócz swojej pierwotnej pracowni na Quai St.-Michel. Po podjęciu decyzji o założeniu prywatnej akademii, Stein wynajął w klasztorze kolejną salę na zajęcia. Jednak już po kilku tygodniach trzeba było opuścić kompleks klasztorny. Szkoła przeniosła się więc do Couvent de Sacré-Cœur przy Boulevard des Invalides na rogu Rue de Babylon.

Jej niekomercyjny charakter odróżniał Académie Matisse od porównywalnych pracowni mistrzowskich. Matisse przywiązywał dużą wagę do podstawowego, klasycznego wykształcenia młodych artystów. Raz w tygodniu wizyta w muzeum była częścią programu nauczania. Praca z modelem przychodziła dopiero po wysiłku kopiowania. Jak na tamte czasy, udział kobiet wśród uczniów był zaskakująco wysoki. Wśród 18 niemieckich uczniów, na przykład Friedricha Ahlersa-Hestermanna, Franza Nölkena i Waltera Alfreda Rosama, było osiem artystek, w tym Mathilde Vollmoeller i Gretchen Wohlwill. Do grona jego uczniów należała także urodzona w Rosji Olga Markowa Meerson, wcześniej koleżanka Wassily'ego Kandinsky'ego z Monachium, oraz Duńka Astrid Holm.

Matisse odbył pierwszą podróż do Niemiec z Hansem Purrmannem w 1908 roku. Tam zapoznał się z grupą artystów Brücke. Został zaproszony do przyłączenia się do grupy jako "Übervater ich buntu" - na próżno. W tym samym roku odbyła się jego pierwsza amerykańska wystawa w Galerii 291 Alfreda Stieglitza. Jego esej artystyczno-teoretyczny Notes d'un Peintre (Notatki malarza) ukazał się w Grande Revue 25 grudnia 1908 roku.

Przeprowadzka do Issy-les-Moulineaux (1909)

Rosyjski mecenas Siergiej Szczukin poznał twórczość Matisse'a i zamówił u niego dwa duże obrazy: Taniec i Muzyka. Po przezwyciężeniu kryzysu i wzmocnieniu sytuacji finansowej Matisse opuścił w 1909 roku paryską rezydencję Quai Saint-Michel i przeniósł się do Issy-les-Moulineaux, gdzie kupił dom i urządził pracownię. Przez długi czas członkowie rodziny pozowali mu bezpłatnie i ze zrozumieniem dostosowywali się do jego życzeń. Kierowali się potrzebami artysty; na przykład dzieci musiały milczeć podczas posiłków, aby nie zakłócać koncentracji ojca.

Po udziale w wystawie Manet and the Post-Impressionists w Londynie, zorganizowanej przez Rogera Fry'a w 1910 roku, rzeźby Matisse'a zostały po raz pierwszy wystawione w Galerii 291 Alfreda Stieglitza w Nowym Jorku w 1912 roku. Rok później, w 1913 roku, część jego obrazów wzięła udział w ważnej wystawie Armory Show w Nowym Jorku, która jednak spotkała się z ostrą krytyką konserwatywnej amerykańskiej publiczności. Skarbnik Armory Show, Walter Pach, reprezentował twórczość Matisse'a w USA w latach 1914-1926.

Około 1912 roku niektóre kompozycje Matisse'a zostały uznane przez wielu krytyków za parakubistyczne. Matisse i Picasso w tych latach często wymieniali się pomysłami. Matisse komentował: "W tych spotkaniach wiele sobie daliśmy". W tych rozmowach Picasso odgrywał advocatus diaboli, ciągle chcąc zakwestionować coś w malarstwie Matisse'a, co w rzeczywistości było bardzo po jego myśli.

Oprócz pobytów w Sewilli (1910 r.

Lata wojny (1914-1918)

Na początku I wojny światowej w sierpniu 1914 roku Matisse przebywał w Paryżu. Zarejestrował się do służby wojskowej, ale jego prośba została odrzucona. Po zniszczeniu rodzinnej zagrody w niemieckim ataku, Matisse nie otrzymał więcej wiadomości od matki ani od brata, który, podobnie jak inni mężczyźni z wioski, został wzięty do niewoli przez niemieckie siły zbrojne. Na krótko przed bitwą nad Marną opuścił Paryż i udał się z Marquetem do Collioure. Okropności tamtego czasu zbliżyły do siebie fowistów i kubistów, dotychczas podzielonych przez konflikty artystyczne, więc Juan Gris został nauczycielem dzieci Matisse'a. Kubistyczne wpływy tego ostatniego wzmocniły skłonność Matisse'a do geometrycznych uproszczeń. Synowie Jean i Pierre musieli odbyć służbę wojskową od lata 1917 roku.

W Nicei (1916-1954)

Matisse w 1916 roku przebywał w Menton na Lazurowym Wybrzeżu za radą lekarza, gdyż cierpiał na zapalenie oskrzeli, a w 1916 roku wynajął

W 1918 roku w Galerie Guillaume odbyła się wystawa Matisse - Picasso, która była w pewnym stopniu dowodem na wiodącą rolę tych malarzy w sztuce współczesnej. Matisse pokazał kilka swoich obrazów Renoirowi, którego często odwiedzał w tym okresie; spotykał się także towarzysko z Bonnardem w Antibes.

W 1920 roku w Paryżu odbyła się premiera baletu Dżagilewa Le Chant du Rossignol, do którego Matisse zaprojektował kostiumy i scenografię. Ponownie poświęcił się pracy nad rzeźbami, którą zaniedbał w poprzednich latach. W 1927 roku jego syn Pierre Matisse, który stał się właścicielem galerii, zorganizował dla niego wystawę w swojej nowojorskiej galerii; w tym samym roku otrzymał nagrodę za malarstwo na Międzynarodowej Wystawie Carnegie w Pittsburghu.

Matisse podejmował wiele podróży w celu odpoczynku, na przykład do Étretat w 1921 roku, do Włoch w 1925 roku i na Tahiti przez Nowy Jork i San Francisco w 1930 roku.

W drodze powrotnej we wrześniu 1930 roku odwiedził w Merion (USA) swojego ważnego kolekcjonera Alberta C. Barnesa, który poprosił go o wykonanie muralu o tematyce tanecznej do swojego prywatnego muzeum. Dzieła Georgesa Seurata, Cézanne'a, Auguste'a Renoira wypełniały już tam ściany. Matisse przyjął wyzwanie i w 1932 roku udało mu się ukończyć dzieło. W 1933 roku w Nowym Jorku urodził się jego wnuk Paul Matisse.

Do wykonania muralu Barnesa Matisse zatrudnił 22-letnią rosyjską emigrantkę Lydię Delektorską (1910-1998) jako swoją asystentkę, która również dla niego siedziała. Został wówczas postawiony przez swoją żonę Amélie przed alternatywą: "Ja albo ona". Lydia Delectorskaya została zwolniona, jednak Amélie zażądała rozwodu i opuściła go po 31 latach małżeństwa. Matisse ciężko zachorował i ponownie zatrudnił Delectorskaya. Po pobycie w Paryżu w chwili wybuchu II wojny światowej wrócił do Nicei.

W kolejnych latach tworzył projekty gobelinów i ilustracji książkowych. Wytrawił sceny z Odysei jako ilustracje do Ulissesa Jamesa Joyce'a. W listopadzie 1931 roku Museum of Modern Art dało Matisse'owi możliwość pierwszej dużej amerykańskiej wystawy indywidualnej w Nowym Jorku. Lata 1930-1931, poprzedzone dużą wystawą w Thannhauser Gallery w Berlinie późnym latem 1930 roku, przyniosły zatem realizację wielu osobistych planów Matisse'a i umocniły jego rosnącą już międzynarodową reputację. W październiku ukazała się pierwsza książka ilustrowana przez Matisse'a - wydanie Skiry Poésie de Stéphane Mallarmé.

W 1937 roku Matisse został poproszony przez Léonide Massine o zaprojektowanie dekoracji i kostiumów do Rouge et noir, baletu z muzyką Szostakowicza i choreografią Massine. Rok później przeniósł się do Cimiez do dawnego hotelu Régina, z widokiem na Niceę.

W 1941 roku Matisse musiał przejść w Lyonie poważną operację jelit. Przez prawie trzy miesiące przebywał w szpitalu, potem przez dwa miesiące w hotelu z grypą. Cierpiał na raka dwunastnicy i dwa kolejne zatory płucne.

W maju wrócił do Cimiez. Operacja i późniejsza choroba poważnie go dotknęły, tak że tylko przez pewien czas mógł utrzymać się w pionie. W czasie rekonwalescencji zaczął ponownie pracować, malując i rysując w łóżku, m.in. ilustracje do wydania Pasifaé Henryka de Montherlanta przez Fabianiego i Florilège des amours de Ronsard przez Skirę.

W swojej pracowni u podnóża Montagne du Baou w Villa Le Rêve, dwa kilometry od głównego placu prowansalskiej wioski Vence, do której przeniósł się po nalocie na Cimiez w 1943 roku, Matisse rozpoczął pracę nad kompozycjami typu "wytnij i wklej" do swojej książki Jazz. W 1944 roku jego rozwiedziona żona została aresztowana, a córka Marguerite deportowana za udział w Résistance i skazana na sześć miesięcy więzienia. Le Rêve pozostało jego rezydencją do 1948 roku, kiedy to wrócił do Nicei do hotelu Régina.

Wczesnym latem 1945 roku Matisse wyjechał do Paryża, gdzie 37 prac zostało pokazanych w retrospektywie na Salon d'Automne. W tym samym roku wystawiał z Picassem w Victoria and Albert Museum w Londynie. W 1946 roku Matisse po raz pierwszy odwiedził Picassa i jego partnerkę Françoise Gilot w Vence; obaj artyści spotkali się jeszcze kilkakrotnie do 1954 roku.

W 1947 roku Matisse został podniesiony do rangi Komandora Legii Honorowej. W tym samym roku rozpoczął szkice do kaplicy sióstr dominikanek, Kaplicy Różańcowej w Vence, która miała go zajmować niemal wyłącznie przez kilka następnych lat. Projekt był wynikiem bliskiej przyjaźni Matisse'a z siostrą Jacques-Marie alias Monique Bourgeois. W 1941 roku zatrudnił ją jako pielęgniarkę i modelkę; w 1946 roku wstąpiła do klasztoru dominikanów w Vence i otrzymała imię Jacques-Marie. Gdy spotkali się tam ponownie, poprosiła go o radę w sprawie budowy kaplicy dla klasztoru. W grudniu 1949 roku położono kamień węgielny pod kaplicę, a 25 czerwca 1951 roku została ona poświęcona przez biskupa Nicei. W tym samym roku Matisse otrzymał pierwszą nagrodę za malarstwo na Biennale w Wenecji.

W związku z wystawą jego prac w USA w 1951 roku, amerykański historyk sztuki Alfred H. Barr wydał książkę Matisse: his Art and his Public, która do dziś pozostaje ważną pozycją na temat artysty. W 1952 roku w jego rodzinnym mieście Le Cateau-Cambrésis otwarto Musée Henri Matisse. Rok później w Paryżu odbyły się wystawy papiers découpés, a w Londynie rzeźb. W 1954 roku został wybrany na honorowego członka Amerykańskiej Akademii Sztuki i Literatury.

Matisse pracował w ostatnich dniach życia nad Różą Rockefellera, która miała być jego ostatnim dziełem - witrażem dla Union Church of Pocantico Hills, zamówionym przez rodzinę Nelsona Rockefellera ku pamięci Abby Aldrich Rockefeller. Oprócz prac Matisse'a w kościele znajdują się również okna autorstwa Marca Chagalla.

Matisse zmarł na atak serca w Nicei 3 listopada 1954 roku. Jego grób - kamień pamiątkowy poświęcony jest jemu i jego byłej żonie - znajduje się w najwyższym punkcie cmentarza w Cimiez; jest darem miasta Nicei.

5 stycznia 1963 roku w Nicei powstało kolejne muzeum - Musée Matisse. Jeszcze przed jego założeniem 21 października 1953 roku sam artysta podarował obraz Martwa natura z granatem (1947), cztery rysunki z lat 1941

Matisse'a koncepcja obrazu

W pikturalnym świecie Matisse'a kolor zyskuje autonomiczny charakter poprzez swoje dwuwymiarowe, dekoracyjne i ornamentalne zastosowanie, pomijając jego przestrzenne aspekty projektowe. Kolor nie jest tu podporządkowany ani kolorowi lokalnemu, ani opisowi struktur powierzchni. Matisse używa go raczej jako środka do odtworzenia wrażeń kolorystycznych wywołanych u malarza przez wrażenie motywu. Na drodze fowizmu stworzył świat obrazowy, w którym nie przywiązuje się większej wagi do przedmiotu niż do przestrzeni wewnętrznej, czyli przestrzeni między przedmiotami. Żadna z tych form nie jest nadrzędna ani podporządkowana innej w realizacji "ekspresji" jako elementu projektowego. Zgodnie z tym poglądem 'ekspresja' może być realizowana jedynie poprzez układ i połączenie form kolorystycznych - kolor i forma są jednym - między sobą. Dzięki temu spojrzeniu obserwacja natury (przedmiot) staje się nie tylko okazją do barwnych doznań (podmiot), ale zostaje podniesiona do rangi korekty w ramach procesu twórczego w ich wzajemnym oddziaływaniu. W tym sensie Matisse widział siebie jako związanego z tradycją. Dlatego Matisse - podobnie jak Picasso - nigdy nie zrobił kroku w kierunku całkowitej abstrakcji, gdyż w ten sposób, jak podkreślał, abstrakcja była jedynie imitowana.

Inną cechą kompozycji obrazowej Matisse'a jest linearyzacja przedmiotów. Relacje przestrzenne między przedmiotami schodzą na dalszy plan, ulegają rozwiązaniu, ale bez całkowitej negacji ich przestrzennych odniesień. Tym samym podkreślał, że poprzez równość form - przedmiotu i przestrzeni wewnętrznej - a także poprzez autonomię koloru, konieczna jest linearyzacja elementów obrazowych i odwrotnie.

Rosnąca w tamtych czasach potrzeba oryginalności i indywidualności z jednej strony, a z drugiej niechęć do tego, co ich przeciwnicy widzieli jako "zdegenerowane" poglądy wciąż istniejących akademii, sprawiły, że wielu malarzy chciało zająć własne stanowisko. I tak, choć Matisse odnalazł w Cézanne'ie postać spiritus rector, nie zamierzał kontynuować dzieła Cézanne'a.

Wczesne prace do 1900 r.

Matisse późno zdecydował się na karierę artystyczną. Lekcje sztuki zaczął pobierać jako 20-letni paralegalista w St.-Quentin. Jego pierwsze obrazy odpowiadały mieszczańskiemu naturalizmowi, który szkoła francuska przejęła od Holendrów. Znanym obrazem z tego okresu jest Kobieta czytająca z 1894 roku, który znajduje się obecnie w Musée National d'Art Moderne w Paryżu. Kobiety dominowały w jego twórczości od wczesnej twórczości do późnej twórczości w latach 50-tych, przedstawianej w różnych fazach Matisse'a. Martwa natura z autoportretem, utrzymana w podobnej brązowo-zielonej kolorystyce, pojawiła się w 1895 roku i pod względem estetycznym przypomina Martwą naturę Cézanne'a, starszego od niego o dwadzieścia lat, ale bez jego wyrafinowania. Znane obrazy z 1897 roku to Zestaw stołowy i dzieło nadmorskie, Belle Île; w tym ostatnim są zbliżenia do Sztormu w Belle Île Claude'a Moneta z 1896 roku, który odzwierciedla impresjonistyczne wpływy Moneta i Johna Petera Russella w Bretanii.

Główną twórczość artysty można podzielić na pięć następujących okresów:

Okres Fauve (1900-1908)

W 1900 roku Matisse zaczął malować w stylu, który z perspektywy czasu został nazwany "proto-Fauve". Nie chciał, aby jego formy rozpływały się w świetle, ale były pojmowane jako kompletna całość, dlatego odszedł od "ortodoksyjnego" impresjonizmu. To właśnie dywizjonistycznym dziełom Seurata, obok dzieł Paula Cézanne'a, poświęcił swoją uwagę. Georges Seurat i neoimpresjoniści tworzyli swoje dzieła zgodnie z doktryną teoretyczną opartą na teorii barw Eugène'a Chevreula. Oprócz Seurata, to Vincent van Gogh i Paul Gauguin wzmocnili poczucie koloru Matisse'a; chciał on przezwyciężyć naśladownictwo natury. Kompozycja figuralna Matisse'a Luksus, cisza i pożądanie (1904 r.

Wynik jego pracy w fazie fowizmu reprezentował rozwiązanie w postaci dwuwymiarowej kolorystyki, która była przeciwstawiona "rozpłynięciu się" obrazów impresjonistów. Przykładami są Open Window in Collioure i Woman with Hat, oba z 1905 roku, które wywołały oburzenie na wystawie w Salonie i tym samym doprowadziły do powstania terminu "fowizm". W swoim obrazie The Green Stripe. Portret Madame Matisse, również z 1905 roku, zieleń jest stała. Pasek nad twarzą, który na pierwszy rzut oka wydaje się nienaturalny, nie jest umieszczony arbitralnie, ale służy jako granica między strefami światła i cienia. Matisse pokazał, że autonomia koloru w połączeniu z jego dwuwymiarowym zastosowaniem oznacza konieczność linearyzacji obiektów między sobą, a ich relacje przestrzenne muszą w związku z tym zejść na dalszy plan. Prace z kolejnych lat stanowią przede wszystkim wariacje na temat tego podstawowego spostrzeżenia.

Według jego własnego oświadczenia, dzieło jego życia rozpoczęło się od obrazu Radość życia, który wystawił na Salon des Indépendants w 1906 roku, gdzie wywołał ostrą krytykę. Po podróży do Algierii w 1906 roku namalował Akt niebieski (Wspomnienie z Biskry), palmy w tle są odzwierciedleniem tej podróży. Akt kobiecy ciężko ciąży na ziemi i rzuca cień. Dominująca postać i płaskie otoczenie odzwierciedlają pogląd Matisse'a: "To właśnie postać, a nie martwa natura czy pejzaż, interesuje mnie najbardziej. To w niej mogę najlepiej wyrazić, można powiedzieć, religijne uczucie wobec życia, które zawsze jest moim udziałem."

Okres eksperymentalny (1908-1917)

Okres eksperymentalny Matisse'a, w którym był bardzo produktywny, dzieli się na dwie fazy: W latach 1908-1910 dominują formy organiczno-fluidalne i arabeski, natomiast w drugiej fazie od 1911 do 1917 roku, naznaczonej zaangażowaniem Matisse'a w kubizm, dominują formy geometryczne. Matisse nigdy nie podporządkował swojego malarstwa jednolitemu stylowi, ale często zmieniał stanowiska, od okresów dekoracyjnych do bardziej realistycznych.

W 1909 roku rosyjski mecenas sztuki Siergiej Iwanowicz Szczukin zamówił dwa duże dzieła La Danse (Taniec) i La Musique (Muzyka), aby ozdobić klatkę schodową swojej moskiewskiej rezydencji. Powstały dwie wersje Tańca w różnych odcieniach kolorystycznych. Matisse inspirował się prowansalskim okrągłym tańcem Farandole. Obrazy, z których każdy składa się z pięciu ciał na tle o intensywnych barwach, oddają radość życia; dekoracyjność łączy się w nich z postacią ludzką. Ich monumentalność wynika z uproszczenia środków malarskich: niewiele kolorów nakłada się na duże jednorodne powierzchnie, rysunek staje się czystą linią, która formuje kształty. Taniec jest jednym z najbardziej znanych dzieł Matisse'a. Uproszczenie form determinuje również obraz Bukiet kwiatów i ceramiczny talerz (1911). Henri Matisse podsumował swoje wrażenia dotyczące rosyjskich ikon, a także przedmiotów wykonanych ze szkliwa w wywiadzie dla gazety Utro Rossii (Утро России) 27 października 1911 roku podczas pobytu w Moskwie:

Podczas I wojny światowej jego skala barwna stała się ciemniejsza; redukcja do form geometrycznych w stylu kubizmu osiągnęła punkt kulminacyjny w 1914 roku w obrazie Widok na Notre Dame i trwała do 1918 roku. Kolor czarny odgrywał dużą rolę w latach wojny, przykładem może być okno drzwiowe w Collioure, 1914.

Okres nicejski (1917-1929)

Matisse poświęcił się między innymi malowaniu odalisek w różnych pozycjach. W centrum jego reprezentacyjnych zainteresowań znalazły się także portrety, zalane światłem wnętrza, martwe natury, pejzaże. Jego prace miały więcej cech naturalistycznych niż kiedykolwiek wcześniej. Urzeczywistniając swoją wyobraźnię, Matisse udowodnił w ten sposób swoją wiarę w malarstwo jako "źródło bezgranicznej radości".

Zamiłowanie do koloru i detalu widoczne jest w często nietypowym "ornamentalnym tle". Obraz Dekoracyjna postać na ornamentalnym tle (1925 r.

Okres odnowionej prostoty (1929-1940)

Po okresie nicejskim nastąpił okres odnowionej prostoty. Artystyczne aspiracje Matisse'a skupiały się na harmonii między maksymalnym rozwojem koloru a postępującą abstrakcją formy przedstawieniowej.

W 1929 roku wyjechał do USA i był jurorem 29. Carnegie International. Rok później podróżował na Tahiti, do Nowego Jorku i Baltimore w stanie Maryland, a także do Merion w Pensylwanii. Albert C. Barnes z Merion, wielki kolekcjoner sztuki nowoczesnej, który posiadał już największą kolekcję Matisse'a w Ameryce, zlecił artyście stworzenie dużego muralu do galerii sztuki w swoim domu. Matisse wybrał temat tańca, który przykuł jego uwagę już w fazie fowizmu. Mural Taniec istnieje w dwóch wersjach z powodu błędu w pomiarach; został zainstalowany w maju 1933 roku i jest obecnie wystawiony w Fundacji Barnesa. W swojej prostocie kompozycja przedstawia tańczące kobiety w niezwykle silnym ruchu na abstrakcyjnym, niemal geometrycznym tle. Podczas prac przygotowawczych do muralu Matisse zastosował nowy proces, składając kompozycję z wyciętych kawałków kolorowego papieru. Od 1940 r. sylwetki stały się ulubionym środkiem wyrazu Matisse'a, a technikę tę zachował do końca życia.

Okres przedawnienia do zasadniczych (1940-1954)

Redukcja formy do abstrakcji doprowadziła Matisse'a do podkreślenia elementu dynamicznego. Około 1943 roku, z powodu ciężkiej choroby, głównym środkiem wyrazu w twórczości artysty stały się sylwetki; około 1948 roku Matisse całkowicie zaprzestał malowania. Asystentom kazał malować monochromatyczną farbą gwaszową arkusze papieru, z których wycinał swoje figury i wolne formy (gouaches découpées). Matisse nazwał tę technikę "rysowaniem nożyczkami". Dawała ona możliwość łączenia linii i koloru, była więc rozwiązaniem jego niepokoju, którego długo szukał. W rysunku mógł przedstawić wrażenie w kilku konturach, choć bez koloru. W malarstwie brakowało tej spontaniczności. Kiedy nożyczki zastępują pędzel i rysują bezpośrednio w farbie, opozycja koloru i linii zostaje przezwyciężona. Efekt - cięcie - jest ostrzejszy niż narysowana linia, ma więc inny charakter. W 1947 r. sekwencja sylwetek z lat 1943-1944 została wydana w formie książki artystycznej pod tytułem Jazz, która została odtworzona metodą druku szablonowego. Tytuł ten nawiązuje do spontaniczności i improwizacji muzycznego stylu jazzu. Na temat wykorzystania linii Matisse napisał w tej książce:

Ponadto powstały projekty gobelinów, jak Polinezja - Niebo i Polinezja - Morze z 1946 r. Dekoracja kaplicy, Kaplicy Różańcowej (zwanej też Chapelle Matisse) w Vence, zainaugurowanej w 1951 r., której witraże przygotował również w sylwetach, pokazuje pierwsze witraże artysty. Innym przykładem jest seria Blue Nude z 1952 roku; utrzymana jest wyłącznie w tonacji niebiesko-białej, a w swojej abstrakcji ma efekt rzeźbiarski.

Matisse w dużej ilości tworzył rysunki, studia do swoich dzieł. Jego zainteresowanie pracami graficznymi rozpoczęło się około 1900 roku, kiedy to zaczął akwafortę na zasadzie prób. Katalog raisonné grafik wydany przez jego córkę Marguerite Duthuit i wnuka Claude'a Duthuit opisuje około 800 prac, skupiając się na około 300 akwafortach i 300 litografiach powstałych w latach 1908-1948 i datowanych na lata 1906-1952. Ponadto stworzył 62 prace w akwatincie, 68 monotypii, 70 linorytów, a z wczesnego okresu 1906 r.

Po wybuchu II wojny światowej prace graficzne Matisse'a zajęły więcej miejsca, powstały ilustracje do Pasiphaé Henry'ego de Montherlanta (1944), Visages Pierre'a Reverdy'ego (1946), Lettres portugaises Mariana Alcaforado (1946), Les Fleurs du Mal Charlesa Baudelaire'a (1947), Florilège des Amours Pierre'a de Ronsarda (1948) i Poèmes Charlesa d'Orléansa (dla kontrastu dodał kolorowe ilustracje do swojej słynnej książki artystycznej Jazz z 1947 roku, w której spisał swoje refleksje na temat sztuki i życia.

Ponad połowa rzeźb Matisse'a powstała w latach 1900-1910, a on sam często pracował w seriach, z biegiem lat upraszczając formę. Pierwsze trójwymiarowe dzieło 82, Jaguar pożerający zająca, powstało podczas studiów rzeźbiarskich od 1899 roku i wskazuje nie tylko na wpływ Auguste'a Rodina, ale także Antoine'a-Louisa Barye'a, znanego francuskiego rzeźbiarza znanego z rzeźb zwierząt. Matisse wzorował rzeźbę Jaguar na brązowej rzeźbie Barye'a Jaguar dévorant un lièvre, nad którą pracował w latach 1899-1901. Podobnie jak obraz o tym samym tytule, rzeźba Sługa powstała w 1900 roku, a ukończona została w 1903 roku. Za modela posłużył mu Włoch Bevilaqua, który już wcześniej modelował dla Rodina w pracach Jan Chrzciciel (1878) i Idący człowiek (1900). Matisse często transponował motywy ze swoich rzeźb do obrazów lub odwrotnie. Wielkość jego rzeźb nie odpowiadała wielkości życia, jak to było w przypadku tradycyjnych rzeźbiarzy, ale były one tworzone w mniejszym formacie.

W 1907 roku rozpoczął pracę nad Aktem leżącym, który rozwinął z obrazu Luksus, cisza i pożądanie (1904-1905). Temat ten miał go zajmować przez 30 lat. Rzeźbę Dwie Murzynki z 1908 roku można znaleźć ponownie w jego Martwej naturze z 1910 roku, Brąz z owocami. Obraz Cézanne'a Trzy Kąpiące się, nabyty w 1899 roku, posłużył Matisse'owi jako model w pracach przedstawiających ciało w sposób monumentalny, takich jak seria płaskorzeźb aktów w pozycji leżącej, które Matisse stworzył w latach 1909-1929. Inspiracją dla serii Jeannette I - V z lat 1910 - 1913 był wcześniejszy obraz impresjonistyczny; głowa Jeanette stawała się w wersjach coraz bardziej wyalienowana. Jeanette V stanowi prekursorkę abstrakcji fizycznej, która rozpowszechniła się później w sztuce od lat 30. Inspiracja sztuką prymitywną nie znalazła odzwierciedlenia w jego malarstwie, jak to było u Picassa, ale jego przemiany pozostały pod tym względem ograniczone do prac rzeźbiarskich.

Prawie wszystkie jego rzeźby składały się z nakładu dziesięciu egzemplarzy, z jednym wyjątkiem: Mały cienki tors z 1929 roku istnieje tylko w trzech egzemplarzach. Matisse stosował technikę odlewu z piasku i wosku traconego. Większość jego prac rzeźbiarskich została odlana w późniejszych latach, kiedy zainteresowała się nimi większa liczba kolekcjonerów. Akty tylne I - IV, które należą do najważniejszych rzeźb Matisse'a, zostały odlane dopiero po śmierci Matisse'a za namową jego spadkobierców. W latach 90. spadkobiercy kazali zniszczyć większość oryginalnych form, aby zapobiec kolejnym edycjom.

Wśród czterech największych malarzy francuskich pierwszej połowy XX wieku - Matisse'a, Picassa, Deraina i Braque'a - Matisse był pierwszym teoretykiem. Jego pismo z 1908 roku, Notes d'un peintre (Notatki malarza), znacznie wyprzedza opublikowane wypowiedzi Braque'a i Picassa. Chociaż najwcześniejszy wywiad Braque'a (1908) został opublikowany w 1910 roku, jego teksty ukazały się dopiero w 1917 roku. Pierwsza teoretyczna wypowiedź Picassa, Picasso speaks, ukazała się w maju 1923 roku.

W Notes of a Painter, Matisse wyjaśnił główne problemy swojej sztuki: "ekspresja" ("Ausdruck und Aussage"), mentalne przetwarzanie naturalnych form, jasność i kolor. Ponadto w artykule tym wyznaje swoją wiarę w sztukę jako wyraz osobowości. Nie jest ona dla niego ani reprezentacją "wyobraźni", ani pośrednikiem idei literackich, lecz opiera ją na intuicyjnej syntezie wrażeń z natury. W piśmie tym w centralnym, często cytowanym fragmencie czytamy:

Drugi tekst teoretyczny Notes d'un peintre sur son dessin (Uwagi malarza o rysunku) ukazał się w Le Point w 1939 roku. W latach po 1930 roku wykonał wiele rysunków kreskowych, realizowanych ołówkiem lub piórem; rysunki piórkiem i tuszem, jak określał Matisse, "powstawały dopiero po setkach rysunków, po próbach, wglądach, definicjach formy; potem rysowałem je z zamkniętymi oczami."

Świadectwa współczesnych

Starszy o wiele lat impresjonista Auguste Renoir skomentował to Henri Matisse'owi pod koniec pierwszej wojny światowej, kiedy Matisse odwiedził go na południu Francji:

W 1905 roku starszy o sześć lat kolega malarz Paul Signac kupił obraz Matisse'a Luksus, cisza i zmysłowość, który był wystawiony na Salon des Indépendants. Rok później neoimpresjonista wyśmiewa dzieło Matisse'a Radość życia wystawione na Salonie:

Gertruda Stein, mecenas Matisse'a, tak opisała jego obraz z 1907 roku Niebieski akt (Wspomnienie z Biskry) i jego intencję:

Student i przyjaciel Matisse'a, niemiecki malarz Hans Purrmann, zorganizował w 1908 roku w Berlinie wystawę w galerii Paula Cassirera. Wystawa spotkała się z krytyką. Na wspólnym spotkaniu z Maxem Liebermannem w galerii, ten ostatni obawiał się "ruiny młodości" na widok obrazów i wolał zająć się swoim jamnikiem. "Malowanie pierników" i "tapeta" były ówczesnymi hasłami o malarstwie Matisse'a. Na kilka lat przed śmiercią Matisse'a Purrmann skomentował jego późne okoliczności życiowe:

Picasso bardzo często wyrażał swoje uznanie dla Matisse'a. Wśród wielu wypowiedzi Picassa, jednak ta poniżej najdobitniej wskazuje, jak bardzo Picasso uznawał twórczość Matisse'a:

Związek z Picasso

Matisse był jedynym współczesnym artystą, którego Picasso uważał za równego sobie. Żaden inny współczesny artysta nie znaczył dla niego tak wiele jak Matisse, mimo ich przeciwstawnych orientacji artystycznych. Podczas ich spotkań dochodziło do ożywionej wymiany zdań. "Musimy rozmawiać ze sobą jak najwięcej" - powiedział Matisse Picassowi pod koniec lat czterdziestych, dodając: "Kiedy jeden z nas umrze, będą pewne rzeczy, o których drugi nie będzie mógł z nikim innym rozmawiać".

Picasso, który również nieraz rzucał okrutne obelgi, nigdy nie pozwolił nikomu innemu na krytykę Matisse'a. Jest na to wiele dowodów, a jedno z najlepszych spośród wielu świadectw pochodzi od Christiana Zervosa. Matisse i Picasso spędzili popołudnie w Coupole wraz z kilkoma innymi osobami. Matisse opuścił na chwilę grupę. Kiedy ktoś zapytał, gdzie się udał, Picasso odpowiedział, że siedzi bezpiecznie na swoim wieńcu laurowym. Większość obecnych osób, szukając aprobaty u Picassa, zaczęła atakować Matisse'a. Picasso wpadł w gniew i krzyknął: "Nie będę tolerował, żebyście mówili cokolwiek przeciwko Matisse'owi, to nasz największy malarz".

W ten sposób obaj złożyli sobie nawzajem hołd. Picasso powiedział: "W zasadzie nie ma nic poza Matisse'em. "Tylko Picasso może uciec od wszystkiego. On może wszystko pomieszać. Szpecić, okaleczać, rozczłonkowywać. Zawsze jest, zawsze pozostaje w porządku" - powiedział Matisse. "Tylko dlatego, na przykład, Matisse jest Matisse'em: ponieważ ma słońce w swoim ciele", powiedział Picasso.

Pełne szacunku relacje artystyczne między tymi dwoma standardowymi artystami XX wieku, naznaczone twórczą rywalizacją, szczegółowo podkreśla Françoise Gilot w książce Matisse i Picasso - przyjaźń artystów.

Ich opozycja uwidaczniała się w fundamentalnych pytaniach o charakter obrazu i sens sztuki. Picasso chciał obrazu dysonansowego, Matisse - harmonijnego. Ich przeciwieństwa wyłaniają się ostro w następujących cytatach: "Malarstwo nie jest po to, by dekorować mieszkania. Jest bronią ataku i obrony" - mówił Picasso w wywiadzie z 1945 roku w Lettres Françaises. "Obraz na ścianie powinien być jak bukiet kwiatów w pokoju" - skomentował Matisse kilka miesięcy później w tym samym piśmie.

Z drugiej strony twórczość Cézanne'a jest elementem, który łączy te dwie rzeczy. Picasso, podobnie jak Matisse, studiował jego obrazy i powiedział później do fotografa Brassaï: "Cézanne! On był ojcem nas wszystkich!". Matisse studiował m.in. listy Cézanne'a i miał z nim wspólny instynkt poszukiwawczy, który dąży do uzyskania w pełni "zrealizowanego" obrazu (na ten temat patrz → réalisation in Cézanne). To poszukiwanie i badanie, które przewija się przez pisma Matisse'a jak czerwona nić, jest bardzo wyraźne w twórczości Cézanne'a.

Opór Matisse'a wobec malarstwa abstrakcyjnego

Z niesłabnącą gwałtownością Matisse potępił malarstwo abstrakcyjne w rozmowie z Marie Raymond w 1953 roku. "Terminy takie jak nieprzedstawiający czy abstrakcyjny to nic innego jak tarcza, która ma ukryć niedostatki". I dodaje: "Napisz dokładnie tak, jak ci mówię: Matisse jest przeciwny sztuce abstrakcyjnej. Picasso myśli dokładnie tak jak ja: wszyscy ci, którzy stworzyli dzieło, myślą tak jak ja".

Na pytanie Marie Raymond, czy w jego późnych pracach nie widać pewnego podejścia do eksperymentów abstrakcjonistów, Matisse odpowiedział, że sztuka zawsze była abstrakcyjna i że gdyby był młodszy, rozpocząłby kampanię przeciwko sztuce abstrakcyjnej.

W innym miejscu, uzasadniając odrzucenie malarstwa abstrakcyjnego, podkreślał, że jedynie imituje ono abstrakcję.

Wpływ na ekspresjonizm abstrakcyjny w USA

Gdy Mark Rothko, przedstawiciel abstrakcyjnego ekspresjonizmu, zobaczył pod koniec lat 40. w nowojorskim Museum of Modern Art Czerwoną pracownię Matisse'a (Das rote Atelier, 1911), był pod wielkim wrażeniem twórczości francuskiego artysty i wywarła ona duży wpływ na jego samego. Jak wspominał kiedyś Rothko, spędził "godziny i godziny" siedząc przed tym obrazem. W 1954 roku, w roku śmierci Matisse'a, Rothko namalował Homage to Matisse; dzieło to osiągnęło ponad 22 miliony dolarów na aukcji w listopadzie 2005 roku.

Pod wpływem twórczości Matisse'a znaleźli się również amerykańscy malarze abstrakcyjno-ekspresjonistyczni, tacy jak Robert Motherwell, Sam Francis, a także Frank Stella oraz malarz color field Ellsworth Kelly.

Matisse i jego modele

O życiu i twórczości Matisse'a krąży wiele przesądów - na przykład, że miał on romanse ze swoimi modelkami. Hilary Spurling, brytyjska biografka Matisse'a, zdegradowała to przypuszczenie do sfery legendy. Pisze, że z listów, zapisków w dzienniku i relacji jego towarzyszy wyłania się inny obraz: "Wszyscy opisywali system mnisiej surowości i dyscypliny, i wszyscy byli doprowadzeni do granic wytrzymałości przez nieludzką normę samounicestwienia Matisse'a". Spurling przeprowadził obszerne rozmowy z wszystkimi żyjącymi jeszcze modelami.

Filmy o Matisse'ie

Pisarz Louis Aragon poznał Henri Matisse'a zimą 1941 roku, kiedy ten uciekł z Elsą Triolet z okupowanej części Francji do Nicei, aby kontynuować ich wspólną pracę w Résistance. Rozwinęła się głęboka przyjaźń, z której powstała książka Aragona o Matisse'ie, Henri Matisse, roman, ale która mogła być ukończona dopiero krótko po śmierci Elsy w 1971 roku. Praca Aragona, w której mieszają się autobiografia i krytyka sztuki, a także eseje i wiersze, była wzorem dla filmowca Richarda Dindo, który już wcześniej zrealizował filmy dokumentalne m.in. o Maxie Frischu i Arthurze Rimbaud. W 52-minutowym kolorowym filmie Aragon, le roman de Matisse, Dindo opisuje powrót do miejsc, w których żył Matisse. Udany montaż kondensuje obrazy i dźwięki w filmową lekturę obrazów, książki i autentycznych miejsc. Produkcja: Lea Produktion, Zurych 2003, reżyseria Richard Dindo.

Powstały również filmy, które są dostępne jako filmy wideo i były emitowane przez różne stacje telewizyjne: Gero von Boehm nakręcił Henri Matisse - lata w Nicei, zapis telewizyjny: ARD, 4 października 1988 r. Matisse - Picasso, nieprawdopodobna przyjaźń Philippe'a Kohly'ego z 2002 r. to francuski reportaż filmowy, zapis telewizyjny: 3sat, 20 lipca 2003 r. Henri Matisse - podróż filmowa (OT: Henri Matisse - un voyage en peinture), portret filmowy, zmontował Heinz Peter Schwerfel, Niemcy.

Półgodzinny film telewizyjny Matisse & Picasso: A Gentle Rivalry powstał w 2001 roku; dotyczy portretów dwóch "gigantów" sztuki XX wieku. Pokazuje m.in. rzadko publikowane fotografie ich obrazów i rzeźb, a także zdjęcia i filmy obu artystów z archiwów pokazujące ich przy pracy. Geneviève Bujold podkłada głos Françoise Gilot, Robert Clary to Matisse, a Miguel Ferrer to Picasso. Krajowa produkcja nagrodzona Emmy pochodzi z KERA-Dallas

Matisse na rynku sztuki

Prace Matisse'a często osiągają najwyższe ceny na aukcjach. Przykładami z ostatnich lat są obraz L'Espagnole (1922), który został sprzedany na aukcji w Sotheby's w Nowym Jorku w 2007 roku za 10,121 mln dolarów, oraz obraz Les coucous, tapis bleu et rose z 1911 roku, który osiągnął rekordową cenę za obraz Matisse'a na aukcji Christie's kolekcji sztuki projektanta mody Yves Saint Laurenta w Paryżu w lutym 2009 roku. Młotek spadł na 35 905 000 euro. W przeciwieństwie do dzieł Picassa, jego prac nie znajdziemy jednak wśród dwunastu najdroższych obecnie obrazów na świecie. Jego relief w brązie, Nu de dos 4 état, wystawiony na aukcji Christie's 3 listopada 2010 roku, ustanowił rekord za dzieło Matisse'a (w dolarach): Gagosian Gallery, Nowy Jork, nabyła ją za ponad 48 milionów dolarów (równowartość nieco ponad 43 milionów euro).

Portret kobiety odkryty w znalezisku sztuki w Schwabing

Na konferencji prasowej poświęconej znalezisku w Schwabing 5 listopada 2013 roku pokazano przypisywany Matisse'owi portret siedzącej kobiety, powstały około 1924 roku, skonfiskowany w 1942 roku przez Einsatzstab Reichsleitera Rosenberga ze skarbca bankowego handlarza dziełami sztuki Paula Rosenberga w Libourne. Znalezisko w Schwabing to odkrycie 1280 dzieł sztuki w monachijskim mieszkaniu Corneliusa Gurlitta 28 lutego 2012 r. Oprócz portretu Matisse'a znalezione tam dzieła, z których część jest nieznana, to m.in. prace Marca Chagalla, Otto Dixa, Maxa Liebermanna, Franza Marca i Pabla Picassa.

Matisse w życiu codziennym i nauce, wyróżnienia

Twórczość artysty jest tak popularna w teraźniejszości, że w ofercie znajduje się wiele plakatów z wizerunkami jego dzieł, a także układanki, na przykład 1000-elementowa układanka z dziełem Taniec. Producent samochodów Citroën produkuje nie tylko samochód z nazwiskiem swojego przyjaciela i antypody Picassa, ale od 2006 roku także C Matisse. Nazwisko Matisse'a obecne jest również na scenie muzycznej: W 1999 roku alternatywny grecki zespół rockowy w Atenach nazwał się Matisse, a w Troisdorfie znajduje się pub muzyczny o tej samej nazwie. W 1993 roku wyhodowano różę, która otrzymała jego imię. Ulice i place we Francji zostały nazwane na cześć Matisse'a.

Na planecie Merkury kratery noszą nazwy po zmarłych znanych osobistościach, na przykład artystach, malarzach, pisarzach i muzykach. Krater Matisse został nazwany na cześć Henri Matisse'a w 1976 roku; ma średnią średnicę około 190 kilometrów i znajduje się na południowej półkuli Merkurego. 2 kwietnia 1999 roku odkryta w 1973 roku asteroida wewnętrznego pasa głównego została nazwana imieniem Matisse'a: (8240) Matisse.

Obrazy i sylwetki, prace graficzne

Kompilacje biograficzne

Etapy życia

Relacje naocznych świadków

Poszczególne aspekty pracy

Wpływ i odbiór

Katalog raisonné

Fikcja

Książki dla dzieci

Muzea

Biografie

Zdjęcia

Źródła

1. Henri Matisse
2. Henri Matisse
3. Lawrence Gowing: Matisse, Umschlagrückseite, 1997, ISBN 3-7852-8406-3.
4. Anna Katharina Feldhaus: Henri Matisse – Malen mit der Schere. In: Schirn Kunsthalle Frankfurt. 5. April 2013, abgerufen am 14. Dezember 2020.
5. Henri Matisse: Farbe und Gleichnis, S. 110.
6. Volkmar Essers: Matisse, S. 7, 92
7. Jill Kitson: The Unknown Matisse. In: ABC. 5. August 2005, abgerufen am 14. Dezember 2020.  Interview mit der Matisse-Biographin Hilary Spurling.
8. « https://archives.yvelines.fr/rechercher/archives-en-ligne/correspondances-du-musee-departemental-maurice-denis/correspondances-du-musee-maurice-denis », sous le nom MATISSE Henri (consulté le 12 février 2022)
9. ^ Adrian Searle (7 May 2002). "Searle, Adrian, A momentous, tremendous exhibition, The Guardian, Tuesday 7 May 2002". Guardian. UK. Retrieved 13 February 2010.
10. ^ Wattenmaker, Richard J.; Distel, Anne, et al. (1993). Great French Paintings from the Barnes Foundation. New York: Alfred A. Knopf. ISBN 0-679-40963-7. p. 272
11. ^ Spurling, Hilary (2000). The Unknown Matisse: A Life of Henri Matisse: The Early Years, 1869–1908. University of California Press, 2001. ISBN 0-520-22203-2. pp. 4–6
12. 1 2 3 4 5 6 RKDartists (нидерл.)
13. 1 2 3 4 5 6 The Personal Life of Henri Matisse.  (неопр.) Дата обращения: 4 декабря 2012. Архивировано из оригинала 12 июля 2016 года.